UD 13 Arte del Siglo XIX.pdf

Unidad 13 rte del Siglo XIX I. LA ARQUITECTURA EN EL S. XIX 1.1. Corrientes del S. XIX 1.2. El modernismo II. LA PINTURA EN EL S. XIX 2.1. El Romanticismo 2.2. El Realismo 2.3. El Impresionismo 2.4. El Postimpresionismo III. LA ESCULTURA ESCULTURA IMPRESIONISTA IMPRES IONISTA 3.1. Rodin

I. LA ARQUITECTURA DEL S. XIX 1.1. Corrientes del S. XIX La Revolución Industrial generaría una nueva sociedad y por tanto una nueva mentalidad para el arte. Gracias a la Revolución Industrial van a ir apareciendo nuevos materiales y con ellos una renovación total del arte. La arquitectura al servirse de ellos va a evolucionar hacia una "arquitectura-ingeniería" que con un sentido práctico y funcional terminaría por imponerse en el XX. Como causas de este nuevo tipo de corrientes arquitectónicas tenemos las siguientes: a) La misma Revolución Industrial (hierro, acero, aluminio, etc). b) El Romanticismo que alza su voz contra el academicismo neoclásico y propugna la vuelta a la Edad Media, con lo que el gótico, mudéjar, románico y bizantino vuelven a ser motivo de inspiración. c) El Imperialismo. El contacto con las colonias además de su explotación contagió a la cultura occidental de un gusto especial por ambientes exóticos (hindúes, chinos, árabes, etc). d) Las nuevas necesidades de la sociedad industrial: estaciones, puentes, bibliotecas, museos, invernaderos etc. e) Los nuevos materiales ya comentados como el hierro, el cemento y el vidrio. Corrientes del XIX: A) Historicista, Romántica o Neogótica. B) La pervivencia de Roma: Neoclásica, Neobarroco y Neorrenacimiento. C) La arquitectura de la Revolución Industrial o del Hierro. D) La Escuela de Chicago. E) Modernismo. Juan Francisco Lerma Moreno

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Hª del Arte 2º Bachillerato

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A) Historicista. Arquitectura romántica o de revival. En realidad la arquitectura historicista evoca cualquier estilo medieval: gótico, románico, mudejar, etc , pero es el gótico el que más trascendencia tuvo. Inglaterra, Alemania y Francia son los principales países que desarrollan esta tendencia. Uno de los TEÓRICOS más significativos del neogótico es John Ruskin que en su libro "Las piedras de Venecia" sueña con un mundo hermoso, en el que ni el paisaje ni la vida humana sean degradados por las maquinas de la Revolución Industrial. Rechaza las obras utilitarias como estaciones o puentes. Para él, el edificio más noble será el que permita a un ojo inteligente ver los grandes secretos de la estructura, o sea, construir con mentalidad moderna y recubrir con gusto gótico, porque el fin de una catedral no es solamente proteger a la congregación religiosa que se reúne en ella, sino emocionarla. INGLATERRA INGLATERRA se se pone a la cabeza por el fuerte arraigo arraigo que el gótico tuvo en la Edad Media y porque se va a identificar identificar con los deseos de una clientela acomodada acomodada que vive de la industria y mantiene la ficción de una vida pura, habitando en casas de campo como las de ls siglos XIII y XIV. Como una de las mejores muestras de lo que significó el neogótico inglés tenemos El Parlamento de Londres de Carlos de Barry. También en Gran Bretaña el Neoindio es fruto de la aventura colonial y su ejemplo más representativo es el Pabellón de Brigton de John Nash. EN FRANCIA Eugene Viollet-le-Duc analiza matemáticamente la teoría constructiva gótica, a la que estima perfecta, y con un gran entusiasmo restaura las principales catedrales francesas, como Reims, o Notre Dame de París. Adaptó Adaptó el hierro a las estructuras góticas, por ello es un racionalista. Decía "hay que estudiar los monumentos del pasado, no para copiarlos, sino para deducir sus principios originales". ALEMANIA también se adhiere con fuerza al neogótico y es ahora cuando se termina definitivamente la Catedral de Colonia. EN ESPAÑA ESPAÑA el historicismo medievalista se regionaliza. Así Asturias Asturias recupera el neorrománico en la Colegiata Aparici. En Cataluña Cataluña el neogótico neogótico lo podemos ver en la Universidad de Barcelona y en de Covadonga Covadonga de Federico Aparici. la terminación de la Catedral Catedral de Barcelona Barcelona por Forst. Pero será el mudéjar el estilo que mejor defina el historicismo español, reflejándose en todo el territorio nacional a través de las plazas de toros (como Las Ventas en Madrid) y de las estaciones de ferrocarril (como la de Toledo) destacando en ellas el uso del ladrillo y la decoración de arcos califales y paños de sebka almohades. Para terminar se podría decir que hay como una especialización y selección de los estilos "neos" para los edificios: neogótico para las iglesias, neoclásico para los edificios de carácter público, neorromano para la banca, neoturco para los cafés, neobarroco para los edificios de espectáculos, etc.

B) La pervivencia de Roma: Neoclásico, Neorrenacimiento y Neobarroco. Lo mismo que existen corrientes renovadoras, existe una arquitectura fiel al pasado clásico con mucho arraigo en los países mediterráneos. Igualmente hay que decir que la arquitectura historicista arraigó más en la Europa del norte. Lo más curioso es que junto a estructuras totalmente clásicas: frontones, columnas, decoración, etc. aparecen motivos decorativos en los que se mezclan ya los nuevos materiales: hierro fundamentalmente. Dentro de esta tendencia destacaremos como más significativas las siguientes obras: Granier. (Neobarroco). Teatro de la Opera de París de Carlos Granier. Monumento a Victor Manuel II en Roma de G. Sacconi (Neoclásico).

C) La arquitectura de la Revolución Industrial: el hierro y los nuevos materiales. Con la Revolución Industrial la población aumenta, las ciudades crecen y las exigencias de intercambio comercial propiciarán el rápido desarrollo de las vías de comunicación, construyéndose líneas ferroviarias, puentes, túneles y estaciones. La transformación de la arquitectura se deberá más a las innovaciones técnicas que a una nueva aplicación de los elementos arquitectónicos. Los nuevos materiales como el hierro o el hormigón armado, nacidos de la Revolución Industrial, facilitaron este proceso. A través del colado, se obtenían grandes piezas de gran formato, que resultaban más económicas que el hierro puro, pudiendo ser al mismo tiempo modeladas. De esta forma, los materiales de fundición invaden la construcción, tanto en forma de columnas (en el caso de los pabellones y fábricas) como de arcos (en el caso de los Juan Francisco Lerma Moreno

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puentes). Al asociarse el pilar con la vigueta de hierro la arquitectura se transforma y comienza a ganar altura. El empleo masivo del hierro ofrece el inconveniente de su dilatación, para evitarlo se crea el hormigón armado, material moderno por excelencia. Con el encofrado se obtendrá la forma que se desee. El encofrado se forma mediante una red metálica que queda envuelta por una masa de hormigón compuesto por agua, arena, grava y cemento. Esa masa fragua, y el hormigón y el hierro se dilatan en la misma medida evitándose así fisuras. Al hierro y al hormigón se le suma un nuevo material: el cristal, masivamente utilizado en invernaderos, exposiciones, museos, etc. Dentro de esta tipología de arquitectura debemos destacar como principales construcciones: - Puentes: El Coak Brookdale es el primer ejemplo de la arquitectura funcional con los nuevos materiales. Estas construcciones fueron haciéndose cada vez más complejas hasta culminar en modernas estructuras colgantes, como el Manai Bridge y el puente Tournion sobre el Ródano. - Exposiciones Universales: A lo largo del S. XIX las exposiciones son acontecimientos públicos concebidos como un escaparate para conocer los adelantos de la industria, el comercio y las Artes. Desde 1851 se institucionalizaron como un acontecimiento periódico que se prolonga hasta nuestros días. Fueron un instrumento de prestigio de la nación organizadora. Por eso, los pabellones se construyen con los medios técnicos más avanzados, preocupándose los ingenieros tanto por la función como por la belleza de los mismos. La brevedad de las exposiciones y la necesidad de su demolición será una de las características, por ello era conveniente montar los pabellones con piezas que al terminar la exposición pudieran ser almacenadas y utilizadas en posteriores exposiciones. Destacaremos: - La Exposición de Londres de 1851, en la que Joseph Paston destacó construyendo el Palacio de Exposiciones de Cristal como si fuera un gran invernadero. - En la Exposición de París de 1889 destaco la Galería de las Máquinas, que sorprende por sus dimensiones, con una increíble anchura que se obtiene con un solo arco consumido por dos medias parábolas articuladas en su unión que consiguieron la mayor luz conseguida hasta entonces; y la Torre de Gustave Gustave Eiffel Eiffel, mucho más controvertida, criticada por la mayoría de sus contemporáneos y más tarde admirada hasta el punto de convertirse en símbolo de París con sus 300 metros de altura. Con ella su autor acabó demastrando que el Arte no era destruido por la técnica, sino que la técnica ofrecía nuevos recursos para el desarrollo del Arte. - Otros edificios: Nacional de París de Henri Labrouste (conciliación de nuevo de técnica (hierro - Bibliotecas: como la Nacional y vidrio con un evidente neorrenacimiento). - Mercados: con forjados de hierro, cubiertas de metal y cristal, como el de Les Halles de París. - Estaciones de ferrocarril, como la madrileña de Atocha. - Plazas de toros. - Palacios de cristal, como el del Retiro de Madrid, diseñado por Velázquez Bosco.

D) La escuela de Chicago. En América surge una arquitectura totalmente liberada de añoranzas del pasado. Una arquitectura totalmente funcional y práctica en la que los edificios pueden diseñarse según las necesidades concretas del presente y en la que los nuevos materiales: el hormigón, el hierro y el vidrio están presentes. En Chicago se va a formar de 1870 a 1900, la escuela arquitectónica americana más importante. Después del incendio de 1871 la ciudad queda prácticamente destruida y hay que reconstruirla y los arquitectos tendrán que recurrir a técnicas empleadas por los constructores de puentes y estaciones. La especulación del suelo obliga a edificar en "altura", creando un nuevo tipo de edificio: el rascacielos. Los factores que lo hicieron posible fueron: - La necesidad de aprovechar al máximo los solares - El invento del ascensor. - La utilización de armaduras metálicas, que permitían superponer pisos reduciendo la construcción a un problema d estructura y revestimiento. revestimiento. - La eliminación de la madera, para evitar posibles incendios, revistiendo con cerámica las columnas de hierro colado. Juan Francisco Lerma Moreno

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- La incorporación de grandes ventanales apaisados a las fachadas, dotándolas de gran ligereza y luminosidad. Los principales representantes de la Escuela de Chicago son WILLIAM LE BARON JENNY y LOUIS SULLIVAN SULLIVAN estrechamente vinculados a las sociedades inmobiliarias que especulan sobre los solares vacantes. Sus edificios se reducen a un armazón metálico, compuesto por pilares y viguetas, que permite abrir grandes ventanas apaisadas en el exterior. La distribución es siempre idéntica: locales comerciales en los bajos, oficinas en los pisos y servicios en la planta alta. En 1889 Sullivan construía los Almacenes Carson en Chicago, un edificio profético de diez pisos, que anticipaba "el sueño americano"

1.2. El modernismo Se trata de un movimiento artístico que se difunde nor Europa desde 1880 a 1920, si bien su momento de máximo auge hay que situarlo en la década de 1890. Modernismo en España, Art Tiene un marcado carácter internacional y se conoce con diferentes nombres: Modernismo Nouveau Nouveau en Bélgica, Liberty en Italia, Jugendstil Jugendstil en en Alemenia, Secesión vienesa en Austria, etc. Tiene como precedente la corriente inglesa que representa William Morris y sus Arts and Carfts que preconizaban una vuelta a un arte más humano, a las raíces poulares y artesanía frente a la prefabricación y estandarización industrial. Ideológicamente conecta con el simbolismo por su exotismo, con los medievalismos por su antimecanicismo y anticlasicismo y con el eclecticismo por su idea de fusión de las artes. Es un arte promovido por la aristocracia adinerada y por una burguesía progresista, rara vez lo vemos como un arte de promoción oficial y desde luego no comprendido por el gran público que lo consideran altamente snob e inaccesible. Características. - Estética e iconografía propia dotada de una gran fantasía, misteriosa y cambiante que se inspira en la naturaleza (nenúfares, pavos realeas libélulas, dragones, aves, plantas de tallo largo y ondulado y hasta un cierto tipo femenino de largas cabelleras, hadas misterioasa y eróticas). - Triunfo de la línea curva en general (famoso golpe de látigo de Van der Velde), aunque tampoco de desprecia la línea recta. - Empleo de la tecnología industrial, aunque se rechaza la prefabricación y la producción en serie dentro del más puro espíritu de Morris. - Los arquitectos son al mismo tiempo diseñadores de todos los objetos necesarios para el hombre y la vida (muebles, tapices, joyas, vidrieras, lámparas, etc). - Se produce una renovación total del espacio interior, se pierde la clásica ortogonalidad al desaparecer los pasillos interiores. - Exteriores fundidos con la naturaleza por influencia japonesa y como un claro anticipo de lo que será la arquitectura orgánica. - Caracter revolucionario, los elementos estructurales quedan a la vista y funcionan como partes del sistema decorativo. - Asimetría. - El edificio se concibe como un ser vivo, suceptible de crecimiento. - Fantasía. Dentro del modernismo hay que resaltar dos corrientes: ORGANICA. Se inspira en la línea concavo-convexa, empleo de motivos históricos (Góticos) defendida por VICTOR HORTA, y VAN DER VELDE en Bélgica, HECTOR GUIMARD en París y GAUDÍ en España. ABSTRACTA Y GEOMÉTRICA, sin apenas ornamentación y de perfiles planos, que tiene en el inglés MACKITOSH MACKITOSH y en la Secesión vienesa sus principales representantes.

Juan Francisco Lerma Moreno

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A) El modernismo catalán Hay una serie de factores our propician este fuerte movimiento en Cataluña: - Una burguesía adinerada por la industria textil y el comercio. - Un movimiento cultural propio de carácter nacionalista: La Renaixença, de marcado carácter diferenciador del centralismo madrileño. - La búsqueda de un estilo propio que se apoyara en la tradición medieval autóctona aunque abierto al mundo y a las nuevas currientes. - Cataluña poseía unos grandes aires de modernidad como lo demuestra su remodelación urbanística (Plan Cerdá) y su capacidad para organizar su Exposición Universal de 1889. - Rica industria artesanal propia. Proliferación de talleres complementarios de fabricación de rejas, muebles, trancadis, vidrieras, etc. Podemos distinguir tres corrientes dentro del modernismo catalán: - Historicista. Ecléctica, representada por Puig i Cadafalch Montaner. - Arqueológica-racionalista muy en línea con la Secesión Vienesa, representada por Domenech i Montaner. - Simbolista, fantástica, orgánica y muy expresiva representada por Antoni Gaudí.

Antoni Gaudí. Posee un código artístico propio que podemos resumir asi: - Vinculación Vinculación a los estilos medievales: al Gótico por su flexibilidad, improvisación, sentido ondulado, por su personal sistema de empujes y bóvedas. Al Islámico por su exaltación del del color y de la azulejaría. - Preocupación por la luz, color y proporciones. - Fuerte inspiración en la naturaleza, que él recrea de forma geométrica dando lugar a sus peculiares formas helicoidales y parabólicas. - Fantasía desbordante que le lleva a la utilización de sus peculiares soportes en forma de tibias y sus fantasmagóricas cubiertas. - Utilización de material de desecho de la cerámica y de la escultura (TRENCADIS). - Misticismo y simbolismo. - Mecenazgo. Etapas de su obra. 1ª. Período de formación 1880-1890 . Premodernista. Se apoya en la historia, especialmente en el gótico y en el mudéjar. mudéjar. Es esta una etapa de fachadas planas y de recreo recreo en los materiales. Aparece algún arco parabólico. Las principales obras son: - Palacio arzobispal de Astorga. - Finca “El Capricho” de Comillas. - La casa de los Botines (León). - El Colegio Teresiano Teresiano (Barcelona). 2ª. Plenamente modernista 1900-1914. Es el momento de mayor fantasía, casi se podría hablar de un fuerte surrealismo y de una factura o textura arquitectónica expresionista. Empleo a fondo de su fantástica íconografía, renuncia total al historicismo. De esta etapa tenemos: - El Parque Guell. - La Pedrera o Casa Milá. - La Casa Batlló. 3ª. Dominado por el misticismo y el simbolismo 1914-1926 . Podemos estudiarlo a través de su obra inconclusa, La Sagrada Familia. Juan Francisco Lerma Moreno

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El Templo Expiatorio de la Sagrada Familia es la obra a la que dedicó más tiempo. Se hizo cargo de la dirección de las obras en 1883, y trabajó en ellas hasta su muerte, en 1926. Pretende que esta obra sea la manifestación de la arquitectura en el más alto grado de perfección moral y religiosa. Hombre apasionado de su profesión, al final de su vida este impulso se convirtió en misticismo. De tal modo le obsesionó este proyecto, que la muerte le sobrevino cuando tomaba apuntes del exterior de la obra, sin fijarse, ensimismado como estaba, en que pasaba un tranvía, que le atropelló. La obras del templo ya se habían inicado antes de que Gaudí se hiciera cargo de la construcción, con un estilo neogótico. Al hacerse cargo de las obras, Gaudí terminó la cripta (cuya construcción había sido comenzada un año antes según el proyecto gótico), si bien modificando los capiteles. También hizo una zanja alrededor de la cripta para darle luz. Después, Gaudí decide replantearse el proyecto para salvar lo que él llamaba "deficiencias del Gótico". Su mentalidad de arquitecto le hacía comprender que la solución del Gótico, a base de pilares verticales, muros rectos, arbotantes y pináculos, no era perfecta, entendiendo por perfecta su idea gaudiana de "adaptado a la naturaleza". Por todo ello, concibió el Templo de la Sagrada Familia como un conjunto de columnas arborescentes inclinadas, cuyas ramas sujetan un follaje de bóvedas parabólicas. Las columnas deben estar inclinadas, pues así reciben mejor las presiones perpendiculares; además, no existe peligro alguno, porque los esfuerzos se transmiten de forma helicoidal, como hacen en la naturaleza los troncos de los árboles. Las bóvedas son superficies hiperboloides, que tienen una abertura superior y permiten mayor entrada de luz en el templo. Este esquema estructural va acompañado de un profundo sentido litúrgico, y cada piedra del templo adquiere significado religioso. Imaginó una iglesia de planta de cruz latina partiendo de la cripta inicial. Sobre ésta, se instalaría el altar mayor, rodeado de siete capillas capill as absidiales, dedicadas a San José. En el exterior, las fachadas del Nacimiento (lado de la Epístola) y de la Pasión (lado del Evangelio) presentaban tres puertas que se corresponden con la fe, la esperanza esperanza y la caridad. Sigue, en sentido perpendicular, el cuerpo central del templo, con cinco naves y cerrado por el Portal de la Gloria, que no se llegó a realizar, y rematando las capillas circulares del Bautismo y la Penitencia. Las torres serían 18, cuatro encima de cada fachada, que harán un total de 12, dedicadas a los 12 apóstoles; en el centro de la iglesia, el cimborrio dedicado a Jesucristo; detrás, el cimborrio de la Virgen y alrededor de la torre central otras cuatro, las de los evangelistas. Amplias escalinatas llevan a cada puerta; la más monumental, la del Portal de la Gloria, tendría en el rellano un surtidor de agua como símbolo de los elementos de la naturaleza, siempre presentes. Gaudí solo llegó a realizar la fachada del Nacimiento. Posteriormente, en los años 80, se construyó la fachada de la Pasión. Desde finales del S.XX las obras continúan ininterrumpidamente debido a la gran expectación nacional e internacional de este templo, se que ha convertido en el edificio religioso más visitado de España. B) El modernismo en Bélgica. Víctor Horta y Van de Velde. Este pequeño país, muy industrializado, poseía una franja social relativamente amplia con gran desarrollo de la burguesía que permitió a Bruselas convertirse en centro del arte contemporáneo entre 1800 y 1890. A ello contribuyeron la celebración de las exposiciones de Van Van Gogh y Cezanne, los conciertos de Wagner y Debussy, Debussy, y la obra de dos arquitectos: Víctor van Horta y Henry van de Velde. Velde. VÍCTOR VAN HORTA (1861-1947): fue uno de los primeros en adquirir conciencia de las posibilidades del hierro como elemento decorativo, obligando a los elementos estructurales a curvarse como tallos vegetales y ondas marinas. La aplicación de este material, tanto a las estructuras como a la decoración, permite que en los edificios de Horta se perciba una doble función constructiva y poética, dando la sensación de que se apoya en su propio propósito polémico de inventar un nuevo estilo como alternativa de los historicismos, que vigila su lenguaje con severidad inflexible, para que no tenga efectos y cada elemento coincida con otro puntualmente. La casa Tassel de Bruselas es un auténtico manifiesto del estilo de Horta por varias razones: libertad de distribución, rechazando pasillos y habitaciones en filas; primacía del hierro y de la línea curva, tanto en fachadas como en ornamentos. El hecho de que el hierro se vea añade expresión a lo que sólo era estructura. Los soportes metálicos también están a la vista y, de este modo, el espacio se hace más abierto y fluido, gracias a la delgadez de los fustes de la columnas, sus incursiones por el techo y el descenso por la escalera, como si se tratase de una enredadera. Horta estaba muy interesado por el mundo vegetal, la estructura de las plantas y su lógica constructiva, y este hecho lo traslada a la decoración, no como una copia literal, sino a modo de inspiración, de movimiento flexible. Juan Francisco Lerma Moreno

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II. LA PINTURA DEL S. XIX 2.1. El Romanticismo Con la caída de Napoleón y la consolidación de los regímenes políticos de la Restauración nace un movimiento, el Romanticismo, como movimiento cultural que se convierte en bandera de las jóvenes generaciones que aspiran a encarnar en la política, en la filosofia, en la literatura y en el arte los principios revolucionrios que con la Restauración quedan momentáneamente soterrados. - El Romanticismo como movimiento artístico artí stico presenta las siguientes características: - Libertad. - Individualismo. Conversión de la intimidad en tema. - Presentación subjetiva del paisaje. - Exaltación del pueblo. - Gusto por los temas de historia viva, la historia sin emoción está muerta. - Nueva relación arte-sociedad. El artista deja de ser usado por el poder, esto favorece su esfuerzo para emanciparse de las direcciones académicas. Características de la pintura Romántica. La pintura romántica rechaza los convencionalismos neoclásicos y saltando sobre ellos enlaza con los valores de la pintura barroca.cLas principales características se pueden resumir de la siguiente forma: - Recuperación e importancia del color en detrimento del dibujo neoclásico. - Intensidad luminosa, luces violentas, poco naturales. - Composiciones dinámicas, posiciones convulsas, escorzos violentos. - Culto al paisaje, el paisaje se toma como recurso para desplegar colores luminosos, nubes eléctricas, etc. - Los temas preferidos son los de las revoluciones políticas o los desastres que señalan un enfrentamiento fatalista con la naturaleza (La balsa de la Medusa de Gericault). También son frecuentes las ruinas de iglesias con cierta interpretación alusiva a la decadencia de la fe católica o los cementerios, como indicador de la obsesión por la muerte, la melancolía y la soledad. - Aunque es en Francia donde este movimiento va a tener una mayor trascendencia a nivel europeo podemosa destacar otros focos focos como Inglaterra y Francia: EN INGLATERRA, libre de reivindicaciones de tipo político con un régimen político bien asentado y envidiado hay una especial dedicación al paisaje, a las experimentaciones atmosféricas, efectos de luz, representaciones de una naturaleza tempestuosa como podemos ver en CONSTABLE CONSTABLE y TURNER. EN ALEMANIA, FRIEDRICH, muestra sus especialísimos paisajes de cordilleras, acantilados y lagos nórdicos contemplados por personajes de espaldas al espectador. EN FRANCIA destacan destac an GERICAULT GERICAULT y DELACROIX

A) Gericault (1791-1824) Es el símbolo más claro del nuevo estilo: La ruptura con los modelos oficiales del clasicismo, la predilección por los contrastes acusados de luz y sombras, sombras, el compromiso histórico de tratar temas contemporáneos contemporáneos (La Balsa de la Medusa) y la tendencia costumbrista relacionada con la plasmación de caballos en carreras célebres o derbys. Su cuadro manifiesto es La Balsa de la Medusa. El tema es un naufragio real: en 1816 la fragata Medusa naufragó durante su viaje a África. Se rompieron las cuerdas de una balsa que debía ser remolcada por los botes salvavidas. La balsa derivó durante quince días, en los que para sobrevivir los naúfragos se vieron en la necesidad de realizar practicas de canibalismo. Desde el punto de vista técnico Gericault no oculta su admiración por Rubens en su fogoso colorido y en los escorzos diagonales de los cuerpos que también nos recuerdan el juicio final de Miguel Ángel. La influencia de Juan Francisco Lerma Moreno

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Caravaggio también está presente en el fuerte claroscuro. Para realizar los bocetos preparatorios del cuadro Gericault se inspiró en personajes reales: locos, enfermos, ajusticiados, por ello las figuras resultan fuertemente expresivas.

A) Delacroix (1789-1863) Presenta influencias de Rubens y de los pintores venecianos por su sentido del color. Odiaba el gris considerándolo enemigo de la pintura. De Velásquez toma la pincelada suelta que anuncia el impresionismo. De David y Gericault toma el compromiso con la realidad y con los tema contemporáneos. Su paleta evoluciona desde los colores terrosos hasta los intensos y puros incluso termina exaltando los más potentes como el amarillo, rojo, naranja, azul, verde y amarillo verdoso. El color es para él una forma de subrayar los gestos y las composiciones. Su obra se puede catalogar del siguiente modo: - Obras de compromiso revolucionario: La Libertad guiando al pueblo. En esta obra está presente la influencia de Goya (La Carga de los Mamelucos o Los Fusilamientos). También su encendido cromatismo nos recuerda a Rubens. Este cuadro de luces violentas y gestos grandilocuentes se convierte en un "cuadro manifiesto del romanticismo" por ser la composición política de la pintura contemporánea que nos muestra el compromiso del artista, que incluso aparece autorretratado en el hombre del sombrero de copa. - Obras de denuncia: En La matanza de Scio trata la independencia de Grecia frente al imperio turco y quiere provocar el interés del espectador exponiéndole la masacre llevada a cabo por los turcos. La fascinación por los escorzos, el color, los caballos y el movimiento se hacen evidentes. - Obras de temas exóticos. En la Muerte de Sardanápalo muestra interés por el exotismo. Después de un viaje a Maruecos en 1832 comienza una etapa de temática oriental: bañistas, odaliscas, mujeres en general que le sirven para estudiar el cuerpo femenino y sus expresiones más dramáticas y tensas y para exaltar el color intenso y cálido al estilo de Rubens. - Obras de temas literarios. La Barca de Dante Dante fue el cuadro que junto con la Libertad guiando al pueblo desató su fama y motivó la opinión más apasionada de sus contemporáneos.

2.2. El Realismo Aparece como movimiento después de la revolución de 1848. Desde el punto de vista técnico la pintura asume y acentúa las grandes conquistas técnicas del Romanticismo. Características: - Utilización de técnicas de reproducción impresas de la imagen (litografía, xilografía y calcografía). - Toma Toma de partido por parte de los artistas de los problemas políticos y sociales de su tiempo, postura que les llevará a menudo a un compromiso político, a una militancia en el socialismo. - Frente al deseo de evasión del romanticismo se produce un apego a la realidad presente. - Frente a lo subjetivo (propio del romanticismo) se prefiere lo objetivo (propio del realismo). - Se produce un desdén por los temas religiosos, llegándose incluso a la sátira religiosa. - Los temas son menos heroicos y amables: campesinos, emigrantes, lavanderas, picapedreros o simples paisajes presentados de forma forma absolutamente realista. Las bases ideológicas de este movimiento son: el positivismo de Compte, el naturalismo de Emile Zola, el socialismo, la revolución tecnológica. EN FRANCIA destacan como grandes maestros del Realismo: MILLET, COURBET, COURBET, DAUMIER y MANET.

A) Millet (1814-1875) Pintor de sólida formación religiosa. Básicamente su temática es social: trabajadores agrícolas, labradores, espigadoras, etc. Millet fue acusado de idealizar la vida del campesino más quede ejercer una crítica social. Sus principales obras son: - El aventador. - El sembrador. Juan Francisco Lerma Moreno

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- Mujeres cargando leña. - El hombre de ala azada. - Los quemadores de rastrojos, etc. Sus figuras son robustas, poderosas, grandes. Hay quien ve en ellas cierta influencia de la corporeidad de Miguel Ángel. Todas ellas situadas en un primer plano, aisladas, resaltando sobre el fondo mediante simplificados volúmenes de gruesas pinceladas. Sus cuadros parecen armonías cromáticas terrosas, opacas. Van Gogh decía de ellas que parecían pintadas con la misma tierra que trabajaban. Seres envejecidos, cuarteados como la tierra. Su principal obra es El Ángelus que significa la reconciliación del hombre con la naturaleza. En medio del trabajo el campesino mira al cielo y se recoge para dar las gracias a Dios por el trabajo y el pan de cada día. Millet fue el único practicante religioso del grupo.

B) Courbet (1819-1877) Es el auténtico militante socialista del grupo. Educado en los ideales de la revolución su pintura provoca polémica por los temas elegidos: personajes personajes vulgares o simples pudeladores, pudeladores, picapedreros, etc. Montó una exposición paralela a la Exposición Universal de 1855 destacando entre todas sus obras presentadas El Taller en la que podemos ver claras influencias de Murillo en los personajes de la derecha del cuadro. En la misma parte derecha hay un retrato de Zola. En la parte izquierda las influencias vienen de Velásquez Velásquez como podemos ver hay una clara semejanza en el personaje con el perro con los cuadros de cazadores de Velásquez, de Ribera (En el Crucificado). También el cuadro presenta una alegoría al hambre de Irlanda (crisis de la patata) simbolizada en una mujer pobre sentada al lado del cuadro del pintor y su modelo. Pero sin duda es su obra más conocida El entierro en Ornans. De un formato excesivamente alargado. Reúne a todos los paisanos de un pueblo en torno a un entierro. Según el mismo decía "Todos querían salir en el cuadro" Podemos ver en este obra cierta repercusión del Greco por presentar toda una galería de personajes. Courbet llagó a ser Director de Bellas Artes durante la Comuna de París de 1871, al finalizar esta tuvo que exilarse. Además de El Taller y el Entierro en Ornans que son sin duda sus mejores obras destacaremos el intención, al plasmar un apunte de un picapedrero picapedrero en un camino, ninguna Picapedrero. Hay quien dice que no fue su intención, réplica social, sino que así se interpretó convirtiéndose en una proclama de la fatiga y el esfuerzo del obrero.

C) Daumier (1808-1879) Destaca especialmente en el campo de la litografia (grabado). Su principal actividad se centra en sus trabajos en prensa política. Son célebres sus caricaturas. Entre ellas destacaremos la titulada Gargantua, caricatura del rey Luis Felipe de Orleáns que le servirá para llevarlo a la cárcel. Sus dibujos son siempre proclamas a la libertad y a la justicia. Su sátira politica donde mejor se ve es en las litografias. En los óleos apenas asoma, solamente cuando refleja personajes relacionados con el mundo de la justicia. Excepto cuando imbuido de un cierto romanticismo plasma escenas del Quijote sus personajes personajes son siempre actuales: saltimbanquis, presos, mendigos. Otra de sus litografias más imortantes fue la conocida como "Vagón de tercera tercera". También ejerció la sátira religiosa en su Ecce-Homo.

D) Manet (1832-1883) Ejercerá de puente entre el Realismo y el Impresionismo. Suele vincularse a los orígenes de la pintura impresionista y volveremos a verlo en ese movimiento, sin embargo Manet es mucho más que eso, su figura es clave para el nacimiento de la pintura contemporánea al romper totalmente con la pintura anterior. El año 1863 presento al Salón el Almuerzo en el campo y pintó la Olimpia, cuadros que experimentan toda una revolución histórica. La acogida de la crítica fue de rechazo total e incluso de burla. Sus cuadros están llenos de grandes referencias a los maestros del pasado: Tiziano, Rafael. Velázquez y Goya. Lo que hace de la pintura de Manet algo tan nuevo es la suma de una serie de factores que afectan al color, el modelado, la perspectiva y el tema, que unidos dan como resultado una pintura nueva. Además de estas innovaciones hay que añadir una nueva forma de entender el desnudo que convirtió a sus obras en sinónimo de vulgaridad y hasta pornografia. La crítica estaba acostumbrada a una pintura académica plagada de desnudos femeninos, muchos de los cuales utilizaban el erotismo como modo de captar la atención del espectador. Ahora bien, los desnudos se justificaban por tratarse de escenas alegóricas o mitológicas. La novedad aportada por Manet consistió en desnudar a una joven cualquiera, una muchacha parisina de su momento. El tema carece para él de Juan Francisco Lerma Moreno

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importancia. Su pintura es pintura pura, ni siquiera tiene el elemento ideológico de Courbet. Por eso cuando expuso su Olimpia, maravilloso cuadro que sigue la tradición de Giorgione, Tiziano, Velásquez y Goya, el público no sabrá apreciar su fabulosa firmeza de dibujo, la delicadeza del modelado ni el colorido espectacular. La mirada directa de una prostituta era mucho más de lo que la sociedad del momento estaba dispuesta a tolerar. tolerar. El Almuerzo campestre muestra la combinación del clasicismo y la modernidad. Era evidente su inspiración en Giorgione y Tiziano. Sin embargo fue rechazado por la Academia y convertido en centro de todas las críticas. No se podía admitir una pintura sin modelado, en la que los cuerpos, los paños, las ramas de los árboles, etc. se resuelven mediante grandes pinceladas de colores planos. Además toda la escena está resuelta de una forma radicalmente nueva como una yuxtaposición de zonas claras y oscuras, y la profundidad se logra, del mismo modo que en la escenografia teatral, mediante bambalinas laterales.

2.3. El impresionismo 2.3.1. Origen del término El origen histórico del Impresionismo suele identificarse con la separación de un grupo de pintores (Monet, Renoir, Pisarro, Sisley y Cézanne, entre otros) quienes, hartos de verse excluidos sistemáticamente del arte oficial, organizaron una exposición paralela. Esta exposición, celebrada del 15 de abril al 15 de mayo de 1874, daría pie al crítico Louis Leroy para escribir, ridiculizando a Monet: “¿Impresión? Ya lo decía yo. Puesto que estoy tan impresionado, es que hay impresión... y ¡qué libertad, qué maestría en la técnica! El papel de la pared en estado embrionario está mejor pintado que esta pintura”. De este juego de palabras y de la obra de Monet “Impresión. Sol naciente”, nacería el término impresionista. Esta palabra, con el paso del tiempo, pasó a englobar a muchos artistas desiguales que tenían como preocupación fundamental cantar los valores de la luz y de la atmósfera en el paisaje. paisaje.

2.3.2. Circunstancias históricas En el último tercio del siglo XIX asistimos a un cambio histórico de trascendental importancia. El fracaso de la Comuna de París y de los brotes revolucionarios de 1830 y 1848 obligan a los diferentes gobiernos a elaborar programas de reforma educativa, seguros sociales, libertad de prensa, etc. Hay ciertos factores que conviene destacar: a) La generalización de la fotografía y la fijación del movimiento facilitada por el empleo de una película cada vez más sensible. b) El uso de la luz artificial, obtenida primero mediante la combustión del queroseno y, en las dos últimas décadas del siglo XIX, por la electricidad. A partir de ahora se exaltará más el papel de la luz y la búsqueda de un nuevo tipo de perspectiva. La luz será ahora domesticada por el pintor. c) La elaboración elaboración de un nuevo método de mirar y contemplar contemplar la obra de arte y la naturaleza. naturaleza. Cézanne Cézanne decía de Monet: No es más que un ojo, pero ¡qué ojo! Se busca lo fugaz, lo fluido, y la incidencia de la luz matiza o diluye la figura. d) La incomprensión social: recordaremos que el arte francés del siglo XIX está imbuido por el espíritu burgués y revolucionario. En 1863, cuando Manet expone su obra, “El desayuno en la hierba”, los sectores tradicionales y las clases consolidadas tras las revoluciones liberales se escandalizan. El fracaso se repetirá en las exposiciones de 1874 y 1877, cuando un crítico de Le Fígaro expresa: “Se ha inaugurado en casa de Durand-Ruel una exposición de pretendidas pinturas. El inocente visitante entra y se ve sorprendido por un cruel espectáculo... Estos presuntos artistas se llaman a sí mismos impresionistas”. Habrá que esperar a los primeros años del siglo XX, cuando los marchantes americanos compren cuadros impresionistas, para que esta pintura goce de éxito y de fama. No obstante, la voluntad de cambio de estos artistas generará una actitud de "rebeldía" que permanece hasta nuestros días.

2.3.3. Precedentes pictóricos Los precedentes a los que nos podemos remontar son: - La captación de la luz (que se proyecta, bien sobre el objeto, bien sobre la figura) se realiza mediante Juan Francisco Lerma Moreno

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toques fragmentados de color. Pueden hallarse indicios de semejante técnica en los venecianos del siglo XVI (Giorgione y Tiziano) o en Velázquez. Monet y Degas fueron asiduos visitantes de la galería española que Luis Felipe de Orleans había creado en el Louvre y El Prado (Degas lo visitó en 1865) para conocer la obra del pintor sevillano, que, según palabras de este último, es el pintor de los pintores. - Los paisajistas ingleses Constable y Turner recogen instantes lumínicos, disgregación de imágenes y vivencia personal de la naturaleza, lo cual les acerca a los pintores impresionistas. - El Realismo, en cuanto a la observación de los momentos del día, luces de los bosques y las llanuras, las salidas a pintar la naturaleza, para alguno de ellos, la naturaleza es el mejor de los consejeros. - El costumbrismo es un rasgo destacado en Manet, quien en ciertas de sus obras manifiesta técnica y estéticamente su deuda con Goya. - La estampa japonesa atrajo la atención de los artistas parisinos desde 1860, debido a su interés por los contornos vigorosos, las composicion oblicuas, las formas esquemáticas y la síntesis del color. Manet, Degas Toulouse Lautrec están entre sus admiradores. - La fotografía, en lo referente a la instantaneidad, pues permite detener imagen en momentos precisos. - La luz artificial , que condiciona la existencia de determinadas obras y composiciones. Los teatros teat ros de Degas y sus escenas de bailarinas son los ejemplos más claros.

2.3.4. Características técnicas Los impresionistas no son un grupo de artistas intuitivos, sino un conjunto de pintores con una técnica muy estudiada, fruto de la reflexión científica, a la que irán añadiendo rasgos de sus estilos individuales. Pero, de todas formas, reúnen una serie de características comunes: a) La teoría de los colores: los artistas del Impresionismo conocieron las teorías sobre la descomposición de la luz al pasar por un espacio prismático (Newton), pero les interesaron más los descubrimientos de Chevreul. Los puntos principales de su teoría teoría del color son: - Existencia de colores primarios: amarillo, rojo y azul, que, al superponerse, dan los colores complementarios (rojo más amarillo da naranja; rojo más azul, violeta; amarillo más azul, verde). - Ley de asociación: cuando se asocian dos colores primarios dan el complementario del tercero; así, por ejemplo, el naranja es el complementario del azul, ya que no lo lleva en su composición; el rojo, del verde, y el amarillo, del violeta. - Ley de los contrastes simultáneos: los colores difunden una orla de cromatismo complementario cuando se difuminan (el amarillo opuesto al rojo permite verdecer), lo cual ofrece al artista la posibilidad de obtener efectos de contraste. b) Las sombras coloreadas: si no existe el claroscuro, hay que transformar las sombras en espacios coloreados con los tonos complementarios para exaltarlos mutuamente: luz amarilla, sombra violeta; luz roja, sombra verde; luz azul, sombra anaranjada. c) Pincelada suelta: para plasmar las vibraciones de la atmósfera, todos los impresionistas coinciden en utilizar toques yuxtapuestos de colores claros, con poca materia y pinceles finos. d) El aire libre: los pintores huyen de los talleres y se trasladan al campo. En palabras de los impresionistas, “todo lo que se pinta directamente y en su mismo lugar tiene una fuerza y un vigor que jamás pueden lograrse en el taller; tres pinceladas del natural valen más que dos días de trabajo frente al caballete”. En este sentido, hay que mencionar que los impresionistas se vieron favorecidos por la fabricación de colores industriales de gran calidad y variedad que, junto con los lienzos y pinceles, podían adquirirse en tiendas especializadas y eran fácilmente transportables. Renoir llegó a decir que si no hubieran existido los tubos, los impresionistas no hubieran podido pintar del natural. e) La luz : el pintor dispone en su paleta de pigmentos que debe recomponer en función de la luz. Al enfrentarnos con un cuadro impresionista hay que dejar de pensar en la paleta y en los objetos y estudiar el color como una modalidad de la luz, y la pintura como un entretejido de tonalidades luminosas. Ya no hay claroscuro ni contrastes violentos. f) La contemporaneidad : ya hemos hablado del compromiso del artista que estuvo presente en el Romanticismo y en el Realismo. Sin embargo, el sentido es ahora diferente. La visión impresionista es una percepción optimista del mundo, de la sociedad y de la vida urbana parisina, presentada presentada en sus aspectos más gratos: Juan Francisco Lerma Moreno

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paseos, espectáculos y diversiones. Baudelaire, en 1846, manifestaba: “La vida parisiense es fecunda en temas poéticos y maravillosos. Lo maravilloso maravilloso nos envuelve y nutre como la atmósfera, pero no lo vemos”. g) La nueva relación entre los artistas: no se trata de un grupo de personalidades aisladas unidas por un afán de renovación, sino de amigos que luchaban por el triunfo de sus ideales estéticos. Dos de ellos, Monet y Renoir, acuden juntos a pintar en la Grenouillere, una islita del Sena. El café Guerbois de París fue otro de los lugares que sirvió de encuentro para los primeros pintores impresionistas (1866-1870). A las tertulias que allí se celebraban acudían asiduamente Monet, Sisley y Pissarro, junto a Manet y Zola. Este último se reveló en sus escritos de crítica de Arte como defensor del Impresionismo: “Admiro a Manet, (..) cuyo sitio está marcado en el Louvre como el de todo artista de temperamento fuerte y original”. Teniendo esto en cuenta, las principales características del Impresionismo se pueden resumir en: • Teoría de los colores descrita científicamente. • Pincelada suelta inspirada en Goya. • Interés por la luz que diluye las formas, aclara los colores, elimina el claroscuro y colorea las sombras. • Contacto directo con la naturaleza: se elimina la evocación sentimental y el compromiso realista, para retratar el medio ambiente visto por el ojo del pintor. • Temática variada: retrato, paisaje, regatas, escenas de la vida urbana. • El Impresionismo puede definirse como un sistema pictórico que reproduce la impresión tal y como ha sido percibida realmente.

2.3.5. Manet y Degas: La importancia del dibujo. Manet (1822-1883) Fue el iniciador del cambio con respecto a estilos anteriores. En palabras de Matisse: “Fue el primero que obró por reflejos reflejos y simplificó simplificó el oficio oficio de pintor, pintor, no expres expresando ando sino sino lo que impresio impresionaba naba inmedia inmediatamente tamente a sus sentidos”. sentidos”. La obra que marcó el inicio de la polémica sobre su pintura fue El desayuno desayuno en la hierba hierba. La primera idea de la composición surgió al contemplar unas bañistas en Argenteuil. La inspiración es veneciana (El Concierto, de Giorgione, y El juicio de Paris, de Rafael), pero los personajes son modernos. Presentada en el salón de 1863, fue rechazada por el jurado y, por tanto, expuesta en los Refusés (salón de los no admitidos). La característica fundamental de su estilo es la pincelada suelta de grueso trazo con la que dibuja y perfila. Progresivamente, y coincidiendo con la perturbación psicológica del artista, se volverá más quebrada y sinuosa, y sus colores más vivos e intensos, contribuyendo a crear líneas y sombras que hacen de su pintura un verdadero preámbulo del expresionismo del del siglo XX. Como pintor "clásico", recurre a temas del pasado: a las Venus helenísticas o las del Renacimiento (Giorgione, Tiziano), Tiziano), a la obra de Goya y hasta al Neoclasicismo (la Paulina Borghese, de Canova). En La Olimpia Manet representa a una Venus mundana cuya piel blanquecina forma armonías insólitas con los tonos claros del lecho, el almohadón, la cubierta y el abocetado ramo de flores de la mujer negra. Edgar Degas (1834-1917) Tuvo una formación académica que se traducirá en su pasión por el dibujo. A diferencia de Manet, pinta casi exclusivamente escenas, tipos y costumbres ciudadanas. No se apasiona con la luz natural, sino con la artificial, y muestra un sentido del espacio basado en el movimiento de las figuras y en encuadres que recuerdan la fotografía. Su método de trabajo consistía consistía en la construcción construcción equilibrada y estudiada de composición composición y colores. En El ajenjo (1876), la mujer sentada en el banco, inerte, contrasta con el hombre, en actitud indiferente. Los tonos de la figura femenina, femenina, claros, parten del ocre de la falda y llegan a la mancha blancuzca blancuzca del sombrero; los del hombre son oscuros, el blanco blanco del plano plano de de la mesa mesa acentú acentúaa los los tono tonoss de de su traje traje y las zon zonas as de penu penumbra mbra sobre sobre los vasos vasos y la botella. botella. Los temas preferidos por el autor son: - Los caballos, las únicas composiciones que Degas realizó al aire libre, a semejanza de Gericault. - Mujeres del pueblo , planchadoras y sombrereras, muestra de su acercamiento a la realidad más cotidiana y festiva, como hará también Renoir. - Las bailarinas: el baile le permitía, mejor que otros temas, descomponer el movimiento, examinar todas las posturas de las muchachas, bien como espectador tras los bastidores, bien desde el foso de la orquesta o como Juan Francisco Lerma Moreno

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espectador de los ensayos. Fruto de esta observación es la captación que hace el artista de ademanes y gestos momentáneos, todos propios de la fotografía. - Los desnudos : además de por la amplitud temática, destaca Degas por la renovación técnica, especialmente el pastel (cuyas posibilidades explota al límite), los dibujos, el grabado y el modelado en arcilla. Al pastel pinta sus series de desnudos, presentados de espaldas o desde arriba, pero casi nunca de frente. El pintor justificó este enfoque diciendo: Hasta ahora el desnudo había sido presentado en posturas que presuponían un público, pero mis mujeres son gente sencilla que no se ocupa de su esmero físico. 2.3.6. Monet y Renoir: Los impresionistas puros. Monet (1840-1926) Es el pintor impresionista por excelencia. Entre temas sobresalen: - Los paisajes tomados del natural (rurales (rurales y urbanos). - Las "series" , que responden al deseo de pintar un tema varias veces para realizar ensayos de luz y color. En la serie de doce telas dedicadas a la estación parisina de San Lázaro Lázaro, su objetivo era articular los cambios de luz y las fases del día sobre un mismo tema. Al menos cuatro de estas pinturas las ejecutó bajo la cubierta de la estación y el resto a cielo descubierto; si bien las referencias a las máquinas de vapor suponían incluir un componente de contemporaneidad, lo que más atrajo la atención del pintor fueron las sugerencias de la atmósfera agitada del ferrocarril, a la manera de Turner. Turner. Otra serie es la dedicada a la l a Catedral Catedral de Rouen Rouen, con la que pretende poner de relieve la transformación que sufren los objetos bajo distintas condiciones lumínicas. Según su expresión, todo se transforma, hasta la piedra. Las Ninfeas Ninfeas (Jardín del Agua) es su última serie. En ellas, el modelo no es más que un pretexto, las formas pierden pierden su contorno contorno para convertirse convertirse en masas de color que diluyen la luz y los reflejos de agua. Finalmente, Finalmente, con el tipo de encuadre (ue en ocasiones ocasiones es circular) se suprimen el primer plano y el fondo, fondo, en la búsqueda del sentimiento sentimiento y la emoción. En 1899, Monet padecía de cataratas, lo que falseó su percepción de los colores, y la ausencia ausencia del filtro del cristalino provocó una visión más intensa de los colores, que se mezclan, se superponen o se alteran. Las regatas regatas de Argenteuil Argenteuil: en ellas se lleva a cabo un estudio de las variaciones de la luz sobre el agua y los reflejos, que le permiten desarrollar la teoría de las sombras coloreadas. Renoir (1841-1919) Uno de los objetivos de su pintura lo recoge él mismo con estas palabras: “Me conformo con pintar mis figuras hasta que forman un todo con el paisaje que les sirve de fondo, o con pintar figuras como frutos hermosos”. Su otro gran objetivo es el de transmitir la alegría del ambiente parisino. Con respecto a la paleta, Renoir prefería los fondos claros, sobre lienzos gruesos, con una leve capa de pintura. Fue el primero que utilizó ampliamente ampliamente el contraste entre colores cálidos y fríos. fríos. Entre sus temas destacan: - Las escenas de la vida urbana. - Los remeros: el artista pinta unas personas reunidas al aire libre en una atmósfera llena de sol y de alegría. Destaca en la obra el juego de las miradas que une a los personajes de la composición de dos en dos, en un intercambio que hace que la escena sea particularmente viva. - Las bañistas : son un hito importante en su producción, fruto de las investigaciones que realizó después de conocer la pintura italiana. En ellas se observa la necesidad de trabajar la forma y el dibujo, jugando con el movimiento de los cuerpos y la conjugación de los tonos. 2.3.7. El puntillosmo: la revisión del impresionismo impresionismo.. En los años 1880-1885, algunos maestros estimaban que la creación poética de la luz no respondía a las exigencias científicas del estudio del color con que se había iniciado la escuela, y sustituyen la pincelada larga por pequeños toques, puntos de colores puros que exigen un estudio de la tela y meses de tarea. Es el período puntillista o divisionista, que aplica la ley de los contrastes simultáneos: los colores difunden una orla del cromatismo complementario que permite obtener efectos contrapuestos. Los artistas más representativos de esta tendencia son Seurat y Signac. Nos centraremos en el estudio del primero. Seurat (1859-1891) Se había empeñado en encontrar un arte "enteramente suyo" que transcendiera el Impresionismo y reconciliara arte y estética. Su estudio era un auténtico laboratorio en el que se dedicaba a un cuidadoso trabajo de Juan Francisco Lerma Moreno

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separación de los elementos: luz, color y sombra. Su técnica es diferente, hasta el punto de que mientras la técnica del Impresionismo es intuitiva e instantánea, la de los neoimpresionistas es deliberada y constante. Seurat modifica la pincelada, con partículas diminutas, (puntillos) que permiten una mayor existencia de colores en una superficie menor. La mezcla óptica de esta multitud de pequeños puntos haría que la luminosidad del color fuese aún mayor. El pintor observaba la naturaleza, tomaba apuntes en tablitas de madera e iba configurando pequeñas paletas de colores puros y equilibrados que llevaba a su estudio e incorporaba a un lienzo de grandes dimensiones; nunca improvisaba, sino que componía rigurosamente. En sus propias palabras: “Los fenómenos de la visión consisten en mirar a la naturaleza con los ojos de la mente y no sólo con los del cuerpo, como hacen los seres irracionales”

2.4. El postimpresionism postimpresionismoo Desde 1890, el Impresionismo dejó de ser un estilo homogéneo, la individualidad de los artistas era cada vez más fuerte y la pintura necesitaba "salir" de la situación de monotonía y reiteración a la que había llegado a finales de la centuria. Para su mejor estudio, agruparemos a los autores en dos grandes tendencias. Los artistas de la línea: Toulouse Lautrec y Cézanne, y los del estallido del color y el arte espiritual: Gauguin y Van Van Gogh.

2.4.1. Cezanne y Toulouse Toulouse Lautrec: los artistas de la l a línea. Agrupamos aquí a un conjunto de pintores cuya preocupación fundamental es destacar la línea y conceder al dibujo un papel protagonista en la realización del cuadro. Aunque existen notables diferencias de concepción pictórica y de estilo, Cézanne y Toulouse Toulouse Lautrec son el origen del facetado cubista y de la construcción construcción geométrica de la pintura del siglo XX. Paul Cézanne (1839-1906) Había decidido aislarse en Provenza y vivir para pintar, pues su economía se lo permitía. Decepcionado por el fracaso de las exposiciones en las que había participado con los impresionistas, se estableció en la localidad de Aix, donde vivía dedicado a la búsqueda de nuevas experiencias. Quería cambiar ciertos aspectos del impresionismo: - La impresión por la solidez y la construcción de volúmenes en el espacio. - Exaltar la inteligencia del pintor "organizando lo que se ve", lo que se conoce y lo que se siente en el cuadro. - Compaginar color y estructura, convirtiendo el Impresionismo algo más solido y duradero, como el arte de los museos. - La perspectiva, estudiando al objeto constantemente y desde todas, las posiciones: se abandona la tridimensionalidad y se sustituye por las dos dimensiones. La profundidad del lienzo deja de preocupar al artista, a quien ahora sólo le interesan dos cosas: el soporte como parte integrante de la pintura, y la construcción pictórica que sobre él se apoya. - La composición: Dibujo y color no son distintos. Uno pinta al mismo tiempo que dibuja; cuanto más armonioso es el color, más preciso es el dibujo; cuando el color es más rico, más completa es la forma. El secreto del dibujo y del modelado está en los contrastes y relaciones entre los tonos. Por eso es el pintor del arte moderno . Sin sus obras, el cubismo no tendría fundamento. Los temas de su pintura son: - Los jugadores de cartas, series a caballo entre dos épocas de Cézanne: la impresionista y la de la organización espacial constructiva, en la que cada tema debe tener una existencia propia. Su nueva manera de construir el espacio y los volúmenes transforma el producto pictórico y la técnica: la figura se construye por planos que giran alrededor de ella y facetan los volúmenes gracias a la subordinación del color a la forma. - Los grandes grandes bañistas bañistas: es un tema al aire libre que parece marcar una vuelta al gusto impresionista, pero la composición se basa en la monumentalidad de los cuerpos femeninos. La pintura, más que figuras, sugiere estructuras. El color se aplica en pinceladas planas y juega con las relaciones entre tonos cálidos (rosa, ocre, marrón) de los cuerpos, los troncos, los bordes del río y de las nubes y los tonos fríos (verde, azul) del cielo y de los árboles. - El paisaje: la pincelada de Cézanne es una especie de mosaico que interpreta las facetas de los volúmenes y los planos de la luz. Con su fuerte trazo, construyó los volúmenes de las montañas, las casas y los árboles a base de planos coloreados que estructuran estructuran el cuadro como si se tratase de una red geométrica. Juan Francisco Lerma Moreno

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Toulouse Lautrec (1864-1901) Su existencia transcurre entre el recuerdo de una formación conservadora, su disminución física, la admiración por Degas y las estampas japonesas y su vinculación al bullicio nocturno de París. Su obra va más allá de las sensaciones ópticas del Impresionismo: capta los aspectos psicológicos del mundo que ve a través de su incisivo dibujo. De las estampas japonesas, toma el ritmo de la línea, su simplificación y los planos cromáticos amplios y homogéneos. Aprende también a no matizar ni sombrear el color. Como para valorar lo esencial necesita un medio rápido, acude al dibujo, se sirve del pastel y de la litografía, es conciso. No importa que el espacio no sea profundo, porque será la línea la que ponga en movimiento las formas. Todo Todo queda integrado: las letras y las figuras, nunca demasiado explícitas, son un elemento más de la composición. Es destacable la técnica pictórica del artista que sigue tres pasos: bosquejo a carboncillo, aplicación del color a rápidas pinceladas, primero los tonos cálidos y ocres, después tonos fríos, y luego en negro, y, por último, pintura del fondo con pinceladas verdes que transparentan el fondo del soporte. 2.4.2. Van Van Gogh y Gauguin: el estallido del color y el arte espiritual. Ambos autores introducen en el mundo del Arte una preocupación nueva: plasmar el mundo interior del autor exclusivamente a través del color. Van Gogh (1853-1890) Su existencia supuso una constante búsqueda de su propia identidad y es difícilmente separable de sus obras, pues, aunque éstas carecieran de valor, sus avatares personales seguirían llamando la atención del público. Su autobiografía nos es conocida a través de las 755 cartas que escribió a su hermano Theo y a otros pintores. Admiró a los pintores realistas franceses: la caricatura de Daumier y las escenas rurales de Millet fueron sus obras favoritas, junto a las lecturas de Dickens, Tiempos difíciles, y Daudet, Daudet, Tartarin de Tarascon. Pero había algo que le diferenciaba de ellos: “...una necesidad de dar forma a los sentimientos, a las cosas que llevo en la cabeza y en el corazón y que tengo que expresar en pinturas y dibujos”. De esta manera comenzó a realizar bocetos, valorando los contornos duros y angulosos por su enorme carga expresiva, y utilizando colores planos, sin matices, que alejan el cuadro de una mera descripción. Igual que Gauguin y Cézanne, la pintura de van Gogh evoluciona desde un realismo descriptivo hacia un arte en el cual el sentimiento es simbolizado por el color, el dibujo y la dificultad en la ejecución. Ello implica una doble consecuencia: la independencia de los museos y de las escuelas (rechazo de la perspectiva tradicional) y un primitivismo intencionado, que pretendía infundir a las imágenes un significado inmediato y reconocible por el espectador. espectador. Ambos postulados son la base del arte contemporáneo. Su pincelada es gruesa y con ella también dibuja y perfila; progresivamente, debido a su perturbación psicológica, será más quebrada y sinuosa. Los colores, más vivos e intensos, contribuyen a crear líneas y espacios de sombras que convierten sus cuadros en el origen del Expresionismo. En Los girasoles girasoles no existe una búsqueda de contraste de colorido, sino de armonía. Amarillo y naranja resplandecen gracias a pinceladas verdes y trazos azul cielo en el corazón de las flores. El artista utiliza un color abundante pastoso, trabajado al pincel por pequeños toques salteados, con el fin de proporcionar cuerpo y volumen. Autorretrato es uno de los temas favoritos del artista: “Se dice, y así lo creo, que es difícil conocerse a sí mismo, pero tampoco es fácil pintarse uno mismo. En este momento trabajo en dos autorretratos, pues a falta de modelo sólo me queda pintarme a mí mismo”. Gauguin (1848-1903) Abandonó su trabajo de agente de bolsa para dedicarse a pintar, y un día tomó la decisión más importante de su vida: “Ser un salvaje, volver al origen y liberarse de la ataduras del Impresionismo”. Por ello, se marchó a Martinica, y a partir de 1888 fijó su residencia en la localidad bretona de Pont-Aven, en un ambiente artesanal alejado de los problemas de la Revolución Industrial: “Amo a la Bretaña porque en ella encuentro lo rústico, lo primitivo, lo eterno”. Gauguin va al trópico para encontrarse con las verdades eternas: la vida, el amor, la muerte y el erotismo como medio de escape. Además, abrió los horizontes figurativos del Impresionismo ocupando un lugar único, junto a Cézanne, en la historia de la transformaciones en el concepto de espacio moderno. Pintaba sobre tela gruesa reivindicando el valor plástico del material, junto al color y la técnica (del mismo modo que lo hará Picasso).


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II. LA L A ESCULTURA ESCULTURA IMPRESIONIST IMPRESI ONISTA A En los años finales del siglo XIX, el Impresionismo pictórico influye también en la escultura, donde algunos maestros supieron introducir juegos lumínicos mediante la renovación de las técnicas, explotando las posibilidades del material y estudiando los efectos de lo inacabado (que ya inició Miguel Ángel). Al mismo tiempo, persiguen como objetivo renovar los ideales de la escultura, alejándola tanto de la repetición de modelos clásicos como de las inclinaciones exageradas del Naturalismo.

3.1. Augusto Rodin. Es una de las personalidades más grandes de la escultura y desborda los límites del Impresionismo, a pesar de lo cual sus contemporáneos rechazaron la mayoría de sus creaciones a excepción de " El Beso". Su formación es muy amplia. Le apasiona el barroco flamenco y la vida desbordante que transmiten las obras de Rubens, le apasiona Donatello y su especialmente el alargamiento de las formas, aunque es sin duda Miguel Ángel quien ejerce mayor influencia en su obra. La terribititá del maestro le seduce asi como su peculiar finito non finito, que se manifiesta en su gusto por las texturas en los materiales. Su arte rompe los cánones académicos y mientras los críticos se muestran entusiasmados, el pueblo no lo entiende y se burla de sus creaciones. La técnica impresioneista hay que buscarla en Rodin en la rugosidad de sus superficies y en la multiplicación de planos que con la interposición de la luz consigue unos efectos mutantes muy propios del Impresionismo. Impresionismo. En su obra destacaremos: Edad del Bronce. Influencia de Donatello, simboliza el despertar de la humanidad. Las Puertas del Infierno. En 1880 el estado francés le encarga unas puertas para el Museo de Artes Decorativas, puertas que debido a los innumerables cambios en ideas, se comparan con el sepulcro de Julio II que no pudo acabar Miguel Ángel. E1 tema central de estas puertas sería la figura del Pensador o el poeta, figura que podría ser una alegoría de Dante. E1 Pensador contemplaría a una muchedumbre de figuras entre las que estarían: Adan y Eva, el Beso, la Metamorfosis, las fauces, etc. La Catedral de fuerte simbolismo, son dos manos orantes.


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UD 13 Arte del Siglo XIX.pdf

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