PROFESOR: CERUTTI LUIS
! ANDA LA OSA!
EN ESTE CAOS EL SILENCIO ES MI UNICO ALIADO!
Profesor: Luis Cerutti
.AMODO DE PROLOGO Este cuadernillo lo realizo a fines de tener alguna alternativa, didáctica – pedagógica, pedagógica, sobre los contenido de la catedra de la Apreciación Musical 1. Tengo que manifestar manifestar que el tipo de oyente a construir es el equivalente a un investigador, donde su escucha o evaluación sea neutral, lejos de los obstáculos sociosculturales o prejuicios banales y religiosos. La interpretación de estas líneas, están lejos del Autoritarismo!, para nada despojar a los alumnos de sus criterios personales, gustos musicales o/u artísticos. Si no ampliar y darles herramientas que le permitan entender las diferentes manifestaciones musicales a través del tiempo y el contexto donde esto se produce. Es decir: ¿Con qué criterio evaluamos la música? ¿Es lo mismo que sea de carácter religioso, académico, Folclórico o popular? ¿Todo lo mediríamos con la misma clasificación? NO LO CREO… Por este motivo insisto en tener una escucha neutral!, donde nos permita entender e interpretar y enriquecernos musicalmente. Entonces de este es te punto partiremos para formar nuestros futuros saberes y conceptos.
¿EN QUÉ CONSISTE LA APRECIACIÓN MUSICAL? El término “apreciar” refiere a “valorar”. Para entender la música, es importante conocer los
diferentes aspectos que la componen, desde su parte teórica hasta la misma historia, del cómo el compositor hace uso de todos y cada uno de los elementos que ésta le brinda, del cómo el escucha accede e interactúa con ella. Lógicamente toda persona que escucha se convierte en un oyente. Pero hay muchas formas de escuchar, y en esto van a intervenir factores tan importantes como la capacidad de atención y la formación musical de quien escucha. Muchas personas tienen un gran conocimiento auditivo de numerosas grandes obras de la música, aunque no sepan leer ni interpretar una partitura. En muchos casos, sus opiniones y sus gustos son excelentes, pero no saben expresarlo con un lenguaje apropiado.
Dado a que la música es un tipo de expresión humana consustancial al tiempo, cuyo material primario corresponde al sonido y a la ausencia de éste, es que resulta tan abstracta. La música transcurre en el tiempo, luego el tiempo pasa a ser la medida de la música, esta es la razón por la cual es tan difícil para el auditor captar su esencia, puesto que además contiene múltiples elementos sonoros que van apareciendo de manera simultánea lo que torna más complejo el acto de la escucha. Estos elementos sonoros son el material de que está hecha la música (ritmo, melodía, armonía, entre otros). Al escuchar una obra musical los elementos sonoros se suceden formando el tramado musical diseñando o creado por el compositor. A la disposición sonora que resulta de este tramado musical convertido en una obra, se le llama discurso musical. Como habíamos declarado anteriormente, de todas las manifestaciones artísticas desde punto de vista occidental, la música es la que presenta mayor cantidad de elementos abstractos, desde los materiales de su construcción que tienen su fundamento en las leyes físicas, hasta el sistema de símbolos que tras su decodificación, pueden ser traducidos en sonidos y éstos, a su vez, permiten el tránsito al terreno de la subjetividad más absoluta. Esta compleja interacción de elementos es la razón de que no pocos filósofos y pensadores a través de la historia del pensamiento occidental, le hayan otorgado, unos más que otros, algún espacio en sus escritos6. La música se ha convertido en el objeto de estudio de una gran cantidad de filósofos, siendo ésta elegida para ser estudiada como un fenómeno aparte en torno a profundas y serias reflexiones. La música La música está en el universo de la filosofía y la filosofía, a su vez, es parte del universo de la música. Las concepciones más antiguas7 nos lo recuerdan todo el tiempo. En la antigüedad, la música representaba la esencia del pensamiento del ser humano, la música estaba presente en la vida comunitaria, social, religiosa, mística. La música era parte de los elementos propios del ámbito cultural, a riesgo de que el uso del término cultura, referido a aquella época, por cierto resulte anacrónico. En la antigüedad y específicamente en lo referido a la ciudad que Sócrates diseñaba idealmente, hacía una salvedad en relación con la admisión de los artistas, puesto que se admitirían artistas “salvo sólo aquellos capaces de rastrear la naturaleza de lo bello... una armonía inconscient e con la belleza de la razón” 8. El propio Sócrates preguntaba a Glaucón ¿no es acaso la música la que
proporciona la educación más importante? 9Entendiendo que la música es la fuente del pensamiento, reconociendo en ella el poder de penetrar en el alma de modo que el ser humano sea capaz de discernir entre los opuestos de la ética y la estética: lo bello y lo feo, lo bueno y lo malo. De esta forma Platón, a su modo, establece una estrecha conexión entre música y filosofía. Fubini, a propósito de la condenación que Platón hacia a la música como fuente de placer, sostiene que: “La música no es sólo objeto de nuestros sentidos; la música puede ser también ciencia y, en cuanto tal, objeto de la razón. La música en tanto que ciencia puede acercarse a la filosofía, hasta el punto de llegar a identificarse con ésta, al concebirse como dialéctica y suprema sabiduría ( sophía)”10. La herencia del pensamiento musical griego se tornó fundamental en la construcción del pensamiento medieval, estableciendo una íntima relación entre la música, el hombre y el universo.
Más tarde, para Descartes, la música se manifiesta en las pasiones del alma, cuya idea es la base del pensamiento musical Barroco 11. Idea que más tarde resultará antagónica al pensamiento de Hanslick llamado formalista pero que según Schultz ha sido mal catalogado como tal 12. 5 Aún cuando en ciertas épocas la música se ha vuelto tan descriptiva que se ha tomado el propio sonido para representar algún elemento, sobre todo de la naturaleza, por ejemplo en la obra Le chant des oyseaux del compositor renacentista Clèment Janequin. 6 Aristóteles, Pitágoras [según Fubini, es propio llamar al pensamiento de Pitágoras, escuela pitagórica] Ver en La estética musical desde la antigüedad hasta el siglo XX , p. 55. Boecio, Schopenhauer, Nietzsche, Descartes, Hegel, Adorno,
7 Reconocemos como referido a lo antiguo -con respeto- no solamente al pensamiento griego como tradicionalmente se ha entendido cuando se marca el inicio del pensamiento occidental, sino que, con la idea de ampliar y extender la idea de nuestra construcción y asunción de la realidad, consideramos que también en la idea de la existencia de una relación entre filosofía y música y música y filosofía, llamada cosmovisión, también se encuentra presente en culturas precedentes a la occidental 8 Velázquez, Oscar Un estudio sobre la República de Platón, p. 86. 9
Platón, La República, pp. 127-128.
10 Fubini, Enrico La estética musical desde la antigüedad hasta el siglo
XX, pp. 68-69.
11
Descartes, René. Tratado de las pasiones del alma (1649). Traducción y notas (2-3) de Eugenio Frutos. Barcelona: Planeta-De Agostini, 1995, pp.137-139. 12
Es interesante la idea propuesta por Margarita Schultz, pues realiza una crítica al rótulo despectivo de “formalista” que ha recibido Hanslick. Según la autora, Hanslick ampliaría la idea de que en la música sí es posible encontrar belleza y s ensibilidad y no la negación de ambos elementos como se ha mal entendido. Más bien el pensamiento de Hanslik iría en proponer un equilibrio entre forma y contenido. Donde el contenido musical no estaría representado por sentimientos, sin embargo, “la recepción de la belleza musical, se realiza, en cambio, por las vías de audición de la inteligencia y la imaginación.” Schultz M, ¿Qué significa la música? Del sonido al sonido musical. p. 219
Introducción: El hecho de cubrir las necesidades inherentes al examen analítico de formas sonoras con cualquier tipo de características nos plantea la problemática de la metodología de análisis a seguir. Para aclarar la postura que se adoptará en esta área citaremos las palabras de CLEMENS KÜHN, en su libro tratado de la forma Musical: "Cada cual puede seguir las múltiples ramificaciones de la realidad musical de un modo tal incondicional que sea literalmente imposible ir a más, aguardándonos siempre un "Sí, pero..." O puede obviar las múltiples facetas de la realidad y agarrarlas al propio gusto, creyendo haberlas comprendido con una cuantas formulas, siendo ambos caminos engañosos. La propia realidad sugiere un compromiso entre referencias abstractas (que no hay que entender por encima del tiempo y las personas) y diferenciación analítica (que no debe perder de vista los aspectos en que se producen coincidencias). Solo quien ya sabe de estos asuntos puede controlar la desafiante libertad del análisis, es decir, aprender a comprender a que se debe prestar atención en cada caso."
Según Adorno, la música es semejante al lenguaje pero no es un lenguaje 13 tal como es concebido el lenguaje escrito o hablado, donde su especial característica es transmitir ideas concretas, mediante el elemento semántico contenido en el lenguaje que permite una decodificación, dando a conocer conceptos con una significación específica. La música no posee tal semanticidad, sin embargo no por ello, está ajena de expresión como en forma contraria lo ha entendido la corriente formalista, cuyo pensamiento es sintetizado por Fubini al exponer que: “La música no e xpresa nada ajeno a ella misma y al mundo de los sonidos” 14. En este sentido nos apartamos de la visión formalista y concordamos con que “La música es semejante al lenguaje en tanto que sucesión temporal de
sonidos articulados, que son más que mero sonido. Dicen algo, a menudo algo humano” 15 como lo expresa Adorno.
Por consiguiente, creemos que aunque la música carece de semanticidad y según Jankélevitch, “se mueva en un plano muy distinto del de los significados intencionales” 16 propios del lenguaje
hablado, sí es posible utilizarla para construir un discurso musical, con lo que le atribuimos a la música el elemento hermenéutico común a todo lenguaje: la capacidad de ser interpretado. Para esto último, recurriremos a algunos casos en que compositores han utilizado la música para crear un discurso musical. Un ejemplo podemos encontrar en el compositor español Manuel de Falla en su Concierto para clave, en cuyo segundo movimiento introduce una melodía con reminiscencias a la procesión Corpus Cristi . El compositor de manera hábil, se vale de la música para elaborar un discurso, en este caso bivalente: por una parte religioso, en cuanto se reviste de una temática procesional y por otra parte, toma como un segundo elemento lo folklórico. En suma, su discurso musical está construido, sobre la temática religiosa, al querer hacer un llamado hacia lo místico y por el folklore, al transmitir que la música española tiene sus raíces en elementos folklóricos, atribuyendo a éstos una idea de identidad nacional. Como decíamos anteriormente, la música en sí misma se constituye un discurso propio e independiente. Según Jankélévitch, todo discurso musical -tomando como base a la música y no al texto- tiene al menos dos caracteres esenciales: la ausencia de unidad sistemática y su insensibilidad ante las repeticiones17. Concordamos con ambas ideas del autor, pues es cierto que la música no conoce de reglas lógicas y sistemáticas con las que deba concordar para darse a entender, es así que frente a la ausencia de una decodificación subsidiaria en la música, equiparable con la del lenguaje escrito u oral, ésta ofrece una forma diferente de expresión, no igual a la del lenguaje desde ese punto de vista. Y con respecto a la segunda premisa del autor sobre la insensibilidad ante las repeticiones, concordamos igualmente en tanto que es posible encontrar desde la forma más primitiva y básica hasta la forma más elaborada, el uso del recurso de la repetición dentro del marco constructivo musical, característica que, por cierto, en el lenguaje articulado o escrito no es deseable. Creemos que estas dos características del discurso musical enunciadas por Jankélévitch, no son contrarias frente al hecho de hacer posible el uso de la música para elaborar un discurso musical, ya que esencialmente, al construir un discurso musical con sentido e intencionalidad 13
Adorno, Theodor Sobre la música p. 25
14 Fubini, Enrico Música y lenguaje en la
estética contemporánea p. 12
15 Adorno, Theodor Sobre la música p. 25 16 Jankélévitch, Vladimir La música y lo inefable p. 27
17
Íbid, p. 28
Dichas características están presentes, sin que de algún modo entorpezcan o imposibiliten la finalidad del mencionado discurso. Por lo tanto, cuando un compositor introduce ciertos elementos rítmicos, instrumentos o cadencias determinadas de manera explícita y consciente, creemos que es una forma de darle sentido a la obra, evento que se traduce en la elaboración de un discurso de la manera más musical posible.
La música ha sido definida también como el arte de los sonidos18. Así, se afirma que los elementos primarios de la música son el sonido y el silencio. Ambos están presentes de manera alternada dando lugar a la base primera de la música. Del sonido como elemento primario, se desprenden ahora los elementos constructivos de la música, estos son: el ritmo, la melodía, la armonía/textura, la forma y el timbre.
Ritmo: es un movimiento constante que ordena los sonidos en el tiempo, articula los sonidos y los organiza. El ritmo como elemento permanente en la música es el que le da vida a ésta.
Melodía: es una sucesión de sonidos ordenados de manera ascendente y/o descendente donde se utilizan notas conjuntas o disjuntas produciendo diferentes intervalos. La melodía, por lo tanto, requiere de una asignación de altura a cada sonido. Se puede decir también que la melodía se basa en la ordenación de los sonidos de una manera nueva, es decir, que los sonidos se presentan de maneras que antes no habían sido organizadas. Sin embargo emanan de los grados o notas de alguna escala musical (escala diatónica, escala pentáfona, escala hexáfona, escala cromática, etc.)
Armonía: es la ejecución de dos o más notas que se realiza de manera simultánea, conformando lo que se llama acorde, a esta relación que se produce entre el movimiento de acordes se le llama armonía. La función básica de la armonía es acompañar a una melodía existente, es decir, que sirve como apoyo o complemento de una melodía. Existe un conjunto de reglas que guían el proceso de la armonización, estas reglas deben ser respetadas para lograr el sonido armónico deseado. En la armonía se habla de cadencias y progresiones armónicas que son formulas o sucesiones de acordes ordenados de una manera determinada (Por ejemplo: la cadencia completa se realiza de siguiente forma: I (tónica) IV (subdominante) V (dominante) I (tónica).
Textura: es el plano o tejido sonoro que presenta una obra musical determinada, este tejido es el tramado sonoro que se oye a través de la ejecución alternada y/o simultánea de los sonidos según se vayan presentado en la obra. Las texturas pueden ser elaboradas según el tipo de plano o tejido sonoro escogido por el compositor y son a siguientes: a) monofonía, b) homofonía (co n sus respectivas especies),c) polifonía, heterofonía.
Timbre: es el sonido característico de un instrumento musical incluyendo la voz, también podemos agregar que es la cualidad sonora que permite distinguir entre un sonido y otro. El tipo de sonido que se escucha a través del timbre, está determinado por la fuente de donde emana el sonido, generalmente los sonidos más graves provienen de instrumentos más 18 Gimeno, Francisco y otros, Áreas Consultor Didáctico, Arte y Filosofía p. 83
Grandes y los sonidos agudos de instrumentos más pequeños. En el caso de la voz masculina, ésta se ejecuta una octava más grave que la voz femenina, es decir, que entre ambas voces existe una octava de diferencia.
Forma: corresponde a la estructura que tiene una obra musical determinada. Las obras musicales se basan en esquemas formales en cuanto su composición, donde cada elemento constructivo (ritmo, armonía, melodía, timbre) forman un todo que otorga identidad a dicha obra. Los elementos que corresponden a la forma van desde una unidad mínima (concebida en un plano micro) como el motivo, la frase, los períodos hasta unidades mayores (concebidas en un plano macro) como el tema o las secciones.
Si bien la ejecución instrumental incluyendo la modalidad vocal, se basa en un principio técnico y a la vez mecánico, es decir, donde intervienen agentes vinculados al área psicomotora de estímulo y respuesta, existe además un aspecto en la ejecución instrumental que dice relación con el tratamiento de la sensibilidad del material sonoro. La música excita aspectos sensitivos del ser humano precisamente por el modo en que los sonidos son ejecutados. Esta es la gran diferencia que se produce entre escuchar una obra musical que provenga de una fuente artificial como un sintetizador o un programa informático que simula sonidos de instrumentos musicales y la ejecución humana. Los elementos expresivos se transforman en herramientas o recursos para otorgar carácter a las obras musicales. Por lo tanto, la expresividad de una obra musical estará articulada en base a los recursos o elementos expresivos utilizados.
Dinámica: la dinámica está vinculada a la cualidad del sonido llamada intensidad. La dinámica es pues la condición acústica de la amplitud de una onda sonora. Dicha amplitud es la que determina con qué tipo de intensidad o volumen se ha ejecutado un sonido. Por lo tanto, los sonidos pueden ser interpretados con distintos niveles de intensidad. Las posibilidades de uso del volumen se representan mediante los matices 19 de plano y gradación.
Agógica: es el elemento expresivo que se asocia con la velocidad con que es interpretada una obra musical. El tempo puede comprenderse como sinónimo de velocidad. De modo que la velocidad con que se interpreta una obra musical le otorgará a ésta un carácter distinto. La música docta ha utilizado diversos modos de interpretación relacionados con la velocidad, los que se han transformado en patrones o modelos de obras según su tempo. Por ejemplo un Presto será interpretado con una velocidad mucho mayor que un Andante. En la medida en que fueron apareciendo nuevas formas musicales, también hubo nuevos requerimientos en la interpretación de las obras, de manera que fue apareciendo con más detalle y precisión la 19 La problemática con la que se encuentra la música al intentar explicarla es siempre reiterativa y se basa en que el lenguaje verbal o escrito se torna insuficiente para expresar con precisión la equivalencia de lo musical. Las palabras son siempre carentes de total sentido. En el mejor de los casos solamente se aproximan a lo que se pretende dilucidar. Por ejemplo lo que sucede con la palabra matiz es que, en este caso ha sido tomada prestada de la acepción relacionada con el arte visual y su materia prima, el color. Según la definición del diccionario, la palabra matiz es “Cada una de las gradaciones que puede rec ibir un color sin perder el nombre que lo distingue de los demás”.
Diccionario de la Lengua Española, Espasa-Calpe, 2005. De ahí que se tome la palabra matiz para referirse la interpretación musical en términos del uso del volumen o intensidad. La forma de interpretar las obras, por ejemplo se puede encontrar indicaciones como adagio apasionato, o andante con fuoco, donde se especifica el tempo pero también el carácter expresivo de interpretación.
Articulación: la articulación es un recurso expresivo que se usa en la interpretación de un instrumento musical y más específicamente en el modo en que se ejecuta el sonido. La articulación variará de acuerdo a las posibilidades técnicas que ofrezca el instrumento, no obstante es posible determinar pautas específicas para la interpretación de una obra. Estas pautas pueden encontrarse escritas en símbolos o signos que indican la manera en que debe ejecutarse, como legatto, staccato, pizzicato, etc.
El concepto más tradicional y básico de la música podemos encontrarlo aseverando que la música es el arte de combinar los sonidos de modo que resulten agradables al oído. Por otra parte también se ha dicho que la música es el arte de combinar bien los sonidos. Ambos conceptos nos llevan a pensar que, existen al menos, dos elementos comunes a este esbozo de definir la música. Pensemos en los vocablos agradable y bien que corresponden a las palabras medulares de dichos conceptos. El primero, corresponde a un adjetivo calificativo abstracto, es decir, una palabra que da cuenta de una característica o cualidad -en este caso positiva- referida al sustantivo: música. Y el segundo, corresponde a una palabra que denota perfección, que en este caso, alude al sentido de saber combinar los sonidos bajo determinadas reglas lógicas musicales preestablecidas, lo que se traduce en realizar una combinación de sonidos de forma correcta. Ambos conceptos poseen en sus respectivos vocablos, en mayor o menor grado, una significación que trasunta un halo de subjetividad, en tanto que, se tornan esquivos cuando se intenta determinar si es que los sonidos que han sido combinados resultan agradables. El grado de subjetividad se presenta cuando hacemos el pequeño ejercicio mental de pensar en las múltiples funciones que tiene la música, su variedad de usos, significados, representaciones sociales y culturales. Cabe hacernos la siguiente pregunta entonces: ¿Cómo se pude determinar si una música es agradable o si está bien hecha? Esta pregunta puede ser respondida entonces desde los diferentes paradigmas que se han construido dependiendo de las épocas, usos, significados y representaciones que la música como expresión humana soporta. Así para un oriental, una música será agradable si es que los sonidos han sido combinados de acuerdo con la escala pentatónica y el uso de sonidos cromáticos. Los ejemplos pueden ser presentados desde la perspectiva de la labor creadora de la música y de su relación geográfica-cultural como así desde su labor creadora y su relación época-cultura o desde la estética musical y su relación social-cultural. Se pueden formar múltiples binomios para articular un modelo que permita dar una respuesta a la pregunta anteriormente formulada. Ahora, si extendemos la reflexión hacia un plano más subjetivo aún, llegaremos al gusto estético individual, donde el camino se torna cada vez más sinuoso.
El concepto de arte es una construcción creada que se basa en fundamentos histórico-culturales que, según Donoso parten desde la formación de Europa Occidental que habría tomado la herencia cultural del Imperio romano3. La formación del concepto de arte, tanto en la música como en las artes en general, ha sido construida bajo paradigmas centrados en componentes estéticos, normas, convenciones, modos de creación. De éstos últimos, se desprenden algunas premisas que exponemos así: Un objeto artístico es una obra apartada para un uso estético, es decir, para ser disfrutada por su belleza. La obra de arte está instalada en un sitial especial. Antes que se hable de obra de arte, es necesario que ésta sea sometida a un juicio de valoración estética para ser llamada como tal. Se percibe a través de los sentidos y tiene un mayor o menor nivel de elementos abstractos. La música como arte entonces es un concepto mirado desde una sola perspectiva, puesto que existen otras ideas de practicar, vivir y concebir la música. Estas otras perspectivas se relacionan con las
funciones que se le atribuyen a la música. Funciones múltiples que se aprecian en la manera en que se experimenta el fenómeno musical, dependiendo del contexto social, hi stórico, geográfico o cultural en que se dé. Según las funciones que se le otorguen a la música, es posible encontrar una gran variedad de usos, tanto dentro de la propia cultura occidental como en otras culturas. La música puede ser por ejemplo: ritual, festiva, publicitaria, ambiental, etc. Todas estas funciones se encuentran fuera del concepto de la música como arte occidental, cuya manifestación es la música docta o culta. Según Blacking4, tras realizar un estudio etnográfico tomando como referente a una tribu de la cultura africana advierte que, allí la música se vivencia, se experimenta en cada persona, es decir, que existe una práctica lib re y espontánea en el “hacer música”.
Práctica que llamaríamos “composición” bajo el paradigma del arte musical docto. La manera en que
se vive la práctica musical en otras culturas, pasa a ser un modo de expresión natural y cotidiana, no privativa a un grupo de personas como ocurre según la idea occidental de la práctica musical. Dentro del paradigma de arte musical occidental se puede vislumbrar un concepto de contemplación, de observación, de goce, de admiración. Aquí la música ha sido apartada para u n uso especial, para un fin puramente estético. El acto de admirar y gustar de la belleza sonora supone una dinámica basada en tres agentes claves: un sujeto que interpreta - intérprete- la obra de otro sujeto compositor- y un tercer sujeto(s) -oyente/público- que disfruta de la interpretación. Este último acto realizado por el oyente/público es el que se llama goce estético. Ocurre una relación simbiótica entre estos tres sujetos que se necesitan mutuamente para dar una continuidad al quehacer musical. La obra musical gira en un sentido circular . Aun cuando se puede decir que el círculo parte desde el compositor, la obra musical entra en una dinámica infinita de un inicio o partida y un constante retorno. El efecto que surge tras esta dinámica de retorno produce así mismo un mecanismo reflector, en tanto que el compositor puede observarse en la interpretación de la obra, como también en la recepción de ésta lo que da
paso a que esta misma dinámica también ocurra a la inversa, es decir, desde el oyente, pasando por el intérprete hasta compositor.
El fenómeno del acto de contemplar, supone obligadamente, la existencia de un objeto de contemplación, que en este caso es la música. La música es ubicada en un centro escénico para ser contemplada y apreciada. Aquí encontramos la idea de la génesis del teatro al remontarnos a Grecia, la que a su vez, ha traspasado al corazón de Europa pues ha bebido del acervo cultural griego . La idea del teatro devela que existe uno o unos espectadores que participan observando un espectáculo, idea que fue tomada también por Roma en el circo romano.
Las artes, como la Pintura, la Escultura, la Danza, la Literatura, el Teatro o el Cine no solamente coexisten junto a la música, sino que también presentan relaciones con ésta. La música y las otras artes se distancian y convergen formando una relación heterogénea, pues por una parte, comparten la esencia de todo arte occidental que es su sentido estético, como también una Forma singular de expresión con sus propias formas de lenguaje artístico, pero por otra parte, desde sus propios materiales de construcción presentan un tipo de existencia autónoma. La complejidad de la música radica justamente en que es el tipo de arte más abstracto en relación con las otras artes. Mientras la pintura, sobre todo la clásica, realiza una imitación del mundo y por otra parte, la escultura intenta plasmar un objeto concreto, la música a lo más llega a describir, y en algunas ocasiones a representar elementos de la naturaleza5. Schopenhauer realiza una comparación entre la música y las artes al expresar que “la música no es, en modo alguno, como las otras artes una representación de las ideas sino representación de la voluntad misma, de la cual son también las ideas objetivaciones. Por esta razón, el efecto de la
música es mucho más penetrante y más poderoso que el de las otras artes: éstas no expresan más que sombras, aquella habla de realidad”. 3
Donoso, Jaime Introducción a la música en veinte lecturas p. 15
4 Blacking, John ¿Hay música en el hombre? p. 63
INTRODUCCIÓN :
Mucho de lo que aprendemos de nuestro mundo nos llega a través de nuestro sentido del oído. Oír es importante no solamente para aprender del mundo, sino también para comunicarse con otros humanos, y con los animales. La voz humana es única en su habilidad de expresar ideas abstractas. Los sonidos informan a los animales y los humanos de cosas tales como el tiempo que va a hacer, de la época del año en la que nos encontremos o de si la noche es fría y clara o la noche es calurosa y húmeda. Debido a que el sonido es algo fundamental y que está presente en nuestro día a día, es necesario comprender su funcionamiento, como podemos modificarlo y utilizarlo en nuestra comunicación. El sonido desde el punto de vista físico es una vibración que se propaga en un medio elástico. Para que se produzca sonido se requiere la existencia de un cuerpo vibrante llamado foco y un medio elástico que transmita esas vibraciones, que se propagan por él constituyendo lo que se denomina onda sonora. Una onda sonora es una onda longitudinal que transmite lo que se asocia con sonido. Si se propaga en un medio elástico y continuo genera una variación local de presión o densidad, que se transmite en forma de onda esférica periódica. Mecánicamente las ondas sonoras son un tipo de onda elástica. Las variaciones de presión, humedad o temperatura del medio, producen el desplazamiento de las moléculas que lo forman. Cada molécula transmite la vibración a las que se encuentren en su vecindad, provocando un movimiento en cadena. Esa propagación del movimiento de las moléculas del medio, producen en el oído humano una sensación descrita como sonido. Armónicos de un sonido: Son las ondas que acompañan a una frecuencia determinada y cuyas frecuencias son múltiplos de la fundamental. La presión del aire depende del movimiento de las moléculas del aire, se pueden mover por vibraciones, se juntan (mayor número de moléculas-aumenta la presión) y se separan (disminuye la presión). Toda onda se caracteriza por la longitud de onda, mide el espacio comprendido entre dos puntos de igual presión, se mide en nanómetros
Además cabe distinguir las características entre sonido y ruido, el sonido es aquello que nos produce sensación agradable, bien porque son sonidos musicales o porque son como las sílabas que forman las palabras, sonidos armónicos, que encierran cierto significado al tener el oído adecuado para ellos. Los sonidos musicales poseen ondas casi sinusoidales. Por el contrario, los ruidos, presentan normalmente gráficas carentes de periocidad y por esto producen una sensación cerebral desagradable o molesta. El silencio es la ausencia de sonido o ruido, que puede ser durante un lapso pequeño o pausa. Es la ausencia total de sensación auditiva. Sin embargo, que no haya sonido alguno, no siempre quiere decir que no haya comunicación. El silencio nos ayuda en pausas reflexivas que sirven muchas veces para tener más claridad de nuestros actos. El silencio es igual de importante que el sonido. A continuación vamos a explicar cómo se produce el sonido en los diferentes componentes: Emisor: es el cuerpo sonoro, el objeto que produce vibraciones. Objeto vibrante, cede parte de su movimiento a las partículas del medio que lo rodean. Medio: material elástico que propaga las vibraciones en forma de ondas sonoras. El sonido se propaga en medios materiales, como gases, líquidos y sólidos, no se propaga por el vacío, ya que el vacío es el reino del silencio. Sin embargo, se puede utilizar como vehículo a través del mismo a las ondas electromagnéticas, consiguiendo su difusión. Receptor: Las partículas vibrantes del medio inciden sobre un diafragma móvil, que vibrará a la misma frecuencia que la del objeto fuente. El oído recibe las ondas sonoras y las convierte en impulsos nerviosos que llegan al cerebro produciendo una sensación. Para concluir vamos a explicar los fenómenos sonoros que intervienen en la producción y recepción del sonido desde los sonidos naturales hasta la contaminación acústica. El sonido ambiental producido por el entorno y el musical, producido con intención artística. Profundizaremos en las cualidades del sonido las cuales son importantes ya que gracias a ellas podemos comprender como es el sonido y como puede modificarse cambiando alguna de las cuatro variables: timbre, tono, intensidad y duración. Por último la música, el silencio y el ruido son los tres últimos fenómenos.
CUALIDADES DEL SONIDO: Hay sonidos de todo tipo de clases: largos y cortos, fuertes y débiles, agudos y graves, agradables y desagradables. El sonido ha estado siempre presente en la vida cotidiana del hombre. A lo largo de la historia el ser humano ha inventado una serie de reglas para ordenarlo hasta construir un lenguaje musical. Las cualidades musicales y físicas del sonido son: -Altura: afinación de un sonido; está determinada por la frecuencia fundamental de las ondas sonoras (es lo que permite distinguir entre sonidos graves, agudos o medios) medida en ciclos por segundo o hercios (Hz). Para que los humanos podamos percibir un sonido, éste debe estar comprendido entre el rango de audición de 20 y 20.000 Hz. Por debajo de este rango tenemos los infrasonidos y por encima los ultrasonidos. A esto se le denomina rango de frecuencia audible. Cuanta más edad se tiene, este rango va reduciéndose tanto en graves como en agudos.
-Duración: es el tiempo durante el cual se mantiene un sonido, está determinada por la longitud, que indica el tamaño de una onda, que es la distancia entre el principio y el final de una onda completa (ciclo); según esto podemos decir que por duración los sonidos pueden ser largos o cortos.
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-Intensidad: equivale a hablar de volumen, un sonido puede ser fuerte o débil. Es la cantidad de energía acústica que contiene un sonido. La intensidad viene determinada por la potencia, que a su vez está determinada por la amplitud y nos permite distinguir si el sonido es fuerte o débil.
-Timbre: es la cualidad que permite reconocer la fuente emisora del sonido, por ejemplo, entre la misma nota (tono) con igual intensidad producida por dos instrumentos musicales distintos. Se define como la calidad del sonido. Cada cuerpo sonoro vibra de una forma distinta y por ellos las diferencias se dan no solamente por la naturaleza del cuerpo sonoro, sino también por la manera de hacerlo sonar.
CUALIDAD
CARACTERÍSTICAS
Altura
Depende de la frecuencia de onda
Duración Intensidad Timbre
Depende de la longitud
De onda. Depende de la amplitud De onda. Depende de los armónicos que dan Forma a la onda.
RANGO Agudo, medio y Grave.
Largo o
MEDIDA En vibraciones
por segundo o Hertzios. En segundos.
Corto.
Fuerte y Débil.
Fuente emisora del
Sonido.
En decibelios.
ALTURA O TONO: Está determinado por la frecuencia de la onda. Medimos esta cualidad del sonido en ciclos por segundo o Hercios (Hz). Para que percibir los humanos un sonido, éste debe estar comprendido en la franja de 20 y 20.000 Hz. Si se encuentra por debajo tenemos los infrasonidos y por encima los ultrasonidos. -Tono y frecuencia: aunque entre los dos términos exista una muy estrecha relación, no se refieren al mismo fenómeno. -Tono: es una magnitud subjetiva y se refiere a la altura o gravedad de un sonido. -Frecuencia: es una magnitud objetiva y mensurable referida a formas de onda periódicas. -Dependiendo de cuantas vibraciones por segundo haya, el sonido puede ser: -Agudo: la altura es más elevada y por ello tiene una frecuencia mayor, más vibraciones por segundo. La frecuencia de estos sonidos agudos oscila entre 2.000 y 4.000 Hz. Grave: la altura es más baja y por ello su frecuencia es menor, menos Vibraciones por segundo. La frecuencia de los sonido graves se encuentra entre los 125 y los 250 Hz. -Medios: entre los sonidos agudos y los graves, cuya frecuencia de oscilación está entre los 500 y los 1.000 Hz.
¿Por qué hay sonidos agudos y sonidos graves? La música clásica ha clasificado a los sonidos en graves como de baja frecuencia, pero lo curioso de estos sonidos es que no se ha establecido un margen de audiofrecuencia determinado para ellos, no es posible nombrar una nota grave de cierto número de vibraciones, pero sí se le puede dar magnitudes más o menos graves. No se le puede clasificar en un rango. Para el sonido agudo se ha establecido una medida de frecuencia pero no ha sido posible determinar el punto medio ni el momento en el que hace frontera con los sonidos graves. *Algunos instrumentos y sonidos son graves, violonchelo, rugido de un león, cisterna, tormenta, claxon de un camión o tambor... mientras que el violín, campana, canto de pájaros, fagot, clarinete, cascabel... son ejemplos de sonido agudos.
-Las constantes características de cada sonido son: la frecuencia y la longitud de onda, las cuáles están relacionadas con la velocidad de propagación del sonido en el medio correspondiente. Como la V es constante, a medida que aumenta la frecuencia disminuye la longitud de onda y si disminuye la frecuencia aumenta la longitud de onda debido a que el producto de ambas tiene que ser constante. -Las frecuencias de las ondas cerebrales: están estrechamente relacionadas con la actividad fisiológica de nuestro organismo, ya que todo lo que conocemos en el mundo físico está compuesto por átomos que vibran a determinadas frecuencias. En las últimas décadas la física cuántica ha revelado mucha información sobre la realidad y ha contribuido enormemente a entender otros conceptos médicos que son estudiados en neurobiología, psiquiatría y otros departamentos de investigación. Es sorprendente que la población conozca ya muchos métodos médicos basados en la aplicación de ondas, foto depilación, litotricia o la terapia fotodinámica contra determinados cánceres de piel.
El poder de las ondas electromagnéticas está presente en todo momento y está siendo continuamente estudiado por diversos institutos de reconocimiento, departamentos universitarios y actividades destinadas a nivel militar. -Por último unos términos a recordar: -Ondas cerebrales: frecuencias asociadas a los diferentes estados mentales. -Frecuencias curativas: representan las frecuencias solas o combinadas que podrían usarse para curar diferentes tipos de enfermedades o estimular alguna región concreta del cuerpo, activación de las chacras. Para el uso de este tipo de frecuencias se usan dispositivos que generan campos electromagnéticos e instrumentos que generan vibraciones e incluso sonidos.
En este espacio donde hablamos de frecuencia nos adentraremos en el término de escalas y algunas características de estas CLASIFICASIÓN DE LAS ESCALAS MUSICALES EN FUNCION AL NÚMERO DE NOTAS QUE POSEA:
Escala o modo musical constituido por una sucesión de un solo sonido, altura o nota dentro de una octava. Es la música en su forma más simple, en donde el ritmo cobra una significativa importancia, siendo este quien enriquece la interpretación. Distribución Liturgia cristiana primitiva: con el tiempo la variación en la nota en la recitación litúrgica, condujo al desarrollo del canto llano. .Cultura Maorí (en Oceanía): en los servicios cristianos del maorí en Auckland, Nueva Zelanda, los diez mandamientos y los salmos se cantan en un estilo responsorial llamado waiata “canción”, con canto mono tónico que va alternando entre el ministro y la congregación. Parte de la congregación puede cantar en un intervalo de 3ª encima los demás, y en ocasiones unas pocas de las mujeres añadirán una 4ª por debajo, originando una constante tríada en segunda inversión. El final de cada frase está marcado por un glissando descendente. ESCALA BITÓNICA:
Escala o modo musical constituido por una sucesión de dos sonidos, alturas o notas diferentes dentro de una octava. Esta clase de escalas de dos tonos se han encontrado casi exclusivamente en los complejos cantos con ostinato.
.Estas escalas no son habituales en la música académica contemporánea y se suelen relacionar con la música primitiva y en las canciones infantiles. .Distribución: .África: en la música tradicional nigeriana. .Norteamérica: En las tribus Modoc y Klamath de la costa oeste norteamericana. .En las Grandes Llanuras en los rituales de la religión Danza de los espíritus (Ghost Dance) de la década de 1800. .En la música de los Shawnee. .Perú: la música del pueblo Shipibo del Amazonía del Perú. .India: las escalas diatónicas se les denomina Dvisvara (dos tonos), pero no son reconocidas como escalas raga. .Vietnam: La poesía folclórica cadao de Vietnam, que se suele cantar en escalas diatónicas. .Rusia: en la música del pueblo Mari o Cheremises, emplea escalas diatónicas en las canciones infantiles, generalmente con las dos notas situadas a una distancia de 3ª menor. También utilizan escalas pentatónicas y tetra tónicas. .Cultura Maorí (en Oceanía): Las escalas tritónicas son las más frecuentes entre las tribus maorí, seguido de lastetratónicas y las escalas diatónicas. ESCALA TRITÓNICA:
Escala o modo musical constituido por una sucesión de tres sonidos, alturas o notas diferentes dentro de una octava. Estas escalas no son habituales en la música académica contemporánea y se suelen relacionar con la música primitiva. .Distribución .Sudamérica: La herranza, música ritual prehispánica de los Andes, generalmente es tritónica. Está basada en una tríada mayor y se interpreta con la trompeta wakrapuku, violín y cantante con un tambor tinya. La escala tritónica se limita principalmente a este ritual y aparece también en algunas músicas de Carnavaldel sur del Perú. .India: Los primeros himnos hindúes Rig-veda eran tritónicos, ya que eran cantados en tres tonos sin octava: Udatta, Anudatta y Swarita.
Las tribus primitivas tocan música diatónica, tritónica y tetratónica caracterizada por no tener un ritmo regular. .Cultura Maorí (en Oceanía):Las escalas tritónicas son las más frecuentes entre las tribus maorí, seguido de las tetratónicas y las escalas diatónicas. ESCALA TETRATÓNICA :
Escala o modo musical constituido por una sucesión de cuatro sonidos, alturas o notas diferentes dentro de una octava. Las escalas tetratónicas no son habituales en la música académica contemporánea y se suelen relacionar con la música primitiva. Distribución: .Ghana: en el grupo étnico Lobi, predomina el xilófono y la afinación de algunos de ellos se lleva a cabo conforme a una escala tetratónica. .Este de Uganda: los Gwere usan el tongoli, un arpa de seis cuerdas, afinada conforme a una escala tetratónica en la que todos los intervalos son prácticamente iguales, que suenan como una cadena de 3as menores. .Indios norteamericanos .En las Culturas nativas de las Grandes Llanuras de Norteamérica; estas eran menos habituales que las escalas pentatónicas. .Los Arapajó, Pies negros, Crow, Omaha, Kiowa, Pawnee, Sioux Y algunos pueblos indígenas de Plateau, en especial los Flathead, usaban las escalas tetratónicas y pentatónicas heptatónicas (no incluyen semitonos). .La música del pueblo Creek, en la región de la Gran Cuenca entre los Washo, Ute, Paiute y Shoshone. .El pueblo Navajo también utilizó las pentatónicas y tetratónicas, y ocasionalmente las escalas tritónicas. .Los Inuits ,distintos pueblos esquimales que habitan las regiones árticas de América y Groenlandia conocían la música tetratónica. .India: las escalas tetratónicas, al igual que las tritónicas, era empleadas con frecuencia por pueblos tribales de laIndia, como los Juang y Bhuyan del estado de Orissa. .Europa occidental: Junto con las pentafonas, son comunes en el repertorio tradicional joik del pueblo ártico Europeo Sami o Lapón (Laponia). La música tradicional de la región de Peloponeso de Grecia es una mezcla de elementos cristianos, albaneses y valacos, que emplea escalas tetratónicas, pentacordales y pentatónicas.
.Rusia: La cultura musical del pueblo Mari o Cheremises del Volga finés del centro de Rusia, era fundamentalmente pentatónica, no obstante utilizaban escalas tetratónicas . .Cultura Maorí (en Oceanía): Las escalas tritónicas son las más frecuentes entre las tribus maorí, seguido de las tetratónicas y las escalas diatónicas. .Música de tradición escrita o academico como ejemplo, se tiene la obra minimalista Reed Phase creada por Steve Reich en 1966, que se fundamenta en una célula de tan solo cinco notas o "unidad básica", que se repite constantemente a lo largo de toda la obra. ESCALA PENTATÓNICA, PENTAFÓNICA O PENTÁFONA:
Escala o modo musical constituido por una sucesión de cinco sonidos, alturas o notas diferentes dentro de una octava. Estas escalas son prácticamente omnipresentes en todas las culturas y prácticas musicales del mundo. La escala pentatónica desempeña un papel significativo en la educación musical, sobre todo en las metodologías pedagógicas de Orff, Kodály y Waldorf en los niveles de educación elemental y primaria.Estos métodos usan instrumentos pentatónicos y otros como xilófonos, campanas y demás metalófonos, que utilizan placas de madera, de metal o campanas que pueden ser retiradas por el docente dejando únicamente los correspondientes a la escala pentatónica. El uso de la escala pentatónica contribuye al desarrollo de la creatividad a través de la improvisación en los niños, ya que la naturaleza de esta escala implica que es imposible para el niño cometer ningún error armónico. ESCALA HEXATÓNICA, HEXÁTONA O HEXÁFONA:
Escala o modo musical constituido por una sucesión de seis sonidos, alturas o notas diferentes dentro de una octava. .Escala de tonos enteros (Whole Tone): Se asocia principalmente con el compositor impresionista francés Claude Debussy, quien la usó en piezas como Voiles y Le vent dans la plaine, ambas de su primer libro de piano Préludes pour piano. Se usa de forma esporádica en el jazz ("In a Mist" de Bix Beiderbecke, el pianista de bebop Thelonious Monk) Escala Prometeo: Recibe su nombre debido a su uso destacado en el poema sinfónico de Alexander Scriabin Prometheus: El Poema del Fuego. do fa ♯ si mi la re, el “acorde místico o acorde prometheus”. .Escala de blues .Escala Tritono .C, Db, E, Gb, G, Bb (1 b2 3 #4 5 b7) ( ½-1½-1-½-1½-½):
Es una escala simétrica y equivale enarmónicamente al “acorde de Petrushka”, C, C#, E, F#, G, A#. ESCALA HEPTATÓNICA O HEPTÁFONA:
Escala o modo musical constituido por una sucesión de siete sonidos, alturas o notas diferentes dentro de una octava. .Escalas diatónicas (mayor y menor natural, armónica y melódica) .Escala magiar, 2 bizantina, húngara, gitana o egipcia, etc. .En la música carnática del sur de la India establece 72 melakarta o tipos de escalas de siete tonos. .En la música clásica indostaní postula 12 o 10 Thaat o tipos de escalas de siete tonos. ESCALA OCTATÓNICA:
Escala o modo musical constituido por una sucesión de ocho sonidos, alturas o notas diferentes dentro de una octava. Las escalas octatónicas son modos de transposición limitada, en concreto los modos según los conforme a Olivier Messiaen. .Escala disminuida o simétrica disminuida: Puede ser concebida como una combinación de dos acordes de séptima disminuida entrelazados. Escalas nonatónica (9 sonidos), decatónica (10 sonidos), undecatónica (11 sonidos) y dodecafónico o cromática (12 sonidos).
Las Escalas Musicales
> Introducción > El origen de la escala musical > El nombre de las notas musicales > La Escala Natural > La Escala Pentatónica > La Escala Diatónica > La Escala Cromática o Temperada > Otras escalas
Introducción
https://www.lpi.tel.uva.es/~nacho/docencia/ing_ond_1/trabajos_05_06/io2/public_html/escalas.ht ml Como ya se ha comentado antes, todos los sonidos generados por la naturaleza, inclusive los generados por la vibración de cualquier elemento como puede ser una cuerda de una guitarra, o el aire que pasa dentro de los tubos de un instrumento de viento, además de la frecuencia principal que generan, producen armónicos, generalmente con volumen más bajo, y guardan una relación matemática con el sonido principal, esta relación es el doble de la frecuencia del sonido principal, el triple, cuatro veces la frecuencia del sonido principal, etc.. Es esta la razón por la cual el oído humano, junto con el cerebro, han evolucionado de forma tal, que al escuchar los sonidos cuyas frecuencias están en la proporción simple (2/1, 3/2, 4/3, etc.), los reconoce como un sonido agradable. La variedad de tonos que nuestro oído es capaz de percibir es muy elevada, estando acotada tan sólo por los límites de sensibilidad de nuestro sistema auditivo, normalmente desde los 20hz hasta los 20.000hz. Teniendo en cuenta que el oído humano puede diferenciar sonidos con 1hz de diferencia, bien podríamos tener una cantidad ingente de notas en nuestra escala musical. Ahora bien, de este espectro sonoro es preciso elegir ciertas frecuencias o tonos con las que podamos disponer de un conjunto de sonidos que permitan la construcción de las melodías. Del mismo modo que un pintor requiere unos determinados colores en su paleta para hacer sus cuadros, el músico necesita una escala musical concreta con la que componer y ejecutar su música. La gama usual de frecuencias de los sonidos musicales, es considerablemente más pequeña que la gama audible, siendo el tono más alto de un piano el de frecuencia 13.186 Hz, este valor podemos considerarlo como el límite superior de los tonos fundamentales.
El origen de la escala musical En música, al emitirse dos o más sonidos simultáneos, se dice que se produce un " acorde", que puede ser "consonante" o "disonante", según que la sensación experimentada sea agradable o desagradable, cuando la sensación agradable es producida por una sucesión de sonidos, entonces se tiene una "melodía". La experiencia enseña que la sensación producida no depende de los valores absolutos de las frecuencias de los sonidos, sino de la relación entre ellas, es decir, del intervalo (cociente de las frecuencias, tomando siempre como numerador la mayor frecuencia), siendo esta sensación tanto más agradable, cuanto más sencillo sea el intervalo entre los dos sonidos. Como vemos, la melodía consiste en la elección y número de notas que componen un período musical, por ejemplo en las obras de tipo orquestal, la melodía es interpretada por el solista, siendo acompañado por el resto de la orquesta que proporciona la armonía. El lenguaje empleado en música contiene una serie de expresiones cuyo significado físico interesa conocer, como por ejemplo: a) tesitura (tono de un sonido); b) color (características propias del timbre); c) crescendo y descreyendo (intensidad de un sonido que aumenta o disminuye); d) fuerte, piano, pianísimo (máxima intensidad que puede producirse, sonido suave y muy suave); el trémolo (producir una nota de frecuencia fundamental inferior a los 16 Hz, aunque rica en armónicos); f) vibrato (variaciones rápidas y pequeñas en el tono de una nota). La escala actual (escala occidental) es el resultado de un largo proceso de aprendizaje de las notas. Los pitagóricos construyeron un aparato llamado monocordio que se componía de una tabla, una cuerda tensa y una tabla más pequeña que se iba moviendo por la grande.
Monocordio
Los pitagóricos observaron que haciendo más o menos larga la cuerda (moviendo la tabla móvil) se producían sonidos diferentes. Entre estos sonidos escogieron algunos que eran armoniosos con el sonido original (cuerda entera). La figura representa a Pitágoras estudiando las relaciones entre la tensión de las cuerdas y el sonido para una longitud igual de las mismas. Se trata de un grabado del libro "Theorica Musicae", de Franchino Gaffurio (Biblioteca Trivulziana-Milán).
En la música es muy importante la relación que existe entre la frecuencia de los distintos sonidos, a esta relación se le llama intervalo. Los intervalos musicales pueden medirse en términos de la relación de frecuencias de los sonidos, aunque en música
reciben nombres propios cuya correspondencia física depende del tipo de escala utilizada.
Los más importantes, por su simplicidad y su importancia a la hora de construir la escala musical, son:
La octava. Cuando la cuerda medía un medio
del total, el sonido se repetía, pero más agudo. La octava es lo que correspondería a un salto de ocho teclas blancas del piano; o mejor dicho, una octava es la repetición de un sonido con una cuerda con la mitad de longitud, por tanto, otra nota armoniosa. Su frecuencia es doble. La quinta es otro intervalo entre notas que se obtiene con una cuerda de largura dos tercios de la inicial. Su frecuencia es de tres medios del sonido inicial. Corresponde a un salto de cinco teclas blancas en un piano. La cuarta es, como las anteriores, otro intervalo entre notas que se obtiene con una cuerda de largura tres cuartos de la inicial. Su frecuencia es cuatro tercios de la nota inicial.
Así, a partir de un sonido original obtenemos diferentes notas armoniosas. Haciendo un pequeño esquema nos aclararemos mejor:
Nota
Original Octava justa Quinta mayor Cuarta justa Tercera mayor Tercera menor
Frecuencia Long. cuerda F
L
2f
1/2·L
3/2·f
2/3·L
4/3·f
3/4·L
5/4·f
4/5·f
6/5·f
5/6·f
Si suponemos que la nota inicial es el do, entonces, la octava, quinta y cuarta son las notas:
Nota base Cuarta Quinta Octava Do Fa Sol Do (1 octava más alta) Que corresponden a la cuarta, quinta y octava notas respectivamente de la escala diatónica (las teclas blancas del piano), que veremos un poco más adelante. Se puede definir un etalón como una nota estándar de la cual podemos derivar todas las otras notas. Para entender como es la relación entre las notas musicales y como se definieron estas a través de los años, vamos a establecer una primera nota fundamental o estándar que será la nota de La central que tiene una frecuencia de 440 Hz. Aquí podemos ver dos dibujos con un fragmento de las teclas del piano con el nombre que reproduce su nota musical, además se encuentra la frecuencia que produce esa nota musical.
En estos esquemas se puede ver que las teclas forman grupos de 12 (7 blancas y 5 negras), y estos grupos se repiten de izquierda a derecha. Cada ocho teclas blancas se cierra un grupo y se abre otro, y la distancia musical entre esas teclas se llama octava (normalmente se llama octava también el mismo grupo de 12 teclas), y su escala es igual a 2:1 - esto es, la frecuencia de la misma nota de siguiente octava es el doble, y la de octava anterior es la mitad. La distancia de dos octavas le corresponde a la relación de frecuencias de 4:1, tres octavas 8:1 etc.: para sumar distancias tenemos que multiplicar las relaciones de frecuencias. La nota "La" (o "A") es la nota de etalón - su frecuencia es 440 Hz. Esta ordenación de los sonidos musicales ha sido fruto de un largo proceso. Desde la elección de un sonido base, a partir del cual construir el resto, a la determinación del intervalo que hay entre una nota y la siguiente. Así, una escala es una serie de notas ordenadas de forma ascendente o descendente, donde a la primera de las notas se la llama tónica. El nombre de las notas musicales
El italiano Guido de Arezzo, (995-1050), en plena Edad Media, - en el año 1026 -introdujo el pentagrama e inventó la escritura de las notas, (do, re, mi, fa, sol, la). Arezzo, para crear su escala musical, utilizó la primera sílaba de cada verso de un himno dedicado a San Juan, que se atribuye a Paulo Diácono y que decía:
Ut queant laxis Resonare libris Mira gestorum Famuli tuorum Solve polluti Labii reatum Sancte Joannes
Más tarde, por las dificultades para cantar, el ut se cambió por do. Pero debieron transcurrir cinco siglos, hasta el XVI, para que se completara la escala musical, tal como hoy la conocemos. Se recurrió al mismo himno que Arezzo había utilizado en el siglo XI, y con las iniciales de San Juan que, por entonces, se escribía Sante Ioanes, y se formó la séptima nota - SI - y la octava fue la repetición del Do. Actualmente también se utilizan las letras A, B, C, D, E, F, G para designar las notas musicales. Las denominaciones más comunes de los sonidos son Inglés:
CDEFGAB
Alemán:
CDEFGAH
Español, italiano y francés:
Do Re Mi Fa Sol La Si
Estas son las 7 notas de la escala diatónica. De cualquier forma, en una octava se utilizan 12 notas (las de la escala cromática). Las 5 notas restantes se simbolizan añadiendo a la derecha el carácter # (sostenido) o b (bemol). La Escala Natural
Tomando como base la frecuencia 55Hz (que en la escala musical es el LA más grave del piano) y a esta frecuencia la multiplicamos por 2, luego por 3 y así sucesivamente, obtendremos distintas frecuencias, que además constituyen distintas notas musicales. A estas frecuencias las colocaremos en una tabla y asignaremos su equivalente nota musical.
1ª Octava 55 2ª Octava 110 3ª Octava 220 4ª Octava 440 495 5ª Octava 880 La Si A B
165 275 330 385 550 605 660 715 770 825 Do Re Mi Fa Sol C D E F G H
Observamos que la primera octava tiene sólo una nota que tiene la frecuencia 55hz, la segunda octava tiene dos notas con las frecuencias 110hz y 165hz, la tercera octava cuatro notas con las frecuencias 220hz, 275hz, 330hz y 385hz, y la cuarta octava tiene ocho frecuencias, o sea, ocho notas. Estamos frente a una octava completa natural. Ahora vamos a calcular las distancias entre las notas:
440 8:9 495 9:10 550 10:11 605 11:12 660 12:13 715 13:14 770 14:15 825 15:16 880 A4 B4 C5 D5 E5 F5 G5 H5 A5 1:1 9:8 5:4 11:8 3:2 13:8 7:4 15:8 2:1 En las celdas superiores intermedias se indica la distancia entre las frecuencias vecinas, y en las celdas inferiores, la distancia con respecto a la frecuencia principal, que en n uestro ejemplo es 440 Hz. La numeración de octavas (4ª o 5ª) corresponde al estándar contemporáneo.
El producto de todas las relaciones intermedias es igual a 2, esto es, a una octava. La escala que acabamos de construir se conoce como escala natural. La distancia musical entre la nota principal (La 55 Hz) y la segunda armónica (La 110 Hz) es 2/1(octava). La distancia musical entre la segunda armónica (La 110 Hz) y la tercera armónica (Mi 165 Hz) es 3/2 (quinta), como entre las notas A4 y E5 La distancia entre la tercera armónica (Mi 165 Hz) y la cuarta armónica (La 220 Hz) es de 4/3 (cuarta), como entre las notas E5 y A5.
La Escala Pentatónica Los músicos antiguos, que no tenían el concepto de escala natural, intuitivamente ajustaban (afinaban) las cuerdas (o en el caso de instrumentos de viento, adecuaban su longitud y grosor, distancia entre agujeros, etc.) de manera que produjeran un sonido lo más agradable posible para el oído humano. Dentro de una octava, la combinación de sonidos más pura es la quinta, es decir, el intervalo musical entre dos notas cuyas frecuencias se relacionan como 3:2. (En nuestro ejemplo, estas notas son A y E) Al escoger como la base la nota A4, iremos dos quintas arriba y abajo, tenemos la siguiente serie de 5 sonidos: 195.5556, 293.3333, 440, 660, 990 Estas frecuencias están más cerca de las notas: G3, D4, A4, E5 y B5. Vamos a transportarlas a la misma octava (multiplicando o dividiendo por 2 cuando sea necesario) y calcular las distancias entre las notas:
293.33 8:9 330.00 27:32 391.11 8:9 440.00 8:9 495.00 27:32 586.67 D4 E4 G4 A4 B4 D5 La distancia de 9/8 se llama tono (T). La distancia de 32/27 es igual a 1.5 tonos (TS). Esta serie de cinco intervalos musicales, T-TS-T-T-TS se llama escala pentatónica, y el sistema musical en que se usa esta escala, se llama pentafonía. La pentafonía se usa en la mayoría de los sistemas musicales tradicionales, ya que es la escala más simple e intuitiva.
Cabe mencionar que se puede escoger como base cualquiera de las 12 notas del piano y construir una escala pentatónica. Por ejemplo, las cinco teclas negras forman precisamente una pentafonía. Se sabe que los Egipcios ya conocían y aplicaban la escala pentatónica. El famoso mural en el palacio de Asshurbanipal's representa la orquesta de la corte Elamita. En este mural se puede observar que están tocando una armonía simple basada en las quintas (Curt Sachs, The Rise of Music in the Ancient World: East and West , first edition [W.W. Norton, 1943]).
La Escala Diatónica
Ya sabemos que dos notas de una quinta producen juntas un sonido agradable. Dentro de la quinta, se encuentra un sonido más formando un triplete en que las frecuencias se relacionan como 4:5:6. Este triplete se llama armonía. La escala natural tiene una sola combinación armónica, las notas A-CE. Al descubrir la armonía, los músicos antiguos empezaron a afinar sus instrumentos de manera que toda la escala musical fue compuesta de armonías continuas, como esta:
352 4:5 440 5:6 528 4:5 660 5:6 792 4:5 990 5:6 1188 F4 A4 C5 E5 G5 B5 D6 Vamos a construir una octava y calcular la distancia entre las notas vecinas:
264 297 330 352 396 440 495 528 8:9 9:10 15:16 8:9 9:10 8:9 15:16 C4 D4 E4 F4 G4 A4 B4 C5 do re mi fa sol la si do Esta serie de notas o distancias entre ellas se llama escala diatónica. La distancia de 9/8 es un tono, la distancia de 10/9 está muy cerca y se llama tono menor, y la distancia de 16/15 es aproximadamente igual a una mitad del tono, y se llama semitono. La serie de tonos (T) y semitonos (S): T-T-S-T-T-T-S, donde el semitono es el tercer intervalo, se llama tonalidad mayor. Para construir una tonalidad menor tenemos que iniciar esta secuencia desde la nota A: T-S-T-T-S-T-T. Aquí el semitono es el segundo. La diferencia entre estas tonalidades ya había sido descubierta por los músicos antiguos: la misma melodía tocada en tonalidades diferentes (mayor o menor), tiene un carácter diferente, lo que permite expresar sentimientos mediante la variación de la tonalidad de la música. Las canciones que usan una tonalidad mayor son alegres y vivaces, mientras que las que usan una tonalidad menor son tristes y melancólicas.
Como un ejemplo ilustrativo, podemos escuchar este fragmento de una balada folklórica rusa «No es de noche» en la tonalidad de «Sol menor» (Gm)
La misma melodía tocada en la tonalidad de «Do mayor» (C) tiene un carácter mucho más alegre y optimista:
Otra vez, podemos escoger como base para construir una tonalidad, cualquiera de las 12 notas, 24 diferentes en total. Estas tonalidades llevan el nombre de la nota principal y la palabra "mayor" o "menor", por ejemplo, «Do mayor» o C, «La menor» o Am, etc. A continuación indicamos las distancias de las notas en una tonalidad mayor respeto a la nota principal y sus nombres:
264 297 330 352 C4 D4 E4 F4 1 9:8 5:4 4:3 primera segunda tercera cuarta
396 G4 3:2 quinta
440 495 528 A4 B4 C5 5:3 15:8 2 sexta séptima octava
La Escala Cromática o Temperada
Al descubrir las tonalidades, los músicos antiguos quisieron tener la posibilidad de pasar libremente entre ellas. Evidentemente, para hacerlo, se necesitan construir escalas mayores y menores
comenzando con cada una de las siete notas que tenemos. Los resultados de esos cálculos están presentados en la siguiente tabla: A Am B Bm C Cm D Dm E Em F Fm G Gm
264.00
264.00 264.00 267.30 264.00 264.00 264.00 264.00 267.30 C
275.00 293.33 297.00 278.44 278.44 297.00 297.00 297.00 278.44 297.00 297.00 275.00 297.00 293.33 281.60 297.00 297.00 D
330.00 366.67 330.00 352.00 396.00 309.38 330.00 371.25 334.13 371.25 396.00 330.00 352.00 396.00 316.80 356.40 396.00 334.13 371.25 396.00 334.13 356.40 400.95 309.38 330.00 371.25 330.00 371.25 396.00 330.00 352.00 396.00 316.80 352.00 396.00 330.00 371.25 396.00 316.80 356.40 396.00 E F G
412.50 440.00 440.00 412.50 445.50 440.00 422.40 445.50 445.50 412.50 440.00 445.50 440.00 422.40 445.50 445.50 A
495.00 495.00 464.06 495.00 495.00 495.00 475.20 495.00 475.20 495.00 495.00 469.33 475.20 495.00 475.20 B
Esta tabla tiene 25 sonidos diferentes (18 nuevos). Y esto no es todo, porque cada uno de esos nuevos sonidos puede engendrar su propia escala, tanto mayor como menor - ¡la octava al final va a tener cerca de 100 notas! Sería sumamente difícil tocar un instrumento de tantas teclas. Los griegos antiguos hicieron un compromiso: introducir notas "extra" sólo donde el intervalo entre las notas vecinas sea un tono entero (C-D, D-E, F-G, G-A, A-B), de manera que la distancia mínima dentro de una octava sea igual a un semitono. Como resultado de esto, las notas adicionales obtenidas ocupan las posiciones donde se encuentran las teclas negras del piano. Pitágoras propuso derivar todas las 12 notas de puras quintas (de la misma manera que nosotros lo hicimos para construir una escala pentatónica). Vamos a empezar otra vez con la nota A4 que tiene la frecuencia de 440Hz, pasar quinta a quinta 6 veces arriba, sucesivamente multiplicando la frecuencia por 3/2, y 6 quintas abajo, dividiendo por 3/2:
38.63 57.94 86.91 130.37 195.56 293.33 440.00 660.00 990.00 1485.00 2227.50 3341.25 5011.88 D#1 A#1 F2 C3 G3 D4 A4 E5 B5 F#6 C#7 G#7 D#8
La primera y la última nota de esa escala es la misma nota D#, aunque de diferentes octavas, la D#8 está a siete octavas arriba del #. Aquí surge un problema: en esta escala no es posible pasar directamente de D#1 a D#8 octava a octava (multiplicando por 2 la frecuencia). Las 7 octavas no son iguales a las 12 quintas. Esta discrepancia (que es igual a (3/2) 12 : 27 = 1.013643 aproximadamente, o sea, 0.2346 de semitono) lleva el nombre de coma pitagoreana. Si queremos preservar pura la quinta, tenemos que cambiar la octava, que es una distancia aún más fundamental en la música. La última reforma musical fue inspirada por un organista alemán, Andreas Werckmeister, a fines del siglo XVII. Él propuso hacer todos los semitonos iguales. El problema planteado así tiene una única solución: la distancia musical entre cada una de las notas vecinas debe ser igual a la raíz doceava de 2, o sea, 21/12. Este sistema por lo general se denomina sintonización bien temperada o temperamento igual. La escala de 12 semitonos iguales se llama escala cromática. Cada semitono a su vez se divide en 100 partes iguales que se llaman centavos de semitono. El temperamento asimismo altera la quinta, que llega a ser un poco más corta, y modifica también las demás distancias
naturales, quedando pura únicamente la octava. Las ventajas obtenidas son evidentes: ahora se puede pasar libremente entre tonalidades, y de esta manera, se logró eliminar la coma pitagoreana. Finalmente vamos a comparar la escala natural, la escala pitagoreana y la escala cromática: Natural 275.00 302.50 330.00 357.50 385.00 412.50 440.00 495.00 Pitagoreana 260.74 278.44 293.33 309.03 330.00 347.65 371.25 391.11 417.66 440.00 463.54 495.00 Cromática 261.63 277.18 293.66 311.13 329.63 349.23 369.99 392.00 415.30 440.00 466.16 493.88 C C# D D# E F F# G G# A A# B
Para calcular la frecuencia de cada nota en la escala cromática, dada su escala (a cuantas teclas está de la nota de etalón La), se usa la siguiente fórmula: Fi = 440 * 2 i /12 Aquí esta la escala o la distancia de la nota de etalón. Si es negativa, la tecla está a la izquierda. Ejemplo: la frecuencia de la nota Do (que está 9 teclas a la izquierda) es: 440 * 2 -9/12 = 261.63
Otras Escalas (para escuchar recurrir a carpeta especificada)
Hemos hablado de algunas escalas, pero en el mundo no occidental existen otras. Como ejemplos podéis ver tres escalas diferentes. En el gráfico se representa el intervalo entre una nota y la siguiente, si hacéis clic sobre ellas las podréis escuchar.
Mapa de los intervalos
Nombre Escala temperada
Escala Diatónica
Shree
- India
Sorog
- Bali
Hirajoshi
- Japón
Teoría musical india Admite la presencia de la “saptaka”: conjunto de siete intervalos, que simboliza el ciclo completo de sonidos. En esa sucesión de sonidos se reconocen 7 notas principales “svaras” o grados, cuyos nombres son:
Sa – ri – ga - ma – pa – dha – ni A su vez, la octava se encuentra dividida en veintidós srutís o shrutís (grados microtonales) o cuartos de tono, como lo podemos apreciar en la escala hindú sagrama.
Los srutís se agrupan en conjuntos de dos, tres o cuatro notas, que dan origen a otras escalas (grama).Existen dos escalas fundamentales de 7 notas (Sampurna = completas) que poseen variantes de seis (shadava) y cinco notas (audava). De Sa-grama y Ma-grama se pueden formar o derivar 7 modos de cada una, llamadas “murcchanas” (prolongaciones). Siete de ellas, se consideran fundamentales para formar parte de estructuras más complejas “jatis” que se
pueden interpretar como especies o géneros. En la práctica, se la califica como célula germen melódica, a semejanza de los modos o tropoi griegos. Ragas: son jatis elaborados. Melodía tipo que posee las siguientes características: Emplea los dos tetracordios está definido por su escala particular, (cuyo descenso puede ser diferente a su ascenso) , por la intención que se le da a una nota señalada (vadi), a su 4ª y a su 5ª por la frecuencia de ciertas notas e intervalos por un giro melódico c aracterístico por el ámbito (tesitura) por el movimiento y relación existente entre las notas, que incluyen los gamakas (ornamentos = trinos, ecos, mordentes , etc) puede traducir diferentes matices de pensamiento y de sentimiento.Se menciona por primera vez por Matamga (s.VIII). Tala: cada raga se asocia con un tala (medida de tiempo).Un tala puede servir para diferentes ragas. Un tala cuenta con un número de tiempos de compás (matras) la velocidad de estas partes del compás está determinado por su duración (laya) puede ser lento (vilambita), medio (madhya) o vivo (druta). Ejemplo: el tala triputa tisra del sur de la India está constituido por 3 + 2 +2 La estructura matemática se halla integrada por la velocidad (tempo), el compás y el metro. Facilitan un intercambio entre la acción de la voz y el tambor, o de un instrumento y el tambor. el canto se desarrolla en tres secciones principales: alapa, preludio en tiempo libre y lento; luego sigue una estrofa que anuncia el tema y el sentimiento de la canción; por último se une el tambor que establece el tala. Kharaja “pedal”.
Raga y Tala se complementan con otro término kharaja, so nido mantenido o nota “pedal”que se caracteriza por el centro tonal y actúa de guía en toda la obra. Su origen se atribuye al ámbito popular (gaita), el pedal en la música clásica, hacia el siglo IX, se observa en el tambura (laúd de mástil largo, sin trastes). La afinación es: 5ª, 8ª, 8ª, fundamental; en algunos ragas: 4ª, 8ª, 8ª, fundamental. La ejecución pone en práctica una combinación del arte melódico y rítmico. Los tres elementos tónica = al tambura, Raga = pertenece a la voz y al instrumento, Tala = a los tambores y a las manos que baten.
En la vina se combinan los tres, ya que posee cuerdas – melodía y cuerdas – pedal.
El músico tradicional indio, llega a aprender unos cincuenta ragas y a dominar musicalmente una serie de fórmulas, que le permitirá improvisar en cualquier momento. Una característica a tener en cuenta en la evolución histórico-musical de la cultura india, es la polirritmia (superposición de diversos ritmos en manos, derecha e izquierda, sumado a la realización de la melodía que también es diferente).
Escalas a modo de interés general La Escala Árabe: C . D . E . F . Gb . Ab . Bb . C La Escala Mahometana: C . D . Eb . F . G . Ab . B . C La Escala China: C . E . F# . G . B . C La Escala Japonesa: C . Db . F . G . Ab . C La Escala Egipcia: C . D . F . G . Bb . C La Escala Mongola: C . D . E . G . A . C La Escala Judía: E . F . G# . A . B . C . D . E La Escala Bizantina: C . Db . E . F . G . Ab . B . C La Escala Argelina: C . D . Eb . F# . G . Ab . B . C La Escala Persa: C . Db . E . F . Gb . Ab . B . C La Escala Javanesa: C . Db . Eb . F . G . A . Bb . C La Escala Balinesa: C . Db . Eb . G . Ab . C La Escala Pelog: C . Db . Eb . G . Bb . C La Escala Hindú: C . D . E . F . G . Ab . Bb . C La Escala Iwato: B . C . E . F . A . B
La Escala Kumoi: E . F . A . B . C . E La Escala Hirajoshi: A . B . C . E . F . A La Escala Oriental: C . Db . E . F . Gb . A . Bb . C La Escala Napolitana Mayor: C . Db . Eb . F . G . A . B . C La Escala Napolitana Menor: C . Db . Eb . F . G . Ab . B . C La Escala Gitana: C . Db . E . F . G . Ab . B . C La Escala Húngara Gitana: C . D . Eb . F# . G . Ab . Bb . C La Escala Húngara Mayor: C . D# . E . F# . G . A . Bb . C La Escala Húngara Menor: C . D . Eb . F# . G . Ab . B . C La Escala de tonos enteros con sensible: C . D . E . F# . G# . A# . B . C La Escala Overtone: C . D . E . F# . G . A . Bb . C La Escala Lidia Menor: C . D . E . F# . G . Ab . Bb . C La Escala Locria Mayor: C . D . E . F . Gb . Ab . Bb . C La Escala Frigia Mayor: C . Db . E . F . G . Ab . Bb . C La Escala Española: C . Db . E . F . G . Ab . Bb . C La Escala Enigmática: C . Db . E . F# . G# . A# . B . C La Escala Doble Armónica: C . Db . E . F . G . Ab . B . C
1 Japón Kokin Joshi -Igual que la escala pentatónica menor. 1 Kokin Joshi 1 2 Japón Hiro Joshi 2 Hiro Joshi
1
2
b3
4
b3
5
5
b7
b6
3 Japón Kumoi 3 Kumoi
1
b2
4
5
4 Japón Iwato 4 Iwato
1
b2
4
b5
b6
b7
5 China I -Escala pentatónica mayor. 5 China I 1 6 China II 6 China II
2
3
1
5
b3
#4
6
5
7
7 Javanesa -Esta escala es conocida con el nombre de Dórica b2 y procede del 2º modo de la escala melódica menor. Se usa con los acordes de sexta dórica de una tonalidad menor. 7 Javanesa 1 b2 b3 4 5 6 b7 8 Mongolia -Escala pentatónica mayor 8 Mongolia 1
2
3
5
9 Pelog 9 Pelog
b2
b3
5
1
6
b7
10 P´yongio – Al igual que los modos Dórico y Mixolidio, pero sin tercera. 10 P´yongio 1 2 4
5
6
11 Bali 11 Bali
5
b6
1
b2
b3
b7
12 Hindustán -Esta escala es conocida con el nombre de Mixolidia b6 y procede del 5º modo de la escala melódica menor. 12 Hindustán 1 2 3 4 5 b6 b7 13 Hawaiiana -(4) y (7) se pueden usar ocasionalmente. 13 Hawaiiana 1 2
b3
(4)
5
6
(7)
14 Persa I 14 Persa I
1
b2
3
4
5
b6
7
15 Persa II 15 Persa II
1
b2
3
4
b5
b6
7
16 Oriental I 16 Oriental I 17 OrientalII 17 OrientalII
1
1
b2
b2
3
3
4
4
b5
b5
18 Judia -Al igual que la escala Frigia mayor, 5º modo de la escala armónica menor. 18 Judia 1 b2 3 4 5
b6
6
b6
b7
b7
b7
19 Bizantina 19 Bizantina
1
b2
20 Arabe 20 Arabe
1
2
21 Egipcia 21 Egipcia
1
b2
22 Mahometana -Escala armónica menor. 22 Mahometana 1 23 Argelia 23 Argelia
3
3
2
4
5
4
b5
4
5
b3
4
b6
b6
7
b7
b7
5
b6
7
1
2
b3
#4
5
b6
7
24 Etíope -Escala menor natural. 24 Etíope 1
2
b3
4
5
b6
b7
25 Gitana 25 Gitana
b2
3
4
5
b6
7
2
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#4
5
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b7
1
2
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5
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1
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#4
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7
#2
3
#4
5
6
b7
b3
#4
5
6
b7
1
26 Húngara gitana 26 Húngara gitana 1 27 Húngara menor I Húngara 27 menor I 28 Húngara menor II Húngara 28 menor II
29 Húngara mayor 29 Húngara mayor 1
30 Rumana -4º modo de la escala armónica menor. 30 Rumana 1 2 31 Napolitana mayor Napolitana 31 mayor 32 Napolitana menor Napolitana 32 menor
1
b2
b3
4
5
6
7
1
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4
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7
33 Prometheus 33 Prometheus 34 Ritusen 34 Ritusen 35 Doble armónica Doble 35 armónica
1
2
1
2
1
b2
3
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#4
b7
4
5
6
4
5
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7
36 Overtone -Esta escala es m·s conocida con el nombre de Lidia dominante y procede del 4º modo de la escala melódica menor. Sus usos más habituales son dos: encima de una tríada mayor no diatónica o con dominantes que no funcionan como tales ( es decir, que no resuelven). 36 Overtone 1 2 3 #4 5 6 b7 37 Lidia menor 37 Lidia menor
1
2
3
38 Scriabin 38 Scriabin
1
b2
3
#4
5
b6
5
6
b7
39 Frigia mayor -Esta escala es conocida también con el nombre de Frigia española. Procede del 5º modo de la escala armónica menor y se usa con dominantes que funcionan como tales, sobre todo cuando resuelven sobre un acorde menor. 39 Frigia mayor 1 b2 3 4 5 b6 b7 40 Locria mayor 40 Locria mayor
1
41 Enigmática 41 Enigmática
2
1
3
b2
4
3
b5
#4
#5
b6
#6
b7
7
INTENSIDAD: La intensidad depende de la amplitud ya que cuanto mayor es la amplitud de la onda, más intensamente golpean las moléculas el tímpano y más fuerte es el sonido percibido. Cuanto menor es la amplitud de la onda, menos intenso golpean las moléculas el tímpano y más débil es el sonido. La intensidad del sonido se define como la potencia acústica transferida por una onda sonora por unidad de área normal a la dirección de propagación .
Donde I es la intensidad de sonido, A es la potencia acústica y N es el área normal a la dirección de propagación. Factores que determinan la intensidad del sonido: Depende de la superficie de dicha fuente sonora. El aumento de la amplitud de la fuente y el de la superficie vibrante hacen que aumente simultáneamente la energía cinética. La intensidad de percepción de un sonido por el oído depende también de su distancia a la fuente sonora. Finalmente, la intensidad depende también de la naturaleza del medio elástico interpuesto entre la fuente y el oído. Los medios no elásticos, como la lana, el fieltro, etc., debilitan considerablemente los sonidos. La intensidad del sonido que se percibe subjetivamente que es lo que se denomina sonoridad y permite ordenar sonidos en una escala del más fuerte al más débil. -La amplitud de una onda de sonido: puede expresarse en unidades absolutas midiendo la distancia de desplazamiento de las moléculas del aire, o la diferencia de presiones que existe en el sonido que estamos ablando, por lo tanto, mide la cantidad de energía que se va a propagar por unidad de tiempo. La amplitud es un elemento de la onda transversal, que hace referencia a la altura de la cresta o del valle, es decir la altura a la que está el punto más alto o el punto más bajo. Las ondas transversales son aquellas en las que el medio se desplaza en ángulo recto a la dirección de la propagación. Pueden ser mecánicas o electromagnéticas.
-La amplitud define la intensidad de la onda, su “altura”: normalmente puede proporcionarnos una medida del volumen del sonido, aunque hay que tener en cuenta que el volumen con que percibimos un sonido es algo subjetivo y que depende también de otros factores como la frecuencia. -En acústica: En acústica: la la amplitud es la cantidad de presión sonora que ejerce la vibración la vibración en el medio elástico (aire). Al mismo mismo tiempo, tiempo, la amplitud determinará la cantidad de energía (potencia acústica) que contiene una señal sonora. -No hay que confundir amplitud con volumen con volumen o potencia acústica: acústica: aunque lo que sí que es cierto es que cuanto más fuerte suena un sonido, mayor amplitud tiene, porque se ejerce una presión mayor en el medio. La amplitud de una onda es el valor máximo, tanto positivo como negativo, que puede llegar a adquirir la onda.
-El valor máximo positivo que toma la amplitud de una onda recibe el nombre de "pico o cresta". -El valor máximo negativo, "vientre o valle". -El punto donde el valor de la onda se anula al pasar del valor positivo al negativo, o viceversa, se conoce como “nodo”, “cero” o “punto de equilibrio.
Las ondas van "debilitándose en amplitud": conforme amplitud": conforme van alejándose de su punto de origen: es lo que se conoce como atenuación como atenuación de la onda. Aunque la amplitud de las ondas decrece, su longitud su longitud de onda y su frecuencia su frecuencia permanecen invariables, ya que éstas dependen sólo del foco emisor. -La disminución de amplitud de una onda sonora se debe a dos razones: -La ampliación del frente del frente de onda, que da lugar a una disminución de la amplitud. -La absorción de la vibración, que es un proceso disipativo por el cual parte de la potencia sonora es absorbida por algún material que sea un aislante acústico. La amplitud son los valores de la medida vertical de la onda y son medidos en términos de presión atmosférica. El punto más alto o pico representa el máximo valor de amplitud, que en sonido es la mayor intensidad o volumen máximo de la señal. La intensidad de sonido se define
como la potencia acústica transferida por una onda sonora por unidad de área normal a la dirección de propagación. Como el sonido son vibraciones periódicas, los picos son puntos de máxima energía. Responde a la pregunta “qué tan fuerte” o “que tan suave” (volumen) van a sonar nuestras frecuencias independientemente independientemente de la posición en donde estemos. En términos más específicos, la amplitud es la fuerza con la que se van a mover las membranas de nuestras bocinas, esta fuerza se mide en (dB).
A más dB mayor compresión y rarefacción de partículas hay en el aire, por lo tanto, mientras más dB se escucha más fuerte y viceversa. No confundan amplitud con longitud de onda: la longitud de onda mide distancia y la amplitud mide fuerza de presión aunque estos dos conceptos influyan mucho sobre como percibimos el sonido son dos cosas completamente diferentes. La amplitud y la frecuencia combinadas: dan combinadas: dan lugar a la forma de onda compleja que vemos en cualquier programa de edición de sonido, con sus altos, sus bajos y sus variaciones. Si vemos la onda como un todo, es fácil observar las variaciones de amplitud -de altura-, mientras que al hacer “zoom” para para “acercarnos” “acercarnos” a la onda, veremos que unas unas veces las las ondas están están más juntas y otras otras más separadas, separadas, lo que nos indica indica de de alguna manera manera las variaciones variaciones en la la frecuencia. En la práctica, lo que vemos nunca serán ondas perfectamente uniformes (con una cresta y un valle), sino ondas de formas variadas, debido a que en realidad el sonido está compuesto de muchas ondas superpuestas de amplitudes y frecuencias muy diversas.
Si hablamos de la música, en la partitura la intensidad del sonido se representa mediante los matices, estos signos representan la intensidad del sonido y se representan debajo del pentagrama. En música no se habla de intensidad sino de dinámica. Abreviatura pp p mp mf f ff
Término pianissimo piano mezzo piano mezzo forte forte
fortissimo
Significado muy suave suave medio suave medio fuerte fuerte muy fuerte
-Sonoridad o sensación sonora: es la impresión o sensación psicológica que un sonido de una determinada intensidad física sonora produce en nuestro oído. Depende de la frecuencia y de la intensidad sonora.
TIMBRE: El timbre, que unido al tono y a la intensidad recibe el nombre de “color de la voz”, es la cualidad que nos permite distinguir una voz de otras al
escucharlas; o en otras palabras, es la cualidad que permite reconocer la fuente emisora del sonido, es decir, entre una misma nota (tono) con igual intensidad producida por dos instrumentos diferentes. Cada material vibra de una forma diferente provocando ondas sonoras complejas que lo identifican; por ejemplo nos permite distinguir el sonido de una trompeta y un violín aunque emitan la misma nota con la misma intensidad. Esta cualidad que permite distinguir os sonidos producidos por los diferentes instrumentos físicamente se llama forma de onda. El timbre se define como la calidad del sonido.
Las diferencias se dan no solamente por la naturaleza del cuerpo sonoro (madera, metal, piel tensada, etc.) sino también por la manera de hacerlo sonar (golpear, frotar, rascar…). El timbre timbre es lo que hace que una voz sea agradable o desagradable y, por ejemplo a partir de él los oyentes de radio se hacen una idea propia de cómo es el rostro del locutor. De hecho la constitución física (cara, mandíbula, dientes, paladar, alvéolos o nariz) determina un timbre determinado, por eso es normal que los miembros de una misma familia tengan timbres parecidos, aunque cada una tenga sus propias características. Con la voz sucede lo mismo, el sonido dado por un hombre, una mujer, un/a niño/a es diferente, es decir, tienen distinto timbre. Por este motivo es posible reconocer las voces de las personas que nos rodean sin necesidad de verlas, ya que cada una tiene sus propias características características que las hacen diferentes. -Nos permitirá distinguir si: la si: la voz es áspera, dulce, ronca o aterciopelada. La voz es como el DNI de las personas, no hay dos iguales. Aunque puede modificarse (variando
las dimensiones y la forma de la cavidad bucal o corrigiendo las tensiones de los músculos de la laringe y respiratorios), por ejemplo para hacer imitaciones el timbre es lo que hace que cada voz sea única. Además, hay distintos tipos de timbre que el hablante emitirá en función de su actitud y de su estado de ánimo (al igual que con las demás cualidades). Si el que habla está alegre y feliz, el timbre será brillante; si está triste o tiene miedo, será opaco; si habla con normalidad, será absoluto o neto; si transmite poder, energía o certeza, será rotundo y si dice frases confidenciales o amorosas, el timbre es apagado, casi ausente. Es una buena fuente de información, importante ya que nos ayuda a percibir “el relieve” de la música. -En general: los sonidos no son de una sola frecuencia, son una combinación de frecuencias relacionadas armónicamente entre sí. Los sonidos suelen tener una onda principal que va acompañada de otras ondas de menor amplitud llamadas armónicas, cuya frecuencia es el múltiplo de la onda principal; la suma de esas ondas da lugar a una onda que tiene una forma determinada. Aun así nosotros lo percibimos como un único sonido, que es el sonido fundamental que predomina. Esto produce que las curvas no son (casi) nunca sinusoide pura, sino que están compuestas por la superposición de varias. Sólo los diapasones generan sonidos puros, que son debidos a una sola frecuencia y representados por una onda armónica. Hay sonidos que por sus particulares características son fáciles de clasificar y diferenciar; sin embargo, hay otros que requieren una mayor práctica de escuchar para aprender a reconocer esas pequeñas sutilezas que diferencian a unos de otros. -Desde la física: el timbre depende de la capacidad de armónicos (sonidos secundarios) que acompañan al sonido fundamental y de la relación altura, duración e intensidad. En general, los sonidos no son de una sola frecuencia, los sonidos suelen tener una onda principal que va acompañada de otras ondas de menos amplitud llamadas armónicas, cuya frecuencia es el múltiplo de la onda principal. La suma de esas ondas da lugar a una onda que tiene una forma determinada. El timbre está relacionado con la forma de la onda.
Sonido fundamental
-El timbre de un sonido depende de: - Número de armónicos - Intensidad de los armónicos - Colocación temporal de los armónicos (fase).
Sonido complejo
-Características propias de cada fuente sonora. -Ejemplo: Si se toca el situado sobre el do central de un violín, un piano y un diapasón, con la misma intensidad en los tres casos los sonidos son idénticos en frecuencia y amplitud, pero muy diferentes en timbre. De las tres fuentes, el diapasón es el que produce el tono más sencillo que en este caso está formado casi exclusivamente por vibraciones con frecuencias 440 Hz. Debido a las propiedades acústicas del oído y las propiedades de resonancia de su membrana vibrante, es dudoso que un tono puro llegue al mecanismo interno del oído sin sufrir cambios. La componente principal de la nota producida por el piano o el violín también tiene una frecuencia de 440 Hz, sin embrago contienen componente con frecuencias secundarias (múltiplos de la frecuencia base). Las intensidades concretas de esas otras componentes determinan el timbre de la nota. DURACIÓN:
Es la cualidad del sonido que nos permite diferenciar sonidos largos y cortos. La duración depende de la persistencia de la vibración y se mide en segundos. La duración corresponde al tiempo que se mantienen las vibraciones producidas por un sonido. Éste parámetro está relacionado con el ritmo. -Está determinado por: la longitud que indica el tamaño de la onda, que es la distancia entre el principio y el final de una onda completa (ciclo) nos permite diferenciar sonidos largos de sonidos cortos. Se la relaciona con la longitud de onda (λ), que indica la distancia entre dos puntos consecutivos que se hallan en el mismo estado de vibración (medido en metros), en el mismo tiempo También depende de la aportación de energía que realiza la fuente emisora y también del medio en el que se transmite.
La duración no es una cualidad fundamental en sí misma, pero desde el punto de vista musical tiene la máxima importancia ya que es uno de los parámetros a tener
en cuenta a la hora de determinar ciertas características de un sonido y su representación gráfica. -La música se representa principalmente con: Las figuras son la forma que se da a las notas para determinar su duración. Los silencios son signos que representan la duración y no tiene sonido. Además, la duración nos lleva al concepto fundamental dentro de la música: el silencio, se puede definir como la ausencia de sonido e incluso como el sonido de duración cero. Cuando dejamos de oír un sonido, se puede deber a dos causas: La vibración se ha detenido (su valor es 0) y por otro lado debido a un problema en nuestro oído (edad, abuso de dB).
CONCLUSIÓN: Al comprender todas las cualidades del sonido podemos aplicarlo al ser humano y a la voz en concreto. La voz desde el punto de vista fisiológico es un sonido producido de forma voluntaria por el aparato fonatorio. También es muy importante en el mundo de la música y del cantante, ya que la intensidad nos permite producir sonidos fuertes o débiles, la altura permite producir sonidos agudos, graves y medios clasificando a los cantantes en soprano, mezzosoprano y contralto en el caso de las mujeres, por otro lado en el caso de los hombres en tenor, barítono y bajo (de agudos a graves). En cuanto al timbre es muy importante, debido a que característica que da la personalidad a la voz de cada individuo, permitiéndonos la capacidad de diferenciar quien está hablando sin necesidad de verlo, también es la cualidad que influye en el gusto de las tonalidades de la voz. La voz tiene la capacidad de hacernos sentir diferentes sensaciones, algunas nos atrapan y nos gustan, mientras que otras nos producen menos empatía o afinidad haciendo que no nos produzcan interés o atracción.
- FUENTES SONORAS LA VOZ HUMANA En el siguiente mapa conceptual podéis ver los contenidos del tema completo. Tiene tres partes: Instrumento Vocal, Clasificación de las Voces y Agrupaciones Vocales.
El Instrumento Vocal La voz humana es el instrumento musical más bello y perfecto, un instrumento natural que permite comunicarnos con los demás a través del habla y expresarnos musicalmente a través del canto. Podemos considerar la voz como un instrumento musical porque reúne las tres condiciones que debe tener todo instrumento: Un Mecanismo que lo haga sonar: La Respiración Un material que vibra: Las Cuerdas Vocales Una caja de resonancia: Los Resonadores El Instrumento vocal es una máquina que funciona a la perfección para producir los sonidos.
Se compone de tres aparatos: APARATO RESPIRATORIO. Encargado de abastecer del aire necesario para que se produzca el sonido. Está formado por la Nariz, Boca, Tráquea, Pulmones y Diafragma. El aire se "inspira" por la nariz, pasa por la tráquea hasta llegar a los pulmones. El aire se expulsa por la boca durante la "espiración". Hay tres tipos de Respiración: Superior, Abdominal y Completa. La respiración completa llena de aire la parte superior e inferior de los pulmones, por lo tanto es la más idónea para el canto
El Diafragma ayuda a realizar esta respiración. Todo cantante (e instrumentista de viento) debe dominar el diafragma para controlar al respiración y la producción de la voz.
APARATO FONADOR. Es el encargado de producir el sonido. Se compone de la Laringe donde están situadas las Cuerdas Vocales. Cuando "espiramos" el aire sale por la Laringe y es cuando podemos producir sonidos haciendo vibrar las cuerdas vocales. Tenemos 4 cuerdas vocales (dos falsas y dos verdaderas). Estas cuerdas son dos membranas que chocan entre sí para producir sonidos, cuando "inspiramos" las cuerdas vocales se abren y cuando cantamos las cuerdas vocales se cierran y vibran. APARATO ROSONADOR. El sonido que sale de las cuerdas vocales es débil y algo indefinido, no es exactamente como nosotros lo percibimos finalmente. El Aparato Resonador tiene la función de amplificar y dar un timbre especial a este sonido. Se compone de todas las cavidades que tenemos en la parte superior del instrumento vocal: Cavidad bucal, cavidad nasal, cavidades craneales, cavidades faciales, velo del paladar y caja torácica. Podemos comprobar cómo cambia el timbre del sonido modificando la forma de la boca, tapando la nariz, etc. La Clasificación de las Vamos a aprender cómo se clasifican las voces en el contexto de la música clásica, Voces concretamente en el mundo de la ópera y la música vocal polifónica. Las voces humanas se clasifican, en primer lugar, por sexos: Voces Masculinas y Voces Femeninas. Y en segundo lugar, se clasifican por la tesitura (el registro de notas musicales que puede cantar cada voz): Voces agudas, voces graves, voces i ntermedias y voces sobreagudo
VOCES FEMENINAS SOPRANO: La voz más aguda de mujer. Abarca desde el DO3 hasta el DO5. Es una voz muy admirada, muchas protagonistas de óperas son sopranos. MEZZOSOPRANO: La voz intermedia de mujer. Abarca desde el La2 hasta el LA4. CONTRALTO: La voz más grave de mujer. Abarca desde FA2 hasta el FA4.
VOCES MASCULINAS CONTRATENOR: La voz sobreaguda de hombre. Esta es la voz equivalente a los antiguos "Castrati" del S. XVII. Abarcan desde el FA2 hasta el FA 4, incluso hasta el LA4. TENOR: La voz aguda de hombre. Abarca desde el Do2 hasta el DO4. Al igual que la soprano, es una voz muy admirada y utilizada en las óperas para los papeles protagonistas. BARÍTONO: La voz intermedia de hombre. Abarca desde el SOL1 hasta el SOL3. BAJO: La voz más grave de hombre. Abarca desde el Mi1 hasta el Mi3. Es una voz que suele hacer los papeles de "malo" en las óperas por su timbre rotundo. Este es el mapa conceptual donde podéis ver algunos de los cantantes más representativos de esta clasificación.
LOS INSTRUMENTOS AERÓFONOS Como ya sabes, en los instrumentos aerófonos (o instrumentos de viento) el sonido se produce por la vibración de la columna de aire contenida en el interior de un tubo. La longitud del tubo y la altura del sonido emitido se hallan en una relación de proporcionalidad inversa: a mayor longitud el sonido en más grave y a menor longitud el sonido es más agudo. La embocadura, pieza situada en un extremo del instrumento donde el músico apoya sus labios para tocar, tiene mucha influencia en la calidad del timbre producido.
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BISEL METAL.
LENGÜETA DOBLE
LENGÜETA SIMPLE
VIENTO
Dependiendo del tipo de embocadura los instrumentos aerófonos se clasifican en:
1.Instrumentos de viento metal: están fabricados en diversas aleaciones de metal. Su embocadura tiene la forma de un pequeño embudo donde el instrumentista apoya los labios semicerrados, sin que ésta llegue a entrar en la boca. Al insuflar aire a presión los labios vibran produciéndose el sonido.
Importantes instrumentos pertenecientes a este grupo son: TROMPETA
TROMPA
TROMBÓN
TUBA.
La trompeta, la trompa, la tuba y el trombón de pistones: disponen no de agujeros sino de pistones. Pulsándolos en sus diferentes combinaciones se forman circuitos de distinta longitud, hecho que permite la emisión de diferentes notas musicales. El trombón de varas: en este instrumento un tubo de desliza por el interior de otro, resultando especialmente evidente la relación entre la altura del sonido emitido y la longitud del tubo.
2.Instrumentos de viento madera. Son aquellos que disponen de una de las siguientes embocaduras: De bisel: borde relativamente afilado contra el que se hace chocar el aire para producir el sonido. Es el caso de la flauta dulce y de la flauta travesera. Esta última fabricada íntegramente en metal. Como ves, es el tipo de embocadura y no el material en el que se construye el instrumento el criterio válido para establecer su clasificación en el grupo de los instrumentos de viento madera. FLAUTAS TRAVESERAS.
FLAUTAS DULCES:
De lengüeta simple: lámina simple de caña unida a la embocadura. Cuando el aire a presión pasa entre la embocadura y la lengüeta induce la vibración de ésta, produciéndose el sonido. Instrumentos pertenecientes a esta familia son: el clarinete y el saxofón (también construido íntegramente en metal).
CLARINETE.
SAXOFÓN.
De lengüeta doble: dos pequeñas láminas de caña separadas por escasos milímetros vibran cuando entre ellas se introduce aire a presión. Instrumentos importantes
pertenecientes a este grupo son: el oboe, el corno inglés, el fagot, el contrafagot, etc. OBOE:
FAGOT:
Todos ellos disponen de varios agujeros distribuidos a lo largo del tubo. Tapando y destapando agujeros (bien directamente con los dedos o indirectamente a través de diversos tipos de llaves) el instrumentista puede obtener con comodidad diferentes notas musicales; ya que el tapar y/o destapar agujeros equivale a modificar la longitud del tubo, variable de la que, como ya sabes, depende la altura del sonido emitido.
3.Instrumentos de viento sin embocadura: no tienen embocadura ya que en ellos el aire se introduce de forma mecánica. Los más importantes son el acordeón (en el que el instrumentista acciona un fuelle) y el órgano (un compresor animado por un motor eléctrico proporciona el aire a presión necesario para que suene el instrumento, compuesto por infinidad de tubos).
LOS INSTRUMENTOS CORDÓFONOS Estos instrumentos emiten el sonido gracias a la vibración de una o más cuerdas tensadas sobre una caja de resonancia que amplifica el sonido. Los instrumentos de cuerda pueden tener o no tener mástil. En el primer caso suelen contar con un número reducido de cuerdas todas ellas de igual longitud, aunque distintas en cuanto a su grosor y grado de tensión, pudiendo cada una de ellas producir varias notas musicales según el punto en que se las presione con un dedo contra el mástil del instrumento (esto equivale a modificar su longitud, existiendo una relación de proporcionalidad inversa entre la longitud de la cuerda y la altura del sonido emitido). En el segundo caso, el de los instrumentos de cuerda sin mástil, podemos observar que tienen un elevado número de cuerdas de desigual longitud, grosor y tensión, estando asociada cada una de ellas a la producción de una sola nota musical. Según cómo se hacen vibrar las cuerdas se clasifican en: Cuerda frotada: el frotamiento de las fibras de un arco contra la cuerda produce la vibración de esta. Una manera alternativa de producir sonido en estos instrumentos es pulsar la cuerda con los dedos. Esta técnica recibe el nombre de pizzicato. En este grupo de instrumentos encontramos (de agudo a grave): el violín, la viola, el violonchelo y el contrabajo. Son los cuatro instrumentos con más presencia numérica en las orquestas actuales.
PARTES DE UN VIOLÍN:
Cuerda pulsada: las cuerdas son sacadas de su posición de equilibrio con los dedos o con púas o plectros para hacerlas vibrar. Instrumentos importantes que pertenecen a esta categoría son: el arpa, el clavecín (sin mástil) la guitarra, el laúd (con mástil) etc.
ARPA
GUITARRA ESPAÑOLA
Cuerda percutida: producen el sonido golpeando las cuerdas. El piano es el instrumento más importante de esta categoría.
El funcionamiento básico del mecanismo un piano es el siguiente: cuando una tecla es pulsada, la palanca que está situada en el extremo opuesto se eleva y el
macillo asociado a ella se pone en movimiento en dirección a la cuerda que es liberada por el apagador justo antes de la percusión. Tras el golpe del macillo a la cuerda se produce el sonido y acto seguido éste cae hasta ser recogido por la grapa, también conocida como atrape, a una distancia aproximada de 2 centímetros. Al levantar lentamente la tecla, ésta libera el conjunto de palancas del escape y el macillo vuelve a estar disponible para volver a tocar la cuerda. Si retiramos la presión por completo, todo el sistema vuelve a su estado inicial de reposo en el que el apagador tiene la misión primordial de interrumpir el sonido. Gráfico del mecanismo de percusión de un piano de cola: (1) Tecla, (2) Pilotín, (3) Puente, (4) Pilotín del escape, (5) Palanca de escape, (6) Tornillo de reborde del macillo, (7) Rodillo, (8) Brazo del macillo, (9) Palanca de repetición, (10) Cabeza de macillo, (11) Empujador, (12) Palanca del apagador, (13) Apagadores, (14) Cuchara de apagador, (15) Apagador, (16) Cuerda, (17) Marco, (18) Grapa, (19) Enganche de la cuerda y (20) Somier.
LOS INSTRUMENTOS DE PERCUSIÓN. Los instrumentos de percusión son aquellos que producen el sonido al ser golpeados, entrechocados, sacudidos, etc. Se clasifican en dos grandes categorías:
instrumentos de percusión de sonido indeterminado: no producen notas musicales perfectamente afinadas. Su sonido no proporciona a nuestro oído una sensación clara de altura. Tan sólo podemos decir si son más o menos graves o agudos. A su vez se clasifican en tres grandes grupos, dependiendo del material en el que estén construidos:
Madera: la mayoría son instrumentos idiófonos (instrumentos en los que no se distingue el elemento productor del sonido de la caja de resonancia). Castañuelas, claves o bastones de percusión (ambos producen el sonido entrechocando sus componentes), maracas (un componente interno frota el interior del cuerpo del instrumento), güiro (posee un cuerpo caña en el que se han practicado unas hendiduras contra las que se rasca un palo de madera u otro elemento), caja china, etc.
Metal: crótalos o chinchines, platillos, gong, triángulos, cascabeles, cencerro, etc. La mayoría son instrumentos idiófonos.
Parche: son instrumentos membranófonos ya que poseen una o dos membranas sujetas al cuerpo del instrumento que, a su vez, funciona como caja de resonancia. El sonido se produce cuando su membrana es golpeada directamente con las manos o con unas varillas especiales llamadas baquetas. Pandero, pandereta, bombo, caja, tambor, etc. Suelen formar parte de agrupaciones instrumentales que acostumbran a tocar al aire libre y, en ocasiones, desfilando.
Instrumentos de percusión de sonido determinado: el sonido que producen se corresponde con notas musicales perfectamente afinadas.
Membranófonos: los timbales son el instrumento de percusión más importante en una orquesta sinfónica. Para obtener la afinación deseada la membrana puede tensarse más o menos. El instrumentista utiliza unas baquetas, normalmente forradas de felpa, para producir el sonido. Otros ejemplos de instrumentos membranófonos de sonido más o menos
determinado son los bongos y las congas. Se tocan golpeando las membranas directamente con las manos. Son más propios de ritmos caribeños que de la música culta. Idiofonos de sonido determinado: xilófono, marimba (placas de madera de distinto tamaño producen notas musicales perfectamente afinadas al ser golpeadas con baquetas), metalófono, glockenspiel, vibráfono (similar al xilófono y la marimba con la diferencia que ahora las placas no son de madera sino de metal), campanas tubulares, etc.
Campanas tubulares.
Xilofono.
Timbales
Batería (indeterminado)
Clasificación de instrumentos Para empezar hay que aclarar que existen muchas clasificaciones de instrumentos, tomando distintos aspectos, ya sea por su material, por género musical, por su funcionamiento, etc. Pero siempre hay instrumentos que quedan excluidos de las clasificaciones, por tal motivo desarrolle una propia. Que tomara encuentra su ejecución y material de construcción. Apartado: híbridos llamaremos de esta manera a aquellos instru. Que por su construcción tienen una característica particular, eje la GAITA. CORDOFONOS: se llama de esta manera a los instrumentos que funcionan por la oscilación de una cuerda, ya sea en su ejecución punteada, frotada, percutida o simplemente por simpatía.
CLASIFICASION DE INSTRUMENTOS
CORDOFONOS
CORDOFONOS
CORDOFONOS
CORDOFONOS
CORDOFONOS
DE CUERDA
DE CUERDA
DE CUERDA
CUERDA
PUNTEADA
FROTADA
PERCUTIDA
HIBRIDOS
EJEM:
.GUITARRA .CHARANGO .UKULELE .CITARRAS
EJEM:
EJEM:
.VIOLIN .VIOLONCELLO .VIOLA .CONTRABAJO
. PIANO .CLAVICORDIO .HACKBRETT .CIMBALO
EJEM:
.CITAR .ZANFOÑA .Ektara .ETC
Aerófonos: se llama así a los instrumentos musicales que funcionan a base de una columna de aire, ya sea producida por el o no. Estos instrumentos en principio se clasifican en 2 Aerofonos, maderas y metales. Después surgió la clasificación mediante su ejecusion.y por ultimo podríamos agregar los híbridos, como por eje: el bandoneón, la vos, etc. AEROFONOS
Híbridos
Con canal de insuflación
Por su Construcció
METALES
EJE: .Bandoneón .Acordeón .Gaitas .Flau. Melódicas .la voz .Armónicas
EJE: .clarinete .Fagot .Oboe .saxo .Flauta du lce
EJE: .TROMPETA .TROMBOM .CORNO .TUBA .BOMBARDINO
Sin canal de insuflación
MADERAS
EJE: .Flauta traversa .trompeta .trombón .quenas .sikus .tuba
EJE: .CLARINETE .OBOE .FAGOT .CONTRAFAGOT .FLAUTA TRAVERZA .CORNO INGLES
Menbranofonos: Se llama de esta manera los instrumentos musicales que poseen una membrana como medio de producción sonora. La propagación del sonido se produce por la oscilación de esta y se amplifica por medio de una caja de resonancia, eje (bombo). En principio la clasificación de estos tipos de instrumentos se posicionan como ejecución directa (cuando la membrana es directamente golpeada con algún objeto ya sea la mano o un palo) o indirecta (mecanismos que realizan la acción del golpe, eje: pedal de batería)Luego podemos agregar otra clasificación ya más específica: Afinación definida (se afina en función de una nota de referencia eje: timbal) Afinación indefinida (instrumentos de membrana tensa pero sola mente a efectos de acompañamiento musical percusivo eje: bongos) Por ultimo aparecen los híbridos, eje: la caja chayera (membrana atravesada por una cuerda), la cuica, etc.
Menbranofono
Híbridos .Redoblante .caja chayera .tambor de agua .Rugido de leon
M.AFINACION DEFINIDA
.Timbales .congas
M.AFINACION INDEFINIDA
.bombo leguero .bongos .Tambores de candombe
Eje.-DIRECTA
.tambores .bombo leguero .bongo
Eje.-INDIRECTA
.Bombo de batería .cuica
IDEOFONOS: se llama de esta manera a los instrumentos que funciona por la oscilación de su propio cuerpo, amplificándose por el resultado de una caja de resonancia. Estos instrumentos tiene en principio 2 clasificaciones, de afinación definida e indefinida, pero también hay algunos que son ejecución indirecta como es el caso de los sonajeros, matracas, etc. Estos los definiremos como híbridos. Entonces desarrollaremos a continuación una Clasificación que nos resulte más apropia, para nuestro beneficio:
IDEOFONOS
I. de Afinación definida
I. de Afinación indefinida
Ideofonos Híbridos
Xilofones Metalofones Marimba
Platillos Claves Toc-toc Triangulo Castañuelas
Maracas Matracas Sonajeros
Para ampliación visitar página webhttp://dspace.uah.es/dspace/bitstream/handle/10017/22157/pulso_vallejo_ QB_1995_N2.pdf?sequence=1 El ritmo en la música se refiere a la frecuencia de repetición (es en ciertas ocasiones irregulares de sonidos fuertes y débiles, largos y breves, altos y bajos) en una composición. El ritmo se define como la organización en el tiempo de pulsos y acentos que perciben los oyentes en una estructura. Esta sucesión temporal se ordena en nuestra mente, percibiendo de este modo una forma.
Elementos básicos del ritmo musical Estos 4 elementos del ritmo, tal como su nombre lo indica, se denominan "básicos" porque son esenciales para que un ritmo se produzca y suelen estar presentes en cualquier ritmo. Ellos son:
ESTABLE: cuando se mantiene siempre igual a lo largo de la obra, RÁPIDO TEMPO: (en castellano MODERADO - LENTO "tiempo") elemento que se INESTABLE: cuando la velocidad del ritmo refiere a la velocidad con la que va cambiando en el transcurso de la obra: se desarrolla una música en acelerando (yendo cada vez más rápido), cuanto a su ritmo. El musical rallentando (yendo cada vez más lento) puede ser: y/o en forma variable (alternando los anteriores).
PULSO: medida de unidad a
partir de la cual suele estructurarse el ritmo musical. Se clasifica como:
PERCEPTIBLE: cuando se escucha y puede marcarse a lo largo de la obra. NO PERCEPTIBLE: cuando no se escucha y por lo tanto no puede seguirse o marcarse en el transcurrir de la obra.
Comúnmente se produce cada 2, 3 o 4 ACENTO: caída o acentuación pulsos o tiempos. natural del ritmo en la música: REGULARES: cuando el acento se COMPÁS: agrupamiento de produce cada la misma cantidad de pulsos con su respectivo acento. pulsos en toda la obra. Los compases pueden ser: IRREGULARES: cuando a lo largo de la obra se alternan los valores de agrupación (Ej.: 2 y 3, 3 y 2, 4 y 3, etc.).
PULSO: Referencia subyacente constante (no todas las músicas tienen pulso marcado). En la práctica, suele coincidir con la unidad de medida del compás. SUBDIVISIÓN: Partición del pulso (binaria, ternaria) RITMO LIBRE, MÉTRICO O RÍTMICO: De acuerdo a la percepción de pulso ACENTO: Pulso más fuerte (cada uno, cada 2, cada 3 pulsos) TEMPO: Velocidad del pulso (lento, medio, rápido, con o sin variaciones) COMIENZOS: Coincidiendo con la parte fuerte (tético), antes (anacrúsico) o después (acéfalo) ESCRITURA DEL RITMO EN EL SIGLO XIV DC. MISA DE PALESTRINA
El ritmo libre es una organización del metro musical en la que no se da una sucesión matemática de partes fuertes y débiles sometidas a un compás prefijado; es decir: 'libre' equivale a 'no medido'. Se emplea cuando una pieza musical carece de un pulso discernible y en su lugar el ritmo es intuitivo y fluye libremente. En los diversos sistemas musicales que lo utilizan (música grecoromana, canto gregoriano, canto hispánico, etc.) es el arranque inicial (llamado arsis) seguido de un reposo final (llamado thesis) lo que forma la célula rítmica fundamental. Así, es un ritmo en el que existe una desigualdad cuantitativa de duración entre los elementos que componen la melodía, con vuelta libre, no isócrona al tiempo primero, de tal manera que se establece una sucesión variable de tiempos binarios y ternarios.
Amalgama: es cuando se suman 2 o más compases de distinta métrica 2/4+4/4. También se usa el compás de 8/8, que no es binario, ternario, simple ni compuesto, ya que se utiliza cuando el compositor desea que se perciba un patrón de ritmo no tan regular. Esta subdivisión arbitraria generalmente debe ser especificada al principio del primer pentagrama de la obra. El compás de 8/8 más común es el 3+3+2 (utilizado en los tangos de vanguardia de Astor Piazzolla, por ejemplo; mientras que los antiguos tangos de la «guardia vieja» estaban siempre en compás de 4/4). Otros compases inusuales han sido utilizados en la música académica del siglo XX,en la música folclórica búlgara, húngara, española, etc. o en el rock progresivo de los años setenta son los de 5/8 (cinco corcheas por compás) y 7/8 (siete corcheas por compás). El compositor debe avisar al comienzo del pentagrama cómo quiere que los músicos enfaticen el compás: en el caso del 5/8 puede ser 3+2, 2+3 o 1+2+2 (llamado zorcico en España); en el caso del 7/8 puede ser 2+2+3, 2+3+2, 3+2+2, etc. Un caso especial se da para los ritmos balcánicos (Música de los Balcanes), especialmente la música Búlgara en la cual se establecen distintos grupos de compases irregulares. En la música búlgara es en donde se lleva tradicionalmente más lejos, la implementación de estos ritmos.
.Se llama textura musical la organización de los elementos musicales en capas o planos sonoros simultáneos. Las texturas más simples son las monódicas y Homofonías, ya que se distinguen claramente la voz cantante. En cambio, las texturas polifónicas y heterofonicas son de una escucha más compleja, dado que se entrelazan las voces en un juego sonoro más elaborado. Entonces podemos decir que las principales texturas son:
A-Monodia B-Homofonía C- Heterofonia D-Polifonía A-Monodia o monofonía (mono = 1 - fonia =sonido): es el único caso de un solo plano sonoro. Es una única línea melódica que no tiene acompañamiento, como es el caso del canto llano o gregoriano. También será monotonía una línea rítmica como el solo de un tambor. No importa cuántas voces o instrumentos la realicen, si cantan o tocan al unísono es monodia. Hay ejemplos en la música china o hindú, como también es el ejemplo una sonata para un instrumento solo. Ejemplo - solo de redoblante - sonata para cello de Bach - sonata para Flauta de Bach - Canto gregoriano
B-Homofonía: Música a varias voces en la cual se presenta la voz principal y todas las otras voces tienen la función de acompañamiento. Hay varios tipos de Homofonías: 1. El mismo patrón rítmico melódico o muy semejante. Formándose así columnas sonoras que constituyen la armonía de una obra. Es el caso de los corales protestantes. 2. Nota pedal: sonido tenido que funciona como soporte de la línea melódica. Eje: Raga en la india, Mus. Popular medieval, música celta con gaitas. 3. Melodía acompañada con ostinato: diseño melódica y/o rítmico repetitivo que es el encargado de dar soporte a la línea melódica.Elemn: Bolero de Ravel, la yumba, libertano, etc. 4. Melodía acompañada con arpegios: acordes deslegados, Ejem: Preludios de Chopin, claro de luna Beethoven. 5. Mel. Acomp. Con percicion no afinada: habitual en músicas tribales y en las bagualas, Ejem: olodum nº 16, Baguala. C-Heterofonia: Música a varias voces: 2 o más voces simultaneas que se desarrollan sin una organización de acuerdo a nuestro sistema (desorden aparente).Es una desorganización con cierto orden, pautado o no, ya que posee sus propias reglas. Eje: música de los pueblos primitivos, Carmina burana 5 ritmo libre, ginastera ballet estancia, (los 4 movimientos)
D-polifonía: música a varias voces que siguen las reglas de la tónica compositiva denominada contrapunto y que se características por sus entradas sucesiva de las voces por medio de la imitación muchas veces. Es el caso de los corales de Bach y de la música para coros sobre todo en el renacimiento (siglo XVI), y en el barroco (siglo XVII y XVIII). Eje: sinfonías de Brahms, danza rumana barroco; Beethoven, (hay que agregar que gran repertorio académico utiliza la polifonía).
HOMOFONIA
MONODIA
Melodía sin acompañamiento Eje: .Canto Llano .capricho de pagganini .Suite para cello solo de Bach
Melodía Con Acompañamiento Eje: 1. Mismo patrón rítmico – melódico a distancias de terceras, cuartas, etc. (1ra especie) Eje: Carmina burana primer pieza y sección, coral de Bach. 2. Nota pedal: Melodías celtas o galesas gaitas, Preludio en rem de Bach, Etc. (2da especie)
HETEROFONIA
3. Ostinato: Libertango, la yumba, 2 sección de Carmina burana. (3ra especie)
4. Acordes desplegados .Desorganización aparente de 2 o más voces. .Música tribal. .Contemporánea. .Dodecafónica.
(4ta especie)
Preludios de chopin, Ave maría de Gunod, serénate de Schubert. 5. Percusión no afinada: .Bagualas, música tribal. (5ta especie)
POLIFONIA
1. polifonía contrapuntística: Invenciones de J.S.BACH (1ra especie) 2. polifonía tipo Canon: Canon de Pachebell (2da especie) 3. polifonía tipo Imitativa elaboraría: variaciones Golbert Bach (3ra especie) 4. polifonía tipo fuga: fuga y misterio, fugatta de Piazzolla, fuga en rem de Bach. (4ta especie)
Texturas Musicales Mediante el sentido del tacto podemos apreciar la textura de los objetos o las superficies: rugoso, liso, suave, áspero... Pero ¿a qué nos podemos referir cuando hablamos de textura en la música? Los sonidos no se pueden tocar, no se pueden definir con el tacto. En música la textura es un concepto más complejo. Podemos definirla como la manera de mezclar o entretejer las distintas melodías, voces o instrumentos. A continuación lo comprenderás.
Monodía o monofonía Es la más simple de las texturas. Consiste en una sola línea melódica, sin armonía ni acompañamiento. Cuando estamos cantando bajo la ducha, cuando en un coro cantan todos la misma melodía en el mismo tono (unísono), o cuando todos tocamos en clase con la flauta la misma canción... todos estos son ejemplos de monodia o monofonía. Esquema de la monodía o monofonía
Canto gregoriano. Monodía religiosa La música litúrgica que se cantaba en las catedrales y monasterios, conocida como gregoriano , era monódica. Los instrumentos estuvieron prohibidos en los templos durante mucho tiempo, pues lo que importaba era el texto de la música y su alabanza a Dios.
Melodía acompañada Destaca una melodía sobre un acompañamiento. Cuando tocamos juntos la flauta y el profesor nos acompaña con el piano, estamos haciendo una melodía acompañada. Las flautas tocarían la melodía principal y el piano el acompañamiento. Ésta es la textura que predominó en la ópera y luego en la música moderna y comercial. La melodía acompañada experimentó un desarrollo importante en Italia durante el siglo XVII (Barroco). Fue habitual en la música de la segunda mitad del siglo XVIII (Clasicismo) y del siglo XIX (Romanticismo), manteniéndose vigente hasta hoy día en la música folklórica y popular. Esquema de melodía acompañada
Éste es un fragmento de partitura de piano. La mano derecha toca el pentagrama de arriba que es la melodía principal, mientras la mano izquierda acompaña tocando el pentagrama de abajo.
Polifonía Cuando varias melodías discurren al mismo tiempo, teniendo la misma importancia y cierta independencia, hablamos de polifonía ( poli= varias; fonía= sonidos o
melodías). Las obras polifónicas son más complicadas de escuchar, pues un oyente inexperto puede perderse entre las distintas melodías. Un tipo especial de polifonía es el contrapunto o imitación. Un mismo tema entra escalonadamente en las distintas voces con varios compases de desfase, de manera que se imitan o persiguen, creándose un efecto musical muy bello. El contrapunto más sencillo es el canon, donde el tema se imita de manera literal. En la Fuga, en cambio, la melodía imitada sufre transformaciones en su transcurso, partiéndose en pequeños trozos, alargando o acortando sus valores rítmicos, invirtiendo su direccionalidad e incluso apareciendo de atrás para adelante. Todas las transformaciones que experimentan el tema, o sujeto de la fuga, son imitadas por las voces restantes. Por lo general, la fuga se escribe para cuatro voces o instrumentos distintos. Esquema de la polifonía La voz azul expone el tema, que es imitado por las voces amarilla y verde
En este fragmento expone el tema el violín, y le imitan poco después el oboe y la flauta.
Homofonía En la textura Homofónica participan varias voces o instrumentos, como en la polifonía, pero a diferencia de ésta, las voces no son independientes, sino que se relacionan y avanzan de manera compacta, a un ritmo semejante, manteniendo
relaciones verticales en la partitura y formando acordes. También se pueden identificar como varias melodías de distinta altura, pero que avanzan a un ritmo semejante. Si analizas el Alleluya del Mesías de Haendel observarás que, tras una breve introducción de los violines, comienza un coro en el que todas las voces cantan simultáneamente y actúan de manera compacta formando acordes. Ese fragmento es homofónico. En cambio, después las voces de las sopranos citan un tema, que es imitado sucesivamente en contrapunto por el resto de voces. La obra alterna las texturas homofónica y polifónica-contrapuntística en varias ocasiones. Esquema de la homofonía
Observa este fragmento musical. Un coro de tres voces canta esta obra homofónica. ¿Ves cómo las notas de todas las voces coinciden casi siempre verticalmente? Significa que llevan un ritmo similar, y juntas van formando acordes.
2. Heterofonía: ( es un tipo de monodia) suenan simultáneamente diversas variantes ornamentales de una misma línea melódica. Es frecuente en la música folclórica. Tb cuando una linéa melódica es doblada con otro timbre y adornada por pequeña percusión La palabra fue usada por primera vez por Platón para diferenciar entre las partes para voz y para lira en la música vocal con acompañamiento de la antigua Grecia. En la actualidad se usa para describir la simultaneidad sonora de una melodía y una variante elaborada de la misma, y también para la presentación casi canónica de una misma melodía, o de melodías similares, en dos o más líneas vocales o instrumentales. Este tipo de heterofonía constituye un rasgo distintivo de la música del siglo XX que denota la influencia de la música de conjunto de Indonesia y otros países del oriente asiático –como por ejemplo, las parábolas litúrgicas de Britten –, que recurren con frecuencia a este tipo de texturas musicales.
3. Homofonía (o polifonía vertical):
Música en la que una voz es claramente melódica, mientras que las demás son de acompañamiento, principalmente armónico. La palabra homofonía también se ha usado para describir música a varias voces en la que todas las partes siguen un mismo ritmo; un término más preciso para describir este tipo de movimiento de las voces es *homorritmia. En la textura Homofónica participan varias voces o instrumentos, como en la polifonía, pero a diferencia de ésta, las voces no son independientes, sino que se relacionan y avanzan de manera compacta, a un ritmo semejante, manteniendo relaciones verticales en la partitura y formando acordes. También se pueden identificar como varias melodías de distinta altura, pero que avanzan a un ritmo semejante
4.Polifonía (o polifonía horizontal). Es mayormente una textura contrapuntística. Suenan simultáneamente varias voces independientes, de importancia similar y ritmos diversos. Un ejemplo de esto, pueden ser los quodlibets que son distintas canciones que suenan simultaneamente ya que su armonía y su compas lo permite.
Fuga N°1 en Do mayor J.S. Bach: http://www.youtube.com/watch?v=YvHokjQ6enI&feature=related
Esta fuga de Johann Sebastián Bach empieza con una melodía; en el minuto 0:12 se agrega la misma melodía pero en otro tono y sin que cese la primera, en el minuto 0:17 se agrega la tercera melodía más grave y sin que cesen las otras dos y así sucesivamente; todas poseen una la misma importancia. Gracias al video podemos ver en 4 pentagramas las 4 voces que interactúan a lo largo de la pieza, y por si eso no fuera poco podemos ver también en líneas de colores como lo hacen.
Si las voces se imitan unas a otras (esto es, cantan o tocan melodías similares pero con retraso unas respecto a otras) hablaremos de polifonía imitativa o
Contrapunto Imitativo. o
Un caso estricto de polifonía imitativa es el canon: el contrapunto más sencillo es el canon, donde el tema se imita de manera literal.
En el caso del contrapunto imitativo un mismo tema entra escalonadamente en las distintas voces con varios compases de desfase, de manera que se imitan o persiguen, creándose un efecto musical muy bello. En la Fuga, en cambio, la melodía imitada sufre transformaciones en su transcurso, partiéndose en pequeños trozos, alargando o acortando sus valores rítmicos, invirtiendo su direccionalidad e incluso apareciendo de atrás para adelante. Todas las transformaciones que experimenta el tema, o sujeto de la fuga, son imitadas por las voces restantes. Por lo general, la fuga se escribe para cuatro voces o instrumentos distintos.
En la Polifonía de contrapunto imitativo en la imitación sucesiva de las voces no se pierde el orden tonal de la obra al momento de sonar: La polifonía contrapuntística imitativa es una de las formas de escritura musical más complejas, ya que se debe imitar la melodía y al mismo tiempo preocuparse de que la obra no se salga del tono trabajado y suene bien. Éste tipo de composición es la base de la “Fuga”, forma de composición muy
famosa en el barroco (Siglo XVII y primera mitad del siglo XVIII).:
Contrapunto Libre: Tipo de polifonía contrapuntística, donde las diferentes líneas melódicas se van sucediendo una detrás de otra, sin ninguna relación entre sí.
Variantes de la melodía acompañada: sonido tenido que funciona como soporte de la línea melódica. Es muy común en las gaitas, zanfonas, sitar, etc. (raga en la India, música popular medieval, impresionismo, música celta con gaitas)
Melodía acompañada con nota pedal o bordón:
Melodía acompañada por instrumento armónico: Es la melodía que estamos
acostumbrados a oir yaque la mayoría de nuestra música popular tiene esta textura.
Melodía acompañada con ostinato: diseño melódico y/o rítmico repetitivo que es el
encargado de dar soporte a la línea melódica Melodía acompañada con percusión no afinada: habitual en músicas tribales y en
las bagualas Como ya os dije al principio, este tema es de suma importancia para el oyente, siempre hay que hacer lo posible por analizar lo que escuchamos como auditores inteligentes; de esta forma y con el tiempo disfrutaremos cada vez mas el escuchar música. Al gu nas di recci on es w eb a t ener en cuen ta!
.http://youtu.be/TaTGrL3kb7w?list=PLnP7gncmKbaRqAO3Lzu637zEdYeWJ2_n d .http://apreciacionmusical1emba.blogspot.com.es/2010/05/textura.html
.https://www.youtube.com/watch?v=8yhd-dpC_7o .http://aprendemusica.es/Musicas/1_ciclo/UD6_LA%20TEXTURA/LA%20TEXTURA_HOT_POTA TOES/index.html . https://es.wikipedia.org/wiki/Textura_(m%C3%BAsica) . http://fatimalenguajemusical.blogspot.com.ar/2015/07/la-textura-musical.html . http://musicalrom.com/alumnos/webquest/latextura.html . http://beavalsalobre.blogspot.com.ar/2013/01/las-texturas-musicales.html
Esquema resumen
Punto 7.
La forma musical es la estructura que tiene una composición musical. Para diferenciar las diferentes partes de una obra se utilizan las LETRAS DEL ABECEDARIO (A, B, C…) EN MAYÚCULA. Si se repite alguna parte, se vuelve a repetir la letra (A, A). Y si se repiten con alguna modificación se repite la letra y se le añade (‘– A, A’).Y para una ampliación del lenguaje técnico aplicaremos sus funciones. La variación: Es la repetición con ciertas modificaciones (ornamentación de la melodía, alteración de la armonía, cambios rítmicos, etc.) de un tema, parte o motivo. En cada variación siempre se diferencian aspectos esenciales para identificarla con la original. La imitación: Es la repetición de una estructura melódica, rítmica, armónica, etc., por una voz, instrumento o grupo. El desarrollo: Es una transformación o elaboración de elementos de la parte inicial, (un fragmento melódico o rítmico, etc.), extraídos y combinados de manera diferente para crear una nueva parte, que puede tener algún rasgo reconocible respecto del original. El contraste: la nueva parte es completamente diferente de la precedente o anterior. Estas relaciones constituyen la base de las formas musicales. Para diferenciar las diferentes partes que forman las estructuras musicales se utilizan las letras del abecedario. A la primera frase melódica se le denomina "a" por ser la primera, la frase siguiente, si es repetición de la anterior le corresponde la misma letra "a", si es una repetición con alguna modificación se utiliza la misma letra con algún signo que identifique la variación " a' ". Si la frase siguiente es nueva se la identifica con la siguiente letra, es decir la "b". Para identificar las repeticiones de las partes se utilizan los signos de repetición, ||: a b: || es igual que a b a b, a: ||b c es igual que a a b c.
Los elementos más sencillos que podemos distinguir dentro de una obra son: Tema/Periodo: Es la idea melódica de una pieza vocal o instrumental que retiene el oyente, los compositores suelen usar como punto de referencia para después modificarlo y elaborarlo. Mostrando su habilidad compositiva y sus evoluciones realizadas. Es la unión de dos o tres frases. Frase: Es la suma de dos o tres semifrases. Semifrase: Es la suma de dos o tres motivos. Motivo/Inciso: Son los componentes más pequeños en una melodía.
Formas basadas en la repetición por secciones: Forma primaria: Es la forma más simple de la estructura musical. Son las que están constituidas por una sola frase aunque se repitan varias veces (cambia la estrofa, no la melodía - forma estrófica), A A A. En esta forma como en cualquier otra-, la Introducción y la Coda son facultativas. Forma binaria: Dividida en dos secciones: si se trata del tipo A A, la
segunda sección no puede ser la repetición exacta de la primera, algún tipo
de modificación A'. Si es del tipo A B, habitualmente la primera tendrá final suspensivo y la segunda final conclusivo. Con frecuencia, ambas secciones se repiten: AABB, estas repeticiones no alteran la forma binaria básica de la pieza.
Forma ternaria: Está estructurada en tres partes con muchas combinaciones: A B A, A A B, A B B, y A B C. La forma más usada por los compositores, es: ABA’. En donde A sería el tema principal, B el tema contrastante, y A(’), la repetición literal o variada del tema principal. Una variante de la misma sería A A B A "Ah, vous dirai-jes maman", canción popular francesa.
.Minuet con trío: Una obra musical de estructura ternaria. En cada una de sus 3 secciones: 1 diseño binario o ternario.
A ||:a:||:b a':||
B ||:c:||:d c':||
A ||a||b a'||
.Nos describe el tercer movimiento de la "Pequeña Serenata Nocturna" de Mozart, que presenta esta forma. Rondó: Hay un tema principal que se repite y entre cada repetición hay un tema que contrasta con él: A B AB A o A B A C A..., etc. La repetición del tema principal, también llamado estribillo (ritornello), los temas contrastantes (episodios o estrofas), mantienen el interés del oyente. Esquema del Rondó, de la Sonata en Do mayor k 545 de Mozart
||:A:|| B A C A CODA Para crear una forma musical se utilizan dos recursos básicos: la repetición y el contraste: La repetición: Es una idea musical, puede ser literal o con alguna variación con respecto a la idea original. Algunos temas pueden escucharse varias veces a la largo de una obra. El contraste: Evita que la música sea monótona, es la presentación de una idea nueva que contrasta con lo ya escuchado. Partiendo de estos dos recursos básicos, las partes de una composición pueden estar relacionadas entre sí de varias maneras diferentes: La repetición exacta: La variación: Es la repetición con ciertas modificaciones (ornamentación de la melodía, alteración de la armonía, cambios rítmicos, etc.) de un tema, parte o motivo. En cada variación siempre queda algunos aspectos esenciales para poderla identificar como repetición del original.
La imitación: Es la repetición de una estructura melódica, rítmica, armónica, etc., por una voz, instrumento o grupo distinto al que la interpretó. El desarrollo: Es una transformación o elaboración de elementos de la parte inicial, (un fragmento melódico o rítmico, etc.), extraídos y combinados de manera diferente para crear una nueva parte, que puede tener algún rasgo reconocible o presentar nuevas ideas irreconocibles respecto del original. El contraste: la nueva parte es completamente diferente de la precedente. Formas basadas en la variación: Tema con variaciones: Se basa en la aplicación del procedimiento de la variación. La mayoría de los casos se suele presentar en secciones independientes, cada una de las cuales presenta una modificación distinta, más o menos alejada del original. El compositor elige un tema y posteriormente lo repite con variaciones que modifican la melodía; cambiando la armonía, el ritmo, el compás, la velocidad, el registro, los instrumentos, etc. siempre se reconoce el tema del que parte la obra. Formas basadas en la imitación: La imitación: Es uno de los principios fundamentales de la polifonía, consiste en la repetición de un fragmento o motivo melódico en una o varias voces diferentes .La imitación puede hacerse a cualquier distancia, al unísono, a la 2ªº, a la 4ª, etc., la imitación puede ser literal o imitando sólo algún aspecto (melodía o ritmo). La imitación puede ser: Por movimiento directo: Se mueve en la misma dirección. Por movimiento contrario: se mueve en dirección opuesta cambiando los intervalos. Ejemplo: los que eran ascendentes ahora son descendentes y a la inversa. Por movimiento retrógrado: En donde se respeta los intervalos pero la imitación se inicia desde el final al comienzo, es decir de derecha a izquierda. Por aumentación: Cambiando los valores de las figuras por otros de mayor duración.
Por disminución: Cambiando los valores de las figuras proporcionalmente por otros de menor duración.
Canon:
Se denomina canon Cuando una imitación es sostenida mucho tiempo y especialmente si persiste en toda la composición, se denomina canon. En el canon una voz inicia la melodía y luego sucesivamente le siguen las demás, imitando la melodía original.
Canon de Pachelbel La invención: No se limita a imitar el tema, sino que lo varía y lo desarrolla. La fuga: Es una composición polifónica, normalmente es una obra para instrumentos de tecla aunque también puede ser para cualquier instrumento polifónico o un conjunto instrumental o vocal. Se desarrolla en un solo movimiento. Se basa en la técnica de la imitación. Es una obra para varias voces, con una estructura compleja que consiste en la repetición constante de un tema o melodía principal, llamado sujeto, acompañado de otros temas secundarios. El sujeto/tema principal: Se presenta por primera vez en una sola voz, luego se interpreta por las demás voces, una por una a manera de imitación. A lo largo de la fuga el tema reaparece constantemente, junto con los tema secundarios, al final de la fuga las voces terminan juntas en un final común. LAS FUNCIONES FORMALES Cuando hablamos de Formales nos referimos a la identificación de los pasos o etapas del devenir del discurso.
Las funciones formales se presentan en cualquier discurso articulado en el tiempo. Para describirlas se pueden imaginar analogías entre el discurso musical y una pieza oratoria. FUNCION INTRODUCTORIA: se identifica una sección del discurso destinado al llamado de atención, a concentrar a la audiencia antes de comenzar a tratar el tema. Esta sección No es imperceptible, ya que podría entrarse directamente en materia abordado el tema sin ninguna preparación. FUNCION EXPOSITIVA: se cumple en el segmento destinado al enunciado del tema. Este tema se presenta como uno o dos giros rítmico/melódicos (motivos) que se reiteran, esta función es imprescindible, sin esta NO HAY DISCURSO. FUNCION ELAVORATIVA: Esta sección está destinada a mostrar las diferentes transforciones del tema, suele no aparecer en piezas musicales muy breves. FUNCION TRANSITIVA: si hay 1 o 2 temas del cual se quiera hablar, puede asarse de uno a otro sin resolución de continuidad. Dentro de esta se encuentra se encuentran estas variantes: .Fun.Liquidativa: se redondea y se da por terminado el primer tema. .FUN.traslativa: Se explicita un momento de transición. .FUN.Preparatoria: se adelanta rasgos del próximo tema. En el caso de que se presenten nuevos temas, tenderán cumplir nueva funciones expositivas y elavorativas. FUNCION RECAPITULATIVA: cumple en el momento en que se vuelve a presentar un tema ya escuchado luego de haber sido elaborado. También puede oírse como la reaparición del tema. Función Conclusiva: se cumple específicamente en la sección destinada a anunciar el fin del discurso. Dentro de esta encontramos varias posibilidades: .Liquidativa .Cadencial .Coda, sección destinada a confirmar que el discurso ya termino su desarrollo. .reiteración motivica. .Función armónica cadencial.
Punto 8. EL TRATAMIENTO DE LA MÚSICA ¿A qué llamamos tratamiento de la Música? Desde hace mucho tiempo la música, Se estableció en dos vertientes: A-
La música llamada Académica o de tradición Escrita! ( desde hace mucho llamada erróneamente música clásica) Claro que esta tiene como característica principal: 1. EL desarrollo constante y evolutivo de la misma. 2. El registro continuo a través de los tiempos, documentando cada transición desde la edad media. 3. La adaptación y permanencia constante en la diversidad cultural, hasta la actualidad insertándose en los medios masivos, como el cine, los dibujos animados, las radios, etc.
B-
La música llamada Folklórica! (esta es la menos documentada, ya que no fue escrita y mucho menos grabada, ya que no existían los medios.) No por ello esta es menos importante! Partamos de la palabra el termino significa –SABER DE UN PUEBLOFolk: Pueblo, Lore: saber, esto nos predispone a entender por esto que debería ser: 1. Anónimo 2.Debe ser colectiva 4. Tradicional 5.No escrita 7. debe ser pasada de generación en generación!
3.Funcional 6.Localizada
.En algún punto de la historia, las dos se entremezclan y dan otras vertientes:
C-La música de Proyección Folklórica! Cuando nos referimos a ella, hacemos alusión al patrimonio cultural, que toma el espíritu de lo folklórico, pero que no se encuadra en lo puramente folklórico solamente, ya que sea grabado o con implementación de instrumentos musicales modernos o no tradicionales.
Para reconocer esta rama tendremos en cuenta ciertos aspectos como: 1. El huso de ciertas técnicas compositivas, como por ejemplo el contrapunto, la fuga, Melodías con variaciones muy elaboradas, etc. 2. El huso de armonías, muy complejas comp lejas (con sustitutos tritonales) con muchas modulaciones, tonalidades con varias alteraciones, Etc. 3. La instrumentación, instrumentación, el uso de instrumentos más convencionales, no tan folklóricos 4. Y por sobre todas las cosas, la autoría, la prueba escrita, y la falta de trasmisión oral, crea un espacio propicio para el reconocimiento de esta música.
D-
La música popular:
Designamos con este nombre a determinadas manifestaciones que surgen en las ciudades y circulan por todas partes llegando a coexistir con lo folklórico y lo académico. Son populares :(son solo algunos datos a tener en cuenta) 1. Las canciones del momento. 2. casi nunca tiene raíz folklórica y mucho menos nacional. 3. debes en cuando, La simplicidad en sus composiciones 4. El grado alto de comercialización. 5. La adaptación continua en los medios masivos de comunicación, novelas, televisión, etc.
Música Primitiva De De Los Pueblos Del Mundo La voz humana predomina en la historia por razones técnicas y por la falta de perfección en la evolución de los instrumentos primitivos. También religiosos y/o social.
Capitulo: 1 Primeros ejemplos: 1. borneo----osiánica -----Indonesia: Nota pedal o permanente, acompañado de un instrumento primitivo llamado LONZARUM que marca el ritmo. Este ritmo pertenece a una danza primitiva, añadiendo que es uno de los lugares l ugares más primitivos de la tierra. 2. Panama ----límite con el antiguo estado del choco región casi in explorada -----aborígenes cunas (ya tenía conceptos de polifonía), sonidos se parados por semi tonos. 3. Aborígenes del sur de USA USA – (camino del enemigo)-monódica áfrica del suroeste-Nueva república de Angola. 4. África de la suroeste-Nueva república de Angola -tribus primitivas -Coros polifónicos
5. África del norte -Congo Occidental-coros pentatónicos-(telegrafía primitiva) 6. África-Tambores -superposición primitiva 7. África -tambores comunicativos -(telegrafía primitiva) 8. Panamá y choco - aborígenes cunas -flautas separadas por 4 y 5 justas -principio primitivo de polifonía.
Capítulo 2(música primitiva de distintas aéreas) 9. Japón-canto narrativo de los pueblos primitivos de AYNOS-Historia: doncella hija de un dios que se transforma en humana. (Monodia) 10. Noruega—norte de Europa Laponia —son cancines sin palabras se llaman llaman joiks. Habla de un Hombre. Se utiliza 3 sonidos extraídos d una escala pentatónica. 11. Noruega—norte de Europa Laponia —Pueblo Joiks - Habla de una vaca. 12. Asia –india –región de ASAM muy aislada – MUSICA muy elaborada 13. Región boreal esquimal-canto por medio de una sartén. (Dos niñas esquimales de aproximadamente 15 años. 14. Africa-region de seilam-(tambores parlantes) 15. Indonesia-Nueva guinea-(tribus-banji y yimbu) Instrumental.2 flautas sonando simultáneamente separados levemente / micro tonalmente (4/4) 1° flauta marca 1y3 -2° 2y4. 16. .Indonesia-Nueva guinea-(tribus-banji y yimbu)Instrumental-4 flautas (precursor del canon.) 17. África- Congo central –coro polifónico de pigmeos.
Capítulo 3 (oriente de Europa) 18. China – melodía india (vocal)-los titubeos titubeos de un anciano caballero en un alto estado estado de intoxicación-dinastía Song-960-1179 19. .China – melodía india (vocal) las olas que bañan la playa. Dinastía-yuan 20. .China – Música dramática china. 21. China –ópera china-teatro musical –fragmento! 22. Región del Tíbet-(entre la china e india) Conjunto instrumental-religioso, lamaísta monjes. 23. .Región del Tíbet-(entre la china e india) Canto lamaísta. 24. .Región del Tíbet-(entre la china e india)-Monjas budistas. 25. Región del Tíbet-(entre la china e india)-Monjas budistas. Lamento fúnebre. (Siniestro). 26. Japón- el canto de los marineros.
Capítulo 4 27. Indonesia – (gamelan: agrupación de conjunto instrumental avanzado), Gamelan primitivo de la isla de borneo. 28. Indonesia-isla de Valí-gamelan (ceremonias (c eremonias jubilosas) 29. Indonesia-isla de Valí-gamelan.otra variante. 30. Indonesia-isla de Valí-gamelan gambu. 31. Indonesia-isla de Valí-gamelan – fig. Sin. 32. Indonesia-isla de Valí-gamelan – Variante instrumental. 33. Islas filipinas – música vocal. 34. Islas filipinas – música instrumental. 35. Asia-Vietnam-música instrumental (arpa mariposa, golpeada por algunos martillitos.) 36. Tailandia o antigua siam-musica dramática- esca.de tonos completos-
Capitulo5 (India música vastísima) 37. Sur de la India-Raga Instrumento lamina (inst. de cuerda) 38. .Sur de la India-Mándala-sbaramandala (arpa popular), relacionado con un chímbalo antecesor del piano y este ejemplo utiliza util iza la esc.Pentatonica. 39. India – tablas (12 tambores) 40. India- Malabar – lugar de la india – tablas y orq. De chímbalos –estilo música de tradición escrita. 41. India- Malabar – lugar de la india 2° eje. 42. India – Raga – (sistema tonal de cuartos de tonos)-función relajación. Ejecutante David Jankar.
Capitulo6 (Música de Arabia), Asia y África 43. Irak –Música popular, del imperio Persa – Ojos soñadores. 44. Muisca de Islam – siglo Ix –cultura turca – (oración a los fieles de maoma) 45. Turquia-concierto (preludio fiesta matrimonial) 46. África del norte -Región Magrib-region de Marruecos, (moros) 47. África del norte -Región Magrib-region de Tunes 48. África del norte -Región Magrib-region de Argelia.
Capitulo7 (Música Judía)-No es fácil de conseguir 49. Pieza musical del Comp. Rabel Basado en un u n ritual antiguo-cadish-(oración) 50. Salmo judío 51. Himno judío 52. Kolnidren-Canto popular-(oración siglo 2 DC.) 53. Libano-(zona Palestina – Israel) 54. Siria-Simbiosis (griego, renacimiento, barroco) melismas.
Capitulo8 (Música Griega antigua – (Muy pocos Ejemplos encontrados) 55. Fore-siglo 2 Ac.-Arreglo Himno Apolo 56. Ejemplo de música Vicentina. 57. Otro ejemplo de música Vicentina.
Capitulo9 (Música Cristiana – No católica Romana – No Religiosa) 58. Iglesia griega ortodoxa –Constantinopla hoy actual estado de Israel –Jerusalén- coro, salmo de San mateo-Griego antiguo. 59. Etiopia-No Religiosa-Idioma Ges. 60. OBTO – Griega católica – Idioma Árabe. 61. Jerusalén-Armenio antiguo. 62. Egipto –Música a capela cantada en árabe. 63. Iglesia SIRIA-(Aleluya) –Sirio antiguo, 64. Líbano - Iglesia Actual –culto menonita Siglo III dc. A-santus.Arabe 65. .Líbano - Iglesia Actual –culto menonita Siglo III dc. B-Salmo 42. 66. Belén de Judea –repique de campanas.
Capitulo10 (Iglesia griega Ortodoxa – Proviene de la sinagoga judía)
67. siglo- Emperador Justiniano I – Iglesia Vicentina 68. Siglo VII-(canon)- cultura visantina 69. Himno Vicentino 70. Iglesia Ambrosiana- Mozárabe (sur de España), padre nostro… 71. Iglesia Iglesia anglicana (Francia)
Capitulo11 (Edad Media –mus.popular-Epoca de trovadores y juglares, de comedias y operetas)
72. Varios Ejemplos de fragmentos de la época del siglo XVII 73. Siglo XIV –Dekia danza inglesa 74. Siglo XVII –Reicor Estampida inglesa 75. Danzas Inglesas a 2 voces
Hasta aquí damos un cierre, donde se encuentra la vanguardia de la evolución de la música Europea de tradición escrita, y por otro lado el desarrollo y evolución de la música folklórica, y o de masas de los pueblos de cada región.
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