LA MÚSICA VOCAL EN EL ROMANTICISMO. Dejando aparte algunas obras religiosas de importancia (misas de Shubbert, réquiem de Beriloz, réquiem alemán de Brahms, réquiem de Verdi) la música vocal del Romanticismo se centra en dos campos: la canción y la ópera. La falta de un importante importante repertorio religioso se debe en gran parte al interés historicista que por primera vez surge en el Romanticismo respecto a la música del pasado y que ll lleva eva a la recupe recuperac ració iónn y a los estudi estudios os music musicoló ológic gicos os sobre sobre el repert repertori orioo grego gregoria riano, no, renacentista renacentista (la polifonía: polifonía: Palestrina etc.) y barroco (Bach, Händel). Los compositores no componen mucha música religiosa porque estudian la música anterior a ellos y viendo que es buena, no se ven con la necesidad de componerla. Por primera vez valoran la música hecha anteriormente. anteriormente. La música vocal romántica se centra en el Lied y en la ópera. EL LIED. La palabra lied significa (en alemán) canción. Se trata de una composición breve en la que se pone música a un poema, logrando una unión muy íntima entre ellos. El lied surgió como forma musical expresamente romántica, pues una de las tendencias de esta época fue la mezcla de artes y llegar a la unión entre ellas (así lo veremos en la ópera). Por tanto, el lied será una forma musical donde tendremos a una voz (soprano, contralto, tenor o bajo) acompañada de piano, donde el piano no solo acompaña, también ilustra. La forma “A-B-A” es la forma mas común de Lied aunque Shubbert no la utiliza tanto. Shubbert compone muchos Lied. Los compositores más clásicos son los que más Lied componen.,. Shubbert le puso música a todos los poetas alemanes. El Lied Lied es una una mú músi sica ca ínti íntima ma,, domé domést stic ica. a. Uno Uno de los los géne género ross estr estrel ella la que que triu triunf nfaa en el Romanticismo. LA ÓPERA. Durante el Romanticismo la ópera experimenta una gran evolución que lleva a este género a su cumbre más alta y lo convierte en el espectáculo preferido de la burguesía. Se construyen teatros por toda Europa y los cantantes cantantes se convierten convierten en verdaderos divos (dioses) gracias al lucimiento vocal de sus arias. Los operistas románticos parten de los modelos dieciochescos de la ópera seria y buffa (cómica) y los planteamientos mixtos mozartianos. Otra dirección es la grand ópera, que se da en la Francia post-revolucionaria post-revolucionaria e imperial. Con grandes escenas de conjuntos. Los cantantes continúan la tradición vocal italiana del S. XVIII; la voz de castrato se abandona y los distintos timbres (soprano, mezzo, contralto, tenor, barítono, bajo) se asocian a los personajes de carácter). Los principales compositores italianos de esta ópera de bel canto (ópera que tiene como objetivo la exhibición del cantante mediante pasajes melódicos de gran exigencia técnica) son: Rossini, Bellini y Dionizetti, que desarrollan un estilo vocal muy característico, de un alto sentido melódico que influirá incluso en la música instrumental. Rossini (1792-1868) cultiva tanto la ópera seria (Elisabetta, regina d’Inghiterra), como la gran ópera (Guillermo Tell), pero su principal aportación es en el terreno de la Ópera Buffa (la italiana en Argel, El turco en Italia, El barbero de Sevilla) convertida en una gran forma, siguiendo el modelo mozartiano. Las oberturas son piezas de carácter sinfónico independientes del tema de la ópera. Las oberturas tienen forma de sonata sin desarrollo. Rossini emplea mucho el crechendo.
(1801-1835) y Dionizzeti (1797-1848) cultivan sobre todo el género histórico relacionado con la Grand Opera francesa. Los recitativos tipo dieciochesco van dando paso a un estilo mñas melñodico con acompañamiento orquestal. Giuseppe Verdi (1813 – 1901), supone el punto de inflexión de la ópera italiana decimonónica. Después de sus primeras óperas como Nabucco, relacionada con la gran ópera, va creando un estilo más personal en El trovador y La fuerza del destino. En Rigoletto y sobre todo en la Traviata, realiza la transición de la ópera Bel Canto de teas histórico y heroico a la ópera realista. R. Wagner (1813-1883) Su ideal era hacer una ópera alemana y unir en ella todas las artes, dando lugar a la obra de arte total, en la que se unen poesía, música, decoración, drama... Otras características de su música están en sus temas, que se basarán en la mitología alemana; la forma muy influida por los procedimientos sinfónicos programáticos; exalta la lengua alemana; hace de la orquesta el punto crucial y crea el leitmotiv (tema característico que simboliza un personaje, una idea, una situación y aparece cuando lo requiere la acción,), con el que da unidad a toda la ópera. El tratamiento wagneriano de las voces es casi instrumental: aparecen envueltas dentro de la trama sinfónica, sometidas a una tensión extrema. Dentro de la orquesta, el viento alcanza una gran importancia, siendo muy características las combinaciones tímbricas con los instrumentos de metal. La importancia de Wagner es tal, que será el nuevo punto de partida para la música creada a partir de 1900. En cuanto a las obras más importantes de Wagner tenemos: “Rienzi”; “Tannhäuser”, “El holandés errante” “El anillo de los nibelungos” y “Tristán e Isolda” EL POSTROMANTICISMO. La etapa nacionalista coincide en el tiempo con los últimos coletazos del Romanticismo, que se produjeron sobretodo en Alemania. A este movimiento se le conoce con el nombre de PostRomanticismo, que tanto en el ámbito expresivo como en el técnico constituye una prolongación del lenguaje romántico. Los autores post-románticos buscan llevar hasta el límite la exaltación de la individualidad y los estados anímicos personales. El resultado es un sonido amplio y, a menudo, grandioso, que se logra mediante orquestas muy numerosas y una rica y variada utilización de los instrumentos. Entre los compositores más destacados del post-romanticismo podemos nombrar a Gustav Mahler (Sinfonía nº 1 "Titán"), Richard Strauss (Así hablaba Zaratustra) y Sergei Rachmaninov (Sinfonía nº 1 en re menor). Todos los artistas post-románticos se verán muy influidos por la obra de R.Wagner y tendrán a su vez influencia en las primeras corrientes vanguardistas. LA ÓPERA POSTROMÁNTICA. EL VERISMO. La Traviata de Verdi marca el giro desde el Bel canto al realismo. Los temas heroicos e históricos de la gran ópera y el mundo burgués satirizado de la ópera Buffa, dan paso a la moda de los temas realistas, influidos por las corrientes literarias. El naturalismo literario al que se llega como evolución del realismo tiene su correspondencia en el verismo operístico. En Italia la corriente verista esta representada fundamentalmente por Puccini. Beliini
Wagner. (1813-1883)
Wagner representa una propuesta original que se convertirá en punto obligado de referencia para toda la cultura romántica El pensamiento de Wagner es aún el concepto romántico del arte como expresión. Para Wagner, el Drama es la obra de arte total, la obra de arte del futuro, encuentro de todas las artes -poesía, danza, música-, que, en cualquier caso, no se identifica con la ópera tradicional. El Drama, para Wagner, no es un género musical y, menos aún, literario; el drama es el único arte completo, verdadero y posible. Para él, la música no es, de por sí, autosuficiente. La música es el lenguaje de los sentimientos. El Romanticismo aspira ahora a cosas más grandiosas, más complejas; la Grand Opéra es una de las manifestaciones más deterioradas a causa de tanta ansia de grandeza, de tanta aspiración de decir, de expresar cada vez más, a costa de ser retóricos y pesados; en cambio, la obra wagneriana deviene quizás el aspecto más natural de cuantos entrañara tal aspiración del Romanticismo tardío. Para el fue una referencia la 9º de Beethoven. El es iluminista en cuanto que sigue la idea de Rousseau, que el lenguaje es música y poesía. El drama wagneriano es, por tanto, al menos según las intenciones de su autor, el logro acabado de esta reintegración, el fin de esta alienación que la música llevó a cabo por sí misma. El es influenciado mucho por un político socialista llamado Bakunin. Para Wagner la revolución tiene que ser a nivel estético. El dice que la población alemana debe regenerarse a nivel estético. Escribió un libro titulado Arte y revolución en el que tiene un ensayo que llama el Judaísmo en la Música, en el que critica a los judíos. Hanslick – (1825-1904) . Nacido en Praga, fue crítico musical de profesión. Escribió un articulo titulado “Lo Bello en la música” donde expones sus principios. Uno de estos principios es “el anti Wagner”, va en contra de la música como expresión de sentimientos. Una de sus ideas básicas es “el arte es forma y no expresión”. Dice que lo bello es la forma de cualquier arte, rechazando la fusión de las artes. El dice que en la música lo fundamental es la objetividad del lenguaje musical. Una cosa fundamental para el es la forma, el contenido de la musica es solo musical. El habla de estética de la forma. Para el la música verdadera es la música instrumental. La ópera para el es nefasta, porque en la ópera manda el texto. En la música no se puede distinguir entre contenido y forma, todo es forma. El sonido no es un medio, es un fin. El sonido es totalmente asemántico (no lleva palabra). Para él el lenguaje musical envejece, todo cambia. Dice que la técnica musical no es un medio para expresar sentimientos. Rechaza la estética del sentimiento es antiromanticista. Es anti programático, de el nace una corriente filosófica musical que se le llama formalismo.
SIGLO XX
En la transición del Siglo XIX al XX, se dio el Postromanticismo, que lo dividiremos en tres periodos: 1 – 1890-1914. POSTROMANTICISMO. Abuso de cromatismos y tonalidades. En literatura cambia el concepto del tiempo. En arte cambia el concepto de mimesis. En música se intenta evitar lo reconocible para el oído, lo que el oído espera. Es la primera vez que hay crisis en el lenguaje tonal. Los impresionistas muestran la vida que hay en sus cuadros, para ellos la luz es importante. Monet es el pintor más impresionista. - Debussy- (principios del impresionismo musical) genero ideas completamente nuevas en la forma, la orquestación, en lo tonal sin romper la tonalidad. En 1889, se hace en París una Expo Universal donde se inaugura la torre Eiffel. Debussy en esta Expo se encuentra con músicos de otros países de los que aprende otras escalas y otros modos distintos, y escucha a la orquesta Gamelan. Esto influyó totalmente en la música que el compone donde introduce todas estas nuevas escalas y todos estos nuevos modos antes para el desconocidos. En su música encontramos el estatismo, la inmovilidad. El sustituye el movimiento de la armonía romántica, por acordes paralelos. La tonalidad queda preservada por la claridad de los acordes tonales. El estilo musical donde la tonalidad aparece difuminada se le llama impresionismo musical. El rompe con la tonalidad tradicional. - Schöenberg – el hace una música donde hay jerarquía. Hace mucha música atonal, su música esta regida por el contrapunto renacentista. El inventa el canto hablado (SPRECHGESANG). El representa el lado amable de la música. En el período preguerras se hace mucho este tipo de música llamado arte expresionista, fue una derivación del romanticismo. Él en esta época hace composiciones con letras todas atonales y están dentro del expresionismo musical. Todas las obras expresionistas de Schöenberg son atonales pero también tiene obras atonales que no son expresionistas. Pierrot Lunaire – es una obra de Schöenberg. Una obra de canto hablado. El texto es de Albert Giraud. Después de la guerra en 1914 Schöenberg no compone. En 1923 Schöenberg reaparece con su sistema dodecafónico, un sistema nuevo. El pensaba que el atonalismo llega un momento que se agota, y inventa este nuevo sistema con doce sonidos distintos. Características del sistema dodecafónico. Los doce grados de la escala son igual de importantes. No existe jerarquía de sonidos. Los doce sonidos están escogidos en una seria determinada. No se puede oír un mismo sonido hasta que no se hayan oído los doce, para no darle mas importancia a uno que a otro. El sistema dodecafónico es atonal. Schöenberg fue conciente de lo que invento, este sistema triunfó por su novedad. Los seguidores de Schöenberg son sus alumnos – Alban Berg (sigue los pasos de Schöenberg) y Webern (radicaliza el sistema de los doce sonidos, lo hace mas estricto. El abre un movimiento llamado serialismo integral donde la música se convierte en algo especulativo) Schöenberg tiene una ópera dodecafónica.
- Teodoro Adorno – filósofo defensor de Shöenberg. Él dice que el sistema dodecafónico expresa la angustia del momento y considera que ha reflejado con este sistema la expresión del género homónimo de la época y que era la única forma de escapar de la música de masas. - Stravinsky – plantea varias posibilidades dentro del sistema tonal. Para él la novedad es el ritmo. El dice que aún queda mucho que hacer dentro del sistema tonal, y manteniendo la orquestación tradicional. Es defensor de la música construida por métodos tradicionales, defiende el formalismo para el la forma no es una imitación sino un estímulo para seguir creando. Otro teórico importante fue YANKELEVITCH. Adorno decía que la vanguardia de la música radicaba en: Wagner – Schöenberg – Webern – Darmstadt (ciudad) - Yankelevitch decia que radicaba en: Debussy – Stravinsky - Webern – Darmstadt (ciudad) En este período entre guerras surgió en Italia un movimiento llamado futurismo, que quería expresar el movimiento y la velocidad en pintura y que tendrá su equivalencia en música con Luigi Russolo quien aportó la novedad del ruido a la música. También surgió el Dadaísmo que considera que todo es absurdo, una sátira de todo. En música Erik Satie compone algo de este estilo. Darmstadt – 1946-1955 – se dan unos cursos en esta ciudad de música serial. Donde Webern es el profesor de estos cursos. En esta ciudad empezó la segunda vanguardia musical. Dos alumnos de esta escuela fueron – P Boulez y Stockhausen. Webern – es quien empieza a hacer el serialismo musical. Ya no hace música dodecafónica, hace otro tipo de música utilizando la idea del doce para componer, pueden ser doce matices, o otras doce cosas cualquiera. Esta música es una música muy condensada. El inventa un concepto llamado KLAGFARBENMELODIE esto significa melodía de timbres. La melodía ya no la va haciendo un solo instrumento, sino que la van creando entre varios instrumentos creando lo que llamamos textura de puntos de colores. En este concepto esta el inicio de todas las vanguardias. - Música concreta – será aquella que usa sonidos grabados de cualquier entorno. Se graban sonidos de ambientes y se procesa a través de medios electrónicos, combinándolos con música en directo. Algunos de los compositores que hacen este tipo de música son: P. Schaeffer, y P. Henry. - Música electroacústica – ha diferencia de la concreta, tolo está garbado a través de medios electrónicos. Un compositor que hace esto es Varese que hace una obra llamada “el poema electrónico en 1958. en esta música no se necesita intérprete. - Música aleatoria – Cage – es aquella música que introduce el azar, un tipo de improvisación. Para esta música la partitura es solo un guión. - La temporalidad en la música es algo importante. G. Brelet dice que el tiempo por estas nuevas corriente no pasa, y que el tiempo es algo fundamental. - Música minimalista – se basa en repetir y repetir. - Luciano Berio – hace una música fonética, su intención es el timbre de la voz, pero el texto no dice nada. Con esta música se intenta expresar que la música no va ligada al texto,
