Tema 4: Clasicismo El Clasicismo fue el periodo que marcó la transición desde la Edad Moderna hasta la Edad Contemporánea. Musicalmente, delimitamos su cronología entre los años 1730 y 1820, aproximadamente. En el resto de artes, este periodo fue conocido como “Neoclasicismo”, porque hubo un retorno a los ideales de la cultura Greco-Romana (basada en la razón y al servicio del equilibrio y la belleza). La música no pudo copiar a los modelos clásicos de la antigüedad. Sin embargo, compartía con ellos el hecho de buscar la perfección formal y el ideal de belleza. El siglo XVIII fue la Edad de la Ilustración, un movimiento cultural que favorecía a la burguesía y a la pequeña nobleza y que, además, condujo a la Revolución Francesa, la cual rompió el poder de las monarquías absolutas. La música abandonó, poco a poco, las iglesias y los círculos de palacios, con el fin de estar más cerca de los círculos burgueses como, por ejemplo, las casas privadas, los salones y los conciertos públicos. El compositor se transformó, cada vez más, en un artista liberal que quería alcanzar nuevos oyentes con música humana, natural, elegante y agradable para todo el mundo, donde predominaban la claridad formal y la simplicidad melódica. 1. Música vocal secular: ópera clásica La ópera se sometió a un cambio durante el Clasicismo, común al resto de formas musicales. Esto hizo que se tendiera a la naturalidad. Se eliminaron los excesos del Barroco y se cogieron las piezas musicales y los personajes más cercanos a los nuevos oyentes burgueses. 1.1 La ópera seria En la ópera seria, el iniciador de la reforma fue el compositor alemán Christoph Willibald Gluck (1714-1787), el cual estableció las bases de la nueva ópera en 1762 con el trabajo Orfeo y Eurídice. Él usaba música más simple y argumentos más creíbles. 1.2. Ópera buffa Llegó a ser el género de ópera favorito del Clasicismo. El principal compositor fue Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) con “La Boda de Fígaro”, escrita en italiano, y “La Flauta Mágica”, escrita en alemán y, por lo tanto, ejemplo de opereta. 2. La música instrumental La emancipación de la música instrumental conseguida durante el Barroco, alentó a los compositores del Clasicismo a continuar esta evolución. La introducción de instrumentos nuevos como el piano y el clarinete, las nuevos y variadas disposiciones de
cámara y la evolución de la orquesta también ayudaron en el progreso de la música instrumental. La música instrumental se movió desde la corte hacia conciertos en salones públicos, los cuales desarrollaron un rol fundamental en este avance. Los nuevos conciertos en los salones necesitaban más sonoridad, así que la orquesta tenía que tener más miembros. El bajo continuo Barroco se eliminó y el número de instrumentos de cuerda y viento aumentaron. Además, el elemento tímbrico tuvo un rol fundamental presentando ideas musicales con un color instrumental específico. El director de orquesta La progresiva complejidad de las composiciones orquestales, creó la necesidad de un director de orquesta, cuya obligación era, exclusivamente, la de coordinar a todo el conjunto. Bastante a menudo, los propios compositores se hacían responsables de dirigir sus propias orquestas, convirtiéndose, a sí mismos, en directores. Así que, no solamente tenían que marcar el ritmo, sino también indicar las diferentes entradas de las voces y todos los aspectos expresivos que tenían que ver con la actuación y la concepción de la pieza musical.
2.1 El esquema de la sonata La sonata, forma instrumental que apareció en el Barroco, comenzó durante el Clasicismo. Su principal modelo de composición se aplicó al primer movimiento con todas las formas instrumentales.
La sonata como esquema de composición:
La estructura de la sonata responde a un esquema dividido en tres partes, formado por: a) Exposición: presentación de dos temas musicales unidos por un pasaje modular llamado “puente”. El tema A establece la clave principal de la pieza y tiene, usualmente, una naturaleza enérgica. El tema B está representado en una tonalidad cercana y tiene, usualmente, una naturaleza más lírica. b) Desarrollo: La música se mueve a otros puntos clave a través del desarrollo y la combinación de materiales de dos temas principales. c) Recapitulación: Se vuelve a la exposición pero con pequeñas modificaciones. Ambos temas están presentados, ahora, como puntos principales para conseguir una fuerte naturaleza concluyente. Esto, usualmente, termina con una coda final que recoge el material de un tema o de ambos.
2.2. Las principales formas instrumentales Las formas instrumentales del Clasicismo (cuyo símbolo de identidad es el uso del esquema de la sonata en el primer movimiento) están diferenciadas según las diferentes combinaciones que aparecen: -
Sonata: Composición instrumental destinada a uno o dos instrumentos
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Trío, cuarteto, quinteto, etc.: Formas instrumentales compuestas para grupos de cámara formados por tres, cuatro, cinco o más instrumentos
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Sinfonía: Formas instrumentales compuestas para toda una orquesta. Se realiza a través de cuatro movimientos: Allegro, Adagio, Minuet o Scherzo y Allegro.
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Concierto: Formas instrumentales compuestas para una orquesta o solista (usualmente piano, violín o algunos instrumentos de viento). Tiene tres movimientos: Allegro, Adagio y Allegro.
Conciertos para solitas Los conciertos de música Clásica para solistas y orquestas reemplazan al concierto grosso barroco. Por lo tanto, desde el siglo XVIII usamos la palabra concierto para referirnos a un trabajo escrito para un solo instrumento combinado con la orquesta.
Los compositores musicales más importantes fueron tres grandes músicos del Clasicismo: Franz Joseph Haydn (1732-1809), considerado el padre de la sinfonía; Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) y Ludwing van Beethoven (1770-1827), el cual construyó un puente hacia la siguiente etapa: el Romanticismo. En España, el repertorio musical más prominente fue dedicado a la guitarra, volviéndola un instrumento musical muy popular gracias a numerosos tratados para aficionados. El compositor más distinguido fue Fernando Sor (1778-1839) considerado el fundador de la escuela de guitarra moderna. 3. La danza en El Clasicismo 3.1. El verdadero Ballet: ballet de acción A mediados del siglo XVIII, el ballet se sometió a una gran transformación con la ayuda de un bailarín y coreógrafo francés, Jean Georges Noverre (1727-1810). Él
capturó sus ideas revolucionarias en el tratado “Las cartas de la danza y el ballet”, publicado en 1760. Noverre creó el nuevo género ballet de acción, prueba de que la danza, la mímica y la música pueden contar una historia sin tener como recurso a la poesía o el canto. Así fue como apareció el ballet moderno, como la conjunción de la música, coreografía y el escenario, con el fin de expresar una idea dramática. Esta nueva concepción del ballet supuso otros cambios significativos: -
La importancia de una historia, usualmente con un final trágico, que permite introducir la danza
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La composición de la música estuvo al servicio de la escena, especialmente escrita para la danza en lugar de crear pasos, con anterioridad, para la música.
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El uso de la compañía de danza como telón de fondo sobre el que los bailarines principales llevan a cabo el desarrollo de la acción.
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Una nueva técnica de danza en la que los gestos y las expresiones faciales se convierten en algo muy importante. También se busca los movimientos delicados y naturales.
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La eliminación de máscaras, pelucas y ropa poco práctica, adaptando la ropa a la escena y al periodo que se representa Bailarines virtuosos
Entre las principales figuras de la danza, podemos señalar al italiano Gaetano Vestris, capaz de hacer las acrobacias y piruetas que conllevan un mayor riesgo. La alemana Anna Heinel fue la primera mujer en realizar una doble pirueta. El francés Charles Luis Didelot inventó aparatos coreográficos que permitieron a los bailarines “volar” de manera segura a través de cables invisibles que los sujetaban. 3.2. Danza social: Minuet A finales del siglo XVIII, el único baile que se mantuvo su estilo fue el Minuet. Se convirtió en el símbolo de la sociedad aristocrática. El Minuet es un paso de danza francés con un ritmo ternario y movimientos tranquilos. Responde a una forma de tres partes, compuestas para un primer Minuet. Después, un segundo Minuet llamado trío (fue originalmente compuesto para un trío
instrumental) y la repetición del primer Minuet. Es, actualmente una forma ternaria “a da capo” (A.B.A) [Da capo significa: desde el principio] Minuet 1: tonalidad principal Minuet 2 o trío: Modulación Minuet 3: tonalidad principal Aunque el Minuet fue escrito y bailado como un baile de salón durante el Clasicismo, también se introdujo como un movimiento usual en sinfonías, sonatas y música de cámara.
