El Animalario Universal del Profesor Revillod : En los límites de lo real y lo imaginario.
Me resulta envidiable la capacidad de algunos artistas para plasmar sobre el papel, con palabras o con imágenes, mundos fantásticos. Quizás uno de los más sorprendentes sea el que escribe Miguel Murugarren e ilustra Javier Sáez Castán: el Animalario Universal del Profesor Revillod. una especie de pequeña libretaque tiene en su interior 21 páginas, 16 de ellas con dos cortes longitudinales que las hacen movibles. Miguel Murugarren utiliza la conocida estrategia borgiana de proponer notas ficticias como si fueran verdaderas. Todo el libro (texto, ilustraciones, formato, encuadernación...) está destinado a desorientarnos respecto a los límites entre el mundo real y la ficción. El Animalario juega con sus lectores, y no s ólo porque invita a la combinación de dieciséis ilustraciones de animales conocidos (como el elefante, la gallina, o el armadillo) y sus descripciones correspondientes mediante dos cortes en las páginas para tener en su mano nada menos que 4096 fieras diferentes con la descripción de sus modos de vida. Si seres fantásticos pueden ser creados mediante la combinación de animales reales, entonces ¿por qué no confundir los límites de lo real y lo imaginario? Todo en el Animalario nos miente. La portada nos dice que este libro ha sido "profusamente laureado", y en los créditos, donde menos buscaríamos la ficción luego del tiraje podemos leer: "En los casos en los que ha sido necesario el embalaje, el almacenamiento o la intervención taxidérmica de los animales, el Instituto Revillod ha contado con la colaboración de la Compañía Denetik del puerto de Pasajes".
Ciencia rigurosa, sabios consagrados, premios, viajes de descubrimiento científico son materia para la parodia, la risa y el juego. Burlarse de la seriedad de aquello que alguna vez fue "sagrado" para Occidente como "antorcha y guía de la Humanidad" y también un divertido homenaje a un viejo modo de representarnos el mundo.
TECNICAS DEL EXPRESIONISMO - Desprovistos de formación académica pictórica, su calidad de autodidactas les capacitó para emplear los recursos con enorme libertad a la hora de abordar la ejecución de una obra y el material utilizado. -En las primeras obras encontramos superficies pastosas, con pinceladas muy gruesas y definidas, así como mucha cantidad de materia pictórica. Pero, poco a poco, los artistas van evolucionando en su técnica, diluyendo los colores en aceite o gasolina para extenderlos de una forma fluida y rápida. El resultado técnico son grandes superficies de color que se yuxtaponen unas a otras, creando un espacio propio que poco tiene que ver con la realidad. - La espontaneidad del dibujo es considerada como un rasgo determinante de su estética. Son célebres los llamados desnudos al cuarto de hora, surgidos durante los años 1905 a 1906 en el apartamento de estudiante de Kirchner y más tarde en la vivienda de Bleyl, que consiguen liberar al dibujo y la acuarela de su función secundaria y elevar estas técnicas a una autonomía que los iguala en importancia a la pintura.
EL GRITO - Edvard Munch
- Otra gran novedad, en cuanto a estilo y técnica, se manifiesta con la obra gráfica: esta aparece frecuentemente como más progresista y revolucionaria que las otras creaciones de los componentes del grupo. - De entre todas las técnicas de obra gráfica, es la xilografía la que mejor se adapta a sus necesidades. Esta técnica del grabado en plancha de madera, muy antigua y de gran tradición desde la Alemania medieval, tuvo una época de esplendor a comienzos del siglo XVI con Alberto Durero, decayendo hasta convertirse en mera obra gráfica de ilustración de uso popular. Las características peculiares de su técnica, los contrastes fuertes entre el blanco y el negro (o colores), y la incorporación de la estructura de la madera a la composición, consiguen unos efectos muy expresivos.
Bauhaus Escuela de Diseño alemana desarrollada en las ciudades de Weimar, Dessau y Berlín entre los años 1919 y1933. La Escuela Bauhaus fue fundada por Walter Gropius, quien abogaba por el ideal de talleres de artesanos por sobre el sistema de la Deustcher Werkbund. Bauhaus significa " casa de construcción" y como escuela interdisciplinaria con talleres de experimentación sobre diversidad de materiales, reformulaba la teoría educativa, fusionando las distintas artes.
Christo: Artista estadounidense de origen búlgaro, cuyo nombre completo es Christo Javacheff. Sus objetos envueltos son algunos de los ejemplos más extremos del arte
conceptual moderno. Vivió en Francia entre 1958 y 1964, año en que se trasladó a Estados Unidos. Sus primeras obras eran empaquetages, en las que envolvía botellas, latas o cajas, con tela o plástico. Se hizo muy famoso por sus últimos trabajos, que consistían en empaquetar temporalmente objetos enormes o edificios enteros. Su obra de mayores dimensiones fue Running Fence (Valla continua, 1976), una franja de nailon de 5,5 metros de altura que se extendía a lo largo de 40 kilómetros a través de dos condados de California. Tanto esta obra como la anterior Valley Curtain (Cortina del valle, 1972) fueron tema de documentales realizados por los directores de cine de vanguardia Albert y David Maysles. Otras obras son las Surrounded Islands, Biscayne Bay, Florida (Islas rodeadas, 1982), once islas enmarcadas con 650.000 m2 de tejido de polipropileno, The Pont New Wrapped (El Pont Neuf empaquetado, París, 1985). En 1995 empaquetó el Reichstag, en Berlín. Entre sus proyectos aún no realizados están la Puerta de Alcalá en
Punto, Linea Y Plano Todo proceso de creación en este mundo lleva un orden. Estos procesos están llenos de elementos que unidos mediante una serie de procedimientos específicos y aunados a un toque de creatividad dan como resultado un objeto innovador. Hablando específicamente del arte, estos elementos son el punto, la línea y el plano, bien relacionados entre si y capaces de unirse para crear formas nuevas. En el libro de Punto y Línea sobre el Plano de Kandinsky se detallan y explican estos 3 elementos básicos y a lo largo de este escrito trataré de explicar la importancia que para mí tienen. En general en el libro, Kandinsky, mezcla un poco lo formal del uso de los 3 elementos en el arte con la filosofía para poder así tratar de aterrizar su concepción y esto es lo que hace interesante el libro. En la naturaleza todo tiene un punto de partida, algo mínimo que sirve como empiezo, por ejemplo en la física y química existe el átomo, para las matemáticas el cero y así se pueden enumerar varios ejemplos. El punto es lo más básico que hay en un sistema gráfico, y en este concepto hay una amplia variedad, porque el punto existe en la escritura, en la pintura, en el dibujo; de él parten sistemas más complejos, Pero el origen y el concepto de punto es en si complicado, y como dice el autor, abstracto y yo digo que relativo también. Un punto puede ser todo y ser nada, dependiendo de como y donde lo veas. Un punto en una superficie blanca gigante es casi imperceptible y puede llegar a omitirse. Un circulo redondo que abarca toda el área de una hoja de papel no puede dejar de ser visto, algunos dirían que es un circulo gigante, pero si esa hoja la ves desde 100 metros de distancia se convierte en un punto pequeño en el horizonte. Como se observa, el punto no es un ente claramente definido por que es muy variable, pero es esto mismo lo que lo hace interesante.
Bestiario Medieval Procedente del mundo grecorromano, bizantino y persa, el bestiario fantástico se apodera del mundo cristiano románico no sin resistencias y críticas por pensadores de la época.
Pero el románico sacraliza esta estética pagana convirtiendo a los animales -tanto reales como imaginarios- en portadores de virtudes o perversiones, por lo que su aparición en capiteles, canecillos, metopas, tímpanos, etc., es reinventada y usada con sentido de enseñanza y advertencia. Es innegable que el bestiario fantástico es uno de los motivos escultóricos que más interés genera entre nosotros y el que mayor efecto de intimidación provocaría en el hombre medieval. Estas peculiares e imaginativas bestias se generaban por combinación de partes de animales diferentes, creando estampas, en ocasiones, atroces. Estos animales podían ser representados solos o en lucha entre sí o con hombres indefensos, con el objetivo de conmover y motivar al creyente en su esfuerzo por evitar las tentaciones y renegar del pecado. Aunque cualquier símbolo tiene dualidad de significados, incluso completamente opuestos, el románico usó ciertos animales con predilección para manifestar el bien y otros como formas del mal y del diablo
Jackson Pollock nació en Cody, Wyoming, el 28 de enero de 1912, el menor de los cinco hijos de una familia de clase obrera. Tuvo una actitud combativa desde muy joven, y fue expulsado dos veces de la secundaria a la que asistía en Los Ángeles. Poco después, en 1930, se mudó a la ciudad de Nueva York, donde tuvo como maestro a Thomas Hart Benton en la Art Students League durante tres años. En 1936, obtuvo un empleo en el Taller Experimental de Union Square dirigido por el muralista mexicano David Siqueiros, que resultó definitivo para la formulación de sus posteriores pinturas por goteo pertenecientes al Expresionismo Abstracto. Mientras estudiaba con Siqueiros, experimentó con materiales poco ortodoxos, tales como pintura de interiores, y practicó innovadoras técnicas de aplicación, que incluían aerosoles, salpicados y goteo. Más tarde, en 1941, Pollock vio una demostración de la pintura indígena de arena en el Museo de Historia Natural, la cual alentó su técnica gestual de vertimiento. En sus obras más famosas, Pollock ponía lienzos en el piso y —usando los pinceles como palos—se inclinaba sobre la superficie, vertiendo pintura, eliminando toda imagen reconocible. Esta técnica, conocida como “pintura de acción,” le valió el apodo de “Jack the Dripper.” Obras como Number 4 de 1950 ejemplifican este estilo;
cada uno de los gestos de la mano del artista es evidente en la itrincada red de pintura. Pollock creía que la “acción” de pintar
accedía a su mente subconsciente, y esta técnica se convirtió en parte de un proceso automático llamado automatismo. Estaba interesado principalmente en representar el dramático desenvolvimiento de su subconsciente sobre la superficie de la pintura; este proceso era análogo a la ráfaga de notas creadas por la improvisación de un músico de jazz o, actualmente, por el flujo de un rapero de estilo libre. En la cúspide de su fama, Pollock fue considerado por muchos como el más grande pintor vivo, opinión que compartió la revista Time en 1951. Pinturas legendarias como Blue Poles: Number 11, 1952 ; Lavender Mist: Number 1, 1950 ; y Autumn Rhythm: Number 30, 1950, fueron todas creadas durante este período de intensa creatividad.
