LICEO A 131 BUIN ED. MEDIA DPTO. ARTES VISUALES
MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS DEL SIGLO XX MÓDULO 1:
MODOS EXPRESIVOS Y/O LENGUAJES ARTÍSTICOS En este módulo aprenderás a: Identificar las características distintivas (modos expresivos y/o lenguajes artísticos) de movimientos artísticos del siglo XX, a través de sus escuelas o tendencias y de sus principales representantes. Identificar técnicas, medios, materiales y diversos lenguajes visuales utilizados en el arte contemporáneo. ¿Cómo lo harás? Lee los textos, observa la presentación y desarrolla la actividad del módulo.
Evaluación: Al término del módulo se evaluarán tus conocimientos y habilidades en una actividad práctica. MAPA CONCEPTUAL DEL MÓDULO
La obra artística contemporánea
Un fiel reflejo de la sociedad del siglo XX
es
existen
Tres formas básicas de entender el arte
El arte como relación con la realidad visual los movimientos (artistas) que la integran son
Fovismo
Futurismo
El arte como reflejo de un mundo interior Expresionismo
Cubismo
Arte objetual
Abstracción
Nueva figuración
El arte como idea Dada
Conceptual
Po art art
Hi erre erreal alis ismo mo
IDEAS FUNDAMENTALES:
El arte es una forma de conocimiento, un modo de expresión que nos ayuda a comprender mejor la realidad que nos ha tocado vivir.
En el siglo XX se han dado tres formas básicas de concebir el arte: como representación de la realidad visual, como expresión del mundo interior del artista, o como idea o pensamiento.
Dentro de la primera concepción el artista parte de la realidad, del mundo visual que le rodea para interpretarlo. Con esta tendencia artística se han relacionado movimientos como el cubismo, sintetismo, fovismo, arte objetual (al intentar romper entre el objeto y la representación) y las formas modernas de realismo (hiperrealismo, fotorrealismo).
Dentro del arte como expresión de la realidad interna destaca el expresionismo, expresionismo abstracto y el neoexpresionismo.
Con la tercera concepción, el arte como idea, se relacionan el dadaísmo y el arte conceptual.
Las clasificaciones de los modos de hacer arte o de las ideas son como muletas que nos ayudan a comprenderlo un poco más, pero en esencia el arte no se puede definir ni encasillar, es tan complejo como el ser que lo crea.
CARACTERÍSTICAS DEL ARTE DEL SIGLO XX
Las características más importantes son: Los artistas van a seguir escogiendo un tema, un asunto para el cuadro, algo que podemos reconocer con relativa facilidad en algunas de sus obras, pero lo van a interpretar libremente. Esto les diferencia de los pintores anteriores, que tenían que respetar los temas, unas veces para ser fieles a los dogmas de la Iglesia, a los gustos de la monarquía o de la academia.
Las experiencias de los artistas modernos no eran totalmente nuevas. Artistas como Velázquez, Piero de la Francesca, Goya, Rembrandt, el Bosco, etc., sirvieron de inspiración para muchas de ellas.
Muy a menudo los artistas, bien como reacción al rechazo de la sociedad, o por la necesidad de compartir ideas, se reunían en grupo para desarrollar una determinada forma de hacer arte. Exponían juntos su obra en salones, hablaban entre ellos, escribían y en muchas ocasiones publicaban sus teorías (manifiestos). Algunos artistas dieron un nombre apropiado a lo que estaban haciendo y se constituyeron en un grupo (movimiento artístico). A veces los movimientos se sucedían con tal rapidez que un mismo artista puede pertenecer a varios movimientos artísticos.
Vocabulario: - Abstracción: su propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza
expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual. - Arte objetual : arte en el que se valora fundamentalmente la presencia material de los objetos. - Arte conceptual: las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el o bjeto o el sentido por
el que la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte. - Descriptivo: dibujo, pintura, escultura, que pretende representar una cosa o acontecimiento dando
únicamente una idea general de sus partes, formas básicas y propiedades plásticas. - Vanguardias artísticas: implica la idea de lucha, de combate, de pequeños grupos destacados del cuerpo
mayoritario que avanza, que se sitúan por delante. La vanguardia artística se manifestó, como acción de grupo reducido, que se enfrentaba al orden establecido con ánimo de ruptura. Suele generar rechazo por parte de los círculos tradicionales, pero con el paso del tiempo, sin embargo, puede convertirse ella misma en parte del sistema (perdiendo su condición vanguardista).
ACTIVIDAD DE EVALUACIÓN:
El curso se dividirá en ocho grupos y elegirán un movimiento artístico de la siguiente lista: CONSTRUCTIVISMO CUBISMO DADAÍSMO EXPRESIONISMO
FOVISMO FUTURISMO POP ART SURREALISMO
Cada integrante del grupo realizará una pintura, de tema libre, respetando las características del movimiento. La parte de atrás del trabajo incluirá la siguiente información: TÍTULO DE LA OBRA AUTOR TÉCNICA Y MOVIMIENTO DIMENSIONES AÑO
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MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS DEL SIGLO XX MÓDULO 2:
ARTISTAS DE VANGUARDIA En este módulo aprenderás a: Valorar la expresión creadora singular de algunos artistas contemporáneos y sus aportes visionarios realizados al arte de las últimas décadas. Identificar técnicas, medios, materiales y diversos lenguajes visuales utilizados por éstos. ¿Cómo lo harás? Lee los textos, observa la presentación y desarrolla la actividad del módulo.
Evaluación: Al término del módulo se evaluarán tus conocimientos y habilidades en una actividad práctica.
MAPA CONCEPTUAL DEL MÓDULO
Los artistas plasmaban sus ideas a través de
Exageración de
Uso no convencional de
Experimentos científicos con
Realidad reconstruida experimentación con
Forma
Luz
Forma
Descom osición
Proporción expresiva
Color
Textura
Fragmentación
Forma
Color
Distorsión
Salvador Dalí
Vincent Van Gohg
George Pierre Seurat
Pablo Picasso
IDEAS FUNDAMENTALES:
El artista moderno tiene mucha más libertad artística que sus antecesores, y por supuesto, sus creaciones no tienen que representar las cosas como las vemos.
La invención de la fotografía liberó en cierta medida al artista moderno de la función representativa.
La Revolución Industrial puso en crisis la creación artística, al considerarla como un producto de lujo o en la mayoría de los casos superfluo.
En estas circunstancias el artista no se integró a la sociedad industrializada encontrándose enfrentado y amenazado económicamente.
No aceptó que su obra fuese considerada como un producto más dentro de la cadena de producción y reaccionó proclamando la independencia del arte.
ACERCAMIENTO A LAS IDEAS DE LOS ARTISTAS
Los artistas podían poner de relieve un aspecto concreto de su obra exagerándolo. En otros casos utilizaron la luz, el color, la forma, etc., de forma inesperada o poco frecuente como hizo Van Gohg, pero representando la realidad desde dentro, es decir, viviéndola. Las primeras pinturas de Van Gohg muestran las influencias del realismo de la Escuela Holandesa, el que se aprecia en el uso que hizo del claroscuro, por los contrastes elementales de sombra y luz y por un colorido espeso, denso, poco diluido.
Otros artistas prefirieron los experimentos científicos con la forma, las texturas y el color. El pintor puntillista Seurat utilizó una técnica fundada en la aplicación de pequeños trozos de colores diferentes, colocados a cierta distancia. Los colores se aplican directamente sobre la tela, de tal manera que los tonos se mezclan no en el lienzo sino en la retina del observador.
También han destacado artistas que experimentaron con la forma y la manera de representar las cosas que nos rodean. Tomaban partes de un paisaje, de una naturaleza muerta tal como los capta nuestra vista al moverse alrededor de los objetos (descomposición), y posteriormente los reordenaban en una composición, como hizo Cézanne . Éste empleaba varios puntos de vista diferenciados, que sirven para hacer más evidente la estructura volumétrica de los objetos. Esta multiplicación y superposición de los puntos de vista se integran con el empleo de otras perspectivas. El artista representa los objetos de la forma más simple posible, y nos propone un espacio que muestra la realidad reconstruida de otra forma más conceptual y objetiva.
En otras experiencias se intentaba fragmentar el tema o motivo recomponiéndolo de un modo diferente, como lo hicieron los artistas cubistas. Picasso giraba alrededor de su modelo, lo observaba y luego representaba lo que había visto en sucesivos momentos en un solo dibujo.
Los artistas comprobaron que podían representar las imágenes distorsionadas por los sentimientos, como hicieron los expresionistas, llegando incluso a extremos en los que resulta difícil reconocer el modelo del que partieron.
En otras ocasiones experimentaron con las formas y el color aplicándolos de forma libre como hizo Matisse, uno de los representantes del fovismo. Se podía prescindir del tema reconocible, como hizo Kandinsky cuando, para expresar vivencias, sentimientos y emociones, llenó los espacios de sus cuadros de color y formas abstractas.
Vocabulario: Claroscuro: se basa en producir el efecto de contrastes entre la luz y las sombras. El claroscuro busca una conveniente distribución de luces y sombras en una obra, de modo que se opongan y complementen mutuamente. Descomposición: es la fragmentación de los elementos y unidades de una obra en piezas separadas. Representativo/a: el arte representativo o figurativo sirve para representar fragmentos de la realidad.
ACTIVIDAD DE EVALUACIÓN:
El curso se dividirá en cinco grupos. Cada integrante del grupo elegirá un artista (sin repetir) de la siguiente lista: PIET MONDRIAN PABLO PICASSO KURT SCHWITTERS ERNST LUDWING KIRCHNER
HENRI MATISSE LUIGI RUSSOLO ANDY WARHOL RENÉ MAGRITTE
Luego de elegir al artista, escoger una obra de ese autor para recrearla. La parte de atrás del trabajo incluirá la siguiente información: TÍTULO DE LA OBRA AUTOR TÉCNICA Y MOVIMIENTO AÑO
