PERIODO CLASICO (1750-1820)
Imagen 1. La Familia Mozart durante su viaje: Leopold (su padre), interpretando el violín; Wolfgang Amadeus, al clavecín y Nannerl (su hermana), cantando. Acuarela de Louis Carrogis Carmontelle hacia 1763.
Línea de Tiempo – Período Clásico (1750-1820) Música C.P.E Bach: Versuch über die wahre Art das Klavier zu spielen
Arte y Literatura 1750
Diderot y otros comienzan la enciclopedia
Muere Scaraltti Muere Haendel Gluck: Orfeo
Voltaire: Candide
Haydn, Kapellmeister al servicios de los Esterházy Boccherini se establece como compositor de cámara en Madrid
Fragonard: El columpio
Mozart visita Mannheim y Paris
1775
Haydn: Cuarteto de cuerda op. 33 Mozart: Las bodas de fígaro Mozart: La flauta mágica Muere Mozart (35) Haydn: Sinfonías 99 - 104 Haydn: La creación Beethoven: Sinfonía n.º3 Beethoven: Fidelio
Rosseau: Discurso sobre la desigualdad
Independencia de America Beaumarchais: Le marriage de Figaro
Kant: Critica a la razón pura
Reynolds: Master Hare Blake: Sons of Innocence
Revolución francesa
1800
Compra de Lousiana Schiller: Guillermo Tell
Beethoven: Sinfonía n.º5 Muere Haydn Rossini: El Barbero de Sevilla Weber: Der Freischütz Beethoven: Sinfonía coral Mendelssohn: Obertura del Sueño de una noche de verano Beethoven: últimos cuartetos de cuerda. Muere Weber (39) Muere Beethoven (53)
Historia y Filosofía
Goethe: Fausto, parte I; Friedrich: Invierno
Napoleón invade Rusia
Byron: Childe Harold Austen: Pride and Prejudice Goya: Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808
Batalla de Waterloo; Congreso de Viena Schopenhauer: El mundo como voluntad Hegel: Filosofía del derecho Liberación de Sudamérica (Bolívar y San Martín)
1825
La Música en el período Clásico El término “clásico” es generalmente utilizado para referirse a una obra de arte que, sea por su maestría o perfección, es tomada como modelo de excelencia. También, en el ámbito musical, se lo utiliza para designar la música erudita, en contraposición con la música popular. Pero, para la historia de la música, “clásico” es la producción musical que corresponde al periodo que abarca desde 1750 hasta 1820 aproximadamente, y que posee una estética y estilos determinados. En la historia del arte, éste período de tiempo se denomina “neoclasicismo” porque esta basado en un redescubrimiento de la antigüedad clásica, es decir, la cultura grecorromana, pero, en la música no existió un clasicismo original, ya que no había quedado escrita ninguna música de la época griega o romana. Los cambios dados en la música en esta etapa están más relacionados con los movimientos filosóficos y sociales que ocurrían en aquel entonces. El paso del barroco al periodo clásico se desarrolla en diferentes estadios a partir del estilo galante francés y la opera bufa, que conforman la etapa del rococó musical (1750 – 1760) o preclásica y conducen al periodo clásico a través del estilo sentimental (empfindsamer Stil). Es en este periodo cuando se definen claramente las estructuras musicales de la sonata, la sinfonía y el concierto clásico, los cuales siguen vigentes aun en la actualidad. Los nuevos ideales son producto del movimiento intelectual de la ilustración, en parte ya iniciada por los descubrimientos de Descartes, Galileo y Newton; el racionalismo y el humanismo se imponen al tiempo que el misticismo y la superstición van en retroceso. Entre los objetivos del movimiento, la idea de que la cultura debía ahora incluir a las clases medias y el arte enriquecer la vida humana.
Carl Philipp Emanuel Bach Aprendió a componer y a tocar los teclados con su padre, estudio leyes y posteriormente ocupó distintos cargos como músico hasta que, tras la muerte de Telemann, se lo nombró director de cinco iglesias principales de Hamburgo, una ciudad centro de intelectuales. En su “ensayo sobre la verdadera manera de tocar los instrumentos de teclado” (1753), trata cuestiones técnicas, así también como estéticos, siendo lo principal la expresividad. Fue la figura clave en la creación del empfindsamer Stil o estilo sentimental Alemán, por el cual, lo mas importante de todo es la transmisión de una emoción intensa y definible. La música de C.P.E. Bach será una referencia para Haydn.
Las ideas desarrolladas en ese entonces, se oponían a la complejidad, ornamentación, dramatismo y retórica del barroco, los principios serán lo simple y sencillo. Se consideraba bello lo natural, proporcionado, armonioso, y lo fácilmente comprensible. Así, en el estilo galante, lo melódico se sitúa en primer plano: tienden a ser melodías simples, ligeras y accesibles a los oyentes, alejadas de los discursos recargados del barroco, y, las armonías, un acompañamiento sencillo. El instrumento ideal para una melodía galante era la voz humana, o la flauta traversa, apreciada por su sonido suave y refinado. Las melodías constaban de frases sencillas y regulares, agradablemente predecibles, con un acompañamiento de continuo que no distrajera de la melodía. En este estilo, sencillo en lo que refiere a la sustancia musical, es tarea del interprete buscar la máxima expresividad, y, es con las obras de los grandes compositores de la época, Haydn y Mozart, que se enriquecerá la música, aún conservando el ideal de lo simple y sencillo.
Johann Christian Bach Estudio con su hermano mayor C.P.E. Bach y finalizó sus estudios en Italia, lugar donde se convirtió al catolicismo, rompiendo la tradición luterana de la familia Bach. Su música es un reflejo de los primeros rasgos del estilo galante, con melodías claras y cantables, y formas musicales bien proporcionadas. A diferencia de las composiciones de su hermano mayor, C.P.E. Bach, que resultan apasionadas, J.C. Bach es refinado y cortes. Esta música y estilo será fuente de inspiración para Mozart.
Los conciertos públicos aumentan significativamente, así también como el número de músicos aficionados, que brindan conciertos para su propio deleite y el de sus amigos. El concepto del público que comenzaba a asistir a los conciertos era reciente y llevo a replantear las composiciones musicales. Era necesario que las piezas tuvieran un forma lógica y claramente perceptible, que mantuviera la atención y el interés de los oyentes; El desarrollo de estos conceptos da lugar a la forma sonata y otras formas cercanas de estructuras siempre regulares. Las operas se vuelven mas ligeras y mundanas, se simplifican los diálogos y la música, y se diversifica en cuanto a las lenguas, siendo cada vez mas accesible al público. El principal representante de este cambio de estilo fue el compositor Christoph Gluck. A su vez, en este contexto, se desarrolla la opera bufa, que se trata de una comedia, en contraparte con la ópera dramática u ópera seria. Respecto de los instrumentos, los laúdes, flautas dulces y órgano barroco caen en desuso en esta etapa. Coexiste el clave con la aparición de los primeros pianofortes (piano). El violín continuó como instrumentos solista y de virtuosismo, al igual que el cello que abandono la tarea de bajo continuo. Las violas, en cambio, pasaron a un papel secundario. Hacia el final del período aparece el clarinete, el cual, cobra gran importancia.
Imagen 2. Familia de Clarinetes. De izquierda a derecha: requinto en mi bemol, clarinete en do; clarinete en si bemol (el habitual); clarinete en la; clarinete alto en mi; corno di basetto; clarinete bajo en si bemol; clarinete contrabajo en si bemol.
Características generales del estilo / innovaciones técnicas: • • • • • • • •
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Melodías simples con poca ornamentación, frases y métrica regular, armonías sencillas de acompañamiento. Predomina la textura de melodía acompañada. El bajo continuo deja de utilizarse y surge el acompañamiento de acordes en forma de arpegios. Las composiciones tienen estructuras claras. Se desarrolla la estructura de la forma sonata. La cualidad del intérprete mas valorada es la expresividad y su capacidad de transmitir emociones de manera simple y bella. Se abandonan los ritmos libres. Los ritmos son todos marcados, aunque, se admite flexibilidad. Los contrastes del barroco (fuerte - piano) se abandonan por la dinámica crescendo y decrescendo. El minué es la danza preferencial de la clase burguesa, también con una estructura definida. La nueva formación orquestal es sinfónica, diferenciando las cuerdas de los vientos, y reemplazando la formación del concerto barroco. Se desarrolla la formación instrumental del cuarteto de cuerdas.
Compositores destacados: Preclasicismo: Clasicismo: Transición al Romanticismo:
C. P. E. Bach, J. C. Bach, Gluck Mozart, Haydn Beethoven
Los géneros instrumentales La mayoría de los géneros instrumentales del barroco se extinguieron, perduraron las variaciones, fantasías y danza individuales para teclado, pero, el género que sí se desarrollo y pasó a ser el más importante fue la sonata. Se las denominaba sonatas cunado se trataba de un instrumentos solista y teclado, cuando abarcaba grupos de instrumentos se las llamaba acorde al numero de interpretes necesarios, es decir, trío, cuarteto, quinteto, etc. Los géneros orquestales más importantes eran el concierto, del concierto a solo barroco, y la sinfonía derivada de la sinfonía de ópera italiana, u obertura, y del concierto para orquesta. A diferencia del concierto, la sinfonía, carecía de una división entre solista y orquesta, hasta la aparición de la sinfonía concertante, generalmente, escrita para varios solistas. En las obras en tres movimientos, el primero y el último solían ser rápidos y el intermedio lento, a menudo en una tonalidad cercana; las sinfonías y cuartetos más tardíos tenían con frecuencia cuatro movimientos, agregando por lo general un movimiento de minueto después (o en ocasiones antes) del movimiento lento.
La estructura de la forma sonata La forma típica del primer movimiento de una sonata, obra de cámara o sinfonía del periodo clásico, se conoce hoy como forma sonata. Desde el siglo XIX, esta forma ha sido considerada sobre todo en términos de varios temas dispuestos conforme a una estructura en tres partes:
SECCIONES
-
-
-
EXPOSICION
TEMAS
A
TONALIDAD
T
DESARROLLO
B –
D
A+B+Z X
–
RECAPITULACIÓN A
D
T
B –
T
Exposición: generalmente esta sección se repite; presenta un primer tema A o grupo de temas musicales en el área de tónica (T). Posteriormente una pasaje de los mismos hacia la dominante o a la relativa mayor dan paso a un segundo tema B contrastante en región dominante (D). Desarrollo: esta sección puede contener modulaciones hacia varias tonalidades(X), esta basado en el material de los temas A y B en conjunto con nuevos materiales, diferentes combinaciones, variaciones o desarrollos de los mismos(A+B+Z). Es la sección contrastante entra la exposición y la recapitulación. El final en dominante hacia la tonalidad original da lugar a la recapitulación. Recapitulación: reexposición del material temático original A y B, ambos en el área tónica.
Sobre este esquema básico, pueden darse una introducción al comienzo, y una coda al final, generalmente basados en los mismos materiales temáticos principales.
Otras estructuras utilizadas en sonatas, obras de cámara y sinfonías -
Forma de sonata sin desarrollo, es una sonata que omite la repetición de la exposición, así también como la sección de desarrollo, resultando en una estructura A B. Forma de variación, de estructura binaria o de una única sección y dimensiones reducidas, con un tema seguido de diversas variaciones ornamentadas, por ejemplo A A’ A’’ o AB A’B’ A’’B’’. Forma de minueto o trío, consta de dos minuetos de estructura binaria (por ejemplo AB y CD), repitiendo el primero luego del segundo (llamado “trío”), generando el esquema ABA (AB CD AB). Forma de rondó, usual en movimientos finales, de estructura binaria o de una única sección, consta de un tema principal que es alternado con otros, resultando en un esquema ABACA o ABACADA.
Todas las formas de la época clásica muestran regularidad, frases agrupadas en secciones, y secciones agrupadas en estructuras. Todas utilizan la repetición y la variación, la progresión de tónica hacia la dominante y el retorno a la tónica, con preferencia el uso de tonalidades mayores por sobre la menores, y reexponiendo el material temático presentado al inicio en la tonalidad original.
Los cuartetos de cuerda La música de cámara del clasicismo, era usualmente para conjuntos de dos a cinco instrumentos, en particular, conjuntos únicamente de cuerdas. De estas agrupaciones se destaca el cuarteto de cuerdas integrado por dos violines, viola y violonchelo. Estas composiciones podían ser melodías para el violín, dejando al violonchelo como bajo y las demás cuerdas como relleno, o bien, cuartetos concertantes, el los cuales todas las voces tenían misma importancia y pasajes a solo. En ésta época, la música de cámara era pensada para el disfrute de los intérpretes y de sus acompañantes. El principal contribuyente en este género fue Haydn, quien, con aproximadamente 70 cuartetos, acuño el género del cuarteto de cuerdas, aún vigente en la actualidad. La mayoría de ellos, son de 4 movimientos, generalmente en el orden rápido-lento-minué-rápido, a veces alternando el minué con el movimiento lento. Presenta forma sonata el primero de los movimientos, frecuentemente el lento y, también, el movimiento (sonata rondó). Esta característica es similar en los conciertos y sinfonías.
Franz Joseph Haydn Fue un compositor austriaco, representante del periodo clásico y conocido como el "Padre de la sinfonía" y el "Padre del cuarteto de cuerda" por sus contribuciones a ambos géneros. Trabajo durante 30 años para la corte de la familia Esterházy de Hungría, donde desarrolló la mayor parte de su obra, teniendo que crear obras pensadas para el agrado del público y buscando siempre la innovación. Fue un compositor que evoluciono constantemente en su carrera y que, durante su vida, transitó todo el período clásico; mantuvo un vinculo de amistad y mutua admiración con Mozart y, fue profesor de Ludwig van Beethoven.
Géneros vocales e instrumentales del Clasicismo Instrumental Sonata
Música de cámara (cuarteto de cuerdas, trío o quinteto) Concierto Sinfonía
Principales representantes * Mozart - Sonata K. 331 en La Mayor, III. Rondó alla Turca. Beethoveen - Sonata Op. 2, Nº 1. Beethoveen - Sonata “Appasionata” Op. 57 N º23 Haydn - Cuarteto número 17 en fa mayor, Op. 17, número 2, Hob.III:26. Haydn - Cuarteto número 23 en fa menor, Op. 20 Nº 5, Hob.III:35. Haydn - Cuarteto “La Broma”, Op. 33 Nº 2. ** Mozart - Quinteto para clarinete en La mayor, K. 581. Mozart - Concierto para piano K. 271. Mozart – Concierto para piano en Sol mayor K. 459. Haydn - Sinfonía Nº 94 en Sol mayor “La Sorpresa”. Mozart - Sinfonía Nº 40 en sol menor K. 550. Beethoven – Sinfonía número 3 en mi bemol mayor “Heroica”, Op. 55.***
Vocal
Principales representantes
Sacra Oratorio
Haydn - La creación (Die Schöpfung) H. 21/2.
Misa
Beethoven - Missa solemnis en re mayor, Op. 123.
Réquiem
Mozart - Misa de Réquiem en re menor, K. 626.
Profana Opera Seria Opera Bufa
Gluck - Orfeo y Eurídice. Rossini - El barbero de Sevilla. Mozart - Las bodas de Fígaro.****
Cuadro 1. Géneros vocales e instrumentales del Clasicismo. * Los ejemplos de música instrumental citados están disponibles para su audición en la carpeta “audios”. ** El análisis de esta obra esta disponible en la carpeta “videos”. *** Ver “Heroica the movie” en la carpeta “videos”. **** Ver “Le nozze di fiagaro” en la carpeta “videos”.
La sinfonía y la orquesta sinfónica del clasicismo El género orquestal más importante fue la sinfonía, una obra en tres o cuatro movimientos, que tiene como origen la sinfonía italiana, aunque, también, en éste género confluyen todos los géneros instrumentales de aquel momento. El género fue especialmente relevante en Mannheim, uno de los dos centros de producción musical más importantes, además de Viena. Mannheim disponía de una orquesta disciplinada y estable, que adquirió fama internacional por su calidad y virtuosismo. Uno de sus principales directores fue Johann Stamitz (1717-57), fructífero compositor que escribió más de 50 sinfonías, en las que desarrollo nuevas formas de utilizar los instrumentos, dando a los de cuerda y a los de viento tratamientos diferentes y creando la total variedad de giros orquestales conocidos en el siglo XIX y en el XX. Entre los recursos mas afamados, su gran gama dinámica , desde el pianissimo mas suave hasta el fortissimo más sonoro, y el llamado crescendo Mannheim, un tipo de crescendo orquestal que arrastraba de
tal modo a la audiencia (según cuenta un comentarista de la época), que ésta se levantaba de sus asientos conforme aumentaba el volumen sonoro. Las composiciones de Stamitz fijaron los movimientos de las sinfonías en 4 partes, generalmente, un Allegro en forma sonata, un movimiento Lento, trío o Minueto, y un movimiento final rápido (Presto u Allegro). El desarrollo final de la sinfonía esta plasmado en las obras de Haydn y Mozart, que, a su vez, dan lugar a las realizaciones en el estilo de Beethoven. A principios del período, la orquesta estaba compuesta por dos oboes, dos trompas y el grupo de cuerdas. Poco a poco se fueron incorporando otros instrumentos de viento, como las flautas y las trompetas. Los trombones, en cambio, no tuvieron lugar en la orquesta sinfónica; su utilización quedó relegada a la música y a la ópera. El fagot, que no siempre estaba escrito en la partitura fue utilizado regularmente y adquirió a finales del clasicismo, cierta autonomía, alejándose así de la simple función de duplicar la línea del bajo que se le había encomendado en el barroco. El clarinete, tubo su lugar fijo en la renombrada Orquesta de Mannheim, que incorporó dos al conjunto pero, fue con las composiciones de Mozart, hacia finales del período, que el instrumento cobro gran importancia.
Cuerdas
Vientos de madera
Violines I Violines II Violas Violonchelos Contrabajos
2 Flautas 2 Oboes 2 Clarinetes 2 Fagotes
Vientos de metal
Teclado
2 Cornos (Trompas) 2 Trompetas
Pianoforte ( Clave / Órgano )
Percusión
Timbales
Cuadro 2. Modelo de plantilla general de la orquesta sinfónica del clasicismo.
Otros
Harpa Trombón
Wolfgang Amadeus Mozart Nacido en Salzburgo, fue un niño prodigio, su talento para la música fue descubierto por su padre, quien, sacrifico un mejor puesto laboral para dedicarse a la educación de su hijo. Desde pequeño, Mozart recorrió toda Europa, dando conciertos con su hermana, aprendiendo distintos tipos y géneros musicales, y conociendo a otros músicos, como a Johann C. Bach. Trabajo en la capilla de Salzburgo desde joven y, debido a las pocas posibilidades de desarrollo, abandono el puesto en busca de un trabajo mejor. Se instalo en Viena, librado de mecenas, se gano la vida dando conciertos públicos, escribiendo obras y enseñándole a alumnos. Sufrió varias penurias económicas y familiares, murió enfermo a los 35 años, sin un diagnostico definitivo. Para saber mas sobre la vida de Mozart y su música, busca el documental “In search of Mozart” en la carpeta “videos”.
La figura del director aún estaba dada por el compositor, sentado en el pianoforte o desde el clave, rodeado de los distintos grupos instrumentales, o bien, el primer violín que daba la entrada a los demás instrumentos..
Imagen 3. La orquesta del clasicismo.
Beethoven y la transición al Romanticismo La época clásica culmina, al final del siglo, con el genio de Ludwig van Beethoven. Su música comienza a salirse de los moldes de la época, exige nuevas maneras de escuchar y, también, representa las transformaciones de la época en torno al cambio de siglo. En su juventud, estudió piano y violín con su padre, el cual, esperaba hacer de él un niño prodigio tal como Mozart. Pero, si bien desde pequeño fue virtuoso del piano, su precocidad no era del orden de la de Mozart. Posteriormente, estudió con otros músicos locales y, tras la muerte de su madre, asumió la responsabilidad de hacerse cargo de su familia debido a que su padre bebía en exceso. Tras trabajar en la corte de Bonn, consigue viajar a Viena, ciudad en donde, estudia con Haydn y, desarrolla la mayor parte de su vida. Confiado en sus valores como artista y consciente de lo ideales de la ilustración, trató a sus patrocinadores aristócratas como a iguales y hasta cierta brusquedad ocasional. Sus presunciones de igualdad social lo llevaron a enamorarse de mujeres nobles que no habrían podido desposarlo como hombre común. Beethoven nunca pudo concretar su anhelo de formar una familia, se mudó más de veinte veces durante los años que vivió en Viena. Su carrera como pianista se vio interrumpida por su creciente sordera, de la cual se desconoce aún la causa. Sus dolencias lo hicieron recluirse, abandono los conciertos y presentaciones. Sumido en la depresión al descubrir su deterioro auditivo, escribe el famoso “Testamento de Heiligenstadt”, en el que maldice las contrariedades del destino y siente deseos de suicidarse, pero su vigor físico y su fuerza moral le hacen rechazar tal idea. En el período siguiente, Beethoven se propone escribir música grandiosa para revindicar sus fuerzas y curarse, en estas obras refleja en gran parte, la superación de sus desdichas. Con dichas obras, se consolidó como el compositor vivo más conocido y aclamado por la crítica. Gracias a la venta de editoriales y el apoyo de mecenas, pudo dedicarse por entero a la composición. Tras la muerte de su hermano, se convirtió en tutor de su sobrino Karl, dándole a Ludwig la familia que siempre había deseado, pero, los fracasos como tutor de Karl, y los conflictos con la madre del muchacho lo llevan al fracaso. Junto a esta desilusión, afrontaba problemas económicos que, en parte, eran por su enfermedad que se agravaba, su carácter cada vez más hosco, y su distanciamiento de la sociedad. En su último período, su música se vuelve más intensa, concentrada y difícil de escuchar. En los últimos años de su vida, reside en un convento de los dominicos españoles y apenas si algunos amigos acuden a consolarlo, cuando falto de medios y enfermo se encuentra al borde de la muerte. En una tarde tempestuosa después de cuatro largos meses de sufrimiento fallece Beethoven a la edad de 56 años. Las características de la personalidad de Beethoven, así también como los sucesos de su vida, que marcan períodos en su, fueron modelo a seguir para los compositores del Romanticismo. La figura de Beethoven, convertido en un héroe, un hombre creativo, ajeno a la sociedad, que sufre de males y valientemente lucha transformando sus desdichas en arte, fue el ideal del artista del romanticismo. Diferencia de la mayor parte de compositores posteriores, que escribían bajo las ordenes de sus mecenas, Ludwig componía como deseaba, ubicando sus propias experiencias y sentimientos en el centro de la obra, no componía para el público en general ni para agradar auditorios. De esta forma, cambio la idea de lo que es y hace un compositor, promoviendo la expresión del Yo, otro rasgo que será asimilado en el período Romántico. La vida y obra de Beethoven está resumida y explicada por varios músicos e historiadores en el film “In search of Beethoven” disponible en la carpeta “videos”.
