Proyecto Libro Sobre Animacion

AN A NIMACIÓN

CECILIA NUÑEZ T.

• CAPITULO 1 •

FLIP BOOK

Un flip book debe constar de 4 etapas: Presentación, Desarrollo, Climax y Desenlace. En cada unas de esta etapas debe de haber un "fotograba clave" o bien un "key frame" de tal forma que entre cada fotograba clave haya el mismo número de cuadros, para que el tiempo sea congruente en la animación. También tenemos que tomar en cuenta dos cuadros para la prestación del escenario antes del primer fotograba clave y dos para el desenlace.

Instrucciones

• Flip book •

1. Decide el número de páginas que deseas tener en tu libro animado. 2. Asegúrate de que todas las páginas tengan el mismo tamaño. Une las páginas. 3. Dibuja tus páginas. Para hacer que se vea como si se mueve, cambia la imagen sólo un poco en cada hoja. 4. Pon a prueba tu flipbook. Voltea las páginas y observa si se ve como te gustaría. Si has dibujado con lápiz, puedes volver atrás y hacer pequeños cambios 5.Recuerda que sólo difieren levemente

"El animador tiene que ser lo suficientemente bueno haciendo esto para aproximarse al tiempo real de pantalla, y para detectar errores y hacer alteraciones a los dibujos. Ahora que tenemos las cámaras de video con reproducción instantánea de los dibujos, no todo el mundo aprende a "flipear"."

• CAPÍTULO 2 •

PERSISTENCIA DE LA IMAGEN

La persistencia retiniana es un fenómeno visual descubierto por el científico belga Joseph Plateau que demuestra como una imagen permanece en la retina humana una décima de segundo antes de desaparecer completamente. Esto permite que veamos la realidad como una secuencia de imágenes ininterrumpida y que podamos calcular fácilmente la velocidad y dirección de un objeto que se desplaza; si no existiese, veríamos pasar la realidad como una rápida sucesión de imágenes independientes y estáticas.

Plateau descubrió que nuestro ojo ve con una cadencia de 10 imágenes por segundo, que nosotros no vemos como independientes gracias a la persistencia visual. En virtud de dicho fenómeno las imágenes se superponen en la retina y el cerebro las "enlaza" como una sola imagen visual móvil y continua. El cine aprovecha este efecto y provoca ese "enlace" proyectando más de diez imágenes por segundo (generalmente a 24), lo que genera en nuestro cerebro la ilusión de movimiento.La persistencia de las imágenes en la retina

Gracias a la capacidad de retención de nuestros ojos (persistencia), nos es posible ver una serie de fases de movimiento interrumpido como si fuese un movimiento continuado, con tal que estén presentadas en el justo orden y con el intervalo de tiempo preciso. En este principio se basa la cinematografía. Este fenómeno ya se conocía en la antigüedad, pero entonces no se contaba con las posibilidades que ahora poseemos para realizar películas. A pesar de ello, muchos inventores, aun careciendo de medios técnicos adecuados, se esforzaron en representar imágenes en movimiento. Fue forzoso empezar con imágenes dibujadas. Algunos de los experimentos realizados en tiempos remotos pueden sernos muy útiles para iniciar los ensayos con que conseguir el efecto del movimiento. En este caso prescindimos totalmente de la cámara y obtenemos resultados muy directos.

• Persistencia visual •

A PA R AT O S

1. TAUMATROPO

2. FENAQUITISCOPIO

3. ZOOTROPO

Aparatos 1. TAUMATROPO

4. PRAXINOSCOPIO

Taumatropo, también llamado Rotoscopio, Maravilla giratoria o, en inglés, Wonderturner, es un juguete que reproduce el movimiento mediante dos imágenes. Consiste en un disco con dos imágenes diferentes en ambos lados y un trozo de cuerda a cada lado del disco. Ambas

imágenes se unen estirando la cuerda entre los dedos, haciendo al disco girar y cambiar de cara rápidamente. El rápido giro produce que, ópticamente, la ilusión de que ambas imágenes están juntas.

Su invento suele atribuírsele a John Ayrton Paris, que lo habría construido para demostrar el principio de persistencia retiniana, ante el Real Colegio de Físicos de Londres, en 1824. En aquella ocasión, utilizó los dibujos de un papagayo y una jaula vacía para causar la ilusión de que el pájaro estaba dentro de la jaula. Fue muy popular en la Inglaterra victoriana, los Taumatropo de la época solían incluir pequeños versos acompañando a las imágenes. 2.FENAQUITISCOPIO Fenaquitiscopio, del griego espectador ilusorio. La historia de este juguete es curiosa, puesto que fue inventado por 2 personas casi simultáneamente El físico belga Joseph Plateau lo llamó Fenantiscopio, mientras que el científico Austriaco Simon Stampfer lo llamó Estroboscopio, para hacer más curiosa la historia, ambos inventores lo crearon en 1830.Es un disco Es un disco giratorio que produce, al mirar por una rendija las sucesivas imágenes, la sensación de que estas forman una secuencia en movimiento. Este fue el primer instrumento capaz de crear la ilusión de movimiento.

3. ZOOTROPO Zoótropo, del griego zoe (vida) y trope (girar), también denominado zoetrope o daedelum, máquina estroboscópica creada en 1834 por William George Horner, compuesta por un tambor circular con unos cortes, a través de los cuales mira el espectador para que los dibujos dispuestos en tiras sobre el tambor, al girar, aparezcan en movimiento. Nos permite ver a través de la rendija (en realidad una sucesión de rendijas que van pasando ante nuestros ojos) una sucesión de imágenes que forman en apariencia una película. Fue un juguete muy popular en la época y uno de los avances hacia la aparición del cine que se crearon en la primera mitad del siglo XIX.

4 PRAXINOSCOPIO En 1877, el francés Émile Reynaud, presentó un Zoótropo perfeccionado (para hacer más flexible el movimiento aparente de las figuras), al que denominó Praxinoscopio. Eliminó la distorsión en la visión de las imágenes causada por la luz insuficiente que pasa a través de las pequeñas ranuras del Zootropo y esta mejora en la calidad de la imagen se tradujo en una inmediata popularida.

Este juguete científico con imágenes animadas nos hace creer que vemos imágenes en movimiento. El espectador mira por encima del tambor, dentro del cual hay una rueda con unos espejos formando ángulo, que reflejan unas imágenes dibujadas sobre tiras de papel situadas alrededor.

Más adelante creó el llamado "teatro praxinoscópico" en el que se situaba la acción del personaje en el centro de una escenografía fina. A través de una combinación de espejos se podía un escenario en el cual se movían tenues figuras luminosas.

• Sección 2 •

Personajes

1. Edward Muybridge

2. Emile Reynaud

3. George Méliès

4. Emile Cohl

5. Stuart Blackton

6. Richard Williams

Grandes de la Persistencia Visual 1.Edward Muybridge

7. Winsor Maccay

8. Quirino Cristiani

Inglés. nació en 1930, fue fotografo e investigador. Sus experimentos sobre la cronofotografía sirvieron de base para el posterior invento del cinematógrafo.

Se dedicaba a tomar fotos de animales. Hizo un experimento con el trote de un caballo de mil fotitos para probar que en algún punto el caballo no apoya ninguno de los cascos en el suelo. Y esos "estudios" del movimiento fueron muy importantes en el desarollo del cinematógrafo.

2.Emilie Reynaud Frances. Diciembre de 1844, murió en 1918. Perfeccionó el zoótropo e inventó el praxinoscopio en 1877 y en 1888 lo mejoró bastante y lo llamó Teatro Óptico o “Théâtre Optique”. Fue el primero en hacerle hoyitos a la película para hacer un arrastre mecánico y también fue el primero en pasar del movimiento normal (así como en un ciclo) de figuras dibujadas a un discurso visual ya con mas argumento. En 1879 tenía lista una evolución del invento, que bautizó como «Praxinoscopio-Teatro». En él, las imágenes en movimiento se contemplaban reflejadas en una especie de proscenio teatral en miniatura y se superponían sobre decorados proyectados con el método de linterna mágica, que constituían un fondo sobre el cual se movían las figuras. Se trata de un precursor del sistema de doble exposición o sobreimpresión, técnica que sería importante en el posterior desarrollo de la cinematografía. Pero el principal inconveniente era que el movimiento animado sobre un tambor debía ser necesariamente cíclico. Por tanto Reynaud concibió la idea de dibujar sus imágenes, no sobre espejos

rígidos, sino sobre una cinta transparente y flexible que le permitiera pasarla de una bobina a otra. En 1892 patenta el Teatro óptico, que, además, permitía, mediante un sistema de lentes, su proyección para un público en una pantalla translúcida, utilizando otro proyector de imágenes fijas para los escenarios. Personajes de Autour d'une cabine (1895). El 28 de octubre de 1892 inicia, en el museo Grévin de París, la proyección de sus «Pantomimas Luminosas» (como anunciaba el cartel publicitario) en un programa que incluía tres películas: Pauvre pierrot, Clown et ses chiens y Un bon bock (1888). De este modo se convirtió en el creador de los dibujos animados.

3.George Méliès

Francés.Nació en Diciembre de 1861 a 1938. Descubrió accidentalmente el Stop Trick. Que es cuando estas filmando un objeto, apagas la cámara, lo quitas, prendes la cámara otra vez y a la hora de verlo parece que el objeto desapareció de la nada. En 1902 creó la que está considerada su obra capital, Viaje a la luna. En ella la evolución de la continuidad narrativa cinematográfica da un paso de gigante, al montar la secuencia del disparo del cañón que lleva a los astrónomos a la Luna y, a continuación poner en escena un decorado con la cara animada de esta, que va creciendo en travelling inverso y sobre la que acaba aterrizando la nave/bala de cañón clavándose en ella.

Méliès intentó distribuir comercialmente Viaje a la Luna en Estados Unidos. Técnicos que trabajaban para Thomas Alva Edison lograron hacer copias de la película y las distribuyeron por toda Norteamérica. A pesar de que fue un éxito, Méliès nunca recibió dinero por su explotación. Creador de alrededor de quinientas películas, la paulatina transformación de la industria (monopolizada por Edison en Estados Unidos y Pathé en Francia), junto con la llegada de la Primera Guerra Mundial, afectaron a su negocio, que fue declinando sin remedio. En 1913 se retiró de todo contacto con el cine.

Fue de los primeros en utilizar varios tipos de exposiciones y fue el primero, también, con la la exposición múltiple del negativo (d ob le sobreimpresión) y los fundidos a negro y desde negro. (que no se que es). Él hizo el primer estudio de cine.

4.Emile Cohl

5.Stuart Blackton

Francés. Nació en enero de 1857 y murió en 1938. Usaba técnicas como dibujo, figuras con cerilla, marionetas, papel recortado. Hay registro como de 300 películas de él.

Artista de vodevil unido a la invención de Edison dan inicio a la historia de la animación en los EEUU. La animación como animación ya había sido experimentada antes, en américa Blackton se une a Albert E. Smith junto a él aprovechan el mecanismo de paro de la cámara para realizar apariciones y desapariciones (un primigenio efecto especial)crearon imagénes fantasmales y disolvencias, en 1900 Blackton ya habia aparecido realizando su acto de dibujar rostros rapidamente donde el dibujo cambiaba de expresion en un corto llamado "el dibujo encantado" (que aparece al final de este post) pero en termninos mas formales se puede hablar que Humorous Phases of Funny Faces se trata de la primera película animada en américa.

También fue actor, pintor, ilustrador, ilusionista, fotógrafo, etc. Se le atribuye la primera animación “Fantasmagorie 1908” Para hacer su película, Cohl coloca cada dibujo en una placa de cristal iluminada y luego trazó el próximo sorteo, con variaciones en la parte superior de la misma hasta que tuvo alrededor de 700 dibujos. Esta sencilla técnica produjo movimiento coherente y la continuidad entre los dibujos, y permitió sólo Cohl y un asistente de cámara para crear la película. En aquellos días, caricaturistas pizarra eran atractivos comunes y los personajes de la película se ven como si hubieran sido dibujados en una pizarra, pero es una ilusión. Al filmar líneas negras en un papel y luego imprimir en Cohl negativo hace que sus animaciones parecen ser dibujos de tiza.

6. Richard Williams 1933 en Toronto.

Comenzó su trabajo como animador en Walt Disney Productions y luego en United Productions of America durante los años 40, donde aprendió de varios animadores como Chuck Jones, Ken Harris, Milt Kahl y Art Babbitt. Emigró a España y luego a

Es un animador, director y pro du ct or ca na dien se . Es conocido por haber trabajado como director de animación en la película ¿Quién engañó a Roger Rabbit? y El ladrón de Bagdad, la cual no fue terminada. Además animó algunos créditos de películas; sus trabajos más importantes son los créditos de What's New, Pussycat? (1965), The Charge of the Light Brigade (1968). También animó al personaje La pantera rosa para los créditos de dos de sus películas.

Inglaterra en 1955. En 1958 produjo el trabajo que fomentó su carrera, The Little Island, el cual fue nominada a un BAFTA. Tras trabajar durante los años 60, dirigió el ganador del premio Oscar A Christmas Carol (1971), la película Raggedy Ann & Andy: A Musical Adventure (1977) y el ganador del Emmy Ziggy's Gift (1982). Además trabajó como director de animación en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) donde ganó dos premios Oscar por su trabajo. Escribió el libro, "The Animator's Survival Kit", publicado en 2000

7. Winsor MacCay

diablillos de la jungla, por Félix Violín), apareció como una serie de 43 episodios, entre el 9 de enero y el 11 de

Canadá 1867 Fue un historietista estadounidense, uno de los más importantes de la historia del cómic, autor del clásico Little Nemo in Slumberland. Fue también un destacado pionero del cine de animación, muy influyente en autores como Walt Disney uOsamu Tezuka, con películas como la innovadora Gertie el dinosaurio.

noviembre de 1903, en el Cincinnati Enquirer, con la peculiaridad de ser a toda página y en color. Las viñetas iban firmadas al pie como "Winsor Mc", e ilustraban poemas de aventuras de George Randolph Chester. Varios originales de estas historietas aparecieron casualmente en 2006 en un desván, siendo cinco de ellas adquiridas por la Ohio State University Cartoon Research Library.4 La calidad de su trabajo llamó la atención de James Gordon Bennett, de la New York Herald Co., a instancias del cual McCay se trasladó aNueva York y comenzó a colaborar en las publicaciones de Bennett, el New York Herald y el Evening Telegram. Para estas cabeceras realizó una gran cantidad de cómics, entre los que pueden citarse Dull Care,Poor Jake, The Man From Montclair, The Faithful Employee, Mr. Bosch, A Pilgrim's Progress, Midsummer Day Dreams, It's Nice to be Married y Sister's Little Sister's Beau, entre otros. Para sus cómics del Evening Telegram utilizaba el seudónimo

Su primera tira de prensa, A Tale of the Jungle Imps, by Felix Fiddle (que puede traducirse por Cuento de los

Silas.

8. Quirino Cristiani

En 1918 realizó el segundo largometraje, Sin dejar rastros, que hacía referencia a un episodio ocurrido durante la Primera Guerra Mundial, que todavía continuaba, referido al hundimiento de la goleta Monte Protegido por parte de un submarino alemán que había provocado en el país manifestaciones de quienes propugnaban el abandono de la neutralidad y el apoyo a los Aliados, y que finalizó con las excusas del Imperio Alemán. El filme duró un solo día en cartelera, no tuvo una buena aceptación por la opinión pública, la prensa no mencionó su existencia y fue confiscado por el Ministerio de Relaciones Exterioresque no quería una confrontación contra Alemania. En 1941, Walt Disney v i a j ó a l a A r g e n t i n a ante el estreno de su película Fantasía. Al

conocer la obra de Cristiani, el empresario estadounidense le ofreció empleo en sus estudios en Estados Unidos, pero el argentino lo rechazó, ya que su laboratorio se había convertido en uno de los más importantes del país y no quería abandonar su empresa.

Dos incendios, uno en 1957 y el otro en 1961 destruyeron todas sus películas, con la única excepción de El mono relojero, la única que se conserva en la actualidad.

Pat Sullivan

Otto Messmer

Lotte Reiniger

Tony Sargs

Max Fleischer

Walter Lantz

Walt Disney

Productores de Animación Pat Sullivan Patrick "Pat " Peter Sullivan (2 de febrero de 1887, Sydney , Nueva Gales del Sur - 15 de febrero de 1933, Estados Unidos) fue un dibujante australiano , animador pionero y productor de cine , conocido por la producción de la primera Felix las viñetas mudas gato . Sullivan llegó a Estados Unidos alrededor de 1910 después de pasar varios meses en

Londres. Trabajó como asistente de prensa caricaturista William Marriner , y sacó cuatro tiras de la suya. Cuando murió en 1914 Marriner Sullivan se unió al nuevo estudio de animación de dibujos animados creado por Raoul Barre. En 1916, Sullivan decidió fundar su propio estudio e hizo una serie llamada ' Sammy Johnsin ' , basada en una tira Marriner en la que había trabajado.

Otto Messmer Otto Messmer (16 de agosto de 1892 - 28 de octubre de 1983) fue un animador estadounidense, conocido por su trabajo en los dibujos animados y tiras cómicas de el gato Félix, producidos por el estudio de Pat Sullivan. El grado de participación de Messmer en la creación y popularidad de Félix es motivo de disputa, debido particularmente a que demandó su importancia luego de la muerte de Sullivan, quién había recibido hasta entonces el crédito.

Lotte Reiniger A Lotte Reiniger, nacida en una familia alemana de clase media, su pasión por las marionetas y el cine la llevó a estudiar teatro y a codearse, siendo todavía una adolescente, con el meollo de la intelectualidad berlinesa de entreguerras y a convertirse en una figura figura única e irrepetible en la historia del cine. Cultivó, hasta alcanzar la más absoluta perfección, un arte singular: el de las siluetas recortadas y luego animadas gracias a los trucos cinematográficos. Con unas tijeras y papel negro era capaz de crear universos hechizados, criaturas maravillosas, mágicas alfombras voladoras, hacer aparecer demonios malévolos o crecer palacios voladores desde la nada.

Fue cineasta y musa de la vanguardia alemana de los años 1920. En ella se encuentran e ncuentran los orígenes del mundo del cine animado, del que se enamoró en su adolescencia: Dedicó tres años de su vida a crear el largometraje animado Las aventuras del príncipe Achmed, el primer largometraje de animación que se conserva (*), estrenado en 1926. Mantuvo lazos estrechos con los círculos culturales del Berlín de la época: creó el decorado de algunas representaciones en el teatro Volksbühne, conoció a Bertold Brecht y rodó varios cortos publicitarios. Por sus películas de animación, casi siempre dirigido al público infantil,

siempre sobre argumentos de raíz popular, recibió infinidad de aplausos y premios. De su film Papageno (1935), Jean Renoir dijo que era el mejor equivalente óptico a la música de Mozart. Melómana apasionada, hizo bailar sus siluetas al compás de infinidad de óperas, como Carmen, La flauta mágica, Cosi fan tutte y Las bodas de Fígaro. Le preocupaba más la creatividad en el cine que la técnica, por lo que hizo avanzar cinematográficamente el teatro de sombras, un género que hunde sus raíces en e n Asia desde hace ya mil años. Su talento único no ha tenido sucesor en este terreno.

Tony Sargs Él empezó a interesarse por los títeres , y fue inspirado por la marioneta troupe Holden . Como ilustrador , entró en el negocio del arte comercial. Ilustraciones de Tony aparecieron en revistas ( incluidas las cubiertas de Saturday Evening Post) , periódicos y vallas publicitarias . Más tarde tejidos utilizados para la ropa de los niños , calcomanías y decoraciones infantiles diseñado . Sus obras se incluyen en muchos libros de ilustración. SARG se le ocurrió la idea de que un truco le ayudaría a promover como un artista distintivo. Usó algunas marionetas de su colección y comenzó a realizar espectáculos de marionetas . Tony ganó la mayor parte de su fama en Nueva York. En 1935 , Tony diseñado el escaparate mecánicamente animada de Almacén grande de Macy . Esto continuó durante varios años , y las ventanas de animación se se convirtió en una atracción norma en todas partes.

Max Fleischer Max Fleischer (Cracovia, 19 de julio de 1883 – Los Ángeles, 11 de septiembre de 1972) fue uno de los pioneros en la creación de dibujos animados. Es el creador de Betty Boop y Koko el payaso, y quien llevara al cine a Popeye y al Superman animado. También se se encargó de realizar unas cuantas innovaciones tecnológicas. Fleischer tuvo la idea de usar fotogramas de cine capturados de la realidad para usarlos como referencia al dibujar animación, y así patentó la rotoscopia en 1917. Usó esta técnica junto a su hermano Dave en su primer cartoon en 1915. En 1919 estableció los 'Fleischer Studios' para producir dibujos animados y cortometrajes. Inventó el rotógrafo para agregar dibujos animados en películas reales. En uno de sus films deKoko el e l payaso incorpora a un gatito real. Hizo los primeros dibujos animados con sonido de la historia en 1924 usando un proceso de sincronización de Lee De Forest. Aunque la compañía Disney se lo adjudica a su corto Steamboat Willie, que fue realizado años más tarde.

Walter Lantz En 1924, comenzó a ganar importancia en el estudio y dirige, anima e incluso protagoniza su primeraserie de dibujos animados, Dinky Doodle. En 1927 se muda a Hollywood, California donde trabaja para el director Frank Capra y luego como escritor de bromas para las comedias de Mack Sennett. Entre1928 y 1938 trabajó en la serie del Conejo Oswald para la Universal. En septiembre de 1929, terminó su dibujo animado, Race Riot. En 1940 Woody Wookpecker (Pájaro Loco), su obra maestra, hizo su primera aparición en un episodio llamado Knock Knock protagonizado por Andy Panda (protagonista de los dibujos animados de Lantz para la temporada 1939–1940).

Walt Disney (Chicago, Illinois, 5 de diciembre de 1901 — Burbank, California, 15 de diciembre de 1966) fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Figura capital del cine de animación en los Estados Unidos y en todo el mundo, es considerado un icono internacional gracias a su influencia y sus importantes contribuciones a la industria del entretenimiento estadounidense durante gran parte del siglo XX. Fundó junto a su hermano Roy O. Disney la compañía Walt Disney Productions, que años después se convirtió en la más célebre productora del campo de la animación y en la actualidad es la mayor compañía de medios de comunicación y entretenimiento del mundo. Esta corporación, que se conoce hoy con el nombre de The Walt Disney Company, obtuvo solo en el año 2010 unos beneficios de 36.000 millones de dólares. En su faceta de animador y empresario, Disney adquirió renombre como productor de cine, como innovador en el campo de la animación y como diseñador de parques de atracciones. Junto a su equipo creó algunos de los personajes de animación más famosos, en especial Mickey Mouse, una caricatura de ratón a la que el propio Disney prestó su voz originalmente. Durante su extensa y exitosa carrera en el cine de animación fue galardonado con 22 premios Óscar de un total de 59 nominaciones y recibió cuatro premios de la Academia honoríficos, lo que lo convierte en la persona que más premios de este tipo ha ganado en toda la historia.3 También ganó siete premios Emmy. Walt Disney murió el 15 de diciembre de 1966 a causa de un cáncer de pulmón.

• Sección 4 •

FRIZ FRELENG Isadore "Friz" Freleng (21 de agosto de 19061 –26 de mayo de 1995) fue un animador, caricaturista, director y productor estadounidense conocido por su trabajo en las series animadas de Warner Bros. como Looney Tunes y Merrie Melodies. Introdujo varias de las estrellas más importantes del estudio, como Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes y Speedy Gonzales. Fue el director del estudio Termite Terrace de Warner, incluso se convirtió en el más premiado de los directores, ganando cuatro premios Oscar. Luego que Warner cerrara su estudio de animación en 1963, Freleng y su compañero David DePatie fundaron DePatieFreleng Enterprises, que producía dibujos animados, créditos de películas, y series animadas en los años 1980. En 1937, Freleng se unió al estudio de animación de MGM liderado por Fred Quimby. Para el disgusto de Freleng, estuvo trabajando en una serie llamada The Captain and the Kids, una versión de la popular tira cómica The Katzenjammer Kids. La serie no obtuvo el éxito que Freleng esperaba; debido principalmente a la popularidad de los animales parlantes en la época. El reemplazo de Quimby, Harry Hershfield, no tenía el mismo nivel de liderazgo que su predecesor, y Freleng regresó a Warner Bros. cuando su contrato terminó en 1940.

Luego que el estudio Warner cerrara en 1964, Freleng rentó el lugar para crear dibujos animados con el productor David DePatie. DePatie-Freleng Enterprises estuvo encargado de crear la secuencia al comienzo de la película La pantera rosa, Freleng hizo un felino de personalidad relajada para esta secuencia. El personaje se volvió tan popular que Freleng lo trajo de vuelta en 1964 con un cortometraje para United Artists, el cual ganó un premio Oscar. Jack Warner estaba molesto ya que su edificio era usado para crear cortometrajes para sus antiguos competidores, así que DePatie y Freleng se mudaron al Valle de San Fernando. Freleng hizo una serie de la Pantera Rosa, y en 1969 el personaje fue transmitido por televisión. Cuando Warner Bros. decidió abrir nuevamente su estudio de animación en 1964, lo hicieron solo en nombre; DePatie y Freleng produjeron los dibujos animados hasta 1967. Estos cortos carecían del antiguo espíritu, sin embargo, y con la excepción de la Pantera Rosa, los trabajos posteriores de Freleng no igualaron a los clásicos.

• Sección 5 •

CHUCK JONES Jones es considerado por muchos como un maestro en la caracterización y coordinación. Sus mejores trabajos presentan tal nivel de refinamiento en sus personajes que un simple movimiento de ceja puede resultar cómico, a diferencia de los movimientos exagerados que caracterizan a los dibujos animados, especialmente los de Warner Bros. Al igual que Walt Disney, Jones quería que la animación ganara el respeto que merecía de la gente que trabajaba en la industria del cine, y siempre aceptó proyectos especiales para demostrarlo, como What's Opera Doc, The Dot and the Line, y la película política de 1944 HellBent for Re-Election, dedicada a la campaña electoral de Franklin D. Roosevelt que dirigió para UPA. Los primeros trabajos de Jones se caracterizaron por ser tiernos, especialmente aquellos donde aparecía el ratón Sniffles. Otr os directores, especialmente Tex Avery y Robert Clampett, trataban de evitar usar esa técnica en sus trabajos. Debido a la petición del productor Leon Schlesinger, Jones cambió su estilo, y comenzó a hacer otro tipo de dibujos animados como Wackiki Wabbit y Hare Conditioned. Luego que Avery, Clampett y Schlesinger dejaran el estudio, Jones reincorporó gradualmente elementos de su antiguo estilo con personajes como Marc Antony y Pussyfoot y el joven Ralph Phillips. Las versiones de los personajes con lo que trabajó presentaban un aspecto más infantil, con grandes ojos y pestañas. Jones, al igual que otros trabajadores de Termite Terrace tras la partida de Schlesinger, ha sido criticado por utilizar tramas repetitivas,

especialmente en los cortometrajes de Pepé Le Pew y El Correcaminos. Aunque estos dibujos animados habían sido originalmente mostrados en cines, y la repetición fue producto de las peticiones de productores y dueños de cines. Además, en las series como la del Correcaminos se utilizaba la repetición para explorar la misma situación en diferentes aspectos. Jones decía que no importaba lo que ocurriera, sino como ocurriera. La reinvención de Chuck Jones para algunos personajes es un tema de bastante controversia. Cambió al Pato Lucas de un héroe a un antagonista amargado con mal temperamento; y relegó a la estrella Porky Pig como un acompañante que solo observa la acción. Jones también creó series donde utilizó al Gato Silvestre de Friz Freleng en el contexto de un gato común y corriente. Al igual que otros directores de Warner, su caracterización de Bugs Bunny fue única en sus cortometrajes: el Bugs de Jones nunca atacaba a menos que era atacado, a diferencia de los conejos creados por Avery y Clampett.

• Sección 6 •

Bill Nolan William "Bill" Nolan (junio 10, 1894-diciembre 06, 1954) fue un escritor irlandés-estadounidense de dibujos animados, animador, director y artista. Él es mejor conocido por crear y perfeccionar el estilo de manguera de goma de la animación y de racionalizar Felix el Gato. De 1925 a 1927, trabajó en una adaptación animada suelta de George Herriman Krazy Kat de Margaret J. Winkler y de 1929 a 1934, trabajó como animador, storyman y director en el Walter Lantz Studio en el Oswald el conejo afortunado series William Charles Nolan o simplemente Bill Nolan (1894-1956) fue un pionero de la animación La Edad Silent de Animación y La edad de oro de la animación. Fue uno de los mejores animadores de la Era Silenciosa, capaces de convertir a un récord de 500 dibujos al día, una hazaña sólo superado por el animador Ub Iwerks. Bill era importante que él era un pionero del estilo del arte rubberhose que definió clásica de animación-el origen de la misma se inició en 1924, cuando se trabaja en Felix el Gato con Otto Messmer, que decidió rediseñar Felix en un diseño más suave, más curvas que antes, no sólo para hacer más fácil para que la animación se superponga y ser más suave, pero también hacer la animación una carga menor para los trabajadores. Por lo tanto, él es el padre de las extremidades Rubberhose.

Nolan también descubrió que si una pintura de fondo de largo se deslizó bajo un personaje correr en su lugar, le dio la ilusión de un giro de la cámara, por lo tanto él el inventor del Fondo Wraparound hacer.

• Sección 7 •

PETER FOLDES Budapest-born Peter Foldes (1924-1977) was one of a number of Hungarian artists (another was the film's composer Mátyás Seiber) who ended up working with fellow countryman John Halas on the latter's animated films after he moved to Britain in 1946. After leaving Halas, Foldes made a number of animated films in collaboration with his British wife Joan (b. 1924), starting with the allegorical Animated Genesis (1952), On Closer Inspection (1953) and A Short Vision (1956).[1] A Short Vision became one of the most influential British animated films ever made, when it was screened on US television as part of the popular Ed Sullivan Show. Although children were advised to leave the room while it played, it still caused outrage and alarm with its graphic representation of the horrors of nuclear war. In the film, wild creatures flee in terror as a strange missile flies overhead. As it passes over the sleeping city, the world's leaders and wise men look upwards. The missile explodes, destroying humans, wild creatures and the Earth itself. It caught the mood of the times, since the mid-1950s was the height of both the Cold War and nuclear paranoia.[1] Foldes later moved to Paris, where he became an early pioneer in computer animation.[1] In the 1960s, he worked for the Research Service of the ORTF. He is one of the pioneers of computer

animation with his film Hunger, which received the Jury Prize in the "short film" category at Cannes Film Festival as well as an Academy Award nomination.

• Sección 8 •

NORMAN McLAREN fue unanimador y director de cine canadiense de origen escocés reconocido por sus trabajos en el National Film Board of Canada. Estudió diseño en la escuela de arte de Glasgow, donde comenzó a experimentar con el cine y laanimación. Luego de terminar sus estudios realizó algunas películas en Londres. McLaren se mudó aNueva York en 1939, al tiempo que comenzaba la Segunda Guerra Mundial. En 1941 fue invitado aCanadá a trabajar para el National Film Board, abrir un estudio de animación y enseñar a animadores canadienses. Fue allí donde McLaren creó su film más famoso, Neighbours (1952), el cual ganó innumerables premios en todo el mundo incluidos el Canadian Film Award y el Academy Award. Además de la brillante combinación de imágenes y sonidos, el film tiene un fuerte mensaje social y de crítica contra la violencia y la guerra. McLaren es famoso por sus experimentos con la imagen y el sonido, al dibujar directamente sobre la película, incluso la banda sonora.

• Sección 9 •

JULES ENGLES Fue un dibujante y animador estadounidense de origen húngaro. Sus obras son en general abstractas, coreografías de figuras geométricas en movimiento. Con sus propias palabra s: I have concentrated, with particular emphasis, upon the development of a visually inspired, dynamic language, demonstrating that pure graphic choreography is capable of non verbal truth. I have chosen to convey ideas and fellings through movements, visually formed by lines, squares, spots, circles and varieties of colors.1 Compositores de música han visto un trabajo similar al musical en sus composiciones visuales. Diseñó la coreografía de danzas de hongos chinas y rusas en la película de Disney FANTASÍA, donde fue reprochado por usar el fondo negro, algo inadmisible en dicha compañía. En Disney conoció al animador Oskar Fischinger, quien adoraba sus pinturas. Engel fue uno de los animadores que abandonaron las grandes compañías y se unieron para formar la United Productions of America (UPA). Allí trabajó en cartoons como Gerald McBoing Boing. Luego de la UPA fundó Format Films. A finales de los años

sesenta comienzó a realizar su propia animación experimental. Además hizo varios documentales sobre otros artistas. En paralelo a su obra de animación, Engel fue un pintor prolífico. Pintaba al óleo, hacía litografías, y además utilizaba otros medios. Vivió un tiempo en París, donde se llevaba bien con artistas comoMan Ray. Fue el fundador del programa de animación experimental en el instituto de Arte de California Cal Arts. Allí tuvo como alumnos a importantes animadores de la actualidad.

• Secc ión 10 •

BERTHOLD BARTOSCH Berthold Bartosch, un creador y un corto que desconocía por completo antes de esta lista. Un animador que sería uno de los muchos colaboradores de Lotte Reiniger en su etapa alemana y cuya obra se ha perdido casi por completo, excepto este L'Idée, ya que sus ideas políticas hicieron que los nazis se ocuparan de destruir todo aquello que pudiera caer en sus manos, como el material que depositara en la Cinématheque Française antes de la segunda guerramundial.

No obstante y a pesar de constituir casi el único fragmento de su obra que nos ha llegado, es un ejemplo perfecto para deshacer multitud de prejuicios comunes sobre la animación, lo cual suele ocurrir en cuanto se dedica un poco de estudio a la historia y evolución de una forma artística. Incluso entre grandes aficionados al cine, la animación no ha podido quitarse el estigma de ser una forma conservadora, alejada de los círculos y ambientes de la vanguardia. Nada más alejado de la realidad. En este corto colabora, ni más ni menos, uno de los compositores de la vanguardia musical francesa de ese tiempo, Eric Honegger, y se escribe la música para un instrumento electrónico, el famoso Ondes Martenot, que utilizaba válvulas de vacío y altavoces para producirPor supuesto, esto no pasaría de ser anecdótico sino fuera por que el estilo del corto es fuertemente expresionista, con el uso de pinceladas gruesas y sombras extremas para expresar sentimientos e ideas, resaltado por el uso del blanco y negro. Un expresionismo que filtra en la forma del corto, puesto que se trata de uno de los primeros ejemplos de cut-out, esa manera que parece que inventara South Park, y que en esta ocasión ha sido tratada especialmente para simular profundidad e incluso el aire, depositando las diferentes figuras en cristales a diferente distancia de la cámara y con distintas transparencias, lo cual además permite aplicar efectos especiales, como halos y brillos, mediante el sencillo expediente de verter liquidos sobre la superficie del cristal


Oskar Fischinger Oskar Fischinger (22 de junio de 1900 - † 31 de enerode 1967) fue un pintor, animador y realizador de cine alemán. Sus obras se caracterizan por ser abstractas, donde combina la geometría con la música. En la Alemania de Hitler se lo consideró a su artedegenerado, y así se exilió a Estados Unidos, llegando a Hollywood en febrero de 1936. Todo intento de Fischinger de filmar en Estados Unidos fue dificultoso. Compuso un Poema óptico para"La segunda rapsodia húngara" de Liszt (de MGM) pero no recibió beneficio alguno. Realizó una escena para la película de Disney Fantasía, pero fue eliminada del montaje final. Frustradas sus intenciones como animador (a pesar de que hizo más de 50 cortos) Fischinger se volvió cada vez más un pintor al óleo. A fines de 1940 Fischinger inventó el Lumigraph ( patentado en 1955 ), que algunos han llamado erróneamente un tipo de órgano de color. Al igual que otros inventores de órganos de color, Fischinger esperaba hacer el Lumigraph un producto comercial, ampliamente disponible para cualquier persona , pero esto no sucedió. El instrumento produjo las imágenes presionando contra una pantalla de goma por lo que podría sobresalir en un haz estrecho de luz coloreada . Como instrumento visual, el tamaño de su pantalla se vio limitada por el alcance del intérprete. Dos

personas fueron obligadas a operar el Lumigraph : una para manipular la pantalla para crear imágenes, y un segundo para cambiar los colores de las luces en el momento justo . El dispositivo en sí estaba en silencio , pero se realizó acompañando diversos conciertos . Fischinger dio varios conciertos en Los Angeles y uno en San Francisco a principios de 1950 , la realización de diversas piezas de música clásica y popular, y muchos quedaron impresionados por las imágenes espectaculares de la máquina. En 1964 se utilizó el Lumigraph en la película de ciencia ficción The Time Travelers, en la que se convirtió en un ' lumichord ' , aunque esto no era la intención de Fischinger , pero la decisión de los productores de la película. Hijo Conrado de Fischinger incluso construyó dos máquinas más en diferentes tamaños. Después de su muerte, su viuda y su hija Elfriede Barbara dieron actuaciones con el Lumigraph , junto con William Moritz, en Europa y los EE.UU. . Hoy en día uno de los instrumentos está en la colección del Deutsches Filmmuseum de Frankfurt, y los otros dos se encuentran en California. En febrero de 2007 Barbara Fischinger realiza en el Lumigraph original en Frankfurt. Documentación de Cine y Video de actuaciones Lumigraph de Elfriede están en el Centro de Música Visual en Los Angeles.


Robert Emerson “Bob” Clampett Clampett mostró un interés por la animación y los títeres cuando era joven, mientras vivía en Los Ángeles. Clampett diseñó los primeros muñecos de Mickey Mouse para Walt Disney. Como afirmaría Clampett en algunas entrevistas posteriores, Disney quedó impresionado con el talento del artista, y le ofreció un trabajo. Sin embargo, la falta de cupos en la pequeña empresa de Disney no permitieron esto. Aun así, consiguió trabajo en el estudio de Hugh Harman y Rudolf Ising en 1931 donde trabajó en las series Looney Tunes y Merrie Melodies. En su primer año en el estudio, Clampett trabajó para Friz Freleng la mayoría de las veces, bajo sus enseñanzas Clampett aprendió lo necesario sobre animación. En 1935, diseñó la principal estrella del estudio, Porky, quien apareció en el cortometraje de Freleng I Haven't Got a Hat. Clampett estuvo bajo el mando de Tex Avery ese mismo año, y los dos crearon un estilo de animación diferente, que destacaría a Warner Bros. de sus competidores. Trabajando en un edificio de madera aparte del resto de los animadores, Avery y Clampett descubrieron que no eran los únicos en el edificio. Compartían además el lugar junto a un gran número de termitas. Nombraron al edificioTermite Terrace, nombre utilizado por fanáticos e historiadores para referirse al estudio.

Se unieron animadores como Chuck Jones, Virgil Ross y Sid Sutherland, y trabajaron prácticamente sin interferencias durante ese año en su nuevo estilo de humor. Clampett pidió a Leon Schlesinger una oportunidad para trabajar como director, Schlesinger le asignó una secuencia para la película de Joe E. Brown What's Your Birthday? (1937), animando los signos del zodiaco. Esto permitió que Clampett y Chuck Jones dirigieran en conjunto para Ub Iwerks, haciendo varios cortometrajes de Porky. En estos cortos apareció por primera vez Gabby Goat, compañero de Porky. A pesar de las contribuciones de Jones y Clampett, solo Iwerks fue acreditado como director.


Shamus Culhe Trabajó para numerosos estudios de animación, incluyendo Fleischer Studios, el de Ub Iwerks, Walt Disney Productions y Walter Lantz Studio. Mientras estaba en Disney, fue uno de los principales animadores de Blancanieves y los siete enanitos, trabajando en una de las escenas más famosas de la película: la animación de los enanos marchando al ritmo de la canción "HeighHo". Culhane completó la escena tras seis meses de trabajo junto a sus asistentes. Tiempo después, Culhane trabajó como director para Lantz, donde hizo el clásico de 1994 del Pájaro Loco, The Barber of Seville. A finales de los años 40, fundó Shamus Culhane Productions, una de las primeras compañías que creaban comerciales animados para televisión. Shamus Culhane Productions fue cerrada en los años 60, en este tiempo Culhane se transformó en la cabeza del sucesor de Fleischer Studios, Famous Studios. Dejó el estudio en 1967. Culhane escribió dos libros sobre animación: el texto de guía Animation from Script to Screen, y suautobiografía Talking Animals and Other People. Debido a que Culhane trabajó para un gran número de estudios de animación, su autobiografía entrega

una amplia descripción sobre la industria de la animación estadounidense.


Ubbe Ert Iwwerks Su familia procedía de Frisia Oriental, en la Baja Sajonia (Alemania). Su padre, Eert Ubbe Iwwerks, había emigrado a Estados Unidos en 1869. Iwwerks cambió su nombre verdadero ("Ubbe Ert Iwwerks", que sonaba extraño en Estados Unidos) por el más sencillo de Ub Iwerks, con el que es conocido. Conoció a Disney cuando ambos trabajaban para Pesman-Rubin Comercial Art Studio, de Kansas City, en 1919, y trabajó con él ininterrumpidamente hasta 1930. En 1920 fundaron una compañía llamada "Iwerks-Disney Commercial Artists", que no tuvo éx ito. Más tarde, ambos trabajaron para Kansas City Film Ad. Cuando en 1922 Disney fundó una nueva empresa, Laugh-O-Gram Films, Inc., dedicada ya enteramente a la animación, Iwerks le siguió. Igualmente fue tras él cuando Disney se trasladó a Hollywood y fundó el Disney Brother's Studio, en 1923. De hecho, tuvo un papel fundamental en el desarrollo del estilo característico de los primeros cortos de Disney. Animó los primeros dibujos animados de Mickey Mouse (se discute si la idea del personaje fue suya o de Disney, a quien se le atribuye oficialmente), y dirigió las primeras entregas de la serie "Silly Symphonies". Sin embargo, rompió con Disney en 1930, cuando el productor Pat Powers le ofreció financiarle unos estudios propios.

El Iwerks Studio abrió sus puertas en 1930. El primer personaje creado por él fue la rana Flip ("Flip the Frog"), personaje muy semejante a Mickey Mouse (aunque, por supuesto, tratándose de una rana, carecía de orejas y hocico). Flip protagonizó 36 cortometrajes, pero no consiguió el éxito previsto por Iwerks y por su patrocinador. Uno de los cortometrajes, Fiddlesticks, utilizó por primera vez la técnica de Technicolor. En 1933, Iwerks dio a luz a un nuevo personaje, "Willie Whopper", un niño travieso cuya vida cinematográfica no pasó del año. El estudio realizó también la serie "ComiColor Cartoons", al estilo de las "Silly Symphonies" de Disney, en la que se utilizaba la nueva técnica de CineColor. En 1936, sin embargo, ante el fracaso del estudio, incapaz de competir con Disney y con los hermanos Fleischer, Powers le privó de su respaldo económico y el estudio tuvo que cerrar. Entre 1936 y 1940, Iwerks trabajó para otros estudios de animación, como el Charles Mintz Screen Gems, de Charles A. Mintz, antiguo socio comercial de Disney. En 1937 dirigió para éste Merry Mannequins, que algunos consideran su mejor trabajo. En 1940, sin embargo, volvió a trabajar para Disney.


William Hanna Tras desempeñarse en varios trabajos esporádicos durante la crisis económica, se integró al estudio de animación Harman-Ising en 1930.1 Su participación en dibujos animados como Captain and the Kids le permitió obtener una mayor experiencia y notabilidad en la industria.2 En 1937, mientras trabajaba en Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), conoció a Joseph Barbera. Ambos comenzaron a colaborar conjuntamente, de lo que resultaron producciones como Tom y Jerry o algunas películas en imagen real. En 1957 fundaron HannaBarbera,3 4 que se convertiría en el estudio de animación televisiva más exitoso en esa época,5 6 al producir series comoLos Picapiedra, The Huckleberry Hound Show, Los Supersónicos, Scooby-Doo, Los Pitufos, Don gato,Leoncio y Triston, Pepepotamo y Show del Oso Yogi. En 1967 Taft Broadcasting adquirió HannaBarbera por 12 millones USD, aunque sus creadores siguieron al frente de la compañía hasta 1991.7En ese año Turner Broadcasting System compró la empresa, que se fusionó en 1996 con Time Warner, propietaria de Warner Bros.; Hanna y Barbera continuaron como asesores.8 9 10 El dúo ganó siete premios Óscar y ocho Emmy,11 12 y sus dibujos animados se convirtieron en íconos culturales: los protagonistas de estas series han aparecido en otros medios como películas, libros y juguetes.10 Los programas creados por Hanna-Barbera eran vistos

por más de 300 millones de personas en la década de 1960, y han sido traducidos a más de 20 idiomas distintos.13


Frederick Bean Avery Fue un animador, dibujante, y directorestadounidense, famoso por producir dibujos animados durante la edad de oro de Hollywood. Hizo su trabajo más significativo para la Warner Bros. y los estudios de Metro Goldwyn Mayer, creando o desarrollando plenamente los personajes del Pato Lucas, Bugs Bunny, Droopy, Lobo McLobo, Screwball Squirrel,Porky y a Chilly Willy. Su influencia se extiende a casi todos los estudios desde los años 40 y 50 hasta la actualidad. El estilo de Avery rompió el molde del realismo establecido por Walt Disney, y alentó a los animadores a llegar al límite del medio para hacer cosas en animación que no se podían hacer en las películas con actores. Avery solía decir: “en animación puedes hacer cualquier cosa”, y sus trabajos hicieron eso muy a menudo. Aunque Tex Avery no vivió para experimentar el renacimiento de la animación de los tardíos 80s, su trabajo fue redescubierto y comenzó a recibir la atención y las alabanzas extensas de la comunidad moderna de la animación y de las películas. Su influencia se refleja fuertemente en caricaturas modernas tales como “Roger Rabbit”, Ren y Stimpy, Tiny Toon Adventures, Animaniacs, Freakazoid, los Simpsons, Tom y Jerry Kids Show o en el personaje del Genio en Aladdin de Disney. De hecho, el vaquero protagonista de The Wacky World of Tex Avery lleva su

nombre y su trabajo se ha honrado en programas tales como The Tex Avery Show y Cartoon Alley. Sus personajes (particularmente Bugs Bunny y aquellos de Red Hot Riding Hood) aparecieron en la película de Jim Carrey La Máscara. Hoy es visto como uno de los directores más influyentes de todos los tiempos en la animación y como el artista principal de las películas cómicas, cuya marca en la industria, aunque no como artista, fue sobrepasada únicamente por Walt Disney.


Joshep Roland Barbera Fue un animador, creador de storyboards, director y productorestadounidense. Cofundó junto a William Hanna el estudio de animación Hanna-Barbera (luego absorbido por Warner Bros. Animation y convertido en Cartoon Network Studios tras la muerte de Hanna en 2001). El estudio creó dibujos animados los cuales obtuvieron mucha popularidad, tales como Tom y Jerry, The Huckleberry Hound Show,Los Picapiedra, Los Supersónicos y Scooby-Doo. Hanna y Barbera ganaron siete premios Óscar y ocho premios Emmy. Sus personajes se han convertido en íconos de la cultura popular y han aparecido en otros medios como películas, libros y juguetes. Las series de televisión creadas por el estudio han sido traducidas a más de 20 idiomas. En 1966, Hanna-Barbera Productions fue vendida a Taft Broadcasting (rebautizada como Great American Communications en 1987) por una suma de 12 millones de dólares.42 Barbera y Hanna permanecieron como presidentes de la compañía hasta 1992.43 Ese año, la compañía fue vendida aTurner Broadcasting System por una suma estimada de 320 millones de dólares;44 la compañía fue posteriormente fusionada con Time Warner, dueños de Warner Bros., en 1996.35 Hanna y Barbera permanecieron trabajando como asesores del estudio, y trabajaron en programas

como The Cartoon Cartoon Show y las películas Los Picapiedra (1994) y Scooby-Doo (2002).30 45 Barbera interpretó además a un personaje del dibujo animado Tom and Jerry in: The Mansion Cat (2000).46 Tras la muerte de Hanna en 2001, Barbera continuó trabajando como productor ejecutivo de Warner Bros. Animation, dedicándose principalmente a series como ¿Qué hay de nuevo Scooby-Doo? y Tom and Jerry Tales.46 47 Barbera participó además como guionista, productor y director de The KarateGuard (2005), el primer cortometraje de Tom y Jerry en más de 45 años.48 Su último trabajo fue la película animada Tom and Jerry: A Nutcracker Tale (2007).


Ray Harryhausen Fue un técnico enefectos especiales y productor cinematográficoestadounidense.

como puros, y que son con mayor precisión ( y tradicionalmente ) llamado " animación de marionetas . "

Era especialmente conocido por su estilo en la técnica de animación stop motion. Algunos de sus más notables trabajos son El gran gorila en 1949 (junto a Willis O'Brien, película que obtuvo un Óscar a los mejores efectos visuales), Simbad y la princesa en 1958 (su primera película en color),Jasón y los argonautas en 1963 y Furia de titanesen 1981.

La BBC citó a Peter Señor de Aardman Animations , diciendo que era " una industria de un hombre y de un género de un solo hombre " en Twitter Ellos citaron Shaun of the director Dead Edgar Wright : . " Me encantó cada fotograma de Ray Harryhausen de trabajo ... era el hombre que me hizo creer en monstruos ". en una declaración completa publicada por la familia, dijo George Lucas, " Sin Ray Harryhausen , probablemente habría habido guerra de las galaxias " . Terry Gilliam dijo : "¿Qué hacemos ahora digitalmente con las computadoras, Ray hizo digitalmente mucho antes , pero sin las computadoras . Sólo con los dígitos ". James Cameron también rindió homenaje al decir: "Creo que todos los que somos profesionales en el artes de la ciencia ficción y películas de fantasía ahora todos piensan que estamos parados sobre los hombros de un gigante. Si no fuera por la contribución de Ray al ensueño colectivo , no seríamos lo que somos

Harryhausen había casado con Diana Bruce Livingstone en 1963 , y se mantuvo así hasta su muerte , la pareja tuvo una hija , Vanessa . La familia anunció su muerte a través de Twitter y Facebook el 7 de mayo de 2013 El Daily Mirror citó el sitio web de Harryhausen , diciendo que su " influencia en cineastas de hoy era enorme , con luminarias ; . Steven Spielberg , James Cameron , Peter Jackson , George Lucas , John Landis y el Reino Unido propio Nick Park han citado Harryhausen como el hombre cuyo trabajo inspiró sus propias creaciones " . mismo Harryhausen hizo una distinción entre las películas que combinan la animación de efectos especiales con acción en vivo y películas que son completamente animado, tales como las películas de Nick Park, Henry Selick , Ivo Caprino , Ladislav Starevich y muchos otros ( incluyendo a sus propios cortos de cuentos de hadas ), que ve "películas de marionetas ",


Heinz Edelmann Fue un ilustrador y diseñador alemán . Nació en Ústí nad Labem , Checoslovaquia, en la familia checo- alemana de Wilhelm y Josefa ( née Kladivová ) Edelmann . Era muy conocido como ilustrador en Europa, pero es probablemente más famoso por su dirección de arte y diseño de los personajes de la película de 1968 de animación Yellow Submarine .

Entre 1968-1970 fue socio en una pequeña empresa de animación en Londres, pero su deseo a la hora de trabajar en más películas no se realizó . En 1970 Edelmann se trasladó a Amsterdam y diseñado cubiertas de libros y carteles para obras de teatro y películas. Su último uso del estilo de Yellow Submarine era para ilustrar un libro, Andromedar SR1 ( 1970 ) , acerca de un viaje a Marte. También diseñó la portada de la edición alemana de Tolkien El Señor de los Anillos , e ilustró el libro de Kenneth Grahame niños El viento en los sauces . Desde 1972-1976 , Heinz Edelmann enseña diseño gráfico industrial en Fachhochschule Düsseldorf ( Düsseldorf Universidad de Ciencias Aplicadas ) . Después de que él era profesor de Arte y Diseño en la Fachhochschule Köln ( Cologne University of Applied Sciences ) y en 1989 se convirtió en profesor de Ilustración en la Academia Estatal de Bellas Artes de Stuttgart. Él diseñó la mascota de la Exposición Universal de Sevilla 1992 , Curro .

Edelmann estudió grabado en la Academia de Arte de Düsseldorf (Düsseldorf Arts Academy ) 1953-1958 . Comenzó su carrera como ilustrador freelance y diseñador de carteles de cine y publicidad en Alemania. Entre 1961-1969 fue un ilustrador regular y diseñador de la portada de la revista de renombre internacional Twen juventud. Durante 1967-1968 , trabajó en el Submarino Amarillo.

Murió a causa de enfermedades del corazón y la insuficiencia renal en Stuttgart , de 75 años .


Jiri Trnka Fue un ilustrador,escenógrafo y director de películas de animación checo. Además de por su extensa carrera como ilustrador, especialmente de libros infantiles, es conocido sobre todo por su trabajo en la animación con marionetas, que inició en 1946: a lo largo de su carrera, dirigió más de 20 películas, entre ellas 6largometrajes, que consagraron lo que luego se denominó “estilo checo” de animación. Su obra en este campo ejerció una innegable influencia sobre otros cineastas. La mayoría de sus películas estaban dirigidas al público adulto, y muchas de ellas eran adaptaciones de obras literarias, de autores checos o extranjeros. Por su singular relevancia dentro de la historia del cine de animación, fue llamado “el Walt Disney de la Europa del Este”, a pesar de las grandes diferencias existentes entre su trabajo y el del célebre animador estadounidense. La obra de Ji"í Trnka ha ejercido su influencia sobre la de muchos otros animadores checos, comoStanislas Látal, Jan Karpa# y, sobre todo, B"etislav Pojar, que trabajaron en su estudio. El japonés Kihachir$ Kawamoto — uno de los principales referentes actuales en la animación de stop-motion — no esconde tampoco lo que debe a su mentor checo, con el que trabajó hacia 1963.

Como lamentó una de sus hijas, Zuzana Ceplova, en una entrevista radiofónica,15 las películas de animación de Trnka parecen haber perdido popularidad, aunque se emitan en ocasiones por televisión o se le dediquen retrospectivas (como ocurrió en 2003 en el Festival de Annecy, o en 2005, en laCinemateca de Quebec). Ceplova admite que sus obras pueden parecer poco realistas, e incluso pasadas de moda, al espectador actual, pero piensa que su trabajo será redescubierto en el futuro, y recuerda que generaciones de niños han conocido los cuentos de Grimm o de Andersen principalmente a través de las ilustraciones de su padre.


Manuel Garcia Ferré Fue un artista gráfico, historietista y animador hispano-argentino, radicado en Buenos Aires desde los 17 años. Su arte ha sido orientado plenamente a los niños, siendo el creador de famosos personajes infantiles, comoAnteojito, Hijitus, Larguirucho, Profesor Neurus, Oaky,Petete y Calculín, entre muchos otros, así como de tiras animadas televisivas, largometrajes animados y la Revista Anteojito.

publicaciones dirigidas al público infantil con mayor circulación en Argentina. En 1967 estrenó en televisión la serie de dibujos animados Hijitus, que se transmitió diariamente porCanal 13 hasta 1974. Fue la primera serie televisiva de dibujos animados de la Argentina, y la más exitosa de América Latina en toda su historia. Con sus dibujos animados, Ferré marcó la infancia de varias generaciones en Argentina y otros países de habla hispana. Realizó exitosas películas de dibujos animados para niños como Trapito, Mil intentos y un invento, Ico, el caballito valiente, Corazón, las alegrías de Pantriste o Manuelita. En 2009, la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires lo declaró ciudadano ilustre mediante la ley nº 3.150. Se realizó una ceremonia con la presencia del dibujante y otras autoridades comunales.

Durante más de 30 años editó la revista infantil Anteojito, tomando como imagen central al personaje de Anteojito, el que se había hecho popular con anterioridad, protagonizando una serie de dibujos animados publicitarios para la televisión. Durante varias décadas (1970-2000) las revistas Billiken yAnteojito fueron las


Osamu Tezuka Fue un dibujante de historietas y animador japonés, al que a menudo se le llama el "padre del manga" o incluso el dios del manga (漫画の神様 manga no kamisama?), debido a la calidad de su prolífica producción y a la influencia de sus técnicas, con el abandono de las historietas que apenas ocupaban unas viñetas por losstory manga (o mangas de larga duración con una trama mucho más elaborada) y el desarrollo del formato tankoubon, que actualmente triunfa en todo el mundo para la edición de manga. Tal fue el impacto de sus creaciones y de sus obras que a día de hoy la base de su estilo perdura en los nuevos autores japoneses y los personajes que él dio a luz con su pluma siguen viviendo en la cultura popular de Japón, donde se puede encontrar en las librerías la gran mayoría de sus obras. Además, sus historietas han sido traducidas a decenas de lenguas, entre ellas el español. La ternura y el profundo y sincero humanismo que imprimió a sus personajes han dejado una huella indeleble, haciendo de él un autor universal capaz de traspasar culturas. Incluso los ojos desproporcionadamente grandes que son tan característicos de la animación y la historieta japonesa (sobre todo en el shoujo) constituyen un legado de Tezuka.

Osamu Tezuka falleció el 9 de febrero de 1989 producto de un cáncer estomacal a la edad de 60 años, prácticamente un mes después de la muerte del emperador Hirohito, dejando así inacabadas las obras a las que se dedicaba entonces, Ludwig B y Neo Faust. La considerada por muchos su obra maestra, Hi no Tori, la había acabado tan sólo un año antes de su muerte, más de 30 desde su inicio en 1954.


Ralph Bakshi Es un cineasta yanimador estadounidense. A medida que la industria de la animación estadounidense declinaba durante las décadas de 1960 y 1970, Bakshi intentó innovar y fue pionero de la animación para adultos, como Fritz el gato basado en el personaje de Robert Crumb. En1978 dirigió la primera adaptación cinematográfica deEl Señor de los Anillos, la novela de fantasía heroicade J. R. R. Tolkien. Su último éxito ha sido Cool World(1992), que mezcla imagen real con dibujos animados. Ralph Bakshi nació el 29 de octubre de 1938 en Haifa, entonces parte del Mandato Británico de Palestina. En 1939, su familia se mudó a Nueva York para escapar de la Segunda Guerra Mundial.1 2Creció en Brooklyn y fue a la "High School of Industrial Art". Después de graduado fue a trabajar a los estudios de animación de Terry Toons en New Rochelle, coloreando personajes como Super Ratón y otros. Desde l os 25 años trabajó como director creativo de los estudios CBS, donde creó los Mighty Heroes.

En 1967 la Paramount lo llamó para producir y dirigir largometrajes como Marvin Digs, Mini Squirts,Fritz el gato, etc. Este último fue escrito y dirigido por él en 1971. A partir de ahí Bakshi dirigió varios largometrajes como Heavy Traffic en 1973, Street Fight en 1975 y Wizards en 1977. En 1978 Ralph Bakshi dirigió El Señor de los Anillos, una historia adaptada del clásico de J. R. R. Tolkien, usando técnicas de rotoscopia, método usado por Disney para animar personajes ultra-realistas.

En 1981 lanzó American Pop, donde aborda la evolución de un grupo de música americano donde incluye como banda sonora músicas de George Gershwin, Dave Brubeck, Herbie Hancock, Bob Dylan, The Doors, Velvet Underground y Jimi Hendrix, entre otros. Seguidamente Hey Good Lookin(1981) y Fire and Ice (1983), colaborando con Frank Frazetta, renombrado ilustrador de cómics fantásticos, que cuenta la historia de un héroe que salva a una princesa de las garras de un tirano que tiene el poder de dominar el hielo. Cool World de 1991, mezcla la animación con imágenes reales y en la cual trabaja con Brad Pitt yKim Basinger. A través de sátira y comentarios políticos Ralph Bakshi abrió el camino a la animación para adultos así como utilizando la técnica de la rotoscopia dio calidad en movimientos y dibujo.


Carlos Carrera Luis Carlos Carrera González (n. Ciudad de México, 18 de agosto de 1962) es un director, guionista y animador mexicano, cuatro veces galardonado con el Premio Ariel. En el mes de febrero de 1991 se estrena en privado la copia 0 de su primer largometraje,La mujer de Benjamín, ganadora de la segunda edición del programa de óperas primas del CCC, escuela donde cursó sus estudios de cine tras haber estudiado la carrera de ciencias de la comunicación en la UIA. Su estreno mundial fue en el Festival Internacional de Cine de Berlín, en Alemania, en 1991, junto a otras cintas mexicanas para un ciclo nombrado "Panorámica del Cine Mexicano", mientras que el 29 de agosto se estrena en el circuito comercial mexicano, en salas de la capital del país. Su segundo trabajo, La vida conyugal, basado en la novela homónima de Sergio Pitol, pasó inadvertido para crítica y público pero, mientras realizaba este filme, Carrera trabajaba en un cortometraje de animación, el cual le pondría en los primeros planos: El héroe (1994), cinta donde un hombre trata de detener el suicidio de una joven en el metro, el cual fue enviado al Festival de Cannes donde obtuvo la Palma de Oro al mejor cortometraje del certamen, convirtiendo a Carrera en el primer director mexicano en obtener este premio, desde que se le otorgó a María Candelaria en 1946, año en el que todas las cintas presentadas fueron galardonadas. Su siguiente trabajo sería Sin remitente, proyecto al que fue invitado p or Jean Pierre Leleu, quien se encontraba al frente de Televicine en el periodo en el que la empresa se enfocó a realizar tanto cintas comerciales como cintas de mucha calidad artística. A pesar de trabajar para la compañía productora de cine filial de Televisa, se nota la mano de Carrera con partes donde los personajes buscan afecto y son

solitarios. Este filme resultó exitoso en 1995 y obtiene varios Arieles, incluidos mejor película y mejor director. En 1998 filma Un embrujo, a invitación de Bertha Navarro, coproductora de la película junto con Guillermo del Toro, una historia de época estelarizada por Blanca Guerra que obtiene reconocimiento de la crítica, haciéndolo acreedor a su segundo Ariel como mejor director y que fue su primer filme seleccionado como representante mexicano para los premios Óscar, aunque no logró ser nominado. En 2002 es invitado por Alfredo Ripstein, con su compañía Alameda Films, para filmar El crimen del padre Amaro, adaptación de la novela de J osé María Eça de Queiroz con guion a cargo del dramaturgo Vicente Leñero, estelarizada por G ael García Bernal y Ana Claudia Talancón. Fue elegida por laacademia mexicana de cine como la representante para competir por el Óscar, siendo nominada en la terna de las cinco películas que compitieron por la estatuilla a mejor película extranjera, premio que finalmente recayó en la cinta alemana En algún lugar de África. Se mantuvo como la cinta mexicana más taquillera y con mayor número de espectadores hasta 2013, año en el que fue desbancada por Nosotros los Nobles. Después de este filme, el director participó con un par de segmentos en largometrajes colectivos: Cero y van cuatro (el episodio Barbacoa de chivo) ySexo, amor y otras perversiones (episodio María en el elevador) y realizó otro cortometraje de animación titulado De raíz, por el que obtuvo el Ariel en el año 2004.


Don Bluth Donald Virgil Bluth (nacido en El Paso, Texas, el 13 de septiembre de 1937) es un dibujante, animadory director de cine estadounidense, dueño de un estudio de animación independiente y conocido sobre todo por ser el creador de numerosas películas de dibujos animados, destacando entre ellas títulos comoNIMH, el mundo secreto de la señora Brisby (1982), En busca del valle encantado (1988) o Anastasia(1997). Don Bluth fundó su estudio de animación, Don Bluth Productions, en 1979, pero anteriormente ya había trabajado para The Walt Disney Company. La primera película en la que había trabajado para esa compañía fue La bella durmiente (1959), como asistente de animación, aunque en ella no figura en los títulos de crédito. Después de ésta no volvió a trabajar en Disney hasta los años 1970, período en el que hizo parte de los equipos de animación de Robin Hood (1973), Los rescatadores (1977), y Pedro y el dragón Elliot (1977). En 1978 dejó Disney, llevando consigo a varios de sus compañeros para fundar un nuevo estudio que hiciera directamente la competencia a Disney en su propio mercado, el de los largometrajes de animación. El nuevo estudio demostró sus habilidades en su primera producción, titulada Banjo the Woodpile Cat, lo que le abrió las puertas para realizar una secuencia de la películaXanadu. El primer largometraje de Bluth como director, NIMH, el mundo secreto de la señora Brisby, a pesar de no haber

sido un gran éxito de taquilla, está considerado por muchos como la obra maestra de Bluth. Bluth trabajó también en el ámbito de los videojuegos de arcade con el lanzamiento de Dragon's Lair en 1983, un videojuego con animaciones innovadoras para su época, que utilizaba vídeo pregrabado en undisco óptico Laserdisc, y en 1984 con Space Ace, un videojuego de ciencia ficción basado en la misma tecnología que Dragon's Lair.


Terry Gilian Gilliam nació en Medicine Lake, Minnesota, en los Estados Unidos, y estudió Ciencias Políticas en el Colegio Occidental de California. Más conocido por las animaciones, en las que recortaba fotografías y las volvía surrealistas, que por los papeles raros que realizó (papeles siempre secundarios). De entre sus personajes más conocidos destaca Patsy, el escudero del rey Arturo en Los caballeros de la mesa cuadrada, película que llevó a cabo con Terry Jones, e interpretó también al cardenal Fang de lossketches de la temible Inquisición Española. Realizó papeles siempre grotescos y enloquecidos. Como director ha deambulado por los límites de la realidad, los sueños y el tiempo. Sus películas, de estilo surrealista, están marcadas por los viajes en el tiempo (Los héroes del tiempo y Doce monos) y la realidad confundida por los sueños, la fantasía o la imaginación (Brazil, Las aventuras del Barón Munchausen, El rey pescador, Fear and Loathing in Las Vegas o El imaginario del Doctor Parnassus), siempre aderezado con mucho humor o ironía. Tiene varios proyectos en distintas fases de desarrollo, incluida una adaptación de la novela escrita entre Neil Gaiman y Terry Pratchett, Good Omens(Buenos presagios: las buenas y ajustadas profecías de Agnes la chalada).

Los infructuosos esfuerzos de Gilliam por rodar la película The man who killed Don Quixote (El hombre que mató a Don Quijote), basado en la obra deMiguel de Cervantes, son el tema del documental Lost in la Mancha (Perdido en la Mancha). Se anuncia que el proyecto ha sido retomado por Gilliam, una vez que la compañía aseguradora les dio la razón y cubrirá los millones perdidos en el caótico primer intento. Estaba anunciada la preproducción en 2009 y su estreno en 2011.

• CAPÍTULO 3 •

ANIMADORES MEXICANOS

• Sección 1 •

Carlos Zepeda Chehaibar Carlos Zepeda Chehaibar es Ingeniero en Electrónica y Comunicaciones por el ITESM, Máster Certificate en Arreglo y Orquestación por Berklee College of Music y obtuvo el grado de Doctor Honoris Causa de Iberoamérica por su trabajo en pro de la educación latinoamericana. Es socio y director de investigación de Grupo Educare, centro de investigación en educación y tecnología. Autor de 19 libros sobre informática, diseño digital, animación y programación. Coordina a un grupo de especialistas en el desarrollo de programas de Informática, Matemáticas, Desarrollo de la Inteligencia y otros. Ha trabajado en numerosos proyectos artísticos como productor, compositor o director, incluyendo espectáculos en vivo, eventos televisivos, producciones discográficas y comerciales para cine y televisión. Es socio y co-fundador de Huevocartoon.com y Huevocartoon Producciones. Compositor de la música original y productor ejecutivo de los largometrajes animados más exitosos de la historia del cine nacional: “Una película de huevos” y “Otra película de huevos y un pollo”.

Ganador del World Summit Award, premio de la ONU a lo mejor en contenido y creatividad. Fue incluido en el grupo de los 20 líderes emprendedores “Entrepreneur of the Year” en su primera edición nacional. Ha sido reconocido con diversos premios relacionados con la educación, la música, la creatividad y los medios digitales.

• Sección 2 •

Rodolfo Riva Palacio Alatriste Co-creador y Director Creativo del concepto HUEVOCARTOON. Guionista, Co-director y Productor Ejecutivo de los dos largometrajes de animación mexicana más exitosos de la historia del cine animado nacional: Una Película de Huevos y Otra Película de Huevos y un Pollo, derivados del mismo concepto. Rodolfo Riva Palacio Alatriste es Licenciado en Ciencias de la Comunicación, graduado del Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey, Campus Querétaro; Maestría en dirección y guionismo cinematográfico, graduado del American Film Institute, Hollywood, California. Ha trabajado como guionista para Argos TV, Columbia Tristar, Videocine, Altavista, IMCINE, Cine Concepto, Dreamworks, Mund2 de Telemundo, entre otros. Ha dirigido más de 70 videos y comerciales, incluyendo educativos, institucionales, musicales, comerciales y de entretenimiento para empresas como Kimberly Clark, Grupo Pepsico, Playtex de México, New Field Consulting de New York, Sistema ITESM, Kellogs, Blockbuster, Pepsi y Presidencia de la República, entre otros. Recibió el premio Amy Rose Bloch Award en Los Ángeles como mejor director por el cortometraje MOVIN TO MONTANA. Es también ganador de un Ariel y una Diosa de Plata por “Una Película de Huevos”.

• Sección 3 •

Roberto Alatriz Roberto Darkar alatriz es el creador de vete ala versh nacido el 22 de agosto de 1988 a trabajado en diferentes proyectos como cronicas de un demonio le proporciona la voz a darkar aparte de escribir todos los episodios de vete ala versh y hacer parodias como la de puchamon o la leyenda de melda. Se le conoce por su trabajo en la animacion y creatividad en la serie trasmitida por youtube y su pagina oficial http:// www.vetealaversh.com«Vete a la versh» que trata generalmente de las «aventuras» de Darkar y una criatura hecha de semen llamada Mecoboy. Es una serie que consta de 14 capítulos y un especial hasta el momento y de un tema musical oficial llamado «el chacro vorraz» se le conoce en la ciudad de México por su trabajo de animacion y musical.

• Sección 4 •

KOPISTINSKI MATIAS Trabajo en animación desde el año 2000 hasta la fecha, habiendo comenzado como Asistente en la película Mercano el marciano (Malcriados producciones), pasando por otras producciones como: Teo cazador intergaláctico (Shazàm Producciones); Patoruzito (Patagonic Group); En la productora Nannimacion (Animaciones para publicidades); Hook Up Animation (Animaciones para publicidades, como Cartoon Network, scout, ESPN, MTV; y películas como: Una película de huevos; Tous a l´ouest una aventura de Lucky luke). A partir del año 2006 trabajé como Animador en la película Fierro (Camaranda producciones); y en otras producciones como Bieito Dubidoso, Global Wonders, y publicidades para Cartoon Network y otros medios en Hook Up Animation. También trabajé animando cosas de forma independiente. Todo eso en Buenos Aires Argentina. En el año 2009 Viajo a México y empiezo a trabajar como Animador Sénior en Animex 2d producciones, en los largometrajes Nikté 2009/2010, y La revolución de Juan Escopeta También trabaje en la preproducción de la película Selección Canina (Largometraje en 3d) de la misma empresa...

En la actualidad trabajo como Animador Sénior para la película El Santos contra la amenaza Zombi de Anima estudios. Habiendo trabajado también para ese mismo estudio para una producción anterior llamada La Leyenda De La Llorona.

También trabajo de forma independiente con un equipo de talentosos amigos, habiendo realizado el diseños de personajes y un anticipo en animación 2d para serie animada “Los cuentos negros de Ofelia (Aeroplano Films); Y en otros proyectos para otros estudios como Hook up nuevamente y Nébula aquí en puebla. … Y ahí seguimos

• Sección 5 •

Bill Melendez Bill Meléndez (José Luis Cuauhtémoc Meléndez, Hermosillo, de Sonora, 15 de noviembre de 1916 - Santa Mónica, de California, 2 de septiembre del2008) fue un animador, director de cine y productor cinematográfico mexicano-estadounidense, conocido por sus dibujos animados de Warner Brothers y por la serie Charlie Brown: en esta última, hacía la voz de Snoopy y la de Woodstock. Meléndez fue educado en escuelas públicas en Douglas (Arizona), y más tarde en el Chouinard Arts Institute (que se convertiría después en el California Institute for the Arts). En 1938, Walt Disney empleó a Meléndez para trabajar en cortometrajes animados y en películas como Bambi, Fantasía, y Dumbo.Después se unió al equipo de Leon Schlesinger en los estudios de Warner Brothers. Como miembro de los equipos de Bob Clampett y Art Davis, animó numerosos cortometrajes de Bugs Bunny y del Pato Lucas. UPA (United Productions of America) lo incorporó a su nómina en 1948, y con esa compañía trabajaría en muchos programas publicitarios, incluidos los de Gerald McBoing-Boing y Madeline. Después de un decenio con las dos casas productoras, Meléndez fundó su propia compañía en 1964: Bill Melendez Productions, que presentó al público A Charlie Brown Christmas, programa especial de navidad radiodifundido anualmente, por el que ganó un Premio Emmy y un premio George

Foster Peabody a pesar de tener que trabajar con poca anticipación y con un presupuesto escaso. Meléndez doblaba la voz de Snoopy, personaje que normalmente no habla en los especiales. Meléndez conoció a Charles Schulz en 1959, cuando era director de animación de una serie de anuncios para el coche Ford Falcon. En breve y autorizado por Schultz, Meléndez sería el único animador de los personajes de Carlitos. Otros personajes de caricatura que animó fueron Cathy, de la historietista Cathy Guisewite, y Garfield. Además de la animación, Meléndez fue miembro de la facultad de la Universidad del Sur de California. Bill Meléndez falleció el 2 de septiembre de 2008 en Santa Mónica, de California

• CAPÍTULO 4 •

ANIMADORES CONTEMPORANEOS

• Sección 1 •

HENRY SELICK En 2010 , se unió a Pixar Selick y The Walt Disney Company en un contrato a largo plazo para producir exclusivamente películas stopmotion . Esto no sólo devuelve Selick a sus raíces originales , sino que también reúne Selick con numerosos antiguos amigos y co animadores . Su nuevo estudio , llamado " Cinderbiter Productions" , se auto- describe como "una nueva empresa de stop motion , cuyo mandato es hacer grandes películas, de miedo para jóvenes ' uns con un pequeño equipo , muy unido que cuidarnos las espaldas de los demás. " Selick y la primera película de Cinderbiter en virtud de este acuerdo, un proyecto llamado ShadeMaker , se fija para ser lanzado el 4 de octubre de 2013. en agosto de 2012 se informó de que Disney había parado la producción en el proyecto, diciendo que debido a "un creativo y punto de vista de la programación, la foto no estaba donde tenía que estar para cumplir con su fecha de lanzamiento planificada " . Selick ahora tiene la opción de comprar el proyecto a otro estudio. El 28 de abril de 2012, se anunció que Disney había opcionado los derechos de la novela de Neil Gaiman The Graveyard Book. Más tarde, ese mismo día, se anunció que Selick dirigiría la película después del trabajo se completó el ShadeMaker . Aún no se sabe si la adaptación será la acción en vivo o detener el movimiento. El 5

de febrero de 2013, se anunció que el proyecto ShadeMaker , ahora conocido como " El rey de la sombra " , volvió a entrar en producción. Josh Penn ( Beasts of the Wild Sur ) producirá para la empresa alemana K5 Internacional. Joe Ranft , el amigo de Selick y colaborador ocasional , una vez declarado en una entrevista que Selick tenía un " rock ' n ' roll meets- Da Vinci temperamento. " [ Cita requerida ] En palabras de Ranft " Él todavía va a ir fuera a su oficina para tocar la guitarra o el piano eléctrico para facilitar apagado y pensar , " pero al mismo tiempo Selick opera científicamente. " Se pone un exorbitante premisa , algo que viene de un sueño verdadero lugar - entonces se acerca a la estética de la misma como un ingeniero mecánico : ¿Qué podemos construir sobre esta base , ¿cómo contrafuerte que si tenemos un tiburón mecánico, ¿cómo funciona ? lo mató? ¿Va a disparar a las cosas desde el hocico ? " Ranft dicho Selick tiene un don sobrenatural : "Él puede expresar cosas a través de la animación que la gente no podía decir lo contrario. "

• Sección 2 •

TIM BURTON Timothy "Tim" Walter Burton1 (Burbank, California; 25 de agosto de 1958) es un director, productor,escritor y diseñador estadounidense. La mayoría de sus películas se han caracterizado por la presencia de mundos imaginarios donde suelen estar presentes elementos góticos y oscuros, cuyos protagonistas suelen ser seres inadaptados y enigmáticos. (Véase Características personales de la obra de Burton). Este sello de identidad se hace patente en películas como Batman y The Nightmare Before Christmas, esta última fue producida por él. Adquirió gran fama al dirigir exitosos filmes entre los que se encuentranEdward Scissorhands y Charlie y la fábrica de chocolate. Desde que dirigió su primer largometraje (La gran aventura de Pee-Wee) en 1985, ha pasado a dirigir y producir numerosas películas, algunas de ellas han sido notablemente premiadas. Con Corpse Bride fue candidato al Óscar

a la mejor película de animación en 2006. A menudo trabaja con su amigo íntimo Johnny Depp, el músico Danny Elfman y su compañera sentimental Helena Bonham Carter.

• CAPÍTULO 5 •

12 PRINCIPIOS DE LA ANIMACION

• Sección 1 •

ESTIRAR Y ENCOGER “Estirar y enconger o mejor conocido como Squash and Strech es el principio más importante. Pues cuando un objeto se mueve se enfatiza cualquier rigidez del mismo. En la vida real sólo los objetos más rígidos como las sillas o platos se mantienen igual durante el movimiento. Pero cualquier cuerpo vivo, no importa el esqueleto, mostrará un movimiento en su forma durante la acción. Un ejemplo son las expresiones de la cara (masticar, sonreír, hablar, un cambio de expresión) en donde los“Estirar y enconger o mejor conocido como Squash and Strech es el principio más importante. Pues cuando un objeto se mueve se enfatiza cualquier rigidez del mismo. “La regla más importante del squash and strech es que no importando que deformación sufra el objeto siempre debe de mantener el mismo volumen. Un test estándar para los principiantes es dibujar la trayectoria de una simple pelota.

Esto ayuda a entender las mecánicas del principio. Alargando los trazos después y antes del rebote se incrementa la sensación de velocidad y lo hace más fácil de seguir, además le da más instantaneidad a la acción. “Squash and strech es un principio muy importante en la animación facial, no sólo para mostrar la flexibilidad de la piel y el músculo, sino también para mostrar la relación entre las partes de la cara. Examina la sonrisa: cuando se sonríe se levantan las esquinas de los labios que levantan a su vez los cachetes, estos oprimen a los ojos lo que hace que las cejas y la frente se arruguen para abajo.

• Sección 2 •

TIMING “Timing, o la velocidad de una acción, es un principio muy importante porque le da significado al movimiento. La velocidad de una acción define que tan bien la idea detrás de acción será interpretada por el público. Además este refleja el peso y el tamaño de un objeto y puede traer un significado emocional consigo. “El tiempo apropiado es crítico cuando se trata de hacer las ideas comprensibles. Es importante tener el tiempo adecuado para anticipar una acción, la duración de la acción misma y la reacción a ella. Si dura mucho, la atención del público se perderá; si dura

poco, el público no se dará cuenta y entonces será un desperdicio de idea El tiempo de una acción es fundamental para comunicar el peso de los objetos. Entre más pesado sea el objeto se requiere más fuerza para cambiar su estado. Un objeto pesado es más lento para acelerar y desacelerar que uno ligero. Los objetos ligeros tienen menos resistencia al cambio por lo que necesitan menos tiempo para empezar a moverse. “De la manera en que un objeto se comporta en pantalla será el efecto de peso que este de, depende enteramente del espacio entre las poses y no en las poses mismas. El estado emocional de un personaje puede definirse más por su movimiento que por su apariencia, y dependiendo de sus movimientos este nos indicará si es letárgico, aventurero, nervioso o relajado.

• Sección 3 •

ANTICIPACIÓN “Una acción ocurre en tres partes: la preparación para la acción, la acción propia y la terminación de una acción. La anticipación es la preparación para la acción. Hay varias definiciones para la anticipación pero en primera mano, es la previsión anatómica para una acción. Desde que los músculos del cuerpo funcionan por la contracción, primero deben de ser extendidos para poder ser contraídos. El pie debe echarse para atrás antes de patear una pelota. Sin anticipación las acciones no son naturales y se ven abruptas. La anticipación además sirve para captar la atención del público, los prepara para el siguiente movimiento. “Es usada también para dirigir la atención de la audiencia a la parte correcta en el momento adecuado, para que no se pierda información de algo vital en la trama. La cantidad de anticipación afecta considerablemente la velocidad de la acción siguiente a ejecutar. Cuando la audiencia espera que pase algo, la anticipación puede ser más rápida, pero cuando no esta preparada apropiadamente si la anticipación es muy corta el público perderá por completo la información de la acción.

La anticipación puede enfatizar también el peso de un objeto, por ejemplo un personaje que levanta un objeto muy pesado, la anticipación deberá ser más exagerada.

• Sección 4 •

PUESTA EN ESCENA “Staging (escenificación) es la presentación de una idea por lo que deberá de ser demasiado claro. Una acción escenificada debe de entenderse, una personalidad debe de ser reconocible, una expresión debe de ser vista, un sentimiento debe de afectar a la audiencia. Tanto la anticipación, el timing y el stating ayudan a concentrar la atención del público a donde debe de estar, para que de esa manera no se pierda la idea. Es muy importante que la acción a escenificar se entienda una idea a la vez. Si están pasando muchas acciones a la vez la idea principal pasa desapercibida. El objeto de interés debe de contrastar del resto de la escena, pues en una escena el ojo es atraído por el movimiento. “Una idea desarrollada por Disney fue la importancia de hacer stating de una acción en siluetas. En un tiempo todos los personajes eran negros y blancos y no tenía valores de grises para contrastar o delinear la forma. El cuerpo, los brazos y las manos eran todas negras por lo que no había manera de hacer un stating de acción claro, más que con la silueta. Una mano enfrente del pecho desaparecería simplemente.

Fuera de esta limitación los animadores se dieron cuenta que siempre es mejor mostrar una acción en siluetas. Por ejemplo Charlie Chaplin mantenía que si un actor sabía la emoción a lo largo de la acción, él podía mostrar su silueta solamente.

• Sección 5 •

ACCIÓN CONTINUA Y SUPERPUESTA “Follow through, es la acción anticipada a cualquier acción. Debemos de imaginarnos el objeto o personaje como la máquina de un tren, el movimiento primero se produce en las partes principales para luego ser seguidas por las secundarias.

Algo importante es clarificar el tipo movimiento para el objeto o cuerpo, tomando en cuenta factores como el peso, flacidez, movilidad, etcétera. Además del tiempo para los movimientos principales y secundarios.”

“Para estos dos principios es importante que desde un inicio se tenga una gráfica o una tentativa del movimiento a realizar para saber que acciones van antes y cuales después, para con ello dar mayor fluidez y realismo a la animación.

Overlapping action, en este principio se mezclan múltiples movimientos, que se van poniendo uno encima de otro, para tratar de evitar un movimiento robotizado del objeto o personaje. Especificamente se toma en cuenta la acción pasada y la que sigue para ligarlas correctamente.

• Sección 6 •

ACCIÓN DIRECTA “Acción directa es el principio que determina cuando un animador crea cuadro por cuadro desde el inicio hasta el final una acción, dando más libertad al de saber donde va cada parte del objeto o del personaje. Este principio es de suma importancia para cuando se requiere hacer el movimiento de un personaje, por ejemplo una forma básica al caminar para saber dónde va el brazo, la mano, la cabeza, etcétera en cada cuadro. “El principio de pose to pose, es cuando el animador comienza a crear e imaginar la acción, y prevee cada pose que va tomar el personaje u objeto a animar. “Luego de determinar la acción se obtienen los llamados keyframes, es decir los puntos importantes de la misma, para luego crear los puntos intermedios, conocidos también como inbetweens y colocarlos entre los keyframes principales para darle mayor realismo al movimiento. Aunque parezca una tarea fácil los inbetweens, son los puntos más difíciles de controlar, puesto que se tiene que tomar en cuenta cada detalle de movimiento para la animación a realizar y hacer que coincidan con los keyframes.

Una de las tácticas más usadas para este principio es siempre tener tres keyframes, es decir los puntos principales. Esto por el hecho de que gracias a estos tres puntos importantes nos damos una idea de cómo comienza el movimiento como se va transformando hasta llegar a un final, teniendo un plus en la parte central y así crear más facilmente los inbetweens.”

• Sección 7 •

ENTRADAS Y SALIDAS

“rabaja principalmente con los inbetweens que hay entre dos puntos claves, es decir los keyframes.

El trabajo que se realiza con este principio son unos llamados timing charts, que son útiles para que el animador elija cómo va cada inbetween y saber a detalle el movimiento que va se va a producir y cómo va ser el tiempo. Lo que se obtiene luego de utilizar este principio es darle un movimiento más real al objeto o personaje en cuestión, ya que se toma en cuenta la aceleración y el tiempo del movimiento a realizar por lo que no siempre se tiene un 100 % de velocidad si no tiene que hacerse gradualmente para hacer enérgicos y reales los movimientos.

• Sección 8 •

ARCOS “La visualización de una acción de un extremo a otro, es conocida como arco. Le dan una apariencia más natural a los objetos o personajes, puesto que el movimiento nunca es en línea recta y perfecta.

Normalmente se utilizan los arcos o curvas para como ya se dijo apariencia natural y para guiar el movimiento además de hacerlo más fluido.

Básicamente los arcos consisten en posicionar un objeto o personaje de una pose a otra obteniendo la sensacion de que existe una inercia que haga hacer ese movimiento de una forma u otra.”

“ Dentro del arte 3D el uso de arcos podría pensarse que es más sencillo que todo lo realiza la computadora, pero esto es un error porque aún y cuando un software esté realizando las acciones de movimiento del personaje existen editores de curvas.

Estos editores básicamente tienen la función de ayudar al animador al momento de realizar el movimiento del personaje u objeto, puesto que podríamos decir que nos ayudan a refinar las curvas que hemos hecho al hacer ciertos movimientos y darle más fluidez y realismo.”

• Sección 9 •

EXAGERACIÓN “El animador debe encontrar el núcleo de la idea o del objeto y desarrollar su esencia. Es decir, conocer y realmente entender la razón por la cual usar la exageración, de esta manera la audiencia también lo entenderá y lo considerará como algo normal. Puede funcionar dentro de cualquier componente, pero no debe de encontrarse aislado. La exageración de componentes debe guardar cierto balance, si solo se exagera un elemento este resaltará demasiado y arruinará el realismo de lo que se desea contar. “Debe haber un elemento que la audiencia reconozca como natural, aceptándolo como la base de comparación entre lo exagerado de otros componentes que conforman la historia. De esta manera, la escena tiene un toque de naturalidad, y permanece como realista a los ojos de los espectadores.


ACCIÓN SECUNDARIA “La acción que sucede a causa directa de otra acción, esta última siendo la principal. Este factor, es importante para aumentar el interés y agregar un realismo complejo a la animación.

Es importante recalcar, para que la acción secundaria no pase desapercibida hacerla suceder después o antes del movimiento o acción principal. Si se ejecuta durante la acción, no será notada por la audiencia y el valor agregado no se verá distinguido en la animación”

“El movimiento ondulatorio de su cola agil (considerada como la acción secundaria) tendría un estilo ligeramente diferente al tipo de animación que llevan sus piernas. La cola de la ardilla es un ejemplo de una acción secundaria, un principio que gobierna el movimiento y apoya la acción principal de una animación sin distraer a la audiencia de ella. Se aplica para reforzar el humor y enriquecer la acción principal de la escena animada.


ENCANTO “El encanto es aquello que a la audiencia le gusta ver. Es una cualidad de un diseño placentero, guarda simplicidad y magnetismo. Un dibujo o diseño débil falla en el encanto, así como un dibujo o diseño muy complejo. Más que un principio, es el producto terminado después de conjugar todos los principios de animación. El encanto es muy importante en un personaje, ya que es quién narra, antagoniza o protagoniza historia que se desea contar. La audiencia debe sentir lo que el personaje desea proyectar. Pero no todos los personajes expresarán las mismas ideas, un villano no tiene la misma moral que un héroe, o un adolescente no tiene las mismas expresiones que un niño de tres años. “Por esto, no sólo se deben usar los principios de manera correcta, sino también es importante el grado con los que se usan. La exageración podría estar limitada en un personaje que es áspero y frío, o un personaje tímido podría usar demasiada anticipación en sus movimientos. Todo depende de la personalidad del personaje y con qué carácter se construyó. Ahora, es aquí donde existe una infinidad de posibilidades, se pueden llenar un personaje con muchas características. Sin embargo, un gran personaje no necesita de un número infinito de características, solo debe de contar con las correctas. Explora y

desarrolla las que quieras, pero al final sueles necesitar las dos o tres más fuertes.” (Ellen Besen, Animation Unleashed)

• CAPÍTULO 6 •

PERFILADO DEL PERSONAJE

• Sección 1 •

FRONTAL

SEGUNDO VESTUARIO

• Sección 2 •

DE PERFIL

3/4

Proyecto Libro Sobre Animacion

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