Animacion Magia en Movimiento[1]

ANIMACIÓN La magia en movimiento Vivienne Barry

Antes de que existiera el cine, ya había animaciones... Lograr reproducir los movimientos del ser humano, de los animales y, en general, de todo lo vivo, fue y será un tema que ha apasionado a la humanidad. Este libro está dedicado a todos mis alumnos y a las personas amantes del cine de animación que no encuentran bibliografía suficiente en Chile y en otros países de habla hispana. ¡Si logro contagiarles la pasión por este arte y ayudarles a realizar sus propias películas, mis objetivos estarán más que satisfechos!

Agradezco a todos los que me ayudaron a que este libro se hiciera realidad, especialmente a Ascanio Cavallo, Carlos González, Marcela López y Renato Villegas.

ÍNDICE PRÓLOGO........................................................................................................................................................................................ ¿Qué es animación?........................................................................................................................................................................ Persistencia Retinania .................................................................................................................................................................. Clasificación de Animación .....................................................................................................................................................

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CAPÍTULO 1 TÉCNICAS DE ANIMACIÓN ......................................................................................................................................... I Algunos antecedentes históricos..................................................................................................................................... II Animación sin cámara y sin película .......................................................................................................................... III Animación sin cámara y con película......................................................................................................................... IV Técnicas de animación plana o 2D y grandes maestros de este género............................................... • Dibujos animados ............................................................................................................................................................ • Proceso de creación de dibujos animados ....................................................................................................... • Papeles recortados o cut papers................................................................................................................................. • Siluetas..................................................................................................................................................................................... • Fotografías y collages en movimiento................................................................................................................... • Animación de dibujos con tiza sobre pizarra ................................................................................................ • Animación de pintura sobre vidrio ...................................................................................................................... • Animación de arena ....................................................................................................................................................... • Animación de objetos en bajorrelieve ................................................................................................................ • Animación de plasticinas planas ............................................................................................................................ • Rotoscopia ............................................................................................................................................................................ V Animación tridimensional o stop motion .................................................................................................................. • Animación de objetos.................................................................................................................................................... • Animación de muñecos o marionetas ................................................................................................................ • Animación de plasticina o claymotion ............................................................................................................. • Pixilation ................................................................................................................................................................................ • Pizarra de alfileres llamada pinboard .................................................................................................................... • Implementos técnicos para una animación volumétrica ....................................................................... • Construcción de muñecos.......................................................................................................................................... • Cómo animar muñecos................................................................................................................................................. VI Cómo animar. Nociones de movimiento y tiempo .......................................................................................... • Música y sonido para animación ..........................................................................................................................

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CAPÍTULO 2 GRANDES ANIMACIONES Y ANIMADORES DE LA HISTORIA .............................................. • Lotte Reiniger, la Animación de Siluetas, y su discípulo Michel Ocelot .......................................... • El gran genio de la animación: Norman McLaren ........................................................................................... • El submarino amarillo, o la estética hippie ............................................................................................................. • El mundo de René Laloux ................................................................................................................................................. • Aardman Studios y la perfección en clay motion ................................................................................................ • Nick Park .................................................................................................................................................................................

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• Peter Lord ................................................................................................................................................................................ Barry Purves y la elegancia................................................................................................................................................. Bill Plympton y el humor negro ................................................................................................................................... Brothers Quay y los caminos del alma ...................................................................................................................... Caroline Leaf y la animación sobre vidrio .............................................................................................................. Jiri Trjnka y la magia ............................................................................................................................................................ Jan Svankmajer, el padre del surrealismo en la animación........................................................................... "Padre e hija", una verdadera preciosura ................................................................................................................ Co Hoedeman y el humanismo .................................................................................................................................... Hayao Miyazaki y la fe en el ser humano ............................................................................................................... Tim Burton y la extravagancia ...................................................................................................................................... Yuri Norstein, maestro en la técnica del papel recortado ............................................................................. Frederick Back y su visión holística ............................................................................................................................ Alexander Petrov y el realismo romántico .............................................................................................................. Ferenck Cako y la animación de arena ..................................................................................................................... Walter Tournier y su mundo de muñecos............................................................................................................... Juan Padrón y el humor caribeño ................................................................................................................................. Juan Pablo Zaramella, la nueva generación argentina ...................................................................................

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CAPITULO 3 ANIMACIÓN EN CHILE ................................................................................................................................................... • Introducción .............................................................................................................................................................................. • Primeros pasos (de los años 10 a los 80) .................................................................................................................. • Carlos González R................................................................................................................................................................... • Óscar Vega Etcheverry ......................................................................................................................................................... • El primer proyecto de largometraje chileno en técnica de stop motion ............................................... • Álvaro Arce .................................................................................................................................................................................. • Enrique Bustamante ............................................................................................................................................................. • La animación de chilenos en el extranjero, los años 1973 a 1985.......................................................... • Fernando Krahn y El crimen perfecto ......................................................................................................................... • Dulce patria de Beatriz González ................................................................................................................................. • Juan Enrique Forch, política y poesía ........................................................................................................................ • César Olhagaray incursiona en el dibujo animado ........................................................................................... • Ariel Pereira en Alemania Occidental......................................................................................................................... • La década del 80 en Chile ................................................................................................................................................ • El primer festival chileno de animación ................................................................................................................... • Ingrid Muñoz y la historia de las etnias precolombinas ................................................................................ • Los años 90 en Chile ............................................................................................................................................................ • Tata Colores de Vivienne Barry ..................................................................................................................................... • Los cortometrajes de autor ................................................................................................................................................ • M......................................................................................................................................................................................................... • Nostalgias de Dresden .......................................................................................................................................................... • Lo inevitable y un viaje no muy típico...................................................................................................................... • Deriva ..............................................................................................................................................................................................

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ANIMACIÓN. La magia en movimiento

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Cortometrajes basados en leyendas chilenas ........................................................................................................ La llegada de Tomás Welss................................................................................................................................................. Reunión ........................................................................................................................................................................................ Segundo intento de festival de animación en Chile ........................................................................................ Noche ............................................................................................................................................................................................. La salsa ........................................................................................................................................................................................... Mala hierba nunca muere .................................................................................................................................................. Links................................................................................................................................................................................................. Ciro Norte ................................................................................................................................................................................... Lords of Sipan ........................................................................................................................................................................... Cursos y talleres de animación ....................................................................................................................................... La década del 90, animadores chilenos en el extranjero ................................................................................ Dramagrama ............................................................................................................................................................................... The janitor finalista de los premios Oscar................................................................................................................ Hernando León y sus creaciones ................................................................................................................................... La década del 2000 en Chile ........................................................................................................................................... Los largometrajes animados: Mamapato y Ogú en Rapa Nui .................................................................. Cesante .......................................................................................................................................................................................... Papelucho y el marciano .................................................................................................................................................... Pulentos ......................................................................................................................................................................................... La televisión: La I de la programación infantil .................................................................................................... Villa Dulce.................................................................................................................................................................................... La tortuga Taruga...................................................................................................................................................................... El ojo del gato ............................................................................................................................................................................ Diego y Glot .............................................................................................................................................................................. Clarita ............................................................................................................................................................................................ Tikitiklip ....................................................................................................................................................................................... Cuchuflí ......................................................................................................................................................................................... Block ............................................................................................................................................................................................... Pulentos ......................................................................................................................................................................................... Ene tene tu ................................................................................................................................................................................... Glu -Glu ........................................................................................................................................................................................ Recórcholis y Corchito ........................................................................................................................................................ Las aventuras de Pancho Merluza ................................................................................................................................ La cueva de Emiliodón ........................................................................................................................................................ Patagonia, los hombres del confín................................................................................................................................ Chilian Geographic ................................................................................................................................................................ Cantamonitos............................................................................................................................................................................. Años 2000. el desarrollo de los cortometrajes de autor ................................................................................. Manos Libres .............................................................................................................................................................................. Hay algo raro en la… ........................................................................................................................................................... Reanimación ............................................................................................................................................................................... World Wild Web .................................................................................................................................................................... Ciudadano Letrok .................................................................................................................................................................

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Familia ............................................................................................................................................................................................ Rokunga, el último hombre pájaro ............................................................................................................................. Ver desierto .................................................................................................................................................................................. Woki.................................................................................................................................................................................................. Como alitas de chincol ........................................................................................................................................................ República banana .................................................................................................................................................................... Verde que te quiero ................................................................................................................................................................ El mundo al instinto ............................................................................................................................................................. Candle ............................................................................................................................................................................................. Pájaro mudo ................................................................................................................................................................................ Siaskel, el gigante ..................................................................................................................................................................... Choripán ....................................................................................................................................................................................... Resucita Rey Orelie! .............................................................................................................................................................. Palmer Cortéz ............................................................................................................................................................................ Saeta 1986 .................................................................................................................................................................................... Gomon el caballo traidor ................................................................................................................................................... Pasta .................................................................................................................................................................................................. Sala común .................................................................................................................................................................................. En la sangre ................................................................................................................................................................................. Popolvuh........................................................................................................................................................................................ Vogos neoprén y vogos ulluminati................................................................................................................................ Espacio común .......................................................................................................................................................................... Canzados de mierda+cuatro moscas en un cuarto............................................................................................. Eluwün el mito ......................................................................................................................................................................... Ana, ¿verdad? .............................................................................................................................................................................. Maleza ............................................................................................................................................................................................ El almohadón de plumas ................................................................................................................................................... Coipo milk .................................................................................................................................................................................. Animachile ................................................................................................................................................................................... Jugando con la muerte ......................................................................................................................................................... Las carreras universitarias ................................................................................................................................................... Obras de animadores chilenos residentes en el extranjero ........................................................................... Hernando León......................................................................................................................................................................... Luis Briceño................................................................................................................................................................................. Los talleres de animación para niños........................................................................................................................... Flip..................................................................................................................................................................................................... Animaciones para adultos en la web............................................................................................................................

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GLOSARIO TÉCNICO .......................................................................................................................................................... 217 BIBLIOGRAFÍA ........................................................................................................................................................................... 219

PRÓLOGO

¿QUÉ ES ANIMACIÓN? El sufijo “anima”, parte de la palabra animación, viene del griego y significa “alma”. De ahí que anima-ción quiere decir “dar alma o dar vida”. Esta es la definición del diccionario. Animación es movimiento y es también la base del pensamiento y filosofía de los antiguos griegos llamada Panta Rhei (todo pasa o todo está en perpetuo movimiento). El movimiento es la característica de todo ser vivo. Toda vida, desde la célula más ínfima hasta la más grande, se manifiesta por el movimiento, y es lo que diferencia la vida de la muerte. Algunos definen animación como “hacer magia”, “hacer poesía”, “dar movimiento”, “dar vida a objetos que nunca se movieron”, “hacer dibujos animados”, “filmar cuadro por cuadro”. En los festivales especializados de cine de animación se consideran obras animadas todas aquellas que están hechas fotograma por fotograma, frame by frame, cuadro por cuadro. Todas estas definiciones corresponden o tienen algo que ver con el término animación. Sin embargo, la definición más interesante es la del maestro Norman McLaren, quien decía:

Animación es esa sutil diferencia que hay entre un cuadro y otro y que sólo depende del animador. Es allí precisamente donde radica la creatividad y la maestría en esta técnica. Animar no significa solamente mover un objeto o una figura cuadro por cuadro, sino darle una emoción y un carácter propio. La calidad artística de una obra animada se medirá, principalmente, por la creatividad del animador al dar vida, alma y carácter a sus protagonistas. La animación consiste en imaginar una acción y lograr representarla, encontrando la forma de hacerlo correctamente. Cada animador o autor encontrará su manera. Es importante enfatizar que lo más importante es la calidad del movimiento o acción ya que se pueden hacer películas muy malas por mal animadas, aunque las imágenes sean bellas y la historia bien narrada. El arte de un filme de animación está en el movimiento. Desde siempre, el ser humano ha sentido un especial interés por descubrir cómo reproducir el movimiento de las personas, de los animales, de los planetas, de las aguas, de las máquinas y, en general,

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de todo lo que nos rodea. Ha querido investigar en qué consiste aquello que caracteriza el comportamiento o actitud de cada ser humano y animal y reproducirlo artísticamente. Se ha tratado de descomponer, imitar, y re-crear el movimiento. Diversos especialistas, desde los físicos hasta los inventores de los más sofisticados programas de computación, y muchos innovadores de la fotografía y del cine, se dedicaron especialmente a descubrir y hacer realidad esta magia de recrear la vida. Cuando vemos una película en el cine, delante de nuestros ojos pasan veinticuatro fotogramas por segundo. En el caso del video con norma NTSC, veintinueve coma nueve barridos electrónicos, y en el caso del video con norma PAL, veinticinco por segundo. Nuestros ojos ligan un cuadro con otro, dando origen a una ilusión de movimiento debido al “Fenómeno de la persistencia retiniana”. Esta característica del ojo humano, es la base del cine y de toda experiencia audiovisual.

Negativo de cine de una película animada


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Persistencia retiniana: Hace ya mucho tiempo, en el siglo II, el físico griego Ptolomeo quiso descubrir porqué, si miramos detenidamente el sol o una imagen luminosa, al cerrar los ojos la seguimos viendo. Este experimento que repitió muchas veces, y que lo llevó, finalmente, casi a la ceguera, le permitió descubrir el Fenómeno de la Persistencia Retiniana; el que consiste en que el ojo humano tiene la especial característica de guardar en la retina una imagen, si ésta se mantiene en ella durante un lapso de tiempo. De ahí, que una imagen retenida más otra, y otras sobrepuestas sucesivamente, se confundirán y se moverán en nuestra retina si tienen una sutil diferencia de forma. De ahí, que si el animador mueve cuadro a cuadro un objeto estático, ya sea un dibujo, muñeco, u otro y lo va filmando o grabando imagen por imagen, el resultado será la ilusión de un movimiento retenido en nuestros ojos, o mejor dicho, una animación.

CLASIFICACIÓN DE LAS TÉCNICAS DE ANIMACIÓN Técnicas tradicionales A. Animación sin cámara y sin película

Aparatos antiguos Rotoscopio o Taumatropio Fenakistiscopio

B. Animación sin cámara pero con película

C. Animación plana o 2D

Dibujo y raspado sobre Dibujos animados negativo de cine, tanto imagen como banda Papeles recortados sonora. Dibujos sobre vidrio

D. Animación tridimensional o 3D

Objetos animados Muñecos o Stop motion Plasticinas o Clay motion Pinboard

Zootropo

Arena animada Pixilation

Flip-book

Plasticinas en bajo relieve Objetos planos Pizarra y tiza Animación de productos oleosos sobre vidrio.

CAPÍTULO 1 Técnicas de Animación

I Algunos antecedentes históricos Antes del fenómeno del cine, ya existían manifestaciones cercanas a la animación. Se podría decir que los orígenes del cine de animación se remontan a 30.000 años atrás, a la era de los neandertalianos. Por ejemplo, las pinturas rupestres de las cavernas de Lascaux, en Francia, o las de Altamira, en España, que datan del año 12.000 A.C., son consideradas, por algunos historiadores, como el origen de las películas de animación ya que en ellas se intentaba narrar acontecimientos a través de imágenes dibujadas en secuencias. La repetición, en las imágenes, de los mismos bisontes con poses ligeramente diferentes o de toros con seis patas o con dos colas, sugería el movimiento, en una época en que no había otros medios estilísticos ni técnicos de representarlo.

Pinturas rupestres Reproducir y entender el movimiento ha sido un tema que ha fascinado a la humanidad. Los numerosos dibujos o bajos relieves en las bases de las columnas tanto egipcias como griegas sugieren la composición de movimientos. Se sabe, que ya entre los años 6.000 y 1.500 a.C., los egipcios y babilonios descubrieron la descomposición del movimiento. Los bajorrelieves de Asiria representan un intento de organizar diferentes fragmentos consecutivos de un evento, en el mismo espacio. En 1.122 a.C., ya se realizaba en China, proyecciones primitivas de ilustraciones sobre fondos iluminados, y en el año 347 a.C., ya se conocía en Egipto la “Cámara Oscura”, de enorme importancia para el desarrollo de la fotografía. Esta manifestación es un antecedente de la técnica

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de animación llamada “Siluetas”, en la cual se animan figuras hechas de papeles negros, iluminados desde abajo o desde el fondo de la escena. Durante la Edad Media, algunos paneles y pinturas medievales organizaban eventos en forma fragmentada y cronológica. Durante el Siglo II, el astrónomo, matemático y geógrafo griego Claudio Ptolomeo ya observó y estudió la persistencia de las impresiones visuales en la retina. En el Siglo XI, El-Hazem realizó estudios sobre la duración de la persistencia de una imagen en el ojo. En 1646, el jesuita y astrónomo alemán Athanasius Kircher, en su libro “Ars magna lucis et umbrae” presentó públicamente lo que parece ser la primera Linterna Mágica, la que estaba compuesta por una caja estrecha con iluminación interior y un sistema de lentes que proyectaba imágenes pintadas en placas de vidrio sobre una base blanca. Algunos autores evocan a figuras como Leonardo da Vinci o a su contemporáneo el jesuita, Gaspar Schott, o al sabio holandés, Pieter Van Mussenbroeck, como precursores del cine animado. Esto demuestra que el interés por reproducir el movimiento siempre estuvo presente en las investigaciones realizadas por el hombre. Por ejemplo, Van Mussenbroeck, a quien se señala como precursor de la creación del proyector de diapositivas, ya había imaginado en 1736 como lograr crear un movimiento con imágenes dibujadas en posturas sucesivas que colocaba en una especie de pequeño molino de viento. En el siglo XVIII, se construyeron numerosos aparatos que trabajaban con proyecciones de imágenes. Estos aparecieron como una nueva forma de entretenimiento. Y en 1770, el Teatro Chino de Sombras llegó a Alemania agregando movimiento a los juguetes de proyección lumínica.

Teatro de sombras En 1780, aparecieron las Talking Heads de Charles, que sorprendieron a los fanáticos de las Sombras Chinas y en 1795, Robertson presentó el primer gran show de sombras vivas, en el que se narraban episodios que, además de llevar un fuerte tenor ideológico, eran sonoros y proyectados me-


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diante una linterna movible. Robertson también creó el “Fantascopio”, un proyector oculto tras una pantalla traslúcida, que proyectaba imágenes de “espíritus” en humo (para darles tres dimensiones) o “demonios”. Estos fueron los primeros efectos especiales.

El Fantascopio de Jenkins 1895

En 1826, el doctor inglés Peter Mark Roget descubrió que si la vista es obstruida momentáneamente, durante la visión de dibujos que pasan en posiciones consecutivas de un mismo movimiento, la retina conserva la impresión de un dibujo hasta que aparece el próximo. De esta forma unió los dos principios del fenómeno cinematográfico: la persistencia retiniana y la descomposición del movimiento en posturas sucesivas.

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En esa misma época, el Dr. Paris y W.H. Fintton inventaron el “Taumatropio”, un disco que tenía en una de sus caras una imagen, y al otro lado, otra. Al girarlo daba la impresión de que ambas imágenes se confundían. Sin embargo algunas personas afirman que el Taumatropo ya se conocía en china. En 1833, el físico belga Joseph Antonie-Fernand Plateau realizó varios experimentos sobre la persistencia de la imagen en la retina, vislumbrando la posibilidad de reproducir un movimiento a través de la visión intermitente de figuras en movimiento. Desarrolló entonces, el “Fenakistiscopio”, un aparato que llevaba dos círculos colocados frente a frente. En uno de ellos se colocaba un movimiento descompuesto en varios dibujos y en el otro había pequeñas ventanas frente a cada figura ubicada en el lado opuesto. Para observar la reproducción del movimiento había que hacer girar ambos discos simultáneamente y mirarlos por una de las ventanillas frente a un espejo.

El Fenakistiscopio Más tarde, el matemático inglés William George Horner inventó el “Zootropo”, un aparato que obedece al mismo principio que el fenakistiscopio. Una especie de cilindro que gira sobre un eje vertical. En la parte superior tiene una ranura para poner y sacar una cinta de dibujos consecutivos (precursora de la película de cine).


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El Zootropo En el año 1852, el científico Jules Duboscq introdujo el Bioscopio, un aparato que sustituyó las ventanillas y dibujos del Zootropo por lentes y fotos. A pesar de que este aparato llevaba secuencias fotográficas vivas, éstas no eran capturadas en vivo sino a través de poses fijas. En 1872, el fotógrafo Eadweard Muybridge, participó en una apuesta hecha por el gobernador de California, Leland Standford, y desarrolló una investigación para comprobar que existe una posición en el galope del caballo, en la que ninguna de las patas del animal está sobre el suelo. En este experimento fue ayudado por el ingeniero John D. Isaacs. Usaron una serie de veinticuatro cámaras oscuras (cada una con una hoja emulsionada) que eran abiertas progresivamente. A su paso, el mismo caballo tiraba las cuerdas, conectadas a los obturadores de cada cámara. Debido al increíble resultado de esta experiencia, se suele atribuir a Standford y Muybridge el honor de haber descubierto el proceso de estudiar el movimiento usando la fotografía. En 1874, el astrónomo francés Pierre Jules Janssen registró el paso del planeta Venus frente al sol con un instrumento llamado “Pistola astronómica”, en la que una hoja de daguerrotipo rotaba en movimientos circulares mientras era expuesta a la luz en intervalos regulares a través de un espejo.

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El Rifle fotográfico de Marey El fisiólogo Etienne-Jules Marey, que trabajaba con Eadweard Muybridge durante ese año, desarrolló en 1882 el “Rifle fotográfico”, similar a la “Pistola astronómica” de Janssen. Marey se consagra por reproducir los movimientos de los animales. Como médico, desde muy joven se interesaba en el movimiento de la sangre, de los músculos, de los nervios y para poder realizar óptimamente sus investigaciones y estudios, Marey creo instrumentos cada vez más precisos para grabar sus experimentos. Una vez que pudo explicar los movimientos internos del cuerpo, comenzó a explicar los cuerpos en movimiento. La caminata de un ser humano, el vuelo de una libélula, la partida de un gato, el nado de la raya. Describió los desplazamientos en el espacio, la biomecánica, las detenciones, la aceleración. Creó la “Crono-fotografía de filme”, la cual tenía una cinta de papel emulsionado pegada en espacios regulares. En ese tiempo esta fue la pariente más cercana de las cámaras cinematográficas actuales.

Secuencias de fotos de Marey


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En 1889, William Dickson, el asistente de Thomas Edison, sorprendió a su jefe logrando proyecciones vivas sonoras con un aparato llamado “Cinefonógrafo”, que registraba las imágenes del filme, y después las proyectaba. Debido a la gran dificultad en sincronizar la imagen con el sonido, el “Cinefonógrafo” fue abandonado rápidamente. Sin embargo, Edison continuó desarrollando el sistema y creó un “Cinetógrafo” en el que, después de introducir una moneda, se podía observar imágenes registradas en un filme a través de un vidrio de aumento. En 1891, Edison desarrolló el “Cinetógrafo, que registraba de la misma forma que una máquina de cine. Fue el mejor instrumento de la época.

El Cinetógrafo de Edisson Entre 1894 y 1895, después de analizar los aparatos que ya habían sido inventados y sus defectos, los hermanos Auguste y Louis Lumière, inventaron el Cinematógrafo, un instrumento que usaron para grabar y reproducir imágenes. Con este aparato realizaron la conocida sesión del 28 de diciembre de 1895, la cual pasó a la historia por su excelencia técnica. Los hermanos Lumière creadores del cinematógrafo fueron los responsables de inventar el origen de las películas, una muestra de cuadros vivos proyectados sobre una pantalla blanca. Todos los encuadres usados actualmente, desde el plano general hasta el primer plano, ya fueron sugeridos por ellos en su conocido filme La llegada del tren. La cámara no se movía y los objetos y personajes se aproximaban o quedaban atrás continuamente. A través de la variación de estos puntos de vista obtuvieron diferentes planos como en un montaje moderno. Cuando los espectadores presenciaron por primera vez esta llegada del tren salieron arrancando de la sala creyendo que iban a ser aplastados por la locomotora.

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La llegada del tren Se suele decir que las “Pantomimas Luminosas” de Emile Reynaud mostradas en el museo de Grevin de París en 1844 ya eran animaciones, pero también se le atribuye al aragonés Segundo de Chomón la invención de la animación cuadro a cuadro, quien descubrió en 1902 el trucaje, al que llamó paso de manivela, y que fue utilizado, por primera vez, en su película El Hotel Eléctrico (1905). Peinetas, sillas, y diversos objetos inanimados se movían con evidentes saltos. Cosa que llamó la atención de varios, especialmente de Charles Pathé (productor de cine) que lo contrató más tarde como el primer operador de efectos especiales en cine.


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II Animación sin cámara y sin película. En esta primera clasificación incluí nuevamente a los aparatos que se usaron para recrear el movimiento o las secuencias de movimientos, durante el siglo XIX y a los intentos anteriores que se hicieron para reproducir el movimiento mediante diferentes instrumentos, invenciones que fueron sumándose hasta llegar a lo que es hoy día el Cine de Animación. Mi intención es detenernos y hablar en detalle, especialmente de aquellos aparatos o juguetes que resultaron de diversas investigaciones científicas, porque fueron formas de hacer animación sin usar cámara ni película. Todos ellos estaban basados en el llamado Fenómeno de la Persistencia Retiniana. Al hacer pasar rápido fotografías y dibujos frente a nuestros ojos lograban el efecto de movimiento y esa bella ilusión de reproducir la vida. Hubo algunos aparatos muy sencillos y otros tremendamente complicados.

Taumatropio o Rotoscopio El primer aparato que se inventó fue el Rotoscopio o Taumatropio, palabras que significan visión (scopio) que gira (roto), al cual llamaron también Wonderturner o Maravilla giratoria. Consistía en hacer rotar un pequeño disco de cartón que tenía a ambos lados una imagen y a cada costado un pequeño cordel. Al hacer girar el disco con los cordeles, como lo hacemos en el juego del “Runrún”, una imagen se fundía con la otra. El ejemplo más usado, es el dibujo de una jaula vacía, en el cual, por efecto de la rotación, aparece un pajarito dentro de ella. Pero también había Rotoscopios de la época con diferentes diseños: en un paisaje donde no había nada más que montañas y cerros, aparecía de repente un tren, o en un escenario vacío actuaban marionetas. Este disco se comercializó en Francia e Inglaterra como un juguete milagroso y filosófico.

“Rotoscopio o Taumatropio”

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Fenakistiscopio El próximo paso en el desarrollo de la animación fue otro aparato genial: el Fenakistiscopio, palabra que viene de los términos griegos “Fenakis” (ventana), y “scopio” (visión), inventado en 1830 con fines científicos simultáneamente por Joseph Plateau en Bélgica y Simon Stampfer en Austria, ambos precursores del cine. El juguete consistía en un disco de cartón al cual se le insertaba a través de un eje concéntrico, una serie de imágenes en forma de circunferencia, repartidas por el borde del disco entre pequeñas ranuras o ventanas. Cada dibujo iba colocado entre dos pequeñas ranuras del aparato. Al girar el cilindro y mirar por las ventanillas frente a un espejo, se vea una secuencia de movimiento. La secuencia de imágenes estaba diseñada como un ciclo de movimiento. Los temas de los dibujos variaban desde el horror, hasta la danza y la acrobacia. La última fase de movimiento se unía con la primera produciendo un ciclo de movimiento que se repetía continuamente. Al girar el disco, empezaba a moverse la serie de figuras insertas en el lado contrario del disco, que tomaban vida al reflejarse en el espejo. El juguete fue puesto a la venta en Inglaterra en 1831 y se hizo popular en muchos países con una variedad de nombres distintos. Muchos pequeños y grandes de la época se deleitaron y emocionaron con tal juguete, hasta el mismo Beaudelaire lo describe en sus escritos con lujo de detalles.

Disco original de la época con secuencia de imágenes para un Fenakistiscopio


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Zootropo y Praxinoscopio El Zootropo y el Praxinoscopio fueron otros aparatos circulares que eran capaces de reproducir secuencias de movimientos continuos y repetidos. Surgieron alrededor de 1860 como mejoramiento al invento de Plateau. El Zootropo fue inventado en 1834 en Inglaterra por William Horner quien lo llamó Daedalum (Rueda del demonio). No se hizo popular hasta 1860, cuando fue patentado por comerciantes tanto en Inglaterra como en los Estados Unidos. El norteamericano, William F. Lincoln, le puso el nombre de Zootropo, o “Rueda de la vida”. Fue fabricado masivamente. El Zootropo funcionaba bajo los mismos principios que el Fenakistiscopio, pero permitía una mayor cantidad de dibujos y tiempo de rotación. Su forma era la de un tambor o cilindro. Las imágenes también se miraban a través de una pequeña ventana recortada en el exterior del aparato. Éstas venían en una secuencia de doce, en una huincha de cartón que se insertaba dentro del tambor. Mientras el tambor giraba sobre su eje, se lograba ver por las ranuras las imágenes animadas. Por su tamaño y forma, permitía que varias personas pudieran ver las imágenes simultáneamente. Mientras más rápido giraba el tambor, mas fluidos se hacían los movimientos.

Praxinoscopio El Praxinoscopio representó un refinamiento de los aparatos anteriores. En él se remplazaron las ventanas por pequeños espejos. Su inventor fue Emyle Reynaud quien, en 1892, inauguró el primer Teatro Óptico en Paris donde se proyectaron “películas” que consistían en imágenes de animación dibujadas sobre una larga banda de papel trasparente combinadas con el efecto de linterna mágica. Reynaud fue el primero en conseguir la proyección de imágenes animadas en buenas condiciones y, la proyección de movimientos no cíclicos. Es considerado el padre de la animación. La primer cinta proyectada con su Teatro Óptico fue Le clown et ses chiens (El clown y sus perros). El Teatro Óptico se distribuyó comercialmente en Europa y Norteamérica.

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Pantomimas luminosas Flip-book o folioscopio Luego vino el Folioscopio, (del griego “Folio”: hoja y “scopio”: visión), más conocido por el nombre de Flip-book. Surgió a principios del siglo XX en los Estados Unidos y es una forma manual de crear la ilusión de movimiento. Consiste en una serie de páginas, unidas en forma de cuadernillo, que contienen imágenes. Cada una es un poco diferente a la anterior. Al hojear las paginas con cierta velocidad, los ojos captan la diferencia y el cerebro la interpreta como movimiento. Si el cuadernillo se hojea lentamente, las diferencias entre una imagen y otra se hacen aparentes. En el Flip-book, el costado engomado del cuaderno actúa como sistema de registro para que los dibujos calcen perfectamente unos con otros, principio que usaron más tarde todos los dibujantes y realizadores del cine de animación. ¿Quién de nosotros no dibujó alguna vez cuando niño un “dibujo animado” en las puntas de las hojas de sus cuadernos o libros escolares? Este invento fue el antecesor de los cartoons o dibujos animados sobre acetatos.

El Flip-book o Folioscopio es el origen de los dibujos animados, y de las animaciones generadas en computador. Como objeto se comercia hasta el día de hoy con imágenes diversas o fotografías. Flip-book


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III Animación sin cámara y con película Pintura y raspado sobre negativo de cine Se llama animación con película, pero sin cámara, al dibujo con tintas o al raspado, que se hace con algún objeto puntiagudo, directamente sobre el negativo de cine. Se llaman técnicas de animación sin cámara porque no necesitan de registros visuales de tipo mecánico ya sea fotográfico, de cine o de video. Son la forma más directa de crear imágenes animadas sobre una película. Una animación realizada de esta forma, es burda, pero efectiva por su estilo y fuerza. Debido a lo directo de la fotografía, los colores pueden ser muy brillantes y los dibujos de trazos gruesos con pocos detalles. El origen de estas técnicas se remonta a los comienzos del siglo XX cuando algunos pintores vanguardistas quisieron incursionar en el cine. Como Arnaldo Ginna, quien dijo haber tenido la idea de pintar sobre la película, ya en 1908. Se sabe que, basándose en experiencias cromáticas, Ginna realizó en 1910 cuatro cortos abstractos en esta técnica. Desgraciadamente, se desconoce el paradero de sus obras. El neozelandés, Len Lye, fue uno de los primeros cineastas que realizaron una obra audiovisual completa utilizando las técnicas de animación sin cámara. En 1935, Lye produjo en Londres su primer filme pintado directamente sobre el negativo de cine, llamado A Colour Box (Una caja de colores). Este fue el comienzo de su carrera que culminó con Free Radicals (Radicales libres) en 1958 y Particles in Space (Partículas en el espacio) en 1964, dos filmes rayados sobre la película. Esta técnica fue intensamente desarrollada durante el trabajo de experimentación del realizador de animación Norman McLaren. Influenciado por el trabajo de Lye, McLaren realizó en 1937, en Londres, el cortometraje Love on the Wing (Amor en el vuelo), que tiene segmentos dibujados directamente sobre el negativo de cine. Entre 1939 y 1941, McLaren continuó, en los Estados, Unidos sus experiencias de animación sin cámara en películas como Scherzo (1939), Stars and Stripes (Estrellas y rayas) (1940) y Dots (Puntos) (1940), todos dibujados sobre el negativo. En sus primeros diez años en el National Film Board de Canadá, McLaren realizó muchas películas utilizando la técnica del dibujo sobre negativo de cine como Dollar Dance (Danza de dólares) (1943), y Fiddle-de-dee (1947), entre otras. Una de ellas, Caprice en couleurs (Capricho en colores) (1949), realizada junto con Evelyn Lambart, es una verdadera obra de arte de ilustración musical. La película está dibujada por ambos lados lo que permite la aparición de ricas texturas que acompañan la música compuesta por Oscar Peterson.

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Técnica de raspado y pintado directo sobre negativo McLaren pintaba directamente sobre el negativo de cine, estuviera este revelado o no. También raspaba la emulsión de la película virgen produciendo figuras transparentes. No sólo pintaba las imágenes de un filme, sino también la banda sonora. McLaren y Grant Munroe, su asistente, descubrieron que ciertos dibujos pintados sobre la parte del negativo donde va el sonido, correspondían a determinados ruidos, o notas musicales. Entonces hicieron música y crearon sonidos que iban coordinados con lo que animaban dibujando o raspando dentro de la película.

Norman McLaren pintando sobre un negativo de cine.


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Esta técnica ha sido usada, después, por muchos animadores en el mundo y sigue hoy en día utilizándose para enseñar y realizar experimentos. Sin embargo, a pesar del tiempo transcurrido, las obras más famosas en esta técnica, son los cortometrajes Blinkity Blank (Espacio parpadeante), y Caprice en couleurs (Capricho en colores) de Norman McLaren, que datan de los años 50 y que son un increíble ejemplo de coordinación entre el sonido, el ritmo y el movimiento.

Imágenes de los fotogramas dibujados de Norman McLaren

Aunque Blinkity Blank (1955), es uno de los pocos filmes enteramente dibujados sobre negativo de gran narrativa visual, Pierre Hébert realizó, en 1982, una película con esa misma técnica, logrando una calidad similar. Esta se llamó Souvenirs de guerre (Recuerdos de guerra), y es una potente obra antibélica.

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IV Animación plana o 2D y los grandes maestros de este género Se llama Animación Plana, a toda aquella que se realiza acostada sobre una mesa, con la cámara en posición cenital y que, por lo tanto, tendrá dos dimensiones. Generalmente, para filmar o grabar se ha usado un stand de animación, una mesa accionada mecánicamente, que puede realizar movimientos milimétricos en todas las direcciones y en combinaciones de éstas. La cámara va sujeta a una columna que alcanza, a veces, hasta dos metros de altura y que permite controlar los desplazamientos cuadro por cuadro, hacia arriba y abajo. Actualmente, muchas animaciones, sobre todo las de dibujos animados, se realizan en el computador, capturando cada fase de movimiento dibujada, a través de un scanner. Las empresas que se dedican a la producción de cartoons han dejado de lado el stand de animación. Sin embargo, este es muy útil para desarrollar manualmente las técnicas planas de papeles recortados, collages, arenas, siluetas y otras. Las técnicas más conocidas de Animación Plana o 2D son: A. Dibujos animados B. Papeles recortados: Articulados y por fases de movimiento C. Siluetas D. Collages E. Dibujos sobre pizarra o vidrio F. Animación de arena G. Animación de objetos en bajorrelieve H. Animación de plasticinas planas

Mesa o stand de animación


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Dibujos animados: La técnica del dibujo animado consiste en dibujar cuadro tras cuadro las fases de movimiento necesarias, para ir produciendo la ilusión de los movimientos de los personajes y fondos. Estos dibujos pueden estar realizados sobre papeles o transparencias según la elección del artista. Hace algunas décadas, cada dibujo debía trazarse y pintarse manualmente por separado. Se necesitaba una cámara de cine que filmara fotograma por fotograma. Ahora se puede capturar las imágenes con una cámara fotográfica digital, o con un scanner ingresando foto por foto a algún programa computarizado de edición de video. También existen numerosos programas de animación que han facilitado la labor de los animadores. Los más usados son C.T.P., Flash y Moho, entre otros. Los dibujos animados aparecieron antes que el cine, pero ambos se desarrollaron juntos y siguieron sus desarrollos en forma paralela, ya sea técnicamente (de mudo a sonoro, de cine blanco y negro a color, etc.) como también en la forma de contar las historias.

Fases de movimiento

Mesa de luz

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Las primeras películas de Emile Reynaud: Pobre Pierrot, El clown y sus perros y El vaso de cerveza, de las cuales sólo quedan pocas escenas, lo clasifican entre los iniciadores de la cinematografía de dibujos animados. Pero, oficialmente, se atribuye al francés Émile Cohl la primera creación en esta técnica. Cohl, que era amigo de Georges Mélies, ya conocía el arte cinematográfico a través de los efectos especiales y trucos que éste descubría. Émile Cohl usaba contornos claros y líneas esquemáticas. La característica fundamental de sus animaciones fue el recurso de la metamorfosis. Explotó todo lo que en esa época parecía imposible y trató de perturbar la racionalidad humana con su lógica de lo absurdo. Su primer filme, Fantasmagorie (1908), que tiene una duración de dos minutos, consiste en un fluir de imágenes oníricas sin estructura narrativa, determinadas unicamente por su lógica personal. El más largo período de productividad de Émile Cohl fue entre los años 1906 y 1912, su obra está compuesta por más de cien cortometrajes. Utilizó personas, recortes e ilustraciones, muñecos, marionetas, y pinturas. Cohl, con sus películas animadas, aportó una nueva estética a la historia del cine. Y hasta el día de hoy continúa provocando fascinación entre los animadores, que reconocen su misterioso poder de transformación y distorsión del mundo de las ilustraciones y de los objetos. Los dibujos animados, a veces también llamados cartoons, podrían dividirse al igual que cualquier animación, en dos categorías fundamentales: comerciales y artísticos, aunque, a veces, y dependiendo de la calidad de la obra, ambas clasificaciones se confunden. Me refiero a dibujos animados comerciales cuando éstos se han producido con la sola intención de vender y de hacer negocio. Por ello, en la mayoría de los casos, este tipo de animación no tiene una gran calidad estética y artística, ni en su diseño ni en la animación. A menudo, el afán comercial llega a ser tan grande, que las producciones ahorran fases de movimiento dando como resultado un tipo de animación de cuarta clase. Es el caso de muchas series infantiles de televisión que los canales acostumbran a transmitir. Dibujos animados artísticos son, en cambio, aquellos que se realizan como obra de autor, aunque tengan como fin llegar a ser exhibidos en la televisión, en el cine, o servir de herramienta en la educación, publicidad y otros. Los hay en muy variadas formas y técnicas de dibujo, desde el lápiz a mina hasta el óleo y en muy variadas temáticas. Se caracterizan por estar bien animados, ser bellos, novedosos y estéticos. Uno de los más grandes maestros de la animación de dibujos, y que no se puede dejar de citar como un ejemplo en esta técnica, fue el mundialmente conocido y afamado Walt Disney. Quién no identifica los más hermosos recuerdos de su infancia a algunos o varios de sus largometrajes, como Cenicienta, Bambi, Fantasía, Pinocho, Blanca Nieves El rey León y tantos otros.


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Escena de Bambi de Walt Disney La técnica de Walt Disney siguió un camino verdaderamente original para la época. Fundió la música con la imagen, plasmando en cada compás, en cada gesto, un sello particular que casi da un sentido humano a los animales en movimiento lo que logra emocionar a personas de cualquier edad.

El conocido personaje de Walt Disney, Mickey Mouse (1927)

Proceso de creación de dibujos animados En el proceso “tradicional” de creación de la animación de dibujos, el trabajo se divide en distintas fases y especialidades para lo cual generalmente se necesita a varias personas. Es decir, la creación de dibujos animados es un trabajo en equipo.

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1. 2. 3. 4.

Creación y desarrollo de la idea. Escritura del guión. Story board en el que se dibuja cada escena del guión. Grabación del sonido (también se puede hacer al final, pero cuando hay parlamentos y lipsinc o bailes, al compás de la música, es mejor grabar el sonido antes de la animación). Análisis del sonido en cantidad de cuadros para calzar con los movimientos de las bocas, gestos, pasos, y sincronizar con todo lo que se necesite. Layout o planeamiento de los dibujos. Cálculo de los tiempos tomando en cuenta el análisis del sonido y el Layout Dibujo de los fondos en concordancia con las escenas y estilo de los personajes. Dibujo de las principales fases de movimientos en papel. Dibujo de todas las fases intermedias en papel. Test de movimientos o pruebas de animación Correcciones Dibujo en acetatos o transparencias Pintado de los dibujos en acetato (por el reverso) en el caso que se hagan a mano. Filmación de fondos combinados con acetatos Revelado del negativo (en el caso del cine) Edición de imagen y sonido Laboratorio para hacer cortes, imprimir y sonido óptico. Copia final Proyección de la obra.

5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12. 13. 14. 15. 16. 17. 18. 19. 20.

Si la obra es realizada digitalmente, el proceso cambia. Por ejemplo, en vez de pintar acetatos se pintarán los dibujos en el computador, no habrá que hacer cortes de negativo, etc., pero siempre algunas partes del proceso se mantendrán igual y estas son las más creativas y artesanales.

Ejemplo de Fondo


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Papeles recortados o cut papers La técnica de animación de papeles recortados es una de las más simples para dar vida a dibujos. Consiste en mover manualmente, cuadro por cuadro, dibujos recortados con tijeras o simplemente rajados con la mano, acostados sobre una mesa o sobre un stand de animacion. El resultado es muy similar al de los dibujos animados, pero la diferencia está en que el animador trabaja en vivo, animando directamente bajo la cámara. En cambio, en el caso de los dibujos animados, todas las fases de movimiento están ya dibujadas. La animación de recortes es una simplificación del dibujo animado y se trabaja en forma más rápida. La conexión entre el cerebro y la mano es la esencia de la animación de recortes. Mover a mano las partes de una figura hecha de recortes ahorra cientos de dibujos. Sobre fondos puestos en varios planos iluminados por separado, se anima imágenes gráficas recortadas o personajes dibujados, fondos y utilería hecha de recortes de materiales como papel, cartulina, cartón e incluso fotografías. Esta técnica se ha usado principalmente en Europa y es característica de muchas películas animadas que se realizaron en 35 mm., en los países ex socialistas, como Rusia, Polonia, Alemania Oriental y Checoslovaquia hasta los años 80`. Obviamente, cuando se anima en la técnica de papeles recortados, algo se pierde, ya que esta forma simplificada no siempre llega a la excelencia de una animación más compleja como la de acetatos o transparencias. El movimiento es restringido, y muchas veces depende del pivote o articulación que se le pone a las partes de las figuras. Este tipo de animación está más orientada a la acción que a la sutileza y tiene un carácter más naif.

Partes de una figura de papel recortado

Se cita como inventor de esta técnica a Quirino Cristiani de Argentina, quien ya en 1917 realizó un largometraje animado llamado El apóstol y en 1918 patentó su invento de una mesa para animar. En la actualidad, softwares como Moho, After Effects, Mirage, y otros, simulan la animación de este tipo, razón por la cual esta técnica se ha actualizadol y es usada en muchas series de televisión infantil. Se recorta un dibujo dentro del computador sin ni siquiera pasar por el papel y con la ayuda de capas y key frames, el mismo computador calcula los movimientos en vez de tener que dibujar una y otra vez la misma figura.

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Hay dos formas de animar papeles recortados. a. Animación de papeles recortados articulados. Se colocan articulaciones casi invisibles en las figuras de papel por la parte de atrás, en los puntos donde nacerá el movimiento como los codos y/o rodillas. Se pueden simular todas las articulaciones del cuerpo humano y las de otros cuerpos como los de los animales, seres vivos en general y máquinas. Luego se mueve cada parte manualmente o por computador. b. Animación de papeles recortados con fases de movimiento ya dibujadas y recortadas que se van remplazando unas por otras (fases similares a las de los dibujos animados).

Stand multi plano de animación La animación de papeles recortados se realiza encima de una superficie lisa, preferentemente un vidrio, sobre el cual se van moviendo muy cuidadosamente con las manos los papeles o partes de los personajes de papel. Otro vidrio va colocado encima apretado por una bisagra que permite abrir y cerrar cada vez que se necesita realizar un movimiento. Este segundo vidrio ayuda a evitar sombras, que los papeles no queden arrugados y que no se muevan solos por un error del animador. Las pinzas, pequeños alambres y tijeras ayudan a realizar movimientos pequeños sin tocar los demás papeles recortados de la escena. Para evitar errores se suele adherir al vidrio inferior los papeles y fases de papel con algún pegamento suave por la parte de atrás. El cemento de caucho, material usado por los zapateros, es muy útil ya que se puede despegar sin dejar huella. Los instrumentos que suelen usar los dentistas son muy apropiados para estos propósitos. Para mover correctamente sus personajes, el animador tendrá que hacerse unas guías de movimiento que se retirarán cada vez que se capture la imagen. Hay que recalcar que los fondos que se colocan debajo de las figuras de papel recortado, son de vital importancia en el diseño de la animación ya que en esta técnica se suelen usar mesas


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multiplanos (con varias capas de vidrios) en las que se pueden separar los fondos para producir la sensación de perspectivas y distancias. Fuera de dibujos, en una animación de collage se podrá colocar fotografías o recortes de otros materiales. El gran maestro en esta técnica de animación de recortes es el ruso Yuri Norstein y su más lograda animación, la película El erizo en la niebla.

Siluetas Una especialidad dentro de la técnica de animación de papeles recortados, es la técnica de las siluetas o sombras creada por la realizadora alemana Lotte Reiniger, en 1926. En esta técnica, las figuras recortadas son siempre negras y el fondo blanco está iluminado por debajo de la mesa, dando como resultado una especie de eatro de sombras chinas animadas.

Escenas de una animación de Lotte Reiniger (Hansel und Gretel)

Fotografías y collages en movimiento La animación de fotografías recortadas constituye una variante de la animación de papel recortado tradicional así como la animación de collages de diferentes imágenes y materiales planos. Consiste en mezclar grafica, dibujos y fotografías que se animarán sobre la meza de luz o stand de animación. Hay quienes agregan a estas imágenes, rayados de lápices carbón o pinturas. No hay una regla determinada, se hace al estilo de cada cual.

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Animación de dibujos con tiza sobre pizarra La animación de dibujos hechos con tiza, ya sea blanca o de colores, sobre una pizarra, es una técnica que se ha usado mucho en la enseñanza de la animación en talleres de animación para niños. Esta técnica permite ir borrando y re dibujando cuadro a cuadro, lo que ayuda al aprendizaje y se hace muy asequible al alumno. Por su formato grande permite el trabajo de varias personas a la vez. El 6 de abril de 1906, se estrenó en los Estados Unidos el cortometraje animado Humorous phases of funny faces (Fases humorísticas de caras divertidas). Una pequeña película, en la que una serie de dibujos realizados con una tiza sobre un pizarrón cobraban vida. Esta animación de James Stuart Blackton también se puede considerar, entre las pioneras del dibujo animado. Su realizador quería asombrar al público con todos los recursos disponibles.

Animación de pintura sobre vidrio Pocos animadores se han atrevido a trabajar esta técnica que consiste en ir dibujando cuadro por cuadro sobre vidrio. O sea, que varias capas de vidrio remplazan lo que son los acetatos en el dibujo animado tradicional. Un ejemplo increíble de esta técnica son las películas del animador ruso Alexander Petrov, especialmente su cortometraje The Mermaid (La sirena), que, además de ganar muchos premios internacionales en festivales de animación, fue nominada al Oscar en 1998.

The Mermaid de Alexander Petrov

Animación de arena Para realizar una animación en esta técnica, se coloca arena sobre una mesa de luz o sobre un stand de animación y ésta se va moviendo cuadro a cuadro con las manos y con herramientas como pinceles, pequeñas brochas y otros elementos. Si se anima la arena en su color original, generalmente se ilumina el cuadro por debajo. De esta forma, cuando hay mayor cantidad de arena sobre el vidrio, vemos colores sepia, casi negros, y cuando hay menos arena un blanco crema. Variando la cantidad de arena utilizada, logramos la gama completa desde el color crema al sepia. Las manos y las herramientas movidas cuadro a cuadro van produciendo la animación de los motivos elegidos. Podemos realizar una animación de arena sobre otro tipo de superficie como un papel blanco, por ejemplo. Pero el resultado es mucho más impresionante cuando se realiza sobre un vidrio iluminado desde abajo.


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Un animador experimentado, o un muy buen dibujante, podrá ir improvisando los movimientos cuadro por cuadro, pero es más conveniente tener hecha una guía o patrón de movimiento para lograr la fluidez deseada.

Película hecha en animación de arena Uno de los principales cultores actuales de esta técnica, es el húngaro Ferenck Cako quien ha dado clases demostrativas en los más importantes festivales de cine animado del mundo. Sus cortometrajes Stones (Piedras), L’air du sable (El sonido de la arena), y Asches (Cenizas), entre otros, son de magistral diseño y en ellos resalta su gran virtuosidad de dibujante y su habilidad como animador. También existen animadores que trabajan con arena de colores, iluminadas por encima de la mesa lo que da como resultado dibujos increíbles, similares a veces, a aquellos que hemos visto en ciertas botellas llenas de arena de colores que venden en las ferias artesanales.

Animación de objetos en bajorrelieve Sobre un stand de animación se mueven cuadro a cuadro objetos planos de diversos tipos como alfileres, frijoles, botones, mostacillas, cuentas para collares, etc., formando imágenes e ilustrando los temas de la animación. Un buen ejemplo de realización en esta técnica es el video clip de la canción Sledge Hammer de Peter Gabriel realizado por los Estudios Aardman de Bristol, en el cual se animan todo tipo de elementos como plátanos, verduras, popcorns, y otros objetos.

Videoclip de Peter Gabriel realizado por el Estudio Aardman

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Animación de plasticinas planas La plasticina se modela en formas planas o de escaso relieve amasada como si fuera un papel y luego se anima cada parte por separado de la misma forma como se hace en la técnica de papel recortado o cut paper. Puede incluso, en algunos casos, adquirir el aspecto de óleo pintado cuando se esparce con los dedos sobre una superficie de cartón o papel grueso. Buen ejemplo de animación en esta técnica es el corto infantil Mons the cat del realizador ruso Pjotr Sapegin, un cuento escandinavo en el que un gato se come todo lo que encuentra en su camino, ya sea gente, casas, autos y hasta la misma luna y también el sol.

Escenas de Mons the cat de Pjotr Sapegin

Rotoscopia El rotoscopio es un aparato que fue inventado en 1915 por el americano Max Fleischer y que permite redibujar cuadro a cuadro una escena o acción filmada en vivo (real y normal), ya sea transformándola en una pintura, agregando personajes o haciendo algunos efectos.

El rotoscopio Un buen ejemplo del uso del rotoscopio son las obras de Max y Dave Fleischer, quienes utilizaron el rotoscopio ya en 1939, para crear el personaje de Gulliver en su adaptación del relato de Jonathan Swift, Los viajes de Gulliver. Y también Une artiste (Una artista) (1994) de Michelle Cournoyer y When the Day Breaks (Cuando nace el día) (1999) de Amanda Forbis y Wendy Tilby, ambas películas realizadas en el National Film Board de Canadá.


Une artiste (Una artista) (1994) de Michèle Cournoyer.

When the Day Breaks (Cuando nace el día) (1999) de Amanda Forbis y Wendy Tilby.

Y el conocido largometraje realizado por los estudios de Walt Disney, ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (Who Framed Roger Rabbit), en el que actores famosos como Bob Hoskins, Kathleen Turner, Joanna Cassidy y otros, interactuaban con personajes dibujados y animados.

¿Quién engañó a Roger Rabbit? de Walt Disney

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V Animación tridimensional o stopmotion Se llama comúnmente animación tridimensional o 3D a toda animación realizada con modelos volumétricos colocados sobre una mesa. La cámara sobre un trípode está puesta en posición frontal. También se le llama animación en vivo o stop-motion, ya que el animador anima en el momento, a diferencia de cuando filma o graba dibujos animados que ya están hechos. Estas técnicas tienen como característica, que exigen al cineasta elementos de puesta en escena cercanos a los de una realización en vivo. En la animación tridimensional la iluminación, los movimientos de cámara, las elecciones de lentes u objetivos a utilizar, las profundidades de campo, y las relaciones espaciales entre los elementos no son virtuales como en los dibujos animados, sino reales como en una ficción con actores. Las principales técnicas de animación tridimensional o volumétrica son: Animación de objetos Se puede animar todo tipo de objetos corpóreos de diferentes materiales. Tanto una aguja como un armario, por citar un ejemplo de dos volúmenes muy distintos tanto en forma, como en tamaño. Todo depende del guión y/o de la aplicación que se le quiera dar a la animación. Esta técnica es muy usada en publicidad, en spots que promocionan productos con envases coloridos que toman vida y cuentan una historia o destacan las virtudes del producto. Pero también se ha usado mucho en obras de autor y en video clips musicales. Un buen animador sabrá sacarle partido a la caracterización de un objeto aunque este no tenga rostro ni rasgos como ojos, nariz o boca. Le buscará una forma de expresión y de movimiento. Para hacer una animación corpórea, se debe calcular el espacio, el tiempo que va a durar la acción y descomponer el movimiento en cuadros o fotogramas, tal como se hace en cualquier técnica animada. Es muy importante para este tipo de animación clavar los objetos a una base semi blanda y densa, y utilizar reglas de medición para marcar los movimientos, con el fin de que estos queden suaves y fluidos. Dependiendo de la velocidad deseada, las separaciones entre cada movimiento serán más grandes o más pequeñas. Las marcas que hace el animador para ayudarse en su tarea se llaman calibraciones, y pueden llegar a tener unos pocos milímetros de separación entre ellas.

Animación de objetos (Tchou-tchou de Co Hoedeman)


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Animación de muñecos o marionetas La técnica más conocida de animación tridimensional es la animación de muñecos corpóreos o marionetas. Estos pueden tener infinitos diseños y estar construidos de diversos materiales, como madera, alambres, papier maché, trapos, látex, esponja, y de todo lo que pueda a uno ocurrírsele y que sirva para darle forma a los personajes. Generalmente, en el interior de los muñecos hay un esqueleto o estructura que también puede estar hecha de diversos materiales como alambres, fierros, maderas, rodamientos, o una mezcla de los anteriores. La estructura sirve para permitir controlar los pequeños movimientos de cada articulación. Para evitar cualquier cambio brusco e innecesario en el fluir de la acción todo lo que se anima en tres dimensiones, especialmente los pies de los muñecos, deben ir clavados a un piso o base que se coloca sobre la mesa y que puede ser de corcho, plancha de madera aglomerada perforada, o plumavit en Chile. Hay animadores que atornillan los pies de los muñecos al piso por debajo de la mesa, otros que usan velcro y otros, alfileres o tachuelas.

Modelado de la cabeza de un muñeco En comparación con los dibujos animados, esta técnica es mucho más cercana al cine con actores, ya que una vez que los muñecos están construidos no se pueden cambiar. Además permite un tratamiento cinematográfico similar al de una película filmada en vivo. Los orígenes de la técnica de animación de muñecos se remontan a Europa central y vienen de una vieja tradición de teatro de marionetas originaria de países como Alemania, Rusia, Checoslovaquia e Inglaterra. De ahí que el ruso Ladislas Starewitch, con la película La venganza del operador cinematográfico (1912), fue el primer maestro en esta técnica. Lo siguieron varios animadores rusos y checos,

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pero el más conocido fue Jiri Trjnka que realizó el filme La Mano, en 1965. En los Estados Unidos fue un europeo, el húngaro George Pal, quien impuso esta técnica a principios de los años 40. En Japón, Kihachiro Kawamoto, quien había aprendido en Praga con Trjnka, se inspiro en el teatro de marionetas japonés (Bunraku) para la animación de películas como El Templo Dojoji (1976). En el National Film Board de Canadá, las primeras experiencias de animación con muñecos fueron hechos por Jean-Paul Ladouceur que realizó Sur le pont d’Avignon, en 1951, y más tarde Co Hoedeman continuó con esta técnica, a fines de los años 60, con su inolvidable Tchou-tchou (1972), y El castillo de arena (1977) corto que lo hizo ganador de un Oscar de la Academia. Uno de los primeros cortometrajes estadounidenses en los que se usó el stopmotion fue The Missing Link (El eslabón perdido) de Willis O’Brien, en 1916. Más tarde O’Brien hizo la animación en stopmotion de The Lost World (El mundo perdido) en 1925, y su obra más conocida fue King Kong (1933). Las películas de Tim Burton como El extraño mundo de Jack (The Nightmare Before Christmas) y El cadáver de la novia (Corpse Bride), son un ejemplo actual de maestría en el arte de la animación de muñecos cuadro a cuadro.

El cadáver de la novia (Corpse Bride), de Tim Burton Animación de plasticina o claymotion La animación de plasticinas, también llamada por algunos claymotion, es una técnica muy rica en maleabilidad debido al material utilizado. Es una forma más, de la técnica de animación llamada stopmotion. En ella, cada objeto está moldeado o esculpido en plasticina o en algún material similar y, en algunos casos, especialmente cuando los modelados tienen formas humanas o de animales, se usa una estructura interna o esqueleto de alambre o de fierro con articulaciones.


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El objeto o personaje es colocado en el set o decorados, y se va moviendo suavemente paso a paso tomando un cuadro fotográfico de cada movimiento tratando de reproducir carácter y vida al personaje. Lo más probables es que muy a menudo haya que retocar las figuras.

Ene tene tu, ejemplo de técnica claymotion Producir un stopmotion con plasticina es un trabajo extremadamente laborioso. A la usual dificultad de animar un personaje volumétrico se le añade el problema de que el material se mancha, los colores se tiñen unos con otros, y cada huella digital o de uñas queda a la vista. Por otra parte, el calor de las luces del estudio de animación, hace que la plasticina se ponga blanda y se doble para lo cual hay que tener la paciencia de detener la filmación y esperar que la temperatura cambie. Puede ser de gran ayuda mantener las figuras en un cooler. Hay dos formas de animación de plasticinas: una que trata de imitar la realidad perfecta, con un modelado acabado, y otra que quiere conservar las huellas de las manos y explota las imperfecciones y transformaciones de la plasticina, lo que produce resultados llamativos y asombrosos. Un buen ejemplo de la primera forma son las películas de los Aardman Studios, cuyos realizadores Nick Park, Peter Lord y Dave Sproxton se han transformado en los líderes mundiales en la técnica de animación de plasticinas. En ellas, los personajes parecen estar modelados perfectamente como en una porcelana o arcilla y sus cuerpos son compactos. El lipsinc se logra por cambios de mandíbulas y los ojos son movibles. Para lograr la perfección, algunos remplazan la plasticina por siliconas, gomas y componentes elaborados con resina. En estos casos Will Vinton, realizador norteamericano que se dedica a la animación de plasticinas, habla de foamation, lo que significaría animación de esponja látex, porque muchos animadores construyen personajes en látex simulando la plasticina para evitar los problemas que acarrea animar las pastas de modelar.

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El término claymation, también usado para nombrar a la animación de plasticinas, es una marca registrada creada por el norteamericano Will Vinton en 1978 para describir la técnica usada en sus propios filmes y que ya forma parte del vocabulario inglés. El animador alemán, Oscar Fischinger, fue el pionero en la animación de plasticinas entre 1920 y 1930. También otros realizadores europeos, especialmente de los ex países socialistas trabajaron esta técnica. Más tarde, a mediados de los años 90 volvió a ponerse de moda y fue perfeccionada por David Daniels, en su cortometraje Buzz Boy, por los animadores de los estudios de Will Vinton nominados varias veces a los premios Oscar, y por los animadores de los Aardman Studios de Bristol con los cortos de Wallace & Gromit y Creature Conforts. En América Latina podemos destacar al argentino Juan Pablo Zaramella, o a René Castillo de México como excelentes representantes de animadores que utilizan esta técnica.

Hasta los huesos del mexicano René Castillo Pixilation Este es el nombre que se le ha dado a la animación de personas, técnica que consiste en fotografiar imagen por imagen a personas cuyos movimientos son absolutamente controlados por el cineasta. Fue el mismo Norman McLaren quien inventó esta palabra. Existen muchas obras en que los personajes son actores que están dirigidos por algún animador para moverse cuadro a cuadro, incluso a veces, milímetro por milímetro, y lograr de ese modo una pixilation. Se trata de una animación que simula los movimientos de la realidad pero que no llega a ser perfecta, ya que ningún ser humano puede conservar su postura por mucho tiempo sin moverse. El resultado es un tipo de movimiento tosco y especial. Se podría decir que una pixilation es una animación de muñecos hecha con personas. Un gran ejemplo de cortometraje de autor realizado en técnica de pixilation es Vecinos (1957) de Norman McLaren, filme de 8 minutos de duración realizado después de la Segunda Guerra Mun-


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dial y protagonizado por el mismo MacLaren y su colega Grant Munroe. Este corto, que es una verdadera fábula antimilitarista, ganó muchos premios internacionales, entre ellos un Oscar de la Academia en el año 1952. La historia trata de dos vecinos disputándose una flor que ha crecido en el jardín.

Vecinos (1957) de Norman McLaren Otros cortometrajes de Norman McLaren, animados en técnica de pixilation, son Había una vez una silla (1957) y Discurso de bienvenida de Norman McLaren (1961), dos filmes en los cuales objetos de la vida diaria toman vida y se revelan (una silla y un micrófono respectivamente). Otro ejemplo notable en esta técnica es el mediometraje de los ingleses Bolex Brothers, llamado The secret adventures of Tom Thumb, en el que mezclan magistralmente una pixilation con la animación stopmotion de muñecos, logrando en lo técnico un resultado muy especial debido al contrapunto entre lo burdo de la pixilation y lo fluido del stopmotion. El origen de la pixilation proviene de los llamados Trickfilms, esos cortos hechos de trucos que marcaron los inicios de la historia del cine, como algunos de Georges Méliès, el célebre filme El Hotel eléctrico del español Segundo de Chomon (1905) y El mobiliario fiel del francés Romeo Bosetti (1912). La pixilation, más que ninguna otra técnica de animación, obliga a una estrecha relación con lo real. La presencia de actores y objetos desplazándose en un entorno de tres dimensiones introduce en la obra una serie de referencias a un ambiente o mundo parecido a la realidad, pero que puede llegar a ser muy irónico, motivo por el cual se ha usado bastante esta técnica en temas de contenido político y /o social.

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The secret adventures of Tom Thumb de los Bolex Brothers

Pizarra de alfileres llamada Pinboard La animación del pizarrón o pinboard consiste en un gran tablero con unos quinientos mil o más alfileres que se hunden poco a poco valiéndose de instrumentos como brochas u otros creados para este fin, dibujando a través de la iluminación diversas formas y sombras que dan todos los tonos de gris. Si los alfileres salen completamente a la superficie, se obtiene un negro y si entran completamente, un blanco puro. La animación se realiza empujando y entrando los alfileres y obteniendo diversas imágenes. Cuando estas son proyectadas en el ritmo normal, o sea, a veinticuatro fotogramas por segundo en el cine, adquieren vida y el tablero se ve animado. Sergei Alexeiev y Claire Parker fueron los creadores del pinboard y los grandes maestros en esta técnica. Sus obras más importantes fueron: Una noche en el monte calvo (Night on bald mountain) de 1933, El prólogo al proceso (The Trial) de 1962, La Nariz (The nose) de 1963 yCuadros de una exposición (Pictures at an exhibition) de 1972.


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Claire Parker y Alexander Alexeieff trabajando en un Pinboard En el ámbito mundial, fueron escasos los animadores que se dedicaron a esta técnica del Pinboard, por ser de una dificultad extrema.

Escena de El prólogo al proceso (The Trial) de Alexander Alexeieff

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IMPLEMENTOS TÉCNICOS PARA UNA ANIMACIÓN VOLUMÉTRICA Lo fundamental para realizar una animación volumétrica, es tener una mesa bastante amplia, idealmente redonda, y a una altura cómoda para el animador, o sea, que le llegue entre la cintura y la axila. Sobre esta mesa se colocarán las bases, decorados o maquetas y los personajes que se van a animar. Esta mesa debe ir recubierta de algún material que sirva para sujetar los elementos que se moverán en la escena y también los que no tendrán movimiento. Debe ser un material blando y denso como el corcho. Encima de esta base se pondrá el piso que puede ser de tela, cartón u otro material adecuado al diseño. Si no se va a utilizar una cámara de cine, como es en la mayoría de los casos, ya que, generalmente no se cuenta con los recursos económicos necesarios, es muy útil tener a disposición un programa o software para capturar imágenes en vivo. Existen programas computacionales de stop motion que permiten ver y capturar los cuadros o frames e ir guardándolos en el computador. Estos se transmiten a través de un cable USB o Firewire desde una cámara fotográfica e incluso desde una cámara web. Se puede explorar las fotos anteriores y revisar si los movimientos han quedado bien animados o si hay que corregir alguna toma. Algunos ejemplos de softwares específicos para esta técnica son Stop Motion Pro (PC) y I Stop Motion (Mac). Estos softwares han abaratado los costos dando la gran posibilidad al aprendiz de ensayar en casa y repetir todas las veces necesarias hasta que un movimiento quede óptimo. Un estudio de animación tridimensional bien equipado debe constar de: 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12. 13. 14. 15.

iluminación suspendida desde el techo para dejar espacio en el piso una mesa estable para animar una superficie blanda sobre la mesa para poder clavar los pies de los personajes (corcho u otro) una cámara cuadro a cuadro un cabezal para girar la cámara y ponerla en distintos ángulos un trípode una base triangular para estabilizar el trípode bolsas de arena para evitar que la cámara se mueva una cámara de video como asistente un monitor para reproducir y testear un fondo colocado lejos de la mesa luces de fondo dimmers para controlar cada luz herramientas un motor cuadro a cuadro en caso de filmar en cine.


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CONSTRUCCIÓN DE MUÑECOS Al construir muñecos para animar hay que tomar en cuenta cuatro fases: 1. El diseño o dibujo de la apariencia del personaje de frente, espaldas, y perfil (Tourn around). Es muy importante tener muy claro desde el principio de un proyecto como se verá el personaje desde distintos ángulos de visión.

2. La construcción de la estructura o esqueleto interno que puede ser hecho de alambres, o con piezas de metal unidas por rodamientos, o con partes de madera de balsa unidas por alambres. Existen varias formas de construir un buen esqueleto, dependiendo de las exigencias de una animación específica. También se pueden comprar en Internet.

Ejemplo de esqueletos para animación

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3. El revestimiento de plasticinas, trapos, látex y/u otros materiales. Una vez construida la estructura del muñeco se forra con latex, esponja u otro material que le de mas cuerpo y que haga la forma de los músculos. A esto se le pone el vestuario confeccionado a la medida del personaje. 4. La construcción de la cabeza y sus mecanismos. La cabeza es una parte primordial del muñeco, ya que los ojos y modulación de los parlamentos aportaran realidad y vida al personaje. Si el proyecto es una película larga, hay que pensar en construir dos o más de cada personaje para tener repuesto en caso de que se rompan en la mitad de la filmación. También es aconsejable construir el mismo muñeco en diferentes tamaños por si se quiere trabajar con distintos planos y/o perspectivas. Un elemento a considerar es el peso de los muñecos, estos deben ser construidos con materiales livianos ya que el peso puede entorpecer el equilibrio y por ende los movimientos.

CÓMO ANIMAR MUÑECOS: A diferencia de los dibujos animados, en que en cualquier momento se puede intercalar un dibujo más, aquí no hay posibilidad de cambios, el muñeco empieza a moverse y la acción termina en el último cuadro o fase de movimiento. Además, las figuras no pueden controlarse totalmente como en los dibujos animados porque los muñecos están limitados por la gravedad. Todo lo que se va animar debe estar clavado a la base colocada sobre la mesa de animacion. Es muy fácil pasar a llevar los elementos del set o los muñecos cuando uno trabaja durante muchos días encerrado en un estudio. Si algo se mueve y cambia de posicion podría inutilizar el trabajo de muchas horas. Algunos movimientos complicados como saltos, vuelos y carreras se pueden facilitar con ayuda de un computador (agregando cuadros grabados en cromakey) o con el uso de hilos transparentes suspendidos en el aire. Elementos que no pueden faltar en el set de una animación volumétrica: atriles y prensas para sujetar elementos en el aire y las luces. • materiales para pintar y retocar como temperas y plumones que pueden ser necesarios en cualquier momento. • spray de pintura para retocar fondos y spray desodorantes para quitar el brillo y opacar ciertas superficies. • alfileres, agujas y palos de maquetas para sujetar elementos. • alicates de punta y cortantes. • un block para anotar los fotogramas y movimientos realizados. • papeles celofán de distintos colores y gelatinas para hacer efectos de luces coloridas. • papeles vegetales y cartulinas negras. • bolsas de arena para inmovilizar cualquier elemento que se encuentre en el estudio de animación.


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VI Cómo animar. nociones de movimiento y iempo Movimiento quiere decir vida, pero animar no significa solamente mover algo que está inerte. Se debe imaginar esa acción y crearla. Se debe darle una personalidad al personaje, estudiarlo previamente: pensar como se mueve, si es joven, viejo, si está cansado, apurado, si está triste, etc. Es bueno aprender observando a la gente en la calle y analizar a través de sus actitudes, gestos y posturas corporales, cómo se comportan. Ninguna persona camina igual a otra, no se ríe igual, ni se sienta de la misma manera, lo que hace que todos tengamos nuestra propia forma de estar “animados”. Lo básico para hacer una animación simple, es tener en cuenta que en cine pasan veinticuatro cuadros o fotogramas delante de nuestros ojos cada un segundo, y en televisión con norma NTSC que es la que tenemos en Chile, veintinueve coma nueve (30). En Europa y otros países en los que se usa el sistema PAL, son veinticinco cuadros por segundo. Entonces, antes que nada debemos tener muy claro cuánto va a durar el movimiento que queremos reproducir, en que sistema estamos trabajando y calcular cuántos cuadros o fotogramas vamos a hacer. Si queremos que un objeto se traslade de un punto a otro, o sea, de A a B por una línea recta, que es lo más simple, deberemos trazar una línea entre ambos puntos y luego dividirla en la cantidad de cuadros o fotogramas que queremos hacer. Cada una de esas marcas, que llamamos calibraciones, nos ayudará a saber dónde colocar el objeto para cada movimiento. Un principiante que anima por primera vez, podrá realizar este simple ejercicio para ir soltando su mano y repetirlo una y otra vez en distintas velocidades. Avanzar de A a B en 12 cuadros, por ejemplo, luego en 72 y en 108 movimientos para apreciar los resultados e ir comprendiendo como se anima. Aspectos fundamentales a tomar en cuenta en una animación son el tiempo, trayectoria y velocidad. Pero no hay que olvidar, que también existen momentos de detención, tal como en la música existen los silencios. Todos los cuerpos deben obedecer a leyes físicas del movimiento para que la animación parezca verosímil y creíble. Es bueno recordar y aplicar las siguientes reglas: a. Toda fuerza aplicada a un cuerpo en equilibrio da origen a una fuerza igual en sentido contrario llamada reacción. Esta ley se usa mucho en la animación de dibujos animados tradicionales para exagerar algunas reacciones en forma de gags o chistes. También es bueno aplicarla en forma moderada en cualquier técnica de animación para hacer más reales los movimientos. b. Toda fuerza aplicada a un cuerpo no provoca instantáneamente la puesta en movimiento. Primero hay que vencer la ley de la inercia. Es bueno usar esta ley en cualquier tecnica para perfeccionar el movimiento deseado. Estos momentos antes de las reacciones, se exageran mucho en las caricaturas. Cuando hayamos comprendido y ejercitado bastante estos principios básicos, empezaremos a trabajar con varios objetos haciéndoles interactuar y dándoles carácter. Un buen comienzo es tratar de imitar movimientos humanos con cubos y palos de madera que no tengan facciones, fijándose en la esencia del movimiento y tratando de reproducirla. Después se seguirá con caminatas y otros ejercicios de movimiento para los cuales es óptimo realizar uno mismo la acción, cronometrarla y reproducirla. La forma más simple de comenzar en la práctica de la animación es haciendo transformaciones o metamorfosis de elementos, personas o situaciones. Así se adquiere el conocimiento y la sensación de tiempo y de la cantidad de imágenes a realizar. Lo ideal es tomar dos cuadros por captura

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de un movimiento, o sea, doce movimientos por segundo, si estamos trabajando en cine, y quince en video NTSC. Un cambio lento va a necesitar muchos dibujos, mientras que un cambio rápido necesitará unos pocos. Poder controlar la velocidad es esencial en la animación. Un animador estará siempre atento a observar los movimientos de todo lo que lo rodea en la vida cotidiana, ya sean animales, personas, máquinas u objetos. Lo ideal es adquirir, además, algunos conocimientos de física y de anatomía, para poder obtener movimientos creíbles y posibles. Pero el animador no necesariamente aplicará estos movimientos realistas a sus personajes. Partiendo de ellos, el animador creará un lenguaje corporal especial a sus caracteres y en eso radicará su talento.

MÚSICA Y SONIDO PARA ANIMACIÓN No hay que olvidar que la banda sonora de un filme, compuesta de la fusión o mezcla de sus tres elementos: música, efectos sonoros y voces, tiene un 50% de responsabilidad en el buen término de una obra. Incluso hay quienes piensan que el sonido en la animación es lo fundamental ya que puede hacer maravillas para apoyar los movimientos de los personajes y el ambiente o carácter de una escena. A veces, la música se compone y graba antes de realizar la animación, especialmente, en el caso en el que se desea animar al ritmo, tacto, o base sonora de las melodías, cuando se quiere sincronizar movimientos con cierto ritmo o cuando hay lipsinc. También es el caso de los videoclips en los que la imagen está basada en la música elegida. Algunas pautas de animaciones llevan ya medida la cantidad de fotogramas que tendrá cada nota de la banda sonora, y algunos animadores que saben leer partituras, asignan una cantidad de fotogramas a la blanca o a la negra como base de la animación. Hay obras animadas que se han inspirado en músicas preexistentes y un buen ejemplo de esto es la película Fantasía de Walt Disney.

Fantasía de Walt Disney Si se requiere sincronizar un tiempo exacto con las voces o con la música, el animador tendrá que hacer un análisis cuadro por cuadro, previo al sonido y antes de planificar la animación.

CAPÍTULO 2 Grandes Animaciones y Animadores de la Historia

Es muy difícil hablar de autores y realizaciones importantes a nivel universal sin omitir a muchos. Por lo tanto, en este libro pondré énfasis, solamente, en algunos realizadores, animadores, obras, estilos e hitos que son fundamentales de conocer. Los he seleccionado según mi criterio personal, eligiendo autores que son para muchos desconocidos, porque no se estrenan en nuestro país. Tampoco existen muchas instancias donde conocerlos, sino es bajarlos de la web. No he incluido a Pixar ni a Walt Disney, así como a muchos otros que son fáciles de apreciar en los cines o arrendando sus películas en video.

LOTTE REINIGER: LA ANIMACIÓN DE SILUETAS Y SU SEGUIDOR MICHEL OCELOT

Lotte (Charlotte) Reiniger, de nacionalidad alemana, fue la inventora en 1919 de la técnica de siluetas animadas, también llamadas sombras, y realizó veinte películas maravillosas casi todas basadas en cuentos de hadas. Su primer corto animado en técnica de siluetas fue Das Ornament des verliebten Herzens (El ornamento del corazón enamorado) (1919). Sus cortometrajes más famosos fueron Haensel und Gretel (Hansel y Gretel), (1955), y Prince Ashmed (Príncipe Ashmed), (1926), todos animados en técnica de siluetas, o papeles negros recortados iluminados por debajo del vidrio donde se colocan para ser animados manualmente.

Lotte Reiniger animando su filme Las aventuras del príncipe Aschmed Las aventuras del príncipe Aschmed es un largometraje formado por un collage de cuentos de “Las mil y una noches”. En la actualidad, es el largometraje animado más antiguo que se conserva completo.

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Hansel y Gretel de Lotte Reiniger Las figuras de papel cortadas con tijeras que ella animó en sus películas están llenas de detalles ínfimos que dan realidad a las figuras. El fondo, colocado en una capa de vidrio iluminado por debajo, da la sensación de tridimensionalidad.

Lotte Reiniger en su juventud Michel Ocelot es uno de los animadores que actualmente continúa trabajando manualmente esta técnica. Su filme Princes et princesses (Príncipes y princesas, (2000), entre otros, está animado con gran maestría y ha ganado numerosos premios en distintos festivales del mundo.


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Princes et princesses de Michel Ocelot Michel Ocelot es el realizador y animador de muchas películas en diferentes técnicas de animación, entre ellas, Kirikou et la sorciere (Kirikou y la hechicera) de 1998, largometraje que ha tenido mucho éxito mundialmente, debido a lo cual Michel Ocelot ha realizado una segunda parte llamada Kirikou et les bêtes sauvages (Kiriku y las bestias salvajes). Estos filmes fueron realizados en técnica de dibujos animados. Las historias de Kirikou suceden en África.

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Kirikou et la sorcière (Kiriku y la hechicera) de Michel Ocelot

EL GRAN GENIO DE LA ANIMACIÓN: NORMAN MCLAREN Norman McLaren, dedicó toda su vida a la experimentación en el arte del cine de animación. Muchos trucos, efectos y estilos de animación que hoy estamos acostumbrados a ver, tanto en el cine como en la televisión, fueron el resultado de los experimentos que realizó este gran artista a lo largo de su vida. También las proezas que hacen los softwares de animación que ahora existen están basadas en experimentos y hallazgos de MacLaren. Podríamos definirlo como el gran poeta del cine animado, no sólo por la calidad de su filmografía, de cincuenta y nueve películas, sino también por la manera en que él se relacionó con la imagen, el color, y el sonido; los cuales exploró en todo su rango y magnitud. Norman McLaren nació en 1914 en Stirling, Escocia, y dejó de existir en Montreal, Canadá, en enero de 1987. Desde muy joven quiso dedicarse al diseño. Estudió Arte en la Universidad de Glasgow en 1932. Se incorporó a la Glasgow Film Society, donde descubrió las obras maestras de Einsenstein, Pudovkin y Fischinger. Rápidamente se dio cuenta de la importancia del cine como medio de expresión y comenzó a innovar y a animar sin cámara pintando directamente sobre negativos, o raspando la emulsión de la película. Su carrera cinematográfica comenzó en 1934 y ya, al año siguiente, dos de sus filmes habían ganado premios en el Scottisch Amateur Film Festival. Uno de los miembros del jurado del festival, John Grierson, quedó muy impresionado con su talento y le ofreció un puesto en la General Post Office Film Unit en Londres. McLaren trabajó como camarógrafo en 1936 durante la guerra civil española lo cual le ocasionó una fuerte impresión. Cuando se dió cuenta de que la Segunda Guerra Mundial era inminente, decidió emigrar a los Estados Unidos y desde 1941 se incorporó al National Film Board de Canadá.


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Sus primeras películas realizadas en Montreal, V for Victory (V de Victoria), Five for five (Cinco para cinco), Dollar Dance (La danza de los dólares) y Keep your mouth shut (Mantén tu boca cerrada), tratan el tema de la guerra. A pesar del tiempo que ocupaba en sus realizaciones, nunca dejó de lado la experimentación tanto del tiempo y de las formas en el cine de animación, como de nuevas técnicas. Esta gran motivación lo llevó a fundar el Departamento de Animación del National Film Board de Canadá, el que existe hasta el día de hoy y el cual ha generado una gran cantidad de excelentes animadores y premios a nivel mundial (Oscar y otros). Para Norman McLaren la música siempre jugó un importante papel. Logró crear bandas sonoras raspando el celuloide en el lugar del sonido óptico. Sus colegas del departamento técnico del Film Board of Canadá le construyeron un sistema especial de cámara y proyector para que él pudiera experimentar sin limitaciones. En 1951, realizó sus primeros filmes tridimensionales: Around is around (Alrededor es alrededor) y Now is the time (Ahora es el momento).

Norman McLaren pintando un negativo Su sentido del movimiento lo hizo aplicar la animación a todo lo que le fuera posible, utilizó una silla como personaje en A chairy tale (Un cuento de sillas) y a seres humanos animados, en su célebre técnica que llamó pixilation, en el cortometraje Neighbours (Vecinos), ganador del Oscar de Animación en 1952 y en Canon. También realizó películas completas raspando y pintando sobre el celuloide como Blinkity Blank (Vacío parpadeante), y Caprice en couleurs (Capricho en colores).

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Mc Laren anima Le merle (El mirlo) (1958) en papeles recortados.

La danza fue otro elemento importante en su búsqueda constante, y en los últimos años de vida realizó tres cortometrajes con la participación de bailarines famosos. Filmes que resultaron ser verdaderos poemas: Adagio, Pas de deux y Narciso (su último filme, de 1983). En ellos realentó el tiempo dando como resultado imágenes de increíble belleza y una dimensión desconocida del ballet. No usó cámara lenta sino la repetición de fotogramas. Adagio es una bella demostración de la técnica del Pas de deux en la que resalta la maestría de la pareja de bailarines: David y Anna Marie Holmes, la precisión de sus gestos, el equilibrio de cada giro, arabesques o jetés al ritmo del hermoso Adagio de Albinoni. Junto con Grant Munroe, su más estrecho colaborador, McLaren produjo una serie de cinco películas llamada Animated Motion (Movimiento animado) que constituye una verdadera introducción o curso de cine de animación en el que se analizan los conceptos de tiempo y espacio en las filmaciones cuadro por cuadro, documento altamente valioso para todos aquellos que se interesan en aprender este arte, y que conserva en estos días toda su validez. Norman MacLaren, a través de la Unesco, participó en China y en la India en proyectos de educación audiovisual. Recibió más de doscientos premios internacionales. En 1952, ganó el Oscar con Neighbours (Vecinos) y con Blinkity Blank recibió la Palma de Oro en Cannes en 1955.

Blinkity Blank (1955).


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Fue honrado en cientos de países, participó como jurado en una enormidad de eventos y festivales de cine. Se han hecho muchas retrospectivas de sus películas, se han escrito artículos y publicado muchos libros sobre su obra, porque aunque han pasado muchos años desde su muerte, Norman McLaren sigue y seguirá vigente, porque fue maestro y fuente de inspiración de varias generaciones de artistas y animadores de todo el mundo. Dos años después de su fallecimiento, el edificio central del National Film Board de Canadá fue llamado en su honor Edificio Norman McLaren.

EL SUBMARINO AMARILLO, O LA ESTÉTICA HIPPIE El 17 de julio de 1968, sorprendió a miles de personas en todo el mundo el estreno de Yellow submarine (El submarino amarillo) un maravilloso filme de animación, dirigido por George Dunning, en el Piccadilly Circus de Londres. El público se enfrentaba, por primera vez, a dibujos animados diferentes, con un original montaje de imágenes, pinceladas de colores alucinantes, y geniales personajes, con la actuación y música de los Beatles quienes en esos tiempos estaban en todo su apogeo. En Chile, el ex cine Windsor, una moderna sala ubicada en el centro de la ciudad, hoy transformada en varios cines pequeños, llenaba sus butacas de espectadores que venían una y otra vez. Lo mismo ocurría en muchos países del mundo, donde toda una generación recibía a través de esta animación experimental y psicodélica un mensaje característico de la época: “All you need is love” (Todo lo que tú necesitas es amor).

Yellow submarine (El submarino amarillo) de George Dunning

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Esta animación de poderosa simbología, no fue obra solamente de los Beatles. En el film trabajó un equipo de talentosos artistas como el director de arte, Heinz Edelmann, considerado uno de los más grandes artistas gráficos de su generación, y responsable de cada detalle de la película, creador de todos los personajes de Pepperland, en un original diseño vanguardista.

Los Beatles con Nowhere man en “Yellow submarine” Otro valioso aporte, fue la supervisión de los guiones a cargo de Erich Segal, profesor de literatura clásica de la Universidad de Yale. Bajo su tutela, “El submarino amarillo” tomó el carácter de una Odisea clásica y mítica. Bob Balser, director de animación, creó múltiples lenguajes de movimiento para cada uno de los numerosos personajes del filme. John Coater, productor general, armonizó el trabajo de más de doscientas personas durante once meses de producción. Alison de Vere, supervisor de los fondos del filme, tuvo una participación fundamental al crear la imagen de Eleanor Rigby, en la secuencia en que Charlie Jenkins hizo efectos especiales mezclando tomas reales con fotografías y animación. La mayoría de estos artistas fueron ganadores de innumerables premios y nominaciones, y crearon más tarde, sus propias productoras. Esta película sigue siendo vigente hasta nuestros días y es un agrado escuchar la música compuesta por los Beatles.


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EL MUNDO DE RENÉ LALOUX René Laloux es más que un realizador de animación: su obra, se destaca por la creación de un imaginario insólito que impresiona por su originalidad. En ella cobran vida mundos de cielos en coloraciones rosadas, seres de su propia creación llamados “ornitópteros” montados por formas humanas que pasan volando, bosques de cristales que surgen de la tierra mientras el sonido encarna zumbidos de Frelons. Su trabajo comenzó en un centro psiquiátrico a finales de los años 50 con Les Dents du singe (Los dientes del mono), una película animada surrealista que llamó mucho la atención a quienes por primera vez vieron algo de Laloux en los festivales del rubro. Luego, Laloux se puso a trabajar con el artista Roland Topor, y realizó en 1967, otro relato surrealista llamado Les escargots (Los caracoles).

Les escargots (Los caracoles) de René Laloux.

Su película más famosa es La Planete sauvage (El planeta salvaje). En ella hace una adaptación de la novela en serie Oms de Stefan Wul. El productor ejecutivo fue Vaclav Strnad y los dibujos hechos por Roland Topor fueron animados por animadores checos.

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AARDMAN STUDIOS Y LA PERFECCIÓN EN CLAY MOTION En nueve años, estos animadores ingleses de Bristol ganaron siete Oscares de la Academia. Los Aardman han aportado una gran creatividad e innovación al arte del cine de animación, además de una técnica perfecta de animación en plasticina que han ido perfeccionando película a película, desde sus primeros intentos, hasta sus creaciones más famosas: Wallace y Gromit, Pollitos en fuga y La guerra de los vegetales, entre muchísimas otras. Los estudios Aardman de Bristol comenzaron siendo un lugar chiquito, una especie de garaje reacondicionado donde Nick Park y Peter Lord animaban en un sólo espacio, separados por una cortina de tela negra. Pero el éxito que tuvieron los llevó a ampliarse y hoy se han transformado en un estudio inmenso que trabaja en coproducciones con Dreamworks y otras grandes empresas transnacionales.

Los estudios Aardman de Bristol en 1990

Nick Park Nick Park es director, animador, actor y escenógrafo. Revolucionó el arte de la animación en plastilina o Clay- motion dándole carácter y perfeccionando la técnica con lipsyncs perfectos. Realizó su primera película animada a los trece años y en 1975 debutó profesionalmente en la BBC con el corto animado Archie’s concrete nightmare (La pesadilla concreta de Archie). Estudió en la escuela de arte de Sheffield y se especializó en animación de películas y televisión escolar. Ahí ya empezó a pensar en su proyecto A grand day out (Una gran día de paseo) película de animación en plastilina que tendría como protagonistas a Wallace y su perro Gromit.


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Nick Park con sus personajes Wallace y Gromit En 1986, comenzó a trabajar en el Aardman Studios de Bristol, donde realizó el vídeo clip animado en stop motion de la canción «Sladgehammer» de Peter Gabriel, que muchos recordarán ya que en él se utilizaron muchas variadas técnicas de animación cuadro por cuadro, hechas manualmente. Con la dirección de Creature Comforts (La comodidad de los animales), (1990), Nick Park ganó el Oscar al mejor cortometraje animado y el BAFTA como mejor película de animación. Se trata de una genial serie de entrevistas a animales que están en el zoológico en las que ellos mismos hablan de cómo los trata la vida en ese lugar. Desde entonces Nick Park no ha dejado de ser premiado y afamado en todo el mundo. Su cortometraje Wallace y Gromit: A Grand Day Out (1992), ya terminado, ganó el BAFTA a la mejor película de animación, su segundo episodio Wallace y Gromit: The Wrong Trousers (Los pantalones equivocados) (1993) ganó el Oscar al mejor corto animado y el BAFTA por la mejor película de animación. En esta película ya se nota un afinamiento en la técnica de plasticina animada.

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Wallace es amenazado por una especie de cocina mecánica. Wallace y Gromit: A Close Shave (Una afeitada al ras, (1995) ganó el Oscar al mejor corto animado y el BAFTA por mejor animación.

La amiga de Wallace en A close shave Su largometraje A chicken run (Pollitos en fuga), (2000) realizado con Peter Lord y que significó cinco años de trabajo, ganó el Oscar al mejor largo animado. En ella coprodujeron con Dreamworks y Pathé. La técnica artesanal de animación cuadro a cuadro stopmotion fue llevada a Hollywood por primera vez. Ellos mismos animaron sus personajes. La historia se centra en una granja, donde las gallinas protagonistas del film intentan, por todos los medios, huir de una especie de campo de concentración. La fantástica fuga se inspira de la


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película de John Sturges, El gran escape, en la creación de túneles, perros guardianes, disfraces y un primoroso homenaje a la escena, donde la gallina protagonista se encuentra encerrada en un habitáculo y se entretiene con una simple bola de béisbol.

Chicken Run (Pollitos en fuga) Luego vino un segundo largometraje The curse of the were-rabbit (La guerra de los vegetales, 2005), en el que Wallace y Gromit son los personajes principales, quienes se dedican a defender los cultivos con métodos no violentos y deben enfrentarse a un conejo muy especial. La característica de las obras de Nick Park, fuera de la excelencia en la animación stopmotion, es el reflejo y la caracterización perfectos del mundo y humor ingleses de clase media.

Peter Lord

Me quiere mucho poquito nada de Peter Lord

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Wat’s pig (El cerdo de Wat) de Peter Lord Peter Lord es otro de los realizadores y co fundadores en 1976 del Aardman Studios de Bristol junto a David Sproxton. Lord es coautor de varias obras junto a Nick Park y co ganador de muchos premios internacionales de animación incluyendo los premios Oscar en los cuales ha hecho el papel de Productor Ejecutivo. En su filmografía están obras como Creatures Conforts (La comodidad de los animales), Shaun the sheep (Shaun la oveja), Flushed away (Despedido), Purple and Brown (Purpura y marrón), Adam (Adán), Not without my bag (No sin mi bolso), Wat’s pig (El chancho de Wat), Tales fort he rest of us (cuentos para el resto de nosotros), My baby just cares for me, Adam, que fue muy premiado y recibió Cartoon d’or, y muchas otras de los estudios Aardman de Bristol.

Nick Park y Peter Lord en la pre producción de Chicken Run


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BARRY PURVES Y LA ELEGANCIA

Barry Purves animando Next Barry Purves, otro animador que en una época trabajó con los Aardman, fabrica y anima sus personajes como si fueran personas de verdad. Y no es una exageración. Al mirar sus animaciones no se alcanza a distinguir si los personajes son muñecos o humanos. Su primer cortometraje fue Next: The Infinite Variety Show (El siguiente, un show infinito de variedades, (1989), en el cual durante siete minutos, condensa varias obras de William Shakespeare, con una maestría inigualable. No sólo por la calidad de la animación sino también por su profundo conocimiento de la obra Shakesperiana. En este corto el personaje principal es el mismo William que audiciona en un teatro.

Next: The Infinite Variety Show

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Tres años después, Barry Purves realizó Screen Play, (Escenario). Se trata de la recreación de una pieza japonesa del teatro Noh, basada en una antigua leyenda llamada “El Sauce Azul”. Takako, una chica de alta sociedad está enamorada de un joven humilde llamado Nayoki, pero sus padres de oponen a este romance lo que provocará una tragedia. El cortometraje está enteramente filmado con una cámara fija mientras los decorados y personajes se mueven cuadro a cuadro al estilo del teatro Noh. En este trabajo Barry Purves respeta los diseños, ritmos y gestos típicos de la cultura japonesa, haciendo de esta obra un compendio de cultura japonesa en 11minutos de duración.

Screen Play de Barry Purves

Barry Purves ha realizado seis películas animadas con las cuales ha ganado más de sesenta premios internacionales y ha sido nominado al Oscar y al premio BAFTA. Purves también ha trabajado en publicidad y animado comerciales, ha escrito artículos en secciones culturales permanentes de revistas y también libros. Ha dictado muchos cursos y talleres sobre actuación para animación en los más importantes estudios del mundo como Dreamworks, Pixar, Will Vinton entre otros. En los comienzos de su carrera Barry Purves fue actor y trabajó en el teatro en varios lugares de Gran Bretaña. Incluso recientemente dirigió con mucho éxito la obra de Alan Ayckbourn Communicating doors y también diseñó la escenografía. La ópera es un género que siempre lo apasionó. En 1993, realizó en animación Rigoletto para la serie de tv inglesa Operavox, un programa de 30 minutos de duración. En esta obra, Purves tuvo la osadía de incorporar todos los efectos operáticos en la técnica de animación stopmotion.


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Rigoletto Siguió en 1988 con Gilbert and Sullivan: The Very Models (Gilbert y Sullivan los Modelos), donde esta pareja legendaria aparece como estrella de sus propias óperas. Purves estudió teatro y civilización griega antes de dedicarse a la animación lo que es especialmente notorio en su obra Achilles (Aquiles) basada en la historia de amor entre Aquiles y Patroclus. Un fuerte episodio erótico gay en el que el sexo es mostrado como un sacramento.

Achilles de Barry Purves Barry Purves fue director de animación en filmes como Mars attack y King-kong.

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Vivienne Barry

BILL PLYMPTON Y EL HUMOR NEGRO El increíble y descarnado humor negro de Bill Plympton ha hecho reír a millones de personas en el mundo y su técnica de dibujo a mano sobre papel con colores vibrantes es inconfundible. Su cortometraje sobre las múltiples maneras de besar, How to kiss, 1989 (Cómo besar), en el cual Bill Plympton da una verdadera clase magistral del absurdo, es especialmente gracioso. Se ven parejas inexpertas que no se encuentran la boca y otras más apasionadas que prácticamente se devoran. Y en el audio, la descripción muy detallada de cada forma de besar y la importancia del beso.

How to kiss (Cómo besar) de Bill Plympton El pelo de la nariz, es otro de sus cortometrajes. En este el personaje principal se tira un pelo de la nariz hasta desarmarse por completo. El pelo también sirve para dibujar numerosas locuras como escaleras por donde el personaje sube. Finalmente, el pelo de la nariz se encuentra con otro pelo y entablan una verdadera seducción.

El pelo de la nariz 25 ways to kip smoking (25 maneras de dejar de fumar) es uno de sus trabajos más vistos en televisión por cable, generalmente MTV, donde un hombre trata por todos los medios de dejar el tabaco, usando para esto desde los explosivos hasta el auto castigo.


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25 ways to kip smoking (25 maneras de dejar de fumar)

Bill Plympton nació en Portland, Oregon el 30 de abril de 1946, y desde chico comenzó a dibujar e imaginar historietas. En 1964 se graduó del Oregon City High School y continuó sus estudios en la Portland State University, donde formó parte de un club de cine y comenzó a indagar en el campo del cine de animación. En 1968, comenzó sus estudios en la School of Visual Arts donde se destacó como ilustrador y realizador de caricaturas. Diseñó para las revistas Cineaste, Filmmakers Newsletter y para la Film Society Review. Sus ilustraciones aparecieron en el New York Times, Vogue, House Beautiful, The Village Voice, Rolling Stone, crew, y Vanity Fair, y en publicaciones como Viva, Penthouse, Rolling Stone, National Lampoon, y Glamour. Toda su vida, Bill Plympton ha sido un enamorado de la animación, pero recién en 1983 empezó a hacer películas. Después de trabajar para otros realizadores realizó su primer filme Lección de dibujo #2 (Drawing Lesson #2), luego, Tu cara (Your face) donde también canta debido al escaso presupuesto.

Bill Plympton

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En 1988 fue nominado al Oscar de animación. Sus trabajos comenzaron a conocerse por su participación en numerosos festivales. El éxito de Uno de esos días (One of those days), Cómo besar (How to kiss), 25 maneras de dejar de fumar (25 ways to quit smoking”) y “Plymptoons” lo llevó a producir su primer mediometraje llamado La melodía (The tune) que fue completamente financiado por él. En 1991 esta película recibió el Premio del Jurado en el Festival de Cannes y el Goldjury Special Aguard del Houston World festival. Plympton también incursionó en un filme real de ficción llamado J Lyle. Luego produjo el western Cañones en los Clakamas (Guns On the Clackamas), y Me casé con una persona extraña (I Married a Strange Person), una historia de la primera noche de bodas de una pareja que descubre cosas extrañas, filme solamente para adultos. Luego realizó Aliens mutantes (Mutant aliens), la que fue terminada en 2001, premiada en el Sundance Film Festival y ganó el gran premio en Annecy 2001.

Me casé con una persona extraña (I Married a Strange Person)

En 2003 realizó Hair High trabajo que fue exhibido por su cámara web mientras lo iba dibujando. Bill Plympton también ha publicado varios libros de comics llamados “The Sleazy Cartoons of Bill Plympton”.


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BROTHERS QUAY Y LOS CAMINOS DEL ALMA

Brothers Quay (Stephen and Timothy) en el Festival de Annecy 1992

Los Brothers Quay son considerados por muchos fanáticos de sus obras como como la “crème de la crème de la animación”. Un par de gemelos de Filadelfia que se trasladaron a Londres después de haber estudiado ilustración en el Philadelphia College of Arts y emprendieron una carrera en el cine de animación impulsados por su gran admiración hacia los animadores de los paises de la ex zona socialista de Europa, como Jan Svankmajer al cual rinden homenaje en su película Jan Svankmajer cabinet (El gabinete de Jan Svankmajer). En ella representan a un maestro sabio que prepara a un joven inexperto en diversas artes, y que en una escena usa una pesada máquina que parece ser algún tipo de cámara de cine antigua. En muchas de sus películas utilizan partes del trabajo de Svankmajer o se basan en él y adoptan el mismo estilo de música.

Street of Crocodiles (Calle de cocodrilos) de los hermanos Quay

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Sus cortometrajes más notables son Street of Crocodiles (Calle de cocodrilos), basada en la novela corta del escritor polaco Bruno Schulz, el cual se ha considerado como uno de los mejores cortos animados de todos los tiempos, y Epic of Gilgamesh (La épica de Gilgamesh).

Epic of Gilgamesh de los Hermanos Quay

Estas películas no son historias corrientes ni legibles, sino la creación de un fascinante mundo original y personal donde ocurren una suma de piezas fragmentadas de sueños y parece brillar una luz poderosa hacia los misterios de la mente y del alma. Su obra es surrealista, a veces incomprensible. Parece ocurrir en un paisaje onírico poblado por muñecas rotas y por la descomposición de objetos antiguos. Los decorados representan un mundo semi real de miniaturas a escala donde los personajes son oscuros, extraños y bellos. No hay parlamentos y el sonido juega un papel fundamental. Los Brothers Quay realizaron también documentales, videos musicales y filmes rodados en vivo. Sus obras más importantes, son The comb, De artificiali prespectiva or Anamorphis, Institute Berjamenta, Nocturna Artificialia, In absentia y The Piano tuner of Earthquakes.

Nocturna Artificialia el primer filme de los Brothers Quay


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CAROLINE LEAF Y LA ANIMACIÓN SOBRE VIDRIO

Caroline Leaf

Caroline Leaf es una verdadera autora. Otra excelente animadora que se formó en la Office National du Film de Canadá donde trabajó con Norman MacLaren. Desde sus primeras animaciones, su trabajo se destacó por la creación estética de un mundo que le es absolutamente propio. Un ambiente especialmente oscuro y triste en la que se encuentran personajes extraños y débiles, bestias, pájaros y otros seres de su imaginería personal que son sobrepasados por sus anhelos. Los movimientos realizados sobre vidrio iluminado por debajo con arena o materiales oleosos, en una paleta de colores sombríos, dan un carácter profundo e íntimo a sus historias. Caroline Leaf anima los dibujos como si la cámara se estuviera moviendo, en su técnica usa zooms, travellings pintándolos cuadro a cuadro sin que la cámara nunca se haya desplazado. En 1977, Caroline Leaf estrenó su cortometraje The metamorphosis of Mr. Samsa (La metamorfosis del señor Samsa) basado en la obra de Franz Kafka. La estética de este filme llamó mucho la atención. Sus personajes son muy vulnerables y están condenados a vivir silenciados en un mundo sin piedad. Caroline Leaf es irónica y excéntrica. Su obra está impregnada de humor negro.

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The metamorphosis of Mr. Samsa La rue (La calle) de 1976 y Entre deux sœurs (Entre dos hermanas) son sus dos obras de arte. Ambas tratan de relaciones familiares. La calle está inspirada en una novela de Mordecai Richler y trata de una comunidad judía en los años 30. El personaje principal es un niño que vive con sus padres, su hermana y su abuela agonizante que no quiere morir. Con su colorido y con su estilo de animación, Caroline Leaf logra potenciar el relato a través de los personajes (tristes emigrantes judíos) y el ambiente de la gran depresión económica.

La rue y Entre deux soeurs de Caroline Leaf Entre deux sœurs (Entre dos hermanas), de 1990, es la historia de dos viudas que viven en una terrible simbiosis y dependencia. Sus vidas son interrumpidas por la llegada de un hombre, admirador de una de ellas. Sin embargo, a pesar de esta presencia, nada logra cambiar sus vidas.

Le mariage du hibou: une légende eskimo (1974).


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JIRI TRJNKA Y LA MAGIA Jirí Trjnka fue un famoso realizador de películas de animación checo, y también ilustrador de libros infantiles. Sin embargo, se le conoce por su trabajo en la animación de muñecos, que inició en 1946. A lo largo de su carrera, dirigió más de veinte películas, entre ellas, seis largometrajes que consagraron lo que luego se denominó “estilo checo” de animación. La mayoría de sus películas estaban dirigidas al público adulto, y muchas de ellas eran adaptaciones de obras literarias, de autores checos o extranjeros.

Jirí Trjnka En sus comienzos, realizó algunos cortometrajes de dibujos animados en acetato como Zasadil drdek repu (El abuelo plantó una remolacha), (1945), Zvírátka a petrovští (Los animales y los bandidos), (1946), premiado en el primer Festival de Cannes, Pérák a SS (El saltador y los hombres de las SS), (1946), una película anti nazis, y Dárek (El regalo), (1946), una sátira sobre los valores de la clase media en un tono experimental cercano al surrealismo. A pesar del innegable valor de estas primeras películas de Trjnka, y del reconocimiento internacional que le proporcionaron, el autor no se sentía cómodo con la animación tradicional, que según su opinión requería demasiados intermediarios, lo que le impedía expresar libremente su creatividad. En el otoño de 1946 se planteó por primera vez la posibilidad de realizar películas de animación con marionetas, y comenzó a experimentar. El resultado fue su primer largometraje, Špalicek (El año checo), (1947), basada en un libro ilustrado por Mikoláš Aleš. El filme es un compendio de seis cortometrajes, en los que pone en escena las leyendas y costumbres de su país, tomando como hilo argumental las estaciones del año. La película atrajo la atención de la crítica y fue premiada en numerosos festivales internacionales, incluyendo el de Venecia.

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El ruiseñor del emperador de Trjnka

A partir de 1948, los estudios de Trjnka comenzaron a recibir subvenciones estatales. La siguiente película que produjeron fue Cisaruv slavík (El ruiseñor del emperador), (1949), basada en un cuento de Hans Christian Andersen, que fue un verdadero largometraje, por su unidad argumental. Intervinieron también actores reales. Las marionetas y los decorados estaban ambientados en una idealizada China imperial. Cisaruv slavík obtuvo numerosos premios en festivales internacionales de Europa y América. A lo largo del año 1949, Trjnka realizó, además, tres cortometrajes con muñecos animados: Román s basou (Historia de un contrabajo), adaptación de un cuento de Anton Chejov, “Certuv mlýn” (El molino del diablo) y “Arie prerie” (Canción de la pradera), una parodia del western inspirado en La diligencia, de John Ford. Esto le permitió perfeccionar su técnica y estilo de animación. Al año siguiente, Trjnka produjo su tercer largometraje de animación con marionetas, Bajaja (El príncipe Bayaya), (1950), basado en dos cuentos de la escritora Bozena Nemcová. Ambientado en un fantástico medioevo, es la historia de un campesino que logra convertirse en caballero, vencer a un dragón y conquistar el amor de una princesa. Durante la primera mitad de los cincuenta, Trjnka experimentó otras técnicas de animación. Retomó los dibujos animados con O zlaté rybce (El pez dorado), (1951), y animó sombras chinas en Dva mrazíci (1953). En Veselý Circus (El alegre circo), (1951) empleó la técnica stopmotion con papeles recortados. Continuando con la producción de largometrajes de muñecos animados, en 1953 estrenó Staré povesti ceské (Antiguas leyendas checas), (1953), su cuarto largometraje que está estructurado en varios episodios que narran la historia legendaria del pueblo checo. El filme es una adaptación de una obra patriótica de Alois Jirásek. Trjnka afrontó en 1955 el reto de adaptar a la pantalla, la sátira anti bélica El buen soldado Švejk, de Jaroslav Hašek, una obra inmensamente popular. Ya existían adaptaciones cinematográficas de ella, realizadas con actores reales, pero Trjnka fue el primero en hacer una película de animación sobre el personaje. En la construcción de sus marionetas, se inspiró en las ilustraciones que había realizado Josef Lada para el libro original. La película, de tono humorístico, está dividida en tres episodios, que relatan grotescas aventuras de Švejk durante la Primera Guerra Mundial.


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En 1959, realizó su último largometraje: Sen noci svatojanske (El sueño de una noche de verano), (1959), adaptación de una obra de William Shakespeare. Trjnka ya había ilustrado anteriormente esta obra, y la conocía bien. En su adaptación, puso el centro de atención en la música de Václav Trojan, y se esforzó por darle un aire de ballet. Los muñecos estaban construidos en un plástico de fabricación especial, que permitía un mayor detalle en el modelado de los rostros. Sen noci svatojanske obtuvo un enorme éxito internacional y es reconocida como una de las obras maestras de Trjnka.

Sueño de una noche de verano de Trjnka

Durante los años sesenta, Trjnka realizó algunos cortometrajes, que progresivamente fueron tiñendo su obra de un tono pesimista. El primero de ellos fue Vásen (La pasión), (1962), la historia de un joven apasionado por su motocicleta. Siguió, ese mismo año, Kybernetická babick (La abuela cibernética), una sátira contra la creciente importancia de la tecnología en la vida cotidiana. Archandel Gabriel a paní Husa (El arcángel Gabriel y la señora Oca), (1964), ambientado en la Venecia medieval, adaptación de uno de los cuentos del Decamerón de Boccaccio. Se considera como testamento artístico su último cortometraje llamado Ruka (La mano), (1965). Según el historiador de la animación Gianalberto Bendazzi, Ruka es “una especie de himno rabioso a la libertad creativa”. En el corto, un escultor recibe la visita de una enorme mano, que le exige la realización de una escultura de sí misma. Al rechazar la imposición, es perseguido por la mano, que termina induciéndole al suicidio y oficiando su funeral. Este último cortometraje de Trjnka se considera una protesta contra las condiciones impuestas por el estado comunista.

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JAN SVANKMAJER EL PADRE DEL SURREALISMO EN LA ANIMACIÓN

Jan Svankmajer Svankmajer es director, animador, artista gráfico, escultor, diseñador, poeta y embajador internacional del surrealismo. Sin embargo, no acepta ser llamado artista aunque para muchos es un maestro. Svankmajer ha dicho que para él, hay simplemente obras que alguien hace y que otros interpretan desde su experiencia de vida. Dice dedicarse a las películas imaginativas que trabajan con analogías y metáforas tratando de ir más allá de lo inmediato. Su obra es inclasificable, incluye producciones en varios formatos y una enciclopedia bizarra cuya infinita trama invoca al Borges de “Tlön, Uqbar, y Orbis Tertius”. Muchas veces se ha considerado a Jan Svankmajer como el iniciador de la corriente surrealista en la animación a la cual después se subscriben los Brothers Quay, y los Bolex Brothers, entre muchos otros que han seguido sus pasos o han sido influenciados por su obra, utilizando muñecas antiguas o animales embalsamados, máquinas en desuso, por ejemplo, y otros tipos de personajes similares a los que él usó. Su obra empieza en 1964 con su cortometraje El último Truco. Desde entonces siguió produciendo año tras año. Svankmajer convierte el uso perverso de la forma humana en una fuente de inspiración principal. Odas a un cuerpo inestable son Moznosti dialogu (Dimensiones del diálogo), en la que los cuerpos fluyen en una insensata conversación que mezcla los humores y tactos de lo orgánico con lo inconsciente, Muzne hry (Juegos viriles), en la que los cuerpos de los jugadores de fútbol son el territorio para una agresiva e infinita manipulación, Otésanek (El pequeño Otik), en la que un objeto, en principio y por naturaleza inanimado, ocupa el espacio mental de un cuerpo, o Jídlo (Comida), en la que los cuerpos no son más que máquinas al servicio de una opresiva estructura social. El cuerpo espiado, en Tichi tyden v dome (Una semana tranquila en casa), el cuerpo agredido


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en Byt (El departamento), el cuerpo torturado, en Muzne hry, el cuerpo fragmentado, en Tma-svetlotma (Oscuridad, luz, oscuridad), el cuerpo disipado; éstos son los epígrafes del último capítulo del enjundioso estudio de Charles Jodoin-Keaton Le Cinema de Jan Svankmajer: un surréalisme animé.

Dimensiones del diálogo II

Dimensiones del diálogo III Svankmajer realiza catorce obras entre 1964 y 1972 hasta que es obligado por el estado checoslovaco, de ese entonces, a dejar de filmar porque los contenidos de sus obras eran más arriesgados de lo que estaban dispuestos a permitir. Esa prohibición duró hasta 1980, fecha en la que apareció La Caída de la Casa Usher. Luego continuó con su obra anual hasta 1983, cuando, a los veinte años de profesión, se dedicó a preparar su primer largometraje llamado Alice (Alicia) (1989), basado en “Alicia en el país de las maravillas” de Lewis Carrol, película en la que crea un mundo de pesadilla. El absurdo de la obra

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original sirve de base para esta obra maestra donde todas las obsesiones y el distintivo estilo visual de Svankmajer encuentran su plenitud. Con su inusual técnica artesanal que combina acción en vivo y animaciones cuadro a cuadro, Alice brinda una nueva dimensión estética a esta singular obra que encanta a cada instante explorando el costado más oscuro de las fantasías infantiles.

Alice de Jan Svankmajer

Luego vino otro largo: Fausto, una mezcla de animación y filmación real, basado en la obra de Marlowe y ambientado en Praga. Luego realizó Spiklenci Slati (Los conspiradores del placer), donde el ambiente opresor demanda a los seis personajes una cuota extra de ingenio para obtener privacidad en su búsqueda de la satisfacción personal. Los conspiradores son personajes conscientes, en su sensibilidad pura, en su aferrarse al deseo de la pasión seis fetichistas desahuciados con una imaginación increíble. Las fantasías eróticas que van elucubrando nos llegan furtivamente a las formas más bizarras, estos seis personajes están obsesionados con objetos específicos, sus perversiones parecen estar ligadas con el ritual. Y es en la animación de los objetos que utilizan donde Svankmajer despliega su arte en forma inigualable. En este filme trabaja los recursos que les son característicos como, la explotación de los planos, detalle de texturas peludas o juguetonamente punzantes, enfatizando orificios, formas fálicas y fluidos de todo tipo para llevar los símbolos freudianos hasta límites absurdos. La relación sensual entre objetos y sujetos, el espacio compartido por realidad y animación, siguen siendo tan sorprendentes como en sus primeras películas. Svankmajer no ofrece ninguna explicación, no reconforta con ninguna conclusión o moraleja; la vida es lo que hacemos de ella y cada minuto de narrativa es un puñado de oro en polvo que deleita placenteramente a medida que se escurre.


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“PADRE E HIJA”, UNA VERDADERA PRECIOSURA Hay creaciones en todos los dominios de las artes y de la literatura, que nos dejan atónitos por su belleza, porque son únicas, irrepetibles y llegan a las emociones más profundas de nuestro ser. Esto es lo que algunos denominan “objeto estético” ya que sobrepasan la maestría de la técnica transportándonos a la esencia o al alma del objeto reflejado.

Father and Daughter (Padre e hija) de Michael Dudok de Wit

Este es el caso de un corto animado de ocho minutos de duración, llamado Father and Daughter (Padre e hija), de Michael Dudok de Wit, el que ganó un Oscar al mejor cortometraje de animación en el año 2000 y cientos de premios en todos los festivales del mundo. Michael Dudok de Wit, es un realizador holandés residente en Londres, quien además de dirigirlo, es el autor del guión y de los dibujos (fondos y personajes). Michael Dudok de Wit estudió grabado en Ginebra, Suiza, y animación en Farnham, Inglaterra, donde realizó su primer filme llamado La entrevista. Después de trabajar en Barcelona como free lancer durante un año, se trasladó a Londres donde ha dirigido y animado diversos programas de televisión y spots publicitarios premiados. Ha ilustrado también libros y enseñado cine de animación en distintos establecimientos europeos especialmente en España. En 1992, realizó su primer cortometraje llamado Tom Sweep, y luego El monje y el pez producido en el sur de Francia con el estudio Folimage. Este filme fue nominado para un Oscar y ganó numerosos premios, entre ellos un César y el Cartoon d’ Or.

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Escenas de Father and Daughter Father and Daughter (Padre e hija) es un verdadero poema. Tiene ese don de condensar una problemática universal en una idea única y brillante. En este caso, la relación de una niña con su padre ausente. Entre hermosos dibujos de paisajes que pasan, realizados a tinta y carboncillos, padre e hija se pasean en bicicleta hasta que llegan a una especie de laguna donde el papá se sube a un bote y se marcha por el agua hasta perderse por el horizonte. La niña lo espera contemplando como las estaciones del año van cambiando, y sin dejar de pedalear en su bicicleta va creciendo, se transforma en una adolescente y luego en una mujer, pero aunque funda su familia y llegan los hijos, ella continua buscando en el horizonte a su padre ausente. El tiempo va pasando, el viento mueve los abiertos paisajes, y los amplios cielos. La niña es ya una anciana. Pedaleando en su bicicleta llega nuevamente al borde de la laguna que se ha secado con el transcurso de los años, camina por ella, encuentra el bote varado y finalmente abraza a su padre que la espera.

Father and Daughter El último film de Michael Dudok de Wit se llama Las hojas del té y aunque es bello no llega a la perfección de Father and Daughter.


CO HOEDEMAN Y EL HUMANISMO

Co Hoedeman animando su personaje Ludovic Co Hoedeman, canadiense, filmó sus primeras obras en los años sesenta. Desde un comienzo usó la técnica del stopmotion, cuyos principales cultivadores de la época eran los checos, como Jiri Trjnka, quienes representaban sus historias con muñecos realistas. Co Hoedeman se vio influenciado por ese estilo. Sin embargo, fue más osado y se atrevió a animar muñecos confeccionados con materiales diversos dejando que estos quedaran al descubierto, por ejemplo, en Maboule de 1969, Hoedeman animó una figura hecha de alambre y luego en Matrioska de 1970 se atrevió a usar los juguetes rusos tradicionales, que llevan ese mismo nombre. Su cortometraje Tchou-tchou (1972) está hecho completamente con decorados y personajes formados por bloques de madera pintados, de esos que se usan en los juegos infantiles. La película es como un gran juego de cubitos para construcción. Co Hoedeman también uso materiales más delicados. Por ejemplo, en Le château de sable (El Castillo de arena) de 1977, dio vida a extrañas criaturas hechas de arena que viven en un foso, y que finalmente, son llevadas por el viento. Este trabajo ganó un Oscar de la Academia en la especialidad cortometraje de animación.

Le château de sable (El Castillo de arena) (1977)

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Hoedeman se inspiró en el arte inuit en tres cortos que realizó entre 1971 y 1975 agrupados bajo el título de Une légende eskimo (Una leyenda esquimal). Sus películas Charles et François (Carlos y Francisco) de 1987 y L’ ours renifleur (El oso husmeador), de 1992, tienen una estética mas heterogénea. Los personajes están hechos de superficies delgadas cortadas y colocadas en escena en tres dimensiones. En 1998, el realizador empezó a filmar una serie de televisión infantil, que obtuvo mucho éxito llamada Ludovic. En ella el personaje principal es un osito de peluche que vive emociones como la amistad, el amor, el duelo, logrando que los niños se identifiquen con él ya que todo su mundo está formado también por ositos de peluche. Generalmente las películas de Co Hoedeman están dirigidas al público infantil y muestran valores humanistas como la ecología, la inclusión social, el respeto por las diferencias, y la paz. Los personajes aprenden a vivir en armonía con su grupo limando sus diferencias. Hoedeman tiene una gran habilidad pedagógica y se preocupa agregarle a esto una gran magia, creatividad y ternura.

Animando la escena en que Ludovic visita a su abuelito


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HAYAO MIYAZAKI Y LA FE EN EL SER HUMANO

Después de colaborar con Isao Takahata en Heidi y en Marco para el estudio Zuiyo Enterprise, y participar en la obra “Ana de la Tejas Verdes”, en 1978, Hayao Miyazaki dirigió su primera serie llamada Conan el niño del futuro y en 1979 su primera película llamada El castillo de Cagliostro En 1982, su manga Kaze no Tani no Nausicaa (Nausicaa del valle del viento) apareció por primera vez en la revista Animage. Este trabajo le dió un impulso a su carrera, debido a su estilo diferente de comic infantil.

Porco Rosso de Hayao Miyazaki

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Junto a Takahata abrió en 1985 su propio estudio de animación: el Estudio Ghibli. La mayor parte de su obra ha estado enfocada a los niños, lo que le ha valido el sobrenombre de “Disney japonés”. Su obra trata temas de contenido, con mensajes antibélicos como el hombre y la naturaleza, y la responsabilidad. Sus películas siempre expresan un sentido positivo de esperanza y de fe en la bondad del ser humano. En cuanto a la animación, es un dibujo animado de excelente calidad en el que el mismo autor toma años en pensar y llevar a cabo cada detalle. El Estudio Ghibli ha realizado muchas películas famosas mundialmente. Entre otras: Mi vecino Totoro de 1988, Laputa y Porco Rosso de 1992, Estos dos largos bastaron para que Miyazaki fuera aclamado en Occidente, especialmente, entre los animadores que asistieron esos años a los festivales de animación de Annecy, Francia, y Ottawa de Canadá, donde se presentaron sus obras. En 1997 apareció su filme Princess Mononoke (Princesa Mononoke). Esta es la película japonesa que ha tenido más éxito en su país durante toda la historia. Y la siguen en popularidad, otras dos obras de Hayao miyazaki: Spirited Away (El viaje de Chihiro) de 2001, y Howl’s Moving Castle (El castillo andante) de 2004. Otra de sus películas más conocidas es El viaje de Chihiro, filme que recibió el Oscar a la mejor animación en 2002 y el oso de oro de la Berlinale. Howl´s Moving Castle (el Castillo andante) postuló al Oscar en 2005 como mejor película animada.

Princess Mononoke y El viaje de Chihiro

Actualmente Miyazaki filma un nuevo largometraje llamado Gake no ue no Ponyo (Ponyo en el acantilado), 2008 y el estudio Ghibli creó el Museo Ghibli, donde se puede ver cada detalle de las obras del estudio y donde uno es recibido por los personajes de las películas.


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TIM BURTON Y LA EXTRAVAGANCIA Tim Burton un artista genio, director de películas como Batman, El joven manos de tijeras, Charlie y la fábrica de chocolates, y muchísimas otras, en las cuales ha impuesto un estilo personal y característico. Como es sabido, también ha incursionado en la animación, y sus obras se cuentan entre las mejores películas animadas en stopmotion.

Tim Burton Vincent fue su primera película que realizo junto a Rick Heinrichs, en 1982, después de haber trabajado como aprendiz de dibujante en los estudios de Disney. Tiene seis minutos de duración, y está basada en una serie de películas de terror, y en obras de expresionistas alemanes. Es la historia de un niño que lee a Edgard Alan Poe y se identifica con el actor de cine Vincent Price. El niño visualiza sus pesadillas: la tía sumergida en cera, su bella esposa enterrada viva, su perro Abacrombie transformado en un horrible zombie. Pero su madre le hace ver que el es un simple niño normal y no un niño atormentado.

Vincent by Tim Burton

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La película es una innovación en la forma de combinar la animación plana con la tridimensional, la mirada de una grafica bidimensional con algo que funciona en tres dimensiones. La fusión de estos dos modos de animación se encuentra en toda la película, y perdura como una firma estilística. El uso del blanco y negro ayuda y refuerza las yuxtaposiciones. La animación estuvo a cargo de Stephen Chiodo. En 1993, Burton realiza el largometraje en técnica de stop motion, Nightmare before Christmas (Pesadilla antes de Navidad), película que en Chile se llamó El extraño mundo de Jack. Este filme llamó mucho la atención por el diseño de sus personajes y por la animación, ya que la historia no era nada muy especial.

Nightmare before Christmas Para la animación de los muñecos se hicieron múltiples cabezas con diversas expresiones que se iban intercambiando y la mayoría de los personajes no tuvieron movimiento de globos oculares por separado innovación que Burton adoptó en su película animada siguiente.

Las cabezas de Jack


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El cadáver de la novia (Corpse Bride), fue dirigida por Mike Johnson y Tim Burton, en el año 2005, con una duración de 76 minutos. El filme es una sorprendente comedia de terror para adultos, que trata de un matrimonio arreglado por dos familias muy convencionales. Pero, las cosas se complican cuando Víctor termina accidentalmente casado con el cadáver de una mujer, que cobra vida cuando le pone el anillo de bodas. El joven se ve arrastrado al mundo de los muertos, donde, entre celebraciones y canciones, se revela el error cometido.

El cadáver de la novia (Corpse Bride), de Tim Burton

El cadáver de la novia de Tim Burton tiene una técnica de animación impecable. En la película trabajaron decenas de artistas durante varios años para realizar un impresionante espectáculo visual, con muñecos que tienen una nueva tecnología de movimiento, un sistema que se acciona dentro de sus cabezas a través de las orejas y el cabello. Entre muchos largometrajes, Burton ha participado ya sea como director, diseñador, animador o guionista en Mars attacks, Big Fish, The World of Stainboy (El mundo de Stainboy) (2000) es una serie animada de Burton en la que hizo de guionista, director y productor.

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YURI NORSTEIN, MAESTRO EN LA TÉCNICA DE PAPEL RECORTADO

Yuri Norstein Yuri Norstein es un realizador ruso que ha hecho películas infantiles maravillosas, de una gran belleza grafica y un ritmo muy musical y preciso. Los personajes son muy definidos y emocionan, lo que significa que están muy bien animados Norstein trabaja la técnica de papeles recortados, también llamada cut papers, en varios planos de vidrios amplios que le permiten mejor movimiento e iluminación para dar la sensación de tres dimensiones. Dentro de su filmografía destacan: La batalla de kerjenets de 1971, con la participación de Iván Ivanov-Vano, filme en el que hace una transcripción de una célebre batalla donde los rusos salieron victoriosos. Esta película ganó varios premios internacionales, entre otros, el premio a la mejor animación en el Karlovy Vary International Film festival de 1971, el gran premio del Zagreb World festival of Animated Films de 1971, el premio al mejor filme animado en Tbilissi en 1972 y el diploma del jurado en el Festival de Cine de Bombay 1972. La renarde et le lièvre, de 1973 que cuenta la historia de una pequeña liebre que se siente muy sola y desesperada porque una zorra la echó de su propia casa porque se le derritió su palacio de hielo. En 1974, La garza y la cigüeña (The Heron and the Crane) que trata de los juegos y desencuentros amorosos entre una garza y una cigüeña. Esta película ganó el premio especial del jurado del Festival de Annecy 1975, el primer premio en el Festival de Cine de Nueva York y el Gran Premio en el Festival de Odense 1977.


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El erizo en la niebla (Yozhik v tumane) de 1975, su película más conocida. Es la historia de un pequeño erizo que está perdido en la niebla y tiene que llegar a mirar la luna con su amigo que lo está esperando con el té servido. El erizo en la niebla ganó en 1976 el premio a la mejor animación en el All-Union Film Festival y en el Festival de Cine para niños y jóvenes de Teheran.

El erizo en la niebla de Yuri Norstein

En 1979, Skazka skazok (El cuento de los cuentos) que es una adaptación un cuento medieval estructurado como si fuera la memoria humana, o sea sin un orden cronológico. Además de la música original de Mikhail Meyerovich esta película incluye fragmentos de obras de Bach y de Mozart. La película ganó el Premio del estado de la Unión Soviética en 1979 y muchos premios internacionales como el gran premio del jurado del Festival Internacional de Cine de Lille, Francia, 1980, el gran premio en el Festival Mundial de Animación de Zagreb 1980, el premio al mejor filme de más de tres minutos en el festival Internacional de animación de Ottawa 1980, entre otros.

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El pequeño lobo gris de El cuento de los cuentos

Juri Norstein prepara hace años un nuevo filme. Esta vez se trata de un largometraje para adultos, basado en “El abrigo” de Gogol. Su aporte al cine de animación ha sido premiado y reconocido mundialmente. En 1991, recibió el Premio Annie por su contribución al arte de la animación, en 1995 un reconocimiento por su alto nivel en arte y literatura, del Independent Triumph Award en Rusia y el Premio al artista popular, En 2002 el jurado internacional del festival mundial de animación de Zagreb le dio a El cuento de los cuentos el premio al mejor filme animado de todos los tiempos. En 2004 recibió en Japón el premio del Sol Naciente.

El abrigo de Yuri Norstein Norstein trabajó con su esposa, la artista Franchesca Yarbusova, quien se encargaba de la dirección de arte, y con el camarógrafo Aleksandr Zhukovskiy.


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FREDERICK BACK Y SU VISIÓN HOLÍSTICA

Hace veinte años que Frédéric Back está realizando una obra impresionante en el cine de animación y no sólo por la excelente calidad de sus dibujos y animaciones sino también por sus contenidos ecológicos. Su primera obra fue Abracadabra (1970), luego vino Inon o la conquista del fuego en 1971, y La creación de los pájaros de 1973, premiada en los festivales de Bratislava et de Yorkton.

La creación de los pájaros de Frédéric Back Luego les siguió Illusion (Ilusión), en 1974, que obtuvo cinco premios internacionales, Taratata la parada de 1977, las animaciones de L’oiseau de feu (El pájaro de fuego) en 1979, y Tout-rien (Todo nada) de 1980, que fue premiada en muchos festivales y seleccionada para el Oscar.

Tout-rien (Todo nada) Crac, realizada en 1981, ganó el Oscar y más de veinte premios internacionales. Fue elegida en la Olimpiada de la animación entre las mejores 25 películas animadas que se han hecho en la historia. Y en 1986 se le otorgó el Annie Award a Frederick Back a toda su obra.

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L’homme qui plantait des arbres (El hombre que plantaba árboles), también ganó mas de cuarenta premios y el Oscar de animación en 1988. Es la historia de un hombre que vivía solo en una zona muy devastada y todos los días plantaba un centenar de semillas que a través de los años se transformaban en bosques y cambiaban la geografía y el clima de esa región.

L’homme qui plantait des arbres (El hombre que plantaba árboles) de Frederick Back Le Fleuve aux grandes eaux (El río de grandes aguas) fue también nominado al Oscar 1993 por la Academy of Motion Picture Arts and Sciences, ganó el gran premio del festival de Annecy y otros veinte premios más. Este filme cuenta la historia de un río y de la forma de pensar de armonía con la naturaleza de los pueblos originarios de esa región.

Le Fleuve aux grandes eaux de Frederick Back


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ALEXANDER PETROV Y EL REALISMO ROMÁNTICO

El ruso contemporáneo, Alexander Petrov, es uno de los pocos animadores en el mundo que ha elegido para sus obras la técnica de pintura sobre vidrio en la cual cada capa de este material remplaza lo que en dibujos animados es el acetato. Alexander Petrov, pinta con tal maestría que cada fotograma de sus animaciones parece un cuadro al óleo y el movimiento y la iluminación dan a sus pinturas una textura muy singular. The Mermaid (La sirena), ganó el Premio Especial del Jurado en el Festival Internacional del Cine de Animación de Annecy, Francia, 1997. Esta obra de diez minutos de duración no sólo es notable por sus miles de pinturas sobre vidrio, sino también por su contenido: la historia de la relación entre un viejo, un joven y una sirena. La cinta no tiene palabras, la trama se desarrolla a través de la animación de los personajes y de los fondos logrando una gran dramaticidad y belleza, acompañada por el sonido de fondo de las aguas. The Mermaid (La sirena) fue nominada al Oscar en 1998.

la ténica de Petrov

También sus otras películas The old man and the sea (El viejo y el mar), 1999, The cow (La vaca), 1989, Marathon (Maraton), 1988, y The dream of a ridiculous man (El sueño de un hombre ridículo), 1992, están realizados en esta hermosa técnica. Para el filme The old man and the sea se basó en la novela de Ernest Hemingway del mismo nombre, y ganó el premio Oscar al mejor cortometraje de animación. Su realización duró diez años y la obra tiene una duración de diez minutos.

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The old man and the sea de Alexander Petrov El sueño de un hombre ridículo está basado en un texto de Fyodor Dostoevsky. Su último filme es My love (Mi amor), 2006, que estuvo nominado al Oscar de animación recientemente y está basada en la película “Love Story”.

My love de Alexander Petrov Alexander Petrov estudió cine y televisión y fue discípulo de Yuri Norstein. Ha producido sus películas en Rusia y en Canadá donde se le construyó una mesa de animación especial con movimientos perfectos regidos por un computador y con un cuadro grande que permite pintar mejor sus fotogramas.


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FERENCK CAKO Y LA ANIMACIÓN DE ARENA

Ferenck Cako haciendo una demostración de su técnica.

Uno de los principales cultores actuales de la difícil técnica de animación de arena es el húngaro Ferenck Cako quien ha dado clases demostrativas en los más importantes festivales de cine animado del mundo. Sus cortometrajes Stones (Piedras), L’air du sable (El sonido de la arena), y Asches (Cenizas), entre otros, son de magistral diseño y en ellos resalta su gran virtuosidad de dibujante y su habilidad como animador.

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WALTER TOURNIER Y SU MUNDO DE MUÑECOS Walter Tournier, animador y director de animación uruguayo, es un verdadero maestro en el cine de animación de muñecos o stopmotion, pues ha dedicado toda su vida al oficio y ha preparado a generaciones de animadores latinoamericanos más jóvenes que han aprendido de su arte. Su trabajo se destaca por la temática latinoamericana con contenido social y humanista.

Walter Tournier Walter Tournier estudió arquitectura y arqueología, además de completar en 1986 el Seminario “Cine infantil en el Tercer Mundo” invitado por UNICEF-KJF, en Berlín, Alemania. Ha dirigido varios cursos y seminarios además de participar como jurado en diversos festivales. Con sus películas ha ganado un gran número de premios como Premio a la Mejor Película, Mejor Director, Mejor Fotografía Premios UNESCO etc. Trabaja junto a su esposa Lala quien construye muñequitos y escenografías para sus filmes y también anima. Walter Tournier, consolidó su estilo durante una estadía prolongada en Perú y luego, a su regreso, siguió trabajando en Uruguay, siempre innovando y realizando nuevas historias a pesar de muchas dificultades económicas. Entre su extensa filmografía animada destacan sus últimas realizaciones: Maltrato (2003), Carta Democrática (2003), Tachuela, Varilla y Lechuga (2003), A Pesar de todo (2003) 35mm., una película anti bélica, Yo soy (2002), Yo participo (2002), para una serie de cortos sobre los derechos del niño, La Familia (2002), Los Tatitos (micro programas de un minuto de duracion para invitar a los chicos a irse a dormir 2001), y Navidad Caribeña (2001).


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Los Tatitos de Walter Tournier

La canilla perfecta de Walter Tournier A pesar de todo es un cortometraje muy personal en el que un muñeco que despierta en el taller de un animador, descubre la guerra y la muerte de su propio creador. Walter Tournier escribió el guión, animó y construyó el muñeco utilizando un muy acabado esqueleto ideado por él. Anteriormente, Walter había realizado Yo quiero (2000) de la serie de Derechos del Niño, El jefe y el carpintero (2000), un capítulo para la serie Cuentos animados del mundo, Los Tatitos (1997), Los escondites del sol (1990) 35 mm, Los cuentos de Don Verídico (1986), Nuestro pequeño paraíso (1983) 35mm, El clavel desobediente (1981), una animación de muñecos filmada en 35mm, El Cóndor y el Zorro (1980), también en cine 35mm, y En la selva hay mucho por hacer (1974), en 35mm. Su obra le ha dado un vasto reconocimiento internacional obteniendo muchos premios e invitaciones como jurado de diversos festivales internacionales.

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JUAN PADRÓN Y EL HUMOR CARIBEÑO

Quién no ha visto alguna vez la película de dibujos animados Vampiros en La Habana, de Juan Padrón... En una época fue un hito en Chile donde nunca se estrenó, pero circulaba en video. Y lo mismo ocurrió en muchos países. Vampiros en La Habana es la película animada latinoamericana más vista en toda la historia de la cinematografía. Esto se debe, principalmente, a la gracia de su descabellada historia de vampiros que toman un refresco llamado “Vampisol”, elixir que permite a los magnates de la cofradía de los vampiros broncearse en las bellas playas caribeñas y poder vivir a la luz del día, trama humorística creada por los guionistas Juan Padrón y su hermano Ernesto Padrón.

Vampiros en La Habana Vampiros en La Habana es el segundo largometraje del realizador cubano Juan Padrón. Antes había creado su personaje Elpidio Valdés, que representa a un combatiente del ejército libertador que lucha por la independencia de Cuba frente al colonialismo. Elpidio está al mando de un escuadrón de caballería junto a sus compañeros María Silvia, Pepe el corneta, Marcial y otros personajes como su caballo Palmiche.


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“Elpidio Valdés” de Juan Padrón Juan Padrón realizó también los cortos humorísticos llamados Filminutos, (1980), mini clips en los que aparecen verdugos, duendes, vampiros y muchos personajes absurdos en situaciones risibles que siempre tienen un final inesperado. Debido al éxito obtenido por Vampiros en La Habana, Juan Padrón realizó diez años después una segunda parte llamada Más vampiros en La Habana, producida por el ICAIC apoyada por el programa Ibermedia, TVE y Canal Plus.

Más vampiros en La Habana La trama es la siguiente: Diez años después de que ha sido reconocido el famoso Vampisol, aparece en el mercado clandestino una variante de la fórmula: Vampisol 2, fabricado en los sótanos del famoso club Pepito´s. Este nuevo producto será utilizado por los nazis en una de las operaciones más grandes y atrevidas de la Segunda Guerra Mundial, sin que los verdaderos creadores de la fórmula ni siquiera lo sospechen.

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JUAN PABLO ZARAMELLA, LA NUEVA GENERACIÓN ARGENTINA En estos momentos, Juan Pablo Zaramella es considerado uno de los mejores animadores jóvenes latinoamericanos y uno de los pocos que domina tan bien la técnica de animación de plasticinas. Juan Pablo Zaramella ha sido premiado y reconocido en todo el mundo. Su cortometraje Viaje a Marte, de 2004, es de una gracia y humanidad muy especiales, con un estilo de diseño propio que tiene que ver con nuestra cultura sudamericana. Reconocemos perfectamente en su trabajo, los típicos personajes argentinos, la música en este caso de un cumbia ritmo colombiano que acompaña a todos los países latinoamericanos, y los modismos, modas, y costumbres de la clase media de América del Sur.

Viaje a Marte de Juan Pablo Zaramel En 2001, Juan Pablo Zaramella realizó El guante, una película animada en técnica de pixilation en la que un guante persigue a un humano, y Desafío a la muerte, un corto animado en plasticinas o claymotion, muy gracioso, en el que un faquir decide meterse dentro de una licuadora y terminar ileso. Lapsus, de 2007, es un corto animado con un lenguaje apropiado para adolescentes y en técnica de papeles recortados. Otros excelentes trabajos suyos son la serie de mini clips El espejo tiene mil caras y La gatita ilegal, ambos de 2001.


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Viaje a Marte de Juan Pablo Zaramella

CAPÍTULO 3 Animación en Chile

INTRODUCCIÓN (Quisiera comentar que me parece complicado escribir aquí sobre mi propio trabajo sin parecer individualistea, por lo tanto he optado por referirme a mí misma en tercera persona). Este es un recuento del cine de animación en Chile desde lo que he logrado rescatar entre las personas que trabajan en el rubro. No pretende ser un ensayo ni tener un punto de vista teórico ni crítico, sino recopilar un material que es hasta ahora inédito. Un punto de vista, será tema de trabajos posteriores. Existen muchos tipos de animaciones, ya sea por la técnica utilizada o por el propósito con el cual se han realizado. Aquí he juntado todo lo que he encontrado, intentando dar forma a la expresión artística de la animación en Chile desde sus orígenes. Cuando comencé a investigar, tenía la sensación de que habían existido solamente producciones esporádicas y poca continuidad en la realización, sin embargo, después de terminar este libro, llego a la conclusión de que la animación en Chile tiene una fuerte presencia y que estos últimos años se ha ido desarrollando a velocidad acelerada, conformando un medio de expresión significativo.

PRIMEROS PASOS. DE LOS AÑOS 10 A LOS 80 Jorge Montealegre Iturra, historiador del humor gráfico chileno, en su artículo aparecido en Patrimonio Cultural, revista de la Dibam, N°25, invierno de 2002, señala que los orígenes del cine de animación chileno se remontan nada menos que a 1811, en torno al Primer Congreso Nacional cuando apareció la caricatura política más importante de la época, llamada La linterna mágica, que representaba a ilustraciones proyectadas por un as de luz que provenía de una linterna mágica, aparato inventado en esa época y que estaba de última moda. Los representados eran todos parlamentarios. A Jorge Montealegre le parece que esa caricatura tenía una curiosa intuición del dibujo cinematográfico. Las ilustraciones estaban firmadas con el seudónimo “José Líquido Transparente”, pero más tarde se descubrió que el verdadero autor era nada menos que Manuel de Salas. Un siglo más tarde, en Concepción, el 25 de julio de 1921, se estrenó la primera película de dibujos animados chilena llamada La transmisión del mando supremo con dibujos de Alfredo Serey Vial. En el contexto latinoamericano, el cine de animación chileno se veía prometedor, ya que los dibujos animados a nivel mundial recién comenzaban. El ratón Mickey, por ejemplo, apareció seis años después, en 1927. Argentina era el país latinoamericano más precoz, al estrenar su primer largometraje de dibujos animados, de Quirino Cristiani, en 1917. La primera película de dibujos animados realizada en Chile fue producida por la National Films de Santiago y la parte técnica estuvo a cargo de Nicolás Esquerro. Junto a Alfredo Serey, también dibujó Nicolás Martínez, ilustrador de la época. Entre los dos hicieron 20.000 cartones para una cinta que no tenía más de 600 metros. Es decir una duración cercana a los diez minutos. El argumento es el traspaso de la banda presidencial de Juan Luis Sanfuentes a Arturo Alessandri Palma en 1920. Aparecen los políticos más conocidos y la diplomacia de la época. Se estrenó en Santiago junto a dos películas nuevas de Chaplin, según informó Las Úlltimas Noticias, periódico donde trabajaba Serey. El diario publicó también algunos fotogramas de la película como uno en el que Jorge Alessandri encontraba las arcas fiscales sin ningún peso, y llenas de telarañas. Como la película era

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muda se habían pintado globitos con los parlamentos. Jorge Alessandri pensaba “Así a cualquiera le darían ganas de quitarse la banda”. Los realizadores fueron citados al palacio presidencial y felicitados por el presidente. Como dice Mario Godoy en su historia del cine chileno 1902-1966: “Con gran sorpresa fueron felicitados por el primer mandatario, por el ingenio demostrado en la primera película chilena de dibujos animados”. Aunque el filme era rico en ingenio, adolecía de muchas carencias técnicas. Los dibujos eran casi estáticos. Aunque Alfredo Serey anticipó la realización de un nuevo proyecto animado, nunca volvió a incursionar en el cine. En 1924, comienza la producción de la que sería la segunda película chilena de dibujos animados llamada Vida y milagros de don Fausto, de Carlos Borcosque con argumento de José Fernandez Ruiz, realizada en los Estudios Cinematográficos Borcosque. Este filme fue estrenado en los Cines Septiembre y Brasil, que en esa época se llamaban biógrafos. Era una película muy graciosa basada en la primera tira cómica que empezó a aparecer en el diario El Mercurio en 1922 llamada “Amenidades del diario vivir” (“Bringing up father”) creada por George Macmanus, con sus personajes Don Fausto y Crisanta, dos nuevos ricos norteamericanos. El filme incluía algunas adaptaciones al ambiente local chileno. En 1929, Jorge “Coke” Délano, realizó el que se podría llamar primer verdadero largometraje animado chileno ya que en él los movimientos tenían muchas más fases que en las obras anteriormente producidas en las que los cuadros eran casi estáticos. En esta película, La Calle del ensueño, había personajes animados que interactuaban con seres humanos, lo que significaba una gran innovación. Jorge Délano fue un gran creador en la historia de la cinematografía chilena. Se dice que en los años 30, hubo varios intentos de animaciones que no llegaron a término, todas con ilustraciones tipo Condorito. En 1941, Carlos Trupp y Jaime Escudero realizaron la película animada 15.000 dibujos, protagonizada por un cóndor antropomorfo llamado Copuchita que bien podría ser un antecesor de Condorito.

El Cóndor Copuchita, en “15.000 dibujos” (1941)


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La creación de la cinta se originó cuando Walt Disney visitó Chile, y conoció de paso a los dos jóvenes realizadores, ayudándolos e incentivándolos en la realización del filme. Pese al entusiasmo tanto de Trupp y Escudero como de sus familias, 15.000 dibujos resultó un fracaso de taquilla, ya que a juzgar por su trama y su calidad, no era absolutamente nada comparable con las monumentales obras que Disney producía en esos tiempos. Después de este fiasco, los antes entusiasmados padres y amigos de ambos dibujantes, no quisieron volver a incursionar en la producción de ninguna película de dibujos animados. En 1947, se realizó otra película de dibujos animados chilena. La historia de un cóndor, con un puma y una niñita vestida al estilo de la Bella Durmiente. Hay quienes la vieron y la recuerdan, pero no existe y no se sabe quién la realizó. También hay pocas referencias de lo que pasaba en nuestro país en el campo de la animación durante los años 50. Aparentemente sólo se hicieron algunas animaciones para publicidades que se pasaban antes de las películas en el cine. En las décadas de los sesenta, época que en Chile se produce una gran efervescencia en torno al cine en general, y con la aparición y desarrollo de la televisión, surgieron varios nuevos creadores, y los más conocidos fueron Carlos González, Enrique Bustamante, Álvaro Arce, Oscar Vega y Luis Zelada, fallecido a temprana edad. En esa época se crearon personajes que identificaban a los distintos canales: el Angelito era de canal 13, Tevito en TV Nacional o el Búho, en canal 9 de la Universidad de Chile. Estos personajes invitaban a dormir a los niños o promovían por continuidad los diferentes programas de sus parrillas programáticas. En el año 1965, se realizó en el Departamento de Cine de la Universidad de Chile, el que podría ser uno de los primeros cortometrajes animados chilenos de autor: Érase una vez, una animación de cinco minutos de duración filmada en cine 35 mm., blanco y negro, cuyos autores fueron Pedro Chaskel, quien hizo la edición, y Héctor Ríos la fotografía. Los dibujos eran de una historieta de Vittorio di Girólamo. Se trataba de una animación sobre dibujos fijos que relata el destino de un poeta que, inspirado por la primavera, recita sus versos y entusiasma a mucha gente. Entonces se decide crear el Partido de la Primavera. El Partido se convierte en Ejército de la Primavera y, finalmente, el poeta es víctima de un régimen militar que, involuntariamente, había contribuido a crear. Quizás era la intuición de lo que ocurriría más tarde en nuestro país.

Érase una vez de Peter Chaskel y Héctor Ríos con dibujos de Vittorio di Girólamo

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Esta obra obtuvo una Mención Especial en el Festival de Cine Independiente Latinoamericano de Montevideo, 1965. El Premio a la Mejor Película de Fantasía, 35 mm., en el Festival Nacional de Viña del Mar 1966, el Premio de la Unión Internacional de Estudiantes, en el Festival de Leipzig, RDA 1966, el Segundo Premio en el VI Festival de Arte de Cali, Colombia 1966 y una Mención Especial en el Festival Latinoamericano de Viña del Mar 1967. Y fue la primera obra animada que representó a nuestro país en festivales de cine internacionales.

CARLOS GONZÁLEZ R. Cuando Carlos González llegó a trabajar a Televisión Nacional, Margarita Román, Ana Varleta y Amanda Pozo experimentaban con los tiempos en cine de animación, realizando animaciones en papel recortado. Carlos González recuerda un trabajo realizado por ellas: un coro de caritas de niños que movían su boca. Mientras él animaba en papel la presentación de “Tele-Mini-Mundo” y paralelo a ello, practicaba y probaba en papel diamante animaciones de un perrito. Carlos fue autodidacta, se formó “echando a perder”, mirando animaciones extranjeras, experimentando los tiempos y los cambios de un dibujo a otro. Realizando, practicando, cuando las cosas salían mal, buscaba las causas y sus soluciones.

Carlos González creador de Tevito TV

Así fue como, en un set lleno de papeles, cartones, tinta, luces y cámaras televisivas, nació “Tevito TV”, un perrito orejón que era un experto bailarín de cumbia, que a veces boxeaba, tocaba la trutruca o se vestía de vampiro. Tevito fue creado en los estudios de TVN (en aquella época Televisión Nacional de Chile) por Carlos González, más conocido como Charles, y en la realización de las animaciones participaron otros seis dibujantes. Tevito TV era el personaje que abría y cerraba la transmisión del canal nacional acompañado del tema original de Víctor Jara “Charagua” interpretado por el grupo musical Inti Illimani, durante los años 1970 a 1973.


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Tevito TV

Tevito junto a Carlos González, su creador

Cuando Carlos González era estudiante de Bellas Artes, había recogido un perrito que ese transformó en su mascota y que se llamaba Pachacho. Esta fue su inspiración para crear a Tevito. Inicialmente lo quiso bautizar como Perro Choco, un dicho muy chileno, pero cuando el personaje salió por primera vez al aire, el locutor de Continuidad de TVN, Agustín Hinostroza (el tío Agustín), lo bautizó como Tevito.

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Tevito TV como vampiro

“Tevito TV” fue un fenómeno comunicacional en esa época. Apareció también en la continuidad de diferentes programas como: “Música Libre”, “Titanes del Ring” y “Sombras Tenebrosas”.

La música que lo identificó, tuvo muchas versiones que fueron interpretadas por músicos famosos de la época como Víctor Jara, los grupos Inti Illimani y Quilapayún, por el director de la Orquesta Sinfónica Nacional, Guillermo Rifo, por Leslie Murray, Octavio Espinoza, Pancho Aranda, Adolfo Flores, el conjunto de música de cámara Hindemith y Eugenio Rengifo con Los Huasos de Algarrobal.


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Fuera de su gracia y características locales, el éxito también podría atribuirse a que en esa época no había personajes en dibujos animados que fueran chilenos en la reciente televisón.

Tevito en el programa “Música Libre”

Los problemas del poder político de los años 70 se hicieron cada vez más intransigentes en el país, lo que se reflejó en las actitudes asumidas por el Padre Hasbún, director del Canal 13 y Augusto Olivares, director de TVN, cuando en forma tan inocente hicieron una simpática contienda televisiva entre el Perrito de TVN y el Angelito de canal 13, personaje al cual me refiero más adelante. Pero ambos ejecutivos acrecentaron sus diferencias políticas queriendo llegar hasta los tribunales. Fue un vivo ejemplo del quiebre que existía en la sociedad chilena. El personaje “Tevito TV” se transformó en un hito en los momentos que el país vivía diferencias sociales importantes. Por el hecho de ser mascota de Televisión Nacional, lo identificaron políticamente con el gobierno de Salvador Allende. El 11 de septiembre de 1973 fue sacado de las pantallas. Asumido el Gobierno Militar, la primera gestión de la autoridad en TVN fue eliminar las animaciones de este perrito por ser considerado como un ícono que representaba la imagen de la TV estatal del gobierno socialista. Las películas de este dibujo animado fueron quemadas y parte de los originales destruidos. Sólo fueron rescatados unos pocos segundos de la animación en los que aparecía el personaje tocando el bombo y el chin chin. Años después, terminada la dictadura, la primera imagen emitida al aire por TVN fue la de “Tevito TV” bailando con el bombo. Carlos González creó posteriormente Ito e Ita (12 spots), dos niñitos que representaban el diminutivo de cualquier nombre. Los vistió con jardineras, como los niños de la época y cuyos tirantes se cruzaban en la espalda formando una X. La autoridad militar consideró que se formaba el símbolo de Allende. Tuvo que eliminar ese tipo de tirantes cruzados, terminando ambos en un botón. Luego realizó el Conejito TV (37 spots), On Chilo (30 spots), un huaso que enseñaba a bailar cueca, y Tuto, el Mago de los Sueños, que invitaba a dormir a los niños en un viaje por Chile.

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Conejito TV de Carlos González Carlos González creó el Departamento de Animaciones y Producción Publicitaria de Televisión Nacional, y fue jefe del Departamento de Foto Cinematografía. Realizó presentaciones animadas para programas como: Tele Mini Mundo, El Mundo de los Deportes, Musical 0990, varios nexos para la continuidad de los programas “Chile, Chile Lindo”, “Siglo XX” (12 Spots), “Estudio Abierto”, “60 Minutos”, “Música para la Historia de Chile”, “120 Km. Por Hora”, las promociones por 10 años del Festival de Viña, “Perspectiva”, “Ir a Dormir “(12 años). Creó también el personaje de un Búho, para el canal de la Universidad de Chile. Fue director de innumerables programas, documentales y spots publicitarios. Realizó junto al ilustrador Oscar Vega la primera animación de “Condorito” para televisión, y Pepo, creador del personaje, supervisó este trabajo.

Pepo, creador de “Condorito” junto a Carlos González en el momento de la proyección en los estudios de la ex empresa Publicine.


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Carlos González fue profesor de técnicas de cine de animación en la Escuela de Artes de la Comunicación de la Pontificia Universidad Católica. En la Escuela de Comunicaciones de Mónica Herrera, enseñó animación a los estudiantes de diseño. Dictó charlas en diversas universidades del país dando a conocer la gráfica en movimiento e instando a los diseñadores a prepararse para los cambios tecnológicos que se avecinaban, dado que por los años 70 llegó a Chile el primer computador llamado “Sistem Four”, que era operado por Eduardo Guzmán. Este computador tenía funciones muy básicas, y su tamaño era excesivamente grande. El depto. de Animaciones de TV Nacional de Chile desarrolló diferentes técnicas, motivando a los diseñadores gráficos a usarlo. Muchos estudiantes en práctica de diferentes universidades pasaron por los talleres de animaciones de TV Nacional, retransmitiendo posteriormente sus conocimientos a los alumnos de las escuelas de diseño. Se formó un gran movimiento de animadores, y se instauró el 9 de diciembre como el Día del Dibujante de Animaciones. En esa fecha, se reunían los animadores y se premiaban las diferentes instancias de producción. Se proyectaban los trabajos del año en una sana competencia que motivaba a ir mejorando las realizaciones. Los funcionarios de animaciones de TV Nacional de Chile fueron grandes realizadores de animaciones, entre ellos se destacan Eduardo Ojeda, quien dirigió el largometraje animado “Los Pintores Chilenos”, donde los pintores de antaño se codeaban con Superman, que salía volando de los techos del Museo Nacional de Bellas Artes.

“Los pintores chilenos” de Eduardo Ojeda, uno de los primeros largos animados chilenos.

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La película fue realizada en 16mm y tenía una hora de duración, donde se combinaba animaciones tradicionales en acetato, con papeles recortados, animaciones fotográficas y algunas realizadas en la técnica del rotoscopiado, además de fotos y escenas reales. Este primer largometraje animado chileno fue realizado en el Depto. de Animaciones de TV Nacional y su dirección estuvo a cargo de Eduardo Ojeda. Carlos González tuvo colaboradores como José Atenas (creador del personaje Clorofilo), Domingo Ulloa, Oscar Vega, Luis Oyarzún, Ricardo Paniagua, Jorge Braidot, Rubén Sanhueza, Nelson Soto, Margarita Román, Ana Varleta, y Sandra Contreras. Cada uno de ellos fueron profesionales muy importantes en el desarrollo del cine de animación en Chile. Posteriormente, Carlos González fue contratado por Canal 13 como Asesor Pedagógico del programa El Mundo del Profesor Rossa, siendo posteriormente asistente de dirección y co director del mismo. Fue asistente de producción de los programas; El Cristo que Viene, Medio Mundo, Una Vez Más, Téngase Presente, Elecciones en USA. Realizó presentaciones animadas de los mismos programas, agregando Teleduc y Mundo de Hernán Olguín y las presentaciones gráficas de las teleseries: La Trampa, Matrimonio de Papel, Prisionero de la Medianoche, Secretos de Familia y Angel Malo. Además de las promociones institucionales del canal y programación. También dibujó en diversos diarios y revistas como: Periódico Claridad, Revista 7 Dias, Rocket, El Pingüino, Topaze, El Norte de Antofagasta, Semanario Mundo, El Sur de Concepción, Fortín Mapocho y El orientador.

Tevito en una de sus tantas facetas.


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ÓSCAR VEGA ETCHEVERRY

No solamente Carlos González creó personajes en Televisión Nacional en la época de los años setenta sino también Oscar Vega llamado cariñosamente “Oskar” quien animaba el programa “TV tiempo”.

Acetato de TV Tiempo

Fotogramas originales de las animaciones de Óscar Vega para Televisión Nacional

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Óscar Vega fue pintor, ilustrador y creativo publicitario. Nació en Potrerillos en 1945, estudió en la Escuela de Artes Aplicadas y la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Chile. Se inició como ilustrador profesional en la empresa Editora Zig Zag, en donde dibujó historietas hasta el año 1968. Luego fue llamado por la Editorial Lord Cochrane para crear el personaje “Mampato”, para la revista del mismo nombre. Además, le pertenece la creación de los personajes secundarios: Xse, Mong, y Kolofón, entre otros. En esa editorial realizó numerosas historietas de “Mampato”, portadas e ilustraciones hasta 1978, fecha en que termina la publicación de la revista.

El primer Mampato de Óscar Vega, (Oskar)


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En 1970, Televisión Nacional de Chile lo contrató para crear, junto a otros profesionales, el Departamento de Animaciones, en donde realizó numerosos cortos de dibujos animados y presentaciones de programas hasta el año 1974. Entre 1974 y 1982 se dedicó a la ilustración y fue premiado en varios certámenes internacionales. En 1982, la Universidad de Concepción le solicitó su cooperación para organizar junto a Vittorio di Girólamo, el que sería el “Primer Festival Internacional de Dibujos Animados” realizado en Chile, evento que se llevó a cabo en La Casa del Arte de la Universidad. Desde 1983 en adelante se ha desempeñado como ilustrador, creativo y director de arte en las más importantes agencias publicitarias y como maestro en importantes planteles. Ha realizado exposiciones de sus obras pictóricas en universidades, institutos culturales y fundaciones, tanto nacionales como extranjeras. Los principales premios obtenidos por Oskar han sido: la medalla de oro, en el Salón Nacional de Bellas Artes (1981), la mención de honor en el “Concurso Tierra Adentro”, Olmué (1982), el primer premio, en acuarela, del concurso “Pintando Providencia” (1985), el premio “Embajada de Costa Rica”, en el Instituto Cultural de Providencia (1987), el Primer premio, “Pintando Quillota” (1994), la Beca “Windsor & Newton” del Instituto Cultural de las Condes (1997), el primer premio, en el V Salón de la Acuarela, Centro Cultural Austral, Valdivia (2002) y la mención de honor, en el VI Salón de la acuarela, Centro Cultural Austral, Valdivia (2004). En 2005 fue nombrado miembro integrante de la Birmingham Watercolour Society y recibió el premio “Chase de Verre” en la exposición de la BWS.

EL PRIMER PROYECTO DE LARGOMETRAJE CHILENO EN TÉCNICA DE STOPMOTION: En la década de los 70, más precisamente en 1971, comienza la preproducción en la empresa Chilefilms del que sería el primer largometraje animado chileno en técnica de stopmotion, llamado “Martín y Cano”, una historia que trataba sobre la amistad de un niño chileno con un niño de otro planeta que llegaba en un sputnik, que era una especie de platillo volador de muchos colores. Su realizador era Hugo Jaramillo, profesor de animación que se había preparado en Cuba y a quien se le había encomendado enseñar al equipo de realización que incursionaba por primera vez en la animación. En el team también estaba Pepe Ulloa y Beatriz González quien realizaría más tarde un cortometraje animado de autoría en la ex RDA. El guión fue escrito por un realizador de comics de la época. Durante el año 1972, se hizo el Story board, el guión técnico para la animación cuadro a cuadro, y se construyeron todos los muñecos y escenografías en un taller especial que preparó Chile Films para la película. Durante ese año, el largometraje infantil se animó casi en su totalidad, fue filmado en cine 35 mm. color hasta septiembre de 1973. Desgraciadamente no llegó a terminarse debido al golpe de Estado del 11 de septiembre de ese año. Sus negativos actualmente se encuentran extraviados, quizás fueron quemados, así como muchas otras obras audiovisuales de esa empresa que fue intervenida durante la dictadura militar.

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Vivienne Barry

ÁLVARO ARCE En 1978, de regreso a Chile desde los Estados Unidos, Álvaro Arce abrió su propia productora de animación llamada Grafilms junto a Enrique Bustamante, el Puma, a quién me referiré más adelante, produciendo cientos de comerciales hasta 1984, y varias series animadas, como “Condorito”, “Un amigo en tu camino” y “Una sonrisa con Lukas”. Además empezaron a producir animación para series extranjeras. Varios de los dibujantes que trabajaban en Grafilms formaron empresas aparte, generándose nuevas competencias. El estilo que utilizaron, tanto Álvaro Arce como Enrique Bustamante, fue el de los dibujos animados tradicionales. Álvaro Arce se había iniciado en 1958 en los dibujos animados en Hollywood, California, y en el año 1962 en los Estudios de la Warner Bros y traía una marcada influencia de esa línea de animación. Luego había trabajado para UPA en películas de Mr. Magoo y más tarde en los Hanna Barbera Productions como diseñador de layouts y storyboards. En el año 1971 ya había formado una productora propia en la que dio servicios a Walt Disney, Hanna Barbera, Filmation y otros. Fue productor creativo de Plaza Sésamo por varios años, y en 1973 había formado parte del Bilingual Childrens Television (BCTV). Parte de sus ideas quedaron plasmadas en Scooby Doo, Los supersónicos, las tazas cantantes de la Bella y la bestia, en Bernardo y Bianca en Cangurolandia y en las gráficas de los fondos de El príncipe y el mendigo protagonizada por el ratón Mickey.

Álvaro Arce En 1984, dejó Chile y volvió a Hollywood para trabajar en Warner Bros y Walt Disney. Después de ser contratado en 1990 por los estudios Lápiz Azul de Madrid para incorporarse como profesor de Storyboards y Layouts, regresó a Chile nuevamente en 1992 trabajando aún para la productora española así como para estudios de Hollywood. Actualmente, se desempeña como docente universitario en el UNIACC.


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ENRIQUE BUSTAMANTE

El angelito de canal 13 de Enrique Bustamante Enrique Bustamante junto a Nelson Cuadros, ex autor teatral, fueron los creadores del Angelito de canal 13 TV UC, personaje característico de ese canal de televisión que comenzó a ser transmitido en febrero de 1971. Este angelito tenía muchas habilidades: tocaba el piano y bailaba tango, entre muchas otras facetas, además, era tan popular que recibía su propia correspondencia desde todo el país. Miles de cartas llegaban a los estudios de canal 13 mientras sus creadores tenían graves problemas de infraestructura y financiamiento. Era una época difícil cuando Canal 13 no era lo que es hoy día.

Este personaje mudo que todos deben recordar, marcó a muchas generaciones de niños chilenos. El angelito abría la programación todas las mañanas, interactuando con otros personajes con alas que representaban al personal de la estación televisiva. Aparecía el sonidista, el tramoya, el camarógrafo y el director, todos alados. Una angelita era la maquilladora que espolvoreaba la cara del angelito antes de salir a escena. También había un elefante rosado que vivía en una caja y que salía de

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ella bailando mientras el angelito ponía un casete en una extraña radio. La voz del recordado locutor radial Sergio Silva daba la partida con la frase: “Aquí comienza sus transmisiones, la Corporación de Televisión de la Universidad Católica de Chile” y luego venía el himno de ese plantel. Este personaje, fue la mascota de canal 13 hasta fines de los años 90.


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Enrique Bustamante realizó además una despedida infantil con el personaje del angelito de canal 13, llamada el Hasta Mañana. Muchos recordarán la canción que decía: “Hay que dormir, hay que soñar, y un angelito contigo estará”. Entre las obras de Enrique Bustamante se cuentan Condorito para canal 13, Una Sonrisa con Lukas para Televisión Nacional 1982, y Un Amigo en su Camino, todas recordadas series de TV.

Enrique Bustamante mostrando su personaje el angelito de canal 13

Enrique Bustamante, llamado cariñosamente “El Puma”, se dedicó desde siempre a los dibujos animados tradicionales pintados sobre trasparencias al estilo de Walt Disney, aunque en los años 90, al final de su carrera incursionó también en la animación producida digitalmente. Después de crear Grafilms junto a Álvaro Arce, y cuando éste regresó a los Estados Unidos, hizo una nueva empresa personal llamada Puma Animaciones en la cual siguió produciendo comerciales y series televisivas, hasta el día de su fallecimiento ocurrido a temprana edad. A Enrique Bustamante se le puede considerar como el padre de la animación en Chile ya que “El Puma” empezó a trabajar cuando no había animaciones, su angelito inició el uso de la animación en la televisión chilena. Además formó a muchos futuros animadores que más tarde crearon sus propias empresas, entre ellos, a Alejandro Rojas, de Cineanimadores y Jorge Délano. Las obras de Enrique Bustamante fueron muy numerosas, sumando continuidades, publicidades y trabajos para el extranjero. Solamente el angelito tuvo más de sesenta versiones.

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Vivienne Barry

LA ANIMACIÓN DE CHILENOS EN EL EXTRANJERO: LOS AÑOS 1973 A 1985 En general, y con pocas excepciones, los chilenos que realizaron obras de animación o participaron en realizaciones animadas fueron quienes vivieron en el exilio en los países europeos, especialemnte en el área socialista, donde existía una gran tradición y una fuerte cultura de cine animado, debido a que en esos países en la época existía facilidad para financiar y realizar películas.

FERNANDO KRAHN Y EL CRIMEN PERFECTO Fernando Krahn, el gran ilustrador chileno, llegó a España en 1973 con una beca Guggenheim bajo el brazo que ganó durante su residencia en Estados Unidos y una idea en la cabeza, El crimen perfecto, que años después, en 1976, se convertió en un corto producido por Bob Balser, director de animación de Yellow Submarine de los Beatles. El crimen perfecto, obtuvo la mención especial en el Festival de Cine Fantástico de Sitges.

DULCE PATRIA DE BEATRIZ GONZÁLEZ Un cortometraje que habría que destacar es Dulce Patria de Beatriz González (1974), filmado en cine 35mm color en técnica de animación de papeles recortados. El filme fue realizado en la DEFA Studio für Dokumentarfilm de Berlín, Alemania Democrática. Beatriz González, quien había trabajado anteriormente en el proyecto Martín y Cano de Chilefilms, animó los dibujos de dos niños chilenos exiliados en Alemania Oriental, Alvaro Raúl y Martín Ramírez, sus propios hijos, quienes ilustraron sus recuerdos de Chile de la época de la Unidad Popular. Es un corto muy impactante por el contrapunto feroz entre la realidad del momento y la ingenuidad de los dibujos. La música fue compuesta el grupo Illapu. Este corto se presentó en el Festival de Cine Documental de Leipzig en 1974 y en otros países europeos. Se dice que existen copias de este filme en Cuba y Nicaragua. Beatriz González, actualmente productora de series de TV y telefilms, trabajó a su regreso a Chile en comerciales publicitarios. Antes del golpe de estado se desempeñaba en Chile Films y en el departamento de cine de la Universidad de Chile haciendo asistencia en algunos documentales junto a su esposo también cineasta Álvaro Ramírez, documentalista y editor. Ambos se formaron en la escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, y participaron en el Teatro de la Quinta y en programas de canal 13 con un espectáculo propio de marionetas. También en el Festival de Leipzig, se presento dos años más tarde, un corto chileno animado con un nombre similar al primero. Este se llamaba La dulce patria de Sergio Castilla (1976) y tenía una puesta en escena bastante más elaborada.

JUAN ENRIQUE FORCH, POLÍTICA Y POESÍA Mientras tanto, Juan Enrique Forch y Vivienne Barry, quienes vivían en la ciudad de Dresden en la ex República Democrática Alemana, entraron a trabajar al DEFA Trickfilmstudio donde


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aprendieron animación. Juan Forch había sido anteriormente asistente de dirección en Chilefilms. En sus comienzos en la DEFA asistió al director alemán de animación Jörg Herman en los cortometrajes animados Chile-Pinochet y El órgano de Chile, ambos filmes en técnica de papeles recortados. Se trataba de duras sátiras sobre la Junta Militar de gobierno de Chile. En el primero se comparaba a Pinochet con Hitler, y en el segundo se mostraba como la Junta compuesta por marionetas, tocaba música en un órgano repitiendo el slogan “Los hemos liberado del comunismo” mientras el tío Sam accionaba desde arriba los hilos de los personajes. Unos pocos años después, Juan Forch dirigió varios cortometrajes animados, de su propia autoría, como Estos ojos, esta esperanza, (1976) realizado en cine color 35 mm, animación de fotografías de niños de Lota que habían sido tomadas en Chile por el mismo autor. Luego siguió con Neutronen Bomb (1976), realizado también en cine 35 mm., color, en técnica de animación de papeles recortados. Este era un corto que mostraba los estragos que puede ocasionar la bomba de neutrones. La animación fue hecha por Vivienne Barry y el diseño de fondos y personajes creado por profesionales alemanes. Luego vino otro corto de Forch llamado Chile-Corvalán, también animado por Vivienne Barry en técnica de papeles recortados. Trataba sobre el encarcelamiento en Chile del secretario del Partido Comunista, Luis Corvalán. Todos estos cortos no superaban los seis minutos de duración.

Lautaro de Juan Forch con animación de Vivienne Barry y dibujos de Hernando León.

En 1977, Juan Forch se embarcó en un proyecto más complejo: un mediometraje de veinticinco minutos que se llamó Lautaro filmado en cine 35mm color en técnica de animación de papeles recortados sobre fondos de madera pintada. Se trataba de una versión libre de la epopeya de Lautaro, del mismo realizador del filme, Juan Enrique Forch, con gráfica del artista plástico y realizador chileno Hernando León, y animación de Vivienne Barry. La producción de este filme duró un año y para la creación de la banda sonora se construyeron trutrucas y otros instrumentos de origen mapuche.

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Vivienne Barry

Lautaro de Juan Forch

Cuando Juan Forch regresó a Chile, el año 1978, no alcanzó a terminar completamente su último cortometraje animado llamado Rosaura, el que fue finalizado en Alemania por el director alemán Lothard Barker. Esta animación se filmó en cine 35mm., color, en técnica de dibujos animados sobre fondo blanco realizados por el pintor chileno Hernando León. El guión estaba basado en un poema de Juan Forch y la música fue interpretada por Vivienne Barry. Juan Forch no volvió a dedicarse a la animación y muchos de sus trabajos se extraviaron después de la caída del muro.

CÉSAR OLHAGARAY INCURSIONA EN EL DIBUJO ANIMADO En 1978, César Olhagaray realizó en el mismo estudio de Dresden, DEFA Trickfilm, la animación para un documental llamado Copihuito en técnica de animación de dibujos. En esa época y en ese estudio todo se hizo en cine 35 mm. Se trataba de un documental sobre la vida de niños chilenos, hijos de exiliados en Berlín, que entre otras cosas editaban una revista llamada “Copihuito”. Ellos iban a clases de español con un profesor chileno, quién les hablaba de Pablo Neruda. La lectura del Canto General estaba presentada con la animación de treinta pinturas de César Olhagaray quien durante el gobierno de la Unidad Popular había sido integrante de la brigada de pintura Ramona Parra de las juventudes comunistas de Chile.


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Copihuito de César Olhagaray

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Vivienne Barry

Cesar Olhagaray volvió a realizar una animación en 1981, Y todo gracias al amor (Und alles durch die Liebe) en el mismo estudio de la DEFA de Dresden. Este corto estaba animado en la técnica de animación de dibujos sobre fondo blanco y trataba sobre el mestizaje en tres historias de amor. Una escalera se enamoraba de una Jirafa, un flamenco se enamoraba de un horno a leña, los hijos de ambas parejas se enamoraban entre sí y tenían a su vez muchos hijos mestizos. El nombre de la canción provenía de la letra de un tema musical de moda de la nueva ola chilena. En un viaje realizado por César Olhagaray a Chile en los años 80, este cortometraje fue presentado en el cine Espaciocal de Santiago. César Olhagaray estudió Arquitectura en la Universidad Católica de Santiago y Ballet en la Escuela Nacional de Danza, del Conservatorio Nacional. Hizo estudios y diplomado de Artes Plásticas en la Academia de Artes de Dresden, Alemania Democrática y de Pedagogía en Artes Plásticas en la Universidad Humboldt, de Berlín. Siguió con estudios de Sicología y Filosofía en Arte en la HdK (Escuela Superior de Artes), de Berlín. Hasta el día de hoy ha realizado obras en diversas formas de artes visuales y ha expuesto en Chile, Alemania, Noruega, y Holanda, entre otros países.

Y todo gracias al amor de Cesar Olhagaray

ARIEL PEREIRA EN ALEMANIA OCCIDENTAL Mientras tanto, Ariel Pereira empezaba a hacer animaciones en Alemania Occidental. En 1981, realizó Experimente (Experimentos), un conjunto de animaciones en técnicas mixtas de quince minutos de duración realizadas en cine Super 8. Luego le suiguió, en 1982, su cortometraje El vuelo del Ícaro (Wie der Ikarus das fliegen lernte) que fue filmado en cine 16 mm., color. Este filme fue exhibido en el Westdeutsche Kursfilmtage Oberhausen de 1982, en la WDR_Television y el Ministerium fur Politishce Bildung adquirió su licencia de exhibición. Die Schule Brennt (La escuela arde), es el tercer cortometraje de dibujo animado de Ariel Pereira realizado en 1983, en cine 16 mm con una duración de 35 segundos. Ariel Pereira es el fundador del grupo Anima de Valparaíso y actualmente profesor y realizador de cine animado.


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LA DÉCADA DEL 80 EN CHILE En los años 80, gran parte de la animación que se hacía en Chile estaba constituída por dibujos animados para spots publicitarios. Las empresas más importantes de animación de la época eran Grafilms, de Enrique Bustamante con Álvaro Arce, y luego surgió una nueva empresa del animador Hernán Girón que había trabajado en Grafilms. En esa época, Vivienne Barry, regresó a Chile desde la ex Alemania Democrática, donde aprendió animación en el Defatrickfilm Studio de Dresden. Ella se dedicó a las técnicas de stopmotion y cut papers (papeles recortados). En esos años, animó varios comerciales publicitarios, uno de ellos de caramelos Ambrosoli streap tease, animación que obtuvo muchos premios y le abrió las puertas en el rubro. También fue premiada con una serie de spots auspiciados por Citibank Chile, llamada Cuidadoso y precavida para la agencia Publiart/BBDO. Otros que aún quedan en la memoria son los de Requetepatitas de Soprole. Y el comercial de la revista femenina “Clan” realizado en plasticina y que fue sacado del aire por la censura militar porque aparecían figuras desnudas, aunque se trataba de fascículo de educación sexual que traía la revista.

Cuidadoso y precavida, campaña de seguridad infantil

Figuras de plasticina de Marta Carrasco para el spot de la revista “Clan”

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Vivienne Barry

En 1981 animó un piloto de 5 minutos llamado La hora del sereno, para una posible despedida infantil de la televisión.

Escenas de La hora del sereno Este piloto fue basado en una idea original de Vivienne Barry, producido en Filmocentro, con muñecos de Martita Carrasco, fotografía y dirección de Ricardo Larraín, música de Jaime de Aguirre y producción ejecutiva de Eduardo Tironi. Este piloto que nunca logró venderse a ningún canal, sería la base del conocido Tata Colores que Vivienne Barry realizó una década más tarde.

EL PRIMER FESTIVAL CHILENO DE ANIMACIÓN En diciembre de 1982, se realizó el Primer Festival Internacional de Dibujos Animados al cual nos referimos anteriormente. El evento fue organizado por Vittorio di Girólamo, quien era en ese entonces Vicerrector de Extensión en la Universidad de Concepción. Este fue el primer festival de animación que se hizo en Chile. En él participaron Brasil, Canadá, Estados Unidos, Gran Bretaña, Italia y la República Popular China. Representando a Chile se presento Álvaro Arce con la animación Una sonrisa con Lukas, Enrique Bustamante con las aventuras del angelito de canal 13 y las animaciones de Condorito, Carlos González con la continuidad de Televisión Nacional y Vivienne Barry con La Hora del Sereno. Hubo una conferencia a cargo de Carlos González, proyección de películas y foros sobre tecnología de animación. Se temía por la aparición de nuevas tecnologías digitales, el impacto que producirían y se pretendía conversar sobre formas de enfrentar esos nuevos desafíos. Se entregaron diplomas y distinciones a Victor Hugo Aguirre, Enrique Bustamante, Marta Carrasco, Vivienne Barry, Sandra Contreras, Néstor Espinoza y Carlos González.


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INGRID MUÑOZ Y LA HISTORIA DE LAS ETNIAS PRECOLOMBINAS En ese tiempo, Ingrid Muñoz, quien se había formado con el “Puma”, Enrique Bustamante, y trabajado en su staf por muchos años, empezó a realizar su primer mediometraje animado de nombre Nuestros orígenes. Se trataba de una animación manual de dibujos que mostraba en un lenguaje infantil y colorido, la historia del poblamiento de América y el desarrollo de las altas culturas precolombinas del continente para terminar con la conquista española. La película también incluía imágenes de utensilios autóctonos y recreaciones de láminas históricas. Esta obra de 30 minutos de duración fue filmada en cine 16 mm., color.

Nuestros orígenes de Ingrid Muñoz

Nuestros orígenes de Ingrid Muñoz

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Vivienne Barry

Ingrid Muñoz Ingrid Muñoz demoró varios años en la ejecución de Nuestros orígenes. Esta película, una vez terminada, recibió el cuarto premio Ipal (Instituto para América Latina) en el Primer Concurso Andino de Video Infantil realizado en Perú, Lima, 1993 y auspiciado por Unicef. También ganó el premio al Mejor video educativo en el Festival Nacional de Video Educativo, Viña del mar, Chile.

Ingrid Muñoz recibe en Lima su premio IPAL de video infantil por Nuestros orígenes, junto a Vivienne Barry, premiada por Tata Colores Ingrid Muñoz estudió Diseño Gráfico Publicitario en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de Chile y empezó a trabajar en animación en 1976. En 1977, creó, produjo y animó Cajón del Maipo, una animación de dibujos blanco y negro, filmada en cine, 16 mm, de treinta segundos de duración. Luego, en 1980, realizó Hogar niño y patria una animación de dibujos animados también en 16 mm, blanco y negro, para el Hogar de Carabineros de Chile (producción del laboratorio fílmico de la Universidad Católica de Chile). En 1981, fue asistente de animación, y clean up en El chiste de Lukas, y Condorito de Enrique Bustamante. En 1982 realizó Cuento de navidad, una animación de dibujos animados en cine color, 16 mm, para la red de Radio y Televisión Universidad del Norte, Antofagasta. Fue asistente de animación y clean-up de Enrique Bustamante entre 1987 y 1989 en obras como Transformer, Angelito, Tuto canal 13, Angelito, mar, canal 13, Abastible, Jovi, Angelito norte canal 13, Chispita Chilectra y Chispita parque. En 1999 realizó el cd didáctico animado “Mandatarios de Chile, Rostros siglo XVIII”.


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LOS AÑOS 90 EN CHILE Durante la década del 90 se produce un auge notorio en el desarrollo de la animación en Chile. Se crearon empresas nuevas y, por primera vez, proyectos autorales de animación recibieron el apoyo financiero del recién creado Fondart. Se podría decir que en los años 90 aparecen los primeros cortometrajes animados de autor, los festivales de cine chilenos otorgan premios en la especialidad de animación y nacen nuevas empresas comerciales de animación. Surge, por ejemplo, Cineanimadores de Alejandro Rojas, Rodrigo Valenzuela y Juan Diego Garreton, compañía que fue creada en 1989 y que desde sus inicios se orienta a la producción de dibujos animados, realizando cortometrajes, spots publicitarios, seriales de televisión y partes de películas para televisión o cine. Cineanimadores ha sido una empresa que ha formado a su vez a muchos animadores chilenos y existe hasta el día de hoy. Unos años más tarde surge la empresa Chileanimación S.A, de Mariana Carvallo quien regresaba de Francia con un proyecto de animación que no se llevó enteramente a cabo. Chileanimacion S.A. también se dedica a la producción de dibujos animados comerciales. Realiza, entre otras, la serie Bad Dog Cine Group, Canadá, y Milo, para Francia. Vivienne Barry crea Artemia Films, cuyo nombre fue inspirado en el personaje Artemio de la tira cómica de Jose Vivanco que aparecía en el diario “El Mercurio”. El año 1990, Televisión Nacional le encarga la realización de una despedida infantil, basándose en un piloto en stopmotion realizado años antes por ella y la empresa Filmocentro, llamado La hora del sereno.

TATA COLORES DE VIVIENNE BARRY De esta forma nació Tata Colores, un viejito animado en técnica de stop motion que llegaba de distintos lugares como una calle, un río o una plaza, encontraba a dos niñitos y un perro, hacía un ademán con una brocha de pintura y hacía aparecer un espacio mágico con un tema simple como el circo, los juguetes, la música, la locomoción, los animales, el agua o las flores. Una vez terminado el tema, el viejito despedía a los niños que se iban a la cama ya fuera en un dormitorio infantil, en una camita sobre un árbol o en una hamaca.

Tata Colores de Vivienne Barry

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Vivienne Barry

Tata Colores tuvo 16 capítulos y se transmitió todos los días, justo antes de las noticias desde 1990 hasta el año 1993. Cada versión llevaba una parte realizada en stopmotion y otra en animación de papeles recortados, plasticinas planas y pequeños objetos. Los muñecos fueron diseñados y construidos por la ilustradora de textos infantiles Marta Carrasco; el diseño de las figuras en papel recortado fue creado en cuatro capítulos por la artista plástica Chantal de Rementeria, y en ocho por Carolina del Piano. Fernando Balmaceda y Germán Liñero fueron los directores de Fotografía, Jaime de Aguirre compuso la melodía y Vivienne Barry fue la realizadora, guionista y animadora de todos los capítulos.

Tata Colores circo Tata Colores obtuvo numerosos premios internacionales, entre otros, el Segundo Prix Jeunesse iberoamericano en la categoría para menores de siete años, el Premio a la Mejor Serie infantil en el Festival de Cine Infantil de Guayana Venezuela, 1993, y el segundo premio IPAL de Video Infantil 1992. Tata colores fue un fenómeno nacional, y aún es recordado con mucho cariño por las generaciones que fueron niños en esos años y el nombre del personaje, ideado por Eugenio Ahumada, permaneció en el lenguaje popular como apelativo de abuelitos. Su transmisión tuvo muchas consecuencias inesperadas, como niños con discapacidad que aprendieron a decir algunas simples palabras y en el Cementerio de Santiago se encuentra una tumba de un pequeño que adoraba el programa y en su lápida están escritas las palabras de la canción de Tata Colores. Después de ser retirado de la programación de TVN, hubo protestas en la radio y otros medios de comunicación. Muchas personas llamaban al canal preguntando qué pasaba que los niños estaban esperando al Tata para irse a la cama. Hasta el año 1993, los canales de TV chilenos tuvieron despedidas infantiles para dar las buenas noches al público infantil, pero estas fueron dejadas de lado cuando empezó la guerra por el rating del noticiero. Los canales pensaron que en ese lapso de minutos los televidentes podrían cambiarse de canal y sacaron de la programación todos los micro programas, entre ellos, las despedidas


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infantiles. De esta forma, murieron personajes que habían calado hondo en el público televidente chileno como el “Angelito de canal 13” y “Tata Colores”.

LOS CORTOMETRAJES DE AUTOR M La década del 90 en Chile es la época en que se empieza a realizar cortometrajes animados de autor. En el año 1990, la artista plástica, Klaudia Kemper, estrena su primer corto de animación, realizado en técnica de dibujos animados, llamado M, filmado en cine 35 mm, color y con una duración de seis minutos. Fue una gran novedad ya que, en ese momento, no había una producción constante de cortometrajes de autor. El corto fue filmado en los estudios de Cineanimadores, quienes apoyaron generalmente a los nuevos creadores facilitándoles sus instalaciones. Sinopsis: Un hombrecito enciende el televisor y hace un alucinado viaje por la vida de la ciudad de Santiago. M obtuvo el primer premio en el X Festival Franco Chileno de video-arte de 1990 y fue elegido para formar parte de la Selección oficial en el festival de Annecy, Francia, 1992, algo que en esa época y hasta hoy es muy difícil de alcanzar para un animador latinoamericano.

Fotogramas de M de Klaudia Kemper

M fue exhibido en 1991 en el VII Festival de Films et Videos de Femmes de Montreal, en el Stand de Chile en la Expo, en 1992 en el Festival de Video de Sao Paulo, en 1993 en el Museum of Modern Art MoMA de New York, en el Latina Contemporary Museum of Sydney 1993, en el Festival Internacional de Biarritz 1995, en el Panorama del Video de Creación en América Latina. También se exhibió en el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. Fue trasmitido por el Canal La Sept de Francia, por el Canal 13 de Alemania, canal 5, canal 7, y canal 9 de Chile.

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Vivienne Barry

NOSTALGIAS DE DRESDEN En 1991, Vivienne Barry realiza su primer cortometraje de autor llamado Nostalgias de Dresden, un dibujo animado sobre papel blanco dedicado a la caída del muro de Berlín con dibujos de la artista chilena Francisca de Iriarte. Esta obra de 2 minutos de duración fue filmada en cine 35 mm., color, en los estudios de Cineanimadores y estrenada en el Festival de Cine de Viña del Mar 1992. Resultó ser el primer corto chileno en Selección Oficial del festival de Clermont Ferrand Francia y el canal La Sept arte de Francia la compró para incluirla en su programación. Dio la vuelta al mundo en la exposición que organizó el Instituto Goethe en honor al aniversario de la caída del Muro de Berlín. La música es del excéntrico cantante alemán de performances, Klaus Nomi. Sonido óptico. Sinopsis: Un hombre es torturado por los cuatro puntos cardinales que lo encierran en un cuadrado y lo estiran hasta hacerlo desaparecer. Pero también desaparece el cuadrado que se transforma en una línea divisoria que se esfuma. Sin embargo, el ciclo vuelve a comenzar.

Nostalgias de Dresden de Vivienne Barry

LO INEVITABLE Y UN VIAJE NO MUY TÍPICO En 1993, Victor Barrera Fuentes realiza Lo inevitable, de 30 segundos en formato. VHS, color. Se trata de una historia de encuentro, transformación, amor y muerte. Luego anima otro cortometraje llamado Un viaje no muy típico (1993).


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DERIVA Luego, en 1994, Vivienne Barry realiza el corto Deriva, financiado por el Fondart y por el canal de televisión francés Arte. Una obra de seis minutos de duración, realizada en cine 35 mm, en técnica de papeles recortados. El personaje es una fotografía blanco y negro de una pequeña niña que va creciendo a lo largo de la película, y los fondos son fotocopias coloreadas a tinta. El diseño de arte estuvo a cargo de Francisca Rivera y la música fue compuesta por Alejandro Lazo. La cámara es de Olga Núñez.

Deriva de Vivienne Barry

Sinopsis: Una pequeña niña sueña con distintas etapas por las cuales irá pasando a través de su vida, representadas por trajes de papeles recortables: el encuentro con la naturaleza, los roles impuestos por la sociedad, la caída y el renacimiento. Deriva se estrenó en el cine arte Normandie con la asistencia de la pequeña Camila Reyes, personaje principal del filme fotografiada en blanco y negro. El filme fue seleccionado en muchos festivales y muestras internacionales y nacionales como “Silence elles tournent” de Canadá, Festival

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Vivienne Barry

del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Cuba, Festival de Cine Latinoamericano de Trieste, Italia, Festival de Cine Latinoamericano de Marsella, Francia, Festival de Cine Infantil de Mar del Plata, Argentina, festival de Cine de Valdivia y de Viña del Mar, Festivales de cine de Antofagasta, Caldera, Rengo y Lebu, posteriormente.

CORTOMETRAJES BASADOS EN LEYENDAS CHILENAS Pamela Schulz, y Celso Valdés realizan en esos años dos cortometrajes de animación llamados El Colocolo y El trauco. El primero, de cinco minutos de duración, es una leyenda chilena sobre un ratón monstruoso que se alimenta de la saliva de las personas que duermen con la boca abierta, y el segundo, de diez minutos de duración, es la historia de un personaje mítico de Chiloé, que seduce a jóvenes bellas para intentar poseerlas. El Colocolo ganó el 2ºLugar en el XVIII Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano, en la Habana, Cuba, en 1995.

LA LLEGADA DE TOMÁS WELSS En 1993, regresa a nuestro país el chileno, Tomás Welss, quien se había titulado como Diseñador Gráfico en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, y luego viajó a Alemania donde cursó estudios de Diseño en la Especialidad de Cine de Animación en la Academia Estatal de Bellas Artes de Stuttgart.

Tomás Welss Durante su estadía fuera de Chile, había realizado sus primeros trabajos animados mientras aprendía animación. Todos trabajos en la técnica de dibujos a mano sobre papel. Estos eran: El Paraguas de 1985, filmado en 16 mm., color, con una duración de tres minutos, y sin sonido. Sinopsis: Una mujer se pasea con su paraguas multicolor que se destiñe en la lluvia. Ella desprecia su paraguas, a pesar de que, siendo viejo y feo, no está muerto. Otra mujer que observa desde lejos, lo recoge, rescata y sigue feliz su camino.


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Circo de 1987, también filmado en cine 16mm, color, de cuatro minutos de duración, con sonido magnético. Sinopsis: Un portal circense nos lleva a un mundo onírico de colores, payasos y trapecistas. Comienza un viaje entre el público y los artistas. Las figuras se funden, deambulan por el escenario y también se deja ver la “otra” cara del circo. La máscaras de colores se diluyen y el trapecio se transforma en un trampolín al vacío. El público aplaude y los artistas agradecen. Tango Mortal de 1988, filmado en cine 16mm, color, con cuatro minutos de duración y sonido magnético. Sinopsis: Una pareja se encuentra al compás de un ritmo tanguero. La música los lleva a viajar en un baile sin límite, mientras ella desaparece súbitamente para reaparecer luego con un tercero. Al detectar como prosigue la historia, nos damos cuenta que este tango era sólo para dos. La Caída de 1989, filmada en 16mm, color, de cuatro minutos de duración y sonido magnético. Sinopsis: Una multitud ansiosa provoca el nacimiento de un nuevo ser. Esa “cosa” cobra vida y se torna poderosa e independiente. Se mueve con luces propias e instaura su propio orden. Comienza una lucha de poderes con un contrincante similar, sin que nadie resulte vencedor. El fruto de esos dos seres cumplirá el ciclo. La exhibición en Chile de los primeros trabajos de Tomás Welss produjo mucha admiración por el tipo de dibujo muy personal y su técnica de animación de colores vibrantes que se usaba en esa época en el extranjero, pero no era conocido en Chile.

REUNIÓN En 1995, Tomás Welss termina en Chile su corto Reunión el que había comenzado a realizar en 1994. Es una obra de diez minutos, filmada en cine 35mm., color. Sinopsis: Una reunión eminentemente intelectual, en la que cuatro personajes, reunidos en torno a una mesa, intentan comunicarse, superando el desorden y la falta de cordura. La reunión intenta mantener su curso aunque es interrumpida una y otra vez. La amenaza es interna y externa, y la reunión pierde concentración. El mundo exterior y la fuerza de la naturaleza son más fuertes que la razón humana. Los personajes sucumben antes sus temores, pasiones y deseos. El ritmo de la reunión cambia y la historia se deja llevar por un final amistoso y feliz.

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Reunión de Tomás Welss Reunión es un ataque frontal contra el mundo de las agencias de publicidad en un tiempo en que Tomás Welss intentó trabajar en ese medio ya que la mayoría de los cineastas debían ganarse la vida de ese modo. El primer cortometraje que Tomás Welss realiza en Chile lo da a conocer en nuestro país y cautiva a muchísimos seguidores. Reunión obtuvo el segundo premio de animación en el Festival de Cortometrajes de Santiago, 1995, y fue exhibido con el filme Tierra y libertad del británico Ken Loach en el Centro Cultural Alameda, lo que fue un acierto, ya que, en esa época los cortometrajes animados no tenían instancias donde darse a conocer, cosa que ocurre en gran medida hasta el presente.

Fotograma de Reunión


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SEGUNDO INTENTO DE FESTIVAL DE ANIMACIÓN EN CHILE En noviembre 1995, se hace un nuevo intento de Festival de Animación en nuestro país. Este evento se llamó “Animas Chile, Primera muestra de Cine, Video, y computación animadas”. Su director fue Gonzalo Rainieri y el evento se realizó en el Cine Arte Alameda. Estuvo auspiciado, entre otros, por la Zona de Contacto de “El Mercurio” y se presentaron ochenta obras, chilenas y holandesas. Participaron, entre otros, Cineanimadores con comerciales, series de televisión y proyectos en progreso; Pamela Schulz, Henzo Lafuente y Celso Valdés con una serie de programas de cinco minutos llamada Leyendas de América; Tomás Welss con Reunión, Juan Miguel Faundez con El conserje y Vivienne Barry con Deriva, Nostalgias de Dresden y comerciales.

NOCHE Luego Tomás Welss estrenó, en 1998, su cortometraje Noche en el cual venía trabajando desde 1997. Lo filmó en cine 35 mm., color, con una duración de quince minutos. Sinopsis: el encuentro entre un hombre y una mujer en la impunidad de la noche, la que permite todo lo que la luz inhibe y contrae.

Fotogramas de Noche de Tomás Welss

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Vivienne Barry

Noche obtuvo el premio al mejor filme de animación, el premio a la mejor banda sonora, el premio especial del jurado interacción cultural Ruy Guerra, en el 2° Festival de cine y video de Curitiba, 1998, Brasil. Luego el Premio al mejor filme latino en el Festival de Cine de San Luis de Maranhao, Brasil, y el premio a la mejor animación en FICS, Festival de Cortos de Santiago Chile. El Premio al mejor corto de animación en el Festival de Cine de Viña del Mar, 1998, el premio a la mejor animación en el Festival de Cortometrajes Arcos, 1998 Chile, y una mención honrosa en el Festival y Jornadas Internacionales de Cine, en Salvador de Bahía, 1998, Brasil.

LA SALSA En 1998, Vivienne Barry realiza su tercer cortometraje llamado La Salsa de diez minutos de duración, filmado en cine 16 mm, color, en técnica stop motion. Los personajes son muñecos animados cuadro a cuadro. Marcelo Flores, diseñador, y audiovisualista fue co-autor del guión y diseñador de los personajes. La fotografía estuvo a cargo de Germán Liñero y en el arte participaron alumnos de Vivienne Barry. Esta obra fue financiada por el Fondart 1998.

Vivienne Barry animando escenas de La Salsa Sinopsis: Un día, decidido a cambiar su vida, Maximiliano Rigoberto parte de Reloncaví con destino al Caribe. Por el camino recoge a sus amigos “salseros” y juntos cruzan la cordillera en busca de nuevos destinos. Una vez en Centroamérica, forman una banda de salsa y tocan en un local nocturno. De repente aparece en el público Perla Juana, un viejo amor de juventud. Maximiliano y Perla bailan “hasta que las velas no arden” al compás de “Devórame otra vez” de Palmer Hernández, mientras el público se deleita y la mascota de Perla, una iguana, se pone celosa.


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La Salsa de Vivienne Barry La Salsa se estrenó en mayo de 1999 en el cine arte Lo Castillo con una exposición de los muñecos y decorados de la obra. Fue pensada como la primera parte de una serie de animaciones con música de salsa que no se llegó a producir por falta de recursos. La Salsa fue incluída en la selección oficial de numerosos festivales internacionales como Animamundi, Divercine, Animadrid, Chulpicine, Festival del Cine Latinoamericano de Trieste, Festival Nueva Mirada de Argentina, Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, entre muchos otros. En 1999, ganó el premio a la mejor animación nacional en el Festival de Cortometrajes Arcos paralelamente a la obra Ava realizada en animación 3D, por Rodrigo Acuña quien en la actualidad tiene una empresa de efectos digitales en la quinta región y prepara un largometraje en esta técnica.

MALA HIERBA NUNCA MUERE En 1998, André Salva, ex alumno de Tomás Welss, en sus primeros intentos, realiza un cortometraje llamado Mala hierba nunca muere, de tres minutos de duración en dibujos animados.

Mala hierba nunca muere de André Salva

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Vivienne Barry

Sinopsis: Un terrorífico monstruo ataca la ciudad, destruyendo todo a su paso y nuestro héroe tendrá que detenerlo, gracias a sus increíbles poderes.

LINKS Klaudia Kemper, después de una estadía de varios años en Francia durante la cual estudió Bellas Artes en la Universidad de Saint Charles, La Sorbonne estrenó en Chile, el año 1999, su segundo cortometraje llamado Links. Esta vez Klaudia Kemper incursionó en el video digital junto a Víctor Hugo Bravo. Comenzó la producción de este filme en París en 1998 y lo terminó en Chile. El corto fue apoyado por el Fondart 1999.

Klaudia Kemper Links obtuvo el primer premio en la categoría Animación en el Festival de Cine de Viña del Mar, 2000 y fue presentado en diversos festivales y muestras de cine tanto en Chile como en el extranjero, tales como Animamundi en Brasil. Actualmente, Klaudia Kemper desarrolla su trabajo artístico prioritariamente en el área del video instalación junto con proyectos curatoriales de arte contemporáneo. Además, se desempeña como docente en las carreras de Arte y Diseño. Desarrolla el video arte y la animación experimental, participa en muestras y bienales nacionales e internacionales. En su larga y exitosa carrera ha realizado muchas exposiciones individuales tales como: Baby Blue Pintura, en la Galería Nesle de París, Francia, y Pinturas, en el Espace Gít-le Coeur, París, Francia (1997), Cuerpo, Video instalación en la Galería Animal Santiago, Chile (2005), entre otras. Ha participado igualmente en varias exposiciones colectivas, entre las últimas: Periférica, en la I Feria de Arte Contemporáneo Independiente,


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Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina (2005), Electronic Art Meeting Pescara, Italy, VI Salón y Coloquio Internacional de Arte Digital Habana, Cuba; y The International Festival of NewFilm, New Media Split, Croatia (2004).

CIRO NORTE A fines de los años 90, Erich Breuer, egresado de la carrera de cine, gana un Fondart, compra una cámara de cine 35 mm., con motor cuadro a cuadro, y se instala en el balneario de Los Vilos durante muchos meses durante los cuales realiza un filme animado en técnica de stopmotion. Con guión de Axel Jodorowsky y Erich Breuer, nace Ciro Norte un interesante cortometraje de diecisiete minutos de duración de corte surrealista, en el que actúa nada menos que Natassja Kinski que viene a instalarse a Chile por unos meses en la localidad de Los Vilos. Erich Breuer animó objetos, moluscos y otros hallazgos que encontró en la arena de la playa. El filme tiene partes en vivo y otras en animación.

Ciro Norte de Erich Breuer Sinopsis: En una extraña y oscura ciudad habita un científico llamado Ciro Norte. Como todo visionario, se encuentra inserto en una búsqueda que está seguro lo llevará a encontrar una verdad que considera trascendental para entender el mundo en el que vive. El cortometraje es realizado por Bandera Productions, con música original de Memo Romero y fotografía de Pol Lujan. Destacan las actuaciones de Nastassja Kinski, y Axel Jodorowski. Esta película es parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderna de New York (MOMA).

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Vivienne Barry

LORDS OF SIPAN En 1999, Erwin Gómez, llamado cariñosamente Wilo, termina su primer cortometraje llamado Lords of Sipan realizado en forma digital con una estética experimental 3D y de tres minutos de duración. Sinopsis: Un filme basado en las historias narradas por la iconografía de las vasijas de arcilla petenecientes a la cultura Mochica que habitó el valle del Moche, al norte de Perú, entre el siglo primero y octavo de nuestra era.

Lords of Sipan de Erwin Gómez

Lords of Sipan es presentado en Animamundi 1999, Brasil, en el VEAF (Vancouver Effects and animation Festival de Canadá), en Siggraph 1999 de Los Angeles, USA, en FICS Festival Internacional de Cortometrajes de Santiago, Chile, en Antimatter Festival of Underground Short Film & Video de Canadá, en las Rencontres Internationales du Cinéma d’ Animation de Wissembourg, Francia, en la Bienal de Video y Artes Electrónicas, Chile; en ANIMAC 99 de España, en Imagina, en The 14th Multimedia Grand Prix 1999, Japón, en The Fifth Annual Toronto Digital Image Festival; en el First Annual Ajijic Festival Internacional de Cine de México; en el Digital Catapult Film Festival Competition y en el 3er Latino Film Festival (USA), y recibe los Premios: “Especial Focus Award”, en el San Antonio Underground Film Festival, Texas, USA, y la Especial mention, en The Japan Digital Animation Festival.

Animacion Magia en Movimiento[1]

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