Apuntes 3.- LAS VANGUARDIAS

FUNDAMENTOS DEL ARTE (II)

IES Aguilar y Eslava

3.- LAS VANGUARDIAS.

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Edouard Manet. Características de la pintura impresionista y sus principales representantes: Monet, Pisarro, Sisley, Morisot y Mary Cassatt. Escultura del periodo impresionista: Auguste Rodín. Escultura española de finales del XIX y comienzo del XX: Mariano Mar iano Benlliure. El posimpresionismo, principales representantes: Paul Cezanne y Vincent Van Gogh. Las claves del Fauvismo: Fauvismo: Matisse. Matisse. Las claves del arte “Nabis”: Pierre Bonnard.

El cartel publicitario: Toulousse-Lautrec, Jules Chéret, Alfons Mucha y Leonetto Cappiello. Las claves del cubismo: características, periodización y principales representantes. Pablo Picasso.

ÉDOUARD MANET Édouard Manet (1832-1883) fue un pintor francés, f rancés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los pintores impresionistas. Manet impresionistas. Manet fue fue artista contradictorio, controvertido y rebelde. Se pasó casi toda su vida buscando la fama y la fortuna, y tuvo que esperar al final de su vida para conseguir el éxito. Se le considera uno de los padres del Impresionismo, pero nunca expuso con el grupo y nunca dejó de acudir a los Salones oficiales, aunque le rechazaran. Afirmaba que «no tenía intención de acabar con los viejos métodos méto dos de pintura, ni de crear otros nuevos». Sus objetivos no eran compatibles con los de los impresionistas, imp resionistas, por mucho que se respetaran mutuamente. La notoriedad de Manet, Manet, se debió más a los temas te mas de sus cuadros, considerados escandalosos, que a la novedad de su estilo. Dos de sus obras son esenciales en la comprensión de su influencia sobre el grupo de los impresionistas: Almuerzo impresionistas: Almuerzo sobre la hierba y El bar del FoliesBergère. 1



En Almuerzo sobre la hierba (1863) presenta un grupo de figuras humanas, pero como si fuera una naturaleza muerta (bodegón). Destaca la desconexión desconexión entre personajes, el desnudo y los elementos meramente compositivos. Este trabajo influenciará a los impresionistas en la desatención del modelo y de la narración. El cuadro está claramente inspirado en la Concierto campestre de de Tiziano. Y aunque las escenas campestres están enraizadas en el arte occidental, tanto en las ilustraciones populares como en el arte académico, el cuadro de Manet pertenece Manet pertenece a un orden distinto, desconcertante por la evidente inmediatez con que se enfrenta al espectador. A pesar de la aparente unidad del grupo, cada figura es una entidad separada, absorta en su propia actitud o meditación, de manera que ningún tipo de conexión narrativa puede explicar el conjunto. Y esta sensación de ruptura hace que el cuadro parezca desintegrarse en una especie de collage de partes independientes que sólo por un instante se agrupan gracias a su parecido, prestado, con el orden renacentista. El bar del Folies-Bergère (1882), evidenciará el deseo de tratar los fenómenos lumínicos al introducir un espejo al fondo que refleja toda la profundidad de la sala y las grandes lámparas de araña, iluminación artificial que crea una luz difusa y menos directa y, por tanto, más difícil de pintar, recordándonos a las escenas festivas de Renoir. La pintura ejemplifica el compromiso de Manet con el realismo en su representación detallada de una escena contemporánea. Pintado y expuesto en el Salón de París en París en 1882, fue 1882, fue su última gran obra y pertenece a la tendencia "democrática" del movimiento impresionista en cuanto a temas y sitios escogidos, como cafés, cabarets , incluso prostíbulos. La camarera parece estar hablando con un cliente, también reflejado en el mismo espejo. Delante de la camarera se aprecia un juego de botellas, flor y un cuenco lleno de frutas sobre un mostrador de mármol que da idea de la destreza de Manet para el manejo del tema de las naturalezas muertas.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA IMPRESIONISTA Y PRINCIPALES REPRESENTANTES: MONET, PISARRO, SISLEY, MORISOT Y MARY CASSATT. A finales del siglo XIX la fotografía cambiaría el modo en que los pintores percibían el mundo. Los impresionistas conocían impresionistas conocían bien las características del círculo cromático, en la que se representan las relaciones entre los distintos colores. El círculo cromático, cromático, es la representación ordenada y circular de los colores de acuerdo con su matiz o tono a partir de los colores primarios y obteniendo otros por su 2



mezcla. En primer lugar, están los colores primarios, primarios, que son los colores que no resultan de la mezcla de otros colores, y los que, mezclados entre sí en distintas proporciones pueden dar como resultado cualquier otro color. Los colores secundarios son secundarios son aquellos que se consiguen mezclando los colores co lores primarios. Colores complementarios complementarios son aquellos que se sitúan en lados opuestos del círculo cromático. Si se ponen uno al lado del otro, dos colores complementarios, parecen más brillantes. Y si se mezclan crean un color neutro. El color complementario de un color primario (rojo, azul o amarillo) am arillo) es el que se consigue mezclando los otros dos (rojo + azul = violeta; rojo + amarillo = naranja; amarillo + azul = verde). El color complementario del rojo es el verde. El complementario del amarillo es amarillo es el violeta. violeta. Y el complementario del azul el naranja. naranja. Los impresionistas aprendieron del uso de los colores estudiando las obras de Delacroix y su uso sorprendente de los contrastes entre los complementarios, complementarios, llegando a abandonar de su paleta los colores terrosos. Los impresionistas también aprendieron de Delacroix que mezclando m ezclando los colores con el blanco se obtenía mayor luminosidad, luminosidad, y que las sombras se pueden conseguir yuxtaponiendo conseguir yuxtaponiendo colores entre sí, sin utilizar el negro. Entre 1885 y 1890 Camille Pissarro, Pissarro, siempre abierto nuevas experiencias estéticas para dar cauce a su creatividad, conoció a los jóvenes Signac y Seurat, Seurat, que ensayaban una nueva técnica que llamaron puntillismo o divisionismo. divisionismo. Se basaba en aplicar la pintura sobre el lienzo en pequeñas pinceladas yuxtapuestas de colores puros (como un mosaico). Esta técnica requería de un detallado estudio previo de las combinaciones de colores más adecuadas para conseguir el efecto buscado. En el deseo de desvincularse de la tradición pictórica y de investigar sobre la relación de los colores destacaran: Monet, Pisarro y Renoir. También estudiaron versiones de un mismo estímulo con apariencias distintas, la fotografía animó a los impresionistas a investigar sobre fenómenos perceptivos relacionados con el color, antes que a hacer estudios descriptivos de la realidad.

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Para los impresionistas la experiencia personal, personal, y cómo se sentían sobre ella, era más importante que la propia realidad que además era cambiante según las horas del día o de la noche. Como ejemplo tenemos las series de Monet sobre la catedral de Ruán, Ruán, o las de Pissarro sobre Pissarro sobre el bulevar de Montmartre. Montmartre. En el tratamiento del color, los impresionistas evitaban la mezcla de colores, colores, aplicando colores primarios o secundarios directamente sobre el lienzo, yuxtaponiendo pinceladas. pinceladas. De esta manera se conseguía una mayor luminosidad y brillantez en la obra, ya que la mezcla de colores es de tipo óptico, por tener lugar en la retina del espectador. Por lo general, evitaban oscurecer los colores mezclándolos con el negro. negro . Cuando necesitaban pintar sombras, recurrían a la mezcla o yuxtaposición de colores complementarios. Evitaban las sombras negras; incluso en ellas había color. Para conseguir obras más luminosas, los impresionistas evitaban las imprimaciones con tonos oscuros oscuros (tradicionales) y las sustituían por preparaciones del lienzo en color blanco. blanco. El término “Impresionismo” , tiene un origen muy concreto, que se remonta al año 1874. En abril de ese año un grupo de artistas fundarán una «Sociedad anónima cooperativa de artistas pintores, escultores, grabadores…». grabadores…».

Artistas que tenían tenían en común su desprecio por el arte arte tradicional oficial en favor de nuevas formas de expresión artística mucho más innovadoras. Sus obras habían sido rechazadas en muestras oficiales y los pintores más representativos de ese grupo eran Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Sisley y Morisot. El 15 de abril de 1874, en un local cedido por el fotógrafo Nadar abrió sus puertas al público la primera exposición de este grupo de artistas. Monet expuso, entre otras obras, una vista del puerto de El Havre ( Impresión: soleil levant) , del que tomaría su nombre. La respuesta del público y de la crítica ante la muestra fue implacable: una auténtica humillacion pública para los artistas. Un crítico llamado Louis Leroy publicó un artículo que se titulaba: «Exposición de los Impresionistas y que era demoledor con los artistas y sus obras, y de ahí en adelante el término “Impresionismo” se extendería para referirse a la concepción del arte de este grupo de artistas, que pasaron a ser los impresionistas…

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Otra característica del Impresionismo influenciada por la fotografía y el grabado japonés, es captar en las obras la temporalidad , la apariencia fugaz del fenómeno que quieren representar. Ya se trate de un paseante, de un campo de amapolas o de la atmósfera cambiante frente a la fachada de una catedral, lo fundamental es lo que el artista percibe y cómo se siente frente a lo que percibe . En palabras de Pissarro, Pissarro, se trata de «no proceder según reglas o principios, sino pintar lo que se observa y lo que se siente»; e n consecuencia, el Impresionismo deja de lado el enfoque tradicional que exigía al artista contar una historia o transmitir un mensaje de tipo moral y tratan de captar los momentos fugaces de motivos cotidianos pintando al aire libre. Los artistas impresionistas buscarán condiciones pintorescas de iluminación como retos a su genio, recurriendo a iluminaciones de interior por luz artificial —como Edgar Degas y sus bailarinas —, la iluminación natural filtrada —como Auguste Renoir y la luz luz pasando entre hojas de árboles árboles — o la iluminación al aire libre con reflejos en el agua o multitudes de gente como Claude Monet. Monet. La plasmación de la luz sobre las figuras es más importante que la descripción de su forma. La pintura pasa pintura pasa a ocuparse de aquello que le es intrínseco: la luz y el color y en ningún caso de la descripción formal del volumen heredada del clasicismo. Las formas se diluyen, diluyen, se mezclan o se separan de forma imprecisa dependiendo de la luz a la que están sometidas, dando lugar a esa «impresión» que le da nombre al movimiento. MONET. Oscar-Claude Monet (1840-1926). Pintor francés, considerado uno de los creadores del impresionismo. El término impresionismo deriva del título de su obra Impresión, sol naciente (1872). Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de estilo realista. Monet logró exponer algunas en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica a la vez que afianzó su decisión de continuar en ese azaroso camino. En la década de 1870 formó parte de las exposiciones impresionistas en las cuales también participaron Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Su carrera fue impulsada por el marchante Paul Durand-Ruel, pero a pesar de esto su 5



situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de 1890. En esta época, Monet desarrolló el concepto de las «series», en las que un motivo es pintado repetidas veces con distinta iluminación. Al mismo tiempo comenzó a trabajar en el famoso jardín de su casa en Giverny con estanques de nenúfares que nenúfares que luego utilizó como motivo para sus pinturas. PISARRO. Camille Pissarro (1830-1903) fue otro de los fundadores del movimiento impresionista. Pintó la vida rural francesa, sobre todo paisajes y escenas en los que aparecían campesinos trabajando, pero también escenas urbanas a diferentes horas. Pissarro fue asimismo un teórico de la anarquía, anarquía, y frecuentó con asiduidad a los pintores de la Nueva Atenas que pertenecían a ese movimiento. Compartió esa posición con Gauguin, Gauguin, con quien luego tuvo unas relaciones tensas. En París tuvo como discípulos a Paul Cézanne, Cézanne, Paul Gauguin, Gauguin, Jean Peské y Henri-Martin Lamotte. SISLEY. Alfred Sisley (1839-1899) fue un pintor impresionista francobritánico. Entre 1872 y 1880 realizó lo mejor de su producción: paisajes de paisajes de gran espontaneidad de los alrededores de París, de Marly, Louveciennes, Bougival, Sèvres, SaintCloud o Meudon. Paisajes soleados que contrastan con sus célebres inundaciones de Marly, Marly, en las que no pierde igualmente su connotación intimista y poética. Nunca alcanzó el renombre de la mayor parte p arte de sus compañeros impresionistas y vivió en la miseria a partir del momento en que dejó de recibir la ayuda económica de su acomodada familia. Esta situación se produjo a causa del hundimiento del negocio familiar en 1871. Falleció como había vivido, en la pobreza, antes de poder contemplar como sus cuadros, que en angustiosos momentos de penuria había vendido a precios irrisorios, al poco de su muerte comenzaban a ser apreciados por la crítica y el público y alcanzaban elevadas cotizaciones en el mercado artístico. MORISOT. Berthe Morisot (1841-1895) pintora impresionista francesa, que decidió ser artista a pesar de su condición de dama burguesa, y que adoptó una postura muy radical que la vincularía al grupo de artistas impresionistas, a vanguardia del momento. Adquirió la técnica impresionista de pintar al aire

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libre, donde creaba pequeños cuadros y esbozos para grandes obras que terminaba en el estudio. Su primera participación en el Salón de París fue en 1864 con dos paisajes y continuó participando en el Salón hasta 1874, año de la primera exposición impresionista, en la que participó con su obra La cuna. cuna. Morisot, Morisot, junto a Pissarro, Pissarro, fueron los dos únicos pintores que tuvieron cuadros en todas las exposiciones impresionistas originales. Y al igual que Mary Cassatt, Cassatt, Eva Gonzalès o Marie Bracquemond, fue relegada a la categoría de artistas femeninas por su temática de la vida cotidiana (mujeres, niños y escenas domésticas). MARY CASSATT. Mary Cassatt (1844 - 1926) Pintora estadounidense, que pasó gran parte de su vida adulta en Francia, donde hizo amistad con Degas y se incorporó al movimiento impresionista. Pintó, principalmente, imágenes representando la vida social y privada de las mujeres, con especial énfasis en los lazos entre ellas y sus hijos. Cassatt y Degas colaboraron durante mucho tiempo. Sus estudios estaban bastante cercanos, tenían mucho en común: gustos similares en cuestiones de arte y literatura, provenían de familias ricas, y habían hecho estudios de pintura en Italia.

ESCULTURA DEL PERIODO IMPRESIONISTA: AUGUSTE RODIN. Durante el siglo XIX en ESCULTURA se pasará del CLASICISMO DE CANOVA al al IMPRESIONISMO DE RODIN. Neoclasicismo: Antonio Cánova, Las tres Gracias, encarna el desnudo femenino en toda su perfección, perviven los modelos clásicos en la fisonomía, anatomía y peinado Realismo-romanticismo: en Carpeaux por Carpeaux por el contrario todo es movimiento, mayor naturalismo en la anatomía los gestos los cabellos, contraste de texturas…

El impresionismo de Rodin: el colosalismo y la rugosidad de las superficies, A ́ ngel, le gano ́ el apelativo de obra “inacabada”, que le da una como en Miguel ́ s vitalidad y potencia los efectos de luz gran fuerza expresiva, sugiere ma trasladando el impresionismo a la escultura. 7



AUGUSTE RODIN. François-Auguste-René Rodin (1840- 1917) es considerado uno de los "padres de la escultura moderna”. Viajó a Italia, donde se sintió atraído por el

tratamiento del movimiento y la acción muscular en las obras de los escultores del renacimiento Donatello y Miguel Ángel (el fuerte impacto de la terribilitá de Miguel Angel se aprecia en toda su obra). Para Rodin, la belleza en el arte consistía en una representación fidedigna del estado interior, y para lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente distorsionaba sutilmente la anatomía. Camille Claudel (1864 - 1943), fue una escultora francesa que llega a París en 1883 con el fin de perfeccionar su técnica. Ese mismo año se encuentra por primera vez con Auguste Rodin. Al año siguiente empieza emp ieza a trabajar en su taller, posa para p ara él y colabora en la realización de las figuras de La puerta del Infierno. Además Infierno. Además de ser una de las principales colaboradoras del escultor, fue también su compañera durante algunos años, y se convirtió en su modelo y musa, inspirando obras como La Danaïde o Fugit Amor. Amor. La pareja frecuentaba los ambientes artísticos y culturales más importantes del París de la época y pasaron juntos largos períodos fuera de la ciudad, sin embargo a Rodin se Rodin se le relacionó también sentimentalmente con Rose Beuret, Beuret, y esta situación de desengaño amoroso sería la inspiración de una de las obras más importantes de Camille Claudel: La edad madura.

ESCULTURA ESPAÑOLA DE FINALES DEL XIX Y COMIENZO DEL XX: MARIANO BENLLIURE. En la escultura española del siglo XIX se distinguen tres etapas: 1º etapa: El etapa: El siglo XIX se inicia con el movimiento neoclásico procedente del siglo anterior. Se produce la decadencia de la escultura religiosa y cobra importancia la escultura como elemento decorativo de la arquitectura. Su gran mecenas será la realeza que con la construcción de sus nuevos palacios o la reforma de los existentes hacen necesario que se establezca la plaza de escultor de cámara. Las Academias serán las encargadas de la formación de los jóvenes artistas y las que establecen concursos y becas de estudio en Madrid, Roma o París. Se

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impone la rigidez académica que exige la imitación de la Antigüedad. El resultado es una estatuaria fría y poco expresiva. Como Antonio Como Antonio Solá con el Monumento a Daoiz y Velarde en Velarde en la plaza del Dos de Mayo de Madrid. 2ª etapa: Un corto periodo romántico de romántico de escultura monumental para embellecer edificios o erigir monumentos conmemorativos. conmemo rativos. A diferencia de lo que sucede en pintura, se caracteriza por la falta de carácter y la desorientación. Es una época de transición, que alterna elementos clasicistas con otros criterios que desembocarán en un nuevo realismo. La corte deja de ocuparse de la escultura, a Isabel II no le interesa demasiado el arte y se suprimen los pintores de cámara. A partir de 1845 la Academia deja de dirigir la enseñanza artística y se crea la Escuela de Bellas Artes. Las Exposiciones Universales sustituirán los premios y pensiones de la Academia…

3ª etapa: Realismo. Realismo. Lo entendemos como la inspiración directa en la realidad que nos rodea. Los escultores que en el último tercio del siglo XIX asimilaron la corriente naturalista son más abundantes. Ricardo Bellver (1845-1924) es el autor del Ángel Caído, monumento que se encuentra en el Parque del Retiro de Madrid. Un desnudo que representa al diablo, de forma cuidadosa y expresiva exp resiva sin caer en detallismos excesivos. MARIANO BENLLIURE. Mariano Benlliure (1862-1947). Está considerado como el último gran maestro del realismo decimonónico y el puente con el Modernismo. Mariano Benlliure era hijo de un modesto pintor valenciano que introdujo desde la infancia a sus hijos en el arte. Tras Tras iniciarse en la escultura escultura de forma autodidacta, en 1874 se trasladó con su familia a Madrid a estudiar. En 1881, viajó a Roma para Roma para completar su formación y allí se perfeccionó en el dominio de las técnicas y materiales, en contacto con los talleres artísticos más importantes y con visitas a las canteras de Carrara; además de ilustrarse en el estudio de la estatuaria clásica, renacentista y barroca, y de la escultura de la Italia de su tiempo. Alternó sus estancias en Roma con Roma con viajes a París y París y obtuvo primeras medallas en las Exposiciones Internacionales de Internacionales de Berlín, Múnich, Viena y París.

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Benlliure se Benlliure se convertiría en el más famoso escultor de su época y nos ha dejado una enorme producción, en la que destaca su virtuosismo, virtuosismo, y el dominio de un amplio abanico de géneros y técnicas. té cnicas. Tan sólo en escultura monumental realizó más de cincuenta obras destinadas a las principales ciudades españolas e hispanas. Afrontaba todas sus obras con naturalidad, tenía una extraordinaria facilidad para modelar y cincelar, y un sentido personal de la combinación de los materiales, generalmente mármol y mármol y bronce, bronce, consiguiendo un exquisito acabado de las superficies. Mediante el juego del claroscuro y claroscuro y un modelado pictoricista imprimía a sus obras cualidades casi táctiles, y fuertemente expresivas. expresivas. Prestaba igual atención al detalle, que detalle, que ejecutaba con gran soltura y un virtuosismo alejado de todo manierismo, como al equilibrio armónico de sus composiciones. composiciones. Del año 1900 data 1900 data su primer monumento funerario, funerario, con el que obtuvo la Medalla de Honor de Escultura E scultura en la Exposición Universal de París. La Reina Regente María Cristina quiso evitar que esta obra de arte acabase en un cementerio de un pequeño pueblo en el e l Pirineo y mostró interés para que fuera colocada en una plaza de Madrid, pero la voluntad de la familia del tenor Gayarre, Gayarre, al que estaba dedicado se impuso, y finalmente en 1901 fue 1901 fue colocado en el lugar para el que había sido creado. En la ingente producción de Benlliure, destacaran sus monumentos funerarios que lo consagraron como el escultor de moda de la alta sociedad española. De sus 21 monumentos funerarios, además del de Gayarre Gayarre en Navarra, destacarían los del torero Joselito “El Gallo” en Sevilla, el del novelista Blasco Ibáñez en Ibáñez en Valencia, los sepulcros del Panteón de Hombres Ilustres de Madrid (Sagasta, Canalejas, y Eduardo Dato) Dato) o el de la Vizcondesa la Vizcondesa de Termens en Cabra (Córdoba). En 1908, 1908, se encarga a Mariano Benlliure las obras escultóricas y arquitectónicas de un panteón que la Vizcondesa de Termens, Termens, Carmen Giménez Flores, quiso Flores, quiso construir en el cementerio de Cabra. Realizado en mármol y bronce, bronce, respondía al modelo de monumental y con capilla. capilla. Los trabajos de terminación e instalación del mausoleo durarían desde julio hasta noviembre de 1914. El Mausoleo de la Vizcondesa de Termens, Termens, se construyó originalmente en el cementerio municipal de Cabra y posteriormente, fue desmontado y trasladado a la capilla de la Fundación que Fundación que lleva su título (1931). 10



POSTIMPRESIONISMO: CÉZANNE Y VAN GOGH. POSTIMPRESIONISMO POSTIMPRESIONISMO es el término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX posteriores al impresionismo. Lo acuñó el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en 1910. Este término engloba diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de este. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. CÉZANNE. Paul Cézanne (1839- 1906) está considerado el padre de la pintura moderna, estableció las bases de la transición transición entre la concepción artística decimonónica y el arte del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Cézanne se Cézanne se esforzó por comprender y reflejar la complejidad de la percepción visual humana. Quería ofrecer una visión auténtica de la realidad, y para ello observa los objetos desde distintos puntos de vista, lo que le lleva a representarlos desde perspectivas diferentes simultáneamente. La obra de madurez de Cézanne muestra Cézanne muestra el desarrollo de un estilo de pintura, casi escultórico. La intensidad de sus colores, unida al aparente rigor de la estructura compositiva, indican que, a pesar de la frecuente desesperación del propio artista, había sintetizado los elementos básicos de representación y expresividad de la pintura de un modo muy personal. Interesado en la simplificación de las formas reduce las formas naturales a sus esencia geométrica. Cézanne pintó Cézanne pintó reiteradamente bañistas, bañistas, renovando el tema de la mujer en el baño, haciendo de él una construcción moderna. Así lo hizo a partir de la década de 1870, en cuadros en los que los personajes se funden con la naturaleza que los rodea. El tratamiento que da a los desnudos en un paisaje es completamente distinto al de los maestros de siglos precedentes como Tiziano. Tiziano. No se trata aquí de figuras mitológicas o literarias. Tampoco las representa según los cánones de la anatomía tradicional sino que los geometriza. Pinta geometriza. Pinta a las bañistas en diversas posturas: unas de pie, otras sentadas, otras tumbadas 11



acercándose a la abstracción, abstracción, y lo mismo cabe decir del paisaje. Utiliza la técnica del «passage» o transición de color. Del verde oscuro se pasa al verde claro y de éste al amarillo. En sus bodegones, Cézanne, Cézanne, se esforzó por comprender y reflejar la complejidad de la percepción visual humana. Quería ofrecer una visión auténtica de la realidad, y para ello observa los objetos desde distintos puntos de vista, lo que le lleva a representarlos desde perspectivas diferentes simultáneamente. La intensidad de sus colores, unida al aparente rigor de la estructura compositiva, indican que, a pesar de la frecuente desesperación del propio artista, había sintetizado los elementos básicos de representación y expresividad de la pintura de un modo muy personal. Estaba interesado en la simplificación de las formas que ocurrían naturalmente a su esencia geométrica. Impacto de Cézanne en el arte posterior: Cézanne crea Cézanne crea el puente entre el impresionismo del siglo XIX y el nuevo estilo de principios del siglo XX, el cubismo. Durante muchos años la obra de Cézanne sólo fue conocida por sus antiguos colegas impresionistas y por unos cuantos artistas jóvenes radicales de la línea del postimpresionismo. La retrospectiva de Cézanne de 1907 1907 en el Salón de Otoño impactó entre la vanguardia parisina, dando crédito a su posición como uno de los artistas más influyentes del siglo XIX y al advenimiento del Cubismo. Fueron las exploraciones de Cézanne de Cézanne de simplificación geométrica y fenómenos ópticos las que inspiraron a Picasso, Picasso, Braque, Juan Gris, Gris, y otros para experimentar con múltiples visiones y a la fractura fractura de la forma. Hay una frase, atribuida tanto Matisse y Matisse y a Picasso, Picasso, según la cual «Cézanne ». Matisse admiraba Matisse admiraba su utilización del color es el padre de todos nosotros ». y Picasso desarrolló Picasso desarrolló la estructura de la composición plana de Cézanne para crear el estilo cubista. cubista. VAN GOGH Vincent van Gogh (1853-1890), produjo toda su obra (900 pinturas y 1600 dibujos) durante un período de 10 años (de 1880 a 1890), hasta que sucumbió a la enfermedad mental. Decidió ser pintor cuando tenía 27 años y siempre quiso reflejar la vida en sus obras. Su carrera pictórica está marcada por los lugares donde vivió y trabajó. Así se aprecia en la primera etapa de los Países Bajos (1880-1886), donde la pintura tradicional y popular de este país, exclusivamente en colores terrosos, fueron lo que más influyó en obras como Los comedores de patatas y las pinturas sobre Los tejedores. tejedores. 12



Realizó numerosos dibujos de personajes populares y copió obras de su pintor favorito Millet. Etapa impresionista En París (1886-1887), se pone en contacto con los impresionistas que pretendían p retendían romper con el academicismo de la época, con el traslado a la pintura de las impresiones de sus sentidos mediante la observación de la naturaleza. En París, conoció pintores como Henri de Toulouse-Lautrec y Paul Signac, Signac, descubrió una nueva percepción de la luz y el color, aprendió la división de las gamas claras y los tonos y mostró una simplificación a la vez ve z que una mayor intensidad en el tratamiento de los colores. En esta época empezó a copiar láminas japonesas, siendo uno de los pintores europeos a los que más influyó este tipo de pintura. Etapa postimpresionista Van Gogh representó el postimpresionismo, estilo que sucedió entre 1885 y 1915. Representó una vía divergente del impresionismo, donde los pintores hacen de la vida cotidiana su tema principal. Este término fue utilizado por primera vez en 1910 por Roger Eliot Fry; surge del título tí tulo que dio a la exposición de la Grafton Gallery en Londres: «Manet y los postimpresionistas». Etapa precursora expresionismo Destaca por el uso del color y una técnica que contiene trazos del expresionismo. ex presionismo. Mientras Gauguin acostumbraba a pintar de memoria y Van Gogh pintaba in situ, fuesen paisajes o un modelo. Su temperamento exaltado se demostró por la vía del color. Los inicios del expresionismo aparecen durante las dos últimas décadas del siglo XIX, en la obra de Van Gogh, La italiana de finales de 1887, y en la de Edward Munch. A Munch. A esta tendencia a la que contribuiría Van Gogh, a partir de su llegada en 1888 a Arlés a Arlés,, donde el choque con la luz del sur, le empuja a la conquista del color, con obras como El dormitorio de Arlés, Arlés, Los Olivos de SaintRémy, y La noche estrellada. Las pinturas del periodo de Sant Rémy de Provenza, se caracterizan en general por remolinos y espirales. espirales. Desde la dramatización de las escenas de sus primeros trabajos, a la simplificación que caracterizó sus últimas obras, en las que Van Gogh ya anuncia el comienzo del expresionismo. Se tuvo que esperar al agosto de 1911, 1911, cuando el crítico de arte Wilhelm Worringer fue el primero en hablar del expresionismo de expresionismo de Van Gogh.

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LAS CLAVES DEL FAUVISMO: FAUVISMO: MATISSE. MATISSE. El fauvismo, fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. color. El precursor de este movimiento será Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se ha relacionado con la utilización de color en su estado puro, color libre. El término surge en el Salón de Otoño de 1905 1905 donde entre las obras presentadas al concurso, hubo problemas a la hora de d e clasificar algunas de ellas, por expresarse de un modo intenso y diferente. El crítico Louis Vauxcelles afirmó de ellas: (…) c'est Donatello parmi les fauves fauves (como Donatello entre las fieras); de la palabra fauve fauve derivó fauvisme (fauvismo). La mención a Donatello Donatello se debe a que en la misma sala había una escultura de corte renacentista. Los autores de las obras a pesar de lo peyorativo del término, lo adoptaron como distintivo de sus obras. Entre los artistas fauvistas más reconocidos está Henri Matisse, fundador del movimiento, Raoul Dufy, Georges Braque, Braque, André Derain y Maurice De Vlaminck. Este grupo llevó a cabo sólo tres exposiciones oficiales entre los años que duró su movimiento, (1904-1908) aunque la presencia y la relevancia de sus obras para futuras escuelas pictóricas se mantendría por largo tiempo. tiem po. El fundamento de este movimiento es la liberación del color respecto al dibujo exaltando los contrastes cromáticos. Los artistas fauves van a trabajar con la teoría del color color interpretando primarios, secundarios y complementarios. Mediante este planteamiento consiguieron un gran contraste visual y una mayor m ayor fuerza cromática. MATISSE. Henri Matisse (1869 - 1954) pintor francés conocido por el uso del color y de un original y fluido dibujo. Se considera una de las figuras centrales del arte moderno. Al inicio de su carrera, se le identificará con el fauvismo y fauvismo y para los años 20 destacará por su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como com o una de d e las figuras centrales del arte moderno. Supo conjugar en sus obras la influencia de artistas como Van Gogh o Gauguin, Gauguin, con la de las cerámicas persas, el arte africano o las telas 14



moriscas. Matisse descubrió la riqueza y la libertad de creación que ofrecen los pedazos de papel coloreados con guache y que recorta de variadas formas y compone. Es con esta técnica durante los últimos años de su vida vid a va a producir algunos cuadros monumentales, precursores del collage .

LAS CLAVES DEL ARTE “NABIS”: PIERRE BONNARD.

Nabis es Nabis es la denominación de un grupo de artistas franceses de finales del siglo XIX, caracterizados por su preocupación por el color. Su nombre deriva de la palabra hebrea nebiim (profeta). (profeta). Influido por Gauguin, Gauguin, el grupo fue liderado por Paul Sérusier; y entre sus componentes estuvieron los pintores Odilon Redon, Puvis de Chavannes, Édouard Vuillard, , , Maurice Denis, Ker-Xavier Roussel, Félix Vallotton, Georges Lacombe y Pierre Bonnard. Bonnard. Era un grupo compuesto, principalmente, por artistas jóvenes del ambiente artístico de París. No tuvo mayor difusión en el resto de Europa. Los nabis se se interesarán por lo exótico y lo oriental y oriental y realizarán una pintura basada en la deformación de la realidad: •

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objetiva (deformación objetiva (deformación de la realidad que se ve) subjetiva (deformación subjetiva (deformación por la emoción).

BONNARD. Pierre Bonnard (1867Bonnard (1867- 1947) fue un pintor, ilustrador y litógrafo francés que dedicó su talento a la publicidad y a la producción artística. En la pintura de Bonnard, Bonnard, principal exponente del grupo de pintores Nabis, la pincelada produce un efecto vibrante y vibrante y el dibujo pierde toda su importancia. importancia. Líder del movimiento Nabis, Nabis, su producción tardía se considera precursora de la pintura abstracta…

EL CARTEL PUBLICITARIO: TOULOUSSE-LAUTREC, JULES CHÉRET, ALFONS MUCHA Y LEONETTO CAPPIELLO. El cartel es cartel es un soporte de papel, que se imprime con algún tipo de mensaje visual (texto, imágenes) que se coloca en la pared para dar a conocer una información. La gran revolución del cartelismo llegó con la aplicación de la litografía y la utilización del color. Se desarrolló en Francia, Francia, y en la última década del siglo XIX llegó a toda Europa. 15



En torno a 1800 se produjeron dos acontecimientos que dieron lugar a la era moderna del cartel: •

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el inicio de la industrialización, industrialización, que generó la necesidad de una publicidad extensiva. un nuevo método de impresión, la litografía, que litografía, que hacía mucho más fácil la ilustración de carteles en color.

Entre los cartelistas más notables estuvieron Henri de Toulouse-Lautrec, Jules Chéret, Alfons Mucha, y Leonetto Cappiello, Cappiello, cuyas obras se consideraban en su época carteles artísticos. TOULOUSE-LAUTREC. Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) pintor y cartelista francés que pintó la vida nocturna parisina de finales del siglo XIX. Se le enmarca en la generación generación del post-impresionismo. La obra de Toulouse-Lautrec Toulouse-Lautrec se caracteriza por su estilo fotográfico, espontaneidad y capacidad de captar el movimiento de escenas y personajes, en un estilo muy característico. A lo que hay que añadir la originalidad de sus encuadres, encuadres, influencia del arte japonés, japonés, que se manifiesta en las líneas compositivas diagonales y el corte repentino de las figuras por los bordes. Poseía una memoria fotográfica y pintaba de forma muy rápida. Sin embargo, su primera influencia fue la pintura impresionista y, impresionista y, sobre todo, la de Degas, Degas, de quien siguió la temática urbana alejándose del paisajismo. Se considera la vanguardia del modernismo y del art nouveau. Lautrec Lautrec fue fundamentalmente un dibujante e ilustrador. ilustrador. Sus pinturas al óleo son escasas y apenas apenas las expuso en vida. Pero su fama de persona marginal no implicó que fuese un artista fracasado; artista fracasado; de hecho fue un artista muy popular por sus ilustraciones y carteles publicitarios. Como cartelista ToulouseLautrec, Lautrec, introdujo importantes cambios en su contenido y en su estilo artístico. Abandonó el impresionismo para utilizar grandes zonas de colores lisos, técnica tomada de los grabados japoneses. japoneses. Las figuras femeninas idealizadas de las épocas anteriores fueron sustituidas por personas reales, aunque sutilmente estilizadas, formando viñetas, como una mujer bebiendo en un bar, o un caballero y una dama sentados a una mesa besándose. El artista redujo la importancia del texto prestando atención al aspecto pictórico del cartel. Una cartel. Una de sus últimas obras de es el cartel Jane Avril, Avril, apenas sin texto y que es prototipo de todos los carteles modernos pictóricos.

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En estos carteles aparecen técnicas japonesas que se perciben mediante la simplificación de formas, el encuadre fotográfico que lleva a cortar objetos y personajes contrastados, contrastados, línea que dibuja perfiles, perfiles, con colores vivos y una cuidada selección de los motivos que motivos que intervienen. JULES CHÉRET. Jules Chéret (1836-1932).Creador de carteles para teatros o cabarets (Folies Bergere, el Teatro Teatro de la Ópera o el Moulin Rouge). Después realizaría trabajos para promocionar perfumes, licores, cosméticos o productos pro ductos farmacéuticos. Chéret fue el primer artista moderno de carteles y revolucionó su apariencia dando preponderancia a la ilustración, ilustración, que hasta entonces estaba subordinada al texto. En lugar de escenas realistas dibujaba figuras idealizadas, idealizadas, realzando su belleza, vitalidad y movimiento. Se movimiento. Se especializó en carteles de teatro y se inspiraba en los maestros de la pintura barroca. Con líneas y colores planos encuentra profundidad en sus dibujos, y además conseguía conectar con los gustos populares. ALPHONSE MUCHA. Alphonse Mucha (1860-1939), de origen moravo desarrollo su trabajó en París donde se hicieron famosos sus carteles de la actriz francesa Sarah Bernhardt o los del famoso champangne Moet Chandon. Chandon. Los trabajos de Mucha frecuentemente introducían mujeres jóvenes y hermosas, hermosas, flotando en atuendos neoclásicos, neoclásicos, frecuentemente rodeadas de exuberantes flores las que a veces formaban halos detrás de sus cabezas. Mucha produjo Mucha produjo una gran cantidad de pinturas, carteles e ilustraciones así como diseños para joyería, alfombras, empapelados y decorados teatrales en teatrales en lo que llegó a conocerse como el estilo art nouveau (modernismo). LEONETTO CAPPIELLO Leonetto Cappiello (1875 -1942). Publicista, ilustrador y caricaturista italiano. Sus carteles tienen el encanto singular de los dibujos burlones, burlones, de un caricaturista, caricaturista, amante del estilo japonés y del humor. humor.

LAS CLAVES DEL CUBISMO: CARACTERÍSTICAS, PERIODIZACIÓN Y PRINCIPALES REPRESENTANTES. PABLO PICASSO. El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Picasso, Georges Braque, Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay y Juan Gris. Gris. 17



Será una tendencia esencial, que dará pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional. El término cubismo fue cubismo fue acuñado por el mismo crítico , Louis Vauxcelles Vauxc elles,, que había bautizado a los fauvistas. De Braque y Braque y sus pinturas de L'Estaque, L'Estaque, dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por «pequeños « pequeños cubos» cubos» de donde deriva cubismo. cubismo. El cubismo está considerada la primera vanguardia. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional y las formas se convierten en figuras geométricas. geométricas. Se adopta así la llamada «perspectiva «perspectiva múltiple»: múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. A pesar de ser una pintura de vanguardia los géneros que se pintan son tradicionales, como bodegones, paisajes y retratos. retratos. Se eliminan los colores vivos del impresionismo o el fauvismo y se vuelve a tonos grises, verdes y marrones. marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, cubismo, pero posteriormente se abriría más la paleta. Con todas estas innovaciones, el el cuadro cobra autonomía como objeto independientemente de lo que representa, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar en el lienzo todo tipo de objetos hasta formar collages. La obra resultante es de difícil comprensión al no tener referencias naturalistas, por lo que necesitaban un discurso escrito tan importante como la misma obra. De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban. JUAN GRIS Juan Gris (1887-1927), -José Victoriano González-Pérez- pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París como uno de los maestros del cubismo. En su adolescencia es ilustrador de ilustrador de publicaciones y en 1906, se muda a París, donde conoce a Pablo Picasso, Fernand Léger y Georges Braque. En 1912, En 1912, Juan Gris salta al cubismo con varias pinturas presentadas en el Salon des Indépendents de París. En 1913, 1913, empezó a trabajar la técnica del papier collé : recortes de cartón y papel, en ocasiones obtenidos de periódicos, que se pegan sobre el lienzo para combinarse con el óleo. Fue su principal aportación al cubismo. Tras unos pocos años de estrecha conexión, Juan Gris y Picasso se distanciaron tanto en lo artístico como en lo personal. Picasso fue 18



evolucionando hacia un arte figurativo de gusto clasicista; mientras, Juan Gris se mantuvo fiel al cubismo en una clave más colorista. colorista. En sus últimos años Juan Gris diseñó escenografías para dos montajes de ballet de Diaghilev. Diaghilev. GEORGES BRAQUE. George Braque (1882-1963) tuvo unos primeros momentos fauvistas. En el verano de 1907 pinta en L'Estaque, L'Estaque, una serie de paisajes "lineales" precubistas. Fases en su obra cubista: En una primera época pinta superficies superpuestas y planos angulares a base de cubos; usaba pocos tonos cromáticos. Le sigue una fase (1909-1912) de "cubismo analítico “, en el que los objetos quedaban descompuestos en partes hasta el punto de ser irreconocibles. En un tercer momento cultiva el "cubismo sintético", sintético", es decir, con unidad compositiva. Impulsa más que Picasso en esta tendencia del cubismo sintético. A la vuelta de la Primera Guerra Mundial desarrolló un estilo propio, con forma unida al color y totalmente expresionista. PICASSO. Pablo Ruiz Picasso (1881-1973), destaca por la creación y desarrollo del Cubismo. Está considerado como uno de los artistas más influyentes del influyentes del siglo XX, y sigue siendo un modelo de inspiración para muchos pintores actuales. A lo largo de su vida Picasso pintó más de 2.000 obras que obras que hoy en día se exponen en distintos museos de Europa y de todo el mundo. Pero no solo se dedicó a la pintura, sino también al grabado, grabado, al dibujo, dibujo, a la ilustración de libros, la escultura, a escultura, a la cerámica, cerámica, al vestuario de vestuario de teatro, etc. Su evolución artística se divide en varios periodos: ÉPOCA AZUL (1901-1903), (1901-1903), en la que predominan los colores azules. Con obras como Mendigos junto al mar, La vida… ÉPOCA ROSA (1905-1906), con (1905-1906), con pinturas que muestran tonos más rosados o rojizos. Con obras como Madre e hijo (saltimbanquis), La Familia de Saltimbanquis, Gran Holandesa… PROTOCUBISMO (1906-1907), comienzan a aparecer influencias africanas, además de una desvinculación por parte de Picasso de Picasso de lo establecido en el arte. 19



Ruptura con el realismo realismo utilizando planos angulares sin fondo ni perspectiva. PROTOCUBISMO (1906-1907), comienzan a aparecer influencias africanas, además de una desvinculación por parte de Picasso de Picasso de lo establecido en el arte. Ruptura con el realismo realismo utilizando planos angulares sin fondo ni perspectiva. Las señoritas de Avignon será Avignon será la obra clave para que Picasso continuará investigando nuevas técnicas y modos de hacer pintura, entrando finalmente en el Cubismo. Cubismo. CUBISMO (1908-1916), etapa (1908-1916), etapa más representativa de Picasso, se caracteriza por una ruptura definitiva con la pintura tradicional. Trata formas de la naturaleza en formas geométricas. Busca una pintura pura, inspirándose inspirándose en los objetos cotidianos desde una perspectiva intelectual. PERIODO CLÁSICO O GRECORROMANO (1917-1927), Picasso (1917-1927), Picasso vuelve a sorprender a todos: crítica y público. En vez de acomodarse al cubismo movimiento del que era fundador, decide volver a la figuración realista. realista. A pintar desnudos clásicos o retratos, que nada tenían que ver con los de la etapa cubista. PERIODO SURREALISTA (1928 a 1932), en 1932), en su pintura presenta formas distorsionadas que distorsionadas que hacen referencia a seres extraños, monstruos o seres mitológicos. mitológicos. La obra cúspide de este periodo es 'El sueño'. CUBISMO EXPRESIONISTA. Con el comienzo de la Guerra Civil española, Picasso inicia un periodo con tintes más expresionistas, expresionistas, pero bajo el dominio del Cubismo. Cubismo. En esta época pintará uno de sus cuadros más prestigiosos, 'El Guernica', que hoy se expone en el Centro Reina Sofía de Madrid y que alude a la guerra y al terror vivido por la población civil durante el bombardeo alemán sobre Guernica. Y que expresa a la perfección el miedo y la angustia de una manera abstracta y distintiva. PERIODO DE VALLAURIS. VALLAURIS. Última etapa en la que se dedica prácticamente por completo a la cerámica y a la escultura. Una de las obras más representativas de esta etapa es 'El hombre del cordero’; también dedica su tiempo a pintar grandes murales. Y realizará sus particulares homenajes a las Meninas de Meninas de Velázquez Velázquez y a Manet. Manet.

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Apuntes 3.- LAS VANGUARDIAS

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