Vanguardias Históricas Siglo XX
VANGUARDIA (del francés avant-garde, término militar que significa ir a la parte al frente de batalla) El término Vanguardia se utilizó posteriormente para denominar en el terreno artístico las llamadas vanguardias históricas. Una serie de movimientos artísticos de principios del siglo XX que buscaban innovación en la producción artística, se destacaban por la renovación radical en la forma y el contenido. Exploraban la relación entre arte y vida, su función social, y buscaban reinventar el arte confrontando movimientos artísticos anteriores. Características de las Vanguardias Artísticas: • • • • • • • •
Desde 1905 hasta el final de la 2º Guerra Mundial (1949) Plantea una ruptura con las corrientes artísticas establecidas Movimientos surgidos en Europa Revolución en el campo del saber: Freud y el Psicoanálisis Transformaciones Transformaciones técnicas y económicas económicas producto de la Rev. Industrial: Electricidad, Petróleo Petróleo Surgen nuevas potencias: EEUU, Alemania, Gran Bretaña, Japón Nuevos medios medios de transportes: el automóvil automóvil Luego de la guerra la sociedad se cuestiona los valores.
Estos movimientos artísticos renovadores, en general dogmáticos, dogmáticos, se produjeron en Europa en las primeras décadas del siglo XX, XX, desde donde se extendieron al resto de los continentes, principalmente hacia América, América, en donde se enfrentaron al modernismo. modernismo.
La característica primordial del vanguardismo es la libertad de expresión, expresión , que se manifiesta manifiesta alterando alterando la estructura de las obras, abordando temas tabú y desordenando los parámetros creativos:
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en Poesía se rompe con la métrica y cobran protagonismo aspectos antes irrelevantes, como la tipografía; tipografía; en Arquitectura se desecha la simetría, para dar paso a la asimetría;
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en Pintura se rompe con las líneas, las formas, los colores neutros y la perspectiva.
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VANGUARDIA (del francés avant-garde, término militar que significa ir a la parte al frente de batalla) El término Vanguardia se utilizó posteriormente para denominar en el terreno artístico las llamadas vanguardias históricas. Una serie de movimientos artísticos de principios del siglo XX que buscaban innovación en la producción artística, se destacaban por la renovación radical en la forma y el contenido. Exploraban la relación entre arte y vida, su función social, y buscaban reinventar el arte confrontando movimientos artísticos anteriores. Características de las Vanguardias Artísticas: • • • • • • • •
Desde 1905 hasta el final de la 2º Guerra Mundial (1949) Plantea una ruptura con las corrientes artísticas establecidas Movimientos surgidos en Europa Revolución en el campo del saber: Freud y el Psicoanálisis Transformaciones Transformaciones técnicas y económicas económicas producto de la Rev. Industrial: Electricidad, Petróleo Petróleo Surgen nuevas potencias: EEUU, Alemania, Gran Bretaña, Japón Nuevos medios medios de transportes: el automóvil automóvil Luego de la guerra la sociedad se cuestiona los valores.
Estos movimientos artísticos renovadores, en general dogmáticos, dogmáticos, se produjeron en Europa en las primeras décadas del siglo XX, XX, desde donde se extendieron al resto de los continentes, principalmente hacia América, América, en donde se enfrentaron al modernismo. modernismo.
La característica primordial del vanguardismo es la libertad de expresión, expresión , que se manifiesta manifiesta alterando alterando la estructura de las obras, abordando temas tabú y desordenando los parámetros creativos:
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en Poesía se rompe con la métrica y cobran protagonismo aspectos antes irrelevantes, como la tipografía; tipografía; en Arquitectura se desecha la simetría, para dar paso a la asimetría;
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en Pintura se rompe con las líneas, las formas, los colores neutros y la perspectiva.
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CONTEXTO HISTORICO Y CULTURAL Desde el punto de vista histórico, histórico, el primer tercio del siglo XX se caracterizó por grandes tensiones y enfrentamientos entre las potencias europeas. europeas. Por su parte, la Primera Guerra Mundial (entre 1914 y 1918 1918)) y la Revolución Soviética (en octubre de 1917 1917)) fomentaron las esperanzas en un régimen económico diferente para el proletariado el proletariado.. Tras los años 1920, 1920, época de desarrollo y prosperidad económica conocida como los años locos, locos, vendría el gran desastre de la bolsa de Wall Street (1929 1929)) y volvería una época de recesión y conflictos que, unidos a las dificultosas condiciones impuestas a los vencidos de la Gran Guerra, provocarían la gestación de los sistemas totalitarios (fascismo – Mussolini- y nazismo – Hitler-) que conducirán a la Segunda Guerra Mundial. Mundial. Desde el punto de vista cultural, fue una época dominada por las transformaciones transformaciones y el progreso científico y tecnológico (la aparición del automóvil y del avión, avión, el cinematógrafo, el gramófono, etc.). El principal valor fue, pues, el de la modernidad (o sustitución de lo viejo y caduco por lo nuevo, original y mediado tecnológicamente). Al momento de surgir las vanguardias artísticas Europa viva una profunda crisis. crisis. Crisis que desencadenó la Primera Guerra Mundial, Mundial , y luego, en la evidencia de los límites del sistema capitalista. capitalista. Si bien hasta 1914 los socialistas son los únicos que hablan del hundimiento del capitalismo, también otros sectores habían percibido desde antes los límites de un modelo de vida que privilegiaba el dinero, dinero, la producción y los valores de cambio frente al individuo. Resultado de esto fue la chatura intelectual, la pobreza y el encasillamiento artístico contra los que reaccionaron en 1905: Pablo Picasso y Georges Braque con sus exposiciones cubistas, y el futurismo que, en 1909 1909,, deslumbrado por los avances de la modernidad científica y tecnológica, lanzó su primer manifiesto de apuesta al futuro y rechazo a todo lo anterior. Así se dieron los primeros pasos de la vanguardia, aunque el momento de explosión definitiva coincidió, lógicamente, con la Primera Guerra Mundial, Mundial, con la conciencia del absurdo sacrificio que ésta significaba, y con la promesa de una vida diferente alentada por el triunfo de la revolución socialista en Rusia. Rusia.
ANTES DE LAS VANGUARDIAS: IMPRESIONISMO: El impres impresion ionism ismoo no fue propia propiamen mente te un ismo de van vangua guardi rdia, a, sino sino un antec antecede edente nte con contra tra el que reaccionaron los vanguardistas. vanguardistas. Su principal aporte a las vanguardias fue la liberación del poder expresivo del color. Caracterizado a grandes rasgos por el intento de plasmar la luz. En una exposición de pintura en Paris, en la Galería de arte de Nadar, Monet exhibe su cuadro “el sol naciente” y los que los academicistas peyorativamente le llamaron impresionista, de ahí le debemos el nombre a este movimiento. Movimiento Movimiento plástico que se desarrolla entre 1880 1880 y 1930. POST – IMPRESIONISMO: Van Gogh - Gauguin 3
FAUVISMO El Fovismo o también conocido por fauvismo (en francés fauvisme) fue un movimiento pictórico de origen francés que se desarrolló aprox. entre 1904 y 1908. Su nombre procede del calificativo fauve (fiera). Se dio su origen en París, en 1905, en el importante Salón de Otoño, con un comentario irónico como ocurrió con el impresionismo. Su estilo es caracterizado por la violencia del color adquiriendo el cuadro una total autonomía respecto a la realidad exterior. El fauvismo su objetivo era lingüísticamente la síntesis forma-color y los más representantes del movimiento fueron: Matisse, Marc, Dufy y Vlamick (con paisajes dramáticos inspirados en Van Gogh) . Los fauvistas consideraban que mediante el color se podían expresar sentimientos. Aunque varios artistas, como Matisse, Vlamick entre otros, expusieren en algunas ocasiones juntos, el Fauvismo no presenta los caracteres de grupo coherente como un programa común, el único que escribió y pintó con voluntad de sistema era Matisse, por eso se decía “el más leal”.
“Los colores eras para los pintores cartuchos de dinamita” El fauvismo inaugura la serie de "ismos" con los que el arte contemporáneo rompe con los sistemas tradicionales de representación, abriendo nuevas vías para la expresión artística.
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FOVISMO - MATISSE Fue encargada por un marchante ruso. En principio iba a ser realizada en azul, pero Matisse se decantó por el rojo, uno de sus colores favoritos por su gran carga expresiva. Del cuadro ha desaparecido la sensación de profundidad; primer y último plano comparten color y elementos decorativos. El claroscuro y el modelado han desaparecido. Predominan los colores primarios, rojo, amarillo, azul, aplicados de forma pura, sin matices tonales. Los colores secundarios: violeta, naranja y verde, aparecen en ciertos detalles. Se combinan arabescos curvilíneos, que subrayan la sensualidad del rojo, con líneas rectas que sugieren tranquilidad. El dibujo se realza a veces con trazos negros. La pintura se expande, los objetos no aparecen enteros en el cuadro, 0 9sino que parece que aspiran a liberarse de la rigidez del marco, convirtiendo la 1 0 9 9 pintura en una explosión cromática de optimismo y vitalidad. El verde del 1 – 1paisaje que se cuela por la ventana contrasta por la serenidad que sugiere, con I I Armonía en rojo (1908) I a ala agresividad del rojo que llena la tela. La mujer que dispone la mesa aparece, z zen un estado de sosiego interior, de calma, abstraída en sus pensamientos. n 9 0 9 1 I a z n a D a L
a n d a a D L aEl
color
muy estridente (chillón) caracteriza esta tendencia de artistas
Ldenominados por la crítica “fauves”.
Los colores son aplicados de forma casi pura, sin matices. El dibujo se realza a veces con trazos negros. Los danzantes no permanecen enteros dentro del cuadro, sino que parece que aspiran a liberarse de la rigidez del marco, convirtiendo la pintura en una explosión cromática de optimismo y vitalidad. La Danza nos muestra una enorme sencillez en su estructura, movimiento que sobrepasa el marco, contraste brutal de colores sin matices y movimiento circular continuó. No se preocupan de la luz ni de la profundidad, la pintura debe ser autónoma, no pretende imitar nada. Matisse decía “yo no creo ninguna mujer, sino que hago un cuadro”.
Es una escena fruto de su imaginación, totalmente subjetiva. Utilizó el tema de las bañistas y las odaliscas orientales y las traspasa a un ambiente occidental. Definió los espacios mediante amplias áreas de colores sin matizar, ) estructurados por medio de las líneas de los cuerpos, que dirigen la vista del 5 0 espectador y marcan el ritmo de la composición. 9 1 ( La construcción con el color y la simplificación formal dominaban sus cuadros e con gran audacia y seguridad. Matisse dibuja con el color, que es el que da d entidad a la pintura pudiendo desempeñar el papel de dibujo, de perspectiva y r e de sombra de volúmenes. En su obra hay alegría, serenidad, es un arte V a amable, apacible, es un camino hacia la profundidad de sí mismo.
Gozo de vivir o La alegría de vivir (1905-1906)
y a R Cuadro de carácter anaranjado, Las palabras claves del color naranja son: a energía, alegría, felicidad, atracción, creatividad. L
El soporte temático del cuadro es real, un rostro, pero la figura no es lo importante, lo que prima es la importancia de la mancha de color, muy empastada y de gran fuerza y violencia, buscando nada más que su interrelación y la armonía cromática. Predominando además dos tonos complementarios rojo y verde. La aportación de este cuadro se halla en las posibilidades del color y en la utilización de éste de una forma mucho más agresiva y autónoma: aquí no sólo se sombrea con color, sino que hacerlo con una raya verde supone desentenderse de la realidad, apostando por la autonomía plena del color como valor plástico, y convirtiéndolo además en un elemento de provocación.
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EXPRESIONISMO El expresionismo fue una corriente pictórica que nació como movimiento a principios del siglo XX. Entre 1905 y hasta la llegada al poder de los Nazis en 1933. Se da en Alemania y otros países centroeuropeos de ámbito germánico y austro-húngaro, ligado al fauvismo francés como arte expresivo y emocional que se opuso al impresionismo. Pretende expresar filias y fobias del ser humano. Por lo tanto, no requiere de una buena técnica, ni de un resultado estéticamente bello. Las filias, en psicología, son atracciones a determinadas realidades o situaciones. Significan lo contrario que las fobias que hacen referencia a los miedos. Se enfrentaría básicamente como la teoría estética a las ideas realistas, a las viejas ideas impresionistas que habían aparecido en Europa en los últimos veinte años del siglo XIX, y plantearía que lo real no es fundamentalmente aquello que vemos en lo exterior, sino aquello que surge en nuestra interioridad cuando vemos, percibimos, intuimos o producimos algo. Características del Expresionismo: • • • •
Rechazada las formas, se desvanece la forma de las cosas y se usa de manera distorsionadas. Los colores eran discordantes, o sea contradictorios: Aplicación antinatural del color. Acentuación de la expresión Arte abyecto (bajo, degradado) y angustiado
EXPRESIONISMO – GRUPOS
EL JINETE AZUL
Kandinsk Marc Kokoschka Paul klee
EL PUENTE Kirchner
A diferencia de la ruda forma de pintar de los artistas de EL PUENTE, el arte del JINETE AZUL es más exquisito, subjetivo y espiritual. Aunque la formulación artística de ambos grupos era muy diferente, los unía la convicción de mirar más allá de lo superficial. Se interesan principalmente por la transformación pictórica de los sentimientos y les importaba más el cómo de la representación que el qué. Incluso en aquellos cuadros en los que todavía se podían apreciar vagas reminiscencias de las cosas mundanas, el efecto no parte del objeto, sino de la composición. Lo más importante eran las formas y los colores. Se imaginaban la transmisión de los sentimientos como una cadena entre el artista y el espectador. A su vez, el cuadro causa en quien lo observa determinados sentimientos, con lo cual se convierte en el agente responsable de "la sensibilización del alma del espectador". Entonces, la asociación del significado y la concepción del sentido de cada cuadro están en manos del propio espectador. La colaboración critica del espectador a la hora de conceder un significado a una obra y la silenciosa comunicación entre el cuadro y quien lo contempla adquiría cada vez más importancia a lo largo de todo el arte del siglo XX. Se caracteriza por emplear un vocabulario estético muy simplificado, con pocas formas, reducidas a lo esencial, cuerpos deformados y espacios sin perspectiva. Los colores, brillantes y saturados, desprendidos del colorido local y pintados superficialmente con un pincel grueso, se encuentran incrustados dentro de un fuerte contorno. Esto concede a los cuadros un carácter vigoroso, como si hubieran sido tallados en madera. Solían trabajar con contrastes complementarios, mediante los que los colores se reforzaban mutuamente en su luminosidad. Su apasionado colorido se correspondía con el deseo de conceder al color una nueva relevancia emocional, creando obras sólo a base de colores como los fauvistas. Mediante la deformación con la que reforzaban la expresión, querían representar la "realidad real", es decir, la esencia de las cosas, lo que no puede verse, sino sólo sentirse. Con el término expresionismo recogió en un principio todas las representaciones artísticas que se alejaron de la representación fiel de la realidad, así como también el cubismo y el futurismo.
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EXPRESIONISMO – MUNCH (noruego) Como referente del expresionismo, no existía el movimiento cuando él realizo estas obras. Este cuadro es la antesala a lo que será uno de los cuadros más famosos de Munch, “El Grito”, Ansiedad es básicamente el mismo formato, los mismos colores, las mismas personas grises… y en primer plano, la dama que poco a poco pierde su cordura y la llevará a ser la protagonista. Este cuadro resulta el gesto más expresivo del arte contemporáneo para significar el gran desaliento que el hombre moderno sentía ante el fin de siglo y la transición al siglo XX. Munch nos habla de sus sentimientos cuando pintó esta obra: "Estaba allí, temblando de miedo. Y sentí un grito fuerte e infinito perforando la naturaleza".
Ansiedad (1884)
Estas frases tremendas nos hablan de una hipersensibilidad del autor que con la realización de este cuadro se convierte en altavoz de la angustia existencial que caracteriza el pensamiento contemporáneo en alguna de sus facetas. En “El Grito” podemos ver cómo los colores son puros y arbitrarios: el cielo y el mar contrastan en una composición que no se corresponde con la percepción real de las cosas. El cielo se transforma en fuego y el mar queda indefinido por sus espirales violentas. Pero las formas ondulantes de la naturaleza y del hombre chocan con la perspectiva forzada del puente, que se alarga en diagonal hasta un lugar que no vemos. Estas líneas, y el espesor y pureza de los colores, son los que dan fuerza a la composición; todas las líneas convergen hacia el centro del cuadro: la cabeza que grita La distorsión de todos los elementos se convierte en una técnica básica para conseguir el efecto deseado en el espectador. La sensación de temor y de angustia se nos contagia inevitablemente
El Grito (1893)
Melancolía (1896)
La obra de un artista es el reflejo tanto de su cultura, como del momento histórico que vivió, y de sus experiencias personales. Todas estas cosas que percibe son transformadas en cuados o en piezas que son tan únicas como la personalidad e identidad del mismo Munch claramente no es la excepción. Tanto el dolor de su vida personal como el de las guerras que sucedieron durante su vida, el paisaje único de noruega, el clima, y sus experiencias familiares dieron lugar a un momento de reflexión acerca de la condición humana y esto llevo a que desarrollara ciertas temáticas en su pintura: la ansiedad, la muerte, el amor, el miedo, la melancolía En todas estas obras, de carácter fuertemente expresionista, el color está concebido como elemento simbólico para reflejar los estados de ánimo, alejándose de toda descripción objetiva. Munch quería expresar sus propias vivencias de los estados anímicos, no de la naturaleza en sí.
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EXPRESIONISMO - KANDINSKY Pequeñas alegrías. queda patente la intención del autor de mostrarnos una "naturaleza interior", una clara acción interna del cuadro con un mensaje sobre el mundo perceptivo y sensorial; el tema es el diluvio, la sensación de cambios importantes y la necesidad de prepararse para un mundo diferente, quizás más espiritual. Su deseo de perfección del mundo le llevó a la abstracción del mundo y a registrar en sus obras ese pensamiento que de tan espiritual perdió la concreción de la imagen figurativa. Su huida del mundo le llevó a una especie de ascetismo en lo artístico. Pequeñas Alegrías (1913)
Vista de Murnau con ferrocarril y castillo 1909. Óleo sobre cartón El arte abstracto se aplica a todas las obras enteramente carentes de figuración (espacio real, objetos, paisajes) rechaza la copia o imitación de todo modelo exterior Murnau constituye el punto de arranque en la evolución del genio ruso hacia su concepción abstracta de la pintura frente al reflejo realista del mundo. La Naturaleza pierde sus formas por medio de la abstracción gradual del mundo y el color se convierte en el elemento dominante. Vista de Murnau con ferrocarriles y castillos (1909)
Para Kandinsky primará el deseo de transmitir sus emociones y de ofrecer al espectador una visión de su "mundo interior”
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EXPRESIONISMO - MARC Para mi estas dos obras no son puramente expresionistas debido a que solo tiene la discordancia de color en al caballo azul, no se ve reflejada la distorsión ni la exageración de las expresiones, en cuanto al zorro, tiene razgos de color propios del fovismo.
¿Y por qué pintaba animales? Marc encontraba en la "animalidad" el impulso vital de la naturaleza. Veía en los animales la pureza, la belleza y hasta la espiritualidad que el ser humano había perdido. En sus cuadros, Marc humanizó al animal, representó a través de ellos sentimientos humanos o incluso a sí mismo. No hay que olvidar que este artista vivió los difíciles años en que Europa se encaminaba a una de las guerras más destructoras de la historia moderna, la Primera Guerra Mundial. Marc evadía pintar la realidad crítica que lo rodeaba a partir de sus pinturas de animales. Quizá encontraba en ellos los valores primordiales que creía perdidos en su deshumanizado entorno social.
Murió en acción de guerra en la Primer Guerra Mundial. Caballo Azul (1911)
La parte de su obra más conocida son los retratos de animales. Estas obras se caracterizan por la brillantez de colores primarios, el cubismo, la simplicidad y un profundo sentido de la emoción. El tema es la fuerza vital de la naturaleza, el bien, la belleza y la verdad del animal que el autor no ve en el hombre, al cual no representa. Marc intenta representar el mundo tal como lo ve el animal, mediante la simplificación formal y cromática de las cosas. Usa cada color para denotar un significado: azul para la austeridad masculina y lo espiritual, amarillo para la alegría femenina, y el rojo para la violencia. Zorro Negro Azulado (1911)
EXPRESIONISMO – KOKOSCHAKA La novia del viento es un homenaje a la fuerza del amor. Representa al pintor con su amante Alma Mahler con la que mantuvo una relación tempestuosa. En 1915 Alma huye y abandona a kokoschka asustada por una pasión tan intensa que llega a rozar la locura. No hay mejor forma de representar los sentimientos que el expresionismo, el cual usaba trazos gruesos, líneas duras, poco color en general. El pintor exprimía sus sentimientos y los lanzaba al lienzo, para hacernos partícipes a los espectadores de lo que ocurre en su interior. La fuerza expresiva de esta Tempestad nos hace suponer que la pérdida de su amante fue muy dura, brusca. La huida de Alma Mahler supuso la pérdida de la razón del artista y esto lo podemos ver en el lienzo, que no tiene color, ni alegría, simplemente son trazos angustiados porque se había enamorado de ella. Por eso, en el cuadro posan en un momento para él eterno, como es abrazado el uno al otro. Aunque se ha tachado a veces el expresionismo como brutal, como un movimiento depravado (Hitler lo consideró así), en este lienzo podemos ver la capacidad emotiva del movimiento. Se puede ver en el lienzo el interior, lo subjetivo, ya no se dedican a pintar un árbol, sino a sentir ese árbol. La novia del viento (1914)
EXPRESIONISMO - KIRCHNER .
“La observación del movimiento excita mi pulsión vital, fuente de creación”. Kirchner empieza a pintar casi exclusivamente escenas de las calles de Berlín.
Dibujo muy rabioso, nervios, pinceladas gruesas casi verticales, figuras puntiagudas, espacio comprimido, representa a 5 prostitutas. Figuras muy alargadas, sin comunicación entre ellas, aisladas, rostros distintos Sus inquietantes mujeres encerradas en abrigos largos, imágenes estiradas y geométricas por contacto con el cubismo y el futurismo, se paran o se mueven por calles de perspectivas aceleradas, en un mundo tenso a punto de estallar. Sus temas preferidos eran escenas callejeras con agresivas mujeres realizadas en colores estridentes muy contrastados y líneas angulosas para transmitir la soledad y la angustia de la sociedad contemporánea 5 Mujeres en la Calle (1913)
La mujer con el gran sombrero delata su profesión de prostituta. La presencia de varios personajes dentro de la obra que se sitúan de derecha a izquierda crea una tensión espacial, inestabilidad. Las figuras aquí si se comunican. Repintado en 1925 con pinceladas mucho más nerviosas, colores planos, opacos, colores menos ácidos.
Calle con Buscona (1914-15)
CUBISMO El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en París, Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es un movimiento fundamental pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional. El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas llamándolos peyorativamente de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo». Los temas son: árboles, casas, compoteras, botellas, vasos, instrumentos musicales, naipes, periódicos.
Cubismo Analítico: A partir de 1907 la multiplicidad de los puntos de vista, la reducción de la realidad a volúmenes geométricos, la negación del ilusionismo a favor de la construcción del espacio autónomo del cuadro, y la insinuación de que el objeto representado tiende a configurarse a partir de la propia pintura y no de la realidad, es decir, tiende a convertirse en un objeto autónomo. Los temas representados son naturalezas muertas retratos, son una excusa para la investigación pictórica, no lo se niega la existencia de un espacio tridimensional, sino que la relación espacial bidimensional es representada como un objeto más. El color se reduce hasta la monocromía, las imágenes pueden verse simultáneamente de frente y de perfil o superpuestas. Cubismo Sintético: A partir del 1911-12 con las primeras manifestaciones del collage (procedimiento que consistía en pegar al cuadro los objetos y materiales más diversos y con la vinculación de Juan Gris) al movimiento se produce un cambio de importante consecuencias. Se incorpora una gama mas rica de colores y la composición del espacio del cuadro partía de él mismo, no hubo una referencia exterior, y de los elementos y materiales que la componían. Sin duda la introducción del collage fue decisiva: cartones, madera, hierro, palabras impresas, letras papeles pintados o vidrios, contribuían a afirmar el carácter objetual de la pintura, rompiendo con la tradición de una forma definitiva. Los objetos encontrados, fragmentos o desperdicios, eran parte de una nueva realidad de lo artístico y su introducción en un contexto nuevo reducía los límites entre el arte y la vida cotidiana. Las innovaciones del cubismo fueron asumidas y profundizadas por artistas y grupos de vanguardias posteriores. Desde los que entendían que la consecuencia lógica del movimiento debía ser la abstracción.
CUBISMO – BRAQUE (Francés) Braque había realizado una serie de paisajes de l'Estaque, caracterizados por la escasez de colorido y un volumen facetado, a base de planos inclinados, que se presentaron en París en la exposición que dio origen al nombre de cubismo En esta fase inicial del cubismo, Braque experimenta con la reducción volumétrica de las figuras, objeto y espacio a planos amplios y sencillos, con el interés centrado en la plasmación de la forma tridimensional de los objetos.
L Estanque (1908)
"No basta con conseguir que la gente vea lo que uno pinta, debe conseguir también que lo toque" , afirmaba Braque. A diferencia de Picasso, que plasmó con frecuencia la figura humana, Braque prefirió, a lo largo de toda su trayectoria artística, la naturaleza muerta, en la que introdujo novedades significativas, como el empleo del collage o la incorporación de letras y números. En sus bodegones cubistas juega con el espectador, invitándole a reconstruir los objetos a partir de las diversas perspectivas que de ellos introduce en sus obras.
Mujer con Guitarra (1909)
CUBISMO – JUAN GRIS (español) Collage de Juan Gris
Naturaleza Muerta (1914)
CUBISMO – PICASSO (español) Las naturalezas muertas son uno de los motivos que asoman con insistencia a lo largo de la evolución artística de Picasso. Es bien cierto que junto a la figura humana las naturalezas muertas son los dos grandes temas que focalizan la atención del artista. Panes y frutero sobre una mesa es en realidad uno de los más destacados ejemplos de las continuas metamorfosis e indagaciones a que somete Picasso sus pinturas. Así, esta obra responde en realidad a la diversidad de transformaciones que realiza en 1909 en torno a la familia de Arlequín. Panes y fruteros sobre una mesa (1909)
Podemos, pues, afirmar que esta naturaleza muerta surge de un trayecto largo y denso en el que la capacidad creativa y analítica del artista alcanza uno de sus máximos exponentes. La mujer que llora es uno de los cuadros pintados por Picasso tras la Guerra Civil Española El dolor y el sufrimiento se hacen presentes. No hay lugar para la serenidad y el equilibrio. Las líneas se quiebran y los colores se contraponen. Los colores nos evocan los tonos d la bandera republicana. Son a su vez, tonos intensos, amarillos y rojos frente al frío azul que capta nuestra atención hacia el punto más dramático, unas inmensas manos y esa boca que muerde un pañuelo arrugado
La Mujer que llora (1937)
La pintura no representa, si no presenta, el grito del dolor. El realismo fotográfico no sería suficiente para plasmar un sentimiento desgarrador que ha llegado a deformar la realidad. En 1957, cuando Picasso pinta su versión del famoso cuadro de Velázquez no es tanto un homenaje al pintor sevillano como un reto que el malagueño hace a sí mismo y, a la vez, un acto de autoafirmación y de verificación de las potenciales de su propio lenguaje figurativo.
Las Meninas (1957)
Picasso se sentía heredero a la vez de la tradición realista occidental y del espíritu que había alumbrado la modernidad. A lo largo de los cuarenta y cinco cuadros de las meninas, Picasso jugó con la monocromía y con el color en estado puro.
El retrato refleja una figura femenina de manos afiladas, una obra llena de color cargada de gran primitivismo, donde el uso del doble perfil del rostro propone una representación simultánea; además, la tensión de la obra se ve ligeramente aumentada por el diferente uso del color en los ojos de la figura retratada *Esta obra pictórica realizada durante la Guerra Civil Española (19361939), al igual que el resto de la serie de retratos de Dora Maar, no solamente plasman el contexto histórico-artístico de una época de crisis, sino que además refleja la visión que Picasso en ese momento tenía de su compañera Dora Maar. Retrato a Dora Maar (1937)
CUBISMO – PICASSO – EL GUERNICA Picasso decía: “Pinto las cosas como las siento, no como las veo” El cuadro de Guernica, está pintado en blanco y negro, con diferentes tipos de grises y hasta unos tonos azules que apenas se aprecian. Es posible que esta elección de color se deba a que Picasso se percató del bombardeo por parte de la aviación alemana a la ciudad vasca de Guernica (1937) a través de los periódicos.
Otra explicación es que el pintor malagueño quisiera transmitir su pena, angustia e indignación representando este ataque como una obra teatral. Para realizar esta obra de enormes dimensiones (349 x 776 cm) recorrió al cubismo para dar un aspecto más agonizante. Las diferentes figuras del cuadro presentan grandes bocas abiertas, ojos desorbitados y cuerpos deformados. El Guernica es un cuadro que consta de ocho figuras que sufrieron diferentes cambios mientras eran pintados. Se podría decir que aunque Guernica parezca un lienzo desordenado Picasso estudió mucho la posición y la forma de los diferentes componentes. En el Guernica, se pueden encontrar diferentes símbolos: el toro fuerte, erguido e impasible simboliza el pueblo español, que se defendía del franquismo. A la vez, el caballo o la yegua que se encuentra en el centro del cuadro, simbolizaría la feminidad de España, y el ave que se encuentra volando entre el toro y el equino representaría el deseo de paz y libertad. El resto de personajes representa la agonía, la desesperación y la tristeza, reflejada en los cuerpos deformados, las bocas abiertas y los ojos desorbitados. El estado español (los republicanos) le piden a Picasso una obra que identifique su lucha de izquierda, pensemos que en esa época estaban enfrentados con el partido Nacional (conectados con los Nazis – Franco). Mientras tanto ocurre el bombardeo alemán a Gerníca, bombardeo que se realizo a plena luz del día y en donde habitaba niños, mujeres y civiles. Asume Franco al poder, y Picasso da en custodia a un museo de EEUU su obra con el acuerdo que cuando vuelva la democracia sea reintegrado al Reina Sofia. Y fue así, por los años 70, poco después de la muerte de Pablo Picasso. La carencia de perspectiva y de profundidad rompe con el arte tradicional. La representación de los cuerpos se hace a base de formas angulosas, y en ellos se recogen distintos puntos de vista de manera simultánea, por ejemplo, en el mismo rostro, los ojos aparecen vistos de frente y la nariz de perfil, y vemos a la mujer agachada de la derecha tanto de frente como de espaldas. En el cuadro podemos observar cinco mujeres, de las cuales destacan las dos primeras señoritas de la derecha, diferenciándose de las demás, por lo cual se separan para lograr un análisis. Las dos mujeres que aparecen en el lado derecho muestran en sus rostros la influencia del arte africano. Obviamente el pintor había perdido interés en modelos escultóricos y los comunes naturales de sus primeros desnudos. El desnudo posterior está dibujado casi todo con líneas rectas que forman planos angulares. Las señoritas de Avignon (1907)
FUTURISMO Este movimiento fue fundado en Italia por Marinetti, quien escribió el “ Manifiesto de futurismo” en 1909. Si el cubismo, el fauvismo y el expresionismo sus innovaciones eran en el campo especifico del arte, con los futuristas asistimos a la nueva formulación de un compromiso del arte con la construcción de una nueva sociedad, sus propuestas no hacían distinción entre la literatura, la política, la pintura, la arquitectura o el teatro, negaban radicalmente el pasado, estaban apasionados por el maquinismo, la nocturnidad de las grandes metrópolis y la velocidad. Consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica. En el campo de la fotografía destacaron los hermanos Bragaglia y sus imágenes movidas, que ofrecen tiempos sucesivos y trayectoria de los gestos, como en Carpintero serrando o en Joven meciéndose. El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano. La Ciudad Nueva: la nueva medida ya no era el edificio, sino la estructura urbana, y apostaba, además, por las nuevas tipologías, como estaciones de trenes y aeroplanos, centrales eléctricas, casas escalonadas con ascensores… Se trataba de un nuevo mundo vertical y mecánico, conectado a través de redes de ascensores de hierro y cristal. Aunque el futurismo tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1944 -acabado con la muerte de Marinetti- su influencia se aprecia en las obras de autores canónicos como Marcel Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en París, así como en el definitivo constructivismo ruso. En 1915 algunos de los representantes del futurismo, como Marinetti, se alistaron en un batallón de voluntarios, de acuerdo con el punto nueve de su decálogo fundacional, donde se ensalzaba la guerra como la única higiene del mundo. Algunos de ellos murieron, y los demás radicalizaron sus posiciones, como la conocida conversión al fascismo en las elecciones de 1919. Toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas. La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. El futurismo fue politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919. En su manifiesto hay un punto que dice: Queremos glorificar la guerra, única higiene del mundo, el militarismo, el patriotismo y el gesto destructor de los anarquistas, las bellas ideas que matan y el desprecio a la mujer . La representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.
Marinetti fundador Carra, Balla y Boccione principales representantes en pintura y escultura Bragaglia en la fotografía
FUTURISMO PUNTURA La representación del movimiento se basó en lo simultaneo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.
Los funerales del anarquista Galli CARRA - 1911
ARQUITECTURA
La Nueva Ciudad SANT ´ELIA (1914)
ESCULTURA
Evolución de una botella en el espacio
BOCCIONI (1912)
Los colores que utiliza Balla son los amarillos, ocres y marrones, con pequeños trazos de turquesa, azul, naranja, violeta y rosa. El ritmo del violinista representa la concepción más madura de la idea de Boccioni sobre la relación del objeto y el ambiente, y esto lo consigue fundiendo este objeto con el fondo.
Los ritmos del arco BALLA (1937)
FUTURISMO LITERATURA El discurso futurista se asentó fundamentalmente en la reiteración de algunas palabras clave, provenientes de los avances tecnológicos que desde mediados del siglo XIX transformaron para siempre la vida en el planeta: velocidad, energía, dinamismo. PUM PAM – CRAF
Estudio del movimiento y en la fotografía y también se intereso por el cine. Fue pionero en la fotografía italiana futurista y en el cine en Italia. Era un versátil e intelectual artista, que poseía amplios intereses. Escribió sobre fotografía, teatro y danza.
Violin BRAGAGLIA (1913)
DADAISMO Uno de los movimientos mas radicales de las vanguardias. Dadá, dicen sus propios protagonistas, no significa nada. Más que una nueva opción artística es un estado de ánimo. Su objetivo final era la destrucción total del arte, no para proponer un nuevo código artístico sino para construir una categoría única: El Antiarte. No intentaban hacer arte, lo negaban todo y, sin embargo, nos quedan objetos hechos por dadaístas y numerosos textos y crónicas de sus actividades. El Dada surgió simultáneamente y sin ningún contacto en Suiza y en NY en 1916 y aunque no asume ninguna aportación de las vanguardias existen antecedentes como algunos planteamientos de artistas que entendían el arte como campo autónomo de la historia y de la vida. Estamos en plena época de guerra, 1916, y a poco de la revolución rusa, los dadaístas no estaban de acuerdo con la guerra y a partir de sus obras hacen sus criticas. Es una total destrucción del arte antiguo del arte clásico- renacimiento. Las primeras manifestaciones se realizan en el Cabaret Voltaire de Zurich en 1916, la obscenidad, la provocación, el escándalo la ironía y la destrucción se presentan intencionada e incoherentemente en su crítica negativa de la burguesa, de la guerra, del arte, y de las convenciones. En 1917, en Gran Galería Central, los dadaístas americanos y europeos del grupo de NY organizan una escandalosa exposición en la Duchamp presenta su famosa fuente, un urinario firmado con el seudónimo R.Mutt 1917. El fotomontaje que fue la técnica más empleada por el movimiento Dadá y que tuvo gran influencia en otros autores y movimientos pictóricos posteriores.
DUCHAMP - DADAISMO (Francés) Rueda de bicicleta – 1913
Profundamente irónico y descreído, demoledor en su actitud crítica contra los sacrosantos valores morales burgueses, este antiarte tuvo en la máquina uno de sus blancos favoritos. Quizás el primero en hacer notar esta nueva sensibilidad fue Duchamp que ya en 1913 realizó su primer ready-made como máquina absurda: Rueda de bicicleta montada sobre taburete
Fuente - 1917
En 1917 Duchamp fue invitado por la galería Grand Central de Nueva York a formar parte del jurado de una exposición de artistas independientes. Sin informar a nadie, el propio Duchamp envió para exponer en esa exposición este urinario de porcelana blanca firmado con el seudónimo "R. Mutt". Cuando su Fuente fue rechazada para la exhibición, Duchamp renunció al jurado y el incidente causó un escándalo que sacudió al mundo del arte. Con esta actitud provocadora quiso mostrar su desilusión ante las formas tradicionales del arte, pintura y escultura, como medios de expresión.Su gesto de enviar a la exposición un producto comercial fabricado en serie y firmado por un "artista" inexistente, se opone radicalmente a la sacralización (Atribuir carácter sagrado a lo que no lo tenía) de la obra de arte como "creación única e irrepetible", salida de las manos de un "genio". Este desafío "antiartístico" proponía romper con las barreras del arte y ampliar sus horizontes. En la defensa de su Fuente, Duchamp escribió: Si el Sr. Mutt construyó o no con sus propias manos la Fuente no tiene ninguna importancia. Él la ELIGIÓ. Tomó un objeto de la vida diaria, lo reubicó de manera que se perdiera su sentido práctico, le dio un nuevo título y punto de vista y creó un nuevo significado para ese objeto. El concepto artístico que Duchamp postula con obras es el del ready-made, es decir "lo ya hecho" u "objeto encontrado". Es decir que encuentra objetos manufacturados que descontextualiza de su entorno común y a los que les otorga una nueva identidad. Con ello, Duchamp ubica la esencia del acto artístico en la IDEA y selección del objeto, no en la creación ni en la imagen visual de la obra. De este modo, el artista se libera de la manualidad y, por ende, de la técnica, que la tradición artística entendía como indisolubles del acto creador. En su momento, y quizá todavía, obras como ésta se tomaban como una agresión. Duchamp usó este tipo de violencia para combatir las ideas convencionales del arte y en donde se cuestiona la validez del arte mismo. Duchamp y los dadaístas buscaron demoler las barreras entre el arte y la vida, declarando que cualquiera podía ser un artista y cualquier cosa podía convertirse en una obra de arte. LHOOQ – 1919
L.H.O.O.Q. es un ready-made realizado por Marchel Duchamp. El objeto es una postal con una reproducción de la conocida obra de Leonardo da Vinci, la Mona Lisa, a la que Duchamp dibujó un bigote y una barbilla con lápiz. Al ponerle barba y bigote a La Gioconda, Duchamp estaba «tomándose libertades con una obra de arte cuya fama popular había alcanzado proporciones míticas. Era una provocación inevitable. Aunque el gesto de Duchamp hoy nos parece, a lo sumo, una broma corriente, en su momento causó consternación, sobre todo porque Duchamp acentuó el sacrilegio titulando el resultado L.H.O.O.Q., letras que leídas en francés, suenan a «chaud au cul», «ella tiene calor en el culo». Los ritmos del arco BALLA (1937)
SCHAD – DADAISMO (Alemán) Pintor alemán que en 1915, para evitar servir en la Primera guerra mundial, huyó a Suiza donde participó en el movimiento dadaísta. A partir de 1918, Schad desarrolló su propia versión del fotograma. Inventando en 1919 las schadografías, obras similares a los rayogramas de Man Ray y los fotogramas de Moholy Nagy; se trata de fotos que reproducen la imagen negativa de las texturas creando nuevas formas de representación. Amourette – 1919 Schadografía Nº4
MAN RAY – DADAISMO (Estadounidense) Man Ray: ¿Era pintor, era fotógrafo, era cineasta…? ¿Qué era? Pero ¿qué pretendía el señor Man Ray con todo esto? Básicamente reírse del arte y hacer temblar los cimientos de la sociedad consumista que se había creado después de la Primera Guerra Mundial. Man Ray, para empezar, decidió inspirarse en el urinario de Duchamp y en esta exposición, encontramos una pieza compuesta por una tapa de retrete y dentro un huevo que parece recortado en papel. ¿Cuadro o escultura? Lo llamaremos mejor ready-made. El regalo 1941 - orig. 1921
Pero no fue ésta la única aportación de Man Ray al mundo del arte. Él fue el pionero de los rayogramas y las solarizaciones, dos técnicas fotográficas que daban lugar a imágenes parecidas a radiografías o a fotos con relieve. Algo comparable a nuestro actual Photoshop, pero con mucho más encanto y mucho más artesanal. En la muestra titulada “Man Ray: genio del siglo XX” no faltan las fotos que hizo en París a algunas de sus amantes. Una de las más conocidas, la del violín de Ingres, en la que la famosa Kiki aparece como si fuera un instrumento musical. En la sala de exposiciones nos topamos además con el primer móvil de la historia del arte titulado Obstrucción. Se trata de varias perchas de madera colgadas en forma circular pendiendo del techo.
El regalo, una plancha con clavos, despojado de su cualidad primera, y convertido en un objeto inadaptado, inútil. El violín de Ingres - 1924
Lagrimas (1932)
Lagrimas realizada en Paris en 1932 tras su ruptura con su amante Lee Miller. Quizá quiso reflejar entonces su estado de ánimo.
HEARTFIELD – DADAISMO (Alemán) El creador del fotomontaje Helmut Herzfelde nació en Berlín el 19 de junio de 1891. Hasta 1914 asistió a escuelas de artes aplicadas y tomó clases particulares de pintura. Dos años de servicio militar en plena guerra le hicieron cambiar el punto de vista sobre varias cuestiones. Odió el ultra nacionalismo que justificaba la carnicería de la primera Guerra Mundial, y la consecuente xenofobia antibritánica que parecían exudar los germanos; como protesta mudó su nombre por el de John Heartfield. "ADOLF, EL SUPERHOMBRE, TRAGA ORO Y ESCUPE HOJALATA" 1932
La imagen por sí sola lo dice todo. Es una gran pieza gráfica, donde observamos la técnica del fotomontaje de una manera limpia, pues podemos ver en la misma gama de color a Hitler, sus costillas como en una especie de radiografía y su estómago lleno de monedas de oro. El mensaje es totalmente claro, y más si tenemos en cuenta la ideología política de John Heartfield.
"NO TENGAS MIEDO ES VEGETARIANO" 1932
"GUERRA Y CADAVERES. LA ULTIMA ESPERANZA DE LOS RICOS" 1932
Por esa época comenzó a experimentar con sus collages y fotomontajes. Fue fundador del Partido Comunista Alemán (KPD) en 1918. En 1920 se unió al grupo dadaísta de Berlín aportando sus fotomontajes para el periódico que éstos publicaban.
HAUSMANN – DADAISMO (austriaco) Fue un artista y escritor austriaco ejerció un destacado papel como dadaísta creando collages experimentales, poesía sonora y realizando críticas institucionales en Alemania durante los años transcurridos entre las dos guerras mundiales.
La cabeza mecánica – 1920 El trabajo más importante de Hausmann es La cabeza mecánica : el espíritu de ese tiempo; se trata de un ensamblaje hecho a partir de una cabeza de maniquí de peluquería al que adosó diversos aparatos de medición, incluyendo una regla, un mecanismo de un reloj de bolsillo , una máquina de escribir, segmentos de una cámara y una cartera de piel de cocodrilo.
FOTOMONTAJE - 1930
DADAISMO – MANZONI (italiano) Manzoni - Las latas – 1961
Manzoni enlató su excremento en 90 latas con etiquetas en diferentes idiomas y las subastó lo cual generó toda una polémica acerca del valor del arte. Fue subastada y vendida por 124 mil euros. También dicen que varias explotaron con los gases
SURREALISMO El Surrealismo o Superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton . El surrealismo es conocido como el movimiento de lo irracional y lo inconsciente en el arte de las vanguardias Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico. La primera fecha histórica del movimiento es 1916 , año en que Breton, precursor, líder y gran pensador del movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud. Durante los siguientes años se da un confuso encuentro con el dadaísmo, en el cual se decantan las ideas de ambos movimientos. Estos, uno inclinado hacia la destrucción nihilista (Negacion de toda creencia, religiosa, politica, etc - dadá) y el otro a la construcción romántica (surrealismo) se sirvieron como catalizadores entre ellos durante su desarrollo. En el año 1924 Breton escribe el primer Manifiesto Surrealista y en este incluye lo siguiente:
Surrealismo: "sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro, por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral." SURREALISMO – MAGRITTE (Belga) Surgió por tanto como un movimiento poético, en el que pintura y escultura se conciben como consecuencias plásticas de la poesía. En El surrealismo y la pintura, de 1928, Breton expone la psicología surrealista: el inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte, en esa esfera, no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo. Esa conexión se expresa de forma privilegiada en las casualidades significativas ( azar objetivo), en las que el deseo del individuo y el devenir ajeno a él convergen imprevisiblemente, y en el sueño, donde los elementos más dispares seElrevelan unidos por relaciones Die-blankovollmacht Estosecretas. no es una pipa – 1928/29 falso espejo 1928 (El poder de abogado en blanco)
Entre los artistas plásticos se manifiesta una dualidad en la interpretación del surrealismo : los surrealistas abstractospoemas , que sevisuales, decantandotados por la aplicación del automatismo como André Sus obras son auténticos de una sensacional perspectivapuro del ,mundo que nosMasson o Joan Miró, imposibles e inventan universos figurativos propios;onírico. y los surrealistas figurativos, interesados por la rodea, imágenes que te adentran en un mundo vía onírica , entre ellos René Magritte, Salvador Dalí, que se sirven de un realismo minucioso y de medios técnicos tradicionales, pero que se apartan pintura tradicional por la inusitada de objetos y Fue un pintor surrealista belga. Conocido porde suslaingeniosas y provocativas imágenes,asociación pretendía con su las monstruosas deformaciones, así como pordelalaatmósfera delirante que se desprende trabajo cambiar la percepción preacondicionada realidad y onírica forzar aly observador a hacerse hiper- de sus obras. a su entorno. sensitivo La segunda guerra mundial paralizó toda actividad en Europa. Ello motivó que Breton, como muchos otros artistas, marchase a de losuna EE.carga UU..conceptual Allí surgió una asociación pintores surrealistas y Magritte dotó al surrealismo basada en el juego de imágenes ambiguas y alemanes su franceses denotado que se reunió en torno a la revista VVV.enEstos surrealistas emigrados EE.UU. influyeron en el significado a través de palabras poniendo cuestión la relación entre unaobjeto pintado y el real arte estadounidense, en particular en el desarrollo del expresionismo abstracto en los años 1940. Cuando Breton a Europa en 1946 el movimiento estaba ya definitivamente deteriorado. Esto no esregresó una pipa ´ Es un cuadro surrealista en el cual sale el dibujo de una pipa, y una oración: " Esto no es una pipa ". Forma Segunda" Malditas Guerra Mundial Condeel su estallido de lallamada surrealistas algunos de ellosla (Bretón, parte colección, imágene s, los traidoras", conseladispersan, cual pretendía destruir mente Ernst, debido Masson) Parísque y se trasladan los Estados siembran el germen los humana a laabandonan extraña frase aparece en ela cuadro. Éste Unidos tiene unadonde pipa en el centro, y debajopara pone: (expresionismo abstracto y Arte futuros americanos de posguerra Esto no esmovimientos una pipa. Curiosamente, dicha frase coincide con el nombre de una obra Pop). de arte. ¿Ser o no ser pipa? Según el autor, la pipa del cuadro no es una pipa. Esto puede ser mentira, ya que se ve perfectamente que es una pipa, o puede ser verdad, ya que es el dibujo de una pipa. Pero también es una pipa, ya que se ve perfectamente en el cuadro que es una pipa, bueno, más bien es la representación de una pipa. Aunque también es una pipa... No, espera, no lo es, es sólo un cuadro. Pero es una pipa ¿No?
DALÍ – SURREALISMO (español) Fue un pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.
La persistencia de la memoria
(1931)
La tentación de San Antonio (1946)
Dali_Atomicus Foto de Halsman (1948)
Mi mujer en desnuda (1945)
Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista.
Teatro-Museo Dalí en Figueras. Cuando el alcalde invitó al artista a regalar una pintura para el museo local, Dalí respondió estar dispuesto a donar un museo entero y sugirió como sede el teatro entonces abandonado. En este teatro había expuesto sus dos primeras obras en 1918. La persistencia de la memoria, En el cuadro aparece la bahía al amanecer. El paisaje es simple; aparece el mar al fondo y una pequeña formación rocosa a la derecha. Hay cuatro relojes; un reloj de bolsillo y tres relojes blandos y deformados, según dice Dalí se inspiró en un tipo de queso. Los relojes, como la memoria, se han reblandecido por el paso del tiempo. Son relojes perfectamente verosímiles que siguen marcando la hora (supuestamente en torno a la seis de la tarde). La tentación de San Antonio es un cuadro realizado por el pintor español Salvador Dalí en 1946. La obra está pintada al óleo sobre lienzo, es surrealista y mide 90 x 119,5 cm. En el cuadro se muestra a san Antonio en un desierto, arrodillado y sosteniendo una cruz hecha con dos varitas para protegerse de las tentaciones que lo atacan, con el antiguo gesto del exorcismo. Estas son representadas por un caballo y una fila de elefantes, todos estos con sus patas alargadas de forma grotesca y cada uno cargando con una tentación. Atomicus Dalí , fotografía de 1948 de Philippe Halsman, donde explora la idea de la suspensión, representando tres gatos que vuelan, un cubo de agua lanzada y Salvador Dalí en el aire. Mi mujer desnuda (1945), Mi mujer desnuda mirando su propio cuerpo transformarse en escalones, tres vértebras
de una columna, cielo y arquitectura" Gala su musa imperadora de infinidad de obras.
SUPREMATISMO Fundado por Malevich en Rusia entre 1915 y 1916. El suprematismo fue un movimiento artístico enfocado en formas geométricas fundamentales (en particular, el cuadrado y el círculo). Surgió en Rusia paralelo al Constructivismo. Se inició con las ideas del pintor Malevich, quien promovía la abstracción geométrica y el arte no figurativo, en búsqueda de la supremacía de la nada y la representación del universo sin objetos. El Suprematismo rechazaba el arte convencional buscando la pura sensibilidad a través de la abstracción geométrica. Se desarrolló entre los años 1915 y 1923, siendo su primera manifestación la pintura de Malevitch “Cuadrado negro sobre fondo blanco” de 1913. La primera exposición del suprematismo fue en Moscú en 1915 donde se mostró por primera vez el Cuadrado Negro y cuadrado rojo. Los suprematistas se juntaron en un grupo denominado Supremus (sociedad de artistas) cuyo líder era Malevich, entre ellos se encuentran Alexander Rodchenko Los suprematistas no seguían los estilos tradicionales de la pintura, y no trasmitían mensajes sociales. Las obras suprematistas fueron aumentando su colorido y composición con el paso del tiempo. La asociación de artistas de la Rusia revolucionaria (creada en 1922) determinó que, al haber tanto analfabetismo, había que volver al realismo, para 1925 esta vanguardia estaba casi desaparecida. El suprematismo (como la obra de Wassily Kandinsky y el Neoplasticismo) fue uno de los principales logros de la abstracción. Aunque no tuvo muchos seguidores en Rusia, ejerció una gran influencia en el desarrollo del arte y el diseño de Occidente y en la Bauhaus. Pensar que en la vida política estaba implantado un régimen político zarista, con la revolución rusa y el movimiento bolchevique el arte se ve implicado y reacciona.
CONSTRUCTIVISMO El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre. El término construction art (‘arte para construcción’) fue utilizado por primera vez de manera despectiva por Malevich para describir el trabajo de Ródchenko en 1917. Arte al servicio de la revolución Así como estuvieron envueltos en trabajos de diseños industriales, los constructivistas trabajaron en festivales públicos y diseños de carteles callejeros para el gobierno de la revolución bolchevique postOctubre.
PRODUCTIVISMO La obra canónica del constructivismo fue la propuesta de Tatlin para el Monumento a la Tercera Internacional (1919) que combinaba una estética de máquina con componentes dinámicos que celebraban la tecnología, como los reflectores y las pantallas de proyección. Se critico diciendo «O se crean casas y puentes funcionales o el puro arte por el arte, pero no ambos». Esto se oponía a la versión del constructivismo adaptable y utilitaria que sostenían Tatlin y Rodchenko. La obra de Tatlin fue inmediatamente alabada por artistas en Alemania como una revolución en el arte: una foto de 1920 muestra a George Grosz y John Heartfield sosteniendo una pancarta diciendo «El arte está muerto. ¡Larga vida al arte de la máquina de Tatlin.
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CONSTRUCTIVISMO – RODCHENKO (ruso)
El teléfono - 1928
Chica con Leica - 1934
Escalera de socorro
Dueño de la perspectiva conocida como escorzo, el artista ruso fue uno de los maestros más influyentes del siglo XX. Es una oportunidad para adentrarse en esa estética experimental y nueva con la que el artista revolucionó el arte del siglo XX, mostrando que hasta los objetos más cotidianos y familiares pueden convertirse en algo diferente en función del ángulo desde el que se miren. Hablar de ‘revolución’ cuando se aplica a un artista, es un privilegio que se otorga a muy pocos. Éste es el caso de Rodchenko, un creador polifacético que trató con éxito múltiples disciplinas artísticas, y que revolucionó el mundo de la fotografía en medio de un mundo convulso por otra revolución mucho menos plácida, la Revolución Rusa, por la que acabó siendo devorado. Con sus aportes a la fotografía entre 1920 y 1940, en donde puede verse por qué fue uno de los maestros más influyentes del siglo XX y dueño de la perspectiva conocida como ‘escorzo’. El constructivismo fue un movimiento artístico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre. Es un término de uso frecuente hoy en el arte moderno, que separa el arte “puro"del arte como instrumento para propósitos sociales. La expresión “The complex of the navel” (el complejo del ombligo) remite al hecho de romper con la perspectiva frontal de la tradición pictórica clásica. En 1928 Rodchenko escribía: "Nosotros, educados para ver lo habitual y lo ya instaurado, debemos descubrir el mundo de lo visible. Debemos revolucionar nuestro pensamiento visual. Debemos quitarnos del ojo un velo llamado desde el ombligo". Así, mirando las cosas sin ombliguismo, entró en la historia. La obra de Rodchenko estuvo habitualmente al servicio de su patria y muy marcada por la ideología bolchevique. Puntualmente, sus imágenes tienen como protagonista la tecnología, la ciudad, aviones, dirigibles y otras máquinas modernas de la época, eventos deportivos o coreografías propias de aquel régimen.
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LASZLO MOHOLY NAGY - BAUHAUS Un fotógrafo excelente y un artista, artista de la luz, fotogramas. El más influyente de los fotógrafos experimentalitas que enseño en la Bauhaus fue el húngaro Laszlo, como constructivista que era animaba a sus alumnos a hacer uso de toda clase de fotografías, desde imágenes recortadas de revistas hasta fotografías aéreas o de alta velocidad pasando por tomas mas corrientes manipuladas o no.
Laboratorio (1938)
Dada importancia a los fotogramas lo mismo que a la dolarización, el registro de las fuentes luminosos móviles, las dobles exposiciones y los procedimientos de modulación de la luz ideados por los constructivistas, es decir, estructuras y motivos creados por la luz reflejada o dispersada sobre distintas superficies. La obra de Laszlo esta relacionada con la exploración del espacio y el tiempo por medio de películas semitransparentes o imágenes fijas repetitivas. Conocido por su labor de profesor en sus fotografías son frecuentemente ambiguas y exploran el tiempo y el espacio y los fundamentos del diseño.
Retrato Múltiple (1927)
He aquí una de las famosas imágenes en las que combina la fotografía y el dibujo junto a la representación real e invertida de los tonos y la referencia explicitas a la perspectiva.
Celos (1930)
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