1- Relaciones entre Arte y Política I: El Romanticismo y las vanguardias históricas: Cubismo sintético, Die Brücke, Futurismo, Constructivismo, Dada Berlinés y Surrealismo.
Die Brücke- expresionismo alemán 1905 Es uno de los grupos pictóricos más representativ representativos os del movimiento expresionista Este movimiento movimiento nació nació en Dresden, en el 1905 y fue fundado por por Ernst Kirchner y es el primer movimiento de vanguardia que toma una postura política. Se centra en una temática política la mayoría de ellos estudiantes de arquitectura, ellos tienes una libertad plástica por estar en Alemania , son autodidactas Se unen la época de que les ha tocado vivir , sin principios,ni valores y de toda esa rabia estos jóvenes inconformistas inconformistas deciden crear crear un movimiento, quieren quieren cambiar la opinión pública, desprender del capitalismo y volver a la naturaleza. Los expresionistas no veían el arte como algo estético sino que como una manera de representar su personalidad y las inquietudes del artista, la personalidad del pintor se ve reflejada reflejada en en su obra. Vuelven a las ideas del romanticismo, toman dos temáticas: naturaleza naturaleza y ciudad Las características pictóricas que encontramos en este movimiento, son la gama cromática y en la figuración de sus objetos objetos y personajes. Ludwig, dos mujeres en la calle Ernst Kirchner Kirchner Los Bañistas Bañistas
En sus obras encontramos colores intensos y contrastados, que concuerdan con la personalidad de este movimiento, además las formas que adquieren adquieren elementos, elementos, que son distorsionadas, puntiagudas y esperpénticas. Perdiendo así cualquier apariencia anatómica con la realidad.
Cubismo 1909-1912 EL cubismo es un movimiento vanguardista nacido en el 1907 Los creadores teóricos de este este movimiento de vanguardia fueron Braque y Picasso, este movimiento en sus orígenes se ve asociado a la política pero no llega a incidir directamente. Además adopta influencias del arte africana (mascaras Africanas) y se ven reflejados conceptos como la relatividad de Eintein lo que cambia su percepción de la relidad. El Cubismo pasa por tres etapas: La primera es la fase analítica donde toman como la teoría de la
relatividad de Einstein. Intentan fragmentar el objeto desde todos sus ángulos a la vez que intentan introducir el alma y el espirito, toman los colores pardos para que el espectador no se despiste y vuelven al dibujo y a la línea. Al realizar esta síntesis tan radical las obras cubistas son difíciles de vender ya que el espectador no distingue los objetos. Esta fase tan analítica radica en el hecho de que el artista intenta reflejar reflejar no sólo que el tiempo es relativo sino también la materia. La segunda fase es la hermética.
Para paliar la confusión y la difícil lectura de las obras analítica, Picasso y Braque, empiezan a dejar pistas en sus obras. Se empiezan a introducir detalles figurativos y esquematizados para estimular la comprensión. Por ejemplo, las cuerdas o clavijas ayudan a identificar la posible existencia de un instrumento musical, o un pomo la de una mesa. La tercera fase es la sintética.
En esta fase se dio un nuevo paso. Ya no hay razón para imitar minuciosamente una etiqueta o un sobre, sino que se toma un ejemplar real y se pega, es la técnica del Papier collé,inventada por Picasso y Braque
Cubismo 1909-1912 EL cubismo es un movimiento vanguardista nacido en el 1907 Los creadores teóricos de este este movimiento de vanguardia fueron Braque y Picasso, este movimiento en sus orígenes se ve asociado a la política pero no llega a incidir directamente. Además adopta influencias del arte africana (mascaras Africanas) y se ven reflejados conceptos como la relatividad de Eintein lo que cambia su percepción de la relidad. El Cubismo pasa por tres etapas: La primera es la fase analítica donde toman como la teoría de la
relatividad de Einstein. Intentan fragmentar el objeto desde todos sus ángulos a la vez que intentan introducir el alma y el espirito, toman los colores pardos para que el espectador no se despiste y vuelven al dibujo y a la línea. Al realizar esta síntesis tan radical las obras cubistas son difíciles de vender ya que el espectador no distingue los objetos. Esta fase tan analítica radica en el hecho de que el artista intenta reflejar reflejar no sólo que el tiempo es relativo sino también la materia. La segunda fase es la hermética.
Para paliar la confusión y la difícil lectura de las obras analítica, Picasso y Braque, empiezan a dejar pistas en sus obras. Se empiezan a introducir detalles figurativos y esquematizados para estimular la comprensión. Por ejemplo, las cuerdas o clavijas ayudan a identificar la posible existencia de un instrumento musical, o un pomo la de una mesa. La tercera fase es la sintética.
En esta fase se dio un nuevo paso. Ya no hay razón para imitar minuciosamente una etiqueta o un sobre, sino que se toma un ejemplar real y se pega, es la técnica del Papier collé,inventada por Picasso y Braque
Futurismo 1909-1920
El futurismo es la primera vanguardia que se encuentra en el ámbito político, están a favor de la guerrai (exaltar la agresividad a golpe de puño). El creador del movimiento cultural futurista es Tomasso Marinetti nace en italia y en 1909 publica en periódico Italiano Le Figaro el Manifiesto futurista para que tuviese trascendencia. En contexto histórico en el que surge el futurismo, Italia vive grandes tensiones políticas: En el norte de Italia Milán está creciendo económicamente gracias a la industrialización y las ideas aun vigente de Marx calan hondo en el pensamiento del proletariado, por lo que se tiende al anarquismo y rechazo hacia la burguesía. Este pensamiento influye claramente claramente en el futurismo por lo que que rechaza la estética tradicional e intenta transformar la vida a través del arte, basándose en sus dos temas dominantes: la maquina y el movimiento. En las artes plásticas este movimiento no innova en la técnica pero si en la temática, al principio comienzan comienzan con el puntillismo pero Marinetti Marinetti envía a sus artistas a influenciarse del Cubismo en Paris, por lo que adoptan su técnica pero introducen una nueva temática. Pronto el Futurismo se se ve relacionado con el fascismo de Mussolini, Mussolini, ya que Marinetti era tremendamente nacionalista y quería que que Italia recuperase el lugar que le corresponde corresponde dentro del arte .Por lo que el Fascismo se aprovecho para llegar a la parte del sector italiano más joven.
Puntos importantes de la concepción futurista: Queria exaltar la modernidad, la maquinaria en industria, coche, coche, avión, tren... todos los avances tecnológicos, que dan dinamismo al arte, por ello rechaza todo el arte del pasado
Cubofurismo o Futurismo ruso. 1912 El futurismo ruso fue un movimiento de vanguardia, relacionado con el futurismo italiano, que surgió en Rusia 1912 El futurismo pronto se vio relacionado con el proletario revolucionario y desde el principio marcó sus diferencias con el futurismo de Marinetti, que siempre estuvo obstinado a dar al futurismo una autenticidad artística. En cambio, el ruso, sirvió para actualizar e ilustrar la cultura rusa, se identificó como movimiento artístico liberador y revolucionario. Contexto histórico.
El futurismo ruso está influenciado por la revolución Rusa de 1917 que culminó con la dos revoluciones de 1917, la primera la caída del régimen zarista (Revolución de Febrero) y la creación del primer estado comunista del mundo (Revolución de Octubre). Las causas de la revolución fueron el descontento social debido al despotismo del régimen Zarista sumando a la baja que los rusos sufrieron durante la 1ª Guerra mundial y económicamente la inflación y el hambre sufrido por la población derivaron en la revolución liderada por Lenin y Trotsky . El referente artístico más destacado fue Mayakovsky que junto a David Burliuk, en 1912 relizan el manifiesto futurista llamado “una bofetada al gusto del público” firmado por el grupo Hylea.
En el 1920 Surge el Constructivismo, liderado por Tatlin su concepción se basa en que el arte debe estar al servicio del pueblo, por lo que fundan un monumento por los caidos en la revolución rusa, el monumento a la tercera internacional.
Dadaismo: 1916 Movimiento multicultural nacido Suiza (Zurich) en 1916. El dada utiliza la ironía, lo absurdo o burla, es la reacción que toman ante el momento que les ha tocado vivir, ellos no creen en la civilización responsable de la guerra por lo tanto niegan su cultura y lo rechazan todo porque es producto de dicha sociedad. El fundador del dadaísmo es Hugo Ball, en 1916 crea el cabaret Voltaire, que tenía diversas finalidades, una era albergar a los diversos artistas que habían exiliado en Suiza además de convertir el cabaret en una de galería expositiva donde se realizarían, teatros, declamaciones, se recitarian poemas, esposiciones…
El origen del nombre dadaísmo tiene múltiples significados, entre ellos se piensa que procede del balbuceo de un bebe, además del significado de rabo en el dialecto de una tribu africana ….
El Dadaísmo surgió en Suiza debido a que era una país neutral en la primera guerra mundial,por lo tanto era una movimiento pacifista que toman una perspectiva irónica en la forma de vivir debido al conflicto . Unos de los puntos característicos de la forma de ver el mundo de los dadaístas es a través de la ironía lo absurdo y el azar. Hugo Ball escribe un su diario el día a día del Cabaret Voltaire. Además crea la poesía fonética , creía que el lenguaje estaba corrompido por lo tanto debía crear un nuevo lenguaje totalmente puro. Marcel Janco crea unas mascaras, estas han sido fragmentadas y unidas entre sí posteriormente, las mascaras representan la desfiguración facial producida por el gas mostaza , el motivo de esta obra era representar la atrocidad de la guerra.
Dada berlines.
Luego de ayudar en el Cabaret Voltaire en Suiza, Richard Huelsenbeck regresó a Berlín; donde junto al poeta Raoul Hausman, Kurt Schwitters, el pintor Georg Grosz, Hanna Höch y los hermanos Wieland y Helmut Herzfelde (John Heartfield), desarrollarán el Dadaísmo en Alemania. En Berlín el dadaísmo tendrá el mismo espíritu que en Zurich pero será más incisivo y combativo con respecto a la guerra. Donde se destacarán las técnicas del fotomontaje. Ellos entienden que el comunismo es la solución a los problemas y vuelcan su producción en la propaganda política comunista En 1920 surge un nuevo movimiento artística en Alemania, este también toma un carácter político al igual que el dadaísmo, unos de sus mayores representantes es Otto dix.Realizan grabados en madera ya que es más barato y da la facilidad de realizar muchas reproducciones en muy poco tiempo. Esta técnica ya fue utilizada por movimiento artística Die Bruke.
Contexto histórico La Primera Guerra Mundial, también llamada la Gran Guerra, fue un conflicto bélico mundial iniciado el 28 de julio de 1914 y finalizado el 11 de noviembre de 1918. El cual involucró a todas las grandes potencias del mundo, que se alinearon en dos bandos enfrentados: por un lado, los Aliados de la Triple Entente, y, por otro, las Potencias Centrales de la Triple Alianza.
Surrealismo (1924-1940). La primera fecha histórica del movimiento es 1916, año en que André Breton, precursor, líder y gran pensador del movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud y Alfred Jarry a Guillaume Apollinaire. Durante los siguientes años se da un confuso encuentro con el dadaísmo, movimiento artístico precedido por Tristan Tzara, en el cual se decantan las ideas de ambos movimientos. Estos, uno inclinado hacia la destrucción nihilista (dadá) y el otro a la construcción romántica (surrealismo) se sirvieron como catalizadores entre ellos durante su desarrollo. La divergencia de pensamiento entre Bretón y Tristan acaba con la disolución del movimiento dada en París. Al ser Andre Breton un escritor el surrealismo comienza siendo un movimiento literario pero este tomará relevancia a través de la expresión pictórica, Los escritores seguidores de Bretón, fueron perdiendo interés por la literatura surrealista, ya se ha agotado la literatura automática, y Bretón le da un vuelco, dice,, dio un giro político y se unió al partido comunista y obligó a todos los componentes a trabajar al servicio de la revolución comunista, esto fue un año después (1925) del comienzo del surrealismo, ya en el 29 se radicalizó y todos los que no compartieran sus ideas fueron expulsados de la vanguardia, uno de los primeros fue Dalí (era apolítico). Con la Segunda Guerra Mundial se exilió en Méjico, allí creó un nuevo grupo, se fusionaron con los nativos, como Diego Rivera, allí continuó el Surrealismo, tomando la idiosincrasia de Sudamérica, la cultura precolombina de los sueños, el momento político de Méjico también influyó, apoyaban las ideas de izquierdas.
1- Relaciones entre Arte y Política II : Muralismo Mexicano, Expresionismo Abstracto, Informalismo Español, El Guernica, Situacionismo, Arte conceptual Empírico Medial, Net Art.
Muralismo Mexicano 1910
Comienza en 1910, no es un grupo (Orozco, Rivera, Riqueiro,...), es una práctica artística, es un arte objetivo. El estado encarga a los artistas, murales propagandísticos, en grandes formatos. Exponen los murales en exterior o grandes edificios, para que lo vea el pueblo. Representan la identidad mejicana, recuperar la cultura precolombina. Diego Rivera “hombre en el cruce de caminos” Picasso “Guernica”
Expresionismo Abstracto Neoyorquino
Surge en Norteamérica hacia los años 40 , terminan las vanguardias, muchos artistas exiliados allí despues de la Segunda Guerra Mundial se unen a los artistas de alli, la pintura de Miró cala muy hondo entre los jovenes, el automatismo psiquico puro es lo que se pone de moda tras el Surrealismo, dejar llevar nuestro lado irracional y volcarlo en el lienzo o texto (en el caso de los libros), pasándolo a la abstracción para liberarse de cualquier atadura realista. Es una época en la que está muy presente los desastres de la Segunda Guerra Mundial, lo proyectan para superar el dolor, los expresionistas vuelcan su angustia existencial, el dolor con el lenguaje abstracto que procede de su interior.(Artista representativo: Jackson Polloc).
Jackson Polloc. Cada artista vuelca su interior abstractamente, la forma de pintar en grandes formatos, tiene que ver con la política sin tener tanto en cuenta el resultado final. Estos artistas son como los romanticos (angustiados), hacen dinero rápidamente, se codean con las estrellas, son bebedores. Expresan su angustia, fue una herramienta política de EEUU, en los años 40, es el primer movimiento artístico nacido en EEUU, lenguaje abstracto y refleja el sentimiento intimo del artistas, existe la guerra fría con Rusia, por tanto se usa por ello como herramienta política, contra el
comunismo. La CIA asumió secretamente la dirección del Ministerio de Cultura, investigó a los jovenes artistas, los pusieron en una lista de antipatriotas (Jackson Pollock, Marc Rothko, Franz Kline, Philip Guston,...), apoyaron a este movimiento y así los controlaban, les encargaban obras monumentales, de muchísimo dinero, los hacian exponer en el MOMA, ... son artistas muy jóvenes pero los aupan, las revistas les hacen grandes reportajes, así EEUU, reivindica un arte Norteamericano, los alejan del comunismo. En Rusia están con el realismo soviético así pues en EEUU desarrollan lo abstracto. Guston y Rothko eran artistas-espias que informaban a la CIA de otros artistas, de sus ideas, movimientos, etc.
Informalismo Europeo y español: El informalismo europeo y español es contemporáneo del expresionismo abstracto americano. Nació en Europa unos años después del expresionismo en EEUU. El expresionismo abstracto tenía formatos muy grandes, se pinta en el suelo, sin caballete, porque es más fácil expresar los sentimientos en un espacio grande, se establece una especie de duelo o baile con la tela. También son obras grandes porque se desarrolla en Nueva York que es una gran ciudad con rascacielos y una arquitectura monumental. Después de la guerra se piden muchos encargos a los artistas para llenar paredes enormes, la escala de la pintura se amplía para estar a la altura de las construcciones de Nueva York. En las capitales europeas no se dispone de ese espacio, por eso en el informalismo la escala sigue siendo la tradicional, salvo al final del movimiento. La gran guerra se desarrolla en Europa, no en América, por eso frente al cromatismo del expresionismo abstracto, el informalismo es mucho más oscuro, como una representación del dolor y el desgaste producido por la guerra y la posguerra. El informalismo es un lenguaje abstracto donde predominan los colores negro y pardos y que sigue el formato tradicional. Se trata de una abstracción matérica. En ambos movimientos se deja de lado el óleo, que obliga a hacer un tipo de pintura más reflexiva, en el expresionismo abstracto se utiliza mucho el acrílico y el esmalte pero en el informalismo se introducen materiales como arenas, tierra, cristales, tela de arpillera, se queman trozos de madera para mostrar la degradación de la civilización, las ruinas, las cenizas de las que nace otra civilización. En los años 50 tanto en América como en Europa se empieza a promocionar a distintos artistas, cuyas obras suben de precio y en las dos corrientes hay artistas que se estancan y su obra deja de evolucionar. El informalismo en el caso de España tiene un trasfondo político de resistencia al franquismo, como en el caso de Tápies. Al principio Franco para que nadie pensase que su dictadura era rancia utilizó a los artistas como una herramienta política. En España no les presta atención a los informalistas pero en el extranjero les organiza
exposiciones para que piensen que la dictadura era más abierta de lo que era. Los informalistas empiezan a vender muy caro gracias a su promoción internacional y pierden esa esencia de resistencia política y se transforman en puro mercado. El único que ha seguido experimentando y no se ha estancado ha sido Canogar. “Espíritu Catalán” . Tápies.
El informalismo tiene mayor resistencia a abandonar la figuración que en el expresionismo abstracto debido a la tradición pictórica que arrastra Europa.
Arte Conceptual: Empirismo Medial Se trata de una correinte artistica surgida en los 70 y tiene su máximo esplendor en los años 80 y 90 que llega hasta neustros días Consite en denunciar cualquier injusticia social combinandola con imagen y texto.Se dice que es empirico porque todos los datos que aprarecen en las obras son reales, el artista toma los datos de documentos fidedignos , a través de encuestas, noticias, etc. Es medial ya que utiliza texto e imágenes que son estrategias de los medios de comunicación. Los artistas muestran sus obras aveces en vallas publicitarias o autobuces.
Grupos Gran Fury Es un colectivo de artistas activistas que desempeñan una campaña denunciando la poca atenció que el estado dava en los año 90 sobre VIH. Su nombre deriva de coche de policia estandar en EEUU y refleja el carácter de este colectivo repecto a las injusticias sociales (Gran Furia). Silencio = Muerte es una campaña publicitaria que tenía como finalidad informar y denunciar sobre el sida en los 90 ya que se creía que solo se transmitían entre los hombre.
Guerrilla Girls Reivindican igualdad en el mundo del arte entre hombres y mujeres. También denuncian desigualdades sociales o raciales a través de manisfestaciones o performance denunciando desigualdades raciales o reinvindicando derechos. “Do women have to be naked to get into the met”
Hans Hacke Alemán de formación estadounidense. Denuncia todo tipo de injusticia y desigualdad social. En 1970, Haacke creó una instalación encargada por el MoMA en Nueva York titulada MoMA Poll. Haacke planteó esta pregunta: «¿Sería el hecho de que el gobernador Rockefeller no haya denunciado la política del presidente Richard Nixon en Indochina una razón para que tú no le votes en noviembre?» Los visitantes tenían que introducir la papeleta de «sí» o «no» en una de las dos urnas de plexiglás. El resultado al final de la exposición era aproximadamente del doble de papeletas de «sí» respecto a los votos «no».1 La instalación es un primer ejemplo de crítica institucional y criticaba a unos miembros del consejo de administración y a la propia institución (MoMA). En el Museo Wallraf-Richartz vhizo otra exposición polémica. El Museo WallrafRichartz adquirió muchas obras que los alemanes habían robado a los judíos. En el 71 invitaron a Haacke, que llegó a la conclusión que en el Guggenheim estaban relacionados con la familia Shaplosky, que adquiría edificios desahuciados comprados a bajo precio. Publicó una lista de miembros de la directiva del Guggenheim que se relacionaban con los chanchullos mafiosos de la familia Shaplosky, que producía zonas de marginación para que se vaciaran los edificios y comprarlos. La exposición se canceló pero la gente del mundo del arte, indignada por esa censura, se manifiesta y el tema fue mucho más mediático al intentar taparlo. Benetton explota a los trabajadores a través de sus subcontratas, ha comprado la tierra de los Mapuches en Argentina y no pueden estar en ellas.
Von Hornsleth
También hace arte denuncia. Denunciando en Uganda el comercio colonial propone el libre comercio entre Africa y los países desarrollados sin explotación de las empresas neocoloniales. Su obra consistió en ofrecer a los ugandeses (340 en una aldea) ponerse su apellido a cambio de regalarles un cerdo o una cabra. Su campaña se llamaba “Te ayudaremos pero queremos poseerte”. Santiago Sierra “línea de 2,50 cm tatuada sobre la espalda de 6 personas remuneradas”
La abstracción pictórica: Expresionismo y geometría Descripción:El nacimiento de la abstracción y su desarrollo hasta la actualidad
Temas: 6.1.El jinete Azul: Kandinsky 6.2.Suprematismo: Malevich. 6.3.El surrealismo y Joan Miró 6.4.Expresionismo Abstracto Neoyorquino. 6.5.Informalismo Europeo
Las abstracción se aplican a la obras no figurativas, surge a partir del 1909 . En la abstracción el artista se libera de la figuración debido a la fotografía, ya no es necesario retratar con exactitud la naturaleza. Existen dos movimientos catalizadores de la abstracción el cubismo sintético y fovismo y cada uno tiene un grado de abstracción, El fauvismo es una abstracción lírica , el artista se deja llevar, improvisa, se deja llevar por el lado más irracional y su expresividad se ve reflejada en gama cromática. “La danza “ Matisse 1910 El cubismo, la abstracción es más radical y evoluciona hacia una abstracción geometrica, en la fase analítica donde toma colores pardos, y se fragmenta la figura hasta que no se relaciona con la realidad, la acción es más controlada que en fauvismo y basada en la formas geométricas´. “Violin” Picasso 1912 Las vanguardias que aplican la abstracción
El jinete Azul En Alemania surgen dos grupos artísticos que se ven influenciados por la abstracción el grupo nacido en Múnich (EL puente) y su contemporáneo el jinete Azul Este movimiento tiene sus orígenes en Alemania en la ciudad de Dresden, sus fundadores y máximo exponentes son Kandinsky y Paul klee. Estos dos artistitas comparten su interés por la pintura abstracta, por lo primitivismo así como un fuerte interés por el arte francés de vanguardia el fovismo y el cubismo.
Kandinsky dentro de “El Jinete azul “desarrollala abstracción lírica, que se define como una abstracción impregnada de sentimiento, el aplica la sinestesia a sus acuarelas (sinestesia significa la interferencia de distintas sensaciones en un mismo acto perceptivo) combinando la pintura con la música. A través de las composiciones dodecafónicas de Arnold Shoenberg, (se trata de una música atonal, no la podemos seguir ya todas las notas tiene la misma importancia ) compone su obra, el considera que esta melodía y la pintura abstracta es lo mismo, pero que se expresan de formas distintas. “Primera acuarela abstracta” Kandinsky La pintura de Kandinsky se ve influenciada por la primera guerra mundial, así que a partir de este acontecimiento su pintura evoluciona hacia una abstracción geométrica. “Composición VII”. 1913, óleo sobre lienzo. Kandinsky. “Composición VIII”. 1923, óleo 140 x 201. Kandinsky.
Franz Mark Coedita con Kandinsky el almanaque. Está influenciado por el futurismo y llega a la abstracción. Toda su temática son los animales, porque consideraba que los humanos no eran nobles como los animales. Usaba el color con procesos sinestésicos. Vaca amarilla: felicidad. Caballo azul: espiritualidad del hombre. Formas peleando”. 1914. Franz Marc.
Cubismo órfico 1913 El cubismo órfico (El Orfismo o cubismo órfico es el nombre dado en 1913 por el poeta Guillaume Apollinaire a la tendencia colorista y abstracta del cubismo parisino que exalta el color, la luz, emparentándolos con Orfeo, el personaje de la mitología griega que, por su sobrehumano manejo de la lira, representa la conjunción de la música y la poesía. Es el arte de pintar conjuntos nuevos con elementos no tomados de la realidad visual, sino totalmente creados por el artista y dotados por él de una poderosa realidad.) es una evolución del cubismo geométrico. Artistas: Robert Delaunay y Sonia Delaunay, eran pareja, ellos llaman al cubismo órfico: simultanismo.
Futurismo Ruso 1910 El futurismo ruso utiliza las mismas estrategias que el italiano pero toman una perspectiva política, al contrario que movimiento cultural de Marinetti, En Rusia el futurismo se utiliza para ilustrar la sociedad devastada por la revolución rusa. El cubo futurismo evolucionará en tres tendencias: -El rayonismo -El constructivismo -El suprematismo El rayonismo :
-Se centra en el espectro lumínico -Intenta plasmar los rayos lumínicos incidiendo sobre el objeto -Surge en 1910 y se trata de una abstracción lírica y no geométrica ya que incide en la expresión y no geometría. Máximo exponente Mijail Lorinov “Lluvia” Mijail 1910 “Paisaje rayonista”. 1912. Larionov Mijaíl Larionov. “Rayonismo rojo”. 1913 Suprematismo: -Se llama así ya que intenta representar la suprema sensibilidad.Trara de represetar
dodo lo existente y reducirlo a un lenguaje trascendental y absoluto. -Utiliza las formas geométricas más sencillas para hacer un recodificación del mundo
-Estaba obsesionado con el vacio y el tiempo “Negro sobre blanco”. 1915. Malevich..
EL surrealismo y Joan Miró nada Expresionismo abstracto en Estados Unidos
El arte abstracto se traslada a EEUU después de la segunda guerra mundial, se trata de una corriente pictórica, el individuo desarrolla su propio estilo abstracto. -A partir de aquí los EEUU comenzarán a crear corrientes artísticas. -La mentalidad del artista está libre de la estética clasicista de Europa por lo que no tiene en cuenta ni la estructura, ni la composición. El riesgo del Artista NY es que al carecer de tema su obra se convierta un simple elemento decorativo, por lo que centrará en manifestar un dialogo con el lienzo manifestando sus inquietudes. Las características trascendentales:
Es el movimiento más autentico que existe en el arte, ya que plasma su alma en la obra. Ya no es importante el resultado final, sino dialogo con el lienzo Proyectan el automatismo psíquico puro, lo toman del surrealismo , dejarse llevar por el subconsciente .
Existen cuatro corrientes : 1Expresionismo Abstracto Surrealista. (Abstracción surrealista):
Periodo de transición, que nos recuerda a Miró. Arshile Gorky, ejemplo de esta corriente “Hora nocturna, enigma y nostálgica”. 1934. Dibujo. Arshile GORKY. “Jardín en Sotchi”, óleo sobre lienzo. 1940. Arshile Gorky.
2.Action-Painting. ó Expresionismo Abstracto Gestual. Se trata de una abstracción lirica ya que el artista deja fluir el p incel. Realiza una performance con el cuadro, establece un dialogo con el lienzo. -No existe un punto de jerarquía en el cuadro. -Máximos Exponentes Willem De Kooning Características de este tipo de pintura: Por la monumentalidad de NY nos demandan el gran formato, se pinta ahora en horizontal, en el suelo, los puntos de vista son desde las cuatro esquinas, desaparece la pintura de caballete. Necesitamos pinturas líquidas, acrílico y esmalte (pintura industrial), por el coste y por la fluidez. Se usa cualquier objeto para potenciar nuestra expresividad Willem de Kooning. “Mujer en bicicleta”. 1952-53. “Number 8”. Detalle. 1949. Acrílico. Jackson Pollock. “Shimmering Substance”. 1946. Pollock. “Number One”. 1948. Pollock. “Lavender Mist”. 1950. Pollock.
3.- Simbolismo abstracto. Pintura Caligráfica: Signico. Usa signos abstractos negros de influencia oriental. Esta corriente es intermedia entre la Gestual y los Campos de Color. Se usa el negro por la época que era, oscuridad, crisis,... Maximos exponentes del Expresionismo Abstracto Signico
Robert Motherwll “Dos figuras”. 1958. Robert Motherwll Realiza una serie de Cuadros Titulado” Elegía A la republica Española” Franz Kline Es el único que realiza bocetos previos y luego realiza la obra. Era delator de los rojos, murió de cirrosis. Es Signica su pintura. “Cardinal ”. 1950. Franz Kline. “Pintura número 7 ”. 1951. Franz Kline.
4 Expresionismo Abstracto Campos de Color Pasaos a abstracción de campos de color , es abstracción geométrica donde el artistas intenta crear sensaciones a través del cromatismo. Con sus tintas planas y grandes campos de color interactuar con el sujeto, los máximos exponentes son Mark rodko y Newmam.
BARNET NEWMAN (1905-1970). “Voice of fire”. 1967. Barnet Newman. “Eve”. 1950. Barnet Newman. Jericho”. 1968. Barnet Newman.
MARK ROTHKO (1903-1970). “Number 13”. 1957. Mark Rothko. “No. 301 (Reds and Violet over Red/Red and Blue over Red) ”. 1959. Negro-rojo-y-negro”. 1968. Mark Rothko.
Cuadro del final antes de suicidarse. Estos cuadros de campo de color van cambiando según su estado anímico.
Informalismo Europeo Las dimensiones de los formatos informalistas son más pequeños debido al nivel adquisitivo de los artistas, también se debía a que en Europa las ciudades no eran tan monumentales como en Estados Unidos. En las obra de los artistas encontramos el peso del academicismo europeo, el sentido de armonía, composición y estructura. Debido a los escases de recursos los artistas informalistas utilizaran materiales muy baratos, arena, arcilla, cristales, tela de artillería. Todo lo que potencie la expresividad del artista, nunca eventos académicos y cada país desarrollará un estilo propio. ALBERTO BURRI (1915-1995). Era italiano. “Saco, 3” .1953. Alberto Burri. “Saco, 4”. 1953. Alberto Burri. “Sacco e rosso ”. 1954. Alberto Burri. “Hierro grande”. 1959. Alberto Burri. Las texturas las da el óxido y el cosido del metal. Son cuadros de c asi tres dimensiones. “Leño grande”. 1959. Alberto Burri. Madera reciclada y quemada en tres puntos. “Rosso plástica”. 1964. Alberto Burri. “Grietas” . 1975. Alberto Burri. LUCIO FONTANA. Argentino pero que ha trabajado en Italia toda su vida. “Concepto espacial ”. 1959. Lucio Fontana. ANTONIO SAURA. Español “L´odeur de la sainteté”. 1975. Antonio Saura. “Rona”. 1956. Antonio Saura.
El cuerpo como soporte artístico
Contexto Historio En los años 60 se toma una nueva concepción artística, utilizar el cuerpo como soporte artístico, esto radica en la postura que toman los artistas en contra del Pop Art Andy Warhol ya que se apropia de la publicidad y lo convierte en arte, vende el como un producto de consumo. Como contra postura muchos artistas toman sus cuerpos como soporte artístico ya que no se puede coleccionar y así todo el mundo puede disfrutar de una obra de arte gratis y además realizan un rechazo taxativo contra el mercado. Las Performance se documentan con fotografías y videos. Marina Abraimovic máxima exponen de las performance vende
estos documentos a museos y a cambio tienen que pagar derechos de imagen por publicar los videos. Performance se define como Arte en vivo, en la galería, en la calle, que ejecuta uno o varios artistas”. Se desarrolla por la necesidad de impresionar al publico por lo tanto se realizan actuaciones en directo La performance se separa del teatro al adquirir un concepto, está relacionado con el arte conceptual.
En sus comienzos trata temáticas como la homosexualidad, fenimismo.
Distinguiremos cuatro corrientes delas vanguardias , que han
influido en las performance actual: Futurismo, Futurismo ruso, Dadaismo, Surrealismo.
El futurismo italiano nacido en el 1920 influyo en la
performance actual debido a que realizaban veladas donde establecían conversaciones con el público, vendían entradas dobles, lanzaban agua hirviendo al público. Estas acciones tenía una motivo mediático ya que era un movimiento que quería darse a conocer. “Teatro dinámico y sinóptico”, Consistía en en unas breves declamaciones donde el actor tenía que gesticular y recitar con una entonación robótica.
“Maquina topográfica Eran 12 futuristas que en el escenario imitaban el ruido de una máquina topográfica, 6 hacían de pistones y 6 de rueda pero con la exactitud de una máquina.
Valentine Saint -Point Una de las máximas exponentes en actuaciones futuristas es Valentine Saint-Point, se trata de una poetisa francesa, y su concepto se basa en la reivindicación de la mujer en el arte. “Manifiesto de la lujuria”. 1913. Fue una obra muy polémica, pero tuvo gran éxito. Mientras ella bailaba, bailes de inspiración oriental, se oía música de Eric Satie y se iban proyectando ecuaciones
Teatro Sintético (1915) Se tratan de obras muy breves, Interrealcion entre los pies
Teatro simultáneo (1915). También propuesto por
Marinetti. Dos historias que se
desarrollaban a la vez en el mismo escenario separados por tabique y en un momento determinado se intercambiaban algún personaje y se funden las historias en un momento dado.
Teatro Aéreo futurista. FEDELE AZARI El teatro aéreo futuristas fue la primera performance documentada, consistía en sobrevolar Milan con un avión e ir tirando propaganda, que era el manifiesto del teatro futurista. “Primer vuelo de dialogo expresivo” Además Azari realizaba una coreografía, y Luigi Rusolo había modificado el sonido del motor de su avioneta para que crease música cuando volaba. “Nacimiento”, dos avionetas iban cortejándose en el aire, hasta que se escondía detrás de una nube y después de tener relaciones sexuales, nacían futuristas que eran paracaidistas que iban cayendo.
Dadaísmo y Surrealismo El cabaret fue hogar de las veladas dadá, en las que se combinaban diversos medios expresivos para un público cambiante y ocasional, que más de una vez despertaron inquietud en las autoridades de Zurich contó con danzas, música y composiciones burlescas. Las veladas eran, a criterio de Ball, encuentros cotidianos que invitaban a artistas de cualquier orientación a participar, acudir con propuestas y aportar a las distintas.
Arthur Cravan es una de los Dadaístas más polémicos “ El artistas tenía que hacer una espectáculo de su vida”. Era escritor de la revista
Maintenant y creó polémica ya que en sus artículos ponía verde a todo personaje relevante en Paris. Por ejemplo a Pollinaire En definitiva toda su vida fue un espectaculo
John Cage
La faceta mas particular que va a convertir a John Cage en uno de los grandes inovadores musicales de este siglo y que lo va a apartar de la tradición Europea, es la búsqueda de la "obra abierta". Para Cage la obra de arte se tiene que abrir a la vida, Para lograr esto él compone su música usando técnicas de azar que determinan cada nota, cada rítmo y cada silencio de sus obras. Cage afirma que para componer de esta manera es necesario que el artista aniquile su ego Otro ejemplo es la obra "Cuatro minutos, treinta y tres segundos" cronometrar cuatro minutos treinta y tres segundos sin tocar una sola nota de sus instrumentos
“Piano preparado”. John Cage.
Otra de sus piezas (Piano preparado), consistía en la colocación de diversos objetos sobre las cuerdas de un piano, de modo que cada sonido era distinto. El comportamiento más radical caló más intensamente en Nueva York, ciudad donde no tenían tantos prejuicios.
DEL EXPRESIONISMO ABSTRACTO AMERICANO AL ACCIONISMO VIENÉS (“AKTIONISMUS”) Es movimiento cultural artististico surgido en Estados Unidos, durante la post guerra. Este movimiento
al carecer de tema desarrolla su concepción
artística otorgándole mayor importancia al dialogo con la obra pictórica que al propio resultado. Este nuevo concepto es adoptado por el arte conceptual, estos artistas surgen por la contraposición del consumismo artístico potenciado por Pop Art. El arte conceptual predica que la obra de arte no es un objeto físico sino que se basa en un concepto o idear
Caracteriisticas: Prevalece la idea o concepto sobre el resultado. Las obra requieren mayor implicación del espectador, no solo a la hora de percibirlas sino también con su acción y participación. Dependiendo de sus insistencia en el lenguaje, compromiso social o cuerpo o naturaleza encontraremos trabajos muy diferentes: body art, land art, process art, performace art o art poveda Deriva de la acción pictórica, en la que es más importante el proceso que el resultado. Se toma como punto de partida la pintura expresionista gestual.
A finales de los años 50 y principios de los años 60 surge un nuevo movimiento llamado Neodadaismo, este movimiento surge como contraposición al Expresionismo abstracto, ya que este había creado un vacío en entre el arte y la sociedad através de su carga emotiva, relación conceptual de la obra. Esto resulta inteligible
Yves Clein 1929- 1964 Toda su obra artística está relacionada con el Judo, es una arte Marcial que se ve íntimamente relacionada con la concepción filosófica Zen y budista. Debido al interés por la cultura oriente adopta el color azul como elemento compositivo, este simboliza lo absoluto y el vacio. Este artista se ve influenciado por concepto del vacío de Malevich como se ve reflejada en la obra “Blanco sobre Blanco”
” El vacío”. Galerie Iris Cletr. Paris. Yves Klein. Su concepto de vacío se planteó en el propio espacio de la galería. Una sala vacía representaba el vacío y como el arte del vacío no puede comprarse. La gente compraba su obra inexistente. Según Klein: “El artista no es un artesano, lo más importante del artista son sus ideas y por lo tanto no debe mancharse las manos”. En su obra “ Anthropometry ” , sus modelos se pintaban el cuerpo de su famoso azul Klein y plasmaban su figura sobre el lienzo. Yves Klein dirige, no se mancha las manos.
NIKI DE SAINT PHALLE. (1930-2002). “Tableux surprise” . 1960. Niki de Saint Phalle. Un mural que se crea tras ser disparadas las bolsas que lo componen. El público terminaba la obra, haciendo estallar las bolsas. Crítica a la sociedad de consumo. Recupera aquello que la sociedad ha despreciado.
PIERO MANZONI. (1933-1963). Sus obras/performance eran una crítica al endiosamiento del artista. Todo lo que tenga una marca de artista tiene un valor. “ Aliento de artista” . 1960. La consumición del arte dinámica del público. “Devorar el arte”. 1960. “Piero Manzoni firma una escultura viviente”. 1961. Firmó unos huevos duros que el público se comería en su happening.
ACCIONISMO VIENÉS. Günter Brus, Otto Mühel y Herman Nitsch HERMANN NITSCH “Teatro de orgías y misterios” . Herman Nitsch. Todos los temas tratados por el accionismo vienés tienen que ver con sacrificio, sustituirá la pintura roja por la sangre animal. Se evoca la crucifixión de Cristo. La sangre mancha al público que siempre va vestido de blanco. Se trata de crear un ambiente místico a través de la realización de rituales. Temas religiosos y cristianos. Está muy presente el sexo. Sus actuaciones son muy sublimes, intenta llamar la atención de un público dormido que está inmunizado a ver imágenes de muerte en la televisión. “el dolor es la condición indispensable para la vida, la alegría y la creación” . Hermann Nitsch.
Gunter Brüss ( Prueba de resistencia, 1970). En ella el artista, totalmente afeitado, se autolesionó a la manera de la tradición histórica y pictórica del mártir. La acción se centraba en la vulnerabilidad del individuo, el dolor y la locura "pura", y marcó el momento culminante y final de esta etapa.
Del collage Pictórico al Happening Al igual que cubismo integró materiales cuotidianos en su lienzo, el happening introduce una idea similar, propone la participación del público. En los happenings de Allan Kaprow, el publico interactúa con la instalación “no queremos un público inactivo” “Yard”
Los Happenings que Kaprow realizaba yincanas en la que el público participaba modificando la obra y metiéndose en ella.
DEL FLUXUS AL BODY ART FLUXUS (1961) “Todo fluye nada permanece” . Es un grupo de artistas la mayoría del ellos son compositores. Al contrario que los happening este grupo tiene como denominador común que el espectador no pearticipa en la obra. Solo observa. Estos artistas introducen elementos musicales como el piano, violin, violonccelo… Quieren bajar al arte de su pedestal, quieren relacionar arte y sociedad de manera que toman una postura antimercatilista donde sus obras se pueden repodrir por cualquier persona.
GEORGE MACIUNAS le puso el nombre al grupo, y hace referencia a la fusión del todo fluye. En sus performance introducían música, pintura, etc. Se caracteriza sobre todo por estar muy en contacto
con
la
música,
muchos
de
sus
componentes
era
compositores.
Fluxus dará otra funcionalidad a los instrumentos, destrozarían los instrumentos, centrándose en la destrucción de la música. Para los artistas fluxus todas las personas pueden ser artistas. El ser artista no es un don divino.
LA MONTE YOUNG “Composición 1960 # 2”. (Mayo 1960)
PHILIP CORNER “Piano Activity ” . (1962).
Nam June Paik Destruía un piano en el escenario. “Violín para ser arrastrado por la calle” Se le conoce por ser el padre del video-arte. Fue el primero en usar imágenes, tanto creadas por él como de la televisión. Creó piezas a partir del ensamblaje de televisiones. Sus últimas piezas son menos escultóricas. En sus inicios colaboró mucho con Fluxus. Hizo el “Concurso de campeones fluxus” (varias personas orinaban en un cubo mientras cantaban su himno nacional, el último en dejar de cantar ganaba).
CHARLOTTE MOORMAN Era una violonchelista que tocaba semi-desnuda. Colaboraba con
Nam June Paik, que también era compositor. “Opera Sexotronique” “Chocolate Cello”. 1976.
YOKO ONO “Pintura en tres estrofas”. (Verano, 1961) Hacer crecer una enredadera. Regar todos los días. La primera estrofa-hasta que la enredadera se extienda. La segunda estrofahasta que la enredadera se marchite. La tercera estrofa-hasta que la pared desaparezca “Obra terrestre”. (1963) Escuche el sonido de la tierra girando. “Strip tease para tres”. (1964) “Cut piece”. 1965 En este performance, Ono permanecía arrodillada en el escenario e invitaba a los miembros del público a aproximarse y rasgarle la ropa con unas tijeras, hasta que ésta se le cayera por sí sola. Desafiando la neutralidad de la relación entre el espectador y el objeto de arte.
JOSEPH BEUYS (1923-1986) Colaboró en varios proyectos con el grupo Fluxus, pero es un artista independiente. Utiliza la performance pero lo más impactante de su obra es a nivel de instalaciones y escultura. Sus materiales fetiches eran el fieltro, la mantequilla, la miel.
Como explicar cuadros a una liebre muerta. (Performance, 1965).
“Coyote, I like America and America likes me” . 1974. “Los aullidos representan el punto neurálgico psicológico del sistema de las energías americanas: el trauma del conflicto americano con el indio” Su concepción artistica se basa el que el se considera un chaman, un intermediario en entre la vida y la muerte
BODY ART.YA NO HABLAMOS DE FLUXUS. El arte corporal es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran relevancia en los años 1960 en Europa y, en especial, en Estados Unidos. Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce; el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o videográfica posterior. body art!.
ANA MENDIETA (1938-1985) Artista independiente aunque influida por Fluxus. Hace performance, body art, video arte, instalación, esculturas, etc. El artista contemporáneo hace de todo. Utiliza su cuerpo de mujer y su identidad femenina. Se siente muy unida a la tierra. Es cubana pero su obra la desarrolla en EEUU. Le causó un gran trauma separarse muy temprano de su familia y viajar a un país extraño, esto influye en su obra, donde siempre está presente la tierra. “Silueta series” . (1973) “Rape” Muerte de un pollo
GINA PANE (1939-1990) Trabaja con su cuerpo y lo lleva al límite. Se corta en las performances y se va clavando cosas. Aparece siempre vestida de blanco para que la sangre en contraste cree un efecto visual más potente. Utiliza su sangre , que simboliza la vida y la muerte, la leche, que simboliza la vida y la femineidad y la miel , asociada al poder femenino encarnado en la abeja reina.
Accion sentimental
VITO ACCONCI (1940) “Seedbed ”. Galería Sonnabed de Nueva York. 1972. Hace body art, utiliza su cuerpo. No se tortura, disfruta de su cuerpo en una acción. En una galería creó una plataforma de madera y se situó debajo de manera que la gente transita por la galería mientras él se masturba. En el micrófono se escucha como el artista se masturba.
BAS JAN ADER (1942-¿?) Empezó en los 70 a hacer un tipo de videos donde utilizaba su cuerpo. Filmaba caídas. Hacía lo mismo que los JackAss de ahora. Sus caídas las entendía como una caída existencial, todo acaba cayendo: civilizaciones, ideologías, etc. “Farewell to Faraway Friends”.1970. (Adiós a los amigos lejanos) “In search of the Mirculous “.1975 “Broken Fall ”. (Organic). Caída quebrada (orgánica). 1971
CHRIS BURDEN (1946) “Shoot ” .1971 Es su pieza más conocida. Es un video donde se hace pegar un tiro en el brazo. Intenta hacer sentir lo sublime al espectador en un mundo narcotizado. Se crucificó en un Volkswagen y recorrió el país. “Volkswagen”.
Se metió en un saco y se puso en una carretera por la noche sorteando los coches. “Through the night softly” . 1973.
MARINA ABRAMOVIC (1946) Hace performance. “Ritmo 0”. 1974. En la galería se queda sola con 77 elementos en una mesa que sirven bien para dar placer o causar dolor. Hace que el público interactúe con ella. Quería demostrar cómo se iba acentuando y contagiando la agresividad del público. La performance terminó porque lo único que quedaba en la mesa era una pistola y una bala, y alguien la cogió. Los dueños de la galería pararon ahí la performance. Trabaja en directo y le interesa la reacción del espectador ante la visión de un ser humano que está sufriendo. Intenta crear una catarsis entre el espectador y ella. Trabajó sola hasta el 75, cuando conoció a su pareja, ULAY, entonces empezaron a trabajar juntos. Obras conjuntas “Breathing in/ breathing out ”. 1977 Se pasan el aire a través de la boca hasta que no queda oxigeno, “Light/Dark”. 1977 (video) “Imponderabilia” “AAA”
La estética es una rama de la filosofía que se independiza en s XV III (ciglo de la luces).Nace en Grecia junto a la filosofía, la estética se encarga de estudiar la belleza, estudia cuales son propiedades de lo bello o como afecta al individuo. La estética se puede dividir en 3 etapas, la clásica, edad media y la
contemporáneo. Para los clásicos y la edad media el concepto de belleza era objetivo, existían una canones de belleza que deciden si el objeto es bello o no.La belleza se encuentra en elobjeto no depende mi por ejemplo para que un objeto se bello para Pitágoras el objeto debía cumplir tres requisitos Integridad y perfeccion (no le ha de faltar ninguan de sus partes) Armonía y proporción Claridad y esplendor
Después encontramos el término de Kaloghatía En esta época el concepto de belleza y bien era lo mismo. Todas las cosas buenas eran bellas, y todo lo bello era bueno.
El concepto de arte para Aristóteles Aristóteles cree que el ser humano es el único que tiene la cualidad de crear s Investida, Actúa, produce. El arte es crea por lo tanto es producido por el hombre, y se crea arte cuándo es consciente de se hace arte.
Para ser un artista hay que tener conocimiento de lo que se va a hacer -La habilidad si no la practico no se puede adquirir la habilidad -Capacidades innatas
La estética moderna Durante la edad media el saber estaba controlada por la iglesia, sin embargo apartir de la invención de la imprenta el saber empieza a difundirse y la idea de dios disminuye. Con la revolución industrial en Inglaterra nace la burguesía, los ciudadanos pueden tener propiedades privadas La estética moderna empieza en el s xvIII o siglo de la luces, en que hay un cambio de mentalidad, el individuo persigue su libertad su autonomía gracias al conocimiento. La burguesía adquiere poder y muchos de ellos se dedican a las artes liberales En la ilustración existen dos movimientos filosóficos. -El empirismo ingles
-El racionalismo,francés El primer concepto básico lo de la estética moderna lo plantea los empiristas ingles Dicen que la belleza es subjetiva y que la belleza depende del sujeto y a este sentido lo denominan gusto El gusto es la capacidad innata que tiene el ser humano para percibir la belleza El gusto es universal, se da en todos notros(lo tienen todos los seres humanos y ha de ser desinteresado y hay que educarlo
A partir de aquí surgen nuevos conceptos y categorías estéticas
Lo pintoresco , lo sublime
Lo pintoresco En estética es una categoría y tiene que ver en el gusto por lo diferente, por lo nuevo, con lo que parece romper con las leyes naturales. Ejem: pintar algo que sorprenda al espectador.(rama que crece en una roca)
Lo pintoresco surge en el siglo XVIII a partir de los artistas románticos que surgieron como reacción del clasicismo instaurado por las academias de bellas artes. El artista intenta buscar nuevos paisajes paradigmáticos para sorprender al autor. También se buscan paisajes rurales, porque mucha población es urbana, y lo pintoresco es el campo. -Existe un culto a la naturaleza que se representa superior al hombre. Representan ruinas construidas por el ser humano representando el abismo existencial de hombre, engullido por la naturaleza Carpar Davis Friederich “Hombre contemplando las nubles” Caspar David Wolf Rocas cretáceas en Rugen
El puente del Demonio en Schöllenen”. (1777). Caspar Wolf.
Nueva categoría estética lo sublime Lo sublime fue establecido por el escritor griego Longinos en el siglo I después de Cristo, Longinos define este concepto como una belleza extrema que produce al espectador un éxtasis y una pérdida de la racionalidad o puede ser tan puramente bello que produce dolor. El filosofo ingles Ed.Burke indaga en el concepto del los sublime
Intenta analizar las cosas que al ser humano nos pueden parecer sublimes. Llega a la conclusión de que hay dos razones o experiencias en las que sentimos lo sublime. Para él lo sublime deriva de lo pintoresco. Ese algo diferente nos inquieta. Lo pintoresco si le sumamos el miedo nos da lo sublime.
EL filosofo Alemán Inmanuel Kant concepto de lo sublime
Para Kant en este concento no es una categoría estética ya que no aporta conocimiento es un juicio reflexivo, para el tiene valor los juicios determina que aportan conocimiento. Para Kant lo sublime es algo cerebral que tiene que ver con la razón y definirá este concepto como un éxtasis de la percepción cerebral humana que no la captamos con los sentidos sino que es un proceso mental.
Filosofo francés Lyotard Aplica lo sublime al arte contemporáneo y estable que lo sublime surge cuando los artistas abstractos y conceptuales intentan plasmar un concepto inabarcable, ahí cuando surge lo sublime. Por ejemplo Negro sobre blanco Malevich intenta plasmas la totalidad representándolo en figuras geométricas.
Categoría estética Lo grotesco Es una categoría estética que hace referencia a lo fantástico lo grotesco, y suele ser ra combinación de de varios objetos del mundo real por ejemplo Magritte representa ua piedra flotando en forma de nuve o cambia el tamaño de una manzana colocándola en una habitación, A los artistas que han utilizado lo grotesco en su obra antes de la llegada del surrealismo se les ha considerado tradicionalmente trastornados, porque cuando la parte consciente se relaja afloran imágenes que tienen que ver más con lo grotesco o lo surreal que con lo real.
Categoría Estética lo cómico Esta categoría es introducida por los dadaístas, introducen lo irónico, lo absurdo. Podemos observar como encontramos es esta categoría en el ready made, donde se esconde una lección moral detrás de cada obra, que introducen objetos cuotidianos sin modificarlos en los museo. Como por ejemplo Marcel Duchamp realiza el apropiacionismo con la Gioconda, se trata de una burla a la gente que se agolpa en Louvre .
Relaciones entre el arte y la política La bohemia y las vanguardias. En las vanguardias en punto neurálgico artístico era Paris, allí nace muchas galerías particulares y revistas que analizan las actividades artísticas. La moda de vivir al estilo bohemio viene del movimiento romantico, buscarse a sí mismo a través de arte, Los artistas provenía de familias burguesas, por lo tanto esto artistas tomaron una contra postura , tratan de independizarse. Escenas de la vida bohemoa se trata de libro escrito por Murger que caló hondo en sociedad parisina “ un artistas no piensa en el futuro sino en día a día. El motivo de que los bohemios se reviniesen en los cafés era por motivos económicos ya que eran lugares acogedores donde podían relacionarse. Primer barrio donde se crea esta comunidad de artistas es Montmatre , el motivo por los bohemios viven en Montmatre era por que era un lugar rural y pintoresco En el barrio de Montmatre se encuentra el café Guerbois y el Café
de le Nouvelle Athénes En este café se reunían los impresionistas con Manet ya que su estudio estaba al lado. El motivo por el cual los artistas tomaban como tema pictórico la sala de Bailes Le Moulin de la Galette era por lo que representaba, era un lugar donde sociabilizarse y expresaba la intención de los artistas de acercar el arte a la sociedad y así bajarlo de su pedestal. El bebedor de Absenta , La Prune Manet El baile moulin de la Galette Renoir (se parece a aragonr) Le moulin de la Galette T,Lautrec. Enano Moulin de la galette Santiago Rusiñol
Le Chat Noir Era un cabaret artistístico e intelecutal, era un ludar donde establecer conversaciones Este cabaret se anticipo al Dadaismo y al surrealismo, se realizo una exposición como tema central al incoherencia y lo absurdo.
Le Lapin Agile Cabaret artistique du Lapin Agile en Montmatre. Aquí se reunían los artistas y cuando no podían pagar, los dueños aceptaban dibujos, pinturas o esculturas que lucían en las paredes. Aquí se reunían Picasso, Modigliani, etc. El local estaba atestado de obras de arte porque muchos artistas le pagaban así al dueño. Arlequin Au lepin Agile Picasso Barrio de Montparnasse (dos academias)
Academia Colarossi Era una alternativa de la acadmias clasicistas instauradas en Paris a aprincipios del siglo 19. Esta academia se podía pintar modelos desnudos, las mujeres de vanguardias estudiavan enla avademis Colarossi.
Accademia Matisse La abre con la intención de que se academia vanguardista. Solo tenía 3 estudiantes de Paris, el resto eran extranjeros.La academia abre con mucho éxito debido al reconocimiento de Matisse.
Café Le dome
Montparnasse No todos los artistas se van de Montmatre sinó que se relacionan en Montparnasse Existen tres locales importantes en Monparnasse,otros de los atractivos del barrio era que artistas y editores de revistas podían convivir en un barrio donde se centraliza el arte de Vanguardia. Los locales son centros cosmopolitas, se reúnen los artistas para sociabilizarse de manera que los bares eran punto de encuentro para los artistas, estos al ser muy pobre utilizaban los cafés para informase de las tendencias a la vez lo utilizaban como centro social informativo. Durante los años 20 se consideran los años locos, existe una burbuja de libertinaje y bohemia, no importa la clase social, se reúnen artistas, empresarios …. No importa la clase social, esta época se reunía las mujeres en los bares esto demostraba la mentalidad abierta dentro de Monparnasse.
Café la Rotonde Nuevo centro de reunión ya que su dueño era muy conprensivo con los artistas, el bar estaba plagado de obras , la mayoría de ellos están en museo.
Café la Coupole
