INTRODUCCION
La producción de música en nuestros tiempos está aún en pleno proceso de efervescencia y creación; además cuenta con innumerables propuestas, corrientes, tendencias y nombres de compositores; por lo tanto, resulta tarea difícil conocerla en su plenitud y consecuentemente, hacer juicios de valoración sobre las obras conocidas. El siglo XX fue el siglo de la nueva música. música. Aunque hubo también nueva música en otros períodos, la ruptura con la tradición histórica no fue fue nunc nunca a tan tan radi radica cal, l, debi debido do fund fundam amen enta talm lmen ente te al rech rechaz azo o de la tonalidad , hasta llegar al completo abandono del concepto tradicional de músic úsica, a, si bien bien al mism ismo tiempo gran gran part parte e de es esta ta rupt ruptur ura a qued quedó ó inalterada. El siglo XX cultivó una variedad de estilos en la música mucho mayor que la de cualquier otro período anterior. Se puede justificar éste fenómeno en el afán de los compositores por buscar nuevos lenguajes y nuevas formas de expresar su arte. arte. A continuación en el presente trabajo definiremos algunas de las principales nuevas tendencias musicales, sus técnicas y nombraremos varios de sus compositores más notables.
ATONALISMO Por definición el atonalismo es una Tendencia moderna que se basa en la idea de componer música sin definir una tonalidad, es la música que rompe con todo el sistema jerárquico de funciones armónicas derivadas de las escalas diatónicas. Su objetivo es una nueva ordenación y leyes que puedan sustituir las fuerzas formativas de la armonía tonal. Entre sus iniciadores figuran los austriacos: Josef Matthias Matthias Hauer (1883-195 (1883-1959), 9), nacido en Wiener-Neustasdt,
com co mposi posito torr de mucha uchass obra obrass basa basada dass en el sist sistem ema a prop propio io,, se segú gún n algu alguno nos, s, de 12 nota notass y grup grupos os de nota notass que que el deno denom minó inó Trop Tropen en,, deri deriva vado doss de la orde ordena naci ción ón de la se seri rie e de doce doce nota notass de la es esca cala la cromática. Fue también, destacado teórico. Arnold Arnold
Schönberg Schönberg (1874-19 (1874-1951), 51),
quien
en
su Cuart arteto
de
Cuerdas N° 2 en Fa sostenido menor, escrito entre 1907 y 1908, avanza en el camino hacia el Atonalismo, en los dos últimos movimientos, en los cuales se agrega a los cuatro instrumentos de cuerda un solo de Soprano, el compositor suprime las armaduras de clave que hasta entonces habían sido usuales. usuales. Además, Además, la música música no se centra alrededor alrededor de una Tónica y por lo tanto no está en ninguna tonalidad. Sin embargo, será en su Canción, compuesta en septiembre de 1908, titulada Du lehnest wider eine Silberweide (Te apoyas en un sauce plateado), cuando Schönberg escribe una obra que no está en ninguna tonalidad determinada. A partir de allí, la música europea había entrado en una nueva etapa. Con sus discípulos Anton Webern y Alban Berg, Berg, practicó después la composición de obras breves para resolver el problema de la forma y luego compusieron obras con voz, de modo que el poema guiaba la forma de la obra. Las primeras obras no tonales de Schönberg se adscriben
dentro del llamado atonalismo libre. Tras su sistematización se denominó serialismo dodecafónico o dodecafonismo.
DODECAFONISMO El dodecafonismo o música
dodecafónica,
es
un
método
desarrollado por Arnold Schoenberg entre finales de la década de 1910 y principios de la década de 1920, con el propósito de facilitar al compositor la estructuración de música atonal proveyendo una serie de principios y procesos que le servirían de guía. Esta forma de música atonal posee una técnica de composición en la cual las 12 notas de la escala cromática son tratadas como equivalentes, es decir, sujetas a una relación ordenada que (a diferencia del sistema mayor-menor de la tonalidad) no establece jerarquía entre las notas. La música tradicional y popular actual suele ser tonal, y por lo tanto tener una nota de mayor importancia, respecto a la cual gravita una obra (esta nota indica la tonalidad, como Do mayor o La menor). Cualquier sistema tonal implica que unas notas se utilizan mucho más que otras en una melodía. Lo que hizo el fundador de la música dodecafónica, Schönberg, fue prohibir por estatuto usar una nota más que otra. La melodía dodecafónica debe llevar las 12 notas que hay en la escala cromática. Se escribe siguiendo el principio de que todos los doce semitonos o notas son de igual importancia. La relación interna se establece a partir del uso de una serie compuesta por las doce notas; el compositor decide el orden en que aparecen con la condición de que no se repita ninguna hasta el final.
Históricamente, procede de manera directa del "atonalismo libre", y surge de la necesidad que había a principios del siglo XX de organizar coherentemente las nuevas posibilidades de la música tras la crisis de la tonalidad. Schönberg estableció cuatro posiciones básicas para una serie:
La serie fundamental. Utiliza la abreviatura P. La retrogradación: la serie fundamental dispuesta en orden
retrógrado, o sea de adelante hacia atrás. Se utiliza la abreviatura R.
La inversión: consiste en invertir la dirección (no el valor) de los
intervalos haciendo ascendentes los descendentes y viceversa. Se utiliza la abreviatura I.
La inversión retrógrada: se realiza una retrogradación de la
inversión. Se utiliza la abreviatura RI. Historia del uso de la técnica:
Fundado por el compositor austriaco Arnold Schönberg en 1921 y descrito en privado a sus asociados en 1923, el método fue usado alrededor de 20 años por la Segunda Escuela Vienesa, compuesta por Alban
Berg, Anton
Webern, Hanns
Eisler y
el
propio Arnold
Schoenberg. Rudolph Reti, uno de los iniciadores, decía que: "Reemplazar una fuerza estructural (tonalidad) por otra (incremento de unidades temáticas) es
en
sí la
idea
fundamental
del
dodecafonismo",
argumentando su surgimiento de las frustaciones de Schönberg por la libre atonalidad. La técnica se usó ampliamente en la década de 1950, tomada
por
compositores
como Luciano Berio, Pierre Boulez, Luigi
Dallapiccola, Juan Carlos Paz y, después de la muerte de Schönberg, Igor Stravinsky. Algunos de estos compositores extendieron la técnica para poder controlar otros aspectos y no solo la altura de las notas, como son la duración, articulación, etc., produciendo de este modo música serial.
Algunos incluyeron todos los elementos de la música en el proceso serial, lo que se conoce como serialismo integral.
MUSICA SERIAL O SERIALISMO El serialismo es un método de composición musical que, como su nombre indica, utiliza series, esto es, grupos de notas sin repeticiones que siguen un determinado orden. Ésta
corriente
debe
principalmente
su
origen
al
sistema
dodecafónico expuesto por Schönberg, sin embargo, existieron otros sistemas dodecafónicos como el de Josef Matthias Hauer. Componer con base en una serie fue un procedimiento que siguieron varios compositores de forma independiente y que se puede constatar en algunas de sus obras, sin que el uso de este procedimiento cubra la totalidad de su producción artística. Uno de los precursores del serialismo en Francia es Pierre Boulez, quien
criticó
fuertemente a Schönberg por no haber roto con los esquemas formales precedentes y no haber permitido generar una forma a partir de los elementos seriales, para Boulez todos los elementos de la música como lo son el
ritmo,
la
melodía, la dinámica y finalmente la forma son susceptibles de ser serializados. Dicha postura fue heredada de su maestro Olivier Messiaen quien trabajó con
el
sistema llamado serialismo integral cuyas series de antemano trabajaban junto con las notas, el ritmo y las dinámicas. En Italia compositores como Malipiero, Nono y Maderna trabajaron series libres cuyo tratamiento era más ‘consonante’ que el expuesto por Schönberg, esencialmente ‘disonante’. Bases para la construcción de una serie dodecafónica:
• La serie consta de las doce notas de la escala semitonal, dispuesta en un orden específico. • Ninguna nota de la escala semitonal aparece más de una vez dentro de la serie. • La serie puede ser expuesta en cualquiera de sus aspectos lineales: aspecto básico, retrógrado, inverso o retrógrado-inverso. • La serie y sus aspectos lineales pueden ser expuestos sobre cualquier nota de la escala semitonal. • Se evita el uso de intervalos consonantes entre un término y otro, salvo el intervalo de sexta mayor. • No se utilizan más de tres semitonos por grado conjunto de forma ascendente o descendente. • Se evita la creación de arpegios tonales en cualquier inversión, incluso por enarmonía. • El orden de los términos de la serie son fijos, pero los registros son libres.
Ejemplo de serie dodecafónica:
A. Schönberg.
Bases para la construcción de una serie libre:
• La serie puede utilizar una cantidad libre de notas. • Las notas pueden repetirse o no dentro de la serie. • No es necesario utilizar todas las notas de la escala semitonal. • Las series deben responder a un principio básico de organización. Ejemplo de serie libre:
Luigi Dallapiccola
MICROTONALISMO El microtonalismo es la música que utiliza microtonos (los intervalos musicales menores que un semitono). En la música tradicional occidental, una octava se divide en 12 semitonos iguales. En el microtonalismo se utilizan
más
notas,
estadounidense Charles
llamadas
Ives definía
a
microtonos. los
microtonos
humorística como “las notas entre las teclas del piano”.
El
músico
de manera
Muchos teóricos contemporáneos tratan de organizar la división de microtonos de tal manera que se puedan relacionar melódicamente y armónicamente tal como los tonos utilizados en el sistema dodecafónico. Según algunos compositores, el microtono abriría nuevas puertas y horizontes en el mundo de la música contemporánea. Esta tendencia parte de los trabajos de los compositores checos Alois Hába (1893-1973) y Karel Hába (1898-1972), quienes sostuvieron y propagaron un sistema musical basado en subdivisiones menores del tono (cuartos de tono, etc.), tomando en cuenta el estudio de los sistemas musicales de (Aristógeno y Cleónides) las más antiguas civilizaciones. Sostiene el principio de que no existe la Escala Natural y que la nuestra es la menos natural y la más arbitraria que existe. Alois Hába no considera el sistema microtonal como un nuevo lenguaje musical, sino como una continuidad lógica y un desenvolvimiento del sistema temperado. Dentro de su producción se cuentan entre otras obras, cinco cuartetos para cuerdas, sonatas, piezas para piano y la ópera Matka (Madre). Otros compositores importantes dentro de esta tendencia son: el compositor bohemio Miroslav Ponc (1902-1976) quien es uno de los más radicales y definidos como no conformistas, además de Basil Bosinov, Josef Zavádil, Karel Jenécek, Karel Srom, Pavel Haas y Julius Kalas, entre otros. Se completa este sistema con las investigaciones y aportes del mexicano Julián Carrillo(1875-1965), gran pionero de la música microtonal en América, cuya Arpa Cítara (su invento) tiene cuerdas para 96 subdivisiones dentro de la octava, y también utiliza un Arpa que tiene 64 subdivisiones (Los instrumentos de cuerda pueden tocar cuartos de tono y sextos de tono). Carrillo compuso óperas, sinfonías y un Concertino para instrumentos de microtonos, además de otras obras. También destaca en el
campo
de
la
creación
de
instrumentos
norteamericano Harry Parcht (1901-1974).
microtonales
el
Compositores Notables: •
Alois
Hába (Checoslovaco):
Compositor
y
teórico
(Vizovice,
musical
1893-Praga,
checoslovaco.
1973)
Defensor
del
microtonalismo, hizo construir instrumentos especiales y compuso según las reglas establecidas en su obra Nuevas reglas armónicas del sistema diatónico y cromático sobre terceras, cuartas, sextas y duodécimas de tono (1927). •
Julián Carrillo (México 1875-1965) Construyó 16 pianos, arpas,
flautas, guitarras y cellos capaces de generar cuartos, octavos y hasta dieciseisavos de tono. Grabo en Paris obras en cuartos y octavos de tono, ofreció conciertos en Nueva York, Filadelfia, Paris y México además de desarrollar la Teoría del Sonido 13. •
Charles Loli (Perú 1975) basado en Inducciones matemáticas, serie
de armónicos, y la octava pitagórica, resumió escalas en relación a la armonía para sistemas microtonales. Puso en practica los sistemas microtonales mediante software de música. Su primera composición microtonal fue realizado en un sistema de 20 sonidos por octava y es conocido como "Bidecafonico", actualmente desarrollo una propuesta teorica para el sistema de 17 sonidos por octava. •
Francisco
Guerrero
(España
1951-1997),
quizás
el
más
importante compositor español de la segunda mitad del Siglo XX, trabajó con sistemas en los cuales la abundancia de alturas microtonales
deriva de complejas fórmulas matemáticas y
concepciones fractales de los gestos sonoros.
MUSICA CONCRETA Se inició este movimiento hacia 1913, con los experimentos del futurista Luigi Russolo (1885-1947), quien concibe música creada con ruidos y cajas electrónicas; más tarde seguido por MAURICE MARTENOT (1898-1980) con su invento de la Ondas Martenot y EDGAR VARÈSE (1883-1965), pionero de la música futurista con sus novedosas obras para instrumentos de percusión (Ionisation), al igual que el cubano prematuramente fallecido AMADEO ROLDÁN (1900-1939), ambos usan los instrumentos que producen ruidos (percusión) y los convierten en rasgo distintivo de la vanguardia musical de los años veinte y treinta. Llamada Música Concreta por el compositor francés PIERRE SCHAEFFER (1910-1995), en 1948 debido a que con amplificadores utilizaba materiales sonoros concretos: ruidos, papeles arrugados o rasgados, sonidos de pájaros y otros sonidos grabados previamente en cinta magnetofónica. La música concreta está ligada a la aparición de las maquinas que permitieron la descontextualizacion de un sonido fijandolo en un soporte (analógico: cinta, digital: CD/computadora) con el fin de tratar este sonido de manera separada : cortándolo, pegándolo, superponiéndolo, y luego combinar los sonidos resultantes de estas operaciones de alteración en una estructura compleja y definitiva (como una partitura auditiva). Por esta razón, se habla igualmente de " música de sonidos fijados”, fijados en un soporte: cinta, CD, archivos informaticos. Esta revolución de sonidos hizo explotar toda la estructura habitual de la música, porque la forma musical dada al escuchar el sonido de una puerta resulto de la misma importancia que la de una melodía tocada al violín. Compositores Notables:
Pierre Schaeffer
Bernard Parmegiani
François-Bernard Mâche
Pierre Henry
Luc Ferrari
MUSICA ALEATORIA La música aleatoria o de azar es una técnica compositiva musical basada en el recurso a elementos no regulados por pautas establecidas y en la que adquiere un papel preponderante, es la improvisación a partir de las secuencias no estructuradas. Tales rasgos improvisadores pueden fijarse en la creación del autor o en el desarrollo de la propia interpretación.
Es
frecuente,
en
consecuencia,
la composición de
piezas aleatorias en las que el ejecutante determina la estructura final de la obra, mediante la reordenación de cada una de las secciones de la misma, o incluso mediante la interpretación simultánea de varias de ellas. El azar es un rasgo definitorio de esta técnica compositiva que alcanzaría una notable difusión a partir de la década de 1950. Las más destacadas modalidades en las que se plantea la creación aleatoria en la música contemporánea son la forma móvil, que impone diversas soluciones interpretativas de rango equiparable; la forma variable, en la que predomina la improvisación; y el llamado work in progress, que constituye el máximo grado de azar en la ejecución de la pieza. En todas ellas suelen incorporarse instrumentos clásicos, con especial atención al piano, y medios de ejecución electrónicos tales como sintetizadores, distorsionadores y cintas grabadas. Compositores notables:
Las corrientes aleatorias tuvieron algunas de sus más significativas representaciones en las creaciones del estadounidense John Cage - Music of Changes
(Música de cambios); el alemán Karlheinz Stockhausen -
Hymnen (Himnos); los italianos Bruno Maderna y Franco Donatoni, el
español Luis de Pablo, los argentinos Alberto Ginastera, y Mauricio Kagel y el francés Pierre Boulez.
MUSICA ELECTRO-ACUSTICA
La música electroacústica es un género que reúne varias corrientes musicales. La expresión música electroacústica nació en los años 1950 para designar un tipo de música compuesto por sonidos pregrabados o sintetizados. Así, su origen se encuentra a la vez en la música concreta iniciada en Francia por Pierre Schaeffer en 1948 y en la música electrónica desarrollada a partir de 1950 en Colonia, Alemania por Eimert. Dentro de la música electroacústica se integran diversas tendencias (diferenciadas más por la técnica que por la estética), algunas de ellas son: 1. Música electrónica en vivo:
El término de Música Electrónica en Vivo o Live Electronics, abarca tres tipos de situaciones diferentes: 1. La interpretación de música electrónica en donde el sonido
proviene de fuentes sonoras en vivo como sintetizadores u otros instrumentos electrónicos. En este tipo de situación no se utiliza material pre-grabado. Este tipo de interpretación muchas veces se denomina como interpretación en ``Tiempo Real''. 2. La interpretación de música electrónica en vivo a cargo de uno o mas intérpretes que utilizan instrumentos tradicionales o voz además de sonidos pre-grabados en una banda sonora.
3. Otra definición de música electrónica en vivo puede ser la combinación de las categorías anteriores. Esto significa que ésta
forma
es
una
interpretación
con
instrumentos
tradicionales, voz, tratamiento de señal en vivo y tiempo real, además de instrumentos electrónicos en vivo. Otras combinaciones como la suma de bandas sonoras pregrabadas e instrumentos electrónicos y tradicionales en vivo fuera del tratamiento de señal en tiempo real también pueden incluir algún tipo de material visual pre-grabado o compuesto en tiempo real. Muchos compositores favorecen este formato para liberarse del sonido e involucran danza, expresión corporal, performance mezclado con señales de video. 2. Música por computador:
Este es un tipo de música electroacústica, en la que se utiliza el computador para generar y procesar material sonoro. Programas con algoritmos para producir sonidos se controlan con otros programas que producen listas de notas que a la vez encapsulan el gesto musical. Dentro del campo de la música por computador se incluyen no solo la interpretación automatizada sino también la composición algorítmica enmarcada dentro de la composición asistida por computador. Dentro de estas definiciones que surgen a partir del concepto de música electroacústica es fácil pensar en aplicaciones y otras ramificaciones que surgen con cambios y desarrollos tecnológicos. De esta forma se pueden concebir nuevos instrumentos musicales fuera de prótesis y aditamentos a los instrumentos tradicionales. También es necesario re-formular algunos puntos sobre el pensamiento musical como por ejemplo el que la obra ya no se concibe para una sala de conciertos. Una obra puede ser concebida para reproducción en medios de soporte, para interpretaciones en galerías, para difusión por el aire, etc. Otro punto importante es la desaparición de la tonalidad; con la electroacústica el
compositor se separa de escalas e intervalos para en su lugar, trabajar con el timbre y con espectros sonoros. El intérprete en lugar de enfocarse en algún tipo de afinación, ahora puntualiza en nuevas sonoridades. 3.
Música Mixta:
La Música mixta es la denominación que recibe una obra que mezcla música acústica (instrumentos tocados en vivo) y música electroacústica
(concreta
o
sintetizada)
difundida
por
medios
electroacústicos. La música instrumental puede ser o no procesada en tiempo real (especialización, grabación, repetición). El fruto de estos procedimientos esta difundido en grupo de parlantes. Se trata de todo tipo de música
4.
Música Electrónica:
El término de Música Electrónica, se refiere a un tipo de música electroacústica
con
fuentes
sonoras
provenientes
de
procesos
electrónicos. Estos procesos usualmente incorporan la utilización de osciladores y generadores de tono que producen una señal eléctrica que hace referencia a una vibración física. La señal es subsecuente-mente reproducida con amplificadores y altavoces. Instrumentos musicales conocidos como ``sintetizador'', son apropiados para la composición y realización de música electrónica. En la actualidad varios de estos sintetizadores son paquetes de programas de computador. Los actuales experimentos de música electrónica surgen en el Estudio de Música Electrónica de la Radio Colonia, Alemania, puesto en marcha
el
18
de
Dr. Herbert Eimert y
octubre luego
STOCKHAUSEN (1928-2007),
por
de
1951
el autor
bajo
compositor
la
dirección
del
alemán KARLHEINZ
de Étude
I pour sons
sinusoïdaux (1953), su primera obra electrónica; formado por el suizo
dodecafonista FRANK MARTIN (1890-1974) y OLIVIER MESSIAEN; se inicio dentro de la corriente serialista y las propuestas de Anton Webern. Luego se dedicó a realizar importantes investigaciones y aportes en el campo de la MÚSICA ELECTRÓNICA. Es el compositor de la primera obra basada en sonidos sinusoidales, es decir sonidos musicales puros carentes de armónicos, logrados mediante filtración electrónica. Sus obras incluyen: , Klavierstück
XI (1956),
Gruppen (1957),
Refrain y
Ziklus (1959),
Kontakte (1960), Originale (1961), Momente (1962), Telemúsica (1966), Tierkreis (1975); y otras. Junto a él trabajan otros destacados compositores, como: MICHAEL VON BIEL (1937); y GYÖRGY SÁNDOR LIGETI (1923-2006), rumano de origen húngaro, quien incursiona en varios campos y nuevas tendencias, incluida el área de la electroacústica. Entre sus obras se cuentan, desde Six Bagatelles pour quintette à vent (1951-3),
Artikulation (1958), Requiem y Deuxième
Quatuor
à
cordes (1968), hasta Passaglia ungherese y Hungarian Rock (1978), y muchas otras.
MUSICA MINIMALISTA La música minimalista es una categoría extendida y diversificada que incluye, por definición, toda la música que funcione a partir de materiales limitados o mínimos; las obras que utilizan solamente algunas notas, solamente algunas palabras, o bien las obras escritas para instrumentos muy limitados, como címbalos antiguos, ruedas de bicicleta o vasos de güisqui. Ello incluye las obras que sostienen un simple gruñido electrónico durante largo rato. Las obras exclusivamente constituidas de grabaciones de ríos o cursos de agua. Las obras que evolucionan en ciclos sin fin. Las obras que instalan un muro estático de sonidos de saxofón. Las obras que implican un largo lapso de tiempo para evolucionar de un
tipo de música a otro. Las obras que abarcan todas las alturas posibles a condición de que estén comprendidas entre do y re. Las obras que reducen el tempo hasta dos o tres notas por minuto. Quizás las formas más antiguas de minimalismo son en realidad de artistas visuales como Malevitch y de otros adeptos al suprematismo en Rusia y en Polonia, o bien de Mondrian, que trabajó algunos años más tarde en Holanda, con un mínimo de colores y de formas. O incluso de la escuela de minimalismo en la escultura, que , en el curso de los años cincuenta en Nueva York, usa las formas simples de cuadrados y cubos. Artistas como Sol LeWitt y Carl André pertenecen a esta corriente. El Minimalismo se basa en la repetición del material básico o fundamental de una obra, sea este rítmico, melódico, junto a otras características como vuelta a la tonalidad, simplificación de las formas, empleo preferente de instrumentos de percusión y otras variables. Estilo minimalista en la música Kyle Gann ha identificado 9 tipologías comunes en el diseño de la música minimalista, ninguna de ellas hace un estilo personal de un compositor por sí sola, pero juntas o en combinación pueden describir estilos de los músicos, o tendencias a lo largo de la historia:1 1.
Armonía estática (una tendencia a permanecer en un acorde,
o a moverse de forma retrógrada o directa entre un grupo o repertorio de acordes); 2.
Repetición de breves motivos (este es el estereotipo más
reconocido en la música minimalista, A través de diferentes autores se ha propagado esta característica, como puede ser las instalaciones Young de tono sinoidal, las improvisaciones de violín de Tony Conrad, las piezas permutacionales de Jon Gibson, los trabajos de Phill Niblock y otros ejemplos instrumetales de este tipo)
3.
Procesos
algorítmicos,
lineales,
geométricos
o
graduales (tales como la generación de patrones como 1, 1+2, 1+2+3,
1+2+3+4
y
así
sucesivamente,
permutaciones
sistemáticas del tipo de las que emplea Jon Gibson en sus composiciones, o los desplazamientos de fase o los bucles repetitivos de Reich en los trabajos de la década de los 60) 4.
Un ritmo estático (a menudo motorizado, pero en algunas
ocasiones simplemente restringido a un pequeño repertorio de duraciones temporales) 5.
Instrumentación
estática (cualquier
instrumento
toca
al
mismo tiempo, en una superposición de melodías, una puesta en escena donde cada instrumento juega el mismo rol participando en igualdad) 6.
"Metamúsica" (detalles sin planificar que van creciendo, o que
son amplificados por las percepciones como si fuera un efecto colateral,
tal
y
como
aparece
en
las
composiciones
de
Reich Drumming y Octet) 7.
Uso de tonos puros o atemperaciones justas (uso muy común
en las obras tempranas de la música minimalista de Young, Conrad, Niblock y Riley pero posteriormente abandonadas en la práctica más popular de Reich/Glass) 8.
Empleo de influencias no-occidentales en las composiciones
(Young, Riley y Glass se inspiraron en la música de la India en algunas de composiciones, Reich estudió la música africana) 9.
Destilado de la esencia de la canción, que se muestra pura sin
detalles ocultos, a veces sin significado léxico. La estructura de la voz llega al auditorio sin contenido, rítmico y repetitivo. Compositores Notables: Son los principales Minimalistas, los norteamericanos:
•
•
TERRY RILEY (1935) con su obra In C (1966); PHILIPP GLASS (1937) con su 1+1 y también con Music in 12 Parts (1971-74);
•
STEVE REICH (1936) con It’ s Gonna Rain (1965), Come Out (1966), Melodica (1966), Piano Phase (1967) para dos pianos, Violin Phase (1967) para cuatro violines y banda magnetofónica, Octuor (1979), y otras;
•
LA MONTE THORNTON YOUNG (1935) con su famosa The Tortoise, his Dreams and Journeys (1964) y el ganador del Premio Pulitzer, JOHN ADAMS (1947), compositor de Nixon in China (1987) y Harmonielehre (1985).
Podemos citar también en esta tendencia, las obras de compositores británicos como: •
MICHAEL NYMAN (1944) con El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante (1989).
•
GAVIN BRYARS (1943) autor de Jesus blood never failed me yet (1974).
MUSICA EXPERIMENTAL La música experimental es un género musical que busca expandir las nociones existentes de la música. Su labor consiste en trabajar con ideas y formas aún no desarrolladas suficientemente en el ámbito musical y experimentar activamente con ellas a la búsqueda de nuevos estímulos que puedan reorganizar sus propios conceptos artísticos. Música experimental es un término introducido por John Cage en 1955. Según Cage un hecho experimental es aquel que produce resultados no previsibles. En un sentido más amplio también se refiere a la música que busca desafiar las nociones preestablecidas de que es la música. Este término también fue utilizado al principio para designar a la música electroacústica en los inicios de esta. Técnicas:
Este tipo de música busca constantemente producir sonidos y "efectos" nuevos de los instrumentos. Algunos de ellos son:
Preparar instrumentos: Esto consiste en agregar previamente otros
objetos en ciertas partes del instrumento para producir distintos timbres o efectos. Por ejemplo colocar piedritas y maderas entre las cuerdas de un piano (piano preparado).
Clústers: Es la superposición de gran cantidad de notas,
generalmente por grado conjunto (como cuando apoyamos las dos manos sobre el teclado de un piano).
Creación de nuevos instrumentos, modificación de los instrumentos
tradicionales o utilización de objetos de la vida cotidiana para producir sonidos.
Formas de tocar no-convencionales: glissando, frullato, col legno,
etc. Son formas de producir otros timbres y sonidos del instrumento o
voz utilizando otras técnicas, pero sin modificar el instrumento ni agregarle objetos.
Experimentación con nuevas tecnologías: es buscar combinaciones
de efectos musicales, o la creación de ellos (juntando trémolo, con eco, etc.
MUSICA INCIDENTAL Música incidental o música de escena es la música que acompaña una obra teatral, un programa de televisión, un programa de radio, una película, un videojuego y otras formas que no son en principio musicales. El término es menos frecuentemente aplicado a la música de cine,
pues
a
ésta
se
le
llama
más
a
menudo música
cinematográfica o banda sonora. La música incidental es con frecuencia "música de fondo", y crea una atmósfera para la acción. Puede incluir obras que agreguen mayor interés al público, por ejemplo obertura, o música que se interprete entre los cambios de escena. También puede requerir músicos que la interpreten en vivo en el escenario. El uso de música incidental data de la antigüedad del drama griego. Varios compositores de música clásica han compuesto música incidental para varias obras teatrales; los ejemplos más famosos son:
Egmont con música de Ludwig van Beethoven. Rosamunde con música de Franz Schubert. El sueño de una noche de verano con música de Felix Mendelssohn. L'Arlesienne con música de Georges Bizet. Peer Gynt con música de Edvard Grieg.
Parte de todas de estas musicalizaciones a menudo se interpretan en concierto fuera del contexto de la obra para la que se creó. Más
recientemente,
la
música
incidental
ha
sido
escrita
para videojuegos y cine como las de Charlie Clouser (Hello Zepp), Michael Giacchino (las series de Medal of Honor), Richard Jacques (Sega Dreamcast), Jack Wall (Myst III), Stéphane Picq y Philippe Ulrich (Dune, de Cryo) James Hannigan (Catwoman). Una de los compositores de música incidental más conocidos en la televisión británica es Howard Goodall, quien escribió música para The gathering storm, La víbora negra y Enano rojo además para la película Mr. Bean.
CONCLUSION Las nuevas tendencias y los estudios serios sobre otros sistemas musicales antiguos manifiestan que nuestro sistema tonal no es ni único ni tampoco eterno, que la realidad convencional del sonido en nuestro sistema, ha permanecido divorciada de la realidad física del sonido y que nuestro sistema no posee bases racionales tan sólidas como se le habían atribuido. Cada una de las propuestas musicales mencionadas en este texto son importantes de considerar ya que se enfocan en distintos aspectos de la música. Queda demostrado que estas nuevas tendencias han cambiado las bases teóricas del análisis musical, desde 1940 se ha generado una intensa actividad en este campo y no hay señales de que esto se haya acabado en ningún sentido. La investigación en todos estos tipos de música sigue su curso y nuevas ideas y enfoques son propuestos constantemente.
BIBLIOGRAFIA •
http://www.histomusica.com/
•
http://www.filomusica.com/
•
http://otrasmusicasotrosmundos.blogspot.com/
•
http://es.wikipedia.org/
•
Schaeffer, Pierre (1967). La música concreta
•
Wuorinen Charles, Composicion simple
