Movimientos Artisticos de 1950 Al 2000

INSTITUTO UNIVERSITARIO DE TECNOLOGIA INDUSTRIAL ―RODOLFO LOERO ARISMENDI‖

I.U.T.I.R.L.A EXTENSION CIUDAD GUAYANA SEDE PUERTO ORDAZ DISEÑO GRAFICO TERCER SEMESTRE - NOCTURNO

Principales Movimientos Artísticos entre 1950-2000

Bachilleres: 

Aronico Vanessa C.I. 20.807.667

Puerto Ordaz, febrero de 2013

Trusted by over 1 million members

Try Scribd FREE for 30 days to access over 125 million titles without ads or interruptions! Start Free Trial Cancel Anytime.













ÍNDICE Introducción

3

Movimientos artísticos

4

Arte Contemporáneo

4

Expresionismo abstracto

5

Arte Óptico o Op-Art

6

Cinetismo

8

Minimal Art

10

Hiperrealismo

11

Post-Modernismo

14

El individualismo

15

Ecléctico

17

El comic con la función de expresar emociones y pasiones violentas, con un estilo totalmente mecánico y distante. Aproximación hacia los nuevos lenguajes que determinan el arte del siglo XXI. Arte conceptual, integración de las artes. Arte Conceptual Arte y Nuevas tecnologías Orígenes y Desarrollo de las nuevas tecnologías

18 19 20 22 24

Conclusión

27

Referencias

28

Anexos

29













INTRODUCCIÓN El surgimiento y desarrollo de los movimientos artísticos, se encuentra en constante evolución desde el siglo XX, la pintura ha tenido significativas técnicas buscando nuevas formas más elaboradas, entre ellas tenemos el arte óptico, el cinetismo, el hiperrealismo, entre otros. Las artes tienen diferentes caracteres, el más predominante es el religioso, por las grandes pinturas que poseen las iglesias católicas dominantes en Europa, donde el perfeccionamiento hace surgir nuevas formas más complejas.













MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS Un movimiento artístico o estilo artístico es una tendencia o estilo referente al arte con una filosofía o meta específica en común, seguida por un grupo de artistas repercutores durante un período (como el movimiento dadaísta o el pop-art); o característico de un periodo más extenso de la Historia del Arte (como el renacimiento o el barroco); o restringido a un lugar determinado, con lo que se habla entonces de una escuela artística. Cada movimiento o estilo artístico refleja el arte con ciertos rasgos similares durante una etapa de tiempo, siendo un fenómeno de expresión artística que manifiesta las características propias de la época en el que surge. Los movimientos o estilos artísticos se clasifican por los historiadores del arte o de la literatura atendiendo a distintos criterios de periodización. De tal modo que, por ejemplo, para las creaciones culturales de la civilización occidental del siglo XVII a la primera mitad del XVIII, se ha acuñado el término barroco y, aunque los productos artísticos de las distintas artes no tengan una conexión inmediatamente evidente entre sí, se designan habitualmente como arquitectura barroca, pintura barroca, música barroca o literatura barroca.

Arte contemporáneo Se suele definir como el arte elaborado después de la Segunda Guerra Mundial. Los museos de arte denominan arte contemporáneo a las colecciones de este













En sentido amplio, el arte contemporáneo es el hacer artístico que se desarrolla en nuestra época. En el caso del arte contemporáneo, se desarrolla desde la teoría pos testructuralista la cual ha acuñado el término "postmoderno", ya que desde esa teoría se vislumbra la imposibilidad de seguir creando desde los preceptos de la originalidad y la novedad (elementos propios de la modernidad); en lugar de ello se apunta a elementos como reinterpretaciones, re significaciones y el giro lingüístico con el fin de ampliar el concepto de arte y establecerlo como un acto comunicativo.

Expresionismo abstracto El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y materias posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 1940 en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial. Características: 

Preferencia por los grandes formatos. Trabajaban normalmente con óleo sobre lienzo.



Generalmente son abstractos en el sentido sentido de que eliminan eliminan la figuración. No obstante, hay excepciones y algunos emplean trazos figurativos, apareciendo figuras reconocibles, como ocurre con las Mujeres de Willem de Kooning. Las telas presentan un aspecto geométrico que las hace diferentes de movimientos precedentes, como el surrealismo.



Una de las características características principales de los expresionistas abstractos es la concepción de la superficie de la pintura como all over (cobertura de la















El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios: magenta, amarillo y cian. Los pintores expresionistas que redujeron la obra a prácticamente un solo color, estaban ya anticipando el arte minimal.



Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos, presenta como rasgos distintivos la angustia y el conflicto, lo que actualmente se considera que refleja la sociedad en la que surgieron estas obras.

Pioneros

Se considera a líder de este movimiento o iniciador del mismo a Arshile Gorky (1904-1948), armenio exiliado a Nueva York desde 1925. Recibe la influencia del surrealismo y sirve de puente entre la pintura europea de entreguerras y la escuela norteamericana. Hacia el año1936 abandona la figuración y, bajo la influencia de Roberto Matta, descubre un nuevo lenguaje formal, optando por las figuras abstractas biomorfas. Aunque tendió a la abstracción y la espontaneidad, no prescindió completamente del dibujo ni renunció a controlar la pincelada. Muy cerca del surrealismo estuvo siempre la obra de William Baziotes (19121963), quien profundizó en la tendencia, de raíz jungiana, a investigar los mitos antiguos y el arte primitivo. Desde 1941 usó el «automatismo» pictórico, creando imágenes biomórficas con su sentido mítico. Cabe finalmente mencionar la obra de Hans Hofmann (1880-1966), importante como docente. Su pintura tenía una base cubista, pero se fue haciendo abstracta en los años cuarenta, presentando en sus cuadros zonas de color que contrastaban entre sí; el estilo es emocional y vigoroso.















Se fue escindiendo en dos tendencias que pueden definirse como action painting y campos de color. La primera de ellas enfatizaba más el gesto físico de pintar, mientras que en la segunda se centró en la aplicación del color en grandes áreas.

Arte Óptico o Op-art El Op Art surge a finales de la década de los '50, para asentarse en los años '60. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real. Fue rápidamente aceptado por el público por sus estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda. Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento, brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación.













agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia. Entre sus principales representantes estaban la británica Bridget Riley y los estadounidenses Ellsworth Kelly y Kenneth Noland. También se inscriben dentro de esta corriente el español Eusebio Sempere y el colombiano Omar Rayo. Las cuidadas formas del Op Art gozaron de una rápida y entusiasta aceptación por parte de la crítica y del público y pronto se convirtió en punto de inspiración para modistas, publicistas y gente de las artes gráficas. Además el arte óptico o cinético (como muchos lo llaman) es uno de los movimientos artísticos que más se relacionan con la investigación científica, al estudiar el color, la influencia de la luz y el movimiento en los cambios cromáticos y su percepción en la retina humana. Destacaron entre los representantes del Op Art: 

Victor Vasarely



Bridget Riley



Frank Stella



Josef Albers



Lawrence Poons



Kenneth Noland



Richard Anuszkiewicz.













y proporcionalidad de los objetos, incluso aplican, a sus obras, de pequeños motores dotándolas de movimiento. Su creador fue Víctor Vasarely. Húngaro de origen (1908). Vasarely señala que fue durante este período en el Bauhaus de Budapest, que "el carácter funcional de la plasticidad" le fue revelado. Empezó como artista gráfico, y no fue sino hasta 1943 que se volcó a la pintura. Se afincó en Francia. El cinetismo era importante para Vasarely por dos razones: una es personal, el hecho de que, según nos dice, "la idea del movimiento me ha perseguido desde mi niñez"; y la otra es la idea más general de que una pintura que vive por medio de efectos ópticos existe esencialmente en el ojo y en la mente del espectador y no simplemente en la pared se completa a sí misma cuando se la mira. El arte cinético puede abarcar una buena cantidad de categorías de objetos. Están ante todo, aquellas obras de arte que, a pesar de ser estáticas de hecho, parecen moverse o cambiar. Pueden ser de dos o de tres dimensiones: En primer lugar destacaremos las obras ejecutadas por Vasarely en planos separados y con pantallas y objetos tridimensionales, dependiendo su cinetismo de la acción de la luz y de los fenómenos ópticos tales como, la tendencia del ojo a producir imágenes latentes al ser sometido a contrastes muy brillantes de blanco y negro, o la yuxtaposición de ciertos tintes. tintes.

Segundo, las composiciones móviles de

Alexander Calder, cuyos elementos componentes de la obra se mueven al azar, sin













Minimal Art "Minimal Art" o "Estructuras Primarias" denomina a un grupo de artistas que aspiran a un estilo más estricto geométricamente pero donde la imposición del orden no es inflexible sino más bien moderada. Las diferentes formas están reducidas a estados mínimos de orden y complejidad desde el punto de vista morfológico. Las obras Minimal personifican estados de máximo orden con los mínimos medios o complejidad de elementos y está más interesado por la totalidad de la obra que por las relaciones entre las partes singulares o por su ordenamiento composicional; por eso abunda la Gestalt simple: "el todo es más importante que las partes". .Tanto las propiedades del material, como las de la superficie y el color permanecen constantes con objeto de no desviar la atención de la obra como un todo. La "Pintura minimalista" es la aplicación del minimalismo al campo pictórico. Se trata de una pintura abstracta que se originó en los Estados Unidos, concretamente en Nueva York, en la década de los años 1960, desarrollándose durante los años 1970. Historia

Se considera que es una reacción contra las formas pictóricas del













Los pintores minimalistas recibieron, además, las influencias del compositor John Cage, el poeta William Carlos Williams, y del arquitecto Frederick Law Olmsted. De manera explícita afirmaron que su arte no era una expresión de sí mismos, en completa oposición a los expresionistas abstractos de la década precedente. Muy pronto crearon un estilo minimalista, entre cuyos rasgos estaban: formas rectangulares y cúbicas, que no eran metáfora de nada; igualdad de las partes del cuadro, repetición, superficies neutras, materiales industriales, todo lo cual lleva a un impacto visual inmediato. Suelen realizar telas de gran formato en los que predomina, ante todo, el color. El primer pintor a quien se relaciona específicamente con el minimalismo fue Frank Stella, cuyas pinturas a rayas fueron destacadas en la exposición de 1959, "16 Americanos", organizada por Dorothy Miller en el "Museo de Arte Moderno de Nueva York". La anchura de las rayas en las pinturas de Stellas quedaban determinadas por las dimensiones de la madera usada para construir el marco que sujetaba al lienzo. En el catálogo de la exposición, Carl Andre señaló que «el arte excluye lo innecesario, Frank Stella ha entendido necesario pintar rayas. No hay nada más en esta pintura». Aunque a partir de esta exposición, Stella recibió una atención inmediata, artistas como Ralph Humphrey y Robert Ryman habían comenzado a explorar formatos monocromáticos a finales de los años 1950.Posteriormente en 1980, se produjo una renovación de la pintura minimalista con las tendencias "Neo-geo" y "Neo-minimal".















El hiperrealismo tiene tiene un origen en en la tradición pictórica pictórica estadounidense, favorable a la literalidad del trampantojo, como muestran los cuadros de finales del siglo XIX de William Harnett o John Haberle. Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía. En la década de los 1920, los pintores del precisionismo ya trabajaron con la ayuda de fotografías fielmente reproducidas (como en el caso de Charles Sheeler, pintor y fotógrafo a la vez). Pero es innegable que el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas. Chuck Close utiliza la fotografía como medio para hacer sus retratos, que se













el cristal. Sus lugares públicos están desiertos, en un modo de abstraer la funcionalidad de lo representado que es típica del foto realismo. Don Eddy pinta coches y David Parrish motos. El francés Jean Olivier Hucleux pinta cementerios de personas y cementerios de coches, en un realismo que es una repetición de la realidad. Ed Ruscha, a caballo entre el arte pop y el foto realismo, pinta gasolineras, cuadros de palabras y hace libros de fotografías. Otras características del foto realismo son la exactitud en los detalles, contrastada con la irrealidad del efecto espacial y la capacidad de convertir en temas pictóricos los detalles visuales de la realidad. Estos pintores ejercen un alto grado de conceptualismo al plasmar la diferencia entre el objeto real y su imagen pintada: lo real, trasladado al lienzo mediante la cámara fotográfica, fotografiado mediante recursos pictóricos. Al utilizar la fotografía en el proceso de la realidad al cuadro, lo real queda roto y manipulado dos veces, en el cuadro y en la fotografía, de ahí el aspecto de irrealidad que diferencia el foto realismo del realismo













Post Modernismo El posmodernismo en sentido artístico abarca un gran número de corrientes desde los años 1950 hasta la actualidad; es difícil precisar en general los límites entre las realizaciones más arriesgadas del modernismo y las primeras obras posmodernas, aunque algunas artes —entre las que destaca la arquitectura — gozaron de un movimiento posmoderno programático y organizado desde muy temprano. Los rasgos más notables del arte posmoderno son la valoración de las formas industriales y populares, el debilitamiento de las barreras entre géneros y el uso deliberado e insistente de la intertextualidad, expresada frecuentemente mediante el collage o pastiche. El cine y la televisión son hoy en día algunos de los medios de comunicación más capaces de manifestar las características de este arte. Arquitectura













Cine

Uno de los síntomas sociales más significativos de la posmodernidad se encuentra en la saga de películas Matrix, y otras como Blade Runner, Buffalo 66, American Beauty, El club de la lucha, lucha , Linha de Passe Pa sse y toda la filmografía de Larry Clark en general, especialmente enKids, Ken Park, y Wassup Rockers donde el realce de la estética y la ausencia de culpa causal, unidos a la percepción de un futuro y una realidad inciertas, se hacen evidentes. En todos ellos observamos preeminencia de los fragmentos sobre la totalidad, ruptura de la linealidad temporal, abandono de la estética de lo bello al estilo kantiano, pérdida de la cohesión social y, sobre todo, la primacía de un tono emocional melancólico y nostálgico. Literatura y posmodernidad

Aunque no es fácil hablar de autores posmodernos, sí se reconocen













investigación de la realidad física, no sometidas a un poder censurador y limitador de las ideas. Arte es el individualismo, y el individualismo es una inquietante y desintegración de la fuerza. Allí se encuentra su inmenso valor. Por lo que se busca es alterar la monotonía del tipo, la esclavitud de la costumbre, la tiranía de la costumbre, y la reducción del hombre al nivel de una máquina". Para el historiador anarquista George Woodcock. El alma del hombre bajo el socialismo es la búsqueda de la sociedad más favorable a el artista ... para Wilde el arte es el fin supremo, que contiene en sí la iluminación y la regeneración, a la que todos los demás en la sociedad debe estar subordinada ... Wilde representa el anarquista como esteta ". La palabra individualismo de esta manera se ha utilizado para referirse a una personalidad con una fuerte tendencia hacia la creación propia y la experimentación en oposición a la tradición o la opinión popular de masas y el comportamiento















similar a la estoicismo en el que "la persona honesta trabaja su ser a la manera de un escultor que busca la liberación de las formas que están dentro de un bloque demármol , para extraer la verdad verdad de que la materia ". En Baudelaire se encuentra el excelente rasgo en el que se busca para cultivar "la idea de la belleza dentro de uno mismo, de las pasiones de una satisfacción de sentir y de pensar".

Ecléctico Eclecticismo es una especie de estilo mixto en las bellas artes, cuyos rasgos son tomados de varias fuentes y estilos. Considerablemente, el eclecticismo casi













El eclecticismo arquitectónico es una tendencia artística en arquitectura que mezcla elementos de diferentes estilos y épocas de la historia del arte y la arquitectura. Se manifiesta en Occidente entre 1860 y finales de los años 1920. El término ecléctico viene del verbo griego escoger, puesto que lo que harán los arquitectos, y artistas en general, de esta época, será escoger de toda la Historia del Arte lo que más les interesa. También se utiliza para definir este período la palabra Historicismo, que se refiere a una nueva visión de la Historia, en la que se indaga filosóficamente. Eclecticismo o Historicismo Historicismo no se refieren a lo lo mismo, el historicismo es el uso de un lenguaje anterior y el eclecticismo es el uso de varios













elementos cinéticos son signos gráficos en forma de rectas o comillas, que indican la trayectoria o el movimiento de personajes y objetos. Estas líneas permiten transmitir la idea de movimiento a la viñeta y aportan el dinamismo y la acción. Los recursos cinéticos esenciales son las líneas cinéticas y la descomposición del movimiento. Hay que saber representar bien las emociones para ayudar a los lectores a sentir lo que sienten los personajes. Si no, llevaría a la confusión. Imaginemos que nuestro personaje está triste pero tiene la cara sonriente. A no ser que esté intentando realizar un sarcasmo, esto llevaría a la confusión. Convendría ver













Quienes tuvimos la fortuna de vivir el tránsito, a veces tortuoso, entre la máquina de escribir y la computadora o entre la radio y el televisor, podemos, tal vez con mayor facilidad, prefigurar que los nuevos medios técnicos expandirán enormemente -y de hecho han expandido y continuarán haciéndolo- tanto las posibilidades del arte como las del diseño. No sólo esos medios nos ofrecen un repertorio de signos ampliado de modo casi exponencial, sino también nos ofrecen nuevas posibilidades combinatorias, particularmente porque la gramática se ha abierto, ha relajado sus viejas normas y ha generado otras, ya que nuevas unidades hacen posible no sólo más combinaciones realizables, sino que también generan nuevas reglas y, de este modo, afectan la gramática de ese lenguaje.













naturaleza como soporte, con un marcado componente efímero; el bio-art, que usa técnicas biológicas; etc. El arte conceptual, también conocido como idea art, es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte. El arte conceptual como movimiento emergió a la mitad de los años sesenta, en















ampliación hasta la destrucción de la idea de la pintura alentó un interés por lo efímero y lo inmaterial que prefiguró el "arte conceptual" con conciencia de su propia identidad subsiguiente. El arte conceptual emplea habitualmente materiales













ciencia se ponen al servicio del desarrollo industrial y comercial, alejándose del ámbito de lo estético. La emoción, la imaginación y lo subjetivo formarían parte del dominio de lo artístico, mientras que la ciencia se ocupa de lo racional, lo objetivo y













desarrolladas por la época en que les tocó vivir, en la medida en que éstas fueron haciéndose accesibles.













aprovechados para el desarrollo de técnicas que rápidamente fueron tomadas por los artistas como medios alternativos para la creación.













registro y la visualización. Esta distancia temporal es ineludible en el caso de la fotografía y del cine, ya que se trata del registro de imágenes fijadas a un soporte por procedimientos químicos, cuyo movimiento se consigue por medios mecánicos.































































Movimientos Artisticos de 1950 Al 2000

Recommend Documents