Índice general 1 Cla Clasi sici cism smoo
1
1.1 Véa Véase se tam tambi bién én
. . . . .. . . . .. . . . .. . . .. . . .. . . . .. . . . .. . . .. . . .. . .
3
1.2 Bib Bibli liogr ografí afíaa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .
4
1.33 No 1. Nota tass . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .
5
1.4 Enlac Enlaces es ex extern ternos os
5
. . . .. . . . .. . . . .. . . . .. . . .. . . .. . . . .. . . .. . . .. . .
2 Neoc Neoclasi lasicis cismo mo 2.11 Or 2. Oríg ígen enes es
6 . . . .. . . .. . . . .. . . . .. . . . .. . . .. . . .. . . . .. . . . .. . . .. .
6
2.2 Des Desarr arroll olloo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .
7
2.2.1 2.2 .1
Arqui Arq uitec tectur turaa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .
7
2.2. 2. 2.22
Escu Es cult ltur uraa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .
8
2.2. 2. 2.33
Pint Pi ntur uraa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .
9
2.2. 2. 2.44
Músi Mú sica ca . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .
9
2.2.5 2.2 .5
Litera Lit eratura tura . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 10
2.3 Véa Véase se tam tambi bién én
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 11
2.4 Ref Refere erenci ncias as . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 11 2.5 Enlac Enlaces es ex extern ternos os
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 11
3 Arqu Arquitec itectura tura neoc neoclási lásica ca
12
3.1 La críti crítica ca ilus ilustrada trada . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 12 3.2 Vis Visio ionar nario ioss . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 13 3.3 Arq Arquite uitectura ctura pinto pintoresc rescaa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 13 3.4 “Neo“Neo-roma romano” no” y “Neo-g “Neo-grie riego” go” . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 14 3.55 Fr 3. Fran anci ciaa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 14 3.66 Al 3. Alem eman ania ia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 16 3.7 Re Reino ino Un Unid idoo 3.88 It 3. Ital aliia
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 16
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 16
3.99 Es 3. Espa paña ña . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 16 3.10 Escandina Escandinavia via . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 17 3.11 Amé Améric ricaa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 17 3.11.11 Estad 3.11. Estados os Unid Unidos os . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 17 3.11.22 Iber 3.11. Iberoamé oaméric ricaa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 18 3.122 Not 3.1 Notas as . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 19 i
ii
ÍNDICE GENERAL
3.13 Enlaces extern externos os
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 20
4 Pin Pintura tura neoc neoclási lásica ca
21
4.11 Hi 4. Hist stor oria ia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 21 4.2 Carac Caracterís terístic ticas as
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 23
4.2. 4. 2.11
Técn Té cnic icas as . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 23
4.2. 4. 2.22
Tem emaa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 23
4.2.3 4.2 .3
Compos Com posic ició iónn . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 23
4.33 Ar 4. Arti tist stas as . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 23 4.3. 4. 3.11
Fran Fr anci ciaa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 23
4.3.2 4.3 .2
Resto Re sto de Eur Europa opa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 25
4.4 Notas y ref refere erenci ncias as . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 26 4.5 Enlac Enlaces es ex extern ternos os
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 26
5 Escu Escultura ltura neoc neoclási lásica ca
27
5.1 Conte Contexto xto hist históric óricoo
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 27
5.2 Carac Caracterís terístic ticas as gen general erales es . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 28 5.3 Centros de distribuci distribución ón y represe representantes ntantes clav clavee . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 29 5.3. 5. 3.11
Ital It alia ia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 29
5.3. 5. 3.22
Dina Di nama marc rcaa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 30
5.3. 5. 3.33
Fran Fr anci ciaa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 30
5.3.4 5.3 .4
Estad Est ados os Un Unid idos os . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 30
5.3.5 5.3 .5
Inglat Ing laterr erraa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 31
5.3. 5. 3.66
Alem Al eman ania ia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 31
5.3.7 5.3 .7
Otros Otr os paí paíse sess
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 32
5.4 Ref Refere erenci ncias as . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 32 5.5 Bib Bibli liogr ografí afíaa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 32 5.6 Enlac Enlaces es ex extern ternos os
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 32
6 Músi Música ca del Clas Clasici icismo smo
33
6.1 Den Denomi ominac nació iónn . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 33 6.2 Estética y caracterís características ticas general generales es . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 33 6.3 Peri Periodos odos y autores de la música del Clasici Clasicismo smo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 34 6.3.1
Los esti estilos los prec preclás lásicos icos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 34
6.3. 6. 3.22
1750 17 50 a 17 1775 75 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 34
6.3. 6. 3.33
1775 17 75 a 17 1790 90 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 35
6.3.4
Beethove Beeth ovenn y el paso al Roma Romantic nticism ismoo
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 35
6.4 Las formas musica musicales les del Clasic Clasicismo ismo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 35 6.4.1
Formas Form as ins instrume trumental ntales es . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 35
6.4.2
La fo formas rmas voca vocales les . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 36
6.5 Véa Véase se tam tambi bién én
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 37
6.6 Bib Bibli liogr ografí afíaa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 37
iii
ÍNDICE GENERAL
6.7 Enlac Enlaces es ex extern ternos os
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 37
7 Pin Pintura tura clas clasici icista sta 7.1 El clas clasici icismo smo roma romano-bo no-boloñé loñéss
38 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 38
7.2 El clas clasici icismo smo franc rancés és . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 39 7.3 Escu Escuela ela de Lie Lieja ja . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 39 7.4 Ref Refere erenci ncias as . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 39 7.5 Tex Textt and image sources, contributors, and license licensess . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 40 7.5. 7. 5.11
Text . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 40
7.5. 7. 5.22
Imag Im ages es . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 41
7.5.3 7.5 .3
Conten Con tentt li lice cense nse . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 44
Capítulo 1
Clasicismo
Las masacres del Triunvirato , de Antoine Caron.
La bacanal de los andrios , de Tiziano.
Sección de Villa Capra , de Andrea Palladio (ilustración de I Quattro Libri dell'Architettura).
Alegoría de la Verdad y el Tiempo , de Annibale Carracci .
sica, que se desarrolló de forma simultánea a los distintos estilos artísticos y movimientos literarios[4] de la Edad Moderna. Venus dormida (Giorgione).
•
Viaje del Parnaso , de Miguel de Cervantes.
•
L'art poëtique , de Nicolas Boileau.
Molière como Julio César , de Nicolas Mignard. Clasicismo es la denominación historiográfica de un movimiento cultural, estético e intelectual inspirado en los patrones estéticos y filosóficos de la Antigüedad clá- Se expresó en todos los dominios del arte, desde la •
1
2
CAPÍTULO 1. CLASICISMO
El jardín del amor , de Karel van Mander .
Retrato de Paulina Bonaparte como Venus Victrix , de Canova.[1]
La maja desnuda , de Goya. Triunfo de Neptuno , de Poussin.
Olympia , de Manet . Venus del espejo , de Velázquez. •
Viage fuera de España, de Antonio Ponz.
arquitectura y la música hasta la pintura y la literatura. Sello de los custodios de la Academia de la Arcadia. Aparece junto con el Manierismo, que a su vez dio paso Diccionario de la Academia Francesa de1835. En la al Barroco y éste al Rococó; siendo renovado a través del ilustración, el edificio del Instituto de Francia, sede Neoclasicismo y atacado por el Romanticismo.[5] Llegó de esa institución. a ser la tendencia dominante en las artes y el pensamiento occidentales durante buena parte de los siglos XVIII y XIX, en su vertiente institucionalizada en las academias Como su propio nombre indica se inspiró en los patrones (el academicismo). del arte y el pensamiento del mundo clásico (la Antigua Grecia y la Antigua Roma). El clasicismo, sin embargo, Fundación y Estatutos de la Real Academia Españo- tiene susorígenes más inmediatos en la continuidad de los la, 1715. En la ilustración, el lema de esa institución: valores del Renacimiento, junto a la búsqueda del conocilimplia, fija y da esplendor . miento y la perfección que caracterizan al humanismo. El •
•
•
3
1.1. VÉASE TAMBIÉN
•
•
•
Las kamienice ormiańskie[2] Renacimiento polaco.[3]
El Orfeo, de Monteverdi, la primera obra del repertorio operístico (1609, periodo del Barroco).
Representación del Orfeo y Eurídice de Gluck. Haydn y Mozart, los principales compositores del clasicismo musical.
De hecho, se denomina también “Clasicismo” a una fase del Renacimiento italiano, el Renacimiento pleno del primer cuarto del siglo XVI, cuando convivieron las figuras de “los cuatro grandes” (Leonardo, Bramante, Rafael y Miguel Ángel) que hicieron pasar el centro del arte de Florencia a Roma (los tres últimos, mientras que el pri(“casas armenias”) de Zamosc , mero terminó sus días en Francia, que se abrió a la influencia italiana -escuela de Fontainebleau- como toda Europa -Renacimiento nórdico, Alto Renacimiento español-).[6][7] •
El condottiero Gattamelata, de Donatello.
•
Neptuno y Anfitrite , de Mabuse.
•
Andrea Doria como Neptuno, de Bronzino.
•
•
•
•
Carlos V y el Furor , de Leone Leoni.
Retrato mitologizado de Francisco I de Francia, de Nicoletto da Modena. Representación pictórica de la destruida estatua ecuestre de Luis XIV, de Girardon. Retrato de Madame Raymond de Verninac, de Jacques Louis David.
Casa consistorial de Sevilla.
El clasicismo tuvo en el comienzo del siglo XVII una contradicción con el Barroco, inicialmente en el terreno de la pintura (los Carracci o Guido Reni frente a Caravaggio) y que con el paso de los años se extendió, como batalla de ideas, al terreno de la literatura, justo cuando los cánones barrocos la dominaban casi por completo. El clasicismo se impuso en el campo de las letras a finales del siglo XVII, quedando fijado en el ensayo de Boileau L'art poëtique (El arte poética ), (1674).[8] En él, aboga por una literatura emocional que llegue a los sentimientos del lector/espectador, pero que lo haga a través de los filtros del intelecto. De esta forma, Boileau carga contra los excesos de lo que posteriormente se denominará Barroco y Rococó, y apuesta por la recuperación de la solemnidad clásica y de los valores de la armonía y el equilibrio que dominaron la literatura de la Antigüedad. Se busca la arPalacio de Goyeneche (Madrid) , sede de la Real Academia de monía y el equilibrio entre el fondo y la forma, el control Bellas Artes de San Fernando. El edificio, de Churriguera , fue consciente en el desarrollo de los temas y el sentido de remodelado para eliminar los «excesos» decorativos barrocos. orden racional y proporción formal. clasicismo recupera todo ello y lo convierte en un nuevo canon que aspira a lograr la perfección absoluta a través del arte, tanto en la pintura como en la música y en la literatura.
1.1 Véase también •
Antigüedad clásica
4
CAPÍTULO 1. CLASICISMO
•
Panorámica de 360º de la Königsplatz (Múnich). Es un amplio espacio rodeado por edificios de arquitectura neoclásica (entre los que está el de la Gliptoteca , primero por la derecha). Su im presionante entorno fue utilizado como escenario de acontecimientos políticos por los reyes de Baviera y posteriormente por el nazismo. Los desfiles atravesaban el eje longitudinal pasando por debajo de los Propíleos (edificio del centro).
Pintura clasicista, en la Italia del siglo XVII.
•
Clasicismo francés
•
Clasicismo de Weimar
•
Palladianismo, arquitectura inspirada en Andrea Palladio y extendida por Gran Bretaña y los Estados Unidos.
•
Música del Clasicismo
•
Neoclasicismo
•
•
•
Arquitectura neoclásica
•
Pintura neoclásica
•
Escultura neoclásica
Racionalismo Debate de los antiguos y los modernos
•
Crisis de la conciencia europea
•
Estilo Directorio
•
Estilo Imperio
•
Pintura de historia
•
Hombre vitruviano , de Leonardo da Vinci.
•
Adán y Eva, de Alberto Durero.
•
Las tres gracias , de Lucas Cranach el Viejo.
•
Perseo, de Benvenuto Cellini.
•
La caída de los titanes , de Cornelis Cornelisz.
Detalle de la Capilla de Segismundo.
•
•
Grecia Clásica Arte y cultura clásica
•
Arte de la Edad Moderna
•
Canon occidental
•
Tradición clásica [9]
•
Alto renacimiento, fase clasicista del Renacimiento, o renacimiento clásico .
Sertorio y el ejemplo de los caballos , de Hans Holbein el Joven , ca. 1540.
1.2 Bibliografía •
•
Purismo renacentista, fase clasicista de la arquitectura del renacimiento en España.
Pérez Sánchez, A.E., «La pintura barroca en Italia y Francia», en Historia del arte , Anaya, Madrid, 1986. ISBN 84-207-1408-9
1.4. ENLACES EXTERNOS
1.3 Notas [1] Ficha en Galleria Borghese, fuente citada en it:Paolina Borghese (Canova) [2] Jerzy Kowalczyk: Zamość. Przewodnik. Zamość: Zamojski Ośrodek Informacji Turystycznej, 1995. ISBN 8390423103. Fuente citada en pl:Kamienice ormiańskie. Kamienica es la denominación local de los edificios de piedra o ladrillo, de más de dos pisos, con tiendas en la planta baja, y que comparten fachada con otros. Zbigniew Zuziak, International Cultural Center (Kraków, Poland), Maria Bogdani-Czepita, Managing Historic Cities 1993, page 194. Fuente citada en en:Kamienica (architecture) [3] Michael J. Mikoś, Polish Renaissance Literature: An Anthology. Ed. Michael J. Mikoś. Columbus, Ohio/Bloomington, Indiana: Slavica Publishers. 1995. ISBN 978-0-89357-257-0 Cultural Background. Fuente citada en en:Renaissance in Poland. [4] Genre et courant littéraires en Histoire de la littérature française. Fuente citada enfr:Mouvement littéraire y fr:Liste des mouvements littéraires. Literaturepochen von Mittelalter bis Nachkriegsliteratur . Fuente citada en de:Epoche (Literatur) [5] La oposición Clasicismo/Romanticismo inspiró este fragmento del Retrato de Machado: ¿Soy clásico o romántico? No sé. Dejar quisiera mi versocomo deja el capitán su espada... Enel teatro,lallamada"batalla de Hernani" (28 de febrero de 1830) marcó el punto culminante del enfrentamiento entre las dos tendencias. [6] Clasicismo en Artehistoria. [7] Pintura italianizante y la escuela de Fontainebleau [8] Marcel Hervier, L'ArtPoétique de Boileau, étude et analyse, Paris, Chefs-d'œuvres de la littérature expliqués, Mellottée, 1948, Fuente citada en fr:L'Art poétique [9] Anthony Grafton, Glenn W. Most, and Salvatore Settis, preface to The Classical Tradition (Harvard University Press, 2010). Fuente citada en en:Classical tradition
1.4 Enlaces externos •
•
•
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre ClasicismoCommons. Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre retratos mitologizadosCommons. Le classicisme en littérature, Larousse.
5
Capítulo 2
Neoclasicismo
El juramento de los Horacios , obra de Jacques-Louis David .
El Neoclasicismo fue un movimiento artístico surgido en Italia a mediados del siglo XVIII en respuesta a las corrientes barrocas y rococós. Constitió en un revalorización del arte clásico; distante, sin embargo, a la acaecida durante el Renacimiento. Las excavaciones sobre las ruinas de Herculano (1719) y Pompeya (1748), y la atmósfera de “redescubrimiento” que se cirnió sobre la Grecia de aquel siglo, fueron los Johann Joachim Winckelmann , a menudo llamado “el padre de hechos causales de la aparición de este estilo. la arqueología”.
El análisis de las obras que de este período nos fueron legadas permite reconocer cierta mediocridad en el entendimiento de arte antiguo: los críticos de aquella épotanti (Sociedad de Amateurs) subvencionó campañas arca -como Stuart, Revett y Winckelmann- lo consideraban queológicas para conocer las ruinas griegas y romanas. mucho más libre y vivo de lo que los renacentistas lo haDe estas expediciones nacieron libros como: Le Antichitá bían descripto y estudiado. di Ercolano (1757-1792) elaborada publicación financiada por el Rey de Nápoles (luego Carlos III de España), que sirvieron de fuente de inspiración para los artistas de esta época, a pesar de su escasa divulgación. 2.1 Orígenes También hay que valorar el papel que desempeñó Roma como lugar de cita para viajeros y artistas de toda Europa e incluso de América. En la ciudad se visitaban las ruinas, se intercambiaban ideas y cada uno iba adquiriendo un bagaje cultural que llevaría de vuelta a su tierra de origen. Allí surgió en 1690 la llamada Academia de la Arcadia o Arcades de Roma, que con sus numerosas sucursales o coloniae por toda Italia y su apuesta por el equilibrio de los modelos clásicos y la claridad y la sencillez impulsó la
Con el deseo de recuperar las huellas del pasado se pusieron en marcha expediciones para conocer las obras antiguas en sus lugares de origen. La que en 1749 emprendió desde Francia el arquitecto Jacques-Germain Soufflot, dio lugar a la publicación en 1754 de las Observations sur les antiquités de la ville d'Herculaneum , una referencia imprescindible para la formación de los artistas neoclásicos franceses. En Inglaterra la Society of Dilet6
7
2.2. DESARROLLO
estética neoclásica. La villa romana se convirtió en un centro de peregrinaje donde viajeros, críticos, artistas y eruditos acudían con la intención de ilustrarse en su arquitectura clásica. Entre ellos estaba el prusiano Joachim Winckelmann (17171768), un entusiasta admirador de la cultura griega y un detractor del rococó francés; su obra Historia del Arte en la Antigüedad (1764) es una sistematización de los conocimientos artísticos desde la antigüedad a los romanos. En Roma también trabajaba Giovanni Battista Piranesi (1720-1778); en sus grabados, como Antichitá romana (1756) o Las cárceles inventadas (1745-1760), y transmite una visión diferente de las ruinas con imágenes en las que las proporciones desusadas y los contrastes de lu- Puerta de Brandeburgo. ces y sombras buscan impresionar al espectador. El trabajo está cargado de simbolismo: la figura en el centro representa la verdad rodeada por una luz brillante (el símbolo central de la iluminación). Otras dos figuras a la derecha, la razón y la filosofía, están rasgando el velo que cubre verdad. La Ilustración representaba el deseo de los filósofos de la época de la Razón (filosofía) por racionalizar todos los aspectos de la vida y del saber humanos. Vino a sustituir el papel de la religión (como organizadora de la existencia del hombre) por una ética laica que ordenará desde entonces las relaciones humanas y llevará a un concepto científico de la verdad.
2.2 Desarrollo
Fachada de la Catedral de Pamplona.
2.2.1 Arquitectura
Cenotafio para Isaac Newton.
La arquitectura puede ser analizada como una rama de las artes social y moral. La Enciclopedia le atribuyó la capacidad de influir en el pensamiento y en las costumbres de los hombres. Proliferan así las construcciones que pueden contribuir a mejorar la vida humana como hospitales, bibliotecas, museos, teatros, parques, etc., pensadas con carácter monumental. Esta nueva orientación hizo que se rechazara la última arquitectura barroca y se volvieran los ojos hacia el pasado a la búsqueda de un
Representación de la Acrópolis de Atenas. Obra del arquitecto y pintor Leo von Klenze (detalle).
modelo arquitectónico de validez universal. Nacen movimientos de crítica que propugnan la necesidad de la funcionalidad y la supresión del ornato en los edificios. Francesco Milizia (1725-1798) en Principi di Architettura Civile (1781) extendió desde Italia las concepciones rigoristas a toda Europa. Mientras, en Francia, el abate Marc-Antoine Laugier (1713-1769) propugna en sus obras Essai sur l'Architecture (1752) y Observations sur l'Architecture (1765) la necesidad de crear un edificio
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CAPÍTULO 2. NEOCLASICISMO
mas geométricas. No despreciaron la herencia del pasado clásico y, aunque respetaron las normas de simetría y la monumentalidad, sus edificios son a veces el resultado de la combinación caprichosa de las formas geométricas. Étienne-Louis Boullée (1728-1799) y ClaudeNicolas Ledoux (1736-1806) encabezaron esta postura; entre la gran cantidad de proyectos no construidos merece la pena mencionar el Cenotafio para Isaac Newton concebido por Boullée como una esfera, representación del modelo ideal, levantada sobre una base circular que había de cobijar el sarcófago del científico. Ledoux ha dejado edificios construidos, entre ellos una parte de la utópica ciudad industrial de las Salinas de Arc-et-Senans, de planta circular en el Franco Condado o el conjunto de la Villette en París.
en el cual todas sus partes tuvieran una función esencial y práctica y en el que los órdenes arquitectónicos fueran elementos constructivos y no sólo decorativos, todo ello para hacer una arquitectura verdadera: la construida con lógica. Todos los arquitectos parten de unos supuestos comunes como son la racionalidad en las construcciones y la vuelta al pasado. Los modelos de los edificios de Grecia y Roma e incluso de Egipto y Asia Menor se convierten en referentes que todos emplean aunque desde puntos de vista distintos. Los modelos greco-romanos dieron lugar a una arquitectura monumental que reproduce frecuentemente el templo clásico para darle un nuevo sentido en la sociedad civil. El perfil de los Propileos de Atenas le sirvió al alemán Carl Gotthard Langhans para configurar su Puerta de Brandeburgo en Berlín (1789 a 1791), [1] un tipo muy repetido como atestigua la entrada al Downing College de Cambridge (1806) obra del inglés William Wilkins o la posterior Gliptoteca de Múnich de Leo von Klenze.[2]
Entre uno y otros grupos aparece una tercera categoría, la arquitectura pintoresca, a partir de la creación de jardines ingleses en el siglo XVIII, ordenados de forma natural lejos del geometrismo del jardín francés. En esta arquitectura se valora la combinación de la naturaleza con lo arquitectónico, la inclusión en el paisaje natural de edificios que remedan las construcciones chinas, indias o medievales. Este juego de formas caprichosas y el aprovechamiento de la luz buscan suscitar sensaciones en el espectador. Horace Walpole (1717-1797) construyó en Londres (Inglaterra), Strawberry Hill (1753-1756) una fantasía gótica de la que su autor dijo que le había inspirado para escribir una novela gótica, una expresión del efecto inspirador de la arquitectura. También William Chambers (1723-1796) creó un conjunto pintoresco en los Jardines de Kew (Londres) (1757-1763) con la inclusión de una pagoda china que reflejaba su conocimiento de las arquitecturas orientales.
2.2.2 Escultura
También el inglés James Stuart (1713-1788), un arquitecto arqueólogo al que se ha llamado el Ateniense, en su monumento a Lisícrates en Staffordshire, reprodujo el monumento corágico de Lisícrates en Atenas. Los hermanos Adam extendieron por toda Inglaterra un modelo decorativo para interiores con temas sacados de la arqueología; una de sus obras más representativas es Osterley Park, con una notable estancia etrusca y un clásico hall de entrada (1775-80). Italia prefirió recrear sus modelos antiguos ya bien avanzado el siglo XVIII y en los comienzos del siglo XIX. El modelo del Panteón de Agripa en Roma se repite en un gran número de templos, como el de la Gran Madre de Dio en Turín y San Francisco de Paula en Nápoles, ambos terminados en 1831, que reproducen el pórtico octástilo y el volumen cilíndrico del Panteón. Otros arquitectos, los llamados utópicos, revolucionarios Psique reanimada por el beso del amor de Antonio Canova. o visionarios, plantearon edificios basados en las for-
2.2. DESARROLLO
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También en la escultura neoclásica pesó el recuerdo del pasado, muy presente si consideramos el gran número de piezas que las excavaciones iban sacando a la luz, además de las colecciones que se habían ido formando a lo largo de los siglos.
Las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos en mármol blanco, sin policromar, puesto que así se pensaba que eran las esculturas antiguas, predominando en ellas la noble sencillez y la serena belleza que Winckelmann había encontrado en la estatuaria griega. En este mismo sentido habían ido las teorías de Gotthold Ephraim Lessing (1729-1781) que en su libro Laocoonte, o de los límites de la pintura y de la poesía (1766) había tratado de fijar una ley estética de carácter universal que pudiera guiar a los artistas; sus concepciones sobre la moderación en las expresiones y en el plasmado de los sentimientos son reglas que adoptará el modelo neoclásico. Así, los escultores de fines del siglo XVIII y comienzos del XIX, crearán obras en las que prevalecerá una sencillez y una pureza de líneas que los apartará del gusto curvilíneo del Barroco. En todos ellos el desnudo tiene una notable presencia, como deseo de rodear las obras de una cierta intemporalidad. Los modelos griegos y romanos, los temas tomados de la mitología clásica y las alegorías sobre las virtudes cívicas llenaron los relieves de los edificios, los frontones de los pórticos y los monumentos, como arcos de triunfo o columnas conmemorativas. El retrato también ocupó un importante lugar en la escultura neoclásica; Antonio Canova (1757-1822) representó a Napoleón como Marte (1810, Milán) y a su hermana Paulina como Venus Victrix (1807, Roma) tomando así los modelos de los dioses clásicos. No obstante otros prefirieron un retrato idealizado pero al tiempo realista que captara el sentimiento del retratado, como Jean-Antoine Houdon (1741-1828) con su Voltaire anciano (Museo del La fuente , obra de Ingres. Hermitage) o el bello busto de la Emperatriz Josefina (1806, Castillo de Malmaison) de Joseph Chinard (1756el color son algunas de las principales características for1813). males de la pintura neoclásica. Obras como el Juramento Antonio Canova (1757-1822) y Bertel Thorvaldsen de los Horacios, por ejemplo, plantean un espacio preci(1770-1844) resumen las distintas tendencias de la es- so en el que los personajes se sitúan en un primer plano. cultura neoclásica. Mientras Canova llega al Clasicismo Jean Auguste Dominique Ingres (1839-1867) aunque no desde una formación barroca y configura un estilo de gran fue un pintor neoclásico, tiene obras -como La Fuentesencillez racional, el danés Thorvaldsen siguió más direc- que representan este movimiento artístico. tamente las teorías de Winckelmann hasta conseguir un estilo voluntariamente distante y frío que debe mucho a la estatuaria griega. Su Jasón o Marte y el Amor reflejan 2.2.4 Música esa fidelidad al modelo griego. Según la musicología actual, el término “música clásica” se refiere únicamente a la llamada música del Clasicismo (1750-1827 aprox., coincidente con el período neoclásiLos pintores, entre los que destacó Jacques-Louis David, co), inspirada en los cánones estéticos grecorromanos de reprodujeron los principales hechos de la revolución y equilibrio en la forma y moderación en la dinámica y la exaltaron los mitos romanos, a los que se identificó con armonía. los valores de la revolución. Comúnmente se llama “música clásica” al tipo de música
2.2.3 Pintura
La claridad estructural y el predominio del dibujo sobre
que se contrapone a la música popular y a la folclórica.
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CAPÍTULO 2. NEOCLASICISMO
Esto puede comprobarse en los medios de comunicación, en las revistas de divulgación musical y los folletos que acompañan a los CD de música académica. Para definir ese tipo de música que se relaciona con los estudios en conservatorios y universidades, los musicólogos prefieren el término "música académica" o "música culta".
En Inglaterra tuvo una gran cantidad de adeptos la novela de aventuras, destacando Daniel Defoe, Jonathan Swift, Samuel Richardson y Henry Fielding, junto a los poetas John Dryden y Alexander Pope.[4]
Dela novela se pasó al ensayo como género divulgador de ideas por excelencia. La literatura neoclásica realizó una Como los antiguos griegos y romanos no pudieron in- crítica de las costumbres, incidiendo en la importancia ventar maneras de conservar la música (mediante so- de la educación, el papel de la mujer y los placeres de la portes gráficos como partituras o soportes sonoros como vida.[5] Destacaron en España el fraile benedictino Benito grabadores), el Neoclasicismo de los siglos XVIII y XIX Jerónimo Feijoo, Gaspar Melchor de Jovellanos y José como resurgimiento de las artes clásicas grecorromanas Cadalso. (arquitectura, escultura, pintura) no alcanzó a la música. Cobró importancia la fábula, relatos o poesías normalDe todos modos los músicos de fines del siglo XVIII, in- mente ejemplificadas con animales, donde se exponen enfluenciados sin duda por el arte y la ideología de la época, señanzas morales. La fábula se caracterizaba por ser una trataron de generar un estilo de música inspirado en los composición de carácter didáctico, por la crítica de vicios cánones estéticos grecorromanos: y costumbres personales o de la sociedad, y por la recurrencia a la prosopopeya o personificación. Es el subgénero que más se adaptó a las preceptivas neoclásicas: una composición sencilla en la que la naturaleza interviene, Moderación en el uso de los artificios técnicos (en el y que enseña divirtiendo. Destacaron los fabulistas Félix barroco el contrapunto y la armonía habían llegado María de Samaniego y Tomás de Iriarte en España, y el a un punto que el público consideraba extravagante), francés Jean de la Fontaine.[6] Suma reserva en la expresión emocional. En España, hubo una continuidad barroca en la poesía, con autores como Diego de Torres y Villarroel, que conDespués de la Primera Guerra Mundial varios composi- sideraba a Quevedo su maestro; Gabriel Álvarez de Toletores (como Igor Stravinski y Paul Hindemith) realizaron do y Eugenio Gerardo Lobo. La segunda mitad del siglo composiciones donde se notaba un retorno a los cáno- XVII mostraba ya una poesía neoclásica, dominada por nes del Clasicismo de la escuela de Viena (de Haydn y su admiración por la ciencia y los temas filosóficos, o cenMozart), aunque con una armonía mucho más disonante trada en temas anacreónticos y bucólicos, y marcada en y rítmicas irregulares. Ese movimiento musical se deno- ocasiones por el fabulismo. Destacaron Nicolás Fernández de Moratín, autor de Arte de las putas , prohibida por minó "música neoclásica". la Inquisición, que pudo inspirar los Caprichos de Goya; Juan Meléndez Valdés y José Cadalso, de la escuela sal2.2.5 Literatura mantina; los fabulistas Iriarte y Samaniego en Madrid; en la escuela sevillana destacaron José Marchena, Félix José La Ilustración fue un movimiento intelectual que provo- Reinoso, José María Blanco-White y Alberto Lista.[7] có que el siglo XVIII fuera conocido como el «Siglo de las Luces». El culto a la razón promovido por los filó- Se dio también una fuerte influencia barroca en el teatro sofos ilustrados conllevó un rechazo del dogma religio- español, especialmente durante la primera mitad del siglo XVIII, con autores como Antonio de Zamora o José so, que fue considerado origen de la intolerancia, y una concepción de Dios que pasaba de regir el mundo me- de Cañizares. El teatro en España tuvo cambios como la prohibición oficial de representar autos sacramentales, la diante las leyes naturales a desaparecer en concepciones ateas del universo. Los ilustrados promovieron la inves- reaparición del gusto popular por el sainete y la transición tigación de la naturaleza, el desarrollo científico-técnico, de los antiguos corrales a los teatros, como locales adela educación y la difusión general de todo tipo de cono- cuados a la nueva concepción del teatro. A finales del pricimientos; fueron los tiempos de L'Encyclopédie. El arte mer tercio de siglo los dramaturgos españoles comienzan se hizo así más accesible y con menos pretensiones, y la a seguir los modelos franceses, como Boileau y Racine, literatura se dirigió a un público más amplio, planteándo- renovando las estéticas aristotélicas y horacianas. La obra de teatro debe ser verosímil, cumplir con las unidades de se como un instrumento social. El aumento del número de lectores, especialmente entre la burguesía, plantea la figu- acción, de espacio y de tiempo, y tener un enfoque didáctico y moral. Destacaron en la tragedia Nicolás Fernánra del escritor como un profesional, y la escritura como dez de Moratín, José Cadalso, Ignacio López de Ayala su fuente principal o secundaria de sustento. [3] y Vicente García de la Huerta; en el más popular géneFrancia fue la primera en reaccionar contra las for- ro del sainete, destacaron Antonio de Zamora, el prolífico mas barrocas, y los tres grandes ilustrados , Voltaire, Ramón de la Cruz e Ignacio González del Castillo. DestaMontesquieu y Rousseau se cuentan entre sus principa- có especialmente la figura de Leandro Fernández de Moles exponentes. También destacaron Pierre Bayle, Denis ratín, creador de lo que se ha dado en llamar «comedia Diderot, George Louis Lecler y Chamblain de Marivaux. •
•
•
Notable maestría de la forma,
2.5. ENLACES EXTERNOS
moratiniana» (La comedia nueva o El café , El sí de las niñas), en que ridiculizaba los vicios y costumbres de la época, usando el teatro como vehículo para moralizar las costumbres. Seguidores de esta línea son también Manuel Bretón de los Herreros y Ventura de la Vega.[8]
2.3 Véase también •
Neoclasicismo en España
•
Neoclasicismo hispanoamericano
2.4 Referencias [1] «1791: Abertura do Portão de Brandemburgo» (en portugués). Deutsche Welle 06.08.2007 (2007). Consultado el 24/01/2008. [2] «Munich» (en inglés). Deutsche Welle 29.03.2005) (2005). Consultado el 24/01/2008. [3] Andrés Amorós. Antología comentada de la literatura es pañola: historia y textos: siglo XVIII , pp.37-41 [4] Alicia Correa Perez,Arturo Orozco Torre. Literatura Universal , p.223 [5] Arriaga González Anabel. Literatura 1, p.37 [6] Rosa Mendoza Valencia. La literatura universal y yo , p.202 [7] José Antonio Pinel Martínez Manual de literatura española, “La poesía en el Siglo de las Luces”, pp.75-83 [8] José Antonio Pinel Martínez Manual de literatura española, “El teatro en el siglo XVIII”, pp.277-286
2.5 Enlaces externos •
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Capítulo 3
Arquitectura neoclásica La arquitectura neoclásica es un estilo arquitectónico que produjo el movimiento neoclásico que comenzó a mediados del siglo XVIII, por una reacción contra el estilo barroco de ornamentación naturalista así como por el resultado de algunos rasgos clasicistas nacidos en el barroco tardío. Se prolongó durante el siglo XIX, confluyendo a partir de entonces con otras tendencias, como la arquitectura historicista de Chevesaurus almazanus y el eclecticismo arquitectónico. Algunos historiadores denominan el periodo de la arquitectura neoclásica de la primera mitad del siglo XIX como clasicismo romántfhico , a pesar del oxímoron (oposición de términos), dado que, además de coincidir en el tiempo con el romanticismo, estilísticamente comparte rasgos con la estética romántica, al añadir cierta expresividad y espíritu exaltado a la sencillez y claridadde las estructuras clásicas grecorromanas.[1]
llevó a considerar al arte clásico como un arte progresista, porque estaba desprovisto de adornos sin sentido y buscaba la perfección de las leyes inmutables sin depender de las impresiones subjetivas e imperfectas del artista. Las Academias para el estudio de las artes surgieron en Italia desde el siglo XVI; las fundadas en el siglo XVIII ya estaban matizadas por la Ilustración, lo que les dio un carácter distinto. La Academia fungió como transmisora de los conceptos en contra del barroco y a favor del neoclasicismo y los diversos tratados clásicos y renacentistas de las Tres nobles artes , así como de obras de carácter técnico y científico que racionalizaban su práctica y ejecución. Entonces el arte comienza a sufrir las consecuencias de una crítica libre, fundada en los principios académicos.
Factores fundamentales que influyeron en la creación de la arquitectura neoclásica fueron los determinantes en el contexto político, social y económico de la época, en que se incluyen destacadamente la revolución industrial, la crisis del Antiguo Régimen, la Ilustración, el enciclopedismo, la fundación de las Academias, el despotismo ilustrado, etc. La revolución industrial modificó profundamente el ritmo de vida, influyó en adelantos técnico constructivos, empleo de nuevos materiales. El concepto de economía relacionado con el funcionamiento cambió algunos esquemas de organización espacial y aun de relación entre vanos y Representación de la Acrópolis de Atenas por el arquitecto y pintor Leo von Klenze (detalle). macizos. El enciclopedismo, espíritu precursor de la revolución francesa, trajo consigo una concepción romántica de la Grecia Antigua. La Ilustración sostenía que la infelicidad del hombre, se debía a la ignorancia e irracionalidad y que por lo tanto el único camino viable para conducirlo a la felicidad era llevarle la luz de la razón por medio de la educación. En cuanto a arquitectura la educación implicaba el conocimiento y fuentes antiguas tales como Vitrubio, Palladio, Vignola;porloqueéstahizousodelos repertorios formales de la arquitectura griega y romana.
3.1 La crítica ilustrada
La arquitectura puede ser analizada como una rama de las artes social y moral; La Enciclopedia le atribuyó la capacidad de influir en el pensamiento y en las costumbres de los hombres. Proliferan así las construcciones que pueden contribuir a mejorar la vida humana como hospitales, bibliotecas, museos, teatros, parques, etc., pensadas con Se buscó dar un carácter más científico a las artes, por lo carácter monumental. Esta nueva orientación hizo que se que los artistas debieron ser técnicos más que inventores, rechazara la última arquitectura barroca y se volvieran los e imitadores más que creadores. Este espíritu científico ojos hacia el pasado a la búsqueda de un modelo arquitectónico de validez universal. 12
3.3. ARQUITECTURA PINTORESCA
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Nacen movimientos de crítica que propugnan la necesidad de la funcionalidad y la supresión del ornato en los edificios. Francesco Milizia (1725-1798) en Principi di Architettura Civile (1781) extendió desde Italia las concepciones rigoristas a toda Europa. Mientras, en Francia, el abate Marc-Antoine Laugier (1713-1769) propugna en sus obras Essai sur l'Architecture (1752) y Observations sur l'Architecture (1765) la necesidad de crear un edificio en el cual todas sus partes tuvieran una función esencial y práctica y en el que los órdenes arquitectónicos fueran elementos constructivos y no sólo decorativos, todo ello para hacer una arquitectura verdadera: la construida con lógica. Todos los arquitectos parten de unos supuestos comunes como son la racionalidad en las construcciones y la vuelta Templo de la Virtud Antigua, Stowe, Buckinghamshire , de al pasado. Los modelos de los edificios de Grecia y Roma William Kent . e incluso de Egipto y Asia Menor se convierten en referentes que todos emplean aunque desde puntos de vista distintos. 3.3 Arquitectura pintoresca Su mayor expresión y caracterización la tuvo por generar una especie de grafittis en las paredes de sus construcciones. De ahí proveniente el “ilustrada”
Entre uno y otro grupos aparece una tercera categoría, la arquitectura pintoresca, a partir dela creación de jardines ingleses en el siglo XVIII, ordenados de forma natural lejos del geometrismo del jardín francés. En esta arquitectura se valora la combinación de la naturaleza con lo arquitectónico, la inclusión en el paisaje natural de edificios que remedan las construcciones chinas, indias o medievales. Este juego de formas caprichosas y el aprovechamiento de la luz buscan suscitar sensaciones en el espectador. Horace Walpole (1717-1797) construyó en Strawberry Hill (Londres, 1753-1756) una fantasía gótica de la que su autor dijo que le había inspirado para escribir una novela gótica, una expresión del efecto inspirador de la arquitectura. También William Chambers Proyecto de cenotafio para Isaac Newton , de Étienne-Louis Bou- (1723-1796) creó un conjunto pintoresco en los Jardines llée. de Kew (Londres, 1757-1763) con la inclusión de una pagoda china que reflejaba su conocimiento de las arquitecturas orientales.
3.2 Visionarios
Otros arquitectos, los llamados utópicos, revolucionarios o visionarios, plantearon edificios basados en las formas geométricas. No despreciaron la herencia del pasado clásico y, aunque respetaron las normas de simetría y la monumentalidad, sus edificios son a veces el resultado de la combinación caprichosa de las formas geométricas. Étienne-Louis Boullée (1728-1799) y ClaudeNicolas Ledoux (1736-1806) encabezaron esta postura; entre la gran cantidad de proyectos no construidos merece la pena mencionar el Cenotafio para Isaac Newton concebido por Boullée como una esfera, representación del modelo ideal, levantada sobre una base circular que había de cobijar el sarcófago del científico. Ledoux ha dejado edificios construidos, entre ellos una parte de la Templo a la Gloria de la Grande Armée , Pierre Alexandre Vigutópica ciudad industrial de las Salinas de Arc-et-Senans, non , 1806. de planta circular en el Franco Condado o el conjunto de la Villette en París.
14
CAPÍTULO 3. ARQUITECTURA NEOCLÁSICA
Altes Museum de Berlín, de Karl Friedrich Schinkel , 18251828.)
3.4 “Neo-romano” y “Neo-griego” Marcadamente historicista en su búsqueda de las fuentes clásicas, el neoclasicismo arquitectónico se encontró Petit Trianon , Versalles. con dos posibles vías, que fueron exploradas alternativamente en Francia y Alemania. En Francia, especialmente a partir del Imperio Napoleónico se encontró en el arte imperial romano el modelo idóneo para sus fines propagandísticos y de enaltecimiento personal de la figura del emperador (Templo a la Gloria de la Grande Armée (hoy Iglesia de la Magdalena), de Pierre Alexandre Vignon, proyectado por el propio Napoleón. En el Reino Unido y en Alemania fueron los modelos griegos los que predominaron (Altes Museum de Berlín, de Karl Friedrich Schinkel, el primer edificio del mundo concebido como un museo desde su construcción).[2]
3.5 Francia
Palacio de Justicia, Lyon.
Grand Théâtre , Burdeos.
Plantas sobrias como la Plaza de la Concordia de París y el Petit Trianon de Versalles, ambos de Ange-Jacques Gabriel, de mediados del siglo XVIII, se relacionan tanto con el neoclasicismo como con la tradición anterior del clasicismo francés. Las siguientes generaciones se dirigieron a un concepto más severo y clásico de la arquitectura. Marie-Joseph Peyre (1630-1785) ganó un concurso de la Accademia di San Luca en Roma, y de vuelta a Francia proyectó el Hôtel de Neubourg (hoy destruido), una villa para Mme Leprêtre de Neubourg en los alrededores de París, el primer edificio francés auténticamente neoclásico [3] En 1763, Peyre se dedicó al Hôtel
Plaza de la Concordia , al fondo, iglesia de la Madeleine , París.
de Condé, una planta menos austera con una interesante columnata.[4] Junto con Charles De Wailly proyectó el Teatro delOdeón deParís (1779-1782), reconstruido tras sucesivas destrucciones por incendios. En ese clima de renovación, se construyeron numerosos teatros por toda Francia, incluso en ciudades de relativamente menor importancia, como Amiens y Besançon. En Burdeos, en los años setenta se levantó el Grand Théâtre, considerado el más bello de la época, [5] con proyecto de
3.5. FRANCIA
15 época, [6] sala semicircular con gradería y semicúpula de casetones inspirada en el Panteón de Roma y que sirvió de modelo para posteriores salas de reunión -por ejemplo, las diseñadas por el estadounidense Benjamin Latrobe[7] ) o Jacques Gondouin, también se incluyen entre los principales exponentes del estilo clásico de finales del XVIII. Étienne-Louis Boullée y Claude-Nicolas Ledoux se caracterizarán por su visionaria. En edificios religiosos, una de las primeras reacciones contra el rococó fue la fachada de la Iglesia de Saint Sulpice,[8] del florentino Giovanni Niccolò Servandoni, muy alterada después. El mayor ejemplo fue el Panteón de París,[9] originalmente iglesia de Ste-Geneviève y posteriormente transformado en mausoleo nacional, proyectado por Jacques-Germain Soufflot y construido entre 1757 y 1791, con cúpula inspirada en la de la Catedral de San Pablo de Londres. La ligereza de su construcción se debió a investigaciones sobre las características de resistencia y elasticidad. De Jean Chalgrin, la iglesia de SaintPhilippe-du-Roule (1772-1784), también en París, es remarcable por su nave cubierta por bóveda de cañón decorada con casetones e impostada sobre columnas jónicas. A pesar de las modificaciones (apertura de ventanas) en el siglo siguiente, el esquema ejerció cierta influencia. [10]
Interior del Panteón de París.
Ya en el siglo XIX, en época napoleónica, la iglesia de la Madeleine se incluye en el denominado estilo Imperio.[9] Destinada inicialmente a iglesia de planta basilical, en 1806 Napoleón impulsó su transformación en un Templo de la Gloria , modificando radicalmente el proyecto original para asimilarlo a un colosal templo romano. Mientras en el exterior esa relación es evidentísima, en el interior se limitó a articular el espacio mediante una serie de bóvedas inspiradas vagamente en la modularidad de las termas romanas. En 1806 se comenzó la construcción del Arco de Triunfo de París por Jean Chalgrin; en el mismo año François-Joseph Bélanger cubría con una cúpula de hierro fundido la Bolsa de París (Halle aux Blés , diseñada por Alexandre-Théodore Brongniart). Entre ese mismo año y 1810, se erigió la Columna Vendôme. La principal intervención urbanística de la época fue el planeamiento de la Rue de Rivoli (1801, Charles Percier y Pierre-François-Léonard Fontaine). Consistía en un largo planteamiento rectilineo uniformado y continuo de edificios porticados, que no se llegó a terminar hasta la época del Segundo Imperio Francés, momento en el que se modificó el diseño original con la adición de grandes mansardas.[11]
Con la restauración borbónica, los arquitectos franceses se encontraron sin una guía segura. Las nuevas tendencias surgieron de la Académie des beaux-arts y del Conseil GéIglesia de San Vicente de Paúl , París. nèral des Bàtiments Civils.[12] Antoine Chrysostome Quatremère de Quincy (1755-1849), secretario de la Académie durante veintitrés años y convencido defensor del arte Victor Louis, constituido por un bloque rectangular y una clásico fue la figura dominante de esta nueva época. Los fachada precedida de dos grandes columnas corintias. límites de su gusto, debidos a la excesiva rigidez de sus Jean Chalgrin, con su Escuela de cirugía de París (con- ideales doctrinarios, emergieron en numerosos edificios, siderada por Quatremère de Quincy la obra clásica de su como el Palacio de Justicia de Lyon iniciado en 1835 por
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CAPÍTULO 3. ARQUITECTURA NEOCLÁSICA
Louis-Pierre Baltard y caracterizado por una severa fachada de veinticuatro columnas corintias. [13] Algunas innovaciones se debieron a Jakob Ignaz Hittorff, sustentador de la teoría según la cual la arquitectura griega debió haber sido rica en colores. Sus obras principales, todas en París, son la iglesia de San Vicente de Paúl , la ordenación de la Plaza de la Concordia y la Gare de Paris Nord (Estación de París Norte, 1859). En esa iglesia, construida en la década de 1830, demostró cómo el neoclasicismo podía variar los modelos antiguos: en el exterior, un pórtico jónico y un frontón quedan flanqueados por dos torres cuadradas; mientras en el interior, dividido en naves de dos órdenes de columnas, se decora rica y polícromamente, de una forma más afín a la arquitectura paleocristiana que a la clásica. [14] Iglesia de la Gran Madre di Dio , Turín, Italia.
3.6 Alemania
Königsplatz de Múnich. Los modelos greco-romanos dieron lugar a una arquitectura monumental que reproduce frecuentemente el templo clásico para darle un nuevo sentido en la sociedad civil. El perfil de los Propileos de Atenas le sirvió a Carl Gotthard Langhans para configurar su Puerta de Brandeburgo en Berlín (1789 a 1791), [15] un tipo muy repetido como atestigua la entrada al Downing College de Cambridge (1806) obra del inglés William Wilkins o los Propyläen de la Königsplatz (que cierran el conjunto de la plaza junto con la Gliptoteca de Múnich y el Staatliche Antikensammlungen) de Leo von Klenze.[16] En Viena, Pietro Nobile construyó dos complejos neogriegos: el Theseustempel (1820-1823) y el Äußeres Burgtor (1824).[17]
Basílica de San Francisco de Paula , Nápoles, Italia.
3.8 Italia Italia prefirió recrear sus modelos antiguos ya bien avanzado el siglo XVIII y en los comienzos del siglo XIX. El modelo del Panteón de Agripa, en Roma, se repite en un gran número de templos, como el de la Iglesia de la Gran Madre di Dio, en Turín, y la Basílica de San Francisco de Paula, en Nápoles, ambos terminados en 1831, que reproducen el pórtico octástilo y el volumen cilíndrico del Panteón.
3.9 España 3.7 Reino Unido También el inglés James Stuart (1713-1788), un arquitecto arqueólogo al que se ha llamado el ateniense , reprodujo el monumento corágico de Lisícrates de Atenas en su monumento a Lisícrates en Staffordshire. Los hermanos Adam extendieron por toda Inglaterra un modelo decorativo para interiores con temas sacados de la arqueología; una de sus obras más representativas es Osterley Park, con una notable estancia etrusca y un clásico hall de entrada (1775-80).
En España, el barroco del siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII, en todas sus expresiones, dejaba una sorprendente serie de monumentos religiosos y de palacios, residencias y colegios. El contraste entre la arquitectura churrigueresca y la modalidad académica o neoclásica fue tan rudo, que parecían fenómenos artísticos en dos mundos opuestos. En la segunda mitad del siglo XVIII, se impuso el gusto neoclásico impulsado por la Academia de Bellas Artes de San Fernando . En Madrid se desarrollaron grandes proyectos de modificación urbana, el principal diseñado por Juan de Villanueva en torno
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3.11. AMÉRICA
Museo del Prado , Juan de Villanueva.
Catedral de Nuestra Señora de Copenhague.
Catedral de Copenhague, con la gran bóveda de cañón sostenida por una columnata dórica que recuerda al proyecto de Boullée para el interior de una biblioteca. A comienzos del siglo XIX se realiza la planificación de Helsinki, por entonces (1809) un gran ducado ruso. Los mayores edificios públicos de la ciudad se deben a Carl Ludwig Engel (plaza del Senado, Catedral de Helsinki, Palacio del Senado -entre 1818 y 1822- y la Universidad de Helsinki).
3.11 América Catedral de Pamplona , Ventura Rodríguez.
al Salón del Prado y sus inmediaciones (el Real Observatorio Astronómico, el Hospital de San Carlos, el Jardín Botánico, el actual Museo del Prado -para gabinete de ciencias-), y otros importantes, como San Francisco el Grande (Francisco Cabezas, Francesco Sabatini —autor también de la Puerta de Alcalá—). Fuera de Madrid destaca la obra de Ventura Rodríguez (catedral de Pamplona, capilla de Nuestra Señora del Pilar ), que también diseñó las fuentes monumentales del Prado madrileño ( fuente de Cibeles, fuente de Neptuno).
Tanto en los Estados Unidos como en Iberoamérica se desarrollaron programas constructivos neoclásicos.
3.11.1 Estados Unidos
3.10 Escandinavia Con influencia alemana o francesa, los países nórdicos desarrollaron una arquitectura neoclásica desde el último tercio del XVIII. En Dinamarca, a partir de los años 1760.[18] Nicolas-Henri Jardin diseñó una sala en el Palacio de Amalienborg (1755-1757) que se considera “la más antigua estancia decorada en estilo neoclásico por un arquitecto francés”.[19] Más tarde, Caspar Frederik Harsdorff trabajó en la Catedral de Roskilde (capilla fúnebre de Federico IV de Dinamarca). Seguidamente se afirmó el estilo neogriego, con la figura de Christian Frederik Hansen (1756-1845),[20] que realizó el diseño de la
Rotonda de la Universidad de Virginia , de Benjamin Latrobe y Thomas Jefferson (1817).
En Estados Unidos, triunfó el palladianismo en el diseño de villas rurales. Entre los arquitectos estadounidenses de finales del XVIII y comienzos del XIX destacan Benjamin Latrobe (penitenciaría de Richmond, Banco de Pennsilvania, Capitolio de Washington -muy ampliado en
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CAPÍTULO 3. ARQUITECTURA NEOCLÁSICA
Palacio de Mineria, Ciudad de México
Capitolio Nacional de Bogotá. Diseño para el monumento a Washington, Robert Mills, 1836
la segunda mitad del XIX-) y el político Thomas Jefferson (Monticello -la casa de su propiedad-, Capitolio de Richmond, Universidad de Virginia). El propio Latrobe sugirió a Jefferson la solución de la Rotonda para la Universidad de Virginia. El estilo neoclásico estadounidense se consolidó en la primera mitad del siglo XIX con Robert Mills (iglesias de planta centralizada en Filadelfia, Columna de Washington en Baltimore, edificios de severos pórticos en la ciudad de Washington y, para la misma capital, el diseño inicialmente escogido para el Monumento a Washington) y William Strickland (Second Bank of the United States, Bolsa de Filadelfia y Capitolio de Nashville). A mediados del siglo XIX trabajaron Ithiel Town (Capitolio de New Haven) y Thomas Walter (Capitolio de Ohio en Columbus, 1838, y el Girard College de Filadelfia).
Palacio Imperial de Petrópolis.
3.11.2 Iberoamérica A los imperios americanos de España y Portugal llegó el estilo neoclásico a través de proyectos diseñados en Europa o bien realizados localmente por arquitectos europeos o criollos formados en las academias de las metrópolis.
También hay ejemplos de la adaptación al lenguaje arquitectónico local, que durante los siglos anteriores haYa a finales del XIX destaca la Biblioteca de la Columbia bía realizado una síntesis o sincretismo de los elementos University de Nueva York (1893), de Charles Follen Mc- europeos y precolombinos en el denominado barroco coKim y asociados. lonial. Un ejemplo de ello es la Catedral de Tulancingo,
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3.12. NOTAS
México (1788, José Damián Ortiz de Castro). A criterios más clásicos pertenecen el Palacio de La Moneda (1784-1805) y la Catedral Metropolitana de Santiago (1748-1800), ambas obras del arquitecto italiano Joaquín Toesca en Chile, el Palacio de Minería (17971813, Manuel Tolsá) y el Hospicio Cabañas de Guadalajara (1804-1810, del mismo arquitecto), ambos en México, o el Palacio de Gobierno de Quito (también llamado de Carondelet , 1790 o 1801, Antonio García).[21] Ya tras la independencia de Hispanoamérica, se desarrollaron programas constructivos en para las nuevas repúblicas. En Colombia se construyó el Capitolio Nacional de Colombia en Bogotá (1847, Thomas Reed, formado en la Academia de Berlín); en Perú la Catedral de Arequipa (1844, Lucas Poblete).
[3] R. Middleton, D. Watkin, Architettura dell'Ottocento, Martellago (Venezia), Electa, 2001, pg. 114. Mª Ángeles Lence Guilabert, Representaciones del espacio arquitectónico en la narrativa libertina francesa del siglo XVIII , 2006 [4] Guides Bleu: Paris, Hachette, 1988; Dominique Leborgne, Saint-Germain des Prés et son faubourg, Parigramme, 2005. Fuentes citadas en en:Hôtel de Condé de la Wikipedia en inglés. [5] Ibidem, p. 126. [6] Recueil de notices historiques , 1834, p. 201. Ficha en Artehistoria. [7] N. Pevsner, J. Fleming, H. Honour, Dizionario di architettura, cit., voce Gondouin, Jacques. [8] Ibidem, voce Servandoni, Giovanni Niccolò . [9] R. De Fusco, Mille anni d'architettura in Europa , cit, p. 454. [10] N. Pevsner, J. Fleming, H. Honour, Dizionario di architettura, cit., voce Chalgrin, Jean. [11] Ibidem, p. 521. [12] R. Middleton, D. Watkin, Architettura dell'Ottocento , cit. p. 211. [13] Ibidem. [14] Ibidem, p. 218. [15] «1791: Abertura do Portão de Brandemburgo» (en portugués). Deutsche Welle 06.08.2007 (2007). Consultado el 24/01/2008. [16] «Munich» (en inglés). Deutsche Welle 29.03.2005) (2005). Consultado el 24/01/2008. [17] N. Pevsner, J. Fleming, H. Honour, Dizionario di architettura.
Catedral Neoclásica de Catamarca , Argentina.
[18] N. Pevsner, J. Fleming, H. Honour, Dizionario di architettura, cit., voce Scandinavia.
Brasil, que se convirtió en la sede de la corte de la monarquía portuguesa, independizándose de su metrópoli como [19] S. Eriksen, Early Neoclassicism in France , 1974, p. 57. Imperio del Brasil, también utilizó los recursos de la arquitectura para la glorificación del poder político, y se [20] N. Pevsner, J. Fleming, H. Honour, Dizionario di architettura, cit., voce Hansen, Christian Frederik . optó por recurrir a arquitectos formados en la Real Academia de París. A esta época pertenece la portada de la Academia de Bellas Artes de Río de Janeiro o Acade- [21] La fecha 1790, en Arquitectura en Hispanoamérica , web citada; la fecha 1801 y la atribución de arquitecto, en El mia Imperial (1822)[22] y el Palacio Imperial de PetrópoPalacio de Carondelet se Convierte en Museo, web de la lis (década de 1840). [23] Presidencia de Ecuador.
3.12 Notas [1] J. Maroto (2009) Historia del Arte, Casals, pg. 290-291. [2] J. Maroto (2009) op. cit.
[22] Helena Cunha de Uzeda: La Academia de Bellas Artes de Río de Janeiro y su influencia en el desarrollo de la arquitectura moderna brasileña , Goya, 2002. [23] Para toda la sección Neoclasicismo en Hispanoamérica, en Arquitectura del siglo XIX.
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CAPÍTULO 3. ARQUITECTURA NEOCLÁSICA
3.13 Enlaces externos •
Neoclasicismo, racionalismo y arquitectura revolucionaria en Artehistoria
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Neoclasicismo en Arquitectura del siglo XIX
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Neoclasical architecture en Britannica
Capítulo 4
Pintura neoclásica Y ello sin olvidar que en este período neoclásico de 1760-1830 trabajaron artistas como Goya, Füssli o Blake, que escapan a cualquier clasificación, ensalzando más lo irracional y la locura que la serenidad a la antigua. E igualmente coincide en el tiempo con el movimiento prerromántico alemán del Sturm und Drang .
4.1 Historia
Jacques-Louis David : El juramento de los Horacios (1784–85).
La pintura neoclásica es un movimiento pictórico nacido en Roma en la década de 1760 y que se desarrolló en toda Europa, arraigando especialmente en Francia hasta aproximadamente 1830, en que el Romanticismo pasó a ser la tendencia pictórica dominante. El Neoclasicismo se sitúa entre el Rococó y el Romanticismo. Pero en muchas ocasiones, el tránsito de uno a otro estilo no es fácil, porque tienen rasgos semejantes. Si lo característico del Neoclasicismo era revivir otra época, en concreto la Antigüedad clásica, realmente no se diferencia de intentar recrear la Edad Media o la vida en países orientales, pues en ambos casos se recurría a temas exóticos, ajenos a la realidad de la sociedad en la que el pintor trabaja. En realidad, clasicismo y Romanticismo son tendencias estilísticas burguesas que reaccionan frente al aristocrático rococó, y como tal ideología burguesa, aspira tanto al orden y la estabilidad, como a la libertad que les era negada por el Antiguo Régimen; del mismo modo, es la burguesía la que se plantea la dialéctica entre la razón, que defiende un sistema político más racional que el del Antiguo Régimen, y el sentimiento, muchas veces puro sentimentalismo burgués frente a la cínica frialdad e indiferencia de la aristocracia. En este sentido, el Neoclasicismo representaría la aspiración a un orden regido por la razón, mientras que el Romanticismo representaría las igualmente burguesas ideas de libertad en un mundo dominado por el sentimiento individual.
Mengs: El Parnaso , 1761.
En las artes plásticas, el movimiento europeo llamado «Neoclasicismo» comenzó después del año 1765, como una reacción a los estilos Barroco y Rococó. Estos estilos se percibían como agotados y la solución pasaba bien por crear un estilo enteramente nuevo, bien por recrear el estilo de una época que, por considerarse la más cercana al ideal, se reputaba como «clásica». Con la llegada de la Revolución francesa (1789), el Neoclasicismo se adoptó como el estilo propio de la burguesía frente al rococó aristocrático, la respuesta estética propia de la revolución. El Neoclasicismo también era expresión del pensamiento de la Ilustración. No hay que olvidar los ataques que Diderot dirigía a Boucher, representante del rococó. Para el enciclopedista, debía preferirse en arte el estilo sereno del arte antiguo. En torno al año 1760, Diderot afirmaba que la función del arte era educar y hacer que la virtud pareciera atractiva, «el vicio odioso y el ridículo estrepitoso». Las obras por lo tanto debían tener una intención didáctica y moralizante, lo cual viene ejemplificado en las obras de Jean-Baptiste Greuze (1725-1805), aún enmarcadas estilísticamente en el rococó.
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CAPÍTULO 4. PINTURA NEOCLÁSICA
Henry Fuseli , El artista conmovido hasta la desesperación por la grandeza de los restos antiguos , 1778–79. Anton Raphael Mengs: Retrato de Johann Joachim Winckelmann , poco después de 1755.
Se deseaba regresar a lo que se percibía como «pureza» de las artes de la Antigua Roma, la más vaga percepción («ideal») de las artes griegas y, en menor medida, al clasicismo renacentista. Una circunstancia que contribuyó al nacimiento del Neoclasicismo es que la Antigüedad grecorromana, simplemente, se puso de moda. Ello se debió en gran medida a los descubrimientos arqueológicos de la época en Herculano (1738) y Pompeya (1748). Se difundieron obras arqueológicas y otras que reproducían imágenes de las ruinas clásicas. Decisiva fue la obra de Winckelmann ( Historia del Arte de la Antigüedad ), pero hubo otros como los escritos del arqueólogo conde de Caylus, The antiquities of Athens (Las antigüedades de Atenas) (1762) de los británicos Stuart y Nicholas Revett, Ruines des plus Beaux monuments de Grèce (Ruinas de los más bellos monumentos de Grecia) (1758) del francés Julien-David LeRoy, y los grabados con las Vistas de Roma, realizados por el italiano Giovanni Battista Piranesi entre 1748 y 1775. Lessing publicó su ensayo estético Laocoonte; gracias al debate entre Lessing y Winckelmann a propósito de la estatuaria helenística, los artistas aprendieron que los grandes sufrimientos se expresan mediante movimientos contenidos y no con gesticulaciones desagradables. Los europeos del siglo XVIII veían en aquellaAntigüedad clásica una época de esplendor, de virtudes éticas que, si se introducían en la sociedad de la época, podría ayudar a regenerarla. Para Winckelmann el ideal estaba más bien en la Grecia del siglo V a. C. mientras que la Francia de la época revolucionaria se fijaba más en la Antigua Roma: la Roma republicana durante el periodo revolucionario, y luego el Imperio de los Césares durante el período napo-
leónico. Esa época se intentó revivir en diversos aspectos, incluido el arte y la pintura. Cada movimiento artístico «neo»clasicista selecciona algunos modelos entre todos los clásicos posibles que están a su disposición, e ignoran otros. El problema que se encontraron los pintores fue que la pintura de la Antigua Grecia, a diferencia de lo que ocurría con la arquitectura o la escultura, estaba perdida irremisiblemente; así que los pintores neoclásicos la revivieron imaginariamente, en parte a través de frisos en bajorrelieve aunque era difícil superar su carencia de color, mosaicos y pintura sobre cerámica y en parte a través de los ejemplos de pintura y decoración del Alto Renacimiento de la generación de Rafael, frescos en la Domus Aurea de Nerón, Pompeya y Herculano y a través de una renovada admiración por Nicolas Poussin. Gran parte de la pintura «neoclásica» no es más que clasicista en su tema. Winckelmann, junto con su compatriota Anton Rafael Mengs fijaron las bases del Neoclasicismo pictórico, [1] buscando recuperar el «buen ideal», la «noble simplicidad» del pasado y su «serena grandeza». El crítico Antoine Chrysostome Quatremère de Quincy acabó de sentar las bases del nuevo estilo en Francia. Finalmente, no puede dejarse de lado la influencia de las Academias, que se establecieron a lo largo de todo el siglo XVIII defendiendo siempre ideas clasicistas y que vieron confirmados sus postulados estéticos en los descubrimientos arqueológicos.
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4.3. ARTISTAS
4.2 Características
4.2.3 Composición
Generalmente se pintó al óleo sobre lienzo, pero también hubo frescos. Los cuadros respetan, en general, el carácter ortogonal del lienzo. El estilo buscaba la sencillez tamPredominó el dibujo, la forma, sobre el colorido. Ello da bién en la composición. Cada cuadro se refería a un solo como resultado una estética distante del espectador, re- tema principal, sin temas secundarios superfluos que puforzado por la luz clara y fría que bañaba las escenas, dieran distraer. No son cuadros de gran profundidad, sino ya que si se adoptaran tonos dorados se introduciría en con una construcción frontal que recuerda a los frisos y la obra una sensualidad que se rechazaba en la estética bajorrelieves clásicos. El marco suelen ser arquitecturas neoclásica. A veces se usaba el claroscuro, con una ilu- arcaizantes, y no paisajes, y si la escena ocurría en un inminación intensa de los personajes que interpretaban la terior, a veces se dejaba este segundo plano en la penumescena en el centro del cuadro, dejando en las tinieblas el bra para que nada distrajera de la escena que se desarrolla resto del cuadro. Al destacar el dibujo sobre el color, este en primer término. En este marco se pintaban, en primer último era mero coloreado, que informaba sobre el con- plano, un número limitado de figuras humanas que comtenido del cuadro, modelando los objetos representados, ponían la escena, aislados por lo general los unos de los sin tener valor estético por sí mismo. En contraste con otros. las pinturas barrocas y rococó, las neoclásicas carecen de colores pastel y de confusión; en lugar de ello, usan colo- Estos personajes que ocupaban el primer plano estaban res ácidos. La superficie del cuadro aparecía lisa, con una representados con una anatomía ideal, perfectas muscufactura impecable en la que difícilmente se apreciaban laturas sin defectos que recordaban a las estatuas clásicas las pinceladas del autor, lo cual contribuía a establecer la como el Apolo de Belvedere. Normalmente se dibujaba distancia entre el autor y el tema y de éste con el espec- siguiendo el «método de la cuadrícula»: los personajes se dibujaban desnudos en una hoja de papel cuadriculado y tador. luego se trasladaban así al cuadro. Allí podían reproducirse desnudos si eran figuras masculinas: era el desnudo heroico clásico, si bien ocultos los genitales por algún ele4.2.2 Tema mento accesorio como colocado por azar. Si eran mujeres, no se representaban desnudas. Estas figuras ideales, estatuarias, también podían ser revestidas al modo de actores de teatro con ropajes majestuosos, que recordaran por su solemnidad y riqueza a las vestimentas clásicas. Las posturas que adoptaban los personajes eran contenidas, no importaba cuán intenso fuese el sentimiento que podía dominar la escena, puesto que así conservaban esa belleza ideal, sin que el dolor deformara sus rasgos.
4.2.1 Técnicas
En cuanto a los objetos que se incluían en las escenas, se buscaba una recreación casi arqueológica de la antigüedad, reproduciendo en el lienzo aquellos objetos descubiertos por los arqueólogos en las excavaciones.
Juan Antonio Ribera: Cincinato abandona el arado para dictar leyes a Roma , h. 1806.
Se cultivó sobre todo el cuadro de historia, reproduciendo los principales hechos de la Revolución francesa y exaltando los mitos griegos y romanos, a los que se identificó con los valores de la Revolución. Los temas representados siempre eran serios y eruditos, con intención moralizante: alegorías e historias que transmitían valores ejemplares como el sacrificio del héroe o el patriotismo. Bajo Napoleón Bonaparte, se llegó a una clara intención propagandista. Las fuentes que inspiraban las obras eran Homero, la historia de Roma Antigua en especial Tito Livio, y poemas de Petrarca. En muchos casos, las escenas no representaban el momento álgido de la historia, sino el momento anterior o posterior.
4.3 Artistas 4.3.1 Francia Un primer intento de revivir la Antigüedad clásica, si bien desde una estética rococó, viene representado por el francés Joseph Marie Vien (1716-1809), que residió durante unos años en Roma y fue maestro de Jacques Louis David, máximo representante del Neoclasicismo. En su vida y obra se realizó de manera más patente la relación entre la Revolución francesa y la pinturaneoclásica en ese país. En suscuadros a menudo usaron elementos romanos o griegos para ensalzar las virtudes de la Revolución francesa, anteponiendo el estado a la familia. La variada biografía de David representó los cambios políticos que se sucedieron en Francia. En su juventud le influyó Boucher,
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David , Napoleón cruzando los Alpes , 1801.
CAPÍTULO 4. PINTURA NEOCLÁSICA
le considera como verdadero manifiesto estético iniciador del Neoclasicismo. Tiene una perspectiva centrada perpendicular al plano pictórico. Contra los soportales que quedan detrás, se ponen las figuras heroicas, modeladas de manera escultórica como si se tratara de un friso, igualmente en tres grupos que se corresponden con los arcos: los tres hermanos Horacios a la izquierda, en el centro su padre con las espadas tomándoles juramento de que sacrificarán sus vidas por la patria y las hermanas y esposas llorando desconsoladamente a la derecha. Las figuras masculinas están dominadas por la línea recta, lo que remarca su valentía y fortaleza, mientras que las femeninas están trazadas con líneas sinuosas lo que da equilibrio a la escena. El fondo es liso como si fuera un altorrelieve. Una especie de iluminación artificial alumbra a las figuras, centrándose en los Horacios y las espadas. La puesta en escena, en cuanto al decorado y el vestuario, recuerda la de la ópera, aunque con una verosimilitud arqueológica. Cuenta con el cromatismo clásico de Poussin, frío, natural y racional. Otros cuadros clásicos anteriores a la revolución fueron: Belisario (1781), La muerte de Sócrates (1787) y Los amores de Paris y Helena (1788). David abrazó decididamente la acción política en la Revolución francesa. Desempeñó el cargo de superintendente de Bellas Artes, lo que le permitió dictar el estilo de la Francia revolucionaria, persiguiendo el arte rococó y a sus pintores. Fue maestro de ceremonias republicanas, entre ellas el funeral de su amigo Marat, sobre el cual pintó uno de sus lienzos más recordados, La muerte de Marat (1793) cuadro que como su Juramento del Juego de la Pelota estuvo al servicio de la causa revolucionaria. No dejó por ello de pintar cuadros de temática clásica en estos años noventa, en los que se ensalza a los héroes antiguos, como Las Sabinas (1799), que puede verse como una llamada a la reconciliación después del golpe de 18 de brumario).
François-Edouard Picot, ca.1865
el pintor aristocrátrico por excelencia del Antiguo Régimen. Entre 1775 y 1780 vivió en Roma donde rompió con ese estilo y se convirtió al clasicismo, comenzando a pintar cuadros históricos. Su significativo Juramento de los Horacios (Museo del Louvre) fue pintado en Roma en 1784 y llamó la atención en el Salón de París de 1785; se
Antoine-Jean Gros: Bonaparte visitando a los apestados de Jaffa , 1804.
Más tarde, con el advenimiento del Consulado primero y del Imperio después, se convirtió en pintor de cámara de Napoleón, realizando sus retratos oficiales que servían de propaganda del nuevo régimen. Así, Napoleón cruzando los Alpes (1799), o La coronaciónde Napoleón (1805-07).
4.3. ARTISTAS
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En estas obras se abandonan los ideales revolucionarios y se muestra un marco de lujo propio de la corte imperial. Ejemplifican el estilo imperio, creado por David a petición del nuevo emperador. También en esta época pintó un cuadro de historia, Leónidas en las Termópilas (1814). A la caída de Napoleón, David se vio obligado a exiliarse a Bruselas, donde falleció en 1825. David cultiva un estilo realista en las vestimentas, las arquitecturas y los detalles arqueológicos. Las figuras están representadas con fidelidad anatómica. Su estilo severo y equilibrado se inspira en la escultura clásica, y en autores como Rafael y Poussin. CuandoDavid marchó a Bruselas, dejó su taller a su discípulo mejor dotado Antoine-Jean Gros (1771-1835), protegido de la emperatriz Josefina. Acompañó a Napoleón Bonaparte en su campaña italiana, y a partir de ahí se convirtió en el pintor que reflejó sus campañas militares. Así, se le deben Bonaparte au pont d’Arcole (El retrato de Bonaparte en el puente de Arcola, 1796), Napoléon sur le champ de bataille d'Eylau (Napoleón en el campo de batalla de Eylau, 1808) y la que se reputa su mejor obra, Bonaparte visitant les pestiférés de Jaffa (Bonaparte visitando a los apestados de Jaffa, 1804).
Jean-François Peyron: Cornelia, madre de los Gracos , 1781.
Finalmente, cabe mencionar a Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) al que se considera el otro gran pintor neoclásico, incluso superior a David. Su obra, compleja, y dilatada a lo largo de tanto tiempo, incluía elementos románticos, de manera que realmente no se puede adscribir sólo a la estética neoclásica. Su estilo es claramente neoclásico, líneas puras, colores fríos, predominio del dibujo sobre el color, pero la temática es variada, y muchas veces recoge elementos exóticos típicos del orientalismo En el neoclasicista Anne-Louis Girodet-Trioson (1767- romántico. La belleza ideal propia del Neoclasicismo se 1824) se observan los primeros rasgos del Romanticis- refleja en obras como La bañista de Valpinçon (1808). mo pictórico. Se conserva el estilo neoclásico pero se tratan otros temas, como ocurre en Le Sommeil d'Endymion (El sueño de Endimión, 1792), L'apothéose des Héros fra- 4.3.2 Resto de Europa nçais morts pour la patrie pendant la guerre de la Liberté (Las sombras de los guerreros franceses conducidos por Fuera de Francia, un artista destacado en el establela victoria al palacio de Odín, 1800) y Funérailles d'Atala cimiento y evolución del Neoclasicismo fue el ale(Los funerales de Atala, 1808). mán Anton Raphael Mengs (1728-1779). Conoció a A Girodet intentó imitar al principio François Gérard Winckelmann en Roma y a partir de ese momento adop((1770-1837), pero destacó sobre todo en los retratos, gé- tó el Neoclasicismo, desarrollando igualmente un trabajo nero no apreciado en el Neoclasicismo y que por su senti- como teoría del arte. En 1761 llegó a España, para pintar mentalismo preludiaba el Romanticismo. Entre sus obras en el Palacio Real de Madrid. Como director de todas las más destacadas se encuentran Psyché et l'Amour (Psique y actividades artísticas de la corte, impuso el nuevo estilo el Amor, 1798) y el de Madame Recamier (1802). En ese en el país. Su estilo es minucioso. A diferencia de otros mismo sentido son los retratos de Vigée-Lebrun, como neoclásicos, conserva el colorido brillante del rococó. La puede verse en su Retrato de Madame de Staël represen- Real Academia de San Fernando defendió el nuevo estitada como Corina , h. 1807-1808. Como ocurre con Gi- lo. Otros pintores neoclásicos de España fueron Mariano rodet, las primeras obras de Pierre Paul Prud'hon (1758- Salvador Maella (1739-1819) y Francisco Bayeu (17341823), Jean-Baptiste Regnault (1754-1829) y Germain 1795), colaboradores de Mengs en los palacios reales de Jean Drouais (1763-1788) pertenecen a la estética neo- Aranjuez y Madrid. clásica. Vicente López Portaña (1772-1850) asumió los principios estéticos de Ingres y Mengs. Era un destacado diTambién cultivaron el Neoclasicismo en Francia: bujante que realizó destacados retratos académicos, muy minuciosos. Jean-François Peyron (1744-1814), inspirado por Poussin y en cuya pintura predominan los colores José Aparicio Inglada (1773-1838) es un clásico «puro», que se formó en la Academia de Bellas Artes de San Ferfríos; nando, estudio con David en París y que cultivó un estilo Pierre Narcisse Guérin (1744-1833) que se centró frío que puede apreciarse en El hambre en Madrid , obra propagandística en favor de Fernando VII. en temas históricos; •
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También en la Academia de San Fernando y en París esJoseph-Benoît Suvée, a quien se debe L'invention du tudió José de Madrazo (1781-1859), a quien se considedessin («La invención del dibujo»), 1791. ra introductor del Neoclasicismo en España. Realizó re-
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CAPÍTULO 4. PINTURA NEOCLÁSICA
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José de Madrazo: La muerte de Viriato , 1806-1807.
tratos y también cuadros de historia como La muerte de Viriato, muy representativo del Neoclasicismo español, y que inaugura la gran «pintura de historia» española del siglo XIX. No obstante, el que se considera mejor cuadro del Neoclasicismo español es el Cincinato de Juan Antonio Ribera (1779-1860), con el que obtuvo gran éxito. En Italia, pueden verse obras del estilo de David en Andrea Appiani (1754-1817) y Vincenzo Camuccini (1771-1844).
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el escocés Gavin Hamilton (1723-1798), que estuvo entre los neoclasicistas de Roma, considerado uno de los fundadores del Neoclasicismo junto con Mengs. el londinense Nathaniel Dance (1735-1811), también vivió en Roma. el estadounidense Benjamin West (1738-1820), que vivió tres años en Roma y luego se estableció en Londres en 1763. la suiza Angelica Kauffmann (1741-1807), quien aparte de temas históricos hizo retratos de factura neoclásica y un tono sentimental.
Discípulo de David fue también el danés Christoffer Wilhelm Eckersberg (1783-1853) y luego estudió en Roma, cultivando géneros por lo general no apreciados en el Neoclasicismo como los retratos y los paisajes. Finalmente, debe mencionarse al ruso Vassili Kouzmitch Chebouiev (1777-1855) que asumió el estilo defendido por la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo .
4.4 Notas y referencias [1] Rodríguez-Ponga, Alfonso (26 de diciembre de 2011). «Los teóricos del Neoclasicismo: Winckelmann, Lessing y Mengs» (en español). Ersarp.
Carrassat, R., Patricia Fride e Isabelle Marcadé, «Neoclasicismo», en Movimientos de la pintura , Spes, 2004, págs. 38-40. ISBN 84-8332-596-9 Ramírez Domínguez, Juan Antonio, «Clasicismo y Romanticismo en la pintura», en Historia del arte , Madrid, Anaya,1986,págs. 711-715. ISBN 84-2071408-9 VV.AA., «El Neoclasicismo», cap. 6, pág. 271 y «La pintura: revolucionarios y académicos», cap. 9, pág. 274-276; en E. Barnechea, A. Fernández y J. de R. Haro, Historia del arte , Barcelona, Vicens-Vives, 1984. ISBN 84-316-1780-2
4.5 Enlaces externos •
En Stuttgart desarrolló su labor Gottlieb Schick (17761812) que trabajó en París con David e Ingres y en Roma. En Gran Bretaña trabajaron:
Laneyre-Dagen, Nadeije, «Neoclasicismo», en Leer la pintura , Spes, 2005, págs. 223-226. ISBN 848332-598-5
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Capítulo 5
Escultura neoclásica lógicas, la formación de importantes colecciones públicas y privadas y la publicación de estudios eruditos sobre el arte y la cultura antigua. [1] La edición de varios relatos detallados e ilustrados de las expediciones realizadas por Robert Wood, John Bouverie, James Stuart, Robert Adam, Giovanni Battista Borra y James Dawkins, y en especial el tratado de Bernard de Montfaucon, L'Antiquité expliquee et representee en figures (7 volúmenes , París, 1719-1724), profusamente ilustrado y con textos paralelos en lenguas modernas y no sólo en latín, como era costumbre académica, y el conde de Caylus, Recueil d'Antiquité (7 volúmenes, París, 1752-1767), el primero en intentar agrupar las obras según criterios de estilo, y abordando también las antigüedades celtas, egipcias y etruscas. Todo ésto contribuyó a la educación pública y la ampliación de su visión del pasado, estimulando una nueva pasión por todo lo que fuese antiguo.[2]
Antonio Canova: Perseo con la cabeza de Medusa , c. 1800, Museos Vaticanos.
Se añade a ésto el descubrimiento de Herculano y Pompeya, una gran sorpresa entre los conocedores y el público, y aunque las excavaciones que comenzaron a hacerse en las ruinas en 1738 y 1748 no se habían encontrado obras maestras de arte, sí sacaron a la luz una serie de artefactos y restos que revelaban aspectos desconocidos de la vida cotidiana hasta la fecha. Y la llegada de los mármoles Elgin a Londres en 1806 fue otro momento importante para la intelectualidad europea, a pesar de las fuertes críticas sobre su remoción arbitraria y las prácticas abusivas en el Partenón y del poco interés mostrado por los propios artistas en los primeros momentos.
La escultura neoclásica se incluye dentro de una corriente filosófica y estética de una influyente difusión que se desarrolló entre mediados del siglo XVIII y del siglo XIX en Europa y las Américas. Como reacción contra la frivolidad del decorativismo del rococó, surgió la escultura neoclásica inspirada en la antigua tradición greco-romana, adoptando principios de orden, claridad, Aunque el arte clásico ya era muy apreciado desde el austeridad, equilibrio y propósito, con un fondo de mo- renacimiento, era de forma circunstancial y empírica, pero ahora esta admiración estaba construida sobre base ralización. más científica, sistemática y racional. Con estos hallazgos y estudios comenzó a ser posible formar por primera vez una cronología de la cultura y el arte de los griegos y 5.1 Contexto histórico romanos, distinguiendo lo que era propio de unos u otros, y dar a luz a un interés por la tradición puramente grieEste cambio estuvo apoyado en dos partes principales: ga que había, en ese momento, siendo ensombrecida por en primer lugar los ideales de la ilustración, que sur- el patrimonio romano, sobre todo porque en ese momengían del racionalismo, combatiendo las supersticiones y to Grecia estaba bajo el dominio turco y, por tanto, en dogmas religiosos, y enfatizaban el desarrollo personal la práctica, era inaccesible para los estudiosos y turistas y el progreso social con una fuerte ética, y en segun- del Occidente cristiano. Los escritos de Johann Joachim do lugar, un interés científico creciente en la antigüedad Winckelmann, elogiaron la escultura griega, viéndola coclásica que surgió entre la comunidad académica en to- mo una «noble simplicidad y tranquila grandeza», hizo un do el siglo XVIII, estimulando las excavaciones arqueo27
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CAPÍTULO 5. ESCULTURA NEOCLÁSICA
llamamiento a todos los artistas para que la imitasen, restaurando un arte idealista que fue despojado de toda transición, acercándose al carácter del arquetipo. Un erudito de gran influencia, especialmente entre los intelectuales italianos y alemanes, como Goethe en su crítica que aclara por qué Winckelmann fue el historiador más influyente en su época, también relata sobre él: Uno se da cuenta de que Winckelmann siente realmente lo que hace, y hay algo grande al respecto. Es como Colón, que tuvo en su mente la noción del Nuevo Mundo antes de descubrirlo. Leyéndolo, uno no aprende nada, pero se convierte en alguien. [3]
tumultuoso proceso de lograr su propia independencia e inspirados por el modelo de la Roma republicana, el neoclasicismo se convirtió en un modelo y fue conocido como el estilo federal. El neoclasicismo se adoptó también, por supuesto, en las academias oficiales de formación de artistas, consolidando el sistema de enseñanza, el academicismo, un conjunto de normas educativas y de técnicas que se basó en los valores éticos y estéticos de la antigüedad clásica y que pronto se convirtió en la denominación para el estilo de su producción.[5][6]
5.2 Características generales
Lorenzo Bartolini : Ninfa atacada por un escorpión , c. 1845. Louvre.
En el campo de la escultura el impacto de la novedad de los nuevos conocimientos fue menor que en otras artes como la pintura y la arquitectura, debido a que los escultores ya estaban bebiendo en las fuentes clásicas desde el siglo XV, aunque sus mejores resultados en la reinterpretación de losgreco-romano ya no mostraban la misma alta calidad. La mala interpretación de la estética defendida François Rude: La Marsellesa , 1833. Arco de Triunfo de París. por Wickelmann condujo, sin embargo, a los artistas de Su atractivo no se perdió, y la historia, la literatura y la menor categoría a la producción de muchas obras con el mitología antigua se convirtió en la fuente principal de carácter de la copia servil de los modelos antiguos, perinspiración para los artistas, al mismo tiempo que se eva- diendo en vigor lo que ayudó a atraer a la crítica sobre luaron de nuevo otras culturas y estilos como el gótico este cambio. y las antiguas tradiciones populares del norte de Europa, Las obras mostraron en general un alto nivel de equilibrio causando que los principios neoclásicos coexistieran con formal, con una expresión cautelosa y raros momentos de los de romanticismo más tarde.[4] dramatismo. Antonio Canova fue más exitoso en la exEl movimiento también tuvo connotaciones políticas, ya ploración de una amplia gama de sentimientos y formas que la fuente de inspiración neoclásica fue la cultura grie- dinámicas, desde la suave ingenuidad juvenil en piezas ga y su democracia, y la romana con su república, con los como Las Tres Gracias , a la violencia desenfrenada del valores asociados de honor, deber, heroísmo y el patrio- Hércules y Licas y en Teseo vencedor del Minotauro , y tismo. Como consecuencia, el estilo neoclásico fue adop- en la investigación de otros signos de la emoción como el tado por el gobierno revolucionario francés, asumiendo arrepentimiento o pesar, visible en la patética Magdalena los nombres sucesivos de estilo directorio, estilo conven- penitente. ción y más tarde, bajo Napoleón, estilo imperio, que in- Los materiales preferidos fueron el bronce y el mármol fluyeron también en Rusia. En los Estados Unidos, en el blanco, al igual que en la tradición antigua, pero a diferen-
5.3. CENTROS DE DISTRIBUCIÓN Y REPRESENTANTES CLAVE
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cia de temporadas anteriores, el neoclasicismo el artista creador pasó a emplear a más ayudantes que realizaban la mayor parte de los trabajos técnicos como pasar a la piedra o realizar la fundición a parir del modelo de arcilla o yeso que había sido creado por el escultor, dejando que el maestro asumiese la fase final de la escultura del pulido y definición de detalles, ya que esta fase es sin duda crucial para la obtención del efecto final de la obra y requiere la experiencia de la mano maestra. [7][8]
5.3 Centros de distribución y representantes clave
François Rude: Mercurio atando sus sandalias , 1834. Louvre.
Entre ellos se encontraba Johan Tobias Sergel, un sueco que después llevó la novedad hasta el norte de Europa y los británicos Thomas Banks y Joseph Nollekens, hicieBertel Thorvaldsen: Jasón y el vellocino de oro , 1803. Thorvald- ron lo mismo en Inglaterra. Viviendo entre París, Carrara sens Museum. y Florencia, Lorenzo Bartolini fue una figura importante y protegido por Napoleón, pero quien dominó la escena fue Antonio Canova. Comenzó su carrera con influjo del rococó, pero fue dirigido hacia el neoclasicismo por 5.3.1 Italia Gavin Hamilton y Antoine Chrysostome Quatremère de Según Winckelmann, Roma, fue el centro de un círculo Quincy, y acabó por ser conocido y solicitado internade artistas que indujeron a producir el estilo neoclásico. cionalmente desde Roma, el centro de interés para todos
30 los estudiantes de este arte en su tiempo. Fue el espejo más perfecto de los ideales defendidos por Winckelmann. Su tratamiento del mármol de extraordinario refinamiento, su pureza de líneas, la claridad de referencias antiguas, su sincero respeto a los grandes escultores del pasado, la fuerza de sus composiciones, que al mismo tiempo mostraban una poesía delicada y abstracta al lado de su buen carácter e integridad personal, lo convirtieron en un modelo para todos, y fue maestro directo de Antonio de Este, Richard Westmacott y John Gibson. Otros italianos son Giuseppe Angelini, Camilo Pacetti, Gaetano Monti, Benedetto Cacciatori, Carlo Albacini, Demócrito Gandolfi, Pompeo Marchesi, Gennaro Cali y Carlo Finelli.[9][10]
CAPÍTULO 5. ESCULTURA NEOCLÁSICA
se inspiraban en fuentes paganas antiguas, con procesiones y ritos cuyo efecto sobre las masas se incrementó con la ayuda de una profusión de pinturas y esculturas simbólicas. Con el ascenso de Napoleón al poder imperial, y la Restauración Borbónica, las relaciones entre el neoclasicismo y los poder constituido, se volvieron tensas y el estilo se distorsionóy asumióuna función de propaganda y en muchos aspectos retrógrada, consiguiendo su debilitación y disolución en el romanticismo. En su período de mayor vigor, tuvo como representantes más distinguidos a Jean Antoine Houdon, François Rude, Jean-Baptiste Pigalle y Augustin Pajou, entre ellos el precursor Edmé Bouchardon, que aún perteneciendo al estilo rococó se unió a los principios neoclásicos. [10]
Otros nombres que merecen ser nombrados son los de: Joseph Chinard, Philippe-Laurent Roland, Robert 5.3.2 Dinamarca Michel, Pierre Jean David, Jean-Baptiste Pigalle, George Rennie, Pierre-Nicolas Beauvallet, Louis Petitot, Las ideas de Winckelmann también llegó a Dinamar- Claude Ramey, Jean-Jacques Pradier, François Jouffroy, ca e influyó en el escultor Johannes Wiedewelt y pintor Antoine-Louis Barye, Louis-Pierre Deseine, FrançoisNikolai Abraham Abildgaard, a quien Bertel Thorvald- Joseph Bosio, Jean-Jacques Caffieri, Félix Lecomte y sen debe la mayor parte de su educación y la oportuni- Jean-Louis Jaley. dad de varios encargos, entre ellos uno que le valió una medalla de oro en la Real Academia de Bellas Artes de Copenhague y con ella un viaje a Roma. Allí realizó su 5.3.4 Estados Unidos Jasón y el vellocino de oro , que fue muy admirado por Canova. Después de esta obra llegó a ser solicitado por El neoclasicismo en los Estados Unidos se desarrolló más clientes de varios países, se convirtió en director de la tardíamente que en Europa. El país obtuvo su indepenAcademia danesa, viajó por trabajo a lo largo de gran dencia en 1776, y hasta entonces no había una tradición parte de Europa y sucedió al mismo Canova en presti- artística sólidamente establecida, pero el pensamiento de gio internacional.[11][12] Herman Wilhelm Bissen y Jens la ilustración europea era conocido entre los círculos inteAdolfo Jerichau fueron otros artistas neoclásicos de Di- lectuales y la imagen de la antigua Roma republicana fue namarca. la inspiradora par ala nueva nación. [13] Uno de los primeros introductores de la escultura neoclásica en el Nuevo Mundo fue el francés Houdon, que por invitación de 5.3.3 Francia Benjamín Franklin cruzó el Atlántico en 1785 para realizar una estatua de George Washington, de la que posEn Francia el apoyo por los ideales neoclásicos partió di- teriormente se sacaron varias copias. Si bien se indica la rectamente de los círculos oficiales relacionados con la presencia del precursor William Rush a principios del siAcademia de Bellas Artes y el propio rey, se estableció glo XIX, el contexto nacional aún no tenía un sistema del por la admiración de la cultura antigua que existía desde arte capazde soportar la producción de obras importantes el renacimiento, y que se había mantenido incluso duran- que se requería una gran infraestructura técnica, e inclute el barroco. Lenormant de Tournehem, superintendente so los monumentos públicos eran encargados, la mayor de los «Edificios del Rey», tenía poder sobre la Academia parte, a extranjeros.[14] y aconsejado por el conde de Caylus se retiró a mediados A partir de la década de 1820 surgió un grupo de esculdel siglo XVIII, indicando a los artistas que se alinearan al tores nativos de talento superior, y la mayoría de ellos clasicismo. Su sucesor, el marqués de Marigny, estableció se trasladó a Italia en busca de su perfeccionamiento, a la práctica de prestigiar los temas históricos por encimar veces no regresan a su patria. Italia ofrecía un fondo de del retrato y el director siguiente, el conde de Angivillier, interés histórico y cultural irresistible para los artistas, el aumentó la dotación para la compra de obras históricas, ambiente estaba estimulado por la existencia de monuque mostrasen temas de la tradición antigua. mentos, ruinas y colecciones de valor incalculable y por Por otra parte, los pensadores independientes como Diderot defendieron el principio de que el arte debía «hacer atractiva la virtud y el vicio odioso». En estrecha relación con los revolucionarios, el pintor Jacques-Louis David fue nombrado director de la Academia y el principal organizador de festivales cívicos que se habían convertido muy populares durante la Revolución, y que claramente
la presencia de maestros como Bartolini, Canova y Thorvaldsen, y las condiciones de trabajo eran mucho mejores que en Estados Unidos, donde escaseaba tanto el mármol como ayudantes capaces de auxiliar al artista en el arte complejo y laborioso de la talla en piedra y lo mismo en la elaboración de piezas en bronce. Horatio Greenough fue el primero de una ola de norteamericanos en estable-
5.3. CENTROS DE DISTRIBUCIÓN Y REPRESENTANTES CLAVE
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William Wetmore Story: Cleopatra , 1858-69. Metropolitan Museum of Art .
cerse entre Roma y Florencia. Después de él vino Hiram Powers, uno de los más exitosos de todos ellos, y Thomas Crawford, Randolph Rogers, Harriet Goodhue Hosmer y William Wetmore Story que después de 1857 se puso al frente de la colonia estadounidense que se había creado en Roma, siendo una referencia para todos los recién llegados. A pesar de su permanencia en Italia, el grupo fue celebrado en su país, y sus logros artísticos recibieron una cobertura continua por la prensa hasta que la corriente neoclásica se disipó en Estados Unidos a partir de la década de 1870. En este punto los EE.UU. ya habían establecido su cultura y creado condiciones para impulsar la producción escultórica local de un nivel uniforme y elevado, esta etapa es conocida como el «renacimiento estadounidense» y estuvo imbuida de muchas referencias clásicas, con dirección hacia el romanticismo y asimilando otros estilos diferentes, en resumen un eclecticismo.[15][16][17]
Johann Gottfried Schadow: Las princesas Louise y Friederike von Mecklenburg-Strelitz , 1797. Alte Nationalgalerie.
Nollekens fue otra gran figura, considerado el mejor pintor retratista de finales del siglo XVIII en Inglaterra. Hacia mediados del siglo XIX el neoclasicismo inglés adquirió más libertad formal, destacándose John Henry Foley y Thomas Woolner, hasta que el movimiento pierde fuer5.3.5 Inglaterra za con el penetrante influjo romántico francés a partir de [19][20] En Inglaterra, las raíces del neoclasicismo se remontan 1875. al siglo XVII, y se implantaron en la arquitectura neopalladiana de Íñigo Jones, pero el estilo solo llegaría a su cenit a principios del siglo siguiente, con los seguido- 5.3.6 Alemania res Lord Burlington, Colen Campbell y William Chambers.[18] En la escultura, sin embargo, los resultados tar- En Alemania las ideas de Winckelmann habían tenido daron en aparecer. Uno de sus primeros exponentes fue una aceptación inmediata y entusiasta, y su influencia se Thomas Banks, quien estudió en Roma, como varios de mantuvo hasta mediados del siglo XIX, especialmente a sus compatriotas también lo habían hecho, y al regresar través de la carrera artística de Johann Gottfried Schaa Londres creó la primera obra inglesa en el nuevo esti- dow, la figura más importante de la región, había estulo, un relieve titulado La muerte de Germánico (1774). diado en Italia y asumió a su regreso, la dirección de la Junto con John Flaxman, que ganó fama internacional, Academia de Berlín, ejerció gran influencia no sólo por fue uno de los líderes del movimiento en la isla. Ellos sus esculturas, sino también por sus tratados técnicos sofueron secundados por sir Francis Chantrey, John Ba- bre el arte. Fue padre del pintor nazareno Friedrich Wilcon, John Gibson, y sir Richard Westmacott, discípulo helm Schadow y del escultor Rudolph Schadow, que sidel gran maestro italiano Antonio Canova, y a su regreso guió la misma escuela y dejó piezas de gran calidad. Otros estableció un prestigioso estudio, donde tuvo como alum- nombres del centro de Europa son Johann Heinrich von nos John Edward Carew y Musgrave Watson. Su hijo, Dannecker, Christian Friedrich Tieck, Martin von WagRichard Westmacott el Joven, fue también escultor res- ner, Konrad Eberhard, Julius Troschel Wolf von Hoyer petado y que siguió muy de cerca el estilo paterno. Joseph y especialmente Christian Daniel Rauch, quien también
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CAPÍTULO 5. ESCULTURA NEOCLÁSICA
estudió en Roma, particio en los círculos más célebres [10] Greenhalgh, Michael. Op. cit de la ciudad y más tarde recibió la consagración de los tribunales alemanes, recibiendo honores de nobleza y la [11] Bertel Thorvaldsen. In Thorvaldsens Museum website Consultado: 25-04-2010 producción de muchos monumentos, entre los que destaca uno colosal, dedicado a Federico II de Prusia, que es [12] Neoclassical Art and Architecture . Encarta Consultado: una de las mayores creaciones de este género en el siglo 25-04-2010 (en inglés) XIX.
5.3.7 Otros países
[13] Goodheart, Adam. Wrapped in the Star-Spangled Toga. The New York Times. (2007) Consultado:25-04-2010 (en inglés) [14] Tolles, Thayer. From Model to Monument: American Pu-
La influencia del neoclasicismo en la escultura fue menos blic Sculpture, 1865–1915. In Heilbrunn Timeline of Art fructífera en otros países de Europa, donde los grandes History. New York: The Metropolitan Museum of Art, 2000. Consultado: 25-04-2010 (en inglés) nombres se vuelven más escasos. Pero vale la pena recordar en Rusia: Vasily Demut-Malinovski, Ivan Martos [15] Tolles, Thayer. American Neoclassical Sculptors Abroad . y Fedot Shubin. En España: Manuel Tolsá José Ginés de In Timeline of Art History . New York: The MetropoliAguirre, José Álvarez Cubero que pasó granparte de su tan Museum of Art, 2000 Consultado:25-04-2010 (en vida en París y su obra tíitulada La defensa de Zaragoinglés) za es una de las grandes esculturas de este estilo en España y Damià Campeny pensionado en Roma estuvo en [16] Tolles, Thayer. American Bronze Casting. In Heilbrunn Timeline of Art History . New York: The Metropolitan Mucontacto con el italiano Antonio Canova entre sus obras [21] seum of Art, 2000 Consultado:25-04-2010 (en inglés) destacadas se encuentran Lucrecia muerta y Cleopatra . En Portugal Joaquim Machado de Castro y João José de [17] Peck, Amelia. American Revival Styles, 1840–1876. In Aguiar. Heilbrunn Timeline of Art History . New York: The Me•
•
tropolitan Museum of Art, 2000 Consultado: 25-04-2010 (en inglés)
Jean-Antoine Houdon:Diana cazadora, 1790
Bertel Thorvaldsen: Ganímedes y el águila de Zeus , [18] Gontar, Cybele. The Neoclassical Temple. In Heilbrunn Timeline of Art History . New York: The Metropolitan Mu1817 seum of Art, 2000 Consultado: 25-04-2010 (en inglés)
•
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Rudolph Schadow: Joven atándose las sandalias , [19] Sculpture in England . In The Catholic Encyclopedia Con1817 sultado: 25-04-2010 (en inglés) José Álvarez Cubero: Ganímedes, 1804 [20] British Art in the 18th Century . The Web Gallery of Art Consultado: 25-04-2010 (en inglés)
5.4 Referencias [1] Bornay, Erika (1988) p.28 [2] Greenhalgh, Michael. The Classical Tradition in Art . Londres, 1978 consultado: 25-04-2010 (en inglés)
[21] Bornay, Erika (1988), p.392-394
5.5 Bibliografía •
[3] Bornay, Erika (1988) p.30 [4] Neoclassicism and Romanticism . In Art, Commerce & Industry: The 18th and 19th Centuries. History of Art. (en inglés) Consultado:25-04-2010 [5] Neoclassical Art and Architecture. Encarta(en inglés) Consultado:25-04-2010 [6] Gontar, Cybele. Neoclassicism. In Timeline of Art History . New York: The Metropolitan Museum of Art, 2000(en inglés) Consultado: 25-04-2010 [7] Wittkower, Rudolf. Escultura. São Paulo: Martins Fontes, 1989. p. 223 [8] Peny, Nicholas. Neoclassical and Romantic Sculpture . Britannica online Consulta: 25-04-2010 (en inglés) [9] Wittkower, Rudolf. Op. cit. p. 233
Bornay, Erika (1988). Historia Universal del Arte: El siglo XIX . Barcelona, Editorial Planeta. ISBN 84320-6688-5.
5.6 Enlaces externos •
Esta obra deriva de la traducción de Escultura do neoclassicismo de la Wikipedia en portugués, publicada por sus editores bajo la Licencia de documentación libre de GNU y la Licencia Creative Commons Atribución-CompartirIgual 3.0 Unported.
Capítulo 6
Música del Clasicismo Clasicismo es el estilo de la música culta europea desarrollado aproximadamente entre 1750 y 1820 por compositores como Wolfgang Amadeus Mozart y Joseph Haydn. Coincide con la época cultural y artística hoy denominada, en la arquitectura, la literatura y las demás artes, Neoclasicismo. Tuvo sus grandes centros de difusión en Berlín, París, Mannheim y, sobre todo, Viena.
masivamente ediciones de partituras y llenaba los teatros de ópera y de concierto, lo que impulsó a los compositores a acercar su estilo a lo popular. La difusión de la música aumentó y se internacionalizó, y con ella la fama de los compositores más destacados, de modo que el estilo se unificó en toda Europa y los autores más conocidos hicieron frecuentes giras por las principales capitales del continente.
Se caracteriza por la claridad de las texturas, la simetría de las frases, la consolidación de la tonalidad plena y el establecimiento de las formas musicales clásicas (sinfonía, sonata, cuarteto...).
Como consecuencia de todo ello las características principales de la música del Clasicismo son: •
6.1 Denominación Mientras que las restantes artes redescubrían y copiaban en esta época los antiguos modelos grecorromanos, los muy escasos restos musicales conocidos de la música de la Antigüedad eran insuficientes para basarse en ellos, por lo que el clásico es un estilo musical nuevo. Por esta misma razón, la denominación música clásica nunca se usó para la música grecorromana, prácticamente desconocida, y comenzó a ser utilizada por los románticos para nombrar a la música de la época que les precedió, esta de la segunda mitad del siglo XVIII; luego, por extensión, el nombre fue usado para toda la música culta occidental anterior al siglo XX.
•
•
6.2 Estética y características generales •
El siglo XVIII fue elde la Ilustración, y su estética se trasladó al estilo musical: gusto por lo natural, lo equilibrado y lo claro; rechazo del artificio y el exceso de sofisticación de la música barroca; imitación de la naturaleza, en forma de estructuras simples y frases simétricas similares a las de la música folclórica; en la ópera, verosimilitud y cercanía al espectador de los argumentos, e integración íntima del drama y la música.
•
•
Además el público de la música culta se extendió de la vieja aristocracia a la pujante burguesía, que compraba 33
Uso de la textura de melodía acompañada, consistente en el predominio de la voz más aguda, que centra el interés en su melodía, mientras el resto de instrumentos la acompañan; sólo en ocasiones se usa la homofonía o la polifonía imitativa. El acompañamiento es ya escrito explícitamente (desuso del bajo continuo). Melodías de un mayor carácter cantabile y simétricas, con frases estructuradas en antecedente y consecuente (o pregunta y respuesta ), que típicamente se cierran en las armonías de dominante y tónica, respectivamente. Armonías muy claras y funcionales, basadas en los acordes de tónica, dominante y subdominante, que estructuran las frases y la forma musical con cadencias muy claras. El ritmo armónico (velocidad a la que cambian los acordes) suele ser más lento que en el Barroco: es típico el acompañamiento arpegiado llamado bajo de Alberti en el piano, o el trémolo en el acompañamiento orquestal. Se escribe mucha más música en modo mayor (más alegre) que en modo menor. Se amplía el campo de las modulaciones y se usan tonalidades cada vez con más alteraciones. Compás muy claro y regido también por la armonía. Se amplía la orquesta y su rango dinámico. Cada vez se escribe en detalle una mayor variedad de dinámicas y articulaciones, dejando menos espacio a la interpretación del ejecutante.
34
•
CAPÍTULO 6. MÚSICA DEL CLASICISMO
Se usan formas estandarizadas (en particular la llamada forma sonata) pero con gran interés y variedad en la estructura interna de la música. Es en este periodo cuando se definen claramente las formas y estructuras en las que se basa la música culta occidental casi hasta nuestros días: la sonata, la sinfonía y el concierto clásico.
6.3 Periodos y autores de la música del Clasicismo
Una de las figuras decisivas en la fijación de la forma sonata fue el compositor italiano Domenico Scarlatti. El estilo de sus obras era innovador porque utilizaba estructuras claras, y melodías con acompañamientos cada vez más comprensibles para el oyente. Otro compositor influyente fue Christoph Willibald Gluck, reformador operístico que pretendió volver a una fusión de música y texto, restándole importancia a la improvisación de ornamentos típica del bel canto y atendiendo más a la modulación como forma de articular las escenas dramáticas. En el campo sinfónico fue fundamental la aportación de la Escuela de Mannheim, cuya orquesta de corte estuvo en la vanguardia de la técnica orquestal (cambios dinámicos espectaculares, introducción de los clarinetes...). A esta escuela pertenecieron Johann Stamitz, Franz Xaver Richter, Carl Stamitz, Franz Ignaz Beck y Christian Cannabich.
6.3.2 1750 a 1775
Johann Christian Bach , hijo de Johann Sebastian Bach
6.3.1 Los estilos preclásicos A mediados del XVIII convivieron diversas corrientes musicales. El Rococó o estilo galante, ejemplificado por Johann Christian Bach (hijo de Johann Sebastian Bach y conocido como el Bach de Londres ), se caracterizó por el paso de las texturas complejas a melodías claras con acompañamientos sencillos, y la creación de estructuras formales bien definidas con secciones claramente articuladas: una fusión de la claridad formal de la música francesa con las innovaciones armónicas y estructurales del estilo italiano, como las del sinfonista milanés Giovanni Battista Sammartini. En Alemania surgió el Empfindsamer Stil o estilo sentimental, que buscaba la expresión directa y natural de sentimientos, y que practicaron Wilhelm Friedemann Bach y Carl Philipp Emmanuel Bach ( el Bach de Berlín ), hijos ambos también de Johann Sebastian.
Joseph Haydn , retratado por Thomas Hardy
Para la década de 1750 las formas instrumentales como el concierto y la sinfonía (ésta originalmente la mera obertura de las óperas) habían ganado la suficiente fuerza como para ser interpretadas independientemente de la música vocal, y tenían gran aceptación en las cortes. El compositor del momento era Franz Joseph Haydn. Además de escribir sinfonías de estructura claramente clásica, escribió sonatas para pianoforte, el nuevo instrumento de teclado en plena fase de perfeccionamiento y que permitía mayores capacidades expresivas. Fue considerado también el gran creador del cuarteto de cuerda, pues sus obras para esta formación, de gran refinamiento melódico y armónico, dieron una importancia similar a los cuatro instrumentos y fijaron la forma, lo que contri-
35
6.4. LAS FORMAS MUSICALES DEL CLASICISMO
buyó a que el cuarteto quedase establecido hasta nuestros días.
6.3.4 Beethoven y el paso al Romanticismo
Hacia 1770 surgió elestilo llamado Sturm undDrang,inspirado en una especie de protorromanticismo literario del mismo nombre que podemos ejemplificar en el Werther de Goethe, y que en música produjo obras sinfónicas de ambiente trágico y apasionado, casi todas en modo menor, como algunas sinfonías de Haydn y C.P.E. Bach.
Una nueva generación de compositores formada por Johann Nepomuk Hummel, Luigi Cherubini y Ludwig van Beethoven comenzó a cobrar importancia. Formalmente, la sección de desarrollo de la forma sonata se hizo cada vez más compleja. También se complicaron los acompañamientos para crear texturas más ricas, y la armonía se volvió más flexible y elaborada. El piano ocupó un lugar central. Beethoven fue el que produjo los cambios más profundos en el estilo y por ello es considerado el responsable de la transición hacia el periodo romántico. Sus principales aportes fueron las innovaciones armónicas, y la búsqueda de una mayor expresividad. También fue un pionero en cuanto a la orquestación de sus sinfonías, ya que utilizó muchos instrumentos que no formaban parte de la orquesta y esto impulsó la ampliación de la misma.
6.3.3 1775 a 1790
6.4 Las formas musicales del Clasicismo En este periodo se establecen las principales formas musicales vigentes hasta entrado el siglo XX, y las estructuras que las rigen; entre estas estructuras se destaca la llamada forma sonata, implementada en los primeros movimientos de la mayoría de las formas musicales del momento (sonata propiamente dicha, cuarteto, sinfonía, etc.).
6.4.1 Formas instrumentales Las formas instrumentales del Clasicismo reciben su nombre según el conjunto al que están destinadas: •
Wolfgang Amadeus Mozart, en retrato póstumo de Barbara Krafft, 1819
El centro de gravedad de la música europea se situó en Viena, donde un joven compositor comienza a revolucionar la ópera y el concierto: Wolfgang Amadeus Mozart. Aunque se basó en los aportes de Haydn, Mozart prefería melodías más cantables, al estilo italiano. Además en sus obras se aprecian más cromatismos y otras modificaciones armónicas. En cuanto a la instrumentación, utiliza más variedad de instrumentos, en ricas combinaciones tímbricas.
•
•
•
La sonata está escrita para un instrumento solista (generalmente el piano), o bien para piano y un segundo instrumento (violín, flauta, etc.). El trío, el cuarteto, el quinteto... denominan a obras escritas respectivamente para tres, cuatro, cinco... instrumentos. Entre estas combinaciones quedan fijadas algunas plantillas fijas, como la del cuarteto de cuerda o el quinteto de viento. La serenata, el divertimento y la casación suelen estar escritas para un conjunto de tamaño medio (pequeña orquesta de cuerdas, banda de viento), para ser interpretados al aire libre. El concierto está escrito para un instrumento solista y orquesta.
En la década de 1780 Muzio Clementi adquiere prestigio La sinfonía es una obra escrita para orquesta sinfócon sus sonatas y estudios para piano. Este compositor nica. incentivó la extensión de la tesitura del instrumento, entre otras modificaciones que brindaron nuevas posibilidades. Todas estas obras son estructuradas de modo similar, toSimilar papel jugó para el violonchelo Luigi Boccherini, mando como modelo la sonata. Tiene esta tres o cuatro italiano afincado en España. movimientos: •
36
CAPÍTULO 6. MÚSICA DEL CLASICISMO
Los instrumentos y la orquesta en el Clasicismo Si bien la mayoría de los instrumentos sinfónicos ya existían desde el Barroco, muchos de ellos cambian y se adaptan a los nuevos requerimientos estilísticos y de composición de la época: así, los de viento aumentan el número de agujeros y llaves para adaptarse a las tonalidades con muchas alteraciones. Algunos instrumentos que surgen en este periodo sonel pianoforte, el arpeggioney el clarinete, mientras pierden vigencia casi hasta su extinción la viola da gamba, el clavicordio, la flauta dulce (que volverá a renacer en el siglo XX), el bajón y el laúd, entre otros. El fortepiano se impuso sobre el clave de tal forma que pasó a ocupar un lugar central en la música de cámara e incluso en los conciertos solistas. Este es un periodo clave también para la orquesta porque se configura la orquesta sinfónica como tal, por influencia de Mozart, Haydn y la escuela de Mannheim. De la orquesta de cámara heredada del Barroco se mantiene la sección de cuerdas como base, aunque esta es ampliada en número y suele complementarse con al menos un par de oboes y de trompas. Al avanzar el siglo queda fijada L'orchestre de l'opéra , cuadro de Edgar Degas , 1870. la sección de instrumentos de madera a dos: dos flautas traveseras, dosoboes,dosclarinetesy dos fagotes. La sección de metal solía incluir entre dos y cuatro trompas, dos En el primero se sigue un esquema con tres partes: trompetas (con timbales) y, ocasionalmente, uno o varios primero una exposición en la que el compositor nos trombones. Se abandona la práctica del bajo continuo, y presenta dos temas, uno enérgico, en la tonalidad con ello el clavecín en la orquesta, salvo para los recitatiprincipal, y otro más melódico, en la dominante o el vos operísticos. relativo mayor. En segundo lugar, el desarrollo, en el que se establece un conflicto entre los dos temas, que son fragmentados, transportados, variados... Fi- 6.4.2 La formas vocales nalmente la reexposición, en la que la tensión armónica se resuelve al volver a escucharse los temas iniciales en la misma tonalidad. •
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El segundo movimiento, lento, suele ser más melodioso, utilizándose la forma lied, de estructura ternaria y carácter lírico. El tercer movimiento tiene un carácter más desenfadado, generalmente en forma de minueto, danza de origen francés, o de scherzo (en el caso de Beethoven). En el cuarto movimiento se adopta casi siempre la forma rondó, que alterna un tema principal a modo de estribillo, en la tonalidad principal, con episodios en otros tonos.
En la sonata propiamente dicha los compositores solían prescindir a veces de alguno de los cuatro movimientos canónicos, a su elección. El concierto nunca tiene minueto, quedando por tanto estructurado siempre en sólo tres movimientos. Los divertimentos y serenatas, por el contrario, solían ampliar la secuencia habitual con algún movimiento suplementario.
Manuscrito del Requiem de Mozart : inicio del Lacrimosa
La ópera Ya desde inicios del siglo XVIII se había convertido en un fastuoso espectáculo de corte, a través del cual los monarcas y aristócratas exhibían su esplendor. Los temas se referían a la mitología y representaban grandes tragedias
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6.7. ENLACES EXTERNOS
lírico-heroicas, montadas con gran aparato: era la llamada ópera seria, cantada en italiano. Por el contrario, las clases sociales menos favorecidas contaban con su propio teatro musical, la ópera buffa, pequeñas actuaciones satírico-burlescas. De breve duración y argumento simple, recurren a la expresión directa en lenguaje coloquial y se sirven de dos o tres personajes solamente, reduciendo al máximo los elementos musicales, en los que desde luego están ausentes los coros y cobra la mayor importancia la melodía popular de fácil construcción. La ópera buffa ganó importancia y nivel artístico durante el Clasicismo, y aparecieron además versiones nacionales, escritas en la lengua local y con diálogos en lugar de recitativos, como el Singspiel en Alemania, la zarzuela en España y la opéra-comique en Francia.
La música religiosa Un gran número de compositores siguió adscrito al servicio de la Iglesia, y continuaron escribiendo por tanto formas religiosas como la misa y el motete, en general para orquesta, coro y solistas, y en un estilo deliberadamente arcaico. Un ejemplo muy conocido de este género es el Requiem de Mozart.
6.5 Véase también •
Primera Escuela de Viena
6.6 Bibliografía •
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Rosen, Charles (2009). El estilo clásico: Haydn, Mozart, Beethoven . Madrid: Alianza Música. ISBN 8420685291. de la Motte, Diether (1998). Tratado de armonía . Barcelona: Idea Books. ISBN 84-8236-105-8. Downs, Phillip G. (1998). La música clásica. La era de Haydn, Mozart y Beethoven . Akal Música. ISBN 978-84-460-0734-0. Grout, D.J. et al. (1993). Historia de la música occidental . (Dos tomos). Madrid: Alianza Música. ISBN 9788420664910 - ISBN 9788420664927. Michels, Ulrich (1982). Atlas de Música. (Dos tomos). Madrid: Alianza Atlas. ISBN 84-206-6999-7. Alsina, Pep; Frederic Sesé (1994). La música y su evolución (1ra edición). Editorial Graó. ISBN 847827-110-4. Robertson, A. Historia general de la música III . España: Editorial Istmo S.A. ISBN 84-7090-036-6.
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Suárez Urtubey, Pola (2004). Historia de la música . Claridad. ISBN 950-620-155-2. Honolka, Kurt; Reinhand, Kurt; Stäblein, Bruno; Enge, Hans; Netil, Paul (2005). Edaf, ed. Historia de la música . Madrid. ISBN 978-84-7166-198-2.
6.7 Enlaces externos •
Partituras gratuitas de W.A.Mozart
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Partituras gratuitas de Joseph Haydn
Capítulo 7
Pintura clasicista 7.1 El clasicismo romano-boloñés
Hipómenes y Atalanta , Guido Reni , versión h. 1615-1625 Las musas Clío, Euterpe y Talía , Eustache Le Sueur , h. 1640La línea clasicista fue seguida por los Carracci, el más 1645 , Museo del Louvre , París , ejemplo de aticismo.
destacado de los cuales fue Annibale Carracci, dando lugar al clasicismo romano-boloñés, tendencia que se opuso La pintura clasicista es una de las tendencias o corrien- al caravaggismo. Carracci pretendió restablecer el estilo tes pictóricas que se desarrolló en el siglo XVII y repre- de Rafael. sentaba una alternativa a la pintura barroca. Como reacción al manierismo de finales del siglo XVI, surgieron Esta tendencia nació en la ciudad universitaria de en Italia dos tendencias: el caravaggismo y el clasicismo. Bolonia, en un ambiente culto que buscaba una realidad Ambas se enmarcan cronológicamente dentro de la pintu- más intelectualizada que los caprichos manieristas. No ra barroca, pero sus características son distintas a las del obstante, no se decantan por el naturalismo a la manebarroco pleno, como señaló el historiador suizo Heinrich ra de Caravaggio, sino que buscan expresar una belleza ideal. Resultaba así un arte verosímil y noble, que no caía Wölfflin: en vulgaridades y que expresaba una gran serenidad. 1. Predominó el dibujo sobre el color;
Tuvo un gran éxito entre los eclesiásticos. Se realizaron frescos y también pintura de caballete.
2. El espacio se construye mediante planos sucesivos, Destaca la importancia que le dio a la naturaleza y al paisin las bruscas diagonales barrocas; saje, expresado con belleza, equilibrio y serenidad. Fue el precedente y origen de lo que después será el paisaje 3. Las obras son cerradas, no abiertas, con las figuras “clasicista” o “heroico”. colocadas en el centro de la composición; La obra maestra de Annibale Carracci fue la bóveda de 4. Las formas se distinguen nítidamente y son indepen- la Galería del Palacio Farnesio, en Roma (1597-1604), dendientes, a diferencia de la “subordinación al to- que realizó a imitación de la Capilla Sixtina. La influencia de esta galería, estilísticamente entre el renacimiento do” barroca; y el barroco, fue enorme. También se le considera el crea5. No hay aquí violentos contrastes ni actitudes exage- dor del paisaje clásico, en el que las figuras humanas son radas. meramente anecdóticas. 38
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7.3. ESCUELA DE LIEJA
Los Carracci fundaron una Academia, llamada primero de los Deseosos y luego de los Encaminados . Tenía como objetivo completar la formación de los pintores, no sólo mediante la técnica, sino también dotándoles de formación humanística y literaria. Muchos pintores formaron parte de la Academia. Los más conocidos son Domenichino, el boloñés Guido Reni y Francesco Albani. Autores posteriores se consideran de transición hacia el pleno barroco: Giovanni Lanfranco y Guercino. Cuando el resto de Italia trabajaba ya las formas del pleno barroco, el clasicismo sobrevivía en la obra de Andrea Sacchi, Giovanni Francesco Romanelli y Carlo Maratta.
7.2 El clasicismo francés Así como el tenebrismo tuvo éxito en la Francia de provincias, el clasicismo arraigó en la corte y en París, entre un público de aristócratas y la alta burguesía. El clasicismo francés de la época de Luis XIII estuvo dominado por las figuras de dos artistas que trabajaban en Roma: Nicolas Poussin y Claudio Lorena. De este último se destacan sobre todo los paisajes, que influyó en el romanticismo. Tanto Poussin como Lorena satisfacían ante todos los gustos de los coleccionistas franceses, especialmente de Richelieu y Mazarino, que adquirían sus obras.
tístico del Rey Sol. Fue nombrado Primer Pintor del Rey en 1664, y dirigió los trabajos de Versalles. Otros artistas destacados son Pierre Mignard, Antoine Coypel, Jean Jouvenet y Charles de la Fosse. •
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El triunfo de Flora , Nicolas Poussin, h. 1627-1629, óleo sobre lienzo, 165 × 241 cm, Museo del Louvre, París. Paisaje con el embarque de Santa Paula en Ostia , Claude Lorrain, 1639-1640, óleo sobre lienzo, 211 × 145 cm, Museo del Prado, Madrid. Retrato de la Madre Arnauld y de la hija del pintor. Exvoto, Philippe de Champaigne, 1662, Museo del Louvre, París. El canciller Séguier , Charles Le Brun, h. 1670, óleo sobre lienzo, 295 × 351 cm, Museo del Louvre, París.
7.3 Escuela de Lieja
En Flandes se desarrolló un estilo clasicista en torno a la escuela de Lieja, opuesta a la de Amberes. El principal representante de esta tendencia fue Gérard de Lairesse. Otros pintores que pueden enmarcarse dentro de ella son: Berthollet Flémalle, Jean-Guillaume Carlier, Englebert Otro pintor que también desarrolló su carrera en Roma, Fisen y Lambert Blendeff. pero cuyas obras se adquirían en Francia, fue Gaspard Dughet. En ParístrabajaronLaurent de La Hyre y Jacques Stella. A mediados de siglo la corriente dominante fue el aticismo, estilo caracterizado por sus peculiares refinamientos. Representan esta tendencia Eustache Le Sueur, Sébastien Bourdon, Nicolas Loir (1624-1679) y Nicolas Chaperon. En la corte francesa se cultivó igualmente el retrato, destacando sobre todo en este punto la figura de Philippe de Champaigne, que cultivo tanto el retrato sencillo, íntimo, de gran penetración psicológica, como el cortesano, en que que se presentan a los reyes y las grandes figuras con todo su esplendor. El retrato de corte suele ser de pie, con accesorios como columnas o cortinajes. Esta segunda línea fue cultivada por retratistas como Hyacinthe Rigaud y Nicolas de Largillière. Durante el reinado de Luis XIV, el clasicismo se identificó con el “gran gusto”, siendo la figura más influyente fue Charles Le Brun, que marcó el estilo oficial de la época. A este respecto fue determinante la creación, en 1648, de la Academia Real de Bellas Artes, con lo que se creaban unas líneas artísticas oficiales al servicio de la monarquía. La Academia estableció una jerarquía de géneros, dentro de la cual el paisaje ocupaba el último lugar. Aunque el iniciador es considerado Simon Vouet, antiguo tenebrista, es sin duda Le Brun la figura académica por excelencia, y quien mejor supo defender el ideal ar-
7.4 Referencias •
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Carrassat, P.F.R. y Marcadé, I., Movimientos de la pintura, Spes Editorial, S.L., 2004. ISBN 84-8332596-9. Maneyre-Dagen, N., Leer la pintura , Spes Editorial, S.L., 2005. ISBN 84-8332-598-5. Pérez Sánchez, A.E., en Historia del Arte, Anaya, Madrid, 1986. ISBN 84-207-1408-9.
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CAPÍTULO 7. PINTURA CLASICISTA
7.5 Text and image sources, contributors, and licenses 7.5.1 Text •
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Clasicismo Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Clasicismo?oldid=77679219 Colaboradores: Oblongo, JorgeGG, Lourdes Cardenal, Deleatur, Soulreaper, Magister Mathematicae, RobotQuistnix, Yrbot, FlaBot, Varano, Vitamine, YurikBot, Eloy, Ketamino, BOTpolicia, JMCC1, Efegé, Durero, Rastrojo, Gafotas, Resped, Thijs!bot, Alvaro qc, Yeza, RoyFocker, Ángel Luis Alfaro, Guille, JAnDbot, Joane, Kved, Lecuona, TXiKiBoT, Humberto, Netito777, Ale flashero, 1976juaneduardo, Phirosiberia, Pólux, Biasoli, Bucephala, Cinevoro, VolkovBot, Technopat, Queninosta, Erfil, Matdrodes, House, BlackBeast, Lucien leGrey, Amitie 10g, Muro Bot, Gerakibot, Jmvgpartner, SieBot, NapoliAzzurro, Sageo, Marcelo, Manwë, Tirithel, Javierito92, HUB, Antón Francho, Sergio melon, Nicop, Eduardosalg, Pablo323, PMCeballos, Nelson Adolfo Granados Uribe, Açipni-Lovrij, Ravave, UA31, AVBOT, Coyau, Adalberti, MastiBot, Ialad, SpBot, Diegusjaimes, HangVu, Arjuno3, Andreasmperu, Luckas-bot, Nallimbot, Boto a Boto, Latiniensis, Guimis, Draxtreme, ArthurBot, Xqbot, Jkbw, Dreamerbcn, Ricardogpn, Igna, Botarel, Mafret, Halfdrag, IJPC, AnselmiJuan, M1tmex, PatruBOT, Angelito7, TjBot, LicMartineaux, Jorge c2010, Edslov, EmausBot, Rubpe19, Antonorsi, MerlIwBot, Jaluj, MINORU97, Invadibot, RavenJmnz, Xaquiles, Érico Júnior Wouters, Angie.ramirez505, Helmy oved, Raquelportela, Legobot, Anarkist-sniper, Ssecertor, Joiedsre, Balles2601, JacobRodrigues, JAN WON y Anónimos: 221 Neoclasicismo Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Neoclasicismo?oldid=77772917 Colaboradores: AstroNomo, Antfern, JorgeGG, Lourdes Cardenal, ManuelGR, Vivero, Tony Rotondas, Rosarino, Aromera, Dodo, Sms, Cookie, Tostadora, Murphy era un optimista, Erri4a, Fernando de Miguel, Robotico, Ecemaml, Desatonao, FAR, Slriveros, Petronas, Airunp, Emijrp, Rembiapo pohyiete (bot), LP, Drini2, RedTony, Platonides, Alhen, Chobot, Pabloab, Caiserbot, Yrbot, Amadís, Varano, Vitamine, Mortadelo2005, Gaeddal, Ferbr1, KnightRider, Gothmog, Azranath, Kabri, 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Oriolhernan, Teo5188, Eduardosalg, Veon, Leonpolanco, Furti, Petruss, Poco a poco, Rαge, Nelson Adolfo Granados Uribe, AçipniLovrij, Osado, Nacho1989, Camilo, UA31, AVBOT, Elliniká, David0811, LucienBOT, A ver, Angel GN, Ialad, Ezarate, Diegusjaimes, Davidgutierrezalvarez, Arjuno3, Saloca, Andreasmperu, Spirit-Black-Wikipedista, Wikisilki, Centroamericano, Roinpa, FariBOT, El gato Félix, Dangelin5, Jorge 2701, Dani-primero, ArthurBot, NobelBot, SuperBraulio13, Manuelt15, Xqbot, Jkbw, Dreitmen, Cally Berry, Ricardogpn, Macucal, Igna, Alex299006, Botarel, BOTirithel, Halfdrag, RedBot, Enrique Cordero, Endriago, Leugim1972, AlemanI2.0, Jembot, PatruBOT, KamikazeBot, Nenuco1971, Alph Bot, Ripchip Bot, HermanHn, Jorge c2010, Foundling, Wikiléptico, DeMoNiAnG, Edslov, EmausBot, Juantwo, Savh, AVIADOR, ZéroBot, Allforrous, Wackon, Africanus, Rubpe19, Emiduronte, Jcaraballo, ChuispastonBot, Waka Waka, Daimond, JrhH123, OAV, KLBot2, TeleMania, AvicBot, Sebrev, An7to7nio, Jaygstar, Travelour, Invadibot, Lfgg2608, Felix17, DerKrieger, Gusama Romero, Taringanovato, Ileana n, ARPASHL, SaverKnight, LlamaAl, Érico J únior Wouters, Elvisor, Gaard van der Pol, DanielithoMoya, Cayabí, Dkobotero, MahdiBot, NxoMontiel, Helmy oved, Napier, Syum90, KevinSolorza123, Nikoariza, Addbot, Mettallzoar, Balles2601, Huber0616, Roger de Lauria, Mr. Violín, Javijaviole, Pmadridmartinez, Rafael lupercio 99, Catiss24, Matiia, SirSeñorDonPatch y Anónimos: 677 Arquitectura neoclásica Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura_neoclásica?oldid=77685497 Colaboradores: Oblongo, SimónK, Soulreaper, Petronas, Airunp, BOT-Superzerocool, Vitamine, CEM-bot, JMCC1, Baiji, Gafotas, Dorieo, Ángel Luis Alfaro, Cpant23, Jdvillalobos, JAnDbot, CommonsDelinker, Humberto, Urdangaray, RaizRaiz, Technopat, Muro Bot, Sageo, Anual, BOTarate, Furado, Tyk, Pablo.ea.92, Gadubegia, AVBOT, LucienBOT, Diegusjaimes, Arjuno3, Luckas-bot, Aacugna, SuperBraulio13, Xqbot, Jkbw, Rodolfo corona ramírez, Botarel, Googolplanck, BOTirithel, Angelito7, MerlIwBot, KLBot2, GtPLzcat89, Elvisor, DanielithoMoya, Totemkin, Blueslocal, Cuspiro y Anónimos: 50 Pintura neoclásica Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_neoclásica?oldid=77041836 Colaboradores: Petronas, Escarlati, Dorieo, Mpeinadopa, Joane, CommonsDelinker, Technopat, Nolan, Muro Bot, Marcelo, Espilas, Copydays, Eduardosalg, Leonpolanco, Alonso de Mendoza, Diogeneselcinico42, Botarel, TiriBOT, Miss Manzana, Vinicius10, Grillitus, Jebulon, Waka Waka, Anthea84, KLBot2, ARPASHL, Grunge61, JacobRodrigues y Anónimos: 19 Escultura neoclásica Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_neoclásica?oldid=77104333 Colaboradores: Magister Mathematicae, CommonsDelinker, MarisaLR, Technopat, Copydays, Kikobot, Arjuno3, FrescoBot, Botarel, HUBOT, Grillitus, Johnbot, Elvisor, Helmy oved, Blueslocal y Anónimos: 6 Música del Clasicismo Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Música_del_Clasicismo?oldid=77364243 Colaboradores: Joseaperez, Lourdes Cardenal, Rosarino, Ma rcus2, Tostadora, Tano4595, Mandramas, Fmariluis, Balderai, Petronas, Alex Coiro, Yrithinnd, Taichi, Emijrp, Magister Mathematicae, Orgullobot, RobotQuistnix, Alhen, Chobot, Caiserbot, Hieishin, Yrbot, Vitamine, Wiki-Bot, Lobillo, KnightRider, KRONOS, Santiperez, Ppja, Maldoror, IfAny, Camima, Nihilo, Aleator, BOTpolicia, Juandelenzina, CEM-bot, Jorgejhms, Laura Fiorucci, Ignacio Icke, Durero, Xexito, Eli22, Baiji, Rastrojo, Antur, Subitosera, Gafotas, Thijs!bot, Maxisi, Roberto Fiadone, Escarbot, RoyFocker, LMLM, Isha, Hanjin, MSBOT, Góngora, JAnDbot, VanKleinen, Kved, Lecuona, L'AngeGardien, Zufs, TXiKiBoT, Kutastha, Humberto, Netito777, Ale flashero, Algarabia, Phirosiberia, Pólux, BL, Feandir, Dhidalgo, Marco94, Sesaro, Manuel Trujillo Berges, Bucephala, Cipión, Cinevoro, Urdangaray, WarddrBOT, Snakeyes, Technopat, Raystorm, Globalphilosophy, Matdrodes, Lucien leGrey, Fillbit, Gamaxl, Muro Bot, J.M.Domingo, Bucho, Racso, Ctrl Z, PaintBot, Ensada, Macarrones, Carmin, Obelix83, Cobalttempest, NapoliAzzurro, Novellón, BOTarate, Oarevalo 07, OboeCrack, Manwë, Ugly, Greek, Mafores, Semiramide, Knightedg, Tirithel, Jarisleif, Chevictor, Javierito92, HUB, Nicop, Eduardosalg, Pan con queso, Furti, BetoCG, Valentin estevanez navarro, MauriManya, Sony9, Franysuviola, Kadellar, Oc2000, Camilo, AVBOT, David0811, Dermot, LucienBOT, Wmhoracio, Angel GN, Pling, Diegusjaimes, Luckas Blade, Arjuno3, Andreasmperu, FariBOT, DiegoFb, Christopher Simpson, Fransfrc, Dangelin5, Latiniensis, Snowolf, REBELDE3000, Arkhantos, Clavedefa, Nixón, Bankai, Asiderisas, Autodidacta2, SuperBraulio13, Parlamento, Ph z m yeah, Xqbot, Jkbw, Dreitmen, Dossier2, Igna, Alex299006, Botarel, BOTirithel, Halfdrag, Leugim1972, PatruBOT, Nenuco1971, Foundling, GrouchoBot, Savh, AVIADOR, Allforrous, Rubpe19, Antonorsi, Nitban, MerlIwBot, Lydia vega, Johnbot, Asqueladd, Alberto N. Moreyra, MaKiNeoH, Addbot, Joiedsre, Balles2601 y Anónimos: 404
7.5. TEXT AND IMAGE SOURCES, CONTRIBUTORS, AND LICENSES
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Pintura clasicista Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_clasicista?oldid=75654784 Colaboradores: Dianai, Petronas, RoyFocker, Ángel Luis Alfaro, Joane, CommonsDelinker, Humberto, Technopat, X iscobernal, Copydays, LucienBOT, Diegusjaimes, Flizzz, Outisnn, SuperBraulio13, Sammyday, Halfdrag, Elulene, LlamaAl, Elvisor y Anónimos: 7
7.5.2 Images •
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Bibliothèque nationale de France lien/link ici/here Artista original: Desconocido http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/4e/ Fuente: Archivo:FuseliArtistMovedtoDespair.jpg FuseliArtistMovedtoDespair.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Web Gallery of Art:
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Info about artwork Artista original: Johann Heinrich Füssli Archivo:Giorgione_-_Sleeping_Venus_-_Google_Art_Project_2.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/86/ Giorgione_-_Sleeping_Venus_-_Google_Art_Project_2.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Google Art Project: Home – pic Maximum resolution. Artista original: Giorgione Archivo:Guido_Reni_-_Atalanta_e_Ippomene_(Napoli).jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/5a/Guido_ Reni_-_Atalanta_e_Ippomene_%28Napoli%29.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH. Artista original: Guido Reni Archivo:Haydn_portrait_by_Thomas_Hardy_(small).jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/21/Haydn_ portrait_by_Thomas_Hardy_%28small%29.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: www.vanslageren.nl Artista original: Thomas Hardy (1757-hacia 1805) Archivo:Intérieur_du_Panthéon.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/82/Int%C3%A9rieur_du_Panth% C3%A9on.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: ? Artista original: ? Archivo:IruñaKatedrala.JPG Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/3d/Iru%C3%B1aKatedrala.JPG Licencia: Public domain Colaboradores: ? Artista original: ? Archivo:Jasão_e_o_Velo_de_ouro_-_Bertel_Thorvaldsen_-_1803.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/ commons/0/0e/Jas%C3%A3o_e_o_Velo_de_ouro_-_Bertel_Thorvaldsen_-_1803.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Image:ThorvaldsensJason.jpg Artista original: Bertel Thorvaldsen Archivo:Jean_Auguste_Dominique_Ingres_-_The_Spring_-_Google_Art_Project_2.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/ wikipedia/commons/4/46/Jean_Auguste_Dominique_Ingres_-_The_Spring_-_Google_Art_Project_2.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Google Art Project: Home – pic Maximum resolution. Artista original: Jean Auguste Dominique Ingres
7.5. TEXT AND IMAGE SOURCES, CONTRIBUTORS, AND LICENSES
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Archivo:Johann_Christian_Bach.jpeg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/2d/Johann_Christian_Bach.jpeg Licencia: Public domain Colaboradores: Art Renewal Center – description Artista original: Thomas Gainsborough Archivo:Johann_Joachim_Winckelmann_(Anton_von_Maron_1768).jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/ commons/6/6b/Johann_Joachim_Winckelmann_%28Anton_von_Maron_1768%29.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: http://kunstfreunde-weimar.de/kusa/web/de/presse/down/fotos/winkelmann.jpg Artista original: Anton von Maron Archivo:Johann_Joachim_Winckelmann_(Raphael_Mengs_after_1755).jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/ commons/d/d5/Johann_Joachim_Winckelmann_%28Raphael_Mengs_after_1755%29.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: http://www.metmuseum.org/toah/ho/09/euwc/hod_48.141.htm Artista original: Anton Raphael Mengs Archivo:Karek_van_Manden_Garden_of_Love.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/9e/Karek_van_ Manden_Garden_of_Love.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: [1] Artista original: Karel van Mander Archivo:La_Madeleine_de_París.JPG Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/ea/La_Madeleine_de_Par%C3% ADs.JPG Licencia: CC-BY-SA-2.5 Colaboradores: ? 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Artista original: Nicolas Poussin Archivo:Palacio_de_Goyeneche_-_Real_Academia_de_Bellas_Artes_de_San_Fernando.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/ wikipedia/commons/8/8c/Palacio_de_Goyeneche_-_Real_Academia_de_Bellas_Artes_de_San_Fernando.jpg Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: Trabajo propio Artista original: Carlos Delgado Archivo:Palais_justice_Lyon5_fr.JPG Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f3/Palais_justice_Lyon5_fr.JPG Licencia: Public domain Colaboradores: own work Artista original: Alorange Archivo:Palladio_Rotonda_seccion_Scamozzi_1778.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/91/Palladio_ Rotonda_seccion_Scamozzi_1778.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: ? Artista original: ? Archivo:Pauline_Borghese.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/44/Pauline_Borghese.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Transferred from de.wikipedia; originally from: Alfred Gotthold Meyer, Canova, Bielefeld & Leipzig, 1898, p. 49 Artista original: Desconocido, uploader was Katanga at de.wikipedia Archivo:Perseus_Canova_Pio-Clementino_Inv969.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/ec/Perseus_ Canova_Pio-Clementino_Inv969.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Marie-Lan Nguyen (2009) Artista original: Antonio Canova Archivo:Peyron_Cornelia.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/de/Peyron_Cornelia.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: http://galatea.univ-tlse2.fr/pictura/UtpicturaServeur/GenerateurNotice.php Artista original: Jean-François-Pierre Peyron Archivo:Place_de_la_concorde_bordercropped.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/41/Place_de_la_ concorde_bordercropped.jpg Licencia: CC-BY-SA-2.5 Colaboradores: ? Artista original: ? Archivo:Prokudin-Gorskii-09.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/04/Prokudin-Gorskii-09.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Esta imagen está disponible en la División de Impresiones y Fotografías de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos bajo el código digital ppmsc.03973. Esta etiqueta no indica el estado de copyright del trabajo adjunto. Es necesario una etiqueta normal de copyright. Para más información vea Commons:Sobre las licencias. Artista original: Serguéi Prokudin-Gorski
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Archivo:Psyche_revived_Louvre_MR1777.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/d/d3/Psyche_revived_ Louvre_MR1777.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Jastrow (2007) Artista original: Antonio Canova (Italian, 1757–1822) Archivo:Renaissances_houses_in_Zamość.JPG Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/6e/Renaissances_houses_ in_Zamo%C5%9B%C4%87.JPG Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: Trabajo propio Artista original: Pudelek (Marcin Szala) Archivo:Rude-mercury.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/ac/Rude-mercury.jpg Licencia: CC-BY-SA-3.0 Colaboradores: Ricardo André Frantz (User:Tetraktys), 2006 Artista original: François Rude (1784-1855) Archivo:Rude_Marseillaise.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f0/Rude_Marseillaise.jpg Licencia: CCBY-SA-3.0 Colaboradores: From en wiki; uploaded to w:File:Rude Marseillaise.JPG. Artista original: François Rude photo taken by Tom Radulovich
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Info about artwork Artista original: Jacques-Louis David Archivo:David_-_Napoleon_crossing_the_Alps_-_Malmaison1.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/31/ David_-_Napoleon_crossing_the_Alps_-_Malmaison1.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: http://www.histoire-image.org/site/ oeuvre/analyse.php?i=437 (http://www.histoire-image.org/photo/zoom/ben11_david_001f.jpg) Artista original: Jacques-Louis David Archivo:Degas_l'orchestre.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/34/Degas_l%27orchestre.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: ? Artista original: ? Archivo:Detail_from_Sigismund’{}s_Chapel_1535.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/c5/Detail_from_ Sigismund%27s_Chapel_1535.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: scanned from Tematy muzyczne w plastyce polskiej, PWM Warsaw, Poland, 1956 Artista original: sculptor Hans Vischer, 1535, photographer S. Kolowca, 1956 Archivo:Diego_Velaquez,_Venus_at_Her_Mirror_(The_Rokeby_Venus).jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/ commons/4/48/Diego_Velaquez%2C_Venus_at_Her_Mirror_%28The_Rokeby_Venus%29.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Desconocido Artista original: Diego Velázquez Archivo:Edouard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project_4.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/7c/ Edouard_Manet_-_Olympia_-_Google_Art_Project_4.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Google Art Project: Home - pic Maximum resolution. Colours edited by uploader Artista original: Édouard Manet Archivo:Escultura_Carlos_IV_+_Palacio_de_Minería.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/16/Escultura_ Carlos_IV_%2B_Palacio_de_Miner%C3%ADa.jpg Licencia: CC-BY-SA-4.0 Colaboradores: Trabajo propio Artista original: ProtoplasmaKid Archivo:Eustache_Le_Sueur_002.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/15/Eustache_Le_Sueur_002.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH. Artista original: Eustache Le Sueur Archivo:Francisco_de_Goya_y_Lucientes_-_The_Nude_Maja_(La_Maja_Desnuda)_-_WGA10044.jpg Fuente: http://upload. wikimedia.org/wikipedia/commons/a/a0/Francisco_de_Goya_y_Lucientes_-_The_Nude_Maja_%28La_Maja_Desnuda%29_-_ WGA10044.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Web Gallery of Art: 
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Info about artwork Artista original: Francisco de Goya Archivo:François-Edouard_Picot_BNF_Gallica.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/68/Fran%C3% A7ois-Edouard_Picot_BNF_Gallica.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Bibliothèque nationale de France lien/link ici/here Artista original: Desconocido http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/4e/ Fuente: Archivo:FuseliArtistMovedtoDespair.jpg FuseliArtistMovedtoDespair.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Web Gallery of Art: 
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Info about artwork Artista original: Johann Heinrich Füssli Archivo:Giorgione_-_Sleeping_Venus_-_Google_Art_Project_2.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/86/ Giorgione_-_Sleeping_Venus_-_Google_Art_Project_2.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Google Art Project: Home – pic Maximum resolution. Artista original: Giorgione Archivo:Guido_Reni_-_Atalanta_e_Ippomene_(Napoli).jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/5a/Guido_ Reni_-_Atalanta_e_Ippomene_%28Napoli%29.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH. Artista original: Guido Reni Archivo:Haydn_portrait_by_Thomas_Hardy_(small).jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/21/Haydn_ portrait_by_Thomas_Hardy_%28small%29.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: www.vanslageren.nl Artista original: Thomas Hardy (1757-hacia 1805) Archivo:Intérieur_du_Panthéon.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/82/Int%C3%A9rieur_du_Panth% C3%A9on.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: ? Artista original: ? Archivo:IruñaKatedrala.JPG Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/3/3d/Iru%C3%B1aKatedrala.JPG Licencia: Public domain Colaboradores: ? Artista original: ? Archivo:Jasão_e_o_Velo_de_ouro_-_Bertel_Thorvaldsen_-_1803.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/ commons/0/0e/Jas%C3%A3o_e_o_Velo_de_ouro_-_Bertel_Thorvaldsen_-_1803.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Image:ThorvaldsensJason.jpg Artista original: Bertel Thorvaldsen Archivo:Jean_Auguste_Dominique_Ingres_-_The_Spring_-_Google_Art_Project_2.jpg Fuente: http://upload.wikimedia.org/ wikipedia/commons/4/46/Jean_Auguste_Dominique_Ingres_-_The_Spring_-_Google_Art_Project_2.jpg Licencia: Public domain Colaboradores: Google Art Project: Home – pic Maximum resolution. Artista original: Jean Auguste Dominique Ingres