Impresionismo Así, la primera exposición impresionista tuvo lugar el 15 de Abril de 1874 en el Salón del fotógrafo Nadar. Las figuras principales del movimiento fueron Eduard Manet, Degas, Claude Monet, Auguste Renoir, Morisot, Pisarro y Sisley.
E
l Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino. El objetivo de los impresionistas era conseguir cons eguir una representación del mundo espontánea y directa. El Impresionismo parten del análisis de la realidad. Hasta ahora la pintura reproducía un escenario en el que ocurría un acontecimiento que conformaba el mensaje para el espectador. Ahora, se quiere que la obra reproduzca la percepción visual del autor en un momento determinado, la luz y el color real que emana de la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla. Se centrarán en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en la representación exacta de sus formas ya que la luz tiende a difuminar los contornos. Ven colores que conforman cosas, y esto es lo que plasman, formas compuestas por colores que varían en función de las condiciones atmosféricas y de la intensidad de la luz. Todo esto hace que elaboren una serie de un mismo objeto en diferentes circunstancias atmosféricas y temporales, no les importa el objeto, sino las variaciones cromáticas que sufre éste a lo largo del día. Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios (azul, rojo y amarillo) y los complementarios (naranja, verde y violeta). Consiguieron ofrecer una ilusión de la realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas. Aunque los hallazgos del impresionismo francés resultaron decisivos para la pintura del S. XX, conceptos como los de luz y color se encontraban ya en la pintura veneciana de mediados del S. XVI. Efectos que también están presentes en obras realizadas por Hals, Velázquez y Goya. Los antecedentes inmediatos los encontramos en los pintores como c omo John Constable, Turner, Turner, Corot y en la escuela de Barbizón, con su aportación de la pintura al aire libre. El término impresionistas les fue impuesto de modo peyorativo por el crítico Louis Leroy al ver la obra de Monet Impresión atardecer o Impresión sol naciente en la exposición de 1874. Lo habitual era exponer en el Salón Oficial, pero los nuevos artistas, conocidos como “Los Rechazados”, tenían que buscar lugares alternativos donde les permitieran exhibir sus obras.
Impresionismo Así, la primera exposición impresionista tuvo lugar el 15 de Abril de 1874 en el Salón del fotógrafo Nadar. Las figuras principales del movimiento fueron Eduard Manet, Degas, Claude Monet, Auguste Renoir, Morisot, Pisarro y Sisley.
E
l Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino. El objetivo de los impresionistas era conseguir cons eguir una representación del mundo espontánea y directa. El Impresionismo parten del análisis de la realidad. Hasta ahora la pintura reproducía un escenario en el que ocurría un acontecimiento que conformaba el mensaje para el espectador. Ahora, se quiere que la obra reproduzca la percepción visual del autor en un momento determinado, la luz y el color real que emana de la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla. Se centrarán en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en la representación exacta de sus formas ya que la luz tiende a difuminar los contornos. Ven colores que conforman cosas, y esto es lo que plasman, formas compuestas por colores que varían en función de las condiciones atmosféricas y de la intensidad de la luz. Todo esto hace que elaboren una serie de un mismo objeto en diferentes circunstancias atmosféricas y temporales, no les importa el objeto, sino las variaciones cromáticas que sufre éste a lo largo del día. Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios (azul, rojo y amarillo) y los complementarios (naranja, verde y violeta). Consiguieron ofrecer una ilusión de la realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas. Aunque los hallazgos del impresionismo francés resultaron decisivos para la pintura del S. XX, conceptos como los de luz y color se encontraban ya en la pintura veneciana de mediados del S. XVI. Efectos que también están presentes en obras realizadas por Hals, Velázquez y Goya. Los antecedentes inmediatos los encontramos en los pintores como c omo John Constable, Turner, Turner, Corot y en la escuela de Barbizón, con su aportación de la pintura al aire libre. El término impresionistas les fue impuesto de modo peyorativo por el crítico Louis Leroy al ver la obra de Monet Impresión atardecer o Impresión sol naciente en la exposición de 1874. Lo habitual era exponer en el Salón Oficial, pero los nuevos artistas, conocidos como “Los Rechazados”, tenían que buscar lugares alternativos donde les permitieran exhibir sus obras.
Impresionismo
Nacido en París en 1832, hijo de un importante funcionario, Manet fue un mediocre estudiante interesado únicamente en el dibujo. Ante la resistencia paterna a que iniciara una carrera artística, trató infructuosamente de ingresar en la Escuela Naval hasta que, tras un segundo intento fallido, su familia accedió a financiar sus estudios artísticos en el taller del pintor clásico Thomas Couture, al que abandonaría más tarde para establecer su propio estudio. Su estilo incluye el homenaje a la pintura española del Barroco junto al empleo de sugerencias su gerencias de la estampa japonesa, como la articulación de las tonalidades a través de contrastes y la renuncia al claroscuro tradicional. Se sitúa a caballo entre el realismo y el Impresionismo. Muchos han clasificado su estilo como naturalista porque se basa en la observación de la realidad y su plasmación sin alteración alguna. Representa la vida tal cual, sin adorno ni metáfora. Por ello sus obras suscitan escándalos y polémicas como en su Desayuno sobre la hierba que provocó la hostilidad de los críticos conservadores. El tema ya contaba con antecedentes en el Renacimiento, pero Manet lo interpreta adecuándolo a la modernidad.
Lo mismo sucede con Olimpia, para su desnudo no necesitó diosas ni musas como en el Renacimiento y en el Barroco, sino que representaba el desnudo de una prostituta, una mujer de la vida contemporánea. Para captar la realidad y la fugacidad utilizó la pincelada rápida y empastada, rasgo que identificará al Impresionismo. Por ello podría decirse que Manet fue su precursor. Manet abandonó su técnica tradicional, el óleo, para pasar al pastel. Paralelamente, su salud experimentó un creciente deterioro a causa de una enfermedad de origen infeccioso originada en su pierna izquierda, situación que más tarde lo alejaría de todo.
Nacido en París en 1840, pasó la mayor parte de su niñez en Le Havre, donde estudió dibujo en su adolescencia y pintó marinas al aire libre con Boudin. En la década de 1860 se juntó con el pintor pre-impresionista Édouard Manet y con otros pintores franceses que más tarde formarían la escuela impresionista. Monet pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea, y así comenzó a tener cierto éxito en las exposiciones oficiales. Sin em-
“Desayuno en la hierba”, 1863 Edouard Manet
“Olympia”, 1863 Edouard Manet
“La Catedral de Rouen”, 1893 Claude Monet
Impresionismo
“Impresión atardecer”, 1872 Claude Monet
“La estrella”, 1878 Edgar Degas
“ La Bebedora d e ajenjo”, 1876 Edgar Degas
bargo, a medida que su estilo jidades reales de la naturaleza evolucionaba, Monet transgre- ni la intensidad de sus propios día con frecuencia los con- sentimientos. vencionalismos artísticos tra- Monet continuó pintando, a pedicionales en beneficio de una sar de que la vista le fallaba, expresión artística más directa. casi hasta el momento de su muerte. Sus experimentos al aire libre se hacían cada vez más audaces, buscando la reproducción de la luz del día por medio de una aplicación libre de colores brillantes. De este modo le dio la espalda a la posibilidad de una carrera exitosa como pintor Nació en Paris en convencional. 1934. Después de cursar dereEs uno de los pintores que más cho, y gracias a la ayuda de su contribuye al movimiento. Nun- acaudalado padre, estudió en ca derivó hacia otras corrientes la Escuela superior de bellas artísticas, sino que se mantu- artes. Posteriormente fue a Itavo fiel al Impresionismo hasta lia donde copió a los maestros su muerte. del Renacimiento. Su máxima preocupación es En esta época, su estilo, aunplasmar la vibración cromático- que se mantenía en la línea de lumínica en sus lienzos. La luz lo tradicional, y con influencia engendra el color y la forma. de Ingres y Chavannes, no deSus temas preferidos son las jaba de manifestar una acusamarinas, las escenas fluviales da personalidad artística. y los paisajes. Ejemplos: Impresión atardecer, Regatas en Es un impresionista más de la Argentuil, Las amapolas, Pa- forma que del color. Es un háseo con sombrilla, La estación bil dibujante, le preocupó capde San Lázaro, La Catedral tar el movimiento con fidelidad, de Rouen. de ahí que desarrollara temas A mediados de la década de como las bailarinas y las carre1880 Monet, considerado el di- ras de caballos. rigente de la escuela impresio- Es un gran observador de la nista, había alcanzado un re- mujer, capta las posturas más conocimiento importante y una insólitas, las poses naturales e buena posición económica. A instantáneas. Algunas de sus pesar de la audacia de su colo- obras son: Clase de danza, La rido y de la extrema simplicidad bebedora de ajenjo, Bailarina de sus composiciones, se le va- en la escena, Planchadores, loró como un maestro de la ob- Carreras. Cultivó el dibujo en servación meticulosa, un artista detrimento del color, por lo que que no sacrificó ni las comple- no armonizó bien con el Impre-
Impresionismo sionismo, y tampoco con las tendencias conservadoras por sus temas contemporáneos. A partir p artir de 1880, produjo gran cantidad de retratos y de escenas de género. Atraído por el ballet y la ópera, pintó cuadros de bailarinas, pero también fueron para él constantes motivos de inspiración las carreras de caballos y el circo. Casi todas sus obras eran desnudos femeninos, tratados con una gran libertad de deformación expresiva y de composición. Asimismo utilizó el pastel y finalmente, modeló admirables esculturas de bailarinas (cuando ya su misantropía y sus ojos se resistían al color.
Nació en Limoges en 1841. Hijo de artesanos, vivió sus primeros años en barrios proletarios donde trabajó como decorador de porcelanas y pintor de abanicos. Después accedió al taller del pintor Gilbert y, luego al de Gleyre, donde conoció a Monet, Bazille y Sisley, con quien más tarde compartió su casa en París. Sus primeros intereses como pintor se inclinaron por la escuela de Barbizon y, consecuentemente, por la pintura al aire libre. En comparación con Manet, que pintó en un alarde de pinceladas imprecisas e indefinidas, Renoir libera más la pintura,
con una sucesión de manchas centelleantes que parecen deslizarse sobre la tela al ritmo de la música o de los movimientos de los árboles que dejan pasar parcialmente la luz. Ofrece una interpretación más sensual del Impresionismo. Se pone en relación con los pintores del S. XVIII que mostraban la sociedad galante del Rococó. En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores. Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino, que recuerda a Rubens por las formas gruesas. Renoir posee una vibrante y luminosa paleta que hace de él un impresionista muy especial. El palco, El columpio, El Moulin de la Galette, Le dèjeuner des canotiers, Bañistas, son sus obras más representativas. Las penurias económicas de Renoir terminaron con el éxito de la exposición impresionista de 1886 en Nueva Nuev a York. York. A partir de ese momento los éxitos se suceden. Sin embargo, ni su artritis, que le lleva a instalarse en la Provenza en busca de un clima más cálido -es operado en 1910 de las dos rodillas, una mano y un pie-, ni el alistamiento de sus hijos Pierre y Jean durante la Primera Guerra Mundial, ni incluso la muerte de su esposa en 1915, logran disminuir su entusiasmo por la pintura.
“ El Palco”, 1874 Pierre Auguste Renoir
“Le Moulin de la Galette”, 1876 Pierre Auguste Renoir
“ El columpio”, 1876 Pierre Auguste Renoir
Impresionismo
“Vista de Auvers”, 1874 Paul Cezanne
“ Los jugadores de naipe”, 1892 Paul Cezanne
Nacido en Aix-enProvence en 1839, Cézanne procede de una familia adinerada, y su padre, de origen italiano, poseía un establecimiento bancario. Recibió una esmerada educación y unos conocimientos humanísticos en el colegio de Bourbon, donde conoció a Emile Zola, uno de sus amigos más íntimos. Cézanne empezó los estudios de Derecho para complacer a su padre, pero más tarde, con el apoyo materno se trasladará a París para comenzar su carrera como pintor. Asiste a la Academia Suiza para ejercitarse en el dibujo, y allí conoce a Pisarro, con el que también visitará el Louvre para estudiar las obras de los grandes pintores del pasado. Tras unos primeros lienzos de concepción romántica, el trato con Pisarro condicionó su pintura. Le ayudó a aclarar su paleta, a interesarse por el bodegón y el paisaje. Le enseñó a pintar como un impresionista. De todas maneras, Cézanne ya apuntaba hacia la exaltación de los volúmenes, rasgo que lo diferencia de los demás impresionistas. Su presencia en la primera exposición de los impresionistas (1874) provocó rechazos, ya que ni los miembros del grupo acababan de entender su obra. Lo volvió a intentar en otra muestra, pero como no se aceptó su estilo, abandonó el grupo y se trasladó a Aix. El Impresionismo fue para Cézanne una práctica, una técnica que tratará de acomodar a sus intenciones, donde la pincelada pierde espesor y el colorido gana pureza. Para él el Impresionismo se fundaba demasiado en la sensación
y en la superficialidad. Retirado en Aix-en-Provence, prescinde de la emotividad y del sentimiento para reflexionar sobre el lenguaje pictórico, meditando sobre las relaciones entre la forma y el color. Se concentrará en el bodegón esforzándose por encontrar el color exacto, ya que cuanto más se ajuste el color, con más precisión aparecerá la forma. No aplicó el sistema de claroscuro tradicional y tampoco recurrió al modelado ni al dibujo. Cézanne busca en la naturaleza las formas esenciales, que para él son las figuras geométricas (el prisma, la esfera, la pirámide) y en consecuencia, plasma lo que contempla. Así, al representar un objeto, no lo hace de un lado solamente, sino que lo muestra desde posiciones diferentes. Por este motivo, puede ser considerado como uno de los principales artistas del postimpresionismo y como precursor la pintura cubista.
Neoimpresionismo Este movimiento tiene su origen en Francia en 1880 y estará liderado por Georges Seurat y Paul Signac, quienes primero exhibieron sus trabajos en 1884 en la muestra de la Société des Artistes Indépendants en París. El término “neoimpresionismo”, aplicado por el crítico Félix Fénéon, señalaba que las raíces de estos desarrollos se situaban en las artes visuales del Impresionismo, pero se ofrecía, a su vez, una nueva lectura del color y la línea, con el trasfondo teórico de los escritos de Chevreul y Charles Blanc, siendo así el primer movimiento que plantea una relación entre arte y ciencia. Tal como los impresionistas, usan en su paleta colores puros, pero bajo ningún concepto admiten una mezcla en la paleta (salvo la mezcla de colores vecinos en el círculo. Éstos, matizados entre sí, y aclarados con el blanco, engendran la multiplicidad de los colores del prisma y todas sus graduaciones). Merced al empleo de trazos aislados de pincel -cuyo tamaño mantiene una correcta proporción con el tamaño de todo el cuadro-, los colores se mezclan en el ojo del espectador, si este se coloca a la debida distancia. El objeto de la descomposición de los colores es conferir al color el mayor esplendor posible, crear en el ojo -mediante la mezcla de las partículas de color yuxtapuestas- una luz coloreada, el brillo de la luz y los colores de la naturaleza. Los neoimpresionistas no atribuyen importancia a la forma de la pincelada. Para ellos, no es más que una de las innumerables partes que, en conjunto, componen el cuadro; un elemento que desempeña el mismo papel que la nota en una sinfonía. El arte de los coloristas está evidentemente asociado, en cierto sentido, tanto con la matemática como con la música. Uno de los primeros efectos del uso del color puro y de una pincelada regular es la afirmación del plano. Así pues se cuestiona la perspectiva tradicional, en tanto que se afirma la superficie del cuadro como un universo independiente de la naturaleza. Las formas simplificadas por este tratamiento toman un aspecto geométrico. Los neoimpresionistas rechazan asimismo el recurso tradicional para crear la ilusión del movimiento. Para animar la “superficie plana” de sus lienzos, prefieren un juego de líneas rítmicas o repetir un motivo geométrico. Por las mismas razones, privilegian el arabesco cuyo desarrollo amplio guía el ojo del espectador a la superficie de sus obras. También cuestionarán la traducción de una realidad efímera tan exaltada por los impresionistas y, en su lugar, desean captar la esencia de un paisaje o de una personalidad. Después de haber privilegiado la descripción del París moderno y de sus alrededores, a partir de la década de 1890, los neoimpresionistas manifiestan una predilección por el universo mediterráneo, evocador de una Edad Dorada mítica. Asimismo, estos artistas renuncian a la exploración de los matices más sutiles de la luz para obtener efectos de colores más vivos. Amplían el “punto” hasta reemplazarlo por una pincelada más libre. Dejan de lado el principio de la mezcla óptica a favor de la teoría del contraste, en la que la armonía se establece por la
Neoimpresionismo oposición entre los colores complementarios, entre la sombra y la claridad. Tras la muerte de Seurat, el neoimpresionismo evoluciona rápidamente, como se observa en particular en la transformación del estilo de Cross y de Signac entre 1893 y 1898. La factura parece más espontánea y las pinceladas están claramente individualizadas. La publicación en 1898 del tratado de Signac hace resurgir el interés por la división de los colores. Gracias a esta obra, la mayor parte de artistas innovadores de principios del siglo XX se interesan en el neoimpresionismo, aunque cada uno extraiga su propia inspiración y ninguno le sea fiel.
Modelo de color de Chevreul
Modelo de color de Blanc
Contraste simultáneo Chevreul
Neoimpresionismo
“El puerto de Saint-Tropez”, 1907 Paul Signag
“El palacio de los Papas de Aviñón”,1900 Paul Signag
Nació en París en 1863. Procedente de una familia acomodada, Paul Signac pudo dedicarse casi enteram na y las costas mediterráneas. Formuló sus ideas estéticas en De Eugène Delacroix al Neoimpresionismo (1899). La obra es una defensa de los procedimientos técnicos adoptados por los pintores neoimpresionistas, pintores animados por la común aspiración de dar a sus telas el máximo de la luminosidad. Tras la muerte de Seurat, Paul Signac se trasladó a Saint-Tropez. Fue un gran viajante y navegante a lo largo de su vida, y esta afición a viajar lo llevó desde La Rochelle a Marsella y desde Venecia a Constantinopla, viajes en los que pintaría principalmente temas marinos y que explicarían la gran cantidad de acuarelas presentes en su obra, además de su estilo tan particular, ágil y exacto. Su técnica dejó de ceñirse tan estrictamente a las reglas puntillistas, y evolucionó hacia un ensanchamiento de sus pinceladas. A partir de 1913, Signac realizó largas estancias en Antibes, aunque siguió conservando su estudio de París. Además de paisajes y retratos, también pintó bodegones y algunas composiciones decorativas. El pintor jugó un papel muy considerable en la formación del grupo de neoimpresionistas; sirvió además de vínculo entre Pissarro, Seurat y los escritores simbolistas, y trabó amistad con pintores belgas que formaron un segundo grupo de neoimpresionistas.
Nació en París en 1859 en el seno de una familia muy modesta. Desde muy joven comenzó a dibujar bajo la dirección del escultor Lequien, para más tarde ingresar en la escuela de bellas artes. Allí, en el taller de Lehman, las teorías permanecían fieles al clasicismo de Ingres. Dotado de un espíritu positivo y de una inteligencia precoz, Seurat se interesó por las investigaciones de los teóricos de la luz, cuyos hallazgos trató de aplicar a la pintura. Seurat llevó al límite la experiencia impresionista y, en lugar de reproducir los efectos de la luz, empezó a pintar mediante toques aislados y a plasmar las formas reducidas a sus características esenciales. También experimentó en torno a fenómenos ópticos, como la descomposición de la luz o el efecto de intensificación de la percepción producido por la presencia simultánea de colores complementarios. Para poder plasmar la visualización pictórica de estos principios, realizó una disminución progresiva de la pincelada hasta reducirla a pequeños puntos de colores puros, sin mezclar, que al fundirse en la retina del que contempla el cuadro producen un efecto de gran luminosidad e intensidad cromática. Por otro lado, buscó la plasmación de colores secundarios brillantes por medio de colores primarios, que no están realmente mezclados sino próximos, de modo que es el ojo humano el que, a cierta distancia, percibe el color buscado. Más tarde participó en la fundación del Salón de Artistas Independientes, que agrupaba pintores de nuevas tendencias, entre las que figura
Neoimpresionismo el neoimpresionismo o puntillismo, corriente de la que fue el iniciador. Allí, conoció a Signac, que se convirtió en su seguidor. Más tarde se les unió Camille Pissarro. Los impresionistas se liberaron del exceso de contemplación y razonamiento constructivista: pretendían captar el momento fugaz, su transitoriedad, sus matices cambiantes. Los puntillistas reaccionaron contra esta fugacidad. En vez de una aproximación instintiva, de unos procedimientos más o menos improvisados, ellos querían encontrar una técnica razonada, normativa, perenne. La influencia del puntillismo fue amplia, pero de corta duración, pues lo estricto de las reglas chocaba con la sensibilidad propia de cada artista. Además, las ideas en sí mismas eran difíciles de llevar a la práctica y la teoría dejaba muchos problemas sin resolver. Cuando los pequeños puntos no lograban fundirse, producían el mismo efecto que un mosaico. Sin embargo, aun cuando el puntillismo fuera rápidamente abandonado, obtuvo muchos logros, entre los que se cuenta el de propiciar la creencia de que el arte debía apoyarse en el conocimiento científico, idea que, de algún modo, condujo al nacimiento del cubismo y del arte abstracto. Del mismo modo que Cézanne, Seurat tiende a la realización de elementos geométricos, aunque elegantemente estilizados. Su manera de realizar la pintura fue también totalmente diferente de la de los impresionistas: trabajó la escena en su estudio durante un largo período de tiempo, y utilizó tanto apuntes realizados en forma impresionista como dibujos cuidados y casi académicos para cada detalle del cuadro. Los puertos de Bretaña y Normandía, que visitaría frecuentemente a lo largo de toda
su vida, inspiraron la mayoría de sus paisajes. La fusión de Seurat de ciencia y emoción Seurat toma de los teóricos del color la noción de un acercamiento científico a la pintura. Seurat creía que un pintor podía usar el color para crear armonía y emoción en el arte de la misma forma que los músicos usan variaciones del sonido y el tiempo para crear armonía en la música. Seurat teorizó que la aplicación científica del color era como cualquier otra ley natural, y se condujo a probar esta conjetura.
“Las Bañistas en Asniéres”, 1884 Paul Signag
“Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte”, 1886
Paul Signag
“El Sena y la Grande Jatte”, 1888
Paul Signag
Postimpresionismo El término postimpresionismo se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX tras el impresionismo.
E
ste movimiento, que se prolongó desde finales del siglo XIX hasta principios del siglo XX, recibió su nombre gracias al crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición que se celebró en Londres en 1910. Este término engloba en realidad diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de este. El postimpresionismo era tanto una extensión del impresionismo como un rechazo a sus limitaciones. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Aunque a menudo exponían juntos, no se trataba de un movimiento cohesionado. Trabajan en áreas geográficas distantes entre sí, van Gogh en Arlés, Cézanne en Aix-en-Provence. Sus formas más exageradas y el uso del color, estructura y líneas prepararon el terreno para los estilos que seguirían más adelante del siglo XX, como el fauvismo o el cubismo. El crítico de arte y pintor Robert Fry fue el primero en el utilizar el término “postimpresionismo” cuando en 1910 organizó una exposición en las Grafton Galleries de Londres titulada Manet and the Post-Impressionists, en la que los protagonistas más destacados fueron Cézanne, Gauguin y Van Gogh, por entonces ya todos ellos fallecidos. Con el postimpresionismo se creó un nuevo tipo de artista, el genio individual que vive de su arte, la personalidad creadora que plasma su psicología en el cuadro, gracias a su trazo singular, al color personal, y a la recuperación de las formas y las estructuras, pero con una nueva lectura. El color se hace representativo y subjetivo, no objetivo. Se representa el color con que se ve el alma de las cosas. La realidad se interpreta según la visión personal del genio creador. Los pintores huyen de París buscando el primitivismo del arte, aunque esta ciudad sigue siendo el centro del arte mundial. Estos nuevos impresionistas tienen una visión particular de su pintura, que les aleja del impresionismo clásico. Casi todos estos autores serán, durante un tiempo, impresionistas, pero lo superarán dando soluciones personales. Muchos de ellos están en el origen de las vanguardias históricas.
Postimpresionismo
Nació en Albi, Francia, en 1864, en el seno de una familia aristocrática. A los 10 años se empiezan a manifestar las primeras dificultades motrices, lo que obligó su retirada del colegio para ser sometido a tratamiento médico. Su madre recorrerá todos los especialistas para curar la dolencia del pequeño, sin encontrar una solución, ya que la enfermedad que padecía Henri era totalmente desconocida en el siglo XIX (la picnodisostosis es un desorden genético provocado por la consanguinidad de los padres, que en su caso eran primos hermanos, que afecta al desarrollo de los huesos). A esta dolencia debemos añadir dos fracturas accidentales en los fémures de ambas piernas lo que le impidió alcanzar una estatura normal. Pero llevó su condición física con estoicismo y su deformidad no le impidió relacionarse y mantener una vida social normal. Toulouse-Lautrec decidió ser pintor, y con el apoyo de su tío Charles y unos pintores amigos de la familia, como Princetau, John Lewis Brown y Jean-Louis Forain, fue a vivir a París en 1881. Allí, fue alumno de Léon Bonnat, que era un retratista de moda, y, cuando se cerró el taller de Bonnat en septiembre de 1882, tuvo que buscar un nuevo maestro, Fernand Cormon. En el estudio de Cormon se hizo amigo de Vincent van Gogh. La fascinación que sentía por los locales de diversión nocturnos le llevó a frecuentarlos con asiduidad y hacerse cliente habitual de algunos de ellos como el Salon de la Rue des Moulins, el Moulin de la Galette, el Moulin Rouge, Le Chat
Noir o el Folies Bergère. Todo lo relacionado con este mundo, incluida la prostitución, constituyó uno de los temas principales en su obra. En sus obras de los bajos fondos de París pintaba a los actores, bailarines, burgueses y prostitutas. A éstas las pintaba mientras se cambiaban, cuando acababan cada servicio o cuando esperaban una inspección médica. Al contrario que los artistas impresionistas, apenas se interesó por el género del paisaje, y prefirió ambientes cerrados, iluminados con luz artificial, que le permitían jugar con los colores y encuadres de forma subjetiva. Muy observador, le atraían la gestualidad de los cantantes y comediantes, y le gustaba ridiculizar la hipocresía de los poderosos, que rechazaban en voz alta los mismos vicios y ambientes que degustaban en privado. El alcoholismo deterioró su salud. Y a partir de 1897 padeció manías, depresiones y neurosis, además de ataques de parálisis en las piernas y en un costado. En 1897 tuvo que ser recogido de las calles a causa de una borrachera y poco después en un delírium trémens llegó a disparar a las paredes de su casa creyendo que estaban llenas de arañas. Sin embargo seguía pintando de forma firme y rápida; pero lo volvieron a recoger alcoholizado en 1899 y lo internaron en un sanatorio mental. Allí realizó una colección de pinturas sobre el circo. Le dejaron ir a casa de su madre en las posesiones de ésta cerca de Burdeos, y el 9 de septiembre de 1901 murió postrado en su cama. En 1922 su madre y su tratante abrieron el Museo Toulouse-Lautrec en el Palacio de la Berbie, Albi, muy visitado y reconocido por su amplia colección.
“Avril”, 1893 Toulouse-Lautrec
“En el Salón de la Rue des Moulins”, 1894 Toulouse-Lautrec
“La lavandera” Toulouse-Lautrec
Postimpresionismo
Autorretrato con oreja vendada Vincent van Gogh
“Autoretrato”, 1889 Vincent van Gogh
“Los cuervos sobre el campo de trigo”, 1890 Vincent van Gogh
carbón. Gracias a Theo ingresa en la Academia de pintura de Bruselas y, en 1881 viaja a La Haya, donde su primo Mauve lo introduce en Nació el 30 de mar- los círculos artísticos de la ciudad. zo de 1853. Hijo de un austero y Orienta su interés pictórico hacia humilde pastor protestante neer- naturalezas muertas. De esta épolandés llamado Theodorus y de su ca data su amor con una prostitumujer Anna Cornelia, Vincent reci- ta embarazada que le contagia la bió el mismo nombre que recibió un sífilis, pero sólo cuando su enferhermano que nació muerto exacta- medad empeora. Poco después mente un año antes. El 1 de mayo se instala con su padre en Neven de 1857 nació su hermano Theo y donde se interesará por los teambos tuvieron cuatro hermanos mas de la naturaleza y el retrato. más: Cornelius Vincent, Elisabetha En 1890 no recibe la suma que Huberta, Anna Cornelia y Wilhelmi- mensualmente le envía su hermano. Conoce la desesperación, na Jacoba. Durante la infancia acudió a la es- se siente fracasado y enfermo; le cuela de manera discontinua e irre- abruma la tristeza y la angustia. gular, pues sus padres le enviaron Con la excusa de ir a cazar cuera diferentes internados. El primero vos, consigue un revólver prestade ellos en Zevenbergen en 1864, do con el que se dispara un tiro. donde estudió francés y alemán.5 Durante los últimos treinta meses Dos años después se matriculó de vida llegó a realizar 500 obras y en el Instituto Hannik (Tilburg) y en sus últimos 69 días firmó hasta permaneció allí hasta que dejó los 79 cuadros. Sin embargo, su deestudios de manera definitiva a los presión empeoró y el 27 de julio de 15 años.6 Allí nació su afición por 1890, a la edad de treinta y siete la pintura, aunque durante el resto años, mientras paseaba por el camde su vida se enorgulleció de ser un po, se disparó un tiro en el pecho con un revólver. No se dio cuenta gran autodidacta. Sobre su infancia, Vincent van de que su herida era mortal y volvió Gogh comentó: «Mi juventud fue a la pensión Ravoux, donde murió en su cama dos días después, en triste, fría y estéril.» Su situación le hace ver en la reli- brazos de su hermano Theo. gión el único camino para salvar la crisis, por esto, comienza a predicar el metodismo en Isleworth. Por otro lado, percibe ayuda de su familia para regresar a Amsterdam y cursar allí estudios de Teología protestante, pero no es admitido en el Seminario. Es nombrado predicador finalmente en Bruselas y destinado a la región de Borinage, donde convive con los mineros (su apoyo a una huelga le vale el cese de su cargo religioso). De su estancia en esa región de Holanda datan los dibujos de mujeres recogiendo
Postimpresionismo
Nació en París en 1848. Su padre era un periodista liberal y tuvo que emigrar, en 1852, con toda su familia a Perú tras el golpe de estado de Napoleón III. Años más tarde regresan a Francia, instalándose en Orléans. Luego, se trasladarán a París, donde se preparará para ingresar en la Escuela Náutica, pero finalmente se enrola en la marina. A su regreso a París se convierte, gracias a un amigo de la familia, en agente de Bolsa, trabajo en el que se desenvuelve muy bien, obteniendo buenos ingresos que le permiten coleccionar pinturas, empezar a pintar y contraer matrimonio. Su primer maestro artístico será Camille Pissarro de cuya mano entra en el grupo impresionista, participando con ellos en varias exposiciones. También le llamará la atención Edgar Degas Hombre de cáracter difícil, arrogante y egoísta, tenía una clara conciencia del valor de su trabajo, y fue esta conciencia la que le ayudó a sobrevivir en los muchos momentos difíciles de su existencia. Sus primeras obras impresionistas fueron hechas bajo la dirección de Pisarro, pero muy pronto se sintió insatisfecho con un método que sólo era apto para describir lo que veía ante sí.Lo que él pretendía era traducir en imágenes las sensaciones.Su problema consistió en la búsqueda de temas y fórmulas expresivas que simbolizaran dichas sensaciones, y encontró, primero en Bretaña y luego en Tahití , los parajes exóticos donde materializar estas ideas. En su búsqueda de primitivismo, recurrió a las cualidades ingenuas y narrativas del arte del
Quattrocento italiano, los espacios de Fra Angelico y los ritmos sinuosos de Boticelli. Las combinaciones de colores y fuertes contornos de las estampas japonesas, las toscas esculturas de piedra de las iglesias bretonas, el estatismo y la solemnidad del arte egipcio y las esculturas precolombinas de América Central, están igualmente en la base de su pintura, pues en ellas la necesidad expresiva tenía prioridad sobre la mera representación. Cézanne y Degas también dejaron una huella importante en el desarrollo de su estética, y se sirvió de ellos para abandonar los caminos del naturalismo. En su primer pintura completamente simbolista, La visión después del sermón, de 1888, las formas aplanadas de contornos oscuros y las zonas de puro color nos indican la tentativa del artista por alcanzar una síntesis en donde la complejidad de la idea se expresa a través de la simplificación de la forma. Su nuevo sueño es marcharse a Tahití. Piensa ganarse la vida haciendo retratos pero decide retirarse de la civilización y vivir con una joven mestiza. En 1893 regresa a París, donde espera el reconocimiento de su talento y el éxito económico, pero ocurre lo contrario por lo que regresa a Oceanía, desesperado, enfermo, alcohólico y solo. Gauguin empieza una importante campaña a favor de los indígenas y al tener dificultades con las autoridades de Tahití, abandona la isla y se traslada a Atuana, donde intenta aislarse lo más posible con una muchachita muy joven y en una cabaña confortable. Morirá, al parecer, de un ataque cardíaco.
“¿Cuando te casas?”, 1892” Paul Gauguin
“El Cristo amarillo”, 1889 Paul Gauguin
“Arearea”, 1982 Paul Gauguin
Simbolismo (1880-1900) El término simbolista procede del ámbito literario. El primero en utilizarlo fue el poeta Jean Moréas en 1885 en su “Manifiesto Simbolista” y posteriormente se aplicó a la nueva pintura ya que las intenciones de los poetas y los pintores eran semejantes.
E
l Simbolismo es un movimiento literario y de artes plásticas que se originó en Francia en la década de 1880, paralelo al postimpresionismo, y que surgió como reacción al enfoque realista implícito en el Impresionismo. Tanto el Impresionismo, como el idealismo y el naturalismo académico se habían identificado con los problemas contemporáneos, políticos, morales e intelectuales. Los artistas de 1885 disgustados por la incapacidad de la sociedad para resolver estos problemas buscaron nuevos valores basados en lo espiritual. Desean crear una pintura no supeditada a la realidad de su momento, rechazan lo que trae consigo la vida diaria, la aglomeración, la actividad industrial y la degradación. Se va creando un estado de decepción frente al positivismo y cientifismo imperante y se descubre una realidad más allá de lo empírico. A esto contribuye Schopenhauer, que en su oposición al positivismo, insiste en que el mundo visible es mera apariencia y que sólo adquiere importancia cuando somos conscientes de que a través de él se expresa la verdad eterna. Él defiende no el pintar el objeto en sí mismo, sino para trascender a otros ámbitos a través de la intuición y la contemplación. Los simbolistas consideran que la obra de arte equivale a una emoción provocada por la experiencia. Tratan de exteriorizar una idea, de analizar el yo. Les interesa la capacidad de sugerir, de establecer correspondencias entre los objetos y las sensaciones, el misterio, el ocultismo. Sienten la necesidad de expresar una realidad distinta a lo tangible y tienden hacia la espiritualidad. El símbolo se convierte en su instrumento de comunicación decantándose por figuras que trascienden lo material y son signos de mundos ideales y raros. Hay una inclinación hacia lo sobrenatural, lo que no se ve, hacia el mundo de las sombras. La revelación de Freud acerca de la vida de los sueños y la existencia de una parte irracional en lo humano es aplicada al programa simbolista reivindicando la búsqueda interior. Cultivarán el subjetivismo, el antirracionalismo y aflorará el interés por el cristianismo y las tradiciones diversas. Estudian la ambigüedad, la belleza hermafrodita, lo andrógino, la mujer fatal que destroza cuando ama, lo femenino devorador. La mujer brota del mundo del inconsciente y para huir de la realidad adopta forma de esfinge, de sirena, de araña o de genio alado. Los seres que aparecen en ese mundo de sueño serán i ncorpóreos. Prestan especial atención a la forma, pero la ponen al servicio de unos ideales que van más allá de la pura apariencia. Plasman sus sueños y fantasías por medio de la alusión al símbolo y a una rica ornamentación. A veces utilizan colores fuertes para resaltar el sentido onírico de lo sobrenatural. Puede decirse que es una pintura de ideas, sintética, subjetiva y decorativa. Los precursores de esta nueva pintura son Gustave Moreau, Puvis de Chavannes y Odilon Redon.
Simbolismo
Edvard Munch nació el 12 de diciembre de 1863 en Løten, Noruega. Hijo del médico militar Dr. Christian Munch y su esposa Laura Cathrine, tuvo una infancia muy difícil, ya que su madre y su hermana murieron de tuberculosis cuando él era muy joven, y su padre era hombre dominado por obsesiones de tipo religioso que murió en 1889. De todo ello surgió una personalidad conflictiva y un tanto desequilibrada, que él mismo consideraba la base de su genio. En el año 1879 comienza la carrera de ingeniería pero unos años más tarde lo deja para empezar su carrera artística que le abrió el camino al desarrollo del expresionismo, hasta que en el año 1881 vende dos cuadros y pinta su primer autorretrato. El pintor naturalista noruego, Christian Krohg fue un maestro esencial para Munch que en gran variedad de ocasiones corregía sus trabajos y le ayudaba a mejorar. Participó por primera vez en la exposición de otoño de Cristianía (Oslo) donde estableció relaciones con el círculo de literatos y artistas de la capital. En 1885 llevó a cabo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Gauguin, visita allí los Salones y el Louvre que le impresionó notablemente. Ese mismo año participó en la Feria Mundial de Amberes. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista comienza a pintar tres de sus obras capitales: El día siguiente, Pubertad y La niña enferma la cual causa un escándalo en la Exposición de
Otoño de Oslo en el año 1886. No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como pintor simbolista. En su primera exposición individual con 110 cuadros en Oslo hizo que una parte del publico lo aclamara con entusiasmo. Refleja la enfermedad, la muerte y la obsesión religiosa que llenaron su infancia y su juventud como la gran mayoría de sus obras. Entre 1894 y 1897 crea sus primeros aguafuertes mientras continua realizando exposiciones en Estocolmo, Berlín y Oslo con una de sus exposiciones con más éxito. Con el estudio de Tolouse-Lautrec, Bonnard y Vuillard creó una serie de bocetos mediante una técnica que puede considerarse un invento común de ambos, como eran los bocetos de óleo sobre papel o bien sobre tableros unidos con cola en el que no se trabajaba el fondo. Durante la Segunda Guerra Mundial Munch se hace mundialmente conocido y expone por primera vez sus cuadros en los Estados Unidos en 1942 en Nueva York. Con motivo de su 80 cumpleaños es objeto de grandes homenajes, a pesar de su mal estado, en el que sufre continuamente resfriados, acude a todos ellos con gran honor. El 23 de enero de 1944 muere en Noruega como había vivido: com pletamente solo.
“El grito”, 1893 Edvard Munch
“La muerte de Marat me”, 1907 Edvard Munch
Simbolismo
“Retrato de Adele Bloch-Bauer”, 1907 Gustav Klimt
“Las Tres Edades de la Mujer”, 1905 Gustav Klimt
Klimt nació en una pequeña ciudad, Baumgarten, cerca de Viena, el segundo de siete hijos (tres chicos y cuatro chicas) Ya desde la infancia, los tres hijos varones mostraron inclinaciones artísticas, que podían haber heredado tanto de su padre, Ernst Klimt (1832-1892) que era grabador de oro como de su madre, Anna Klimt, cuya ambición frustrada era dedicarse al canto. Klimt vivió en una relativa pobreza la mayor parte de su infancia, en tanto que como familia de inmigrantes, el trabajo escaseaba tanto como las oportunidades de promoción social. Fue por tanto sólo gracias a su talento que en 1876, con catorce años, recibió una beca para estudiar en la Kunstgewerbeschule, la Escuela de Artes y Oficios de Viena, donde se formaría hasta 1883 como pintor y decorador de interiores. En 1881 los tres jóvenes artistas crearon un estudio, recibiendo encargos tales como la decoración del teatro municipal de Reichemberg. El resultado fue tan satisfactorio que el propio rey de Rumania les encargó la decoración de la escalera del castillo de Peles con una galería de antepasados. Los traba jos que realizarán en estas fechas están vinculados al clasicismo historicista del que Makart. Sus maestros fueron Michael Rieser, Ludwing Minnigerode y Karl Hrachowina. Klimt admiraba y reverenciaba al entonces pintor de moda, Hans Makart, y se sometió gustoso a los dictados de una educación artística clasicista. Es por ello que su obra temprana puede considerarse académica.
Klimt comenzó su carrera individual como pintor de interiores en grandes edificios públicos de la Ringstraße, desarrollando ya algunos temas alegóricos que posteriormente se convertirían en un rasgo distintivo de su obra. “Estoy convencido de que no soy una persona especialmente interesante. No hay nada espe- cial en mí. Soy pintor, alguien que pinta todos los días de la mañana a la noche. Figuras, pai- sajes; de vez en cuando, retra- tos. Las palabras, habladas o es- critas, no me salen con facilidad, especialmente cuando tengo que decir algo sobre mí mismo o sobre mi trabajo. (...) Si alguien quiere descubrir algo en mí (...) puede contemplar atentamente mis pinturas y tratar de descubrir a través de ellas lo que soy y l o que quiero”.
En su obra, generalmente representa mujeres desnudas. Utilizaba modelos que pertenecían a la burguesía vienesa, pero también tenía un séquito de mujeres prostitutas o de vida humilde que le servían de musas. El tema que trata en la mayoría de sus cuadros es la sexualidad femenina, recorriendo el ciclo de la vida en todas sus etapas: procreación, gestación, infancia, juventud y vejez, salud y hermosura, enfermedad y muerte. La muerte de la madre del pintor en 1915 supondrá un duro golpe para él, provocando que su paleta se haga más oscura, lo que conducirá a que sus paisajes tiendan al monocromatismo. En 1918 Klimt sufría un ataque de apoplejía que le dejó medio paralizado y días después fallecería a consecuencia de una neumonía.
Simbolismo como de su futura consideración como precursor del surrealismo. Hasta 1890 su trabajo fue casi exclusivamente en blanco y negro, pero poco a poco, y rondando ya los cincuenta años, sus litografías Bertrand-Jean Rese tornan más luminosas, hasdon -cuyo apodo de Odilon deriva ta alcanzar finalmente el color. Es del nombre de su madre, Odile- naentonces cuando las litografías y ció en Burdeos en 1840. dibujos al carbón son sustituidos Su padre había hecho una pequepor acuarelas y óleos. Sus temas ña fortuna desbrozando bosques, siguen siendo los mismos: mitos y su imagen de aventurero libre y clásicos, orientales, bíblicos, litedecidido contrastó con el carácter rarios y científicos adaptados a su ensimismado y soñador del pintor, particular y un tanto alucinada vipoco proclive a la acción. sión interior. Sus problemas de salud le hicieron Su actitud de artista original y abandonar su hogar en Burdeos comprometido con sus ideas -que para residir, junto a un viejo tío, le llevara en 1884 a la presidenen Peyrelebade, en el saludable cia del grupo de los Independienambiente del campo. Su regreso a tes- le otorga la admiración de la los once años para ir a la escuela nueva generación de pintores, constituirá en él un duro golpe. especialmente de los que compoIntentando vencer el hastío que le nen el grupo de los nabis, quieprovoca la sordidez de su nueva nes, tras la marcha de Gauguin a vida, el joven se refugia más que Tahití, le adoptan como maestro. nunca en su mundo interior. Es considerado un pintor postimLa Obra de Odilon Redon se inicia presionista, dentro de la corriente en curiosa oposición a la corriendel simbolismo, aunque también se te impresionista dominante en su le considera como uno de los priépoca. Mientras los impresionistas meros precursores del surrealismo. experimentan con el color, Redon trabaja en una extraordinaria serie de dibujos y litografías que él mismo llamaría “Los Negros”. Toda mi originalidad consiste en dar vida, de una manera humana, a seres inverosímiles y hacerlos vivir según las leyes de lo verosímil, poniendo, dentro de lo posible, la lógica de lo visible al servicio de lo invisible. Así, Redon da rienda suelta a su fantasía, entremezclando mitos paganos con materialismo científico, animales imaginarios con maquinaria de la Revolución industrial. En su iconografía poética de lo corriente derivado en extravagante y místico se halla la clave tanto del entusiasmo suscitado por su trabajo en contemporáneos como los Nabis
“Araña llorando”, 1881 Odilon Redon
“El Buda”, 1904 Odilon Redon
Fauvismo (1904-1908)
El Fauvismo fue breve pese a su intensidad y la importancia que su existencia tuvo en el arte posterior.
E
l fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente. El Salón de Otoño de 1905 supuso la primera exhibición para el grupo. El crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos les atribuyó el término “fauves”, que en español significa fieras. El nombre asignado era en origen un calificativo peyorativo, como les sucedió a otros movimientos artísticos del S. XX, pero fue asumido por el público y posteriormente introducido en la historia del arte sin connotaciones despectivas. El movimiento se fraguó en torno a Henri Matisse y sus integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminick, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy y Emile Otón Friesz. En 1906 se unieron también George Braque y Raoul Dufy. El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color. Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo. Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello r enuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos. Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras africanas. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la esquematización. La exposición retrospectiva que se celebró en memoria de Cézanne, en 1907, dentro del Salón de Otoño, favoreció el arranque del Cubismo e hizo a los fauvistas cuestionarse la viabilidad de un estilo basado solamente en el color saturado y en la línea expresiva. El apasionamiento que desarrollaron en torno a su experimentación cromática fue también parte de su fin, llevándoles a evolucionar hacia un arte más austero y reflexivo. Desde 1908, el Fauvismo deja de existir como estilo y como grupo. La última exposición importante fue la que tuvo lugar en el Salón de los Independientes en 1907. A partir aquí cada uno de los componentes siguió su propio camino.
Fauvismo gain, de las estampas japonesas y de los iconos persas y bizantinos. Será la obra clave de su carrera. Es una escena fruto de su imaginación, totalmente subjetiva. Utilizó el Nació en Le Cateau- tema de las bañistas y las odaliscas Cambrésis (Norte de Francia) en orientales y las traspasa a un am1869, en una familia dedicada al biente occidental. Definió los espacios mediante amplias áreas de cocomercio de droguería y semillas. A pesar de la voluntad de su fami- lores sin matizar, estructurados por lia, empezó a pintar en 1890, año medio de las líneas de los cuerpos, en que abandonó sus estudios de que dirigen la vista del espectador y jurisprudencia. En París, se inscri- marcan el ritmo de la composición. be en la Academia Julien y luego en La construcción con el color y la la Academia de Bellas Artes dirigi- simplificación formal dominaban da por Moreau, que proponía que sus cuadros con gran audacia y seno se copiaran las obras de modo guridad. Matisse dibuja con el color, mimético. En el Louvre frecuentó que es el que da entidad a la pina los grandes maestros, e inclu- tura pudiendo desempeñar el papel so llegó a copiar sus cuadros. Per de dibujo, de perspectiva y de sompronto puso en tela de juicio la no- bra de volúmenes. En su obra hay ción de estricta imitación de la reali- alegría, serenidad, es un arte amadad, apostando por la esencia y no ble, apacible, es un camino hacia la tanto por la apariencia de realidad profundidad de sí mismo. Recibió un reconocimiento interna fotográfica. Considerado el líder de los fauvis- cional durante su vida ganándose tas, fue el único de ellos que no la aprobación de los críticos de arte cambió su dirección. Intenta expre- y de los coleccionistas. Uno de los sar sentimientos a través del uso encargos más importantes fue La música y La danza, donde volumen del color y de la forma. Su primera formación la realizó y ritmo se conjugan armoniosadentro de la tradición académica mente. Usa tres colores para imprien el estudio de Gustave Moreau, mir movimiento a los bailarines que siendo condiscípulo de Roault y parecen flotar con ritmo. Marquet. Realizó numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos a la vez que estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación. La verdadera liberación artística de Nació en El Havre, Matisse, referida al uso del color en el año 1877. A los catorce años como configurador de las formas y deja el colegio para trabajar en una planos espaciales, se produjo bajo compañía importadora de café, la influencia de Van Gogh y Gau- e ingresa en la Escuela de Bellas gain. También adoptó la técnica Artes de París, luego realizar un puntillista de Signac, pero la modi- año de servicio militar, gracias a ficó aplicando pinceladas más am- una beca. Tras estudiar en la Esplias. En La alegría de vivir (1905- cuela de Bellas Artes de su ciudad, 1906) resume su aprendizaje inicial desarrolla un estilo de colores bride los cuadros clásicos, de Gau- llantes, influido por Van Gogh y los
“El Postre: Armonía en rojo”, 1908 Henri Matisse
“La Danza”, 1909 Henri Matisse
“La calle de las banderas”, 1906 Raoul Dufy
Fauvismo
“Regata en Cowes”,1934 Raoul Dufy
“El Puente de Londres”, 1906 André Derain
impresionistas. Su descubrimiento de Matisse en 1905 le hace derivar hacia el fauvismo, al que permanece fiel toda su vida. Hacia 1908 experimenta una cierta influencia del cubismo (por su relación con Braque) que nunca llega a satisfacerle y gradualmente vuelve a su anterior estilo, basado en el fauvismo de colores decorativos y escenas elegantes. Según pasaba el tiempo, su obra se fue haciendo más amable, alegre y luminosa mostrando un predominio cada vez mayor de la línea, características que fueron más evidentes en sus acuarelas. Es el pintor de la Belle Epoque, de su mundo de regatas y carreras de caballos y, a través de su amistad con el diseñador de moda Paul Poiret, comienza a hacer diseño textil, ejerciendo una considerable influencia en el mundo de la moda. Durante los años de la guerra realiza xilografías de temas patrióticos e ilustraciones. En 1937 pintó uno de los murales más grandes del mundo (10x60 metros) sobre el tema del progreso científico para el Palacio de la Electricidad en la Exposición Universal de París.
Nacido en Chatou en 1880, Derain comienza a pintar ni bien termina sus estudios de bachillerato, a la vez, visita asiduamente el Louvre. Por otro lado, frecuenta la Academia Camillo en París, donde conoce a Matisse y a Marquet y más tarde a Rouault; pasa una temporada en Bretaña y se interesa por las obras de Pont-Aven. En 1900 se encuentra con Vlaminck, con quien comparte un estudio y a quien le une una gran amistady con
quien, más tarde, estudiaría el arte de los museos (fundamentalmente las obras de Van Gogh, Cezanne y Toulusse-Lautrec). La mayor parte de su producción de época fauvista son personajes campestres y urbanos, como Puente en Londres (1906) y muestran colores puros, a menudo aplicados sobre el lienzo directamente con el tubo, pinceladas irregulares y despreocupación por la perspectiva o por la representación realista.Hacia 1908 comienza a experimentar con otros estilos. La influencia de Cézanne le lleva a un colorido más sosegado y a un mayor control en sus composiciones. En Las bañistas (1908) intenta combinar las innovaciones de los pintores anteriores, como Monet y Cézanne. Le influyó el cubismo produciendo obras geométricas como El puente viejo de Cagnes y el primitivismo de la escultura africana. Sus últimas
Expresionismo Alemán
Expresionismo Alemán (1905-1914)
E
l siglo XX llegó acompañado de un gran número de inventos en el ámbito técnico e industrial así como de nuevos conocimientos decisivos en las ciencias humanísticas y naturales. La teoría de la relatividad de Einstein, el psicoanálisis de Freud, el descubrimiento de los rayos, la primera fisión nuclear, entre otros descubrimientos, obligaron al hombre a pensar de una forma diferente. Los nuevos conocimientos pusieron de manifiesto que detrás de la realidad se esconde mucho más de lo que puede percibirse con la vista. Esta situación se acentuó a causa de los cambios que se produjeron en la percepción de los sentidos, puesto que la invención del automóvil, del telégrafo, del avión y de muchas otras cosas, dieron a la rapidez y al tiempo una nueva dimensión que requería de percepciones más aceleradas. Por otro lado, la cara oculta de la modernización (alienación, aislamiento y masificación) quedó a la vista, sobre todo en las metrópolis. Los artistas como reformadores del mundo, que deseaban derrocar el orden establecido, buscaban “un arte nuevo para un mundo nuevo”. El movimiento expresionista, entonces, fue desarrollado en Alemania, no tanto como un movimiento moderno sino una tendencia recurrente en el arte nórdico, el uso de distorsiones violentas y exageraciones al servicio de una expresividad emocional exaltada, sin atender a la apariencia natural de los objetos; las características de éstos aparecen modificadas o exageradas hasta el linde de la caricatura. De innumerables ramificaciones y matices, tomaron influencias de la pintura de los post-impresionistas Van Gogh y Gauguin, cargada de sentimientos y concepciones en su utilización expresiva del color y la gestualidad del trazo. Otro grupo de gran influencia es el simbolismo, que se extiende entre 1880 y 1900. No se desarrolla mediante un estilo unitario, pero puede definirse como una búsqueda en la cual el artista, concreta los sentimientos, los estados del alma, los miedos subjetivos, las fantasías y los sueños. MOVIMIENTO DIE BRÜCKE (El Puente) Este grupo, fundado por Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff y Fritz Bleyl (a los que se unieron más tarde, Max Pechstein, Otto Müller y Emil Nolde) duró desde 1905 a 1911. Se caracterizaban por emplear un vocabulario estético muy simplificado, con pocas formas que han sido reducidas a lo esencial, cuerpos deformados y espacios disueltos sin perspectiva. Los colores, brillantes y saturados, desprendidos del colorido local y pintados superficialmente con un pincel grueso, se encuentran incrustados dentro de un fuerte contorno. Esto concede a los cuadros un carácter vigoroso, como si hubieran sido tallados en madera. Concentrados intensamente en la intensidad del efecto, solían trabajar con contrastes complementarios, mediante los que los colores se reforzaban mutuamente en su luminosidad.
Expresionismo Alemán
“Niña parada”, 1910 Erich Heckel
“Calle con buscona de rojo” Ernst Ludwig Kirchner
Nacido en Döbeln en Nacido en Aschaffen1883, se vio obligado a desplazar- burg, Bavaria, estudió arquitectura se con frecuencia por la profesión desde 1901 hasta 1905, aunque de su padre, ingeniero de ferroca- también asistió a clases de pintura rriles. en Munich desde 1903 hasta 1904. Entre 1904 y 1906, estudió arqui- Vivió en Dresde siete años y allí, tectura en la Technische Hochs- junto con Schmitt-Rottluff, Heckel, chule de Dresde, donde conoce a y otros, fundó el grupo Die Brucke Kirchner y comienza a interesarse en 1905. En 1911, se trasladaron a por la pintura bajo la influencia de Berlín, donde se mantuvieron uniMunch, del neo-impresionismo y dos hasta la declaración de la Pride los quattrocentistas italianos. En mera Guerra mundial. Kirchner se junio de 1905, junto con Schmidt- radicó en Davos, Suiza, en 1917 Rottluff, Kirchner y Bleyl, fundó el y allí permaneció hasta su suicidio Die Brücke; jugando un papel fun- en 1938. damental en la cohesión del grupo, El restablecimiento del grabado en que realizó numerosas exposicio- madera fue una de las contribuciones en Alemania (Heckel hizo su nes más importantes de Die Brucke primera individual en 1913 en la al arte moderno, y Kirchner produjo galería Fritz Gurlitt de Berlín). un número considerable de éstos y Se interesó por la xilografría y el ta- otras obras gráficas. llado en madera, manifestando su Munch, Gauguin, Van Gogh, la esadmiración por las líneas quebra- cultura africana, los fauvistas y los das. Sus pinturas expresionistas grabados alemanes antiguos, todos están marcadas por una atmósfera contribuyeron a la formación del esangustiosa, en las que abundan los tilo de la pintura de Kirchner, como campos cromáticos planos y estri- así también del Die Brucke en gedentes. neral. La obra de grupo se caracteEn 1911 fija su residencia en Ber- rizaba por el tratamiento vigoroso y lín y toma contacto con Feininger, directamente expresivo del sujeto, Macke y Franz Marc. Durante la siendo las formas simples, de conguerra trabajó como enfermero de tornos audaces y colores fuertes. la Cruz Roja en Flandes donde se En cierto modo, este estilo era muy relacionó con Ensor y Beckmann, similar al fauvismo, aunque estalo que motivó que sus paisajes se ban mucho más interesados en el hicieran más sombríos, reflejando aspecto moral y emocional del suen sus obras la tragedia y la melan- jeto que los fauvistas. colía de la guerra. Después de su llegada a Suiza, KirPaulatinamente su estilo se fue chner se concentró en la pintura de atemperando, especialmente des- paisajes y campesinos, y en 1926 pués de 1920, trabajando en una comenzó a explorar las posibilidatemática paisajística mucho más des de la pintura abstracta, prodistendida. duciendo obras que tuvieron gran En 1937 su trabajo fue censurado influencia sobre jóvenes artistas por los nazis como arte degenerado suizos y alemanes. y le fueron confiscadas 729 obras.
Expresionismo Alemán
Nacido en Liebau, de padre alemán y madre gitana, y formado en la Academia de Dresde, dónde estudió litografía, fue el último de los pintores en incorporarse al grupo El Puente, aunque posteriormente estaría en contacto con El Jinete Azul. Durante la Guerra luchó como soldado alemán en Francia y Rusia. Después, se convirtió en profesor en la academia de arte de Breslau donde enseñó hasta su muerte. Otto Mueller estuvo influenciado por el pintor Gauguin y por el escultor Lehmbruck, y en sus obras plasmó principalmente las costas del Báltico y las cercanías de Praga, con una temática reducida prácticamente al paisaje y a los desnudos femeninos insertados en la naturaleza. Sus cuadros (generalmente en xilografía, aguafuerte y litografía) recurrían mayormente a temáticas de gitanos y desnudos. “Drei Akte vor dem Spiegel”, 1912 En 1937 los nazis confiscaron 357 obras suyas que estaban en museos alemanes, puesto que sus cuadros se consideraron arte degenerado.
Nació en 1881 cerca de Zwickau. Formado en la Academia de Dresde y en la Kunstgewerbeschule, en 1906 se integró en Die Brücke. En 1908 se trasladó a Berlín donde tomó parte en la fundación de la Neue Secession, lo que le llevó a ser expulsado de Die Brücke en 1912. Más tarde se vinculó con Der Blaue Reiter, siendo uno de los miembros del grupo que más pronto alcanzó la popularidad. Tras la Primera Guerra Mundial formó parte del Novembergruppe, enseñando en la Academia de Berlín hasta la llegada del nazismo, que le retiró de sus cargos y le condenó al ostracismo. En 1945 fue rehabilitado y trabajó como profesor de la Escuela Superior de Artes Figurativas. Trabajó en un expresionismo atemperado influido por la pintura fauvista francesa, especialmente Matisse. Sus temas favoritos se relacionan con el exotismo y la unión con la naturaleza, motivo por el cual visitó las islas Palaos del Pacífico en 1914. Pintó paisajes, naturalezas muertas, retratos y escenas de playa. Influenciado por el arte tribal (primitivo), usó colores luminosos y puros, sin diluir, aplicados con vigorosos toques de pincel. Sus cuadros son más eclécticos, más naturalistas y menos innovadores que la obra de otros expresionistas.
“Paisaje con Desnudo amarillo”, 1919 Otto Müller
“Desnudo femenino sentado”, 1910 Max Pechstein
Expresionismo Alemán MOVIMIENTO DER BLAUE REITER (El Jinete Azul) ste grupo fue formado en Munich en 1911, pero recibió un importante aporte internacional, sobre todo del cubismo y el futurismo. Entre 1911 y 1914 pertenecieron a él Franz Marc y Vasily Kandinsky, entre otros artistas tales como Paul Klee, Marianne Werefkin y August Macke. A diferencia de la ruda forma de pintar de los artistas de Die Brücke, su arte es más exquisito, subjetivo y espiritual. Aunque la formulación artística de ambos grupos era muy diferente, los unía la convicción de mirar más allá de lo superficial. A los artistas de El Jinete Azul les importaba más el cómo de la representación que el qué. Incluso en aquellos cuadros en los que todavía se podían apreciar vagas reminiscencias de las cosas mundanas, el efecto no parte del objeto, sino de la composición. Lo más importante eran las formas y los colores. Los artistas concedían a sus cuadros ritmo y melodía mediante los tensos contrastes entre las líneas fuertes y suaves, formas abiertas y cerradas y colores metálicos y aterciopelados. Se imaginaban la transmisión de los sentimientos como una cadena entre el artista y el espectador, al principio de la cual se encontraba “la sensibilización del alma del artista”; emotividad a la cual el artista da forma en su obra. A su vez, el cuadro causa en quien lo observa determinados sentimientos, con lo cual se convierte en el agente responsable de “la sensibilización del alma del espectador”. Entonces, la asociación del significado y la concepción del sentido de cada cuadro están en manos del propio espectador.
E
“La Torre de los Caballos azules”, 1913 Erich Hackel
nismo alemán con un misticismo y sensibilismo que les acercaría a la abstracción. Por el contrario, mantuvo sus motivos pictóricos de tipo naturalista (sobre todo, animales), Nacido en Munich en aunque basó más su pintura en la 1880, cursó estudios de filosofía y explosión sinfónica de los valores teología y, entre 1899 y 1903, estu- psicocromáticos. dió en la Academia de Bellas Artes Más adelante su trabajo se vede Munich. Viajó por Italia, Grecia ría afectado por el cubismo, lo y Francia; en París descubrió la que le llevaría a la fragmentación pintura fauvista, que tuvo una gran de planos en la que animales y influencia en su estilo. Desde 1906 entornos se entrelazan entre sí. comenzó a estudiar la anatomía de Más adelante su trabajo se vería los animales detalladamente, labor afectado por el cubismo, lo que le a la que consagraría toda su ca- llevaría a la fragmentación de plarrera artística. Para él los animales nos en la que animales y entornos encarnan la belleza pura, y es a tra- se entrelazan entre sí. Esta investivés de la naturaleza como se busca gación le condujo la abstracción y reduciendo su interés por la viveza la espiritualidad. En 1910 entabló amistad con Au- cromática tan característica de sus gust Macke y Vasili Kandinsky, con anteriores pinturas. el que coeditó el primer ejemplar Su carrera quedó truncada por la de Der Blaue Reiter, con cuyo gru- Primera Guerra Mundial, durante la po matizarían el primer expresio- que falleció en el frente de Verdún.
Expresionismo Alemán
Nacida en Tula, en 1860, fue criada en el seno de una familia que pertenecía a la nobleza rusa. Su padre fue militar, y su madre, aficionada a las Bellas Artes, reunió un salón que congregó a multitud de artistas rusos. En este ambiente inició sus estudios en la Escuela de Arte de Moscú. Durante su paso por esta institución sus estudios fueron tutelados por Pryanishnikov, perteneciente al movimiento ruso conocido como “Los buscadores”. La influencia de éste se tradujo en su interés por el realismo. Dos años después de se trasladó junto con su familia a San Petesburgo donde prolongó su aprendizaje con Ilja Repín, donde conoció a Alexej Von Jawlensky, con quien compartiría 30 años de su vida. En 1891 crea la Asociación de Artistas. Allí destacaron dos hechos: su reconocimiento de la superioridad artística de la obra de Von Jawlensky, lo que hizo que progresivamente abandonase la producción artística propia en beneficio de la de su compañero, y el accidente de caza que afectó su mano derecha. Más tarde la pareja se trasladaría a Múnich donde se relacionarían con el grupo de artistas alemanes que formarían posteriormente el Der Blue Reiter. A imitación del salón que mantenía su madre, reunió en su casa a artistas, literatos, músicos y estudiosos del arte que constituyeron el germen del que nacería la Nueva Asociación Artística de Múnich. Durante esta etapa abandonó la pintura, práctica que no retomó hasta el año 1905. Marianne, tras el período en que sólo practicó el dibujo, reinició sus
pinturas donde el protagonista es el color, aunque no tanto como para supeditar la forma a aquel; por ello, sus producciones, no dan apariencia de superficies planas, sino que el color, heredero de la voluptuosidad de los nabis, se somete al dibu jo, aunque éste participe de la sub jetividad propia del expresionismo. En 1924 fundó, junto con otros artistas, el grupo La Osa Mayor. Siguió relacionándose con los expresionistas alemanes, tanto con los integrantes del Der Blue Reiter como con los pertenecientes a Die Bruke. Sus obras recibieron la influencia estilística de Von Jawlensky y de Kandinsky principalmente, si bien supo desligarse de la bi dimensionalidad plástica del primero y del gusto por la abstracción del último.
Nació en 1887 en Meschede pero se traslada junto con su familia a Coloniay luego a Bonn, con una empeorada situación económica que les obliga a regentar una pequeña pensión. A los 16 años, camino a escuela se topa con la mujer de su vida, y hace todo lo posible por conocerla. Traba amistad con el hermano de ésta, y le ofrece hacerle un retrato, el primero vinculado a su gran amor, a su musa, a Elisabeth Gerhardt. Durante esta época y a pesar de la oposición de su padre a que curse estudios de arte en Düsseldorf, conoce a su futuro mecenas Alfred Schütte, padre de un amigo suyo. Durante esta época su trabajo se centra en el estudio de la abstracción y de la crítica artística de Oscar Wildey en 1910 conocerá a Franz Marc
“Autoretrato”, 1910 Marianne Werefkin
“Jardín en el lago Thuner”, 1913 August Macke
Cubismo (1907-1926)
E
l cubismo tuvo como centro neurálgico la ciudad de París, y como íconos a los españoles Pablo Picasso y Juan Gris, y los franceses Georges Braque y Fernand Léger. El movimiento efectivamente se inicia con el cuadro “Las Señoritas de Avignon” (Demoiselles D’Avignon) de Pablo Picasso, y como elemento precursor del cubismo destaca la influencia de las esculturas africanas y las exposiciones retrospectivas de Georges Seurat (1905) y de Paul Cézanne (1907). El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras). En el caso de Braque y sus pinturas de L’Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por “pequeños cubos”, dando origen al nombre del movimiento. El cubismo surge en la primera década del siglo XX, constituyendo la primera de las vanguardias artísticas. Entre las circunstancias que contribuyeron a su surgimiento, se ha señalado tradicionalmente tanto la obra de Cézanne como el arte de otras culturas, particularmente la africana. En efecto, Cézanne pretendió representar la realidad reduciéndola a sus formas esenciales. Ya antes que él, los neoimpresionistas Seurat y Signac tendieron a estructurar geométricamente sus cuadros. Lo que Picasso y Braque tomaron de Cézanne fue la técnica para resolver ese problema de lograr una nueva figuración de las cosas, dando a los objetos solidez y densidad, apartándose de las tendencias impresionistas que habían acabado disolviendo las formas en su búsqueda exclusiva de los efectos de la luz. Por otro lado, el imperialismo puso a Occidente en contacto con otras civilizaciones con un arte propio y distinto del europeo. A través de diversas exposiciones, Picasso conoció la escultura ibérica y la africana, que simplificaban las formas y, además, ponían en evidencia que la pintura tradicional obedecía a una pura convención a la hora de representar los objetos conforme a las ideas renacentistas de perspectiva lineal y aérea. Todo ello no hubiera sido posible sin la aparición de la fotografía pues esta, al representar la realidad visual de manera más exacta que la pintura, liberó a este último arte de la obligación de representar las cosas tal como aparecen ante nuestros ojos y forzó a los artistas a buscarle un sentido diferente a la mera transcripción a las dos dimensiones de la apariencia externa de las cosas. La aparición del cubismo se ha relacionado, además, con otros dos hechos acontecidos en la misma década que revelan que las cosas pueden ser diferentes a como aparentan ser: el psicoanálisis al evidenciar que pueden existir motivaciones más profundas para los actos y pensamientos humanos, y la teoría de la relatividad, que revela que el mundo no es exactamente, en su estructura profunda, como lo presentaba la geometría euclidiana.
Cubismo CUBISMO ANALÍTICO Fase temprana practicada tanto por Braque como por Picasso entre 1908 y 1911, caracterizada por el análisis estructural de las formas. Analizadas en estructuras preferentemente geométricas, las formas no son para ellos una característica definida y fija de un objeto, sino una serie de planos que indican los límites exteriores e interiores de éste; límites que en ningún caso son absolutos debido a que siempre se ven afectados por sus relaciones con otras formas. Contrariamente a lo que se puede pensar, lo geométrico no aporta solidez ya que la apertura de las masas produce cierto efecto de dispersión de estos volúmenes a través del espacio representado, cuya escasa profundidad se articula mediante planos en facetas formando ángulos contiguos y superpuestos. Durante este periodo ambos artistas utilizan un color extremadamente apagado y es constante la visualización de un mismo objeto desde diferentes puntos de vista.
“Vasos en una mesa”, Braque
CUBISMO SINTÉTICO Es la segunda fase de la evolución teórica y plástica del Cubismo. Braque lo originó en 1912 mediante la técnica del Collage. Junto a él, Picasso y Juan Gris desarrollan de manera paralela los avances del estilo. La característica principal es la adhesión a la superficie pictórica de fragmentos de papel, cajas de cerillas, letras recortadas, que otorgan una nueva realidad al resultado. Los colores adquieren brillantez por lo que los valores expresivos aumentan con respecto al Cubismo Analítico. Los objetos se reunifican mostrando aspectos más esenciales a pesar de seguir representando una realidad fragmentada. Esta tendencia se termina hacia la década de los 20. Movimientos posteriores aprovechan las técnicas del Cubismo Sintético para adaptarlas a las nuevas necesidades expresivas. El Surrealismo, el Dadaísmo y los Ensamblages de la década de los 50 hacen un uso alternativo del legado cubista. CUBISMO ABSTRACTO El Rayonismo o cubismo abstracto es una síntesis del cubismo y el futurismo. Se puede considerar iniciado en el Salón de la libre Esthétique de Moscú, en 1909, por Miguel Larionov y Natalia Goncharova, que profundizaron en el estilo a partir de 1913. También se le ha asociado al orfismo de Robert Delaunay desde 1912. Los “rayos de colores” que denominan el estilo, ordenados en rítmicas y dinámicas secuencias (paralelos, perpendiculares o convergentes y divergentes), construyen el espacio pictórico. “Green Forest”, Natalia Goncharova.
CUBISMO ÓRFICO El término “orfismo” fue acuñado por Apollinaire para hacer referencia al arte de Delaunay, expuesto en la Section dOr en 1912, donde primaba el deseo de aportar un nuevo elemento de lirismo y color al sobrio cubismo intelectual. Picabia, Duchamp, Léger y Kupka, son algunos de los artis-
Cubismo tas relacionados con este movimiento. Su principal medio de expresión es el color, concediendo gran importancia a las analogías entre la pura abstracción cromática y la musical, y convirtiéndose en una actividad dedicada explícitamente a la abstracción cromática nofigurativa. En la obra de Delaunay las zonas de color interpenetradas y giratorias, constituyen estructuras cromáticas con existencia propia.
“Formes circulares, soleil no 2”, Robert Delaunay
Jacqueline sentada, 1954 Pablo Picasso
Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga en 1881. Hijo del también artista José Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, donde el joven pintor se rodeó de un grupo de artistas y literatos. Estudiante brillante y precoz, Picasso superó en un solo día, a la edad de catorce años, el examen de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, y se le permitió saltarse las dos primeras clases. De acuerdo con una de las muchas leyendas, su padre, tras reconocer el extraordinario talento de su hijo al contemplar sus primeros trabajos infantiles, le entregó sus pinceles y su paleta y prometió no volver a pintar en su vida. Entre 1901 y 1904 Pablo Picasso alternó su residencia entre Madrid, Barcelona y París, mientras su pintura entró en la etapa denominada período azul, fuertemente influida por el simbolismo. En la primavera de 1904, Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y establecerse en un estudio en las riberas del Sena. En la capital francesa trabó amistad, entre otros, con los poetas Guillaume Apollinaire y Max Jacob y el dramaturgo André Salmon; entre tanto, su pintura experimentó una nueva evolución, caracterizada por una paleta cromática tendente a los colores tierra y rosa (período rosa). Hacia finales de 1906 Pablo Picas-
so empezó a trabajar en una composición de gran formato que iba a cambiar el curso del arte del siglo XX: Les demoiselles d’Avignon. En esta obra confluyeron numerosas influencias, entre las que cabe citar como principales el arte africano e ibérico y elementos tomados del Greco y Cézanne. Bajo la constante influencia de este último, y en compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión de buena parte de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la representación pictórica del volumen: fue el inicio del cubismo. A partir de 1909, Picasso y Braque desarrollaron dicho estilo en una primera fase denominada analítica. En 1912 introdujeron un elemento de flexibilidad en forma de recortes de papel y otros materiales directamente aplicados sobre el lienzo, técnica que denominaron collage. La admisión en el exclusivo círculo del cubismo del pintor español Juan Gris desembocó en la etapa sintética de dicho estilo, marcado por una gama cromática más rica y la multiplicidad matérica y referencial. En la década del 50 realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura, que reinterpretó a modo de homenaje. Convertido ya en una leyenda en vida y en el epítome de la vanguardia, el artista y Jacqueline se retiraron al castillo de Vouvenargues, donde el creador continuó trabajando incansablemente hasta el día de su muerte. Nacido en 1882, en Argenteuil, cerca de París, Braque se
Cubismo confrontarse las distintas personalidades artísticas. La sensibilidad de Braque para una armonía de composición fundamental y penetrante ha transformado su repertorio de Nacido en 1882, objetos humildes en un diseño de en Argenteuil, cerca de París, Bra- rara elegancia. Por su parte, Picasque se familiarizó pronto con los so, que observaba intensamente pinceles, pues su padre dirigía una las cosas reales, podía ignorar las empresa de pintura decorativa y él consideraciones decorativas, a fin mismo, desde joven, trabajó como de comunicar la experiencia inpintor decorador. Más tarde incor- mediata que sacaba de ellas. En poraría a sus cuadros las técnicas 1915, Braque recibió una gravísima aprendidas en esos años, y su inte- herida en la cabeza que le obligó rés por lo táctil le llevaría a elaborar a una larga convalescencia y lo superficies con varias texturas, que mantuvo alejado de la pintura hasta intensificaban el carácter tangible 1917. En 1919 su nuevo marchandel cuadro y del objeto represen- te, Léonce Rosenberg, le organizó tado. En 1899 se trasladó a París, una exposición individual. La serie pero no expuso sus primeras telas de naturalezas muertas que realiza -en la estela del fauvismo- hasta en esos años y durante la siguiente 1906, en el Salón de los Indepen- década, con una paleta restringida dientes. de verdes, ocres y blancos sobre En 1907, conoce a Picasso en su una capa de negro, le aportó fama propio estudio. La amistad en- internacional. Durante los años tre ellos fue un típico ejemplo de treinta, el estilo de Braque cambia: atracción de contrarios. En pala- los colores sucios son sustituidos bras de un amigo común, “Bra- por tonos sutiles y delicados -rosas, que era claro, mesurado, burgués; verdes pálidos, amarillos y lavanPicasso, sombrío, excesivo, re- das-, y los objetos parecen lejanos volucionario”. Y, sin embargo, el e inmóviles, producto del confinalenguaje nuevo que crearon y com- miento estético en el que surgen: partieron respondía a las necesi- Braque vive en estos años ajeno a dades tanto del uno como del otro. todo lo que ocurre fuera del taller. Como Picasso se dejaba sedu- En 1930 comienza a trabajar con cir por diferentes posibilidades en héroes y divinidades griegas, tracuanto a morfología, configuración tados en diseños de líneas blancas e iconografía, las grandes líneas de grabadas en grandes paneles de evolución del cubismo son más fá- yeso negro, y los dieciséis grabaciles de percibir en la obra de Bra- dos para la edición de Vollard de que. De hecho, muchas de las in- la Teogonía, de Hesíodo, el más novaciones que introdujo en el arte importante de sus libros ilustrados. la práctica cubista -la inclusión en Los temas griegos vuelven a apael cuadro de letras de imprenta, los recer en 1945, en las litografías de pigmentos mezclados con arena, Helios y Faetón, en sus esculturas las imitaciones de madera y már- planas y, a mayor escala, en su pinmol, e incluso la escultura cubista- tura sobre papel Ayax. Braque; allí son creaciones de Braque, aunque donde, como escribió en sus cuaPicasso las llevara hasta el límite. dernos, “el presente es perfecto”. En cambio, la técnica del papier collé la tomó de Picasso. Comparando las piezas de uno y otro pueden
“Botella y pescados”, 1910 Georges Braque
La mesa redonda, 1929 Georges Braque
Cubismo
El libro, 1911 Juan Gris
José Victoriano González-Pérez nació en Madrid en 1887. Inició sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, y después, ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, a la vez que asistía al taller del pintor José Moreno Carbonero. Su amistad con pintor Daniel Vázquez Díaz, hizo que abandonase Madrid en 1906, huyendo del servicio militar, y se trasladase a París. Hasta ese momento su carrera artística había consistido en ilustraciones para revistas de poesía y prensa en general. En París, aunque en principio continúa dibujando para periódicos y revistas, conocerá a Picasso, a Apollinaire y a Braque, y a partir de 1910, empieza a dedicarse por completo a la pintura. Las influencias de Cézanne, Picasso y Braque hacen que en 1912 se incorpore al movimiento cubista. Ese mismo año entra en relación con el marchante Henry Kahnweiler, con quien firma un contrato en exclusiva. Su forma de entender la pintura se basaba en la prioridad de la idea frente a la imagen del objeto representado. Parte de lo universal para alcanzar lo singular, así la imagen acabará pareciéndose a la idea, que es la verdadera realidad. Cree que la pintura es algo más que la copia fiel de un objeto, es necesario construir o interpretar la realidad. Trabaja la descomposición espacial, el collage y la técnica del papier collé (formas recortadas en papel y pegadas al lienzo). Sus primeras obras son naturalezas muertas y algunos paisajes en los que destaca el aspecto constructivo y volumétrico de los objetos y de la composición. En su paleta
predomina la monocromía de grises y ocres. También, introduce ciertos elementos cubistas como la inversión de planos y los diferentes puntos de vista y aborda el problema de cómo la luz chocaba con los objetos. Poco a poco sus composiciones se van haciendo más rigurosas, simplifica los elementos despojándolos de todo lo anecdótico y los construye a base de retazos coloreados cada vez más planos, con líneas más rígidas y ángulos más duros. Los objetos van apareciendo, metiéndose unos en otros. Todos están vistos desde un punto diferente y utiliza el sombreado para dar la sensación de profundidad. Los elementos son figurativos, se identifican fácilmente. Esta es el rasgo más destacable de la creación de Juan Gris. Una vez dominada la síntesis y simplificación de los objetos, Juan Gris estudia del mismo modo la figura humana. Ejemplo de ello son sus arlequines y pierrots. A partir de 1921 sus formas se vuelven cada vez más redondeadas y blandas, perdiendo casi toda la rigidez de líneas y ángulos y su paleta se aclara notablemente. En agosto de 1925 su salud empeoró seriamente, sufre bronquitis y fuertes ataques de asma. En 1927 muere con apenas cuarenta años de edad.
Futurismo (1909 – 1915)
E
ste movimiento literario y artístico surge en Italia en la primera década del S. XX, mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que r espondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades. En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Trabajarán artistas como los pintores Russolo, Carrá, Boccioni, Balla y Severini. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas. Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. El futurismo fue politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919. La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura. Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática. Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.
Futurismo
El libro, 1911 Filippo Tommaso Marinetti
“Dinamismo de un ciclista”, 1913 Umberto Boccioni
Nació en Alejandría en 1876. Cursó sus primeros estudios en su ciudad natal y en París, y se graduó en leyes en la Universidad de Génova, aunque jamás ejerció la abogacía; decidió dedicarse por completo a la literatura. De formación casi exclusivamente francesa, se trasladó a Milán para colaborar con la revista francófona Antologie Revue, en cuya redacción entró en contacto con las expresiones vanguardistas. Se dio a conocer con un pequeño poema, Les vieux marins (1897), que obtuvo el primer premio de los Samedis populaires y que, junto con sus siguientes obras, contribuyó a difundir en Italia la poesía decadente y simbolista. En 1905 fundó la revista Poesía, donde pudieron publicar sus primeros versos muchos jóvenes aún desconocidos. Sin embargo, su decidida ruptura con la tradición se reflejará en el primer Manifiesto del futurismo (1909), publicado en el diario parisino Figaro, en el Manifiesto de la literatura futurista (1910) y en el Manifiesto técnico del futurismo (1912). En ellos exaltó una nueva civilización gobernada por las máquinas y la velocidad, defendió la violencia y la guerra, entendida como única posibilidad de afirmación individual, y concibió una nueva expresividad, propuesta a través de la destrucción de la sintaxis y de la abolición del adjetivo, del adverbio y de la puntuación, con la intención de reflejar las sensaciones inmediatas de la vida moderna y de captar con violencia la atención del lector.
Boccioni nace en Reggio Calabria en 1882. Más tarde, se traslada a Padua y, luego a Catania, ciudad en la cual consigue el Diploma en un Instituto Técnico. En dicha ciudad siciliana, empieza a colaborar con algunos diarios locales.Cuando Marinetti publica el primer manifiesto futurista en el “Figaro” , Boccioni se acerca al movimiento de vanguardia y, en 1910, escribe, con Carrà y Russolo, el “Manifiesto de los pintores futuristas” y el “Manifiesto técnico de la pintura futurista”, firmados también por Severini y Balla. Boccioni se convierte en el máximo y más representativo exponente del movimiento y desarrolla un lenguaje propio y fácilmente reconocible. Notable teórico además de pintor y escultor, Boccioni desarrolló conceptos clave para el desarrollo formal del futurismo como el de líneas-fuerza, simultaneidad, compenetración de planos y expansión de los cuerpos en la superficie. Conceptos todos ellos que reiteran una idea fundamental: la reciprocidad de relaciones entre los objetos y entre éstos y el ambiente que los circunda. Su tema principal será la ciudad como síntesis de un movimiento vibrante y luminoso. El dinamismo está generado por una red de líneas de fuerza que estructuran la composición. Sus pinceladas son enérgicas con cambios direccionales que enfatizan la sensación dinámica del conjunto. También, realiza una asimilación de las formas y el espacio siguiendo la fragmentación del cubismo analítico. Y es que para el futurismo, el tema es mucho más importante que la forma.
Futurismo En cuanto a su actividad escultórica, que desarrolló paralelamente a la pictórica, fue pionero en el uso de nuevos materiales, como el cristal, el cemento o el hierro, así como en el aprovechamiento de la luz eléctrica. Mientras tanto, participa activamente en todas las iniciativas, desde las luchas de la “Veladas futuristas”, organizadas en los teatros de las provincias italianas, hasta las exposiciones preparadas por él mismo en las diferentes capitales europeas: París, Londres, Berlín y Bruselas. También escribe el “Manifiesto de la escultura futurista”, las páginas principales de su poética, esculpe y pinta la serie de las obras dinámicas y, a partir de 1913, colabora con la revista “Lacerba”, redactada por el grupo florentino dirigido por Soffici. El poco interés que el público italiano muestra por su arte y la hostilidad de ciertos ambientes culturales futuristas, como el florentino, lo empujan a buscar el sostén de su madre, figura fundamental y muy amada. Con el inicio de la Primera Guerra mundial, algunos intelectuales se muestran favorables a la intervención y Boccioni, al igual que muchos otros pintores, se enrola en los ciclistas y parte para el frente. Mientras tanto, su arte se transforma, influida por las nuevas vanguardias europeas. Colabora con la revista “Avvenimenti” y se acerca a su viejo maestro, Balla. En 1917 se enrola de nuevo y muere como consecuencia de una caída de caballo en los alrededores de Verona.
Nació en Cortona en 1983. De carácter rebelde, Severini muestra sus primeras admiraciones hacia el teatro. Una pintora aficionada local, Matilde Luchini, será su primera profesora de dibujo. Entró en relación con Umberto Boccioni y frecuentó el estudio de Giacomo Balla, de quien aprendió la técnica divisionista, pero a causa del escaso éxito de sus pinturas en la Mostra de Rifiutati en el Teatro Constanza (1905), marchó hacia París, donde recibió con entusiasmo, pero también con reservas, el manifiesto futurista de 1910. Aunque adherido a esta corriente, su estilo incorporó de manera ecléctica las conquistas del orfismo y posteriormente se dejó influir por Pablo Picasso y Georges Braque. La vanguardia cubista francesa y el apasionamiento propio del futurismo italiano están presentes en buena parte de su obra, como se percibe en las líneas rectas y agresivas, la aplicación de los colores al modo del neoimpresionismo de Georges Seurat y el tono irreverente típico de los artistas de entreguerras. Severini fue el pintor que utilizó con mayor profusión el concepto futurista de “analogía” como mezcla indiscriminada de recuerdos o momentos fugaces reunidos fuera de la lógica o de la linealidad temporal. Se trata de un reflejo de la memoria entendida como proceso dinámico, como flujo mental de imágenes y torbellino de formas extraídas de una diversidad de tiempos y espacios.
“Bailarina”, 1915 Gino Severini
Futurismo
“Persecución”, 1915. Carlo Carra
“Dinamismo de un perro con correa”, 1912 Giacomo Balla
Nace en Quargnento, provincia de Alessandria, en 1881, en el seno de una familia de artesanos. Tras trabajar como decorador mural durante casi diez años en Valenza Po, Milán, París, Londres y Bellinzona, en 1906 entra en la Academia de Brera y conoce a los jóvenes pintores Bonzagni, Romani, Valeri y Boccioni. En 1910, Marinetti, Boccioni, Russolo y el mismo Carrà firman un manifiesto dirigido a los jóvenes artistas en el cual los invitan a renovar el lenguaje expresivo. Balla y Severini se adhieren al manifiesto y, así, nace el futurismo. A principios de 1913, el grupo florentino de “la Voce” se une al movimiento futurista y lanza la nueva revista “Lacerba”, dirigida por Papini y Soffici. Carrà colabora en ella con numerosos escritos y dibujos. Durante el mismo periodo, se relaciona con los cubistas franceses y, en 1914, vive durante algunos meses en París. En esos años, su obra empieza a alejarse del futurismo, como demuestran sus collages. Carrà inicia un periodo de reflexión y de estudio de algunos clásicos, como Giotto y Paolo Uccello, y empieza a pintar sus primeros cuadros metafísicos. Sigue un periodo de crisis interior y artística del cual sale con una nueva visión de la pintura orientada a la búsqueda de la máxima simplificación de la imagen. Así, en 1921, inicia su tercera etapa artística, llamada “realismo lírico”. Sus obras son una síntesis entre la idea y la naturaleza, y los paisajes pasan a ser los temas predilectos del artista. A partir de 1926 pasa algunos meses en Forte dei Marmi (Versilia), donde se encandila con los paisajes lumi-
nosos y solitarios, las playas desérticas, las montañas cayendo a pico sobre el mar, las cabañas abandonadas. En esa época, Carrà no sólo se dedica de pleno al trabajo artístico sino que, además, combate una ardua batalla por la renovación del arte moderno mediante artículos de crítica y de teoría estética. Colabora con numerosas revistas, como “Lacerba”, “La Voce”, “Valori Plastici”, “Esprit Nouveau”, “La Fiera letteraria”, y en el cotidiano “L’Ambrosiano”.
Nació en Turín en 1871. En su juventud se traslada a Roma y se dedica a pintar la ciudad de noche. Además, comienza a interesarse por los problemas del mundo obrero y de los marginados, y a pintarlos en clave divisionista. El movimiento futurista le influyó a partir de un viaje que realizó a París, atrayéndole también el impresionismo, por su manera de descomponer los colores y las formas. En 1910 firma junto a otros pintores el manifiesto Futurista, justo a Severini, Boccioni y Carrá. Muy pronto su personalidad, investigación y entusiasmo lo convertirán en uno de los maestros del movimiento. Se plasma en su obra la búsqueda del dinamismo, la multiplicación cinética de las formas, de las vibraciones luminosas. En sus obras se pueden apreciar óleos, dibujos, estudios, proyectos de escenografías, jardines artificiales, telas y bordados con motivos futuristas. Después de profundizar en los temas del movimiento futurista, cómo dividir una imagen, por ejemplo, para que ante nuestros ojos parezca un movimiento, Balla se desinteresó de este movimiento.
CONSTRUCTIVISMO RUSO (1914 – 1930)
E
ste movimiento nació en Rusia, originado por las esculturas de influencia cubista de Vladimir Tatlin (en madera, metal, cartón y vidrio, sin referencia posible al entorno objetivo) que, en 1913, regresa de un viaje a Francia, donde había conocido el trabajo de Picasso. Formará entonces, un movimiento paralelo al Suprematismo, que se diferenciará del mismo por su búsqueda de un propósito social y del bien común. Desaparece entonces lo anecdótico en busca de la pureza del arte y adquieren protagonismo las formas geométricas y el espacio frente a la masa. El resultado es un conjunto de fuerzas dinámicas en tensión e interdependientes que se definen como constructivistas. La Revolución adoptará y difundirá al Constructivismo (y al suprematismo de Malevich), especialmente para aplicarlo en el diseño gráfico, logrando gran aceptación dentro y fuera de Rusia. La nueva imagen de la URSS incluirá carteles y afiches de propaganda para influir a la sociedad. Entre las figuras más representativas se pueden mencionar, además de Tatlin, a Alexander Rodchenko, Naum Gabo, Antoine Pevsner, Mikhail Larionov, Stepanova, Exter, Liubov Popova y El Lissitzky. Gabo y Pevsner publican en 1920 el Manifiesto realista, empleando por primera vez la palabra “constructivismo” para designar este movimiento. A partir de entonces se dividen dos tendencias: -Una liderada por Tatlin y Rodchenko, tiene un carácter utilitario, y se pone al servicio de la revolución en el campo de la ingeniería y el diseño, convirtiendo el arte en un producto más. -La otra es simplemente estética y defiende la libertad de creación. Llega a Europa en 1921 y 1922. Sus principales representantes son Kandinsky, Malevich, Gabo y Pevsner que defienden lo subjetivo en la obra de art e (y se volcarán al Suprematismo). Buscando formular una ideología constructiva, Aleksei Gan, diseña el folleto Konstruktivizm en 1922, donde criticaba a los pintores abstractos. Gan escribió los tres principios del constructivismo: la arquitectura, la textura y la construcción (la primera representa la unificación de la ideología comunista con la forma visual, la segunda significa la naturaleza de los materiales y cómo son empleados y la última simboliza el proceso creativo y la búsqueda de leyes de organización visual). Ese mismo año se celebra la “Primera Exposición” del Constructivismo, en Berlín en la Galería Van Diemen, mientras en distintas revistas europeas se divulgan los principios del constructivismo ruso. Moholy-Nagy será quien lo introduzca en la Bauhaus y en su obra teórica y práctica de los años treinta. A pesar de la importancia del Constructivismo para la gráfica y el diseño industrial soviéticos, la inestabilidad que se produjo luego de la revolución, hizo que los artistas que no abandonaron el país fueron arrastrados a la pobreza y al olvido, y que muy pocos proyectos se llevaran a cabo (por lo cual el Constructivismo se limitó al diseño de exposiciones, cerámicas y grafismos). Algunos artistas desaparecieron en campos de concentración y solo tuvieron éxito quienes emigraron a occidente.
Constructivismo Ruso
“The Knife Grinder ”, 1912 Kasimir Malevick
Wassily Kandinski
Nació en Kiev, actual Ucrania, en 1878. Después de estudiar arte en una academia privada de Moscú, pintó sus primeros cuadros de tipo impresionista para evolucionar pronto hacia un primitivismo inspirado en los fauves y hacia un estilo tubular semejante al de Fernand Léger. Participó con obras de este tipo en varias exposiciones dentro y fuera de Rusia. En sus via jes, conoció el cubismo y el futurismo, que le inspiraron creaciones de fragmentación formal cubista combinada con multiplicación de la imagen futurista. Pero Malevich deseaba instaurar la supremacía de la sensibilidad pura de las formas sencillas en las artes figurativas, y con tal objetivo fundó el movimiento suprematista, que se dio a conocer en 1915 a través de la obra Cuadrado negro sobre fondo blanco. A partir de entonces, alternó obras de una austeridad absoluta, como la serie negra, con otras de mayor animación colorística y más dinamismo y, en ocasiones, dotadas de cierta sensación de profundidad. Hacia 1918 se inclinó por la austeridad más absoluta con la serie Blanco sobre blanco. En este período, al considerar que ya no podía llegar más lejos en sus investigaciones, abandonó la pintura para dedicarse a la enseñanza y a la escritura, para exponer sus ideas sobre el arte. Fue profesor en las academias de Moscú y Vitebsk, en la Escuela Nacional de Artes Aplicadas de Moscú, y dirigió el Instituto para el Estudio de la Cultura Artística de Leningrado. Simultáneamente, proyectó estructuras tridimensionales que ejercieron una gran influencia en el constructivis-
mo soviético. Malevich ha sido una figura fundamental: creador, junto con Mondrian, de la abstracción geométrica e inspirador de la obra del Lissitzky y Moholy-Nagy, fue punto de partida de la posterior evolución del arte abstracto europeo, así como del diseño gráfico.
Kandinsky nació en Moscú, en el seno de una familia acomodada, y aunque pasó más de la mitad de su vida. en Alemania y Francia, conservó un fuerte vínculo emocional con su ciudad. Durante sus primeros treinta años, la pintura sólo fue la afición apasionada de un joven soñador y romántico, pero convencional. Entre 1922 y 1933 dio clases en la Bauhaus de Dessau, Alemania. Cuando Gropius lo llamó, la Bauhaus estaba dejando atrás su fase expresionista y empezaba a penetrar las formas del Constructivismo. A partir de entonces imparte cursos de dibujo analítico y elementos formales abstractos. Sus enseñanzas en el Curso preliminar se centraron en dos puntos fundamentales: una introducción a los elementos de la forma abstracta y un curso de dibujo analítico. El propósito fundamental de la pedagogía de Kandinsky era dotar a los estudiantes de un lenguaje elemental obligatorio que les permitiese avanzar en su camino hacia la creación artística libre. Después de la I Guerra Mundial sus abstracciones se volvieron cada vez más geométricas. Fue uno de los artistas más influyentes de su generación. Como uno de los primeros exploradores de los principios de la abstracción geométrica o pura.
BAUHAUS ( 1919 – 1933)
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l mundo acababa de pasar por la Primera Guerra Mundial (conocida como la Gran Guerra), y se respiraba un aire de temor ante la amenaza del régimen comunista ruso. Se difundían medios que apoyaban el sistema establecido por Marx y Engels, y esto produjo fuertes roces ideológicos entre los izquierdistas y derechistas. En este clima, el arquitecto, urbanista y diseñador de origen germano Walter Gropius funda la Bauhaus en Weimar (Alemania) en 1919. La palabra bauhaus proviene de Bau = edificio y Haus = casa. En otras palabras, significa “casa de la arquitectura”. Gropius fue nombrado como el encargado de la escuela de arte en Weimar, y tomó la decisión de combinar la Academia de Bellas Artes con la Escuela de Artes y Oficios para unificar sus actividades y eliminar las diferencias entre artistas y artesanos.Dentro de la escuela, existían diversos talleres como encuadernación, carpintería, textil, escultura, arquitectura, urbanización. Gropius adoptó la idea del arte como respuesta a las necesidades de la sociedad y para ello tomó los principios establecidos por William Morris y el movimiento Arts & Crafts. Sin embargo, los conservadores tildaban a la escuela como “socialista” y generó todo tipo de protestas en su contra. Adicionalmente, reinaba en el país una crisis política. Esto obligó a Gropius a cerrar la escuela en abril de 1925. La Bauhaus volvió a abrir sus puertas en Dessau, meses después de su clausura en Weimar. En esta nueva sede, se llevaron a cabo grandes fiestas temáticas y casi siempre de disfraces, en cuya organización y diseño se trabajaba durante semanas. Tenían como objetivo promover la relación entre la Bauhaus y los ciudadanos y respaldar el trabajo en equipo y de cooperación. Ya para 1928, el renombrado arquitecto alemán dejó la dirección a manos del suizo Hannes Meyer. Junto con Gropius, varios profesores también abandonado la Escuela. El nuevo director le dio al diseño un giro más realista. Se inclinaba hacia la tecnología y materiales y despreciaba la estética. Debido a su ideología marxista, fue suplantado por Ludwing Miës van der Rohe en 1930. Cuando los nazis llegaron a Dessau 1932 y dejaron de ayudar financieramente a la famosa institución, se trasladaron a Berlín hasta que fue ordenada su clausura el 11 de abril de 1933 por las autoridades alemanas nazis. Su cierre se debía a que la Bauhaus era una institución privada considerara socialista, internacionalista y judía. Tanto Miës van der Rohe como los profesores y alumnos, perseguidos por el régimen recién electo, huyeron del país y se instalaron en Estados Unidos. Esta Escuela tuvo diversos profesores. La influencia de estas personalidades, los alumnos creaban objetos de la vida cotidiana como sillas, camas, armarios de cocina, prototipos de kioscos publicitarios, servicios de té y café en metal, lámparas y tejidos con dibujos abstractos. Posteriormente, se publicaban catálogos en el que se mostraban dichos productos y eran vendidos a las industrias. Este movimiento estaba influenciado por diferentes corrientes como el Constructivismo ruso, Suprematismo, Expresionismo y Neoplasticismo. Se caracterizó por la ausencia de ornamentación en los diseños, incluso en las fachadas, así como por la armonía entre la función y los medios artísticos y técnicos de elaboración.
Bauhaus PAUL KLEE Y LA BAUHAUS Cuando Paul Klee asumió las funciones de ‘Meister’ (maestro) en la escuela la Bauhaus de Weimar, en 1921, ya era un célebre artista de vanguardia. Como ‘Meister’ (maestro) Paul Klee comenzó a enseñar primero encuadernación y, más tarde, pintura sobre vidrio y pintura mural. La nueva tarea lo obligó a poner claridad en sus ideas en el campo teórico de la creación artística. Antes de formar parte de la Bauhaus las consideraciones de Klee en este terreno eran de naturaleza privada. Figuraban en sus diarios y en las cartas enviadas a su esposa Lily, pianista de talento y, a menudo, en giras que la alejaban de su casa. Otra característica de la enseñanza de Klee era su costumbre de subrayar que su estilo no era el único. A diferencia de otros profesores, indicaba con énfasis cómo había llegado a ciertas decisiones y no era dogmático. Las teorías que Paul Klee desarrolló durante este período se hicieron evidentes en su trabajo. Tenía una comprensión dinámica de la forma y en sus llamadas pinturas cuadradas pueden verse los moldes que desarrolló sistemáticamente. Los años pasados en Dessau permitieron a Klee y a su familia disfrutar de la comodidad de la clase media alta: buen salario, un trabajo respetable y una gran casa con un precioso estudio diseñado por Gropius. Klee estaba orgulloso del título de profesor que tenía en la Bauhaus y de los privilegios asociados a la función. Cuando la escuela atravesó dificultades financieras, a finales de los años veinte, Gropius propuso a Klee una reducción de su salario, pero éste rehusó. Hubo un momento en que Klee llegó a ser el profesor mejor pagado. Pese a todo, algunas fisuras comenzaron a aparecer en su paraíso. Para Klee resultaba cada vez más difícil conciliar sus ideales artísticos con aquellos de la Bauhaus. Klee decidió entonces abandonar Dessau y la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf le ofreció un puesto en 1930. Un año después aceptó la nueva posición dejando a su familia en Dessau. Los suyos iban a reunirse con él en 1933, una vez que el artista encontrara una vivienda adecuada, pero los sucesos históricos tomaron la delantera. Los nazis habían llegado al poder en Alemania durante el mismo año y Klee estaba en la lista negra del régimen que de ninguna manera aceptaba a un artista moderno con simpatías por la izquierda. Apenas pocos días antes del traslado de su familia, Klee fue despedido de la Academia con efecto inmediato. El nuevo director era un ferviente seguidor del nacionalsocialismo. En diciembre de 1933 la familia Klee abandonó la Alemania nazi donde ya no había más futuro para ellos y regresó a Suiza.
DADAISMO
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(1916 -1925)
l movimiento dada nació en un café cantante de Zurich en 1916, donde se recitaban poemas. Esta ciudad, se había convertido a partir de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra. Allí se reunieron representantes de diversas escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés. Esto da al dadaísmo la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra una escuela anterior, sino que cuestiona el concepto del arte. Hugo Ball, director de teatro y su mujer, concibieron el proyecto de crear un café literario que acogiera a todos estos artistas exiliados, el Cabaret Voltaire, que abrió sus puertas el 1 de Febrero de 1916. Allí se congregaron Tristan Tzara (poeta, líder y fundador del movimiento), Jean Arp, Marcel Janko, Hans Richter y Richard Huelsenbeck entre otros. El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección. Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos. En sus representaciones teatrales y sus manifiestos buscaban impactar o dejar perplejo al público con el objetivo de que éste reconsiderara los valores estéticos establecidos. Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. El pintor y escritor alemán Kurt Schwitters destacó por sus collages realizados con papel usado y otros materiales similares. El artista francés Marcel Duchamp ex puso como obras de arte productos comerciales corrientes —un secador de botellas y un urinario— a los que denominó ready-mades. El origen del término Dadaísmo es confuso. La versión más aceptada dice que al abrir un diccionario al azar apareció la palabra dada, que significa caballito de juguete, y fue adoptada por el grupo. La difusión del dadaísmo se debió a la revista Dada, gracias a la cual, sus ideas se extendieron por Berlín, Colonia, París y Nueva York. Los Dadaístas experimentaron diversos estilos artísticos, algunos serían desarrollados posteriormente por los Surrealistas. Dejaron como legado las revistas y el manifiesto. Pero, por definición, no existe una obra dadá. Lo propio del dadaísmo eran las veladas dadá en cabarets o galerías de arte donde se mezclaban fotomontajes con frases aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y un ceremonial continuo de provocación. Pero, aunque utilizaron técnicas revolucionarias, sus ideas contra las normas se basaban en una profunda creencia, derivada de la tradición romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad cuando no ha sido corrompida por la sociedad.
Dadaismo
“Fuente”, 1917 Marcel Duchamp
“Rueda de bicicleta”, 1913 Marcel Duchamp
Los Duchamp eran una familia burguesa y aficionada a las artes. No es casual que sus tres hijos varones, acabaran siendo famosos artistas decantados, además, por las incipientes corrientes vanguardistas que irrumpieron en Francia en la segunda década del siglo. Marcel, el menor, nació en Blainville-Crevon, cerca de Rouen, y antes de cumplir los veinte, ya está en pleno meollo del París artístico. Al tiempo que empieza a pintar, publica caricaturas y dibujos humorísticos en la prensa, avanzando así una veta decisiva en toda su insólita obra posterior: el humor, la ironía y la parodia. En 1908 se muda a Neully, población cercana a la capital donde residirá en casi todas sus estancias parisinas. Ese año expone por primera vez en el Salón de los Independientes. Hasta 1911 explora todas las propuestas pictóricas que le ofrece el panorama moderno, desde el posimpresionismo hasta el color arbitrario de los fauves, para recalar finalmente en el cubismo. Sus hermanos, por otro lado, vienen convocando informales reuniones dominicales en su estudio de Puteaux, donde Marcel coincide con Kupka, de la Fresnaye, Picabia y Archipenko, con quienes formaría el grupo de Puteaux. Frente al cubismo ortodoxo, los artistas de Puteaux representan una vertiente más conceptual. Los parecidos y diferencias entre unos y otros son sutiles y complejos, pero las tensiones se ponen de manifiesto. Ese mismo año Duchamp asiste con Picabia y Apollinaire a la repre-
sentación de Impressions d’Afrique, obra teatral de Raymond Roussel cuya delirante fantasía maquinista les causa gran impresión. Sus pinturas no se venden y se emplea en la biblioteca de Santa Genoveva, donde estudia tratados de perspectiva, geometría y matemáticas. La incomprensión parisina se torna éxito resonante en Nueva York, en cuya Exposición Internacional de Arte Moderno de 1913 cuelga el Desnudo junto a otras tres significativas obras. Como consecuencia, Duchamp viaja a Nueva York en 1915. Ya por entonces había acusado la influencia del futurismo que venía de Italia desde 1910 y, sobre todo, de Dadá, el más radical de los frutos de la vanguardia florecido en 1914 en el Cabaret Voltaire de Zurich. En Nueva York cuenta con el apoyo del matrimonio Arensberg, en adelante los mayores coleccionistas de su obra, y su reencuentro americano con Picabia o la relación con personajes como Beatrice Wood y el fotógrafo Man Ray refuerzan la orientación dadaísta. A tono con esa nueva corriente, Duchamp realiza en 1913 su primer ready-made (Rueda de bicicleta), con el que inaugura la idea del ob jeto “estéticamente anestesiado”. Paralelamente, sus tentativas pictóricas van tomando forma en la obra clave de su producción y, a la vez, una de las pocas imprescindibles para entender el arte moderno: La mariée mise a nu par ses célibataires, meme, también llamada el Gran Vidrio. Duchamp trabajó en ella desde 1915 hasta 1923, dándola entonces por “definitivamente inacabada”. Con el Gran Vidrio -una pintura que empieza a dejar de serIo, pero también un mecanismo virtual- finaliza oficialmente su carrera como pintor, aunque en 1918 acaba Tu m’ , una suerte de diorama anamórfico que resume los ready-mades hechos hasta
Dadaismo entonces. Desde principios de los años veinte, Duchamp vive a caballo entre Nueva York y París. En la ciudad americana protagoniza iniciativas de inequívoco aire dadá como las revistas The Blind Man y Rongwrong, fundadas en 1917 y que no sobrepasan el segundo número, o New York Dada, publicada con Man Ray en 1921. De entonces data su alter ego Rrose Sélavy, que aparece por primera vez en la etiqueta del ready-made Belle Haleine, y la Société Anonyme Inc. Duchamp compatibiliza su peculiar dedicación artística con el ajedrez, que llegó a practicar de forma semiprofesional. Además de los ready-mades construye máquinas ópticas e interviene en películas de Man Ray, Picabia y Hans Richter, entre las que destaca Anemic Cinema (1925). A lo largo de los años treinta y cuarenta mantiene estrechas relaciones con André Breton y los surrealistas, para los que realiza el montaje de distintas exposiciones -como la famosa Exposición Internacional del Surrealismo de París, en 1938- o la Puerta Gradiva (1937), para la galería del mismo nombre fundada por Breton. Entre 1946 y 1966 trabaja de forma reservada en Étant donnés, una instalación que no se conocerá públicamente hasta después de su muerte y que constituye su gran legado, al mismo nivel del Gran Vidrio. En 1955 adquirió la ciudadanía de los Estados Unidos, donde tuvo gran influencia en la escena artística de los años cincuenta y sesenta, tanto sobre pintores como Rauschenberg y Jasper Johns como sobre el músico John Cage o el coreógrafo Merce Cunningham. En Europa también es perceptible su huella en las prácticas artísticas no convencionales de grupos como Fluxus o lo que se dará en llamar “arte de acción”.
SURREALISMO (1924 – 1945)
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l Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del “Manifiesto Surrealista” de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística. Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica. Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización. Los pintores se encontraron con precedentes en Los caprichos de Goya, en el Bosco y Valdés Leal, aunque los más inmediatos deben buscarse en el movimiento Dada y en Giorgio de Chirico, creador de la pintura metafísica. Chirico crea un mundo enigmático que es reflejo de la desolación provocada por la guerra, que se percibe inquietante y desolador. En Héctor y Andrómeda, introduce maniquíes, únicos seres capaces de habitar sus plazas desiertas y calles que se sumergen en el infinito. La pintura de Chirico es el principal antecedente del surrealismo.
Surrealismo
Nació en la ciudad alemana de Brühl, hijo de un maestro de sordomudos y pintor vocacional. Tras finalizar sus estudios de bachillerato, en 1909 se traslada a Bonn, donde se matricula en la Facultad de Filosofía, estudia Historia del Arte, y se acerca a las obras realizadas por enfermos mentales. De esta época datan sus primeras obras, cuya filiación expresionista revela la huella de su amistad con August Macke, miembro de El Jinete Azul. La famosa exposición del Sonderbund de 1912, que se celebra en Colonia, y donde Ernst tiene la ocasión de conocer directamente obras de Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Munch y Picasso, va a ser el catalizador de su decisión de dedicarse a la pintura. En 1913 participa en el primer Salón de Otoño, organizado en Berlín. Aquí expone en compañía de Klee, Chagall, Delaunay y Arp, artista con el que le unirá una profunda amistad. Como en todos los intelectuales de su generación, la experiencia de la guerra será decisiva. Su visión de la sociedad que ha desencadenado la absurda matanza, en la que el pintor participa como soldado de artillería, sintoniza con la de un grupo de intelectuales y artistas que, en 1916, funda en el cabaret Voltaire de Zurich el movimiento Dadá. Tras participar, al año siguiente, en la segunda exposición del grupo, en 1919, en compañía de J. T. Baargeld, inaugura la “sucursal” dadá de Colonia, que más tarde se convertiría en la Zentrale W/3 Stupidia, tras unírseles Hans Arp. Los tres artistas realizan por esta época una serie de collages que denominan Fatagaga, e inten-
tan exponerlos en la muestra del Sindicato de Artistas de Colonia. Ante la negativa de la asociación a acoger unos cuadros que considera “indeseables”, Baargeld y Ernst muestran sus obras en la trastienda de la cervecería Winter. Los visitantes, que accedían a la exposición tras pasar por los urinarios, se encontraban con obras como el Fluidoskeptryk -un acuario lleno de un líquido sanguinolento que albergaba una cabellera, una mano de madera y un despertador-, que habría de ser destrozado el día de la inauguración por una niña vestida de primera comunión que previamente había recitado unos versos obscenos. La confusión creada por la muestra se refleja en los motivos que la policía adujo para su clausura: un collage, considerado pornográfico, que estaba realizado a partir de un grabado de Adán y Eva de Durero; cuando se descubrió su procedencia, la prohibición se levantó. Los collages de Ernst le abrieron las puertas de la vanguardia parisina. Breton, que pocos años después se convertiría en el gran apóstol de la causa surrealista, le invita a exponerlos en 1921. Desde este momento, tres años antes del primer manifiesto del Surrealismo, la figura de Ernst irá ligada a este movimiento; superada la etapa dadaísta, sus primeras obras en clave surrealista revelan la influencia de la pintura metafísica de Giorgio de Chirico. Las dos décadas siguientes son de una intensa actividad investigadora: el pintor desarrolla las técnicas del frottage -cuyos primeros resultados reúne en una serie que denomina Historia Natural- y el grattage, en un intento por reproducir en el ámbito de las artes visuales la escritura automática de los surrealistas. En esta línea, en 1929 realiza la primera de sus novelas-collages y más tarde incorpora la técnica
“Showing a Young Girl the Head of his Father”, 1927 Max Ernst
Max Ernst
Max Ernst
Surrealismo de la decalcomanía, inventada por Oscar Domínguez. En 1938 publica, en compañía de Eluard y Man Ray, El hombre que ha perdido su esqueleto, ácida diatriba contra Breton y sus correligionarios que supone el definitivo abandono de Ernst del grupo surrealista. En las obras de esta época, los descubrimientos técnicos están al servicio de una amarga visión de su tiempo. Ernst, que ya en 1933 había visto su nombre incluido en la lista negra de los nazis, sufrirá especialmente los primeros avatares de la Segunda Guerra Mundial cuando, a causa de su condición de alemán, es internado en diversos campos de concentración franceses. Tras una serie de peripecias llega a Estados Unidos en 1941. En sus primeras obras americanas, Ernst se sirve de la calcomanía para representar el escenario de desolación y muerte en que habría de convertirse Europa tras la contienda. Pero las dificultades del exilio no traen consigo la pérdida de su inquietud investigadora: en 1942 pinta “Joven intrigado por el vuelo de una mosca no euclidiana”, obra que habría de resultar muy importante para la joven generación de artistas americanos, pues en ella se emplea por primera vez la técnica del dripping (goteo), utilizada profusamente por pintores como Pollock. Paulatinamente, la obra de Ernst se va haciendo más abstracta, al tiempo que su tradicional exuberancia orgánica va dejando paso a composiciones geométricas donde predominan los colores planos. Tras regresar a Francia, país en el que se instala definitivamente, recupera las técnicas del collage y el frottage. El reconocimiento universal a su trabajo le llega en 1954 con la concesión del gran premio de pintura de la Bienal de Venecia.
Nació en Figueres, Gerona, en 1904, en el seno de una familia burguesa, hijo de un notario bienpensante y de una sensible dama aficionada a Puesto que la persecución sería incesante y el objetivo no habría de alcanzarse nunca, decidió ser excesivo en todo, intrepretar numerosos personajes y sublimar su angustia en una pluralidad de delirios humorísticos y sórdidos. Se definió a sí mismo como “perverso polimorfo, rezagado y anarquizante”, “blando, débil y repulsivo”. A los doce años descubre el estilo de los impresionistas franceses y se hace impresionista, a los catorce ya ha trabado conocimiento con el arte de Picasso y se ha hecho cubista y a los quince se ha convertido en editor de la revista Studium. En 1919 abandona Cataluña y se traslada a Madrid, donde ingresa en la Academia de Bellas Artes y se hace amigo del gran poeta García Lorca y del futuro cineasta surrealista Luis Buñuel, de quien sin embargo se distanciará irreversiblemente. En la capital adopta un extraordinario atuendo: lleva los cabellos largos, una corbata desproporcionadamente grande y una capa que arrastra hasta los pies. En 1923, en la Academia de Bellas Artes, se producen manifestaciones en contra de un profesor, y antes de que dé comienzo el discurso oficial y se desate la violenta polémica, Salvador abandona la sala. Las autoridades creen que con este gesto ha sido él quien ha dado la señal de ataque y rebelión y deciden expulsarlo durante un año. Después, de nuevo en Figueras, los guardias
Surrealismo vienen a detenerlo y pasa una temporada en la cárcel. Años más tarde se instala en la capital francesa y se une al grupo surrealista que lidera el poeta André Breton. Este último terminará expulsándolo del movimiento, en una memorable sesión de enjuiciamiento a la que Dalí compareció cubierto con una manta y con un termómetro en la boca, en una ridícula farsa. La triple acusación a la que tuvo entonces que enfrentarse Dalí fue: coquetear con los fascismos, hacer gala de un catolicismo delirante y sentir una pasión desmedida e irrefrenable por el dinero. Salvador se enamoró de Gala, mu jer de otro surrealista, en 1929 y con ella gozó por primera vez de las mieles del erotismo. Mientras tiene lugar una exposición de sus obras en la Galería Goemans de París, la joven y apasionada pareja se refugia y aísla en la Costa Azul. En 1934 viaja con Gala a Estados Unidos. En sus erráticas manifestaciones no duda en asociar el mito hitleriano con el teléfono y a Lenin con el béisbol. Son todas bromas absurdas que tratan de quitar hierro a una situación política amenazante. Dos años después se desata la atroz guerra civil en España y una de las primeras muestras de la probidad de los militares insurrectos es el infame asesinato de su amigo Federico García Lorca, crimen que conmocionó a la opinión pública internacional. En 1938 conoce a Sigmund Freud, quien había sido el gran inspirador de la estética surrealista, de la que Dalí no se siente marginado pese a las bravatas de Breton, sino que por el contrario se considera el único y más genuino exponente. Instalado otra vez en Nueva York en 1939, Dalí acepta un encargo para decorar unos escaparates comerciales. El tema que elige es el del Día y la Noche, el primero evocado
por un maniquí que se mete en una bañera peluda y la segunda, por medio de brasas y paños negros extendidos, pero la dirección modifica el decorado sin consultar al autor. Dalí, iracundo, vuelca la bañera de astracán llena de agua y la lanza contra los cristales del escaparate produciendo un gran estrépito y un notable destrozo. Pese a que la opinión pública norteamericana le aplaude el vigor con que ha sabido defender la propiedad intelectual, es juzgado por los tribunales y condenado a pagar los desperfectos. Tampoco consigue concluir su siguiente proyecto para decorar un pabellón de la Feria Internacional de Nueva York, el cual debía llevar el significativo título de Sueño de Venus. A España regresó en 1948, fijando su residencia de nuevo en PortLligat y hallando en el régimen del general Franco toda suerte de facilidades. El gobierno incluso declaró aquel rincón catalán que tanto fascinaba al pintor “Paraje pintoresco de interés nacional”. Para muchos historiadores del arte lo mejor de su obra ya había sido realizado y, sin embargo, aún le quedaban cuarenta años de caprichosa producción y de irreductible endiosamiento y exhibicionismo, con apariciones públicas del estilo de la que protagonizó en diciembre de 1955, cuando se personó en la Universidad de la Sorbona de París para dar una conferencia en un Rolls Royce repleto de coliflores. En vida del artista incluso se fundó un Museo Dalí en Figueras; ese escenográfico, abigarrado y extraño monumento a su proverbial egolatría es uno de los museos más visitados de España. Durante los años setenta, Dalí, que había declarado que la pintura era “una fotografía hecha a mano”, fue el avalador del estilo hiperrealista internacional que, saliendo de su paleta, no resultó menos inquie-
“Nacimiento del mundo”, 1932 Salvador Dali
Salvador Dali
Surrealismo tante que su prolija indagación anterior sobre el ilimitado y equívoco universo onírico. Pero quien más y quien menos recuerda mejor que sus cuadros su repulsivo bigote engominado, y no falta quien afirme haberlo visto en el Liceo, el lujoso teatro de la ópera de Barcelona, elegantemente ataviado con frac y luciendo en el bolsillo de la pechera, a guisa de vistoso pañuelo, una fláccida tortilla a la francesa. En su testamento, el controvertido artista legaba gran parte de su patrimonio al Estado español, provocando de ese modo, incluso después de su muerte, acaecida en 1989, tras una larga agonía, nuevas y enconadas polémicas.
Nació en Coyoacán, entonces en las afueras de la Ciudad de México, en 1907. En 1913 sufre de un ataque de poliomielitis que le afecta la pierna derecha. Inicia sus estudios en la Escuela Nacional Preparatoria en el año de 1922, que es dónde observa a Diego Rivera pintar su mural “La Creación”. Es durante esa época que toma algunas clases de grabado con el maestro Fernando Fernández. En 1926 sufre un terrible accidente: su autobús es colisionado por un tranvía. El resultado fue rotura de la columna vertebral en tres sitios, así como la clavícula, tres costillas, la pierna y el pie derecho. Un tubo le atraviesa la cadera produciéndole una triple fractura de la pelvis que le impediría tener hijos. Durante la convalecencia empieza a pintar sus primeras obras: son retratos oscuros, de formas rígidas y
convencionales. Posteriormente ya con Diego Rivera, perfeccionaría su técnica. Se reencuentra con Rivera, cuando éste regresa de Rusia en 1927 pintando los frescos de la Secretaría de Educación. Le lleva sus primeros cuadros y el pintor muestra interés por la artista y su obra: dos años más tarde se casaron. Ella tenía 22 años y él 43. Posteriormente la pareja se marcha a los Estados Unidos y se instala en Nueva York. Pero la influencia de los exvotos, lo popular, lo religioso y los símbolos mexicanos sellarían su obra. En 1934 regresa a México, sufre un aborto y es operada del pie derecho: el proceso de desfiguración de su cuerpo es constante y eso se refleja en las obras que va realizando. Diego Rivera tiene un romance con su hermana, hecho que la sume en una depresión tremenda. Se separa de Diego y se marcha sola a Nueva York. Frida regresa a México para continuar con su obra y recibe en 1937 a León Trotsky y su esposa, que se instalarán en su casa, conocida como la Casa Azul. Ese será uno de los más prolíficos de Frida. Al año siguiente llega a México André Breton, predispuesto a encontrar el surrealismo en este país, y Frida inmediatamente es circunscripta como parte de la esencia del movimiento, aunque ella no estuviera totalmente de acuerdo. Es en ese año en que realiza su primera exposición individual en la Julien Levy Gallery en Nueva York y vive un romance con el fotógrafo Muray. Al año siguiente viaja a París para presenciar la exposición “Mexique” que André Breton organiza con obras prehispánicas, exvotos, fotografías de Manuel Álvarez Bravo y 18 cuadros de la propia Frida. Las relaciones con Diego se deterioran cada vez más hasta
llegar al divorcio. En 1940 participa en la Exposición Internacional del Surrealismo en la Galería de Arte Mexicano. Su depresión por la ausencia de Diego y su problema con la bebida se hacen muy intensos. Ese año, muere Trotsky en su casa de Coyoacán. Su admiración por él la había llevado a tener un romance; este hecho la sumirá aún más en la depresión. Vuelve a viajar a Estados Unidos para recibir tratamiento médico. Expone en San Francisco y en Nueva York y ya hacia finales de ese año se vuelve a casar con Diego. Más tarde regresarán a México y allí iniciará su Diario, que contienen diversos apuntes de dibujo, declaraciones de amor a Diego, frases que remarcan su soledad, su cuerpo torturado, su visión del mundo, la tierra y la vida. Participa en la fundación del Seminario de Cultura Mexicana, y expone en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Es nombrada maestra de la Escuela de Pintura y Escultura “La Esmeralda” de la Secretaría de Educación Pública en el año de 1943. En 1950 es internada durante nueve meses en un hospital debido a un infección producto del injerto de hueso que le realizan cuatro años atrás en la columna vertebral. Más tarde es internada para la amputación de la pierna derecha por gangrena. Ingresa al hospital dos veces más y convaleciente de bronconeumonía asiste a una marcha en protesta por el golpe de estado contra Guatemala. Días después moriría, en 1954 en su Casa Azul de Coyoacán.
“Autorretrato” Frida Kahlo
EXPRESIONISMO ABSTRACTO (1945 – 1960)
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ste movimiento nace en Estados Unidos hacia 1945, cuando los artistas más importantes de esta corriente se apartan del lenguaje figurativo y crean un nuevo estilo en donde se fusionan abstracción y surrealismo, del que toman el automatismo. Además de experimentar con nuevas técnicas, practican un arte marcadamente individualizado en el que prima la expresión de la personalidad del artista. El término de “expresionismo abstracto” se debe al crítico de arte del “The New Yorker”, Robert Coates. Pero debido a las distintas concepciones expresivo-plásticas que conforman este movimiento, en el año 1952 el crítico Harold Rosenberg utiliza el término de “action painting” para definir mejor el enfoque común de la mayoría estos artistas: la importancia dada al proceso o acto de pintar por encima del contenido. Otras denominaciones que también recibe este movimiento son las de “abstracción pictórica” y la de “nueva pintura americana”, ambas debidas al crítico Clement Greenberg. El enorme éxito del expresionismo abstracto provocó en Europa el desarrollo de un movimiento paralelo que recibe el nombre de informalismo. Por otra parte, el Action Painting también los influyó generando movimientos paralelos como el tachismo (reacción al cubismo caracterizada por una pincelada espontánea, goteos y manchas de pintura directamente provenientes del tubo, y a veces garabatos que recuerdan a la caligrafía), practicado por artistas como el francés George Mathieu, y también afectó a otros aspectos del arte moderno, principalmente a la idea de que una obra de arte debía exhibir claramente la impronta de su proceso creativo. Varios son los factores que contribuyeron al surgimiento de este movimiento. En primer lugar, los elementos formales provinieron de la abstracción post-cubista y del surrealismo. Por otro lado, surge en el marco de unas circunstancias problemáticas desde el punto de vista social: primero, el crack de 1929 y la subsiguiente gran depresión, y después, la segunda guerra mundial. Esto explicaría, en parte, el contenido emocional de los expresionistas abstractos. Durante los años treinta ciertos organismos fomentaron las artes: el FAP (Federal Arts Project) y la WPA (Works Progress Administration). En estas asociaciones se manifestaba el afán renovador del propio país norteamericano, y en ellas trabajaron algunos pintores que después destacarían como expresionistas abstractos. La pintura de la American scene típica de la llamada «Ash Can School» se vincula a este expresionismo a través de la obra de Arshile Gorky. No pueden ignorarse, tampoco, las actividades de museos y galerías de arte que promovieron la exposición pública de las obras de estos artistas. Destaca sobre todo el nombre de la mecenas y coleccionista Peggy Guggenheim, por entonces casada con el surrealista Max Ernst. Peggy fundó en 1942 «Art of this Century», galería de arte y museo en la que presentó la obra de vanguardistas europeos y norteamericanos, promocionando la obra de los expresionistas abstractos, por entonces completamente desconocidos. En ella se celebraron las primeras exposiciones individuales de artistas como Jackson Pollock o Mark Rothko. Finalmente, contribuyeron al surgimiento de este movimiento los emigrados europeos
EXPRESIONISMO ABSTRACTO que, en 1941, con el estallido de la guerra en Europa, llegaron a Nueva York. Ya con anterioridad habían llegado a Estados Unidos los dadaístas como Duchamp y Francis Picabia. Posteriormente, marcharon al continente americano Hans Hofmann y Josef Albers, quienes destacaron por su labor docente. En el expresionismo abstracto se pueden distinguir dos grandes vías: la gestual o pintura de acción (Action Painting) y la pintura de superficie-color (Color Fiel Painting). En la pintura de acción encontramos personajes como Pollock, de Kooning, Kline, Motherwell, Gorky y Hoffmann. Estos artistas conciben la creación pictórica como un verdadero ritual y utilizan la pintura para dar rienda suelta a sus estados de ánimo. La pintura de superficie-color centra su interés en las diferentes posibilidades de ciertas yuxtaposiciones cromáticas y en la combinación de colores en superficies de grandes dimensiones. Mark Rothko, Clifford Still y Barnett Newman aparecen vinculados a esta vía. La corriente del Action Painting utilizará la técnica del dripping, que consiste en salpicar de forma espontánea y energética la pintura encima de un lienzo. Esta forma de pintar se realiza mediante un movimiento semiautomático que sólo está regido por el azar y así, se convierte el espacio en acción. Los colores que se emplean son los que fabrica la industria, como esmaltes sintéticos y pinturas metalizadas. Además el Action Paiting se caracteriza por tener una ausencia de toda relación con lo objetivo. Un rechazo de todo convencionalismo estético. Una expresión libre y subjetiva del inconsciente. También por tener una ejecución totalmente espontánea. Tiene una valoración de lo accidental y explotación del azar como recurso operativo. Una intensidad de propósito: lo que importa es el proceso o acto de pintar más que el contenido. Un predominio del trazo gestual en expresiones de gran virulencia y dinamismo. Y por último el empleo de manchas y líneas con ritmo.
EXPRESIONISMO ABSTRACTO
“Full Fathom Five”, 1947 Jackson Pollock
“Número 32”, 1950 Jackson Pollock
“Número 6”, 1951 Jackson Pollock
Rothko, que después formarían la llamada Escuela de Nueva York. El año 1947 fue decisivo en su trayectoria, ya que allí adoptó la peculiar técnica del dripping: en lugar de utilizar caballete y pinceles, colocaba en el suelo el lienzo y sobre Paul Jackson Pollock él vertía o dejaba gotear la pintura, nació en Cody, una pequeña localique manipulaba después con palos dad del estado norteamericano de u otras herramientas, e incluso a Wyoming en 1912. Pasó su juvenveces le daba una gran consistentud principalmente entre las pradecia mediante la adición de arena e ras de Wyoming y Arizona, donde incluso fragmentos de vidrio. se vinculó con los indios navajos, Pollock con un poco más de cuade los que observó la relación que renta años de vida y alrededor de tenían con el medio ambiente, la diez años siendo artista, falleció naturaleza. A través de esto pudo por un accidente automovilístico en aseverar que el “Action Painting” 1956. Su muerte dejó inconclusa la (técnica que se basa en el goteo evolución de esta técnica ya que su de pintura en el lienzo tendido en estilo comenzaba a dar muestras el suelo) es una extracción similar de agotamiento. Se convirtió en una a las pinturas sobre arena que los leyenda, en la que se mezclaron indios navajos realizaban. una imagen de chamán que contriEn el año 1930 Pollock opta finalbuía a eternizar el tradicional estemente por matricularse en la acareotipo romántico del artista, su gedemia de Benton y seguir con sus nialidad e indiscutible originalidad estudios, y en este mismo año reestilística y algunas tristes circunsdujo su nombre a Jackson Pollock, tancias personales, como su alcodejando de lado su primer nombre holismo y su carácter arrebatado. Paul. Posteriormente, desde 1936, Independientemente de su enorme comienza su interés por los muratrascendencia en el ámbito de las les mexicanos de Orozco y Siqueiartes plásticas, se convirtió aderos, nuevamente profundizándose más en un símbolo de la victoria en el arte aborigen americano. Por que Estados Unidos obtuvo en la otro lado, trabajó para Roosevelt guerra, un símbolo que es una simen la Work Progress Administration ple reducción a lo cultural de una que corresponde a un programa fehegemonía mucho más general, y deral de ayuda y promoción al arte que en cuanto a lo que el arte se americano. De todos modos, sus refiere, el comienzo de traspaso de condiciones económicas eran mapoderes de París a Nueva York de las y su carrera artística no quería manos de los propios surrealistas despegar. europeos que huían del nazismo. El gran despegue de su carrera, lo obtiene en la exposición de 1943 en la Galería Art of this Century. En esa exposición, titulada “Un problema para la crítica”, Pollock compartía cartel con artistas europeos como Hans Arp, André Mason, Joan Miró, y con otros artistas americanos como Arshile Gorky, Hans Hofmann, Adolf Gottlieb y Mark
ARTE CONCRETO (1955 – 1975)
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l término “concreto” apareció en el periodo de entreguerras, para definir una tendencia de la abstracción que reivindicaba la objetividad y la autonomía de su lenguaje plástico y su capacidad para crear una realidad nueva, fuera de toda referencia o evocación de la realidad del mundo exterior. Teniendo como precedente a los estudios de impresionistas y puntillistas, la intención fue crear el movimiento y las imágenes a partir del contraste entre colores, formas y volúmenes, como producto de una excitación psicológica. En 1930, un artículo del artista holandés Theo van Doesburg, era publicado en el único número de la revista parisina Art Concret. En seis puntos sentaba las bases teóricas del Arte Concreto: Arte calculado, lógico, que excluye cualquier expresión subjetiva y que reclama, por el contrario, que la obra sea “concebida y conformada enteramente en la mente antes de su ejecución”. Junto al manifiesto presentó el cuadro “La Composition arithmétique”, obra abstracta geométrica cuya composición está regida por relaciones lógicas y estructuras deductivas, verificando el axioma según el cual “la construcción del cuadro, al igual que sus elementos, debe ser simple y controlable visualmente”. En los finales de 1930, Max Bill y los artistas suizos Richard Lohse, Camille Graese y Verena Loewengsberg, llevaron aún más lejos estos métodos utilizando con profusión tramas, módulos, series, progresiones aritméticas y geométricas: el arte concreto se convirtió en arte sistemático, incluso programado. Similar camino sucedió en Francia durante la década de 1950 con François Morellet, François y Véra Molnar, Almir Mavignier y Jesús Rafael Soto, entre otros y en Inglaterra con Anthony Hill o Kenneth Martin. Algunos de sus principios de composición se encontrarán más tarde en el Op Art y en el Minimalismo norteamericano. Por este motivo el término “Arte Concreto”, ha terminado por designar una gran parte de la abstracción geométrica creada después de la Segunda Guerra Mundial. A mediados de 1950 el color se convirtió en el protagonista y en la finalidad de las obras artísticas. La pretensión de los artistas de este movimiento, como Victor Vasarely y Bridget Riley, fue la de crear ilusiones ópticas a través de la línea, el volumen, el espacio y por supuesto el color. El “optical art” formó parte de la “abstracción concreta” y sus artistas hicieron hincapié en que la pintura abstracta no evoca algo fuera de ella, sino que posee un valor propio. El movimiento se asentará en la década de los sesenta; oponiéndose definitivamente al expresionismo abstracto y al pop-art en cuanto que sus raíces se encuentran fundamentalmente en las experiencias de la Bauhaus y del constructivismo ruso. Al ser un arte abstracto y racionalista se asocia a la arquitectura y enlaza al mismo tiempo con la abstracción geométrica de la corriente holandesa De Stijl. Pero el elemento esencial del Op-Ant es el factor cinético. Pretende romper las barreras entre el arte y la tecnología y tiende a englobar las diferentes ramas científicas (óptica, psicologia, fisiolofía, cibemética). El dinamismo, el movimiento ilusorio, en su percepción inmediata, rompen la limitación de espacio y tiempo. El Op-Art tuvo también profusa aplicación en la publicidad y en el diseño industrial y de tejidos. Sus innovaciones estéticas, abrieron camino al arte de las computadoras.
ARTE CONCRETO
“Vega Multi”, 1976 Víctor Vasarely
Víctor Vasarely
ba la obra. La obra no es estática, al mirarla cambia, y no tiene un significado único ni definitivo. Vasarely construye científicamente sus cuadros a partir de algunos principios de la percepción óptica Nacido en Pécs en sobre formas y colores. 1906, comenzó a estudiar medicina La relación fondo-forma produce en Hungría, pero dejó la carrera al efectos de relieve o de movimiento cabo de dos años. Se interesó en- virtual según el ángulo de visión del tonces por el arte abstracto y por la espectador. Este participa del juego escuela de Muheely (principios de de relaciones internas del cuadro, y la Bauhaus), fundada en Budapest por eso sus creaciones tienen éxipor un alumno de la Bauhaus. Le to: estimulan la actividad del especatrajeron Mondrian y Malévich y se tador con sorpresas ópticas que le confieren un valor lúdico. interesó por la astronomía. Durante la Segunda Guerra Mun- Para él, que aspira a un arte sodial inicia una serie de investigacio- cial y piensa que la cultura debe nes en el campo de la óptica a partir ser algo más que un privilegio del de los medios pictóricos elementa- hombre cultivado, el artista debe huir de la creación de obras úniles: la línea, el color y el plano. La línea es desplazada por figuras cas en aras de la creación de geométricas -círculos y cuadra- prototipos capaces de ser reprodos-. El color, inicialmente puro y ducidos, de ser objeto de seriaplano, es sustituido por materiales ción y de reproducción mecánica. plásticos y heterogéneos -pinturas El paralelismo que propone Vasarely entre arte, ciencia y técnica, acrílicas y luminosas-. Durante las dos décadas siguien- en la línea iniciada a principios de tes, Vasarely desarrolló un modelo siglo por Mondrian y Malevich, propio de arte abstracto geométri- encontró su expresión plástica en co, con efectos ópticos de movi- obras basadas en el principio de la miento, ambigüedad de formas y repetición geométrica, serial, y en perspectivas, e imágenes inesta- la representación plástica del movibles. A pesar de utilizar diversos miento. materiales usaba un número míni- La aportación de Vasarely no se mo de formas y de colores. Tenía ciñe al cuadro de caballete. En la consideración por la pintura mesu- búsqueda de la obra de arte total rada, reposada, racional y serena intenta la integración de la pintura en la arquitectura, de lo que da (redes, tramas). La composición del plano carece buen ejemplo la ciudad universitade tridimensionalidad y, en cam- ria de Caracas, con una decoración bio, crea ilusorios espacios multi- mural dedicada a Malevich, o sus dimensionales. Estos elementos distintas intervenciones en edificios básicos de la pintura se ven com- de París (Boulevard Lannes). plementados por el factor cinético. La idea del movimiento había obsesionado a Vasarely, su pretensión es que su pintura se mueva: hecha para la observación del espectador, sólo cuando este mira, la pintura alcanza la perfección y el pintor aca-
POP ART (1958 – 1965)
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ste movimiento surgió a mediados de 1950 en el Reino Unido y a finales de esa década en los Estados Unidos con diferentes motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard Edge (dibujo de contornos nítidos) y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto, al que consideraba vacío y elitista. En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular estadounidense, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad. Los orígenes del Pop se encuentran en el dadaísmo y en su desprecio por el objeto, sin embargo el pop descarga de la obra toda la filosofía anti-arte de Dadá y encuentra una vía para construir a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana al igual que Duchamp había hecho con sus readymades. En cuanto a las técnicas también toma del dadaísmo el uso del collage y del fotomontaje. La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen. Las fuentes del pop beben de la realidad cotidiana del momento, de la cultura de masas que nace de la industria de la reproducción; todo el mundo podía ver imágenes continuamente con lo cual la sacralización de la obra de arte dejaba de ser algo que tan sólo se viese en los museos. Estos artistas intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles y elevarlas a la categoría de arte. El término fue utilizado por primera vez por el crítico británico Lawrence Alloway en 1962 para definir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo, utilizando imágenes populares dentro del arte. La producción de masas y el consumismo triunfante, proporcionaron los iconos que se multiplicarán hasta la saciedad en la obra de los llamados “artistas pop”. La experiencia cotidiana marca las pautas de un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas y entendibles por el espectador contemporáneo, un arte desligado del compromiso y de fuerte carga visual, una producción artística que enlaza directamente con el mundo de la publicidad. El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, propiciando la ampliación de los motivos que pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica; la expresividad queda relegada a un segundo término, manteniendo la supremacía un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo. El retrato, como sucedió en épocas exteriores, toma una gran fuerza. Todas las personas relevantes ansiaban tener su propia visión pop. Delante de Andy Warhol se pusieron Marilyn, Jacquelin Kennedy, Grace Kelly, entre otros, para que dejasen constancia de su paso por la modernidad. Pop Art no es un término estilístico, sino un término genérico para fenómenos artísticos que tiene que ver de forma muy concreta con el estado de ánimo de una época.
POP ART
“Andy Warhol´s Mao”, 1972 Andy Warhol
“Campbell´s” Andy Warhol
Andy Warhol
interesantes y estables de toda su producción. En otras ocasiones, plasmó crudamente situaciones reales, como accidentes, luchas callejeras, funerales o suicidios; dentro de esta temática Electric chair es una de sus obras más sigAndrew Warhola nificativas. nació en Pittsburgh, Estados Uni- Este apropiacionismo, constante dos, en 1928. Hijo de inmigrantes en los trabajos de los partidarios del checos, inició sus estudios de arte pop art, se extendió a obras de arte en el Instituto Carnegie de Tecno- de carácter universal y de autores logía, entre 1945 y 1949. En este como Rafael, De Chirico, Munch último año, ya establecido en Nue- o Leonardo. Se caracterizan las va York, comenzó su carrera como obras de esta época por su libérridibujante publicitario para diversas ma manipulación y la polémica que revistas como Vogue, Harper´s Ba- suscitaron en su momento. Tanto zaar, Seventeen y The New Yorker. por el uso del color, unas veces mo Al mismo tiempo pintó lienzos cuya nocromo y otras fuertemente contemática se basaba en algún ele- trastado, pero en todo caso vivo y mento o imagen del entorno coti- brillante, como por la temática, su diano, de la publicidad o el cómic. obra resulta siempre provocadora Pronto comenzó a exponer en di- y, a menudo, angustiosa. Mediante versas galerías. Eliminó progresi- la reproducción masiva consiguió vamente de sus trabajos cualquier despojar a los fetiches mediáticos rasgo expresionista hasta reducir que empleaba de sus referentes la obra a una repetición seriada de habituales, para convertirlos en icoun elemento popular procedente de nos estereotipados con mero sentila cultura de masas, el mundo del do decorativo. consumo o los medios de comuni- Otra faceta destacada de su obra cación. es su potentísima fuerza visual, que Dicha evolución alcanzó su cota en buena parte procede de sus comáxima de despersonalización en nocimientos sobre los mecanismos 1962, cuando pasó a utilizar como del medio publicitario. En 1963 creó método de trabajo un proceso me- la Factory, taller en el que se reucánico de serigrafía, mediante el nieron en torno a él numerosos percual reproducía sistemáticamente sonajes de la cultura underground mitos de la sociedad contemporá- neoyorquina. La frivolidad y la exnea y cuyos ejemplos más repre- travagancia que marcaron su modo sentativos son las series dedicadas de vida establecieron una línea coa Marilyn Monroe, Elvis Presley, herente entre obra y trayectoria viElizabeth Taylor o Mao Tse-tung, tal; su peculiar aspecto, andrógino así como su célebre tratamiento de y permanentemente tocado con un las latas de sopa Campbell, obras rubio flequillo característico, acabó todas ellas realizadas durante la por definir un nuevo icono: el artista fructífera década de 1960. mismo. El uso de imágenes de difusión ma- De hecho, fue uno de los primeros siva, fácilmente reconocibles por creadores en explotar conscientodo tipo de públicos, como las ya temente su imagen con objetivos mencionadas latas de sopa o los autopromocionales; de ese modo, botellines de Coca-Cola, se con- y mediante un proceso de identifivierte en uno de los rasgos más cación, adquirió a los ojos del pú-
POP ART blico significaciones propias de un producto publicitario más. En 1963, inició una carrera cinematográfica basada en los mismos principios que su obra plástica, de fuerte contenido sexual y erótico: Empire, Kiss, Chelsea girls. En una última etapa retornó a un formato más tradicional y rodó The love y Women in revolt.
cómicas derivadas de la impresión comercial. Produce una serie de viñetas cómicas con cambios mínimos, dibujadas directamente sobre la tela preparada con lápiz y pintadas al óleo. Empieza a utilizar la imaginería de la publicidad que evoca el consumismo y las tareas domesticas. En 1962 tiene oportunidad de ver la obra de Andy Warhol, que también aplica imaginería de cómics en la Leo Castelli Gallery (Castelli acepta a Lichtenstein y rechaza a Warhol). Hacia 1964, y luego de volver a New York, realiza una exposición retrospectiva en el Pasadena Art Museum. Esta exposición se presentaría también en Amsterdam, Roy Lichtenstein nace en 1923 en Minneapolis, Londres, Berna y la ciudad de New York, en una fami- Hannover. Se casa con Dorothy lia de clase media. Asiste a una es- Herzka. Luego se dedicaría a las cuela secundaria privada en la que pinturas modernas con imaginería el arte no consta en el programa, de los años treinta. pero él empieza a dibujar y a pin- En 1969 trabaja en New York con tar de adolescente solo en su casa. Joel Freedman de las Cinneamon Se interesa por el Jazz, y frecuen- Productions y experimenta cineta conciertos en el Apollo Theater, matográficamente. Diez años mas Harlem y en varios clubes de la ca- tarde, la fundación Nacional para lle 52 que le llevan a pintar retra- las Artes le encarga una escultutos de músicos de Jazz, a menudo ra publica: “Sirena” de unos tres tocando sus instrumentos. Busca metros de acero y hormigón, para la inspiración en Picasso. Se gra- el Theater of the Performing Arts, dúa en la escuela secundaria con Miami Beach. También es elegido el firme convencimiento de estudiar miembro de la American Academy Arte y se matricula en la escue- and Institute of Arts and Letters, exla de Bellas Artes de Ohio, dónde posición retrospectiva de los años un profesor le enseño que “el arte sesenta, organizada por el Saint trata de la percepción organizada”. Louis Museum, que viajaba por A ésta época corresponden sus Japón, Europa y Estados Unidos. obras expresionistas de modelos Pinto, en 1983, el Mural de Greene y naturalezas muertas. Las obras Street 142, New York. Exposición correspondientes al período 1952- retrospectiva de dibujos en el Mu1960 fluctúan entre el expresionis- seo de Arte Moderno, New York, mo abstracto no figurativo y dibujos también presentada en Frankfurt de imaginería de cómics (figuras de en 1988. Disney, como Mickey Mouse, Do- Finalmente fallece en 1997, año en el cual algunas de sus pinturas son nald, etc.) Sus primeras pinturas pop se re- animadas y exhibidas en el Popgistran hacia 1961, centrándose Mart Tour, gira musical organizada en imágenes y técnicas de tiras por el grupo irlandés U2, alrededor del mundo.
Roy Lichtenstein
“Whaam”, 1963 Roy Lichtenstein
PINTURA FIGURATIVA (1970)
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a Pintura Figurativa, o en realidad Neofigurativa, se ha caracterizado por una vuelta a la pintura figurativa frente a la abstracción, aunque los pintores tratan el tema de una manera informal y de manera expresionista. Surge, en realidad, como reacción al arte abstracto tras la Segunda Guerra Mundial. La nueva figuración preconizaba un retorno al objeto y a la realidad cotidiana. Se vuelve a representar la realidad (iconocidad), en particular la figura humana, pero con las técnicas del informalismo. Suele tener un sentido de denuncia social. Se aprecian tendencias expresionistas, en la que se adoptan formas orgánicas deformadas o monstruosas. Se desarrollaron dos orientaciones de este movimiento: la caracterizada por el análisis de la imagen y de sus estructuras (Adami, Raysse, Klasen, Proweller) y la centrada en la realidad social y política contemporánea (Arroyo, Equipo Crónica, Canogar, Aillaud, Parré). También se habla de “Figuración abstracta” (son representaciones que pueden verse en algunas obras de pintores por lo general abstractos, como de Kooning, Franz Kline, Wols, Asger Jorn o Antonio Saura), “Figuración grotesco-primitiva” (grupo Cobra, Jean Dubuffet) y “Figuración connotativa” (Francis Bacon y grupo El Paso). A pesar de todo esto, el pintor más representativo del movimiento será el irlandés Francis Bacon, aunque también pueden nombrarse Jorge Figueroa Acosta, Fernando Botero, el Grupo Hondo, Antonio Berni, Verónica Ruiz de Velasco y Oswaldo Viteri, Clara Patricia Cano C. Derivaciones de esta tendencia son los pintores realistas del grupo alemán Zebra y los muchos hiperrealistas estadounidenses.
Nació en Dublín en 1909. Su infancia no fue fácil. Padecía de asma crónica y tuvo una formación escolar irregular porque la enfermedad le impedía acudir al colegio; cuando sufría ataques asmáticos fuertes le administraban morfina. Aunque sus primeros en-
sayos datan del período comprendido entre 1929 y 1944 (la mayoría de estas telas serán destruidas por el propio pintor), es durante la posguerra cuando da a conocer el tipo de pintura que le hará célebre. La visión atormentada de Bacon había de llamar necesariamente la atención de un público traumatizado por la experiencia de la guerra y todos sus males; pero así como los pintores informalistas orientan su angustia existencial hacia la indeterminación de la abstracción
