TEMA 4. EL CLASICISMO INTRODUCCIÓN: CONTEXTO HISTÓRICO, CULTURAL Y ARTÍSTICO
El siglo XVIII es el llamado Siglo de las Luces, y está dominado por un movimiento intelectual denominado Ilustración. Este movimiento fue promovido por la burguesía y la pequeña nobleza, y su principal manifestación fue La Enciclopedia de Diderot y D’Alambert que divulgará la cultura en amplias capas de la población. El objeto del hombre es comprender e imitar la naturaleza mediante el uso de la razón. El sistema de gobierno es el Despotismo Ilustrado. Son monarquías absolutas, pero que incorporan los ideales de la Ilustración, de manera que se gobierna con la razón pensando en el beneficio del pueblo. Los gobernantes no sólo patrocinaban las artes y las letras, sino que también se ocupaban de los programas de reforma social. La máxima de esta doctrina doctrina política es “Todo para el pueblo pero pero sin el pueblo”. pueblo”. Es en esta época cuando se inicia el proceso de popularización del arte y la enseñanza. Las teorías políticas ilustradas conducirán a la Revolución Francesa (1789), que supone el ascenso de las las clas clases es medi medias as burg burgue uesa sass en detr detrim imen ento to de la real realez ezaa y aris aristo tocr crac acia ia.. Los ideales de la Revolución impregnarán todo el arte de esta época y, por tanto, la música clásica. La clase social emergente, la burguesía, aspirará a las diversiones de la nobleza, aun sin tener la formación musical de esta última. Los artistas, no obstante, encontrarán en la burguesía un nuevo público que paga por apreciar sus obras y al que debían satisfacer con creaciones entretenidas y naturales; de esta forma se van liberar poco a poco de las obligaciones de trabajar supeditados al gusto de los mecenas, obteniendo así una mayor independencia independencia creativa pero contando con el reto de tener que depender del público para rentabilizar sus ingresos. LA MÚSICA CLÁSICA: CARACTERÍSTICAS
En música se entiende por Clasicismo el período que se enmarca entre el Barroco y el Romanticismo y suele fecharse entre 1750 (muerte de J.S.Bach) y 1820 coincidiendo con el llamado llamado Neoclasic Neoclasicismo ismo en el resto de las artes. En este periodo periodo se produce produce una vuelta vue lta a los ideale idealess de la cultur culturaa clásic clásicaa grecor grecorrom romana ana,, basad basados os sobret sobretodo odo en el equilibrio, la sencillez y la belleza, dejando atrás el estilo recargado del Barroco. Por ello, en el resto de las artes se conoce a este periodo como "Neoclasicismo", mientras que en el caso de la música se habla de “Clasicismo” a secas, ya que no se podían copiar los modelos clásicos al no disponer de ellos; sin embargo, sí se podía imitar el modelo de belleza clásica y la perfección formal. La principal función de la música consiste en imitar a la naturaleza, en ofrecer al oyente imágenes sonoras placenteras de la realidad. La música ideal debía tener un lenguaje universal no limitado por fronteras nacionales; debía ser noble, entretenida y expresiva aunque sin artificios. Y si le sumamos que la música debe someterse a la razón, como todas las artes, se entenderá que la música de esta época sea fácil de escuchar, con
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melodías bien estructuradas y definidas para que el público las perciba y las recuerde bien. La música irá abandonando los círculos eclesiásticos y palaciegos para desenvolverse en casas privadas de la burguesía y en espectáculos públicos. Surgen las Sociedades de Conciertos, se construyen nuevos teatros y comienza el auge de las editoriales musicales, que favorecerán la difusión de la música entre las nuevas clases sociales y creando otra fuente de ingreso para los compositores. Entre los precursores de la música de este período podemos nombrar a dos de los hijos de Bach: Carl Philipp Emmanuel Bach y Johann Christian Bach, que se sitúan en lo que habitualmente se conoce como Preclasicismo. Pero los tres compositores que se van a convertir en las grandes figuras del Clasicismo son Haydn, Mozart y Beethoven, que trabajarán en algún momento de sus vidas en Viena, considerada la ciudad más importante del mundo dentro del contexto musical. Entre las características de la música clásica se pueden señalar las siguientes: 1. La melodía es clara y sencilla, construida con motivos simples y basada, a veces en melodías populares y pegadizas. Como reflejo del orden y equilibrio de los ideales artísticos ilustrados, la melodía clásica se va a estructurar en frases y semifrases regulares (es decir, con el mismo número de compases) y cuadradas (4, 8 o 16 compases). Es frecuente el patrón de 8 compases: 4 de pregunta + 4 de respuesta. 2. La textura es más ligera y clara que la de la música barroca, abandonándose el bajo continuo Se tiende a la homofonía y a la melodía acompañada y sólo puntualmente se utiliza el contrapunto. En esta época es la melodía principal la que condensa por sí misma toda la esencia y la expresividad de la música, limitándose el resto de melodías a formar acordes de acompañamiento. 3. La armonía es la propia del sistema tonal ya consolidado en el último período del Barroco y que se basa en las secuencias tonales de los acordes y en una jerarquía tonal que otorga más importancia a acordes como los de tónica, dominante y subdominante (I, V, IV) 4. La forma musical, como elemento más abstracto y racional de la música, cobra relieve en un período dominado por los ideales ilustrados en los que la Razón es la fuente principal del conocimiento. La forma-sonata es fiel reflejo de esto en la manera en que se tratan tonalmente sus dos temas.
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LA MÚSICA INSTRUMENTAL
A. LOS INSTRUMENTOS Durante el periodo del Clasicismo los instrumentos experimentan cambios notables. Algunos de los instrumentos de la época barroca van cayendo en desuso. Por ejemplo el clave fue reemplazado por el piano, que poseía una mayor capacidad dinámica ya que era capaz de producir notas con diferente intensidad (piano y forte). Otros como el laúd, la flauta de pico o la viola de gamba desaparecieron, ya que sus características tímbricas no se adecuaban al nuevo estilo musical. Otros instrumentos, sobre todo los de viento, mejorarán sus posibilidades gracias a los nuevos avances técnicos empleados por los constructores. Por ejemplo, las trompas y trompetas incorporan tubos de longitud variable para poder realizar un mayor número de notas. Esto permitirá, entre otras cosas, ampliar los registros del instrumento y mejorar su timbre. Una de las grandes aportaciones del Clasicismo fue la mejora e incorporación del clarinete a la orquesta. Este instrumento de viento fascinó a Mozart, que compuso para él uno de sus más bellos conciertos. B. ESTRUCTURA La mayor parte de las obras instrumentales del Clasicismo tienen la misma estructura. Se tratan de formas instrumentales en tres o cuatro movimientos con la siguiente estructura: 1. 1er. movimiento: FORMA-SONATA. Es la forma más emblemática del Clasicismo y recibe ese nombre porque, al analizar las obras clásicas, los estudiosos de la música se dieron cuenta de que todos los primeros movimientos de las sonatas para piano tenían una estructura similar con dos temas. La formasonata, que se desarrolla en un tempo rápido, consta de tres secciones: exposición, desarrollo y reexposición. En la exposición aparecen dos temas, A y B, normalmente de carácter contrastante, unidos por una idea melódica de transición, llamada puente; el tema A está en la tonalidad de la obra, mientras que el tema B está en el tono de la dominante o, cuando el modo es menor, en el tono del relativo mayor (el relativo mayor de un tono menor se encuentra a una distancia de tercera menor ascendente). En la sección central o desarrollo el compositor juega con algún elemento melódico del tema A y/o del tema B, incluso del puente, haciendo variaciones, imitaciones, preguntas-respuestas, etc con todo ese material musical, a la vez que explora nuevas tonalidades distintas a las de la exposición. El final del desarrollo desemboca en la tercera sección o reexposición: aquí vuelven a aparecer el tema A, el puente y el tema B, con la peculiaridad de que este último se toca en esta ocasión también en la tonalidad principal. 2. El segundo movimiento tiene un tempo lento. Puede ser una forma tipo LIED (ABA) o un TEMA CON VARIACIONES (AA’A’’A’’’…) 3. El tercer movimiento suele ser un MINUETTO (pieza de danza en ritmo ternario) al que se le añade una sección central llamada trío para volver de nuevo a la sección del minuetto. Es por tanto una forma ternaria. Con el tiempo, 3
aparecerá una nueva forma, el scherzo, que tiene una estructura parecida al minuetto pero con un tempo más rápido. 4. El cuarto movimiento puede tener FORMA-SONATA o forma de RONDÓ (ABACADA…). C. LA MÚSICA DE CÁMARA Llamamos así a la música compuesta para un reducido grupo de instrumentos. El nombre viene de los lugares en los que ensayaban pequeños grupos de músicos durante la Edad Media y el Renacimiento. Relegada hasta entonces a los salones de la aristocracia, la música de cámara comenzará poco a poco a difundirse en pequeñas salas de concierto y en casas particulares. Esto viene provocado por el acceso de la burguesía a la práctica instrumental y a los conocimientos musicales y también porque económicamente una agrupación de cámara era mucho más rentable que una orquesta. Con frecuencia, los compositores recibían encargos de música sencilla que pudiera ser interpretada por aficionados. Las formas más frecuentes en la música de cámara son: 1. SONATA: para un instrumento solista (piano o guitarra) o para dos instrumentos (violín y piano, violonchelo y piano, etc). Es una composición instrumental en tres o cuatro movimientos. El primer movimiento tiene forma-sonata(exposición con dos temas, desarrollo y reexposición); el segundo, forma de lied(ABA) o tema y variaciones; el tercero es un minuetto (o scherzo, desde Beethoven); y el cuarto, forma de rondó o forma-sonata. 2. CUARTETO DE CUERDA: Se origina a partir de la trío-sonata barroca. Se trata de una composición clásica de cámara para cuatro instrumentos de cuerda frotada que, en su versión habitual, se compone de: violín 1º, violín 2º, viola y violoncello. Consta de cuatro movimientos, siguiendo el modelo de la sonata (1er. mov: forma-sonata, 2º mov.: tema y variaciones o ABA, 3er. mov: minuetto, y 4º mov.: rondó). Son famosos los cuartetos op.33 de Haydn, los cuartetos K 421 y K 465 de Mozart, y el op.18 nº 3 de Beethoven. 3. Trío de cuerdas; Quinteto de cuerdas; Trío, Cuarteto y Quinteto con piano, etc. D. LA MÚSICA ORQUESTAL Durante el Clasicismo, la orquesta evoluciona hasta convertirse en uno de los medios de expresión más utilizados por los compositores. La constitución de las orquestas va a seguir dependiendo de las posibilidades económicas y de la disponibilidad de instrumentistas. Sin embargo, las orquestas poco a poco se fueron uniformizando, de manera que hacia finales del siglo XVIII ya podemos hablar de un modelo de orquesta clásica con una sección de cuerda (violines, violas, violonchelos y contrabajos), una de viento-madera (2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes y 2 fagotes), una de viento-metal (2 trompetas y 2 trompas) y una de percusión (timbales). Al final del Clasicismo comienzan a utilizarse los trombones. 4
Las formas de la música sinfónica u orquestal son: 1. SINFONÍA. Es la forma que adquirió mayor desarrollo en la Viena del Clasicismo. Se trata de una gran sonata para orquesta que se estructura en cuatro movimientos básicos: Allegro, Andante, Minueto y Presto, con la misma estructura ya vista anteriormente. 2.
CONCIERTO. En la primera mitad del siglo XVIII va desapareciendo el concepto del “concerto grosso” y se impone el concierto para solista (los instrumentos favoritos eran el violín y el piano), que va a abandonar la estructura barroca de ritornello y episodio en su primer movimiento y a asumir la más novedosa forma-sonata. El concierto clásico sigue, no obstante, la estructura barroca en tres movimientos y carece, por tanto, de minuetto. Las secciones de los solos crecen en dimensiones y en importancia, haciendo el solista una exhibición de virtuosismo y brillantez. A fines del siglo XVIII, en el concierto clásico totalmente desarrollado, el solista despierta la atención del oyente por medio de una exposición inicial llamativa y dramática, inmediatamente después de la exposición de los temas A y B por parte de la orquesta.
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COMPOSITORES JOSEF HAYDN
Haydn abarcó prácticamente todos los géneros: vocal, instrumental, religioso y profano. Las 107 sinfonías (104 es el número tradicional; otras tres se han incluido posteriormente) y los 83 cuartetos para cuerda, que revolucionaron la música, son pruebas fehacientes de su original aproximación a nuevos materiales temáticos y formas musicales, así como de su maestría en la instrumentación. La influencia que ejerció en el desarrollo de la sonata fue decisiva. Esta era la forma predominante del clasicismo, que utilizaron los compositores hasta el siglo XX para crear estructuras musicales cada vez más extensas. Haydn la utilizó de dos maneras diferentes: en primer lugar, desarrolló lo que hasta entonces había sido una simple exposición de temas en distintas tonalidades y creó una sofisticada interacción entre distintos grupos temáticos, cuyas diferentes tonalidades definían la extensa estructura de los movimientos; en segundo lugar, economizó el material temático de forma que sólo las tonalidades diferenciaban las distintas partes. Esta tendencia hacia la austeridad temática se puede apreciar en las últimas sinfonías de Jean Sibelius, ciento veinte años más tarde. La productividad de Haydn se vio reforzada por su inextinguible originalidad. La forma innovadora en que transformaba una simple melodía o motivo en complejos desarrollos fascinó a sus contemporáneos. Son característicos de su estilo los cambios repentinos de momentos dramáticos a efectos humorísticos así como su inclinación por las melodías de tipo folclórico. Un escritor de su época describió su música como “arte popular”, y, de hecho, su equilibrio entre la música directa y los experimentos innovadores transformó la expresión instrumental del siglo XVIII. WOLFGANG AMADEUS MOZART
A pesar de su corta vida, Mozart se encuentra entre los grandes genios de la música. Su inmensa producción, muestra a una persona que, ya desde niño, dominaba la técnica de la composición a la vez que poseía una imaginación desbordante. Sus obras instrumentales incluyen sinfonías, divertimentos, sonatas, música de cámara para distintas combinaciones de instrumentos, y conciertos; sus obras vocales son, básicamente, óperas y música de iglesia. Su obra combina las dulces melodías del estilo italiano, y la forma y contrapunto germánicos. Mozart supone la cumbre del clasicismo del siglo XVIII, sencillo, claro y equilibrado, pero sin huir de la intensidad emocional. Estas cualidades son patentes sobre todo en sus conciertos, con 6
los dramáticos contrastes entre el instrumento solista y la orquesta, y en las óperas, con las reacciones de sus personajes ante diferentes situaciones. Su producción lírica pone de manifiesto nueva unidad entre la parte vocal y la instrumental, con una delicada caracterización y el uso del estilo sinfónico propio de los grandes grupos instrumentales. Además de sus logros musicales, Mozart es considerado el primer compositor que se libera de la servidumbre a un señor y empieza a ejercer como artista libre. Nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo. Estudió con Leopold Mozart, su padre, conocido violinista y compositor que trabajaba en la orquesta de la corte del arzobispo de Salzburgo. A los seis años Mozart era ya un intérprete avanzado de instrumentos de tecla y eficaz violinista, a la vez que hacía gala de una extraordinaria capacidad para la improvisación y la lectura de partituras. Todavía hoy se interpretan cinco pequeñas piezas para piano que compuso a esa edad. En 1762 Leopold comenzó a llevar a su hijo de gira por las cortes de Europa. Durante este periodo compuso sonatas, tanto para clave como para violín (1763), una sinfonía (1764), un oratorio (1766) y la ópera cómica La finta semplice (1768). En 1769 fue nombrado Konzertmeister del arzobispado de Salzburgo, y en La Scala de Milán el Papa le hizo caballero de la Orden de la Espuela Dorada. Ese mismo año compuso Bastien und Bastienne, su primer singspiel (tipo de ópera alemana con partes recitadas). Al año siguiente le encargaron escribir su primera gran ópera, Mitrídates, rey del Ponto (1770), compuesta en Milán. A la edad de veintiún años Mozart buscaba en las cortes europeas un puesto mejor remunerado y más satisfactorio, pero sus deseos no se cumplieron. Marchó a Mannheim, capital musical de Europa por aquel entonces, con la idea de conseguir un empleo en su orquesta, y allí se enamoró de Aloysia Weber. Leopold envió a su esposa e hijo a París. La muerte de su madre en la capital francesa en 1778 y el desprecio de los aristócratas para quienes trabajaba hicieron que los dos años transcurridos entre su llegada a París y su regreso a Salzburgo en 1779 fueran un periodo negro en su vida. Ya en su ciudad natal, Mozart compuso dos misas y un buen número de sonatas, sinfonías y conciertos. Estas obras revelan por primera vez un estilo propio y una madurez musical extraordinaria. El éxito de su ópera italiana Idomeneo, encargada y compuesta en 1781, hizo que el arzobispo de Salzburgo le invitara a su palacio, en Viena, pero se sintió explotado y decidió marcharse. Se dedicó entonces a dar clases en una casa que alquilaron para él unos amigos. Allí compuso el singspiel, El rapto en el serrallo, encargada en 1782 por el emperador José II. Ese mismo año se casó con Constanze Weber, hermana menor de Aloysia; juntos vivieron acosados por las deudas hasta la muerte de Mozart. Las óperas Las bodas de Fígaro (1786) y Don Giovanni (1787), con libretos de Lorenzo Da Ponte, aunque triunfaron en Praga, no fueron bien recibidas en Viena. Desde 1787 hasta la creación de Così fan tutte (1790, también con libreto de Da Ponte), Wolfgang no recibió nuevos encargos de óperas. Para la coronación del emperador Leopoldo II en 1791 compuso La clemenza di Tito, con libreto de Metastasio. Las tres grandes sinfonías de 1788 nº 39 en mi bemol, nº 40 en sol menor y nº 41 en do (Júpiter) 7
nunca se interpretaron bajo su dirección. Mientras trabajaba en el singspiel La flauta mágica (1791), el emisario de un misterioso conde Walsegg le encargó una misa de réquiem. Esta obra, inacabada por la muerte de Mozart, fue su última composición, que terminó Franz Süssmayr, discípulo suyo. Mozart murió en Viena el 5 de diciembre de 1791, se cree que por una dolencia renal crónica. Sólo unos pocos amigos fueron a su funeral. La leyenda por la cual el compositor italiano Antonio Salieri pudo haber asesinado a Mozart carece de todo fundamento. LUDWIG VAN BEETHOVEN
Compositor alemán nacido en Bonn en 1770, murió en Viena en 1827. Su padre también era músico, y le enseñó piano y composición con la ilusión de que se convirtiera en un niño prodigio como lo fue Mozart. Beethoven aprendió de maestros del clasicismo como Mozart o Haydn pero innovó creando un nuevo estilo, más libre, emotivo y grandilocuente. Su música supone el puente de unión entre los períodos clásico y romántico. En lo personal sus grandes aportaciones son su rebelión definitiva (que ya inició Mozart) contra el dominio de los poderosos mecenas y el sentirse libre como artista y creador. Su vida personal estuvo repleta de experiencias dramáticas que influyeron de forma decisiva en su música: sus desengaños políticos con la actitud de un Napoleón que se autoproclama emperador, los desencantos amorosos, la sordera en el período final de su vida… Todo ello determinó su estilo dramático, emotivo y trascendental. Dentro de la producción musical de Beethoven podemos distinguir los siguientes períodos creativos: 1. Primer período o período clásico (1794-1800). Bajo la influencia de Haydn y Mozart escribió la Primera y Segunda sinfonías, los seis primeros Cuartetos y las diez primeras Sonatas para piano, entre las que destaca la Patética, de hondo sentido dramático, los dos primeros Conciertos para piano y su célebre Septimino.
2. Segundo período o época de madurez (1800-1814), con obras plenamente originales en las que Beethoven hace gala de un dominio absoluto de la forma y la expresión. En este período compuso la Tercera sinfonía («Heroica»), dedicada en un principio a Napoleón Bonaparte, aunque luego rompió la dedicatoria; la Quinta, la Sexta («Pastoral»), donde evidencia el triunfo de la naturaleza; y la Séptima, que es un canto a la libertad. Asimismo, la Sonata núm. 28, el Concierto «Emperador» para piano, la ópera Fidelio, en la que canta a la libertad frente a la tiranía, y los primeros Cuartetos. 3. Tercer período o integración en el Romanticismo (1815-1827). Esta etapa, en la que su sordera se hace cada vez más evidente, se extiende hasta la muerte del músico y está dominada por sus obras más innovadoras y personales, incomprendidas en su tiempo por la novedad de su lenguaje armónico y su forma poco convencional. Compuso su obra cumbre, la Novena sinfonía, en la que, en el cuarto tiempo, introdujo la voz humana cantando la «Oda a la alegría» 8
de Schiller, que es un canto de amor a la humanidad, un grito de fraternidad que sublima el dolor y se convierte en alegría y esperanza. También en este período escribió su Missa solemnis, las Sonatas 28 a 32 y los últimos Cuartetos, considerados como la obra capital de la música para cuerda, en los que rompe la forma clásica de los cuatro tiempos.
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