Resumen Historia II (1 Parcial Parcial )
Lowe “de la linealidad a la multiperspectividad” La percepción tiene lugar en el campo de la percepción donde un sujeto encarnado percibe el mundo circundante orientado en dos dimensiones o coordenadas espacio y tiempo. Respecto de esto existen tres conceptos relacionados: Contenido del pensamiento campo de la percepción estructura de la sociedad El campo de la percepción per cepción se encuentra limitado por tres factores: (trípode dialéctico) Mc: Enmarcan y facilitan el arte de percibir. Son prótesis o prolongaciones de los sentidos. Js: estructura al sujeto encarnado. Oe: es el conjunto de categorías y valores que ordenan el contenido de lo percibido. Mirada, cosmovisión. -Siglo XIX: linealidad Mc: imprenta Js: vista y oído Oe: (a la representación en el espacio se suma) el desarrollo en el tiempo. Esta configuración del campo de la percepción lo hace uniperspectivo, lineal, objetivo. Podemos ver la linealidad en el positivismo, cuando, con la ley de gravitación universal surge una etapa en la que la ciencia esta completamente convencida de que es posible conocer todas las leyes. Se creía que el modelo de la ley de Newton era aplicable para todo y que se podía tener un conocimiento acabado de las cosas. Veían la historia como una línea continua y creciente hasta alcanzar su forma acabada y definitiva. Entre 1905 y 1915 se produce un quiebre ligado a principalmente dos cambios, el de la estructura de la sociedad (cambios económicos y políticos) y cambios de la percepción. El campo de la percepción se vuelve multiperspectivo. -siglo XX: multiperspectividad (descentralización, convergencia, sincroneidad) Mc: electrónicos (fotografía, cine, televisión) Js: vista y oídos extrapolados. Oe: Sistema sincrónico de oposiciones binarias. (1-semiología del signo, 2- espacio-temporalidad del film, 3- meta-comunicación meta-comunicación de la imagen). Con los nuevos medios electrónicos surge una extrapolación de los sentidos, las cosas a ver y oír se extienden y cambia el orden epistémico. (Epistemología: una rama de la filosofía cuyo objeto de estudio es el conocimiento científico. científico . La epistemología se ocupa de problemas tales como las circunstancias históricas, psicológicas psicológicas y sociológicas que llevan a su obtención, y los criterios por los cuales se lo justifica o invalida.) Se dan también cambios estructurales, la actividad agrícola-ganadera pasa a otro o tro plano con la industria. Desde la Rev. Industrial y de la Rev. Francesa se venia conformando un nuevo orden económico y político. Las ciudades reconstruidas se hacen masivas y a principios del siglo XIX las ciudades desbordan. Entonces surge la necesidad de administrar a las masas. Los cambios estructurales fundamentales son: -Producción y consumo. -Economía (Keynesiana =/ liberal) y estado (se vuelve intervencionista). -Ideología. Transformación de la sociedad burguesa a la sociedad burocrática, (de persuasión, administración de masas), de consumo controlado. A partir de la crisis del 29 y Revolución del 30 surge una nueva clase, la clase media y surge un desbalanceo de la oferta por sobre la demanda, es así que se trata de controlar y regular el
consumo. En conceptos ideológicos el liberalismo parecía no tener oposición pero entra en crisis en el 29 y surge un modelo en el que el estado va a intervenir. Dentro del punto de vista perceptual se empiezan a cuestionar los modelos mecanicistas Newtonianos, donde todo se podía estudiar en términos de causa y efecto. Estos modelos se abandonan, se abandona la linealidad y surge la teoría de la relatividad de Einstein, el modelo etimológico deductivo. Surge un nuevo planteo en el que espacio y el tiempo son relativos. Un mismo fenómeno observado puede arrojar valores distintos para diferentes espectadores. En cada disciplina surgen entonces nuevas corrientes: Filosofía y física: (Husserl y Einstein): superación de explicaciones mecanicistas. Pintur Pintura, a, música música y novela novela:: (P (Picc iccass asso, o, Schönb Schönberg, erg, James) James) Se rompen rompen las conven convencio ciones nes que limitaban la expresión, y se defiende la visión del autor, (este es liberado y expresa su propia visión del mundo). P= representación, presentación. Arqu Arquit itec ectu tura: ra: (Behr (Behren ens, s, Grop Gropiu ius, s, Le Corb Corbus usie ier) r) Nuev Nuevas as nece necesi sida dades des soci social ales es,, nuev nuevos os materiales, (cristal y acero) y nuevas técnicas. Interconexión entre espacio externo e xterno e interno. Dentro del nuevo orden epistémico (sistema sincrónico de operaciones binarias) Lowe estudia y desarrolla tres conceptos puntuales: - Semiología del signo: signo-estructura-semiología. Saussure, padre de la semiología hace un estudio sincrónico del lenguaje y plantea que existe una relación arbitraria entre Ste y Sdo. Jacobson plantea a la imagen en términos tér minos de texto visual. Levi-Strauss estudia las relaciones de parentesco entre la doble articulación de Saussure. Lacan estudia la estructura del inconsciente. Foucau Foucault lt hace hace un estudi estudio o históri histórico co de diferen diferentes tes discur discursos sos basánd basándose ose en que para para el los epistemas se encuentran implícitos en el discurso. - La espacio-temporalidad del film: extrapolación de los sentidos (imagen y sonido), cambio en la espacio-temporalidad. . Es un sustituto del espacio tiempo vivido del público sentado pasivamente en una sala. . Transporta al público más allá de si mismo. (Corte y edición de escenas), cámara y edición constituyen la multiperspectividad de un film. Tipos de film: ficción, (que tiene un argumento, una historia), fáctico (intenta documentar la realidad), experimental, (búsqueda o exploración de las posibilidades expresivas). -La -La meta meta-c -com omun unic icac ació ión n de la imag imagen en:: La imag imagen en es el medi medio o aprop apropia iado do para para la meta meta-comunicac comunicación ión del siglo siglo XX. Dentro de la nueva cultura electrónica, electrónica, la fotografía fotografía,, la película, película, el surrealismo y la publicidad producen un cambio fundamental en la imagen. Esta: ..Define la realidad del siglo XX ya que es concebida como el medio de comunicación más eficaz. ..Se refiere a si misma, pierde su referente (a lo que hace referencia, le creemos mas a la imagen, la imagen se come al referente). ..Ocupa el lugar de valor de uso, toma el lugar de valor de uso, vende al objeto. ..Seu ..Seudo-a do-acon contec tecimi imient ento, o, refier refieree a un aconte acontecim cimien iento to que no existi existió, ó, la imagen imagen invent inventaa al referente. Tant Tanto o la foto fotogr graf afía ía,, la pelí pelícu cula la,, el surre surreal alis ismo mo como como la publ public icid idad ad tien tienen en una una cuot cuotaa de responsabilidad ya que: la fotografía fragmenta la realidad, la película porque inventa una espacio-temporalidad propia, el surrealismo porque es un ataque a la razón para liberar la imag imagin inac ació ión, n, y la publ public icid idad ad,, porq porque ue su fina finalilida dad d es desar desarrol rolla larr el cons consum umo. o. (Con (Consu sumo mo controlado a través de la publicidad).
Fiz “La arquitectura de la gran ciudad” Scheffler: METROPOLI -punto neurálgico de los intereses económicos internacionales.
pasado).
-Lugar de apuesta por una nueva arquitectura. (Opuesta a la del
En el centro de la city debería dominar el RASCACIELOS: -gran almacén compuesto por la superposición de plantas equivalente - será la personificación de la arquitectura de la gran ciudad, su paradigma. La muerte de la vida individual y la melodía diferenciada: -Arquitectura funcional: .. Carencia de ornamentación, .. Identificación entre estructura formal y constructiva. .. Recurso de los nuevos materiales, .. Estética de la maquina (como parámetros de forma, exactitud, precisión, regularidad, aspiración a lo modular) .. Interpenetración entre espacio interno y externo. Grosz tiene una declarada admiración por una ciudad que nunca ha visitado y que solo ha visto a través de revistas y anuncios publicitarios: Nueva York, así lo corroboran sus dibujos, fotomontajes y poesías dedicadas a la ciudad de hierro y cristal, de los rascacielos y los anuncios. La ciudad en cuanto a metáfora del caos e indiferencia óptica puede vislumbrarse en los fotomontajes de Grosz como “Vida y movimiento en la universal city a las 12 h con 5 m del mediodía” y Heartfield, entusiastas exponentes dadaístas que nunca han visto América. Para ellos la ciudad americana es el modelo soñado de la metrópoli moderna. Se apropian de la misma a través de imágenes visuales y acústicas, así parece ser que los objetos, palabras, hombres y arquitecturas son arrastrados por una suerte de torbellino báquico. Grosz cultiva al mismo tiempo, pintura, fotocollage y fotomontaje. La metrópoli es el ámbito privilegiado donde se despliega el montaje visual, allí es donde la percepción es radicalmente sacudida por la experiencia sensible. Con la Revolución Industrial, ciudad antigua y modernas topologías coexisten. El hombre metropolitano se enfrenta a una acumulación de estímulos, en virtud de ello la aparición del montaje no es una mera respuesta a las posibilidades técnicas y estéticas, sino un correlato artístico acorde con las experiencias perceptivas y emocionales de una realidad cambiante. La gran ciudad ya no puede ser representada como una unidad visible y ordenada, el fotomontaje dadaísta es la ligazón de un universo técnico con las condiciones de percepción y de vivencia cuyo sustrato es lo fragmentario. Los dadaístas berlineses en cierto modo sistematizan visualmente el caos como fenómeno espiritual, como liberación de estructuras instintivas, premisa para una nueva cultura y una nueva óptica. Pero a su vez semejante caos queda neutralizado por lo que los dadaístas llamaron “principio de indiferencia” creativa y óptica. La simultaneidad se identifica con el momento de mayor vibración: el mediodía. ..Tráfico y agitación de la gran ciudad, visión en todas las direcciones, inexistencia de las relaciones estables entre los objetos. Los dadaístas se abandonan al caos de una interpretación tan elástica que oscila lo absurdo e incomprensible. Se puede ver la indiferencia óptica en las pinturas de Grosz donde todo cobra un tono rojizo homogéneo que envuelve y tiñe el espacio plástico, y que en los fotomontajes da lugar a una representación acumulativa y sin matices diferenciadores del caos urbano y objetual.
La insensibilidad hacia cualquier distinción, el vaciado de los significados en los seres y las cosas desemboca en la muerte de la vida individual y de la melodía diferenciada. La mecanización desplaza a los individuos. La exaltación del rascacielos La exaltación dadaísta del mundo americano culmina sin duda en la exaltación del rascacielos. Asociado con el descubrimiento de la gran ciudad se le proclama como: .. Expresión constructiva de una tendencia a la concentración urbana. .. Para los comerciantes, representa funcionalidad. .. Para los arquitectos encarna las nuevas tareas monumentales y metropolitanas de la arquitectura. La penetración del rascacielos en Europa despierta en el mundo artístico el interés sobre la arquitectura de la gran ciudad, y es una figura más de lo moderno. El fotomontaje es muy utilizado por los arquitectos cuando desean mostrar la relación existente entre la ciudad realizada y las arquitecturas proyectadas. Metrópoli, paisaje industrial, y estética de la maquina La iconografía urbana de Léger exalta el heroísmo de la metrópoli y la vida moderna. .. En sus composiciones usa detalles característicos de la vida metropolitana (elementos de arquitectura, partes de maquina, signos tipográficos o de transito), que reduce a un vocabulario común de formas estandarizadas y colores brillantes. .. No le interesa la abstracción (alto nivel en sus trabajos) sino es en contacto directo con la realidad. Adopta la actitud de gran realista a lo Kandinsky. .. Léger segrega sus formas de los modelos reales con un conjunto de reglas y equivalencias del trabajo artístico con la estética de la maquina. Desde este realismo de concepción las vistas urbanas se asemejan a los objetos manufacturados. .. Los elementos abstractos de su imaginería, no renuncian a la voluntad de configurar una nueva realidad. .. Exalta el nuevo universo figurativo de la gran ciudad. .. Tiene admiración por Nueva York. Los presicionistas .. Junto con los rascacielos, eligen motivos vinculados al paisaje industrial que se destacan por su volumetría: los rectángulos de las casas y ventanas, los depósitos fabriles de agua, etc. ..Se vuelcan hacia temas sencillos y comunes. .. Detienen su mirada en los humildes edificios de uso. .. Toma de base el material fotográfico. La fotografía es declarada la mas moderna de las artes en virtud (el hombre somete su voluntad a la maquina). En muchas de sus obras se denota una apariencia instantánea, solidificada y congelada. A fines de los 20 se alude a una americanización del arte, la fabrica y el mundo industrial americano son retomados por numerosos artistas que durante la década de los 30 giran en la orbita del presicionismo. Las composiciones son cada vez mas simplificadas y abstractas, rayando en ocasiones con lo inobjetivo y la esquematización. La nueva objetividad y el espíritu de la época Tras la 1º guerra mundial surgen en Francia, Alemania, Italia y Estados Unidos, manifestaciones artísticas que se oponen: - Por una parte a los expresionistas vitalistas; - Por otra al experimentalismo de los diversos constructivismos. La nueva objetividad (o realismo mágico, comprometido con la cotidianeidad y con lo social) agrupo las corrientes más veristas y realistas en la Alemania de los años 20. Berlín continua siendo el centro político y cultural y en el se forma el grupo inicial, teniendo entre sus promotores a los dadaístas a Heartfield y Grosz. En 1920 su pintura experimenta un cambio en el que influye la contaminación de la “pintura metafísica”:
.. Perspectivas irritantes .. Desconcertantes puntos de fuga .. Similitudes con la composición del collage .. Figuras transformadas en estatuas y mascaras, y el manichino. El manichino y las arquitecturas pasaran a ser muchas de las composiciones de la nueva objetividad . El motivo del manichino es un lugar común que introduce la escuela metafísica en la pintura de nuestro siglo, y podrá adoptar personificaciones tan variadas como el maniquí, la muñeca o la marioneta. El hombre se mecaniza, adopta las formas y movimientos de la maquina, funciona como ella. Los dadaístas Grosz y Hausmann hacen una interpretación de los maniquíes para convertirlos en símbolos del hombre mecanizado. El espíritu de la época parece identificarse con un hombre sin atributos, cuyo cerebro se ha vaciado o se mide por la lógica de la medida o la economía. El maniquí adopta una apariencia sin atributos, a no ser la de los objetos que la presiden. - Construir en vez de crear: Los dadaístas al igual que los futuristas o Léger tienden a reemplazar al genio por el mecánico, el instalador o el ingeniero, ya que a todo ello se refiere el término montar. - Se combinan una concepción maquinista del manichino, convertido el hombre en masa sin rostro, y en un escenario arquitectónico repleto de edificios funcionales y fabriles despersonalizados. En ella el hombre, marioneta o autómata es ese hombre vacío del industrialismo, la burocracia o el militarismo que puede acabar falto de todo control. Sentimiento general de deshumanización. -La imagen mas generalizada es la que combina el maniquí y la arquitectura funcionalista. En la nueva objetividad confluyen ciertas aspiraciones metafísicas y constructivistas en el escenario de la metrópoli contemporánea. -En la gran ciudad no cabe la nostalgia clásica, sino lo más inhóspito del artificio moderno, donde el extrañamiento artístico no hace sino enfatizar la pérdida del corazón y de los atributos. -Muchas de sus obras (Grossberg) combinan la técnica de la nueva objetividad con las imágenes de ensueño surrealista, como si traslucieran las pesadillas amenazantes de nuestra civilización técnica. Anticipación o reflejo artístico de la racionalidad arquitectónica Rasgos comunes entre si en las pinturas de la arquitectura (de Grosz, Schlichter, Hoerle). - Están precedidos por una tensión entre las figuras y los escenarios arquitectónicos, - Seres robotizados o mecánicos, que deambulan entre una arquitectura tan despersonalizada como ellos. - Arquitecturas pintadas: desnuda, carente de ornamentos, de plantas superpuestas, esqueleto de hierro y cristal, volúmenes regulares (Esta arquitectura es estimada como moderna) En estas pinturas (Grosz) parece cristalizar antes que la arquitectura, el espíritu colectivo del momento. El triunfo de la sencillez, la pureza, la veracidad han de interpretarse no solo como una cuestión formal sino permite el conocimiento de al realidad. La pintura de la nueva objetividad se caracteriza por: La sobriedad / La exactitud / La precisión de la representación Ello explica porque el detalle, la relevancia del dibujo, los procedimientos casi fotográficos, la escasa diferenciación entre primeros y segundos planos. Como consecuencia se anula toda huella de los gestos, toda escritura subjetivista y emocional.
Vivencia del nuevo tipo metropolitano, el cual no reacciona ante la ciudad con sus sentimientos sino con la razón, mediante la abstracción y la objetividad. En su fría y descarada objetividad estas pinturas e la arquitectura eliminan cualquier vestigio del pasado y nos ofertan unas formas, enemigas de las diferencias, indiferencia ante las cosas y sus atributos. La pintura de la arquitectura de la nueva objetividad se encuentra con el fotomontaje (desprendido del caos dadaísta) Trasluce el empobrecimiento de la sensibilidad. “En la gran ciudad se nos ofrece en forma de edificios, en una abundancia de espíritu despersonalizado”.
Vanguardias
Todos los movimientos artísticos renovadores que se produjeron en las primeras décadas del siglo XX en Europa e influyeron en las artes (literatura, pintura, teatro, cine, música) del resto del mundo. El término vanguardia designa la parte más adelantada del ejército, la que luchará antes contra el enemigo, la "primera línea" de combate. En el terreno artístico es, la "primera línea" de creación, la renovación radical en las formas y contenidos para, al mismo tiempo que se sustituyen las tendencias anteriores, enfrentarse con lo establecido considerado obsoleto. Una de sus características es la actitud provocadora. Las vanguardias proponen una nueva función social, el arte para cambiar la realidad. Contexto histórico y cultural
Desde el punto de vista histórico, el primer tercio del siglo XX se caracteriza por grandes tensiones y enfrentamientos entre las potencias europeas. Además de la I Guerra Mundial (1914-1918), tendrá lugar la Revolución Soviética (octubre de 1917), abriendo esperanzas para un régimen económico diferente para el proletario y para los sectores más desfavorecidos de la sociedad. Tras los felices años 20, época de desarrollo y prosperidad económica, vendrá el gran desastre de la bolsa de Wall Street (1929) y volverá una época de recesión y conflictos que, unidos a las difíciles condiciones impuestas a los vencidos de la Gran Guerra, provocarán la gestación de los sistemas totalitarios (fascismo y nazismo) que conducirán a la II Guerra Mundial. Desde el punto de vista cultural, es una época dominada por las transformaciones y el progreso científico y tecnológico (la aparición del automóvil y del avión, el cinematógrafo,...). El principal valor será, pues, el de la modernidad, o substitución de lo viejo y caduco por lo nuevo y original. De esta voluntad de ruptura con lo anterior, de lucha contra el sentimentalismo, de la exaltación del subconsciente, de lo irracional, de la libertad, de la pasión y del individualismo nacerán las vanguardias en las primeras décadas del siglo XX. EXPRESIONISMO
-El texto a cerca del expresionismo es solo un texto anecdótico, un relato de cómo se formo es grupo de artistas, el expresionismo no posee manifiestos debido a su carácter intolerante de agrupaciones con programas demasiado fijos que limitan la libertad individual. -El expresionismo surgió como una corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos, las emociones del autor y el impulso creativo, más que la representación de la realidad objetiva. Fue una generación de creadores y amantes del arte llamados por la novedad, con una actitud positiva, y una obligación frente al cambio. -El movimiento expresionista apareció en los últimos años del siglo XIX y primeros del XX como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento, particularmente en las academias de Bellas Artes. -El artista expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se
distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística. Para los expresionistas era necesario tomar de la vida la inspiración para crear y apoyarse en la experiencia directa. -Algunos artistas como Kirchner, Heckel y Schmidt-Rottluff entre otros, formaron casi sin percatarse un grupo que tomo el nombre de Brücke. Ellos hacían un llamado a la juventud, y tenían su fe puesta en el progreso. -La pintura expresionista es el arte que representa sobre un plano un fenómeno sensible; su medio es el color como fondo y línea, (con una paleta con carácter desprolijo y colores poco usuales). El pintor transforma en obra de arte la concepción sensible de su experiencia. No hay reglas fijas, las reglas surgen durante el trabajo según la personalidad del creador, la manera de su técnica y el tema que se propone, ya que, nunca se puede construir una obra a base de leyes o modelos. así como la fotografía reproduce exactamente el objeto, la pintura, que esta liberada de esta tarea debe recobrar su libertad de acción. -La grafica para el expresionista consiste en trasladar en la mecánica, la parte manual de la personalidad del autor, utilizando tres técnicas graficas: la xilografía, la cual valoriza el elemento lineal gracias a su simplificación; la litografía, que da el dibujo de manera directa; y el grabado. Con las tres técnicas trabajadas a mano, los artistas se encontraban en disposición de dar forma a sus ideas y así mismo se permitía realizar al autor los últimos retoques técnicos. FUTURISMO
Movimiento artístico nacido en Italia a comienzos del siglo XX que rechazó la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la faz del mundo. El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti recopiló y publicó los principios del futurismo en el manifiesto de 1909. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto del futurismo. -Son elementos esenciales el amor, la temeridad y la rebeldía. Queremos exaltar el movimiento agresivo, el insomnio febril, el salto mortal, la bofetada, el puño. El mundo se ha enriquecido de una nueva belleza, la belleza de la velocidad. Queremos aumentar el fervor entusiasta, no existe belleza fuera de la lucha, queremos glorificar la guerra, queremos combatir contra el moralismo y el feminismo. Queremos destruir el culto al pasado, la obsesión con lo antiguo. El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano. En 1914 se presentaron también los primeros dibujos sobre una ciudad moderna. Aunque el futurismo tuvo una corta existencia, aproximadamente de 1909 hasta 1916, su influencia se aprecia en las obras de Marcel Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en París, así como en el constructivismo ruso. Glorificaba la guerra como el medio de acabar con todo lo tradicional y burgués, por esa razón en 1915 algunos de los representantes del futurismo, como Marinetti y Sant'Elia, se enrolaron en un batallón de voluntarios, de acuerdo con el punto nueve de su decálogo fundacional, donde se ensalzaba la guerra como la única higiene del mundo. Algunos de ellos murieron. El futurismo fue uno de los primeros movimientos que supuso una ruptura frontal con las formas tradicionales. Los increíbles avances tecnológicos de la época llevan a los futuristas a mitificar a la máquina y a convertir a la velocidad en su religión. Como líder indiscutible de este movimiento podemos destacar a Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944).
Los diseñadores intentan capturar la energía de la velocidad con arcos dinámicos y superestructuras en la página. Los textos se reparten por la página a modo de collage y forman formas constructivas, el método estándar de lectura desde hace siglos es cuestionado en muchos trabajos de los futuristas. Otro rasgo definitorio de este periodo es que el tipo y las letras se convierten en elementos autónomos de diseño empleados de forma libre, se acude al fuerte contraste de formas y tamaños y el uso de la línea diagonal con el texto y la repetición secuencial del mismo hace surgir una tipografía de símbolos verbales. Los tipos ya existentes sirven para cualquier propósito reduciéndolos, cortándolos y modificándolos, sirviéndose para este fin de tipos romanos. Características
-Negación del pasado y del academicismo. - Desprecio de lo imitativo - Exaltación de la originalidad. - Intento de expresar las estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc. (en el fondo trata de plasmar el mundo moderno y nuevo de las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo). - Representación plástica del dinamismo y del movimiento basada en el "simultaneismo": multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo; plasmación de las líneas de fuerza; intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición. Todo se mueve, todo corre, todo transcurre con rapidez, un caballo que corre no tiene cuatro patas, tiene veinte. - Creación de ritmos mediante formas y colores. - Temática figurativa: máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc. - Color refulgente, tanto plano como modulado; también transparencias (al principio el color fue aplicado de manera divisionista, con pincelada fragmentada). -Las sensaciones pictóricas no pueden ser susurradas, nosotros las hacemos cantar y gritar. -muestra de valor y orgullo ante la acusación de locura. -magnifica la vida actual incesantemente transformada por la ciencia victoriosa. -disonancia, sinestesia, simultaneismo, contraste. - aun así el futurismo poseyó algunas contradicciones: Declarados antirromanticos pero hacen un arte que expresa estados de animo. Declarados socialistas pero no se interesan por las luchas obreras. Declarados internacionalistas pero a la hora de hacer una opción política son nacionalistas. Declaran necesaria la guerra como higiene del mundo pero participan en ella. Influencias Del cubismo por la descomposición de planos y de volúmenes. Artistas Umberto Boccioni (1882-1916), Gino Severini, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo
Balla, hermanos Duchamp. DADAISMO
-Dada fue un movimiento literario y plástico fundado en Zurcí en 1915, ( y hasta 1922) que se expandió rápidamente al resto de Europa, es la vanguardia mas internacional, caracterizada por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, tenían una actitud anti-arte. Comenzó como un movimiento anarquista de oposición a los valores sociales imperantes y al absurdo de la Primera Guerra Mundial. Dada repudiaba el orden preestablecido y rechazaba las convenciones, el sentido común y la razón, porque ellas dictan lo que se puede y lo que no se puede hacer. -Sus orígenes se localizan cuando una serie de artistas de distintas nacionalidades se encontraron como refugiados en Zúrich durante la Primera Guerra Mundial: Tristan Tzara y Marcel Jank de Rumanía, el francés Jean Arp y los alemanes Hugo Ball, Hans Richter y Richard Huelsenbeck. Tras varios encuentros informales en distintos cafés, empezó a tomar forma la idea de crear un cabaret internacional. La primera celebración tuvo lugar en 1916 en el Cabaret Voltaire, y consistió en un espectáculo de variedades con canciones francesas y alemanas, música rusa, música negra y exposiciones de arte. Los dadaístas generaban espacios alternativos de muestras.
-Las intenciones del grupo eran básicamente la internacionalización del arte y la propagación del arte abstracto; el dadaísmo negaba la relación entre el pensamiento y la expresión, juntaba palabras e imágenes que al parecer no tenían ninguna relación entre sí, celebraba lo casual, lo absurdo, lo espontáneo e incontrolado. Pretendía cambiar la sociedad, la cultura y el arte a través del desconcierto, el inconformismo, el nihilismo, la ironía, la negación de la irracionalidad y de todos los valores establecidos hasta entonces. -Dada no significa nada ni reconoce teoría alguna, es duda, desconfianza, contradicción, los verdaderos dadaístas están en contra de Dada. Los dadaístas afirmaban que una obra de arte nunca puede ser bella por decreto, objetivamente y para todos. El nuevo artista ya no pinta, protesta. Dada va en contra de los sistemas, el único sistema aceptable es el de no tener sistema. Le interesa liberar determinados instintos, y no le interesa normativisar nada ni construir dogmas. Niega todo cannon impuesto y hace una expresión irónico-satírica de los valores establecidos por la tradición. Se vuelve a lo instintivo, irracional, a lo sin sentido, a lo azaroso. Se reduce a la pura acción. Tesis dadaísta: negar toda la historia pasada, y la proyección de futuro y volver al punto cero. Para el dadaísta lo que determina el valor ya no es un proceso técnico, sino un acto mental, una actitud distinta respecto a la realidad. Con solo romper el círculo de las reglas sociales, cualquiera puede comportarse de manera artística, ser artista. -El tiempo es efímero, ya que dentro de lo literario por ejemplo no hay sucesión. Este movimiento se extendió a Berlín, Colonia, París y Nueva York donde se constituyó el núcleo más progresista en torno a Duchamp. La actividad de este artista se caracterizó por la atribución de un nuevo valor a objetos descontextualizados (los llamados Ready-made) Término utilizado por Duchamp para designar los objetos del entorno (un botellero metálico, un urinario, una rueda de bicicleta sobre un taburete de cocina, etc.), carentes de valor artístico en si mismos, pero que al ser presentados fuera de su contexto habitual adquieren un sentido distinto, cuestionando el concepto tradicional del arte y recabando para ellos el sentido de objetos artísticos. Un objeto cualquiera es presentado como una obra de arte, se atribuye valor a algo que parece carecer de ello, todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico. -Francis Picabia lanza la idea de un arte “amorfo”, que no solo no representa, sino que no es nada. características
- Expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos por la tradición y también por la vanguardia fauve y expresionista (actitud anti-arte). - Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales ( collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano. - Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y cualquier canon impuesto. - Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la identidad entre el arte y la vida). - Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico (Marcel Duchamp crea sus ready-mades ). - Temática en la que predominan los mecanismos absurdos ("antimecanismos" que desarrollan una visión irónica de la máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la época). - Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos, revistas y anuncios; y el collage dadaísta (desarrollado por K. Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y estado. -El artista es antiburgues, anti yo, anti autor. -para hacer un poema dadaísta recorte de palabras.
Artistas En Zurcí: Hans Arp. En París: Francis Picabia (1878-1953). En Nueva York: Marcel
Duchamp (1889-1968).
SURREALISMO (Miro Dalí Max Ernst)
El surrealismo fue uno de los movimientos más influyentes de principios de siglo. Corriente organizada. Buscaban una realidad más auténtica. Afirmaban que la realidad se encontraba más allá de lo visible y tangible, en el subconsciente. Empleaban en el arte, el sueño, los instintos y los deseos ocultos y reprimidos dándoles expresión en su obra. El movimiento surrealista nace en Francia finalizada la primera guerra mundial. Abarca todo el arte en general. El primer manifiesto surrealista fue dado por el poeta francés André Bretón en 1924. Los artistas surrealistas están influenciados por el psicoanalista Freud e intentan plasmar el mundo de los sueños, los fenómenos del subconsciente, es decir, cualquier estado que no esté sujeto a la razón. La imaginación y la fantasía son sus notas características. Utilizan elementos realistas mezclados con elementos absurdos o irreales. Aunque se propugnaba un esteticismo involuntario, lo cierto es que en muchos casos utilizaban los mismos recursos: máquinas fantásticas, espacios vacíos, maniquís en lugar de figuras, monstruos... Se cultiva el tema erótico, por la importancia que Freud otorga a todas las dimensiones del sexo. Destacan: Marcel Duchamp, Max Ernst, Chirico, Chagal, Dalí y Miró. -Su ideal era sobrepasar la realidad y llegar a una renovación de todos los valores culturales, morales y científicos por medio del automatismo psíquico . -La producción surrealista se caracterizó por la exaltación de los procesos oníricos, el humor corrosivo y el erotismo, concebido todo ello como armas de lucha contra la tradición, la moral y la cultura burguesa. -La primera exposición surrealista se celebró en París en 1925. -Los planteamientos del movimiento surrealista contra la tradición y vida burguesa tenían una raíz política. Se sucedieron manifiestos contradictorios y el movimiento comenzó a disgregarse. A pesar de su deterioro el movimiento se había extendido por muchos países. Poco después, la segunda guerra mundial paraliza la actividad en Europa y dispersa a los artistas surrealistas, muchos de los cuales (entre ellos Breton) se exilian en Nueva York. -En el campo de las artes plásticas, los pintores surrealistas se manifiestan de dos maneras diferentes, los surrealistas figurativos, interesados por la vía onírica (Magritte, Delvaux y Dalí, entre otros) y que se sirven del realismo y de las técnicas y recursos pictóricos tradicionales; y los surrealistas abstractos, que practican el automatismo psíquico puro (Masson, Miró) e inventan universos grafico-plásticos propios. Características
- Figuración con temática subjetiva de carácter onírico basada en las técnicas del inconsciente de Freud. - Interpretación de la realidad desde el sueño, el inconsciente, la magia y la irracionalidad. - Los objetos y formas son despejados de su significación tradicional (principio de la "desorientación"), el observador queda desorientado, sin saber a qué atenerse. - Creación de imágenes equívocas de manera que una misma cosa puede ser interpretada de varias maneras (principio de la "discordancia"), por ejemplo, una nube puede parecer la cabeza de un animal o bien otra cosa. - Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la destrucción y lo misterioso. - Además de lo onírico, representación de toda clase de simbologías, especialmente eróticas y sexuales. - Toca todos los estilos: clásico, barroco, ingenuismo, futurismo, etc. - Creación en el cuadro de juegos perceptivos e ilusionísticos. - Ejecución pictórica minuciosa con gran cuidado del dibujo y la figura (Dalí). - Utilización del claroscuro y del color modelado. - Invención de nuevos métodos y técnicas: pintura automática , frottage (frotar con un lápiz en un papel sobre una superficie rugosa o con relieve) y grattage.
-Exclusión de todo control ejercido por la razón y al margen de cualquier preocupación estética o moral. -Para escribir un texto o poema surrealista hay que colocarse en el estado más pasivo o receptivo posible, hacer abstracción del genio y de los talentos, escribir velozmente y sin tema previo con la rapidez necesaria que impida recordar lo escrito o caer en la tentación de releerlo... La idea es que la consciencia no intervenga y que el proceso de trascripción sea “automático”. El artista ya no pinta soñando sino que sueña pintando, dentro de un tiempo tan concreto como el del inconsciente, el de los sueños. La palabra, dentro del surrealismo, no se propone desarrollar una tesis, es desinteresada al máximo. Para el surrealismo se vuelve licito denominar poema al resultado obtenido por la reunión, lo mas gratuita posible, (conservando si se quiere la sintaxis) de títulos y fragmentos recortados de los periódicos. - El surrealismo actúa sobre el espíritu al modo que los estupefacientes, crea un cierto estado de necesidad. El surrealismo se presenta como un vicio nuevo. - Las imágenes surrealistas no son evocadas voluntariamente por el hombre, sino que se le presentan de un modo espontáneo y despótico. - El espíritu que se sumerge en el surrealismo revive con exaltación lo mejor de su infancia, sin las restricciones de uno mismo, con el surrealismo parece probable que se retomen esas perspectivas. - El inconsciente es la dimensión misma del arte, es la región en la que el ser humano no objetiva la realidad, sino que se funde en ella; y el arte no es representación sino comunicación vital biopsíquica. - Es proclamado extremista y revolucionario, pero una teoría del inconsciente no puede vincularse con una ideología, su actitud es únicamente subversiva. - Existen ciertos técnicas que se relacionan a la experiencia surrealista: Automatismo que significa no trabajar sobre la continuidad del tiempo, la escritura de los sueños en el arte tiene una enorme importancia la experiencia de los sueños, cadáver exquisito, por el cual un papel era plegado y cada persona escribía algo sin conocimiento de una línea lógica, experiencias con drogas y sexuales (exaltación de la orgía), y el dandysmo que significaba vivir la noche. Desde el punto de vista técnico, acepta cualquier medio siempre que no constituya un problema y sea únicamente un mecanismo de realización de una imagen. Influencias
En pintura, el surrealismo se encuentra influido por el movimiento dada. -No habría existido un Piccasso surrealista, sin el piccasso cubista, pero sin el piccasso surrealista no habría existido el piccasso historiador y político de Guernica, Massacre en corea o las alegorías de la guerra y la paz. Artistas Yves Tanguy (1900-1955), Rene Magritte (1898-1967), Max Erns (1891-1976), Paul
Delvaux (1897-1994), Marc Chagall (1887-1985). En España destacan: Oscar Domínguez (1906-1987) y Salvador Dalí (1904-1989).
.Lowe caracteriza a la imagen surrealista en relación a su posibilidad de trascender todo reconocimiento, “pues todo reconocimiento es un re-conocimiento que nos hace volver a lo ordinario. Intenta, en cambio, provocar un choque inesperado de cognición. Por consiguiente, la imagen surrealista no puede tener conexión temporal ni espacial. Es decir, no puede depender de ningún llamado de memoria, ni de esperanza de anticipación, ni de familiaridad, ni de similitud de espacio. En cambio, subraya lo onírico, lo absurdo, todo lo que no es racional o esperado. Por tanto la imagen surrealista es momentánea, inestable. La fuerza misma de la imagen surrealista es su efervescencia y su vulnerabilidad”. Lowe destaca la condición de «multiperspectividad» del surrealismo, tanto en la pintura como en la literatura. CUBISMO El cubismo es un estilo pictórico que fue creado conjuntamente por Braque y Piccasso en
el periodo de 1907 a 1914 y que rápidamente fue adoptado y adaptado por muchos otros artistas. Surge así un amplio movimiento artístico que, si bien está originalmente centrado en París, será de ámbito internacional.
El cubismo es la más radical y revolucionaria forma de representación desde el Renacimiento, pues abandona el punto de vista único y fijo que dominó la pintura europea durante siglos por una multiplicidad de puntos de vista que, simultáneamente, representan los objetos y figuras en la misma pintura. Esta nueva forma de representación no es, evidentemente, de imitación, sino de concepción, es decir que aborda la realidad, no bajo aspectos visuales como hace el impresionismo o el fauvismo, sino bajo aspectos intelectuales (de carácter intuitivo). Estos nuevos pintores no imitan más la naturaleza, y evitan con cuidado la representación de escenas naturales observadas y reconstruidas por el estudio. El artista lo sacrifica todo a las necesidades de una naturaleza superior que el da por supuesta sin descubrirla, estos pintores procuraran a sus admiradores sensaciones artísticas que se deberán únicamente a la armonía de las luces sin igual. Es un arte enteramente nuevo, será pintura pura. Lo que diferencia al cubismo de la pintura antigua es que no se trata de un arte de imitación sino un arte concepción que tiende a elevarse hasta la creación. La pintura comienza a alejarse de la tarea de dar cuenta de una cierta realidad. Fue Rousseau el que hizo tabla rasa de todas las técnicas de representación tradicionales (perspectiva, relieve, relación de tonalidades) y condujo la pintura al grado cero. La denominación se debe al crítico Louis Vauxcelles quien bautizó "cubistas" a los artistas de esta tendencia en 1909. La presentación pública del cubismo, como movimiento pictórico, tuvo lugar en 1910. Características:
- Búsqueda de un nuevo concepto de espacio plástico basado en la bidimensionalidad de la sup. pictórica y lo representado en ella. - Rechazo de la figuración imitativa de la naturaleza. - Concepción formal basada en la recreación intelectual e intuitiva de las cosas. - Fragmentación de las formas y del espacio en planos interrelacionados por el color y las líneas. - Representación simultánea de los objetos (los objetos son representados desde varios puntos de vista, e incluso en diversos momentos del tiempo). - Perspectivas del objeto diferentes y superpuestas con penetraciones de unas partes en otras. - Ausencia de profundidad espacial. - Líneas y planos refractados y representados en negativo-positivo. - Creación de transparencias. - Austeridad cromática. - Sombreado arbitrario. - Principalmente obras centradas en el bodegón y el retrato. -ejemplo: en la pintura de Cezzane los objetos están descompuestos y vueltos a tejer. Fases: En este movimiento es posible distinguir dos fases:
- El, de los inicios a 1911, representado por Piccasso y Braque, donde el objetivo era hacer del cuadro una forma-objeto que tuviera su propia realidad autónoma y su propia función especifica, ya no hay que preguntarse que representa sino como funciona. Las similitudes entre las obras de Piccasso y Braque son: la no distinción entre imagen y fondo, la descomposición de los objetos y del espacio, la superposición y yuxtaposición de varias vistas desde diferentes ángulos con la intención de presentar los objetos como son, la absoluta unidad espacio/temporal donde el mismo objeto aparece en distintos puntos del espacio, la identificación de la luz con los planos cromáticos resultantes de la descomposición, la búsqueda de nuevos medios técnicos. El cuadro será mas eficaz cuanto menos reconocibles sean los objetos y causen mayor sorpresa en el espectador, y, el color viene dado por su calidad de materia, (+ arena) y se incluyo una innovación técnica, el collage con la inclusión de tela y papel. Delunay critico al cubismo por no tener una suficiente carga revolucionaria. -y el cubismo sintético, de 1912 a 1914 (representado, sobre todo, por Léger y Gris). Gris: la síntesis se lleva a cabo por el elemento luz.Léger: cubismo de aspecto iconográfico decorativo.
Para Léger son símbolos emblemáticos de la civilización moderna, los engranajes, tubos, maquinas, obreros. -De a poco el cubismo va perdiendo su carga revolucionaria y con el surgimiento del purismo en Italia hay un llamamiento al orden general, al orden clásico, “existe un espíritu nuevo y ya no es tiempo de revoluciones”. Fuentes del cubismo Dos fuentes fueron de gran importancia en la génesis del cubismo:
- El planteamiento de simplificación y geometrización de las formas iniciado por Cezzane en el posimpresionismo - El arte primitivo, especialmente la escultura africana, con su distorsión expresiva de las formas libre de inhibición. Artistas
Pablo Piccasso (1881-1973), George Braque (1882-1963), Juan Gris (1887-1927). Otros artistas: Fernand Léger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941). NEOPLASTICISMO / Movimiento "De Stijl"
Surge en Holanda en 1917. El neoplasticismo o movimiento De Stijl (El Estilo) propugna una estética renovadora basada en la depuración formal. El planteamiento básico de este movimiento queda perfectamente claro en la frase programática de uno de sus creadores, Doesburg, que dijo: "Desnudemos a la naturaleza de todas sus formas y sólo quedará el estilo." "De Stijl" fue un movimiento integrador de las distintas artes (arquitectura, diseño industrial, artes plásticas) que buscaba una total renovación estética del entorno humano basada en unos valores plásticos nuevos, universales y más puros. Sus planteamientos fueron expuestos en 1918 en el "Primer manifiesto" del movimiento. Piet Mondrian fue quien formuló las bases teóricas de la nueva estética y que posteriormente denominaría "Neoplasticismo". Características
- Búsqueda de la renovación estética y de la configuración de un nuevo orden armónico de valor universal. - Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos. - Planteamiento totalmente racionalista. - Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos. - Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio. - Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul, rojo) o tonal (blanco, negro y grises). - Empleo de fondos claros. - Hay dos misiones para el artista: crear la obra de arte puramente plástica y ayudar al público a comprender la estética del arte plástico puro. Los artistas deben hablar un lenguaje universal. -Hay una conciencia vieja y una nueva de la época. La vieja está orientada hacia lo individual. La nueva está dirigida hacia lo universal. -La palabra ha muerto, la palabra es impotente, esas frases puestas una atrás de la otra son incapaces de expresar las experiencias colectivas de nuestros tiempos. Nosotros queremos dar un nuevo significado y un nuevo poder expresivo a la palabra, usando todos los medios que están a nuestro alcance: sintaxis, prosodia, tipografía, aritmética, ortografía. El escritor no describirá en absoluto, solo escribirá. -establecer relación entre artista, publico, y amantes del arte, dejar hablar al artista de su propio trabajo. -La obra de arte moderna no nace de teorías asumidas a priori, los principios se originan en el trabajo plástico.
Influencias Los planteamientos teosóficos de M. H. J. Schoenmackers . Artistas Piet Mondrian (1872-19440) (influenciado por schoenmaekers y la teosofía), Theo Van
Doesburg (1883-1931), Van Doesburg, Bart van der Leck, el pintor Vilmos Huszár,
el escultor Georges Vantongerloo y los arquitectos Jacobus Johannes Pieter Oud y Gerrit Thomas Rietveld,
Vanguardias rusas
Durante las primeras décadas del siglo s.f., la Rusia imperial —que pronto iba a convertirse en Unión Soviética—, experimentó una profunda transformación de su sociedad. En ese periodo de convulsión política y cultural, de ruptura con la concepción positivista del mundo propia del siglo sex, tuvo lugar un importante renacimiento cultural que se manifestó tanto en las artes visuales como en la literatura y las artes escénicas. Una serie de poetas y pintores, con una postura abiertamente radical, apostaron entonces por un lenguaje totalmente innovador con el que querían abrir el camino a un mundo nuevo. La vida artística rusa se llenó de exposiciones programáticas, encendidos manifiestos y declaraciones teóricas, al tiempo que se sucedían numerosos movimientos de vanguardia, entre ellos algunos derivados de la nueva Rusia revolucionaria, como el suprematismo o el constructivismo. Suprematismo y Constructivismo: Estas dos nuevas corrientes de arte abstracto fueron de inmediato adoptadas por numerosos artistas jóvenes que intentaron encontrar un punto de equilibrio entre las dos. EL CONSTRUCTIVISMO
-En 1914 Tatlin había expuesto por primera vez sus contrarrelieves que daban comienzo al constructivismo. A él se uniría inmediatamente Ródchenko, quien acabó siendo el principal rival de Malévich (suprematismo). Años después, en 1919, en homenaje a la Revolución, Tatlin expuso una gran maqueta de un edificio utópico que nunca llegó a construirse. -El movimiento aparece en Europa en torno a 1920. El término original describe el estilo que se
origino en los años de la formación de la Unión Soviética. Después de la revolución de 1917 se produce una reestructuración de la sociedad y los creadores son llamados a participar en ella como "artistas ingenieros". Características
-Para los constructivistas, la acción artística es una acción de gobierno y se concreta en la planificación urbanística, la proyección arquitectónica y el diseño industrial. Respecto de las técnicas industriales, las posibilidades son ilimitadas para los artistas. El arte penetra en la vida social, en la sociedad. El arte industrial es un arte popular. -Defendía un lenguaje abstracto, pero a través de la búsqueda del principio constructivo, arquitectónico, dentro de los límites de la superficie plana del cuadro. -El constructivismo no es radicalmente distinto al suprematismo pero pretende intervenir la situación existente (programa completo de acción política) El arte debe estar al servicio de la revolución, y se han de fabricar cosas para la vida del pueblo. Los constructivistas querían dar al pueblo la sensación visual de la revolución. El arte ya no puede ser representativo, será informativo, visualizara la historia que se esta haciendo. -No se trata de una exteriorización artística y subjetiva sino del desarrollo de una forma de representación dirigida a procesos sociales colectivos y un nuevo lenguaje formal fue desarrollado para lograrlo: elementos geométricos, claridad técnica y construcciones arquitectónicas producen imágenes de gran armonía y dinamismo. -Bajo el constructivismo se crearon muchos de los trabajos tipográficos que hoy nos parecen rígidos y pesados. Los textos empezaron a justificarse a derecha y a izquierda en mayúsculas buscando el contraste de las formas mediante los efectos positivos y negativos, barras, líneas,
etc. Durante este periodo se crearon numerosos alfabetos experimentales que no fueron apropiados por su claridad conceptual para su producción masiva. -Ya no hay artes > ni <, en cuanto a forma visible una silla no es distinta que una escultura, y la escultura debe ser tan funcional como una silla. Una pintura y una escultura son también construcción y la arquitectura tiene que ser funcional y visual. -Las formas constructivistas son empleadas en todas las áreas del arte, arquitectura y diseño. En la Unión Soviética el auge del constructivismo fue de corta duración. Los dirigentes políticos consideraron que el lenguaje artístico abstracto y formalista no servia para sus propósitos de propaganda y prefirieron la idealizada descripción de gente feliz y fuerte. El constructivismo fue atacado desde el poder oficial y proscrito como una desviación del correcto camino proletario, pero rápidamente se extendió a Europa. (En Holanda surgió el movimiento De Stijl (Piet Mondrian) También en Hungría, Checoslovaquia, Polonia y Yugoslavia hubo importantes corrientes constructivistas). Asimismo, en Alemania se manifestó en la Bauhaus una sólida orientación constructivista tras un inicio más bien místico. SUPREMATISMO
Movimiento de vanguardia ideológico y revolucionario. Surge en Rusia con la obra y teorías del pintor Kasimir Malevitch. En 1915 tuvo lugar la presentación del suprematismo, la primera manifestación de esta tendencia, cuando Malévich, su principal teórico, mostró por primera vez el conjunto programático del sistema plástico del suprematismo: el Cuadrado negro ("Cuadrado negro sobre fondo blanco"), el Círculo negro y la Cruz negra. El término de "suprematismo" es usado por primera vez por Malevich en su manifiesto de 1915. "El suprematismo o el mundo de la no representación". Malevich abandonó la figuración para postular un arte basado en la supremacía absoluta de la sensibilidad plástica pura por encima de todo descriptivismo naturalista y libre de todo fin social o materialista. Su búsqueda de un arte no objetivo culminó en la total anulación del "Cuadrado blanco sobre fondo blanco". Esta obra, en palabras del propio Malevich, "no era tanto un cuadro vacío, un icono desnudo enmarcado, sino la percepción de lo no objetivo". El suprematismo, junto con la obra de Kandinsky y el neoplasticismo, está considerado como uno de los principales logros de la abstracción. Características
-El suprematismo, un arte dominado por el ideal absoluto, daba definitivamente la espalda al objeto y propugnaba la reducción de la forma a cero. - Abstracción geométrica basada en la "pura no-objetividad", es decir no extraída de la reducción expresiva del mundo objetivo o del yo interior del artista. - Supremacía de la sensibilidad plástica pura, en las artes figurativas, por encima de todo fin materialista, práctico, social, descriptivo o ilusionístico. El valor autentico de una obra de arte consiste exclusivamente en la sensibilidad expresada. El arte del pasado debe renacer a una vida nueva en el arte puro del suprematismo y debe construir un mundo nuevo, el mundo de la sensibilidad. - Sujección a la bidimensionalidad propia de la tela que tiende a identificarse con el mundo. - Diversas estructuraciones compositivas: - Estructuraciones complejas, de carácter asimétrico, a base de líneas y formas trapezoidales en variación constante (distintos tamaños y colores), generalmente ordenadas en relación con diagonales, de manera que transmiten una gran sensación dinámica (esta estructuración es característica de la mayoría de pinturas realizadas entre 1914 y 1917) - Estructuraciones sencillas a base de formas geométricas puras y absolutas (círculo, cuadrado, rectángulo, triángulo y cruz) de manera independiente o conjugadas y ocupando gran parte de la superficie del cuadro. - Empleo de colores planos contrastantes, en general primarios y también gamas intermedias, sin dejar de incluir nunca el blanco y el negro. - Predominio de fondos neutros, generalmente el blanco. - Ausencia total del color en obras de la última etapa (como en "Cuadrado blanco sobre fondo blanco"), para evitar influir en la percepción objetiva del espectador. -nuevo concepto espacial, el infinito.
-El cuadro es un medio para comunicar el estado de equilibrio entre un sujeto y un objeto. La verdadera revolución no es la sustitución de una concepción del mundo superada por una nueva, sino un mundo vacío de objetos, de nociones, de pasado y de futuro, cambio radical en donde el objeto y el sujeto son reducidos al grado cero. El cuadro no es un objeto sino un instrumento mental, una estructura, un signo que define la existencia como una ecuación absoluta entre el mundo interior y el exterior. Artistas Kasimir Malévich (1878-1935). Entre otros seguidores del suprematismo destaca la
obra de la pintora Nina Kogan.
Argan, la época de la funcionalidad La primera guerra mundial provoco un aceleramiento generalizado del desarrollo industrial tanto en cantidad como en progreso tecnológico. Es reflejo de e sto el aumento de las poblaciones urbanas. La clase obrera adquiere un peso político decisivo, en el arte estamos frente a movimientos de vanguardia, y la burguesía profesional se esta transformando en una clase de técnicos dirigentes.
La estructura de la ciudad no era capas de responder a las exigencias sociales. Estamos hablando de un problema urbanístico que es ahora una urgencia. La ciudad en sus diferentes aspectos: ..Aspecto funcional: la ciudad es un organismo productivo en el que debe desarrollarse una fuerza de trabajo determinada. ..Aspecto psicológico: La ciudad es insalubre por las fábricas y por la densidad de población y es un ámbito opresivo y psicológicamente alienante. ..Aspecto político: Para “utilizar” la ciudad hay que sacarla de las manos de quien la explota para su propio beneficio. ..Aspecto tecnológico: La tecnología industrial ha reemplazado a la técnica artesanal y se plantea a aquella como única solución al problema urbanístico.
-El arquitecto ha de proyectar el espacio urbano.
-La arquitectura moderna se desarrollo sobre las bases de algunos principios generales, La importancia de la planificación urbanística por sobre la proyección arquitectónica La máxima economía del uso del suelo (gran densidad de población) La racionalidad rigurosa de las formas arquitectónicas Recurso a la técnica industrial (sistemática), estandarización, fabricación en serie, etc. (diseño industrial)
-Le Corbusier: (racionalismo formal) Plantea una coherencia en su política de urbanismo y de la arquitectura. Tiene el deber de facilitar a la sociedad una condición natural y racional de existencia pero sin detener el desarrollo tecnológico pues el destino natural de la sociedad es el progreso. No tiene por que haber contraste entre el objeto edificio y el objeto naturaleza, entre la cosa y el espacio. Todo se resuelve en la claridad de la forma (justa) Racionalismo metodológico dinámico.
-Alemania Racionalismo político con la exaltación excesiva de la nación, de la misión de dominio. Los intelectuales proponen un racionalismo crítico que resuelva las contradicciones por el camino de la lógica. Hay una conciencia del desastre y un renacimiento de ideas. Gropius es el firme sostenedor de una idea, de un programa, de un método. En 1919, funda y dirige una escuela ejemplar, la primera escuela democrática. Gropius no cree en la universalidad del arte y por ello convoca a su alrededor en la bauhaus de Weimar a los artistas más avanzados: Kandinsky, Klee, Albers, Moholy-Nagy, Feininger, Itten. Logra su colaboración, los convence de que el lugar del artista es la escuela y de que su tarea social es la enseñanza. La bauhaus fue una escuela democrática, se basaba en el principio de la colaboración, de la búsqueda común entre maestros y alumnos. Se basaba en el concepto de que una sociedad democrática orienta y organiza su propio progreso. Bauhaus significa casa de la construcción. Un solo método de construcción y de proyección ha de determinar la forma racional de todo lo que se utiliza. Dado que todo es o será producido por la industria, el problema se reduce a proyectar para la industria. El plano regulador de la gran ciudad es tan diseño industrial como lo es el proyecto de una cuchara. Es el dinamismo de la función lo que determina no solo la forma sino también la topología de los edificios. La comunicación era precepto, norma, orden. La sociedad democrática tiene solo funciones y todas son igualmente necesarias, toda ella e sta formada por comunicaciones. La concepción de la ciudad como sistema de comunicación esta ya presente en la teoría y en la dialéctica de la Bauhaus. El trazado de la ciudad, las formas de los edificios, vehículos, muebles, objetos, ropa, publicidad, marcas, envoltorios de las mercancías, todo ello es comunicación. La Bauhaus precisa el principio de la forma estándar, que desde el punto de vista técnico es fundamental para la producción mecánica en serie y desde el punto de vista sociológico implica un acuerdo entre los consumidores. En la bauhaus predomina una tendencia a geometrizar las formas. El arte es una forma de pensamiento. La bauhaus tenía una actitud racionalista. Proyectar el espacio significa proyectar la existencia y no hay existencia consciente que de alguna manera no haya sido proyectada. No se separa nunca su trabajo personal del trabajo del grupo. Van Der Rohe racionalismo idealista, rascacielos, edificios a lo alto o al ras de la tierra. Breuer: nueva tipología, tecnología y nueva funcionalidad del mueble. Los mubles no pueden ser demasiado grandes, pesados. El mueble ha dejado de ser un monumento domestico para convertirse en un objeto útil, manejable, simpático. - Segmento y junta. - La construcción consiste en modificar las condiciones ambientales. (la const. Modif. El ambiente)
Pintura y escultura: - A partir del expresionismo el arte deja de ser una representación del mundo para pasar a ser una acción que se realiza. -En la época del funcionalismo (1910 hasta la segunda guerra) varias corrientes tratan de definir la relación entre funcionamiento interno y función social de la obra de arte. Los artistas quieren contribuir a la creación de una sociedad funcional. Se introducen en un proceso de organización democrática de la sociedad en la lucha de las fuerzas progresistas contra las fuerzas conservadoras. A su vez el capitalismo trata de reforzar la separación entre clase dirigente y clase trabajadora, la postura ideológica de los artistas es contraria a la de la burguesía capitalista.
Con la llegada de la industria y la crisis del artesanado el trabajador pierde toda capacidad de iniciativa y de decisión: Trabajo reiterativo / No libre / No creativo / No renueva la realidad Marx denomina a esta situación de extrañamiento de la realidad alienacion. El artista quiere proporcionar una modelo de trabajo creativo intentando demostrar cual puede ser el valor del individuo y de su actividad dentro de la unidad funcional del cuerpo social. Para que este modelo de trabajo pudiera funcionar había que insertarlo en el contexto de la función real de la sociedad. Entonces se trata de reformar en su estructura el funcionamiento interno (proceso genético de la operación artística) para poder proponerla como modelo de función: a la obra de arte no se le reconoce un valor en si sino como demostración de un procedimiento operativo ejemplar que renueva la experiencia de la realidad. En este periodo se lleva a cabo la transformación del sistema o estructura del arte de representativa a funcional. ..El arte como modelo de operación creativa contribuye a transformar las condiciones por las cuales la actividad industrial resulta alienante. ..el arte compensa la alienacion proporcionando la alienacion de energías creativas al margen de la función industrial. ..Afirmación de la absoluta irreductibilidad del arte al sistema cultural vigente y su inactualidad o incluso su imposibilidad de supervivencia. De las dos primeras hipótesis nazcan los movimientos de carácter constructivista: cubismo, suprematismo y constructivismo rusos y De Stijl. Y parten de la tercera tesis la metafísica, el dadaísmo y el surrealismo.
-Der Blaue Reiter (el caballero azul) fundado por Kandinsky en 1911. Movimiento reducido y restringido con una orientación decididamente espiritualista. Su objetivo es apoyar todas las tendencias a través de las cuales la esfera del arte se distingue de la naturaleza y la determinación de las fo rmas artísticas depende exclusivamente de los impulsos interiores del sujeto. ..Las ideas no son revolucionarias ..Tendencia simbolista y espiritualista.
-Texto de Kandinsky lo espiritual en el arte. “toda la forma tien e un contenido propio, intrínseco, se trata de un contenido-fuerza, una capacidad de actuar en cuanto estimulo psicológico”. Un triangulo suscita movimientos espirituales distintos a los de un circulo. Las formas tienen un contenido semántica. también los colores son formas. Amarillo=/azul. La forma se vincula con el color. Lo espiritual es lo no racional. Triangulo, cuadrado, circulo…son imágenes conceptuales que se convierten en fenómenos en cuanto aparecen en ese tamaño, ese color, ese punto del cuadro, en esa relación con los demás signos.
ESCUELA DE LA BAUHAUS Fue una escuela interdisciplinaria con talleres de experimentación sobre diversidad de materiales, reformulaba la teoría educativa, fusionando las distintas artes. En la Bauhaus predominaba el racionalismo, la estética de las formas geométricas, así como la funcionalidad, utilidad y eficiencia a bajo costo.
Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador. La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico.
Para Gropius, la manufactura era una actividad social importante, simbólica e intelectual y fue esa visión la que dominó las enseñanzas de la Bauhaus. El plan de estudios incluía un curso preliminar en el que los estudiantes aprendían los principios básicos del diseño y de la teoría del color. Al acabar este curso, los alumnos entraban en uno de los talleres situados en dos edificios y se especializaban al menos en un tipo de oficio artesanal. El alumno se enfrentaba al problema de composición tal como si fuera un problema espiritual (a raíz de las ideas de Kandinsky sobre lo espiritual en el arte), pero buscando el impacto masivo del diseño para llegar óptimamente al pueblo alemán; por tanto, el campo de investigación era amplio, incorporando áreas de estudio como la ergonomía, con lo cual se ideaban diseños que contemplan en su forma la anatomía del cuerpo. <>
-Con la convicción de que la sociedad mejoraría con la aplicación del funcionalismo, los diseños de la Bauhaus se concebían para la producción industrial adoptando deliberadamente la estética de la máquina. Este pionero enfoque funcionalista ejerció un impacto fundamental en la práctica posterior del diseño industrial y proporcionó los cimientos filosóficos del movimiento moderno. La Bauhaus tuvo serios problemas políticos, fue perseguida por su sistema socialista de enseñanza, sus extravagantes métodos y por albergar alumnos comunistas, por lo cual debió mudar de ciudad varias veces y conseguir apoyos extranjeros. Entre sus maestros destacan Johannes Itten, Josef Albers, László Moholy-Nagy, Ludwig Mies van der Rohe y Marcel Breuer.
Primera época (1919-1923)
En el momento de su fundación, los objetivos de la escuela, definidos por Walter Gropius en un manifiesto fueron: "La recuperación de los oficios artesanales en una actividad constructiva, elevar la actividad artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público". La escuela abrió sus puertas, a pesar de numerosas dificultades económicas, en los locales de la antigua Escuela de Artes y Oficios. Gropius quiso desde el principio que profesores y alumnos constituyeran una comunidad de convivencia que fuese un ejemplo para el resto de la sociedad. Entre los años 1919 y 1924 Gropius contrató a Feininger, Itten, Muche, Schlemmer, Paul Klee, Kandinsky y Moholy-Nagy. También integraron el equipo docente artesanos, como maestros de taller, los cuales tenían un sueldo similar por su trabajo que los artistas. Los estudiantes, de
esta forma, recibían el estímulo mental de los artistas y la pericia técnica de los artesanos. En los primeros tiempos, no había clases de arquitectura, pero sí de construcción y dibujo arquitectónico. Los estudiantes, en general, se encontraban a gusto y apoyaban a su director, conscientes de todas las dificultades económicas a las que Gropius tenía que hacer frente. Entre los primeros estudiantes se encuentra Breuer y Schmidt, que alcanzaron cierto éxito. Los estudiantes se mostraban flexibles y dispuestos a hacer todo tipo de trabajos, por tanto salían de la escuela bien formados, sabiendo dibujar, modelar, fotografiar o diseñar muebles. La escuela disponía de talleres de ebanistería, diseño, teatro, cerámica, tejido, encuadernación, vidriería. Pero no de pintura y escultura en el sentido tradicional. Paul Klee llegó a la escuela en 1920. Persona muy culta (pintor) Su enseñanza se basaba en las formas elementales, de las que, según él, se derivaban todas las demás. El arte debía descubrir esas formas, desvelarlas, hacerlas visibles. En 1922 Kandinsky se incorpora al proyecto. Había participado en las reformas educativas en la época de la revolución rusa, fundando en la Unión Soviética varias escuelas. Durante ese tiempo mantuvo correspondencia con Gropius. Cuando la revolución rusa empezó a sufrir dificultades y comenzaron las disputas y purgas políticas, Kandinsky decidió trasladarse a la Bauhaus. Su prestigio, tras la publicación de De lo espiritual en el arte en 1911 y sus primeras obras abstractas de 1910, era por entonces ya muy grande. Sustituyó a Schlemmer en el taller de pintura mural y dio clases con Klee en el curso de diseño básico. Su mente teórica fue decisiva para iniciar el camino hacia un arte más intelectual y razonado. Esta primera etapa de la Bauhaus se puede sintetizar como una fase de experimentación de formas, productos y diseños y por lo tanto, también de educadores del diseño. Segunda época (1923-1925)
En 1923 Van Doesburg, fundador en Holanda del Neoplasticismo, pintor, arquitecto y teórico, comienza a publicar la revista De Stijl, ejerciendo una influencia decisiva en los estudiantes y en Gropius que acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo. A partir de 1923 se sustituye la tendencia expresionista por la Nueva Objetividad, un estilo de pintura mucho más sobrio que se estaba imponiendo en Alemania. La incorporación a la Bauhaus de Moholy-Nagy, un artista muy cercano a Van Doesburg, supuso la introducción en la escuela de las ideas del constructivismo ruso de Tatlin, que con un arte basado en la idea y no en la inspiración. Tercera época (1925-1929)
En 1928 Moholy-Nagy tras cinco años de docente, abandona la Bauhaus ante la creciente presión que ejerce el grupo de docentes y alumnos de tendencia comunista. -La Bauhaus fue también un gran experimento vital de una pequeña comunidad de jóvenes (1.400 aprox) que, tras la quiebra del viejo orden y la traumática experiencia de la recién acabada Primera Guerra Mundial, se lanzó llena de entusiasmo a la construcción de una utopía social, de nuevas formas de convivencia. Se llevaron a cabo legendarias fiestas que tenían una doble intención: por un lado fomentar el contacto entre la escuela y la población para aplacar los recelos que generaba la institución en la población y, por otro, propiciar el trabajo en equipo y de cooperación y servir de catarsis ante las tensiones y conflictos que se originaban en la Bauhaus como resultado de la estrecha vinculación entre trabajo y vida privada. Kitsch
Concepto que parte de una investigación que realiza Abraham Moles en los 60s franceses. ES un concepto universal, familiar, que corresponde a una función de confort sobreañadida a las funciones tradicionales. (Nada esta de mas). La palabra kitsch no tiene una traducción directa, “hacer muebles nuevos de muebles viejos” o “hacer pasar gato por liebre”. Tiene que ver con la baratija. Sus periodos de prosperidad están relacionados con una situación social, el acceso a la abundancia, es pues, un fenómeno social universal. Es un fenómeno connotativo, intuitivo y
sutil, es uno de los tipos de relación que mantiene el hombre con la cosa, un modo de ser, una actitud mas que un objeto o un estilo. Es un estado del espíritu que se cristaliza en los objetos. El kitsch no es un recorte del arte, no es un arte, es una relación con los objetos. Todo puede ser soporte del kitsch. El objeto K es sólido, heredable. El mundo burgués y las cosas: Las relaciones del individuo con su medio social, pasan fundamentalmente por los objetos y productos. Cultura: ambiente artificial que crea el hombre por medio del cuerpo social. Incluye todo un inventario de objetos y de servicios que son producto del H y en los cuales el H se refleja. Naturaleza: ya no es natural, es producto de un artificio. El otro: (agente de servicios, obrero anónimo). Ha sufrido una mutación, es un ser extraño del cual me siento extranjero. El H conoce la sociedad por el contacto con los productos fabricados que ocupan el lugar de la naturaleza. En el campo de la cultura conviene distinguir: -Mundo de utensilios (transformación activa de la naturaleza y su artificialización) -Mundo de signos (incluye lo que el s XIX llamaba artes, ciencias, lenguajes) -Mundo de objetos (portadores de signos y de valores de la vida cotidiana) Respecto de las relaciones de H con la esfera cultural: -Homo faber: constructor de utensilios y signos para liberarse de las condiciones impuestas por la naturaleza. -Artesano: Todavía en el s XIX daba una imagen bastante exacta de el (HF). -Desde el surgimiento de la gran industria el HF manifestó una tendencia creciente a descomponer sus actividades en una doble oposición: Crear introducir al mundo formas que no existían (invención). Producir Copiar un modelo ya existente cada vez más automático, reproducir indefinidamente las mismas formas. Esta eliminación de tareas da provecho al ocio. Valorización de la vida y de la persona. Se establece otra diferenciación en el modo de vida del individuo: (Producción) Tarea alienante impuesto temporal aplicado por el contrato social y un tiempo vacío que hay que llenar, que plantea el problema de una reorganización de todo el sistema social. Eliminación del hombre de la fabricación en serie en provecho del ocio o de la creación pura. (La actividad misma del) Consumo el individuo desarrolla una nueva actividad en su modo de vida y su relación con el ambiente. El fenómeno K se basa en una cultura consumidora que… Produce para consumir Crea para producir… En un ciclo cultural donde la idea fundamental es la de aceleración. El hombre consumidor esta ligado con los elementos materiales de su medio, vinculo que altera el valor de las todas las cosas. Modos de relación entre el hombre y su medio material: -apropiación del objeto -Fetichismo del objeto. (Colección) -inserción del objeto en un conjunto. (Decorador) -esteticismo del objeto. (Amante del arte) -aceleración consumidora (momento determinado de la vida del objeto, es transitorio) -alienación posesiva (H prisionero del cascaron de objetos que segrega durante toda su vida) -La actitud K: modo de relación con los objetos, mezcla de los modos anteriores. Característica de una forma social que surgió durante SXIX “cultura burguesa”, transformada en sociedad de masas. La inserción K en la vida: Nueva idea de bienes y servicios consumibles. El mensaje es materializado y consumible. Objeto portador de cultura.
Consumir es la nueva alegría masiva. Es mucho más que el simple hecho de adquirir. Es ejercer una función que hace desfilar a lo largo de la vida cotidiana un flujo siempre acelerado de objetos desde la fábrica hasta el tacho de basura, condenados a lo transitorio, a lo provisorio. El objeto se transforma en producto, y esta es la nueva modalidad K. Dos grandes periodos del K: 1- Vinculado con la emergencia de la sociedad burguesa. Simbolizada por la gran tienda vinculada con la manufactura y que elabora un arte de vivir, el cual vivimos todavía. 2- El neokitsch del consumo del objeto como producto. Simbolizado por el mercado de precio único (y luego supermercado). Factor psicológico del K: Dimensión de los objetos (en sus relaciones con el H), que se sobreañade a la funcionalidad tradicional. (Pinza de azúcar reveladora del nivel social). K es una función social sobreañadida a la función significativa de uso, que ya no sirve de soporte sino de pretexto. El hombrecito: K es universal, estilo y modo de ser, tendencia permanente vinculada con la inserción en la vida de cierta cantidad de valores burgueses, el K será también un proceso de producción, una actitud del artista aplicado, una reverencia al rey consumidor. El K se vincula con un arte de vivir. El K se adapta a la medida del H, del Hombrecito, es creado por y para el hombre medio, el ciudadano de la prosperidad. Dos definiciones: -las que determinasen al K mediante las propiedades formales de los objetos o de los elementos del ambiente. -las que consideran a l K a partir de las relaciones especificas que el H mantiene, como creador o consumidor, con los objetos. Hay u K que se relaciona con los objetos de arte y con las relaciones de los objetos en su ambiente. Hay un K del arte: obre K, ambiente K (grandes tiendas de antigüedades). El K es la aceptación social del placer. K vicio oculto. Definición Kitsch por ejemplificaciones: Actitud kitsch: Erótica y familiar, agrio y dulce. Agrio cine clase b. (afición por determinado cine de terror; alien). Dulce como meloso (Ej. enanitos de jardín) Hay actitudes que pueden participar de más de una categoría. El K tiene una función pedagógica. Diseñador intermediario. Creación: introducción al mundo de cosas que no existían. Reproducción: reproducir un modulo previo. La topología del consumo kitsch cumple 2 funciones: 1-Discernir lo que es kitsch. 2-Establecer subdivisiones dentro del kitsch, construir zonas. Para este análisis no basaremos en una serie de principios o grupos de explicación: 1) Principio de inadecuación: Una desviación en los objetos de su fin nominal. El kitsch apunta siempre de costado. Esta bien hecho, pero su concepción esta distorsionada, hay una distancia con respecto a la función que debe cumplir. El objeto esta al mismo tiempo bien y mal ejecutado. (Verlo como un fuera de foco, esta bien hecho pero no se para que es, alcaucil para huevo pasado por agua, el fin esta corrido) (¿Juego entre materia y forma picaporte de porcelana?) 2) Principio de Acumulación: Basado en el frenesí consumista burgués, consistente en amoblar y ocupar todo espacio vacío, aunque este fenómeno no es exclusivo del kitsch 8el manierismo y el rococó participan del mismo factor latente). (La porcelana para las arañas, el oro para las camas) 3) Principio de percepción sinestesica:
Relacionado con el anterior, intenta tomar la mayor cantidad posible de canales sensoriales, simultánea o yuxtapuestamente (botellas de licor musicales, o libros perfumados, por ejemplo). 4) Principio de Mediocridad: Con este enorme despliegue de objetos el kitsch se queda a mitad camino en la novedad, se opone a la vanguardia y permanece como un arte de masas propuesto a ellas como sistema. Facilita al consumidor el acto de absorción. 5) Principio de Confort: Asociado a la idea de estar a la altura del algo, Pasión por el consumo del objeto, sentido de pertenencia, soy aquello que tengo. (En ciertos casos implica el uso de mano de obra, como la mucama, propia de la cultura burguesa). El K destaca dos funciones: -La función económico cultural: El kitsch aporta al hombre una función de placer, y una participación limitada en la extravagancia, le permite gestos de extravagancia, esto tiene que ver con la moda. -La función pedagógica: (o educativa) para llegar al buen gusto, es necesario pasar por el mal gusto en un proceso de depuración sucesiva???. Para reconocer un mueble antiguo, puede ayudar una copia moderna. El kitsch proporciona placer a la sociedad a la vez que enseña. Es un sistema estético de comunicación masiva. De lo ofelimitado como criterio socioestetico: Ofelimitado es una ética kitsch de la adaptación social. Los productos culturales no importan por si mismos, sino porque venden, por un principio de comercialización mas que por su contenido autónomo. En este universo artístico se constituye una “pirámide demográfica de las obras” (única, copia) en función de su grado de acceso (esfuerzo necesario para acceder a ellas), fotos, cromos, grabados, estatuas, en ese orden ascendente. Al mismo tiempo hay una pirámide de necesidades de los burgueses. Llamaremos ofelimitado a la adaptación de las dos curvas (obras disponibles, y nivel económico del comprador), estableciendo un criterio de adecuación entre la oferta y la demanda. En resumen, cada estrato de la pirámide tiene un nivel de confort y satisfacción que le es apropiado. Obra de arte como mercancía estética. El estado social se reduce esencialmente a la apariencia. Entonces se establece un doble movimiento: 1) La promoción social, en una flecha orientada hacia la capa social inmediata superior. 2) Las capas inferiores que consumen en forma de “neo” las posesiones de las capas superiores, y la ascensión al buen gusto a través de filtros se da en función a la educación, el dinero, etc. Kitsch de las formas y antikitsch: el funcionalismo 1) De la geografía del kitsch Entre 1889 y 1914, se tiene en una visión del mundo con un centro entre Paris, Londres y Munich. Mas lejos, hay zonas de conquista y colonia, todas salvajes (se civiliza conquistando). Los medios de transporte son lentos y cuanto mas lejos, menos civilizado. La estética floral y el Jugendstil Hay que decorar la fea realidad industrial con los velos de la decencia burguesa. Cuando hablamos de kitsch, lo hacemos en general, y en este grupo, el estilo floral es el mas evidente. Se cubrió con una florescencia “natural” lo producido por el hombre. El arte esta “vinculado a la naturaleza”. Si lo bello debe preservarse, entonces la naturaleza debe manifestarse en todo lugar posible, aunque sea en forma de piedra o metal. Impresionismo, expresionismo y naturalismo Los artistas intentaran hacer una depuración del kitsch del Jugendstil y su imposición de la naturaleza sobre la técnica, ya sea mostrando lo humano en sus trabajos, como segregando al artista de la sociedad. La dialéctica del S XX, entre lo natural y lo artificial, se establece con Steiner, que separa antroposofía del naturalismo. Rechazo a la línea recta por antinatural, e influyo en la orientación del siglo y los orígenes del funcionalismo. La idea de pureza penetrara a través del movimiento naturalista, planteada por el “modern stil” del objeto 1900, propondrá a la naturaleza como modelo y la construcción de una cultura basada en las formas naturales.
El funcionalismo como antikitsch El funcionalismo no busca el rechazo a la interacción hombreambiente, pero si una transacción que lo domine, surgida como una reacción ante la proliferación de lo inútil. La preocupación estética esta subordinada a la pureza de la relación del hombre y las cosas, invirtiendo “lo bello es el esplendor de lo verdadero”. Gropius: “la adaptación al fin también es bella”. Empleo justo de los medios en vista de los fines. Esta actitud se sitúa en el extremo opuesto al Kitsch, es su contradicción más exacta. Hacia 1850 se trataron de producir objetos que se adaptaran a las nuevas condiciones del esfuerzo del hombre, esta orientación se opone al estilo tapicero, este movimiento funcionalista es por una parte una reacción sociocultural contra el Kitsch y por otra uno de los constituyentes esenciales que determinaron el estilo de los productos y objetos, su forma y su agrupamiento en el segundo desarrollo histórico que tendremos que considerar: el Neokitsch. Los comienzos del funcionalismo Determinamos las raíces de este movimiento hacia 1870 con el surgimiento de nuevos materiales que influyeron en la forma misma del objeto de consumo, el utensilio, el objeto domestico, la casa, etc. Función es lo que funciona, que se mueve de forma determinada, la relación necesaria entre los movimientos de un sistema. La teoría de la información habla de economía del costo (del creador y el usuario) compensada. Las artes fundamentales son entonces las de la arquitectura y la vida cotidiana, porque su importancia es esencial en la ciudad. Una buena arquitectura debe, entonces reflejar la vida contemporánea, y esto implica un conocimiento a fondo de los problemas biológicos, sociales, técnicos y estadísticos. La integración del equipo de arquitectos. Gropius sostuvo que los arquitectos trabajaran cada uno por su cuenta, pero en colaboración mutua, como un microcosmos de la sociedad, vincular todo y no excluir nada. La idea de escala La Umwelt sugiere que la escala utilizada por el arquitecto sea la escala humana. “el hombre es la medida de todas las cosas”.El funcionalismo agrupa 2 tipos de criterios: 1) El pliego de condiciones (relativo a quien utiliza el objeto) 2) La economía de los medios (para quien lo crea) Los métodos del funcionalismo Resultan de las consideraciones expuestas sobre la funcion. Distinguiremos varias, que se oponen a los principios del kitsch ya mencionados 1) Principio de Ockham, o la eliminación del ornamento. 2) Estructuración por economía de movimientos, (como la cocina funcional) 3) Estructuración por economía de medios (entendida “economía” como utilidades) 4) Análisis factorial de los deseos (un ventilador será liviano, barato, potente, etc.) 5) Método de los modelos, construyendo una maqueta de la realidad futura. La pava o el ventilador salen ya terminados de la mente del diseñador. La construcción resulta necesariamente de un “es para”. Funcionalidad y cibernética o teoría de los sistemas El funcionalismo se vincula con la actitud cibernética para la cual los objetos son los piezas de un organismo de relaciones entre el hombre y el mundo. El funcionalismo propone un tipo nuevo de relación hombre-cosas, en la cual el observador no las puede distinguir del ser humano. Una consecuencia de esta actitud es la aceptación de que lo artificial es normal y único de nuestro ambiente. Desde la cultura industrial en adelante hay una toma de conciencia antikitsch de un mundo producido por el hombre, el cual se libera de todo rasgo de naturalismo. Hay mucha distancia entre el funcionalismo y el naturalismo antroposofico de Steiner. Funcionalidad y placer estético
Existe una función estética. Los fundadores del movimiento consideraban que esta función estética estaba expresada en la forma cerrada que resultaba de su trabajo, en el sentido de la Gestalt. Y esto es una denuncia a la manía kitsch de decorar y recubrir con motivos naturales los productos humanos. El diseñador, no es un artista, pero si el creador de la forma. Los industriales prefieren transformar el gusto del público de a poco en vez de imponer modelos audaces que de otra forma no comprarían, lo que requiere en gran parte del uso de agentes del kitsch. Hay algunas leyes fundamentales de la estética industrial como: 1) Economía de medios y materiales 2) Aptitud para el uso y valor funcional 3) Unidad y composición 4) Armonía entre la apariencia y el uso 5) Unidad de estilos 6) Evolución y relatividad 7) gusto, movimiento, satisfacción… Crisis del funcionalismo y neokitsch El funcionalismo es la reacción antikitsch mas importante, busca una regla de conducta entre los actos y los objetos del ambiente, y rechaza la diferenciación entre el hombre y los órganos (cibernética). Esta es una nueva actitud del hombre respecto a su ambiente. El kitsch es la incapacidad del hombre medio para elevarse por encima de su filosofía y sus productos y aceptarlos como tales. Durante el florecimiento y el resurgimiento de la Bauhaus surgió otro movimiento económico: el precio único Kitsch moderno y supermercado Tras el paso del kitsch romántico del Judgenstil, (después de la segunda guerra) se construye un kitsch moderno basado en el precio único, formula que se apoya en: 1) La colección de objetos, todos a un mismo precio (por lo que esta idea se anula) dirigida a la clase pequeño burguesa, obreros y empleados, que participan del bienestar 2) La cadena de negocios, todos con la misma presentación y modos 3) La empresa, que se desarrolla a partir de un estudio de mercado, y proveniente de un importante capital inicial Este sistema es el 35% del comercio minorista, pero pasearse por uno de ellos es uno de los actos simbólicos de la vida cotidiana actual. En la base del sistema se encuentra el movimiento que genera en el público la promesa de un precio bajo y unitario, y la variedad. No busca vender todo lo que se manufactura, pero si basarse en una política de precios restringidos que apunta al consumidor. En estos factores se fundara una arte que se basara en el estudio de lo que el público puede desear. El director de este estudio contratara a un nuevo estilista: el diseñador, que no busca ser un gran artista (ya que adelantarse a su época lo volvería un cuasi incomprendido y lo haría inútil en su función). Así, el supermercado adopta una postura demagógica en la que se debe dar al público lo que este demanda (y así también, hacerlo sentir como parte del progreso) La crisis filosófica del funcionalismo Podemos analizar el origen de una nueva consciencia kitsch que opera en el nivel del consumo minorista, reubicándola en la filosofía social. Vimos que tras la aparición de un arte de acumulación que caracteriza al kitsch del “Siglo 1900”, surgieron reacciones en oposición, tales como el funcionalismo, contra las características fundamentales del ambiente, a la vez que se erigió como una de las principales corrientes del arte moderno. La tesis funcionalista fue tan exitosa que se constituyo en una de las doctrinas fundamentales de la estética desde el Renacimiento. Pero su éxito mismo determino su crisis. Al postular que los objetos se determinan según su función, se determina una idea de disciplina, de una lucha contra la inutilidad. Estos principios se oponen a la idea de una sociedad opulenta, que se mueve por la eterna demanda del consumidor y lo superfluo. Y para evitar esta funcionalidad que daría al objeto un carácter imperecedero, se le agrega algún “defecto” voluntario a fin que con el tiempo se inutilice, o darle valor a la acumulación, mas que al objeto en si mismo, como una nueva
forma de arte donde el significante supera a lo funcional, y una tercera solución que propone a la publicidad como generadora de deseos. Estrategia del diseñador y kitsch La forma en que la sociedad de consumo adopta una política en cuanto un objeto, se basa en la puesta en circulación deliberada de nuevos objetos, con el fin de insertar en el publico una determinada cantidad de novedad por objeto. Psicoanálisis del supermercado El supermercado ofrece un ambiente (colores, claridad, sonrisas, etc.) de fiesta (la fiesta del consumo) que es fácilmente asimilable por el consumidor. Si el hombre social se mueve irracionalmente, hay algunos que se aprovechan de esto. Se instala una nueva variante en la relación entre el objeto y el hombre. El hombre medio, prospero, busca liberarse de la presión de lo racional, y busca los placeres de lo cotidiano, y sobre esto se basa el neokitsch. Este sistema se basa en la búsqueda de placer a escala del hombre, y se sostiene en: 1) La falsa funcionalidad: el burgués busca dar a su vida un aspecto de funcionalidad pero a la vez sueña con comprar y poseer, por lo que se busca reducir las disonancias dándole una falsa funcionalidad al objeto. 2) Los placeres del juego: (no es un rasgo especifico de la infancia sino del ser humano), y es un deseo reprimido, al que le sacan jugo los avisos, al publicitar que tal objeto es “tan divertido” 3) El carácter perecedero del objeto: el que mas diferencia kitsch de neokitsch. El objeto ya no es perdurable, y tiene una vida limitada, expresada en la garantía. 4) la moda que produce la alegría de la participación en el progreso. El modo y la moda La moda es un factor proveniente del contacto social. Es la distribución igualitaria de valores y necesidades. La explotación de la moda por parte del neokitsch pone al diseñador en la situación de ser un ingeniero del arte, mas que un artista (ingeniero de sistemas). La función del diseño y la estrategia de innovación cultural Esto nos lleva a caracterizar al supermercado como un medio de comunicación de masas, adopta una doctrina publicitaria en la cual se da al público lo que este pide, a la vez que tiñe al objeto de cierto aire de modernismo, dándole un “trozo de novedad”, y dándose un aire de progresismo. Sigue una política demagógica y recurre al diseñador, situado entre el creador y el problema. El kitsch moderno de supermercado es un modo de acceso a la cultura para la sociedad de masas, es una promoción de la sociedad, y uno de los elementos de movilidad social. El diseñador se inspira en los grandes innovadores, pero nunca los copia. Extrae las ideas y formas nuevas del artista, y las reacomoda o diluye en su originalidad para que puedan ser asimiladas por la masa consumidora. Así se da un dialogo entre el creador, representante del genio, y el diseñador, su órgano de difusión. Lo que distingue kitsch “moderno” del “estilo” es la coexistencia simultánea de objetos de épocas artísticas diferentes. La acción del diseñador en este ámbito (ya que esta situado entre el artista y el ingeniero y rechaza la separación arte-ciencia) será: 1) Adoptar una novedad estética y aplicarla a objetos tradicionales (rediseñarlos) 2) Adoptar una función nueva y revestirla con una forma (teoría de la cobertura) 3) Hacer las dos cosas, determinando una forma a seguir durante décadas. Reglas del canal de creación neokitsch Un objeto existirá para el comprador si este tiene el deseo de comprarlo, cuidarlo, repararlo, etc. Una sociedad de consumo que preconiza la funcionalidad se ve obligada a aumentar de numero las funciones en contraposición a una sociedad tradicional. Esto implica: 1) Un aumento efectivo de las necesidades, que, ante la desaparición de la mano de obra se basara en la automatización (lavarropas, maquinas de coser, etc.) 2) Una redistribución de las necesidades basada en:
-La redistribución de una serie de tareas con un fin común (sacacorchos+abrelatas+decapsulador) -La división de las funciones (molinillo de café, cafetera, vajilla) -El reagrupamiento de las funciones en un objeto, como el cuchillo para pomelo, o el descarozador de aceitunas, y demás, ejerciendo la tendencia al frenesí característica del kitsch. 3) La función del puro juego (como el abrelatas eléctrico), escondido bajo la excusa de funcionalidad 4) El carácter perecedero incorporado, una mala calidad metódica que obliga a renovar el objeto de cuando en cuando. El cascaron personal: la casa kitsch y su mobiliario Un instituto llevo a cabo una serie de análisis estéticos sobre el gusto de varios sectores de la población, que determino que en materia de casas y la preferencia del publico surge el kitsch moderno, a través de la elección de la mayoría. En cuanto al mobiliario, el público propone explícitamente las formas del kitsch, lo que demuestra que a lo que aspira la cultura de masas es a la ecuación Sociedad+Tecnología=Felicidad Felicidad+Cotidianeidad=Kitsch El display La idea de conjunto de objetos. El vínculo entre neokitsch y ebriedad consumidora producida por la industria da una nueva perspectiva para determinar los factores psicológicos que conforman al consumidor. Se enfoca estadísticamente el conjunto de objetos disponibles al consumidor y los que este elegirá para formar su micro-universo (su departamento), alrededor de sus necesidades básicas. -Se determina una primera dimensión: la cantidad de objetos en función a la dimensión media (en metros cuadrados) del departamento, variable en la cantidad de usuarios y su función especifica; y el “volumen especifico” o la “esfera de influencia del objeto”. -La segunda dimensión es la tasa de funcionalidad (uso mas o menos funcional), difícil de determinar, ya que se relaciona con un modo de vida mas o menos kitsch (un candelabro es kitsch teniendo electricidad, cuando no tiene funcionalidad), aunque este es un rasgo variable. -La tercera característica es el grado de complejidad, es decir el carácter imprevisible del agrupamiento constituido en el cascaron de objetos, que es un factor importante de la percepción estética (relación hombre-cosas). Complejidad que varía según el repertorio cultural establecido por la educación y la costumbre. Kitsch del conjunto y autenticidad de las partes Un conjunto kitsch es aquel donde un número de objetos es elevado, y su tasa de originalidad es pobre en relación a la cultura social. La cultura industrial se debería analizar en lo que propone al individuo. Todo se le ofrece en un display diverso en las grandes tiendas. El hombre produce así una combinación (como el amoblamiento). Y en el catalogo son ofrecidas las cosas mas variadas, sin ningún criterio. Complejidad del surtido y la cultura El conjunto diverso es una especie de mensaje de la sociedad industrial al consumidor, basado en la complejidad. Es evidente que el poseer un objeto raro (y variado) es un estimulo mas poderoso que el poseer uno común y corriente. La dimensión del surtido aparece como una dimensión esencial a nivel psicológico de las motivaciones del hombre. La posibilidad de elegir de entre el surtido de un modo arbitrario (ya que el precio al ser único ya no es determinante), y el surtido mismo, es un factor esencial. Nos encontramos en un mercado imaginario y su gigantesco display de objetos consumibles. El enfrentamiento se da entre hombre y surtido. Los aspectos estadísticos de una teoría de las necesidades El hombre plantea a la sociedad una pregunta planteada por sus necesidades, y exige su satisfacción en una dialéctica del consumo y la producción. Al estudiar la funcionalidad definimos al objeto por su finalidad. El conjunto de las necesidades del hombre se refleja en un
gran cuadro de las necesidades. Ser “civilizado” en el sentido occidental, es el tener muchas necesidades. Estas son un inmenso mensaje que el hombre dirige al mundo, el cual se puede definir como una suma de necesidades elementales. El hombre demanda una solución a sus necesidades, y recibe en manera de display lo que la sociedad le ofrece. Un mapa de las necesidades y el surtido Se establecera por un lado la complejidad de las necesidades, y por el otro la complejidad en el surtido de los objetos. La sociedad neokitsch se basa en una actitud de sociedad de consumo a nivel de los objetos en las capas sociales afianzadas, y de la imitación de estas clases en las inferiores. Falta estructura del mal gusto…
