Cultura - Inclusao e Diversidade - Silvia Cintra Franco

Introdução para quem é só quem é

“Cultura”, “inclusão cultural”, “diversidade cultural”,

“multiculturalismo” e outros termos assemelhados povoam nosso dia a dia sem que sejamos capazes de defini-los com

exatidão. O que é cultura? Para uns, é erudição; uma pessoa culta é alguém que sabe tudo sobre tudo, principalmente coisas antigas que já não interessam a ninguém. Para outros, o conceito de cultura está mais próximo da noção de civilização. Para Fernando Pessoa, o maior poeta da língua portuguesa do século XX, “vemos e ouvimos melhor – no sentido de mais completa e interessantemente – quanto mais ampla e informada é a inteligência que está por trás do nosso ver e ouvir” (Fernando Pessoa, p. 55). [1] [1] Segundo  Segundo o poeta, a inteligência elabora elementos vindos do exterior que podem ser de três espécies: • os que nos chegam por nossos sentidos; • as sensações e impressões que colhemos pelo convívio social; e

• os que nos chegam de influências indiretas, impressões colhidas em livros, em museus, laboratórios.

As informações que nos chegam por nossos próprios sentidos são limitadas, “pois cada um de nós é só quem é”. Desse modo, somente poderemos ver e ouvir bem e

profundamente quando nossa inteligência for ampliada graças à ajuda de informações e sensações que colhemos diretamente a convivência com amigos e família ou indiretamente pelos livros, TV, museus, internet etc. Daí ter razão o pintor e poeta inglês William Blake ao dizer que um ignorante não vê a esma árvore que vê um sábio. A cultura faz parte desse erceiro elemento: dessas informações e sensações que ecebemos ao longo da vida ao ler, freqüentar museus etc. Cultura é um alimento mental que para nutrir deve ser  assimilado, declara Fernando Pessoa, o poeta dos famosos

versos “Valeu a pena? Tudo vale a pena se a alma não é pequena”. Como diria, ainda, o filósofo espanhol Ortega y Gasset, cultura é aquilo que um homem possui quando esquece tudo o que leu. Portanto, uma pessoa culta é aquela que tem a capacidade de assimilar cultura, de transmudar as

influências culturais em matéria própria do seu espírito. E a cultura pode ser adquirida por meio do estudo formal, mas

ambém pela capacidade de absorver, de aproveitar o que se lê e se ouve e pela multiplicidade de interesses culturais, isto é, a curiosidade intelectual e o interesse generalizado por artes,

ciências etc. É surpreendente a conclusão a que chega o maior  poeta português dos tempos modernos: um poeta que saiba o que é a curva de Gauss tem mais probabilidades de escrever  m bom soneto de amor do que um poeta que não o saiba.

Por quê? Porque um poeta que se deu ao trabalho de estudar  uma equação matemática tem em si o instinto da curiosidade intelectual e por ter esse instinto, com certeza o terá usado para colher pormenores do amor e do sentimento. Enfim, terá valido a pena o tempo despendido em saber o que é a curva de Gauss e outras tantas coisas.

Convive com essas noções propostas por Pessoa, Blake e Ortega a suspeita de que existem culturas específicas como a de uma nação, de um povo, de um bairro e até mesmo de uma tribo ou de um grupo de adolescentes. E, por unanimidade,

todos e cada qual acreditam que não há melhor cultura do que aquela em que foram criados.

A miscelânea de conceitos que procuram abarcar o termo “cultura” é universal. Já em meados do século XX, os antropólogos fizeram um levantamento de 162 definições. E ali não estavam incluídas as que aparecem nos dicionários brasileiros de Aurélio Buarque de Holanda e Antônio Houaiss. ssim, se você não sabe bem o que é cultura, não se sinta só, pois está muito bem acompanhado ou acompanhada. A cultura manifesta-se não somente através de instituições e costumes, mas também através da arte. Daí a importância de a cultura – como a educação – ser reconhecida como um direito do cidadão, disponível e ao alcance de todos. Por isso o tema da inclusão cultural – do mesmo modo que a inclusão social –  está hoje na pauta das discussões sobre direitos humanos. romover o acesso à cultura, seja ao apoiar a arte de raiz opular, seja a erudita, de modo que o povo possa apreciar as

manifestações artísticas de sua própria cultura onde se reconhece, assim como entrar em contato com as de outros

povos, é obrigação do Estado, que deve garantir esse direito através de políticas culturais de inclusão. Para tanto, este livro se propõe discutir a questão cultural não se restringindo em definir o que seja cultura, mas descortinando o vastíssimo leque de possibilidades e perspectivas que se escondem sob o termo: os conflitos e preconceitos que gera, as oportunidades que abre, os direitos

que devem ser estendidos a todos. O entendimento do que é cultura – criação e patrimônio da humanidade – pode nos ajudar a melhor enfrentar o mundo em que vivemos e exigir o acesso às riquezas desses bens culturais, nosso direito .

1. Cultura segundo a antropologia e a sociologia A ANTROPOLOGIA E A SOCIOLOGIA TÊM REVELADO IMPORTANTES ASPECTOS DA VIDA E DO DESENVOLVIMENTO DOS POVOS, TAIS COMO O DE QUE O Homo sapiens  CRIA CULTURA E ESTÁ PRESO A UMA CULTURA, ASSIM COMO O USO QUE A SOCIEDADE FAZ DESSE FENÔMENO PARA GARANTIR O status quo .

OUTRA CONCLUSÃO A QUE ESSAS CIÊNCIAS CHEGARAM É DE QUE É UM MITO QUE A RAÇA SEJA ELEMENTO PRIMORDIAL NO AVANÇO DE UM POVO PARA O PROGRESSO.

Vamos trabalhar com o conceito de cultura oferecido por

duas ciências relativamente novas: a antropologia e a sociologia. A primeira é a ciência da humanidade e da cultura; abrange como ciência muito mais do que apenas o estudo da história da natureza física do  Homo sapiens , porque o ser humano é também um animal que produz cultura e está preso a uma cultura . A sociologia estuda a interação social  dos seres vivos, principalmente da humanidade, em seus diferentes

níveis de organização. O entendimento desse fenômeno e do uso que a sociedade faz dele para garantir o

status quo (o

estado ou situação existente) e nele nos manter agrilhoados pode nos libertar.

Os cientistas dessas novas ciências utilizam métodos

específicos para observar povos e tribos e a partir dessa observação elaborar seus conceitos. Um dos primeiros etnólogos ou estudiosos de povos ( ethnos = povo em grego) e suas culturas foi o jesuíta francês J. F. Lafitau, que no início do século XVIII verificou a semelhança de usos dos povos da ntiguidade e dos índios do Canadá. A partir dessa constatação, povos primitivos deixaram de ser considerados “curiosidades vivas” (como nossos índios levados à Corte portuguesa) e passaram a ser vistos como homens que em seu

gênero de vida refletem estados de cultura que nós já transpusemos. Ou seja, não há povos com culturas piores do que outras, mas em estágios menos desenvolvidos. Depois de Lafitau, surgiram outros, viajando, observando, convivendo com os povos que eles estudavam. Margaret

Mead, antropóloga estadunidense, esteve em Samoa, observando a cultura local; o francês Claude Lévi-Strauss, no Brasil, lecionou na Universidade de São Paulo e conviveu com nossos índios; o paulistano Caio Prado Júnior saiu pelos campos e estradas até os recantos e cafundós mais esquecido de nossa terra para observar como se vivia, se produzia e se

trabalhava em nosso país. Temos ainda o pernambucano Gilberto Freyre, o mineiro Darcy Ribeiro para citar os mais conhecidos.

 Não é pouco o que esses estudiosos levantaram a respeito de nós, seres humanos, de nossas sociedades, de como crescemos e evoluímos. Descobriram, por exemplo, em escavações pelo mundo afora, que o bumerangue que

conhecemos como de origem australiana não é necessariamente uma criação apenas desse povo. Foram encontrados bumerangues em diversas regiões do globo terrestre: no Lago Braband, na Dinamarca, datado do período paleolítico; no Egito, datado de 3 mil a.C.; no Congo; na Índia e com os índios hopi do Arizona, Estados Unidos. Bumerangues, como quaisquer outros objetos criados pela humanidade ou, mais simplesmente, pelo homem (aqui tomado na acepção ampla), são denominados elementos culturais , porque provenientes de uma dada cultura. Assim, diferentes culturas, em momentos diferentes, produziram elementos culturais semelhantes.

Outro achado, não menos interessante, é que sociedades primitivas têm em comum o fato de se bastarem a si mesmas, de se considerarem os únicos homens “verdadeiros”, reservando aos estrangeiros um gesto de indiferença, quando não de desprezo. Os esquimós chamam de inuit   os membros de sua própria raça; do mesmo modo os khoikhoin, habitantes da África do Sul, assim se autodenominam; esses dois termos significam simplesmente “homens” ou “verdadeiro homens”, como se não os houvesse nas outras raças. Na língua dos ianomâmi, importante etnia da Amazônia, “ianomâmi” significa “homem”, “gente” ou “espécie”. Quem não é ianomâmi é nape, isto é, “forasteiro, gente com quem é preciso tomar cuidado, gente perigosa”. Com esse termo, qualificam os outros. Os antigos gregos e romanos

costumavam chamar de “bárbaros” os membros de outros

povos, pois os outros “pipilavam” como as aves em vez de falar uma língua razoável como a deles... E aqui no Brasil das capitanias os índios tupis e os portugueses tratavam os tapuias e outros como “bárbaros” porque não falavam tupi. O mito de raça e a capacidade cultural A antropologia vem demonstrando que o homem se

desenvolve nas diversas partes de nosso planeta, e a raça a que pertence não é um elemento que faça muita diferença em seu avanço para o progresso. O fator humano é, pois, considerado uma constante, isto é, as diferenças de raças e ipos físicos não são significativas se comparadas à influência da cultura. Isso significa que todas as raças são igualmente capazes de desenvolvimento cultural, e a cultura age

independentemente da herança racial: do tipo físico ou da cor  da pele.

São, portanto, consideradas mitos as seguintes afirmações: • Existem raças culturalmente mais adiantadas que outras. • Os africanos só chegaram à civilização quando esta lhes foi levada pelos europeus.

• As civilizações modernas mais elevadas foram desenvolvidas pelos brancos europeus.

Ao afirmar que os africanos só alcançaram a civilização quando os europeus ali chegaram para saquear suas riquezas e

carregá-las para a Europa, as pessoas esquecem que

civilizações como a egípcia já eram complexas e bem adiantadas há mais de 3 mil a.C., quando os europeus ainda engatinhavam.

Já quem crê que as civilizações modernas mais elevadas foram desenvolvidas pelos brancos europeus, ignora que

somente na Renascença, portanto há poucos quinhentos anos, é que os centros de invenção cultural se deslocaram para o norte da Europa. Por volta da Idade Média europeia, os índios maias da América Central já haviam realizado feitos culturais maiores que os dos brancos europeus da mesma

época. Um bom exemplo de que não é a raça que é preponderante, mas a cultura, está na história dos uto-astecas. Os astecas, comanches e shoshones são índios que apresentam semelhanças do ponto de vista de raça e de linguagem, o que indica uma tradição histórica comum. Há setecentos anos, eram simples caçadores, no estágio mais simples da escala cultural, vivendo nos desertos ocidentais da

mérica do Norte. Acontecimentos históricos, no entanto, alteraram radicalmente seus caracteres básicos e seu desenvolvimento cultural.

Os astecas foram para o sul e se estabeleceram no que é hoje o México Central, passando a conviver com povos de culturas mais avançadas que ali se encontravam. Em 1325, os astecas fundaram Tenochtitlán, atual Cidade do México, e passados 175 anos já eram os senhores absolutos da região: plantadores de milho, construtores de estradas, astrônomos,

artistas e construtores de uma cidade com edifícios públicos tão imponentes que Fernando Cortez, o conquistador  espanhol, declarou, em 1519, que não havia em toda a ndaluzia nada que se comparasse com a glória daquela cidade.

Os comanches foram para as planícies do sudeste dos Estados Unidos e aí adquiriram cavalos e armas, entrando em contato com a tradição guerreira das tribos das Planícies. Tornaram-se assaltantes nômades, truculentos e guerreiros, tão violentos que até hoje se diz no Oeste norte-americano “selvagem como um comanche”. Os shoshones não adquiriram armas nem cavalos, nem tampouco foram para terras habitadas por povos mais

avançados. Conservaram as atitudes e a cultura que um dia compartilharam com astecas e comanches. Pacíficos, acabaram por ser maltratados por estes últimos e passaram a se esconder no deserto, desenvolvendo um forte complexo de inferioridade. Enquanto os comanches ostentavam nos cabos

de suas colheres desenhos totêmicos ricos em detalhes, os shoshones contentavam-se com colheres toscas feitas dos chifres das ovelhas das montanhas (E. Adamson Hoebel e

Everett L. Frost, p. 406). Não por acaso foram os únicos índios norte-americanos que aceitaram bem a chegada dos brancos (idem p. 33).

Desse modo, por circunstâncias históricas, povos com características semelhantes desenvolveram-se diferentemente. Os astecas (por terem entrado em contato com civilizações

mais desenvolvidas) e os comanches (por terem adquirido

armas e cavalos e a influência de povos guerreiros) tornaramse povos ativos e realizadores, enquanto os shoshones não. Como se viu, a raça não foi fator preponderante no desenvolvimento desses povos.

O contato entre os povos – e portanto entre culturas – faz avançar a cultura de uma sociedade, enquanto povos isolados, ilhados, sempre estagnam, não importa a que continente e raça pertençam. Povos cuja cultura esteja voltada para o passado são impermeáveis às mudanças e, portanto, ao desenvolvimento.

Desse modo, o que nos separa dos povos primitivos é uma diferença de grau de desenvolvimento, e não de raça. Cada elemento cultural (o bumerangue, por exemplo) é a expressão de certo desenvolvimento e, nesse sentido, representa certo progresso.

Apesar dessa constatação científica, Adolf Hitler e tantos outros têm se empenhado em provar a supremacia de sua própria raça sobre as demais – comportamento que recorda o das sociedades primitivas que também afirmam que os verdadeiros homens são os de sua própria raça e os demais, lixo. A contragosto, Hitler foi obrigado a assistir à vitória do afro-americano Jesse Owens sobre os arianos de sua raça “pura” na prova de corrida dos 200 metros rasos das Olimpíadas de 1936. Infelizmente, o estado nazista (que enviou milhares de udeus, ciganos, eslavos, poloneses e homossexuais aos

campos de extermínio) não foi o único a tentar fazer uma “limpeza” étnica para eliminar do mundo raças consideradas “menos puras” que a sua.  No final do século XX, Slobodan Milosevic, presidente da então Iugoslávia, também providenciou sua limpeza étnica e assassinou milhares de muçulmanos. Por seu lado, o governo da Frente Islâmica Nacional e suas milícias racistas, as Janjaweed, exterminaram mais de 400 mil negros, expulsaram

de suas casas outros 2 milhões, queimaram quase todos os povoados negros, estupraram as mulheres negras para

inseminá-las com “semente árabe” e “destruir sua raça de dentro para fora”. Em Darfur, fronteira geográfica que separa a África árabe da África negra (no oeste do Sudão), desde a década de 1980 os islâmicos de Cartum anseiam por “arabiza por completo nossa parte da África” e expulsar do país a população negra, “inferior” segundo eles (in Folha de S. Paulo, 8 out. 2005).

2. Cultura e sociedade. Relatividade cultural. Tolerância O PLANETA EM QUE VIVEMOS NÃO É O MESMO PARA CADA POVO QUE SE ORGANIZA EM SOCIEDADE PARA TORNAR A VIDA MAIS SEGURA E DESENVOLVE UMA

CULTURA PRÓPRIA PARA RESPONDER AOS DESAFIOS QUE O CLIMA E A GEOGRAFIA LHES IMPÕEM. PARA TANTO, O GRUPO SOCIAL SELECIONA PADRÕES DE COMPORTAMENTO E COSTUMES QUE ASSEGUREM A

SUA SOBREVIVÊNCIA E PUNE AQUELES QUE OS TRANSGRIDEM. COMPREENDER ESSE FENÔMENO É A CHAVE PARA CONVIVER COM A DIVERSIDADE CULTURAL E O MULTICULTURALISMO.

O

trabalho dos antropólogos vem demonstrando que existem sociedades com compreensão e soluções diferentes umas das outras. Tais descobertas nos ajudam a entender quem somos, o que fazemos e, mais importante que nunca,

indicam que a solução encontrada por nosso grupo social, aquele em que nascemos e fomos criados, não é a única, nem sequer absoluta.

A humanidade busca compreender o mundo e organizá-lo para dar-lhe um sentido, colocar “ordem no caos”. Para tanto, procura interpretar e conferir um significado ao ambiente que a

cerca. A visão que um povo tem do mundo está contida em sua cultura, ou seja, a cultura reflete a cosmovisão, a

concepção de mundo desse povo. Desse modo, o planeta em que vivemos não é o mesmo para cada povo. A concepção de vida e de mundo difere de uma cultura para outra. Por exemplo: na cosmovisão dos astecas, o ser humano foi criado pelo sacrifício dos deuses e, por isso, incumbido de manter as divindades com o sangue do

sacrifício humano. Por isso é que para os astecas os sacrifícios humanos não eram vistos como uma barbárie, mas como uma forma de cumprir seu papel e de manter a ordem cósmica. Em resumo, as instituições, os relacionamentos, as artes e as tecnologias variam em todo o mundo, porque dependem de

uma concepção própria do grupo social que as desenvolveu. Um exemplo simples são as cores do arco-íris, cujo número depende do grupo social que o observa. Para os bretões, o arco-íris tem quatro cores, para nós sete, pois “cada uma das línguas recorta o continuum arco-íris. Não cabe a discussão se existem dois arco-íris. O que está em jogo é o fato da existência das duas interpretações, cujos significados estão elacionados a toda experiência cultural dos falantes de cada língua” (in A pesquisa: recepção da informação e produção do conhecimento,  por Maria de Fátima G. M. Tálamo, ataGramaZero – Revista de Ciência da Informação –  v.5 n.2 abr/04). Outro exemplo é o gelo. Para os esquimós, há diversas palavras para definir os diferentes tipos de gelo. Para nós, brasileiros, só existe um termo para defini-lo. Tolerância, então, é fundamental, pois aquilo que para nós é

uma verdade elementar  em outras sociedades pode não o ser. Um exemplo: Margaret Mead observou, em Samoa, que

os adolescentes de lá não passam pela crise que passamos nós, em razão do tipo de sociedade em que vivem. Isso quer  dizer que a crise da adolescência não acontece necessariamente em todas as sociedades. Da mesma forma,

não é universal – nem uma verdade absoluta – a ideia de que a linhagem deva ser patrilinear, determinada pelo pai. Cientistas

observaram que nas ilhas Trobriand, no sul do Pacífico, a sociedade está organizada em clãs matrilineares; o que conta ali é a linhagem materna. Para os habitantes dessas ilhas, isso é evidente e se justifica porque a gravidez resulta da entrada, no corpo da mulher, do espírito ( balomà) de um antepassado

morto do clã matrilinear; portanto, o pai não está relacionado geneticamente com o filho – este pertence somente ao clã de sua mãe. Todos aceitam essa proposição como uma verdade elementar . Mas não precisamos ir muito longe: durante séculos, as mulheres foram rejeitadas por não darem filhos homens a seus maridos e até hoje, em muitos recantos de nosso país, acredita-se que é responsabilidade da mulher o nascimento de um filho homem. Mas a ciência já provou que a determinação do sexo da criança somente pode ser dada pelo homem, jamais pela mulher, pois elas têm cromossomo  XX  e os homens,  XY. Pela lógica, não há como a mulher com seus  X  definir o sexo de seu filho XY .

capacidade de criar cultura e de simbolizar

A antropologia tem por objetivo o estudo da humanidade

como um todo e de todas as suas manifestações e atividades. Uma de suas constatações é a de que o ser humano é um animal que cria cultura e está preso a uma cultura . O antropólogo britânico Edward Burnett Taylor emitiu em 1871 um conceito que se tornou clássico: cultura é um todo complexo que inclui conhecimento, crença, arte, moral, legislação, costumes e quaisquer outras capacidades e hábitos adquiridos pelo homem como membro da sociedade.

Em 1952, dois outros antropólogos, os estadunidenses A. L. Kroeber e Clyde Kluckhohn, afirmaram que a cultura é uma abstração ou, mais especificamente, uma abstração do comportamento. A cultura avança e evolui de comportamentos instintivos a comportamentos aprendidos; padrões de comportamento são adquiridos e transmitidos de indivíduo a indivíduo, de geração a geração, até se chegar a um sistema cuja essência é o significado, que não pode ser apreendido apenas pelos sentidos.

Um exemplo: do instinto de sobrevivência vem a necessidade de comer. Inicialmente comia-se com os dedos, depois se criou a colher, o garfo, e hoje, desde muito equenos, nossos pais nos ensinam a usar os talheres para

comer, a nos sentarmos adequadamente à mesa, a usar  guardanapo, a limpar os lábios antes de levar o copo à boca; enfim, aprendemos as chamadas “boas maneiras”, que nada ais são que um padrão de comportamentos considerados

adequados para um determinado grupo social enquanto pode

não ser para outro. As boas maneiras à mesa são, em resumo, um comportamento aprendido e adquirido e um sinal de refinamento de grupo ou de classe. No entanto, observa o

sociólogo alemão Norbert Elias, com a crescente valorização de quem tem dinheiro, os sinais distintivos de boas maneiras

perdem significado para signos mais visíveis como a ostentação de roupas de grife ou carros de determinadas marcas. Outro exemplo: um turista estrangeiro ao ver uma faixa alvinegra dependurada do lado de fora de uma casa na cidade

de São Paulo poderá imaginar que essa faixa simboliza algo, mas provavelmente não saberá dizer com certeza o quê. Já u torcedor corintiano ou santista associará na hora a faixa ao se time. Afinal, o torcedor se fez torcedor porque cresceu num

ambiente em que o futebol é importante, e não menos importante a adoção de um clube pelo qual torce e sofre. Por  outro lado, o mesmo turista estrangeiro poderá não ter  dificuldade em identificar o simbolismo contido numa faixa em

que estejam estampadas as cores do arco-íris. É sabido que o movimento GLBT, de gays, lésbicas, bissexuais e transgêneros, faz uso dessas cores, e elas podem ser vistas em manifestações e passeatas no mundo todo. Assim, cultura é um ambiente criado pelo homem graças à sua capacidade de criar símbolos. Para resumir, em termos antropológicos, “a cultura é o sistema integrado de padrões de comportamento aprendidos,

os quais são característicos dos membros de uma sociedade e não o resultado de uma herança biológica” (E. Adamson Hoebel e Everett L. Frost, p. 4).

Para a sociologia, a capacidade humana de simbolizar é o atributo que torna possível a produção da cultura. A sociedade, então, precede a cultura (Fernando Henrique Cardoso e Octavio Ianni, p. 17).

 Nossos ancestrais, os hominídeos, viviam inicialmente em sociedade e, lentamente, pela coexistência e interações de suas vidas, começaram a desenvolver uma cultura primitiva: tinham sede e por instinto bebiam água. Um dia produziram com um pouco de barro uma tigela para carregar a água. A tigela é um primeiro elemento cultural. Eles saíam à caça e fizeram um primeiro machado de pedra lascada. E não tardou muito para que o machado adquirisse um novo significado, ou

seja, além de cortar e ferir passou a simbolizar poder e autoridade.

Com a simbolização, a humanidade deu um passo revolucionário, pois o símbolo adicionou uma nova dimensão à existência humana. O machado passou a símbolo de autoridade, o acasalamento tornou-se matrimônio, e as relações sociais entre esposos, pais e filhos, irmãos e irmãs passaram a envolver obrigações morais, deveres, direitos e privilégios. Tudo passou a ter um significado próprio. E após algum tempo de domínio da técnica de fazer tigelas, começaram a produzir riscos e desenhos sem função instrumental, isto é, apenas para enfeitar as tigelas que

produziam. Começavam a fazer arte. E essa tigela pode ser  considerada uma manifestação cultural artística própria daquela sociedade.

Convém esclarecer que sociedade e cultura não são a esma coisa. A sociedade humana é constituída por pessoas; a cultura, pelo comportamento dessas pessoas. A pessoa

pertence à sociedade, mas não seria exato afirmar que ertence a uma cultura; ela sociedade.

manifesta a cultura de sua

Sociedade: seleção de comportamentos

A função primeira da sociedade é tornar mais segura a vida das pessoas que a integram, é garantir a continuidade do grupo social. A cultura se desenvolve como resposta aos problemas da

vida enfrentados pelo indivíduo e seu grupo social. Ela consist num conjunto de meios para satisfazer as necessidades de

sobrevivência dos indivíduos, necessidades essas que não são apenas materiais. Assim, as culturas oferecem meios de

sobrevivência para caçar, pescar, fazer fogo, relacionar-se com os outros membros, curar suas doenças, aliviar suas aflições, medos e ansiedades. Segundo o antropólogo alemão Franz Boas, considerado o avô da moderna antropologia, “a humanidade é uma, as civilizações são muitas” (E. Adamson Hoebel e Everett L. rost, p. 22). Os costumes, a moral, as visões de mundo e de si própria diferem de sociedade para sociedade.

Cada sociedade seleciona seus padrões de comportamento de acordo com o modo como percebe o mundo exterior e o

próprio homem, isto é, de acordo com certos princípios ou proposições. Tais princípios não são demonstráveis ou cientificamente provados. São os chamados  postulado existenciais. Retornemos ao exemplo dos habitantes das ilhas Trobriand com sua linhagem matrilinear. Muitas das

peculiaridades da vida social e sentimental desse povo são compreensíveis somente dentro dos termos de sua sociedade. Há também os  postulados normativos  ou os valores, que se referem à bondade ou maldade. No Brasil, uma mulher  pode conversar com um homem desconhecido na rua sem que isso seja considerado imoral e ela venha a ser punida. No

entanto, esse comportamento é vedado às mulheres que vivem sob o regime do Taleban, no Afeganistão. Portanto, o certo e o errado ( os valores ) e os usos e atividades ( os costumes )

são relativos à sociedade da qual fazem parte. Tal entendimento é, no entanto, motivo de críticas, pois onde tudo é relativo não há como fixar uma verdade absoluta para estabelecer regras de comportamento. Do ponto de vista da sociologia, a cultura proporciona a seus membros um guia em todos os campos da vida, e sem ela

esses membros não poderiam funcionar bem. Para o antropologista cultural estadunidense Ralph Linton, “o fato de a maioria dos membros da sociedade reagir a uma dada

situação de determinada forma capacita qualquer um a prever  o comportamento com um alto grau de probabilidade”

(Fernando Henrique Cardoso e Octavio Ianni, p. 99). A

possibilidade de fazermos essa previsão demonstra que vivemos numa sociedade e conhecemos bem seus postulados existenciais e normativos. Segundo o mesmo estudioso, a

existência dos padrões culturais nos dá a segurança de que se nos comportarmos de acordo com eles receberemos

aprovação social, e se não o fizermos sofreremos pressão. Assim, se alguém desrespeita ou se afasta de qualquer um dos valores ditados pela sociedade, o resultado pode ser

desastre, pois a sociedade só é possível dentro de uma ordem estabelecida pelos seus membros. Não é, pois, de admirar qu sofra algum tipo de punição quem transgride as normas da sociedade em que vive: seja a legislação de seu país, os costumes de sua família ou o que pensa a sua roda de amigos. E essa punição pode ir da simples admoestação ao ostracismo ou banimento.

As funções básicas da sociedade Enquanto filhotes de outros animais rapidamente se tornam independentes, os filhos do  Homo sapiens demoram muitos

anos para poderem se defender e se alimentar sozinhos. Daí que o relacionamento estável da sociedade seja um requisito indispensável para a manutenção de nossa espécie. Para garantir sua sobrevivência, as sociedades desenvolve uma cultura própria, isto é, “cada sistema cultural inclui meios estabelecidos de prover alimento, abrigo, saúde e de organizar  as relações sexuais, a educação cultural dos indivíduos, a

economia, a tecnologia, o comércio, o governo e as leis, a guerra e a defesa, o mundo significativo e as crenças religiosas” (E. Adamsom Hoebel e Everett L. Frost, p. 29). Os antropólogos identificam seis funções básicas da sociedade:

• Manter o funcionamento biológico dos membros do grupo.

• Reproduzir novos membros. • Socializar os novos membros, transformando-os em adultos operantes.

• Produzir e distribuir bens e serviços necessários à vida. • Manter a ordem dentro do grupo, entre si e entre estranhos.

• Definir o “significado da vida” e manter a motivação, desempenhando atividades necessárias à sobrevivência. Componentes da cultura. Reais e ideais

As culturas, como já vimos, são constituídas de normas comportamentais ou costumes. Na verdade, muitos de seus

costumes sofreram a influência de outras culturas em virtude das trocas entre os povos, tanto pelo comércio entre eles como pelas guerras ou pela proximidade. O viajante e comerciante Marco Polo deixou Veneza, em 1271, e se dirigiu

à Ásia para estabelecer comércio com outros povos. Da China, ele trouxe, entre outras coisas, o macarrão hoje identificado como italiano.

As culturas também não são estáticas, paradas no tempo e

no espaço; elas estão constantemente se modificando. No início do século XX, as famílias eram numerosas, com muitos filhos. Com o advento da noção de que os pais devem prover  educação a todos os filhos e de que está proibido o trabalho infantil, a manutenção de uma prole numerosa passou a exigir  grande soma de dinheiro, o que levou à redução do número d nascimentos. Assim, igrejas que proibiam o controle da natalidade passaram a admiti-lo sob a justificativa da

“paternidade responsável”, isto é, o número de filhos deve estar de acordo com a capacidade dos pais em alimentá-los e educá-los. Os antropólogos identificam como cultura real o que os membros de uma sociedade fazem nas atividades do seu dia a dia e como cultura ideal o que esses mesmos membros

expressam verbalmente como um padrão de comportamento. ma boa ilustração são os ditos “na prática, a teoria é outra” ou “faça o que eu digo, mas não faça o que eu faço”. Os antropólogos sabem que há uma distância entre o que se diz e o que se faz. Um exemplo é o aborto, condenado pela sociedade brasileira mas amplamente praticado tanto nas

camadas mais ricas como nas mais pobres da população –  com a diferença de que as mulheres que têm dinheiro vão a ma clínica clandestina, mas bem equipada, e as mulheres pobres vão a clínicas precárias ou elas mesmas fazem uso de cabide, ervas e, não raro, acabam morrendo. Pesquisa recente com 14.320 ginecologistas-obstetras comprova que os que

condenam o aborto aceitam a prática em casos excepcionais,

isto é, quando sucede com a própria médica ou a parceira do médico (Aníbal Faúndes, Graciana Alves Duarte, Jorge ndalaít Neto, Maria Helena de Sousa, nov./2004). Os autores da pesquisa comentam: “A atitude dos médicos muda quando o dilema de uma gravidez não desejada os afeta diretamente”. Pertencem à cultura real, no Brasil, o “jeitinho”, a corrupção (“rouba, mas faz”), a impunidade (se o roubo for de uma margarina, certamente dará cadeia; se for de milhões, dificilmente), e o “gênio” (não é preciso estudar, planejar e se esforçar). A boa notícia é a existência de um movimento crescente de cidadania que tem levado parcelas cada vez

maiores da população a repudiar essas práticas na política, nos negócios e na família e a valorizar os que se empenham e preparar-se para assumir tarefas. A diversidade cultural brasileira

Os Estados Unidos orgulham-se de ser um

melting pot ,

uma mistura de raças, de etnias. Para o antropólogo estadunidense Conrad Phillip Kottak, o Brasil tem demonstrado ser mais melting pot  do que os Estados Unidos

ou o Canadá, onde os grupos étnicos retêm suas singularidades e identidades. O antropólogo recorda a primeira vez em que foi a Porto Alegre, cidade que recebeu

uma migração massiva de poloneses, alemães e italianos. Kottak solicitou então ao guia que lhe mostrasse os bairros étnicos como os que se veem nos Estados Unidos. Para sua

surpresa, o guia nem sequer entendeu a pergunta. À exceção da região da Liberdade em São Paulo, o bairro dos aponeses, “a ideia de um bairro étnico é alheia ao Brasil” (Conrad Phillip Kottak, p. 57). Segundo o antropólogo, o Brasil é um país que assimila mais e melhor minorias étnicas –  assimilação sendo aqui entendida como o processo em que a inoria adota os padrões e normas da cultura que a recebe e é incorporada de tal modo à cultura dominante que deixa de existir como uma unidade separada. Em bom português, somos um país de mestiços cuja cor verdadeira não é branca, nem negra, nem mulata, nem amarela, mas o que delas todas eunidas resulta.

 Nossa diversidade cultural é uma de nossas maiores iquezas, declarou Francisco Weffort, quando ministro da cultura. Desse melting pot  sobressai a cultura europeia. O

professor Antonio Candido declara: “Encaremos, por  conseguinte com serenidade nosso vínculo placentário com as culturas europeias, pois ele não é uma opção, é um fato quase atural” (Lucia Santaella, p. 49). Integram e enriquecem nossa cultura, as culturas do povo que aqui chegou primeiro, os

indígenas, assim como as do povo que aqui chegou agrilhoado e escravo, os negros africanos. Contribuem em menor escala

as culturas asiáticas, judias e árabes. Graças à organização do ovimento negro, a riqueza e contribuição da cultura afrobrasileira é valorizada hoje e alvo da atenção dos titulares das pastas de cultura do país. Assim, não é necessário ser antropólogo para observar que

no quente Nordeste brasileiro uma das bebidas preferidas é a refrescante água de coco, enquanto no sul do país toma-se muito o chimarrão. A escolha das bebidas, comidas, trajes e outros hábitos ocorre mais em função do clima e de aspectos geográficos de cada região do que pela raça. O Brasil, por  suas dimensões continentais, é um país de contrastes. A cultura do gaúcho com seu fogo de chão, churrasco e seu mate é diversa daqueles que se criaram nas agruras do sertão ou junto às belezas naturais de nosso litoral. Embora a cana-de-açúcar tenha sido plantada inicialmente em São Vicente, no estado de São Paulo, foi no Recôncavo Baiano e na Zona da Mata nordestina onde ela melhor se

desenvolveu, graças ao clima quente e úmido, ao solo de massapé, à facilidade de transporte pelos rios que se dirigiam ao oceano e à presença da Mata Atlântica que fornecia madeira para fabricação de caixotes para transporte de açúcar, combustível dos engenhos e madeira para as construções. Nos séculos XVI e XVII, o açúcar produzido ali passou a ser o produto de maior comércio internacional e sua importância na época se equipara à do petróleo nos dias de hoje. Não é de admirar, pois, que banqueiros de Portugal e Holanda ali tenham investido tão pesadamente que acabaram por transformar a cultura açucareira em monocultura, ou seja, a única cultura, o que levou a região a passar por crises de subsistência por falta de lavouras básicas para alimentar a população. A mão de obra foi garantida com o trabalho escravo de negros da África. Desse modo, a grande produção

açucareira gerou o latifúndio, a monocultura e a escravidão (Melhem Adas, p. 196).

O café, plantado inicialmente no século XVIII no Pará, Maranhão e Bahia, tornou-se a grande riqueza de São Paulo no século XIX, graças ao solo mais apropriado para seu plantio. A cafeicultura nesse estado estimulou o

desenvolvimento ferroviário (para escoamento dos grãos), influiu no aparelhamento do porto de Santos e estimulou o

fluxo imigratório de europeus provenientes da Itália e lemanha, principalmente, que substituíram a mão de obra escrava a partir de 1880. Com a queda da importância do café como riqueza, a elite paulista passou a direcionar seus recursos para a industrialização do estado. O cacau foi introduzido no sul da Bahia no século XIX e ali se desenvolveu. Foi essa cultura cacaueira a responsável pelo povoamento da região, aparecimento de cidades e de tipos de habitação rural bem definidos. E porque seu cultivo exige poucos trabalhadores, daí a baixa densidade populacional. O cacau elevou a cidade de Itabuna a centro comercial e Ilhéus a porto para escoamento de cacau para o mercado externo,

além da construção de rodovias para escoar a produção (Melhem Adas, p. 200).

Foi no Nordeste do período colonial que se desenvolveu melhor a pecuária bovina, devido ao relevo sem barreiras que facilita o deslocamento do gado, a abundância de pastagens naturais, o sal-gema, importante para sua alimentação, o rio São Francisco e o mercado consumidor de couros e carnes,

representado pelos engenhos. A partir dali se exportava o couro, a carne-seca ou de sol (Melhem Adas, p. 206). O trabalho escravo que sustentou a economia brasileira

estendeu-se por séculos, desde o ciclo da cana-de-açúcar, nos séculos XVI e XVII, até o do café, nos séculos XIX e XX.

Pode-se depreender por essa breve exposição da agricultura e pecuária brasileira que o solo e os aspectos geográficos são fundamentais para a formação da população local, seus costumes, riqueza, portanto, de sua cultura. Por

exemplo, situam-se no Nordeste as principais festas folclóricas brasileiras ligadas ao ciclo do gado: remontam ao período colonial como o bumba meu boi, assim como sua culinária e vestimenta em que o couro predomina. Pernambuco – que recebeu numerosa população africana como mão de obra escrava para o ciclo do açúcar – tem no frevo sua dança típica cuja origem provém dos capoeiristas que acompanhavam as bandas de música e eram perseguidos pela polícia. Os capoeristas passaram a disfarçar os golpes da capoeira com passos estilizados, substituíram suas armas e símbolos por um guarda-chuva que veio a ser substituído por uma sombrinha alegre e colorida. Nos estados do sul e sudeste festas de

origem europeia como a Oktoberfest ou a grande presença de cantinas italianas ocorre devido às ondas imigratórias de italianos e alemães, principalmente, que vieram a São Paulo, Paraná e Santa Catarina para substituir a mão de obra escrava libertada pela Lei Áurea.

Da mesma forma, sabemos que no Brasil podemos usar

aiôs e biquínis em nossas praias, enquanto nos países islâmicos de regime teocrático as mulheres devem usar uma versão radical do xador, a burqa ou burca, uma veste feminina que cobre todo o corpo, até o rosto e os olhos. E enquanto o adultério da mulher, ou de qualquer um dos cônjuges, em osso país é motivo legal de divórcio, nos países árabes o que vale é a lei islâmica, a sharia, que prevê como punição para a ulher adúltera que ela seja enterrada até o pescoço, ou até as axilas, e apedrejada até a morte. Convém recordar que o termo moral provém do latim mos, oris que significa uso, costume. Confirma-se, então, que oral e costumes são uma questão de latitude. Na verdade, ma questão de cultura.

3. Cultura e política. Cruzamento ou confronto de culturas? A CULTURA NÃO É INSTINTIVA, MAS ENSINADA DE UMA GERAÇÃO A OUTRA, DETERMINADA A GARANTIR A PRESERVAÇÃO DE SUA CULTURA, COSTUMES, ORGANIZAÇÕES, CRENÇAS ETC., POIS HÁ O TEMOR DAS INOVAÇÕES E DAS INFLUÊNCIAS DE OUTRAS CULTURAS. POR ISSO, NÃO É DE ADMIRAR QUE O MULTICULTURALISMO E A DIVERSIDADE CULTURAL

SUSCITEM TANTOS DEBATES E LEVEM A REAÇÕES EXTREMADAS DE CONFRONTO.

Vimos, anteriormente, que a sociedade precede a cultura.

Ora, muitos animais têm uma vida social e até mesmo uma formidável organização social, como as formigas e as abelhas. A sociedade das formigas apresenta uma divisão bem delineada de trabalho entre zangões, operárias, soldados, machos, fêmeas e rainha. Sua colônia é provida de quarteirões ativos, armazéns para ovos, tudo muito bem ordenado. As formigas se relacionam entre si por um conjunto integrado e

constante de relacionamentos que são predeterminados em sua organização genética. Isto é, pouco ou quase nenhum de seus comportamentos é aprendido com formigas adultas. O zoólogo austríaco e prêmio Nobel Karl von Frisch estudou a comunicação entre as abelhas e descobriu que elas conseguem comunicar às outras abelhas da colônia a distância

e a direção em que está o alimento, por meio de dois tipos de movimentos rítmicos ou danças: rodando e balançando. E ainda utilizam o sol como compasso. Para ele, “as ações da abelha são governadas principalmente por instinto [...] padrõe inatos, impressos no sistema nervoso dos insetos” (E. Adamson Hoebel e Everett L. Frost, p. 17).

Monty Roberts – que não é antropólogo nem sociólogo, mas um cowboy estadunidense muito perspicaz – seguiu e observou durante semanas, em 1948, as manadas selvagens de cavalos mustangues de Nevada, nos Estados Unidos.

essa experiência ele notou uma comunicação entre os cavalos – batizada por ele de “língua Equus” – que lhe permiti domar potros selvagens sem a necessidade de chicote e maustratos. Percorreu o mundo apresentando e provando que seu

método funciona com potros de todas as raças de qualquer  país. Eu mesma tive a oportunidade de testá-lo em cavalos da raça manga-larga paulista. A “língua Equus” não é ensinada pelos cavalos adultos aos potros, mas está em sua genética. É um instinto.

Enfim, a natureza da comunicação de animais e insetos é diferente da dos seres humanos. Nenhuma abelha, formiga ou

cavalo adulto se dedica a ensinar sua comunicação; ela é instintiva, está impressa em sua genética. A linguagem humana é de natureza diversa: comunica ideias, emoções e desejos por meio de um sistema de símbolos não instintivo , segundo o criados de modo voluntário e lingüista alemão Edward Sapir. E a linguagem tem de ser 

aprendida.

Claude Lévi-Strauss estudou a função simbólica das pinturas faciais, visíveis e artísticas dos índios caduveus do Brasil. Segundo ele, “as pinturas da face conferem ao indivíduo sua dignidade como ser humano”, ajudam-no a transpor as fronteiras da natureza para a cultura, e do animal

“sem razão” para o homem civilizado (Claude Lévi-Strauss, p. 176).

A cultura de uma sociedade é transmitida aos seus membros por um sistema de símbolos próprio dessa sociedade. Ela não está impressa no código genético de seus membros; deve ser ensinada por uma geração e aprendida pela outra.

Cultura: patrimônio e direito. Conservação e transformação

A cultura é, pois, própria dos seres humanos; não é instintiva, mas adquirida, aprendida e  produzida   apenas

pelos seres humanos. Desse modo, todos têm direito à cultura, assim como têm à educação. O historiador brasileiro Jaime Pinsky é enfático ao propor  “cultura como sendo o patrimônio que a humanidade acumula a cada geração. (...) Assim, é uma questão de crença no potencial humano defender o direito de todos terem contato

com obras fundamentais da cultura, produções do gênio humano” (In “Cultura, um direito de todos”, Folha de S.Paulo, 8 nov. 2005).

Segundo o antropólogo Ralph Linton, “as sociedades se perpetuam ensinando aos indivíduos de cada geração os padrões culturais referentes às posições que se espera que ocupem na sociedade. Os novos recrutas da sociedade aprendem como se comportar como maridos, chefes ou

artesãos e assim perpetuam essas posições e com elas o ”. Desse modo, valores, sistema social como um todo costumes, organizações, instituições, crenças, religiões, artes, instrumentos, tecnologias etc. devem, então, ser transmitidos por tradição de geração a geração e enriquecidos pelo intercâmbio com outras culturas e pelo próprio povo. Há culturas mais conservadoras, isto é, mais resistentes às udanças. A luta pelo voto feminino no Ocidente, por  exemplo, foi iniciada em 1848. As chamadas sufragistas,

ulheres, mães e esposas, saíram em passeatas, foram presas e encarceradas em sua luta para obter o direito de voto. Essa

luta demorou setenta anos no Ocidente e em alguns países árabes esse direito ainda é negado às mulheres, como no Kwait.

Cada um de nós desempenha um papel duplo na sociedade, como observou Ralph Linton. Por um lado, se estivermos bem condicionados e integrados na estrutura social, tanto maior

será nossa contribuição para o funcionamento uniforme da estrutura e mais certa a recompensa. Por outro lado, as

sociedades funcionam num mundo em “perpétua mudança”, e porque nós seres humanos temos uma capacidade fabulosa de adaptação podemos desempenhar um segundo papel na

sociedade, que é o de transformá-la. Nas palavras de Linton, “a aptidão sem paralelos de nossa espécie para o ajustamento a condições em mudança e o desenvolvimento de reações cada vez mais eficazes a situações comuns, se fundamenta no indivíduo que sobrevive em cada um de nós, apesar da influência decisiva da sociedade e da cultura” (Fernando Henrique Cardoso e Octavio Ianni, p. 100). Como uma

simples unidade do organismo social, cada um de nós erpetua o status quo de nossa sociedade, e, por outro lado,

ambém pode ajudar a transformá-la. Um exemplo desse papel duplo é o dos principais protagonistas da Inconfidência Mineira: os poetas José de lvarenga Peixoto, Cláudio Manoel da Costa, Tomás Antonio Gonzaga. Além de cultivarem a poesia, tinham em comum o fato de serem ricos, possuírem lavras de onde se extraíam as iquezas das Minas Gerais. Quando a derrama se instala,

passam do poema à rebeldia, de poetas a insurgentes, a ramar a independência. O que levou à Inconfidência foi o combustível de sempre: a alta dos impostos. Além da informação de movimentos e ideais revolucionários em outras egiões do mundo, as revoluções francesa e americana. Outro exemplo é o dos protagonistas da Semana de Arte oderna de 1922, em São Paulo, na qual diversos artistas decidiram apresentar no Teatro Municipal de São Paulo suas ideias de vanguarda, com temas nacionais e estética moderna. ram jovens artistas que freqüentavam, em sua maioria, a famosa Villa Kyrial, como era chamada a residência do

senador poeta Freitas Valle, homem de visão que apoiava as artes e obtinha bolsas de estudos para que pudessem se

aperfeiçoar na Europa, como a pianista Guiomar Novaes, o maestro Souza Lima e a pintora Anita Malfatti. Ali, muitos

deles podiam discutir suas ideias, ler em público suas poesias submeter sua arte a uma crítica exigente. Enfim, Freitas Valle ao receber em sua casa esses jovens artistas, apoiá-los e incentivá-los cumpria um papel que deveria ser do Estado. A Semana de 22 aconteceu com o apoio do maranhense

Graça Aranha, acadêmico de prestígio, e “da elite paulistana, que na ausência de órgãos oficiais atuantes no setor vinha, desde o século precedente, assumindo a tarefa de incrementar  eventos artísticos e culturais, [e] não só consentiu como até ajudou a financiar o evento por meio de gordas contribuições” (Marcia Camargos, p. 184). Durante a Semana, os

modernistas foram vaiados pelo público habituado à arte acadêmica europeizada. Mas, embora criticados, não deixaram de seguir seu caminho de vanguardistas. Uma nota

destoante foi Anita Malfatti, a “incompreendida criadora do Homem amarelo ”, que não resistiu à pressão das críticas e da própria família e acabou por abandonar a trilha vanguardista, como atesta uma carta sua de 1925 descrevendo uma de suas

obras “de tema e estilo que nem de longe esbarravam em qualquer tipo de vanguardismo” (Marcia Camargos, p. 176).  Semana de Arte acabou por deslocar o eixo literário acional para São Paulo e despertou uma nova mentalidade que, entre outras coisas, levou à criação da Universidade de

São Paulo em 1934. O Teatro Amazonas, em Manaus, inaugurado em 1896 e

hoje tombado como monumento nacional foi construído por  inspiração e empenho da elite manauense no ciclo da borracha e ali recebeu nomes internacionais do canto e da dança. Outro exemplo de papel duplo transformador é o de Luís rrobas Martins. Nomeado secretário da fazenda do estado de São Paulo (1967-1970) pelo governador Abreu Sodré, ele não se limitou a administrar sua pasta e chefiar importante modernização administrativa. Homem culto e amante das artes, inspirou o governador a criar a primeira secretaria da

cultura do país. Além disso, idealizou e criou os museus de Arte Sacra, da Casa Brasileira e da Imagem e do Som (MIS)

e o do Palácio da Boa Vista em Campos do Jordão. Foi também o idealizador e o criador do Festival de Inverno de Campos do Jordão, o maior e o melhor do gênero na América Latina. Com uma resolução publicada no Diário Oficial  de 27 de abril de 1970, Arrobas Martins criou a comissão organizadora dos Concertos de Inverno de Campos do

Jordão, com programas de música de câmera, de música sinfônica e de canto, indicando o maestro Camargo Guarnieri ara coordenar os trabalhos.[2]

Mais um exemplo de papel duplo transformador é o de arcos Mendonça na área cultural. Foi o autor da primeira lei de incentivos fiscais ao setor – a chamada Lei Mendonça –  que renovou a vida cultural em São Paulo e deu origem a dezenas de leis semelhantes em outros estados, além de servir 

de modelo na área federal para a Lei Rouanet. Como secretário da cultura, respondeu pela reforma e inauguração da Pinacoteca do Estado, pela restauração do antigo Theatro São Pedro, pela inauguração do Pavilhão das Artes Manoel da Nóbrega, no Ibirapuera, pela implantação do Memorial do Imigrante, a reestruturação da Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo (Osesp) sob o comando do exigente maestro carioca John Neschling (graças a ele considerada hoje a melhor da América Latina), e o complexo cultural Júlio Prestes, onde funciona a mais importante sala de concertos do

país – a Sala São Paulo. Um último exemplo de papel duplo de transformador é o de Claudia Costin na administração pública e, principalmente, no comando da cultura do estado de São Paulo (2003-2005). m sua gestão, o Festival de Inverno de Campos do Jordão etornou à proposta original, concentrado em música clássica de qualidade, com ênfase muito maior em formação de úsicos. Entre outras realizações suas, contam-se a reabertura do Museu de Imagem e do Som, a criação e implantação do teliê Amarelo, projeto de residência para dez artistas visuais por ano, sob a curadoria da artista plástica Maria Bonomi, qu se comprometem a registrar poeticamente o centro da cidade

de São Paulo em seu trabalho. No campo da música, Claudia Costin ampliou os concertos da Sala São Paulo, oferecendo concertos didáticos e ensaios abertos a professores e alunos da rede pública através de programas educacionais para rofessores e escolas que visam oferecer acesso a variadas

vivências culturais, enriquecendo os participantes como indivíduos conscientes de seu papel como agentes transformadores da sociedade em que atuam. Sob seu

comando, a Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo ganhou status  jurídico que lhe permite melhor gestão, e as orquestras Jazz Sinfônica e Banda Sinfônica ganharam administração profissionalizada, sede e programa de assinaturas. O projeto Guri passou a contar com 185 equenas orquestras e cameratas envolvendo 25 mil jovens na

ebem e em áreas de risco social de todo o estado de São Paulo.

O Rio de Janeiro dedica 3% do orçamento à cultura, conforme preconiza a Unesco, com uma política pública que visa a promover a transformação social através da cultura, com projetos direcionados para a inclusão social e a integração física e espacial da cidade e direcionam um grande volume de projetos para as comunidades de baixo IDH

(Índice de Desenvolvimento Humano), justamente as que mais sofrem com a falta de equipamentos culturais. Ali, a área cultural acertadamente se denomina a Secretaria das Culturas

(SMC) e dispõe, em vários pontos do Rio, de mais de 80 equipamentos que atuam como polos de difusão de cultura. São bibliotecas, teatros (a maior rede da América Latina), centros culturais, museus, células culturais e as Bibliotecas Volantes, que percorrem o município emprestando livros e se esumem a uma Kombi, um toldo, uma mesa e quatro cadeiras, portanto com muito pouco pode-se fazer muito em

propiciar acesso à cultura. Numa demonstração de visão ampla da importância e legitimidade das diferentes manifestações de cultura, a SMC tanto apoia a tradicional Orquestra Sinfônica Brasileira do Rio de Janeiro como a ONG Jongo da Serrinha, que se dedica a preservar e divulgar

o patrimônio cultural afro-brasileiro e desenvolver um trabalho de educação e de capacitação profissional junto a crianças e ovens que sofrem com a violência e o subemprego. Cultura, arte e política. A via de mão dupla da inclusão social

“Viver é muito perigoso...” – já dizia João Guimarães Rosa em Grande Sertão: Veredas –  , pois a sociedade dispõe de inúmeros estratagemas para assegurar a perpetuação do status quo e punir severamente os que dele se desviam,

esmo quando não tenham transgredido a lei. Há uma ejeição pelo simples fato de que essas pessoas não se encaixam nos padrões estabelecidos. Um exemplo é a prática do bullying nas escolas. O bullying (expressão de origem estadunidense) é o constrangimento que grupos de adolescentes impõem a quem não se “conforma” com os padrões vigentes, seja porque pertence a uma das chamadas inorias (pela raça, religião, orientação sexual), seja porque apresenta algum tipo de deficiência física ou mental. Enfim, a sociedade costuma penalizar os que fogem aos padrões estabelecidos e premia pelo reconhecimento e “popularidade”

os que seguem suas regras.

 Num cenário mais amplo do que o da escola ou de uma agremiação esportiva cujos torcedores espancam pessoas que pertencem a times adversários, pode-se constatar a existência de uma espécie de bullying quando o Estado persegue o outro (aquele que não pertence à sua etnia e costumes). Para dward W. Said, o mais importante intelectual palestino de

osso tempo, “cada cultura define seus inimigos, o que existe para além de seu espaço e que a ameaça. Para os gregos, a começar por Heródoto, quem não falasse grego era automaticamente um bárbaro, um outro que deveria ser  enosprezado e combatido”. [3] E acrescenta: a chamada cultura oficial é aquela dos padres, dos acadêmicos e do Estado. É essa cultura que estabelece uma definição do que é patriotismo, lealdade, fronteiras e o que Said chama de “l’appartenance”, o  pertencer a ,  fazer parte de . É essa cultura que fala em nome de todo o conjunto, que tenta

exprimir a vontade geral, as ideias e ética gerais, que detém o passado oficial, os pais e os textos fundadores, o panteão dos eróis e dos traidores e purga o passado do que é estrangeiro, diferente ou indesejável. Dela vem a definição do que deve ou ão ser dito, dos interditos e das necessárias proscrições de toda cultura que se queira autoridade.

À margem da cultura oficial há outras, discriminadas, arginalizadas e dissidentes ou diferentes, não ortodoxas, que se opõem à oficial: são as dos pobres, dos imigrantes, das inorias sociais, étnicas, sexuais, dos rebeldes e dos artistas.

ão existe uma homogeneidade completa entre cultura e identidade. E não há como negligenciar, como recorda Said, o que é fecundo e vital dentro de cada cultura que é essa agitação, essa dialética e tensão constante entre a cultura oficial e a contracultura. Daí a importância do Estado, via secretarias da cultura, de criar oficinas culturais e incentivar

diferentes manifestações culturais, pois ao apoiar um grupo como, por exemplo, o Grupo Cultural Jongo da Serrinha, o

Estado legitima o patrimônio cultural afro-brasileiro e possibilita que brasileiros que não pertençam a essa cultura tenham contato com ela, aprendam a apreciá-la e a respeitála. Assim se dá o acesso, se constrói a via de mão dupla da inclusão social. Não somente disponibilizando o acesso do povo a equipamentos como, por exemplo, a Orquestra

Sinfônica Brasileira, no Rio de Janeiro, mas divulgando entre toda a população as manifestações culturais próprias de grupos populares. Aí se faz não somente a inclusão, mas, principalmente, a integração social. A arte – ou seja, as manifestações artísticas de uma cultura – sempre esteve intimamente relacionada à política, principalmente no passado. E durante séculos, a religião funcionou nas sociedades como um meio de controle social;

por isso, não deve ser motivo de surpresa que a religião e suas instituições reforcem o status quo social. Marilena Chauí declara que “entre os oficiantes dos cultos, dirigentes de igrejas e de seitas e dominantes políticos se estabelece, face aos fiéis e aos dominados, um tipo de relação que torna quase

impossível discriminar a contemplação religiosa do poder e a instauração da autoridade política” (Marilena Chauí, p. 81). No passado, para fortalecer esse controle, a classe dominante

atrelava as habilidades dos artistas às imposições religiosas de obediência e de santificação do status quo. A arte eclesiástica geralmente interpreta o mundo em conformidade com a ideologia dominante, justificando

injustiças e exploração. Como revela Marvin Harris, a arte transforma deuses em ídolos visíveis. Basta recordar o tamanho monumental das pirâmides, construídas sobre os ombros de escravos, muitos deles do povo judeu; as

procissões, a pompa e os magníficos ritos sob o comando de sacerdotes instalados em cenários espetaculares como altares dourados, templos cujas colunas se erguem aos céus e cujas altíssimas janelas filtram a luz celestial. A Igreja e o Estado foram os maiores patronos da arte até poucos séculos atrás. Inúmeros e valiosos documentos antigos chegaram até nós graças aos monges copistas da Igreja Católica. Com o advento do capitalismo, as instituições civis e eclesiásticas se descentralizaram e indivíduos com posses passaram a patronos da arte, promovendo maior flexibilidade

e liberdade de expressão. Assim, a arte passou, no Ocidente, a ter um caráter mais individual e laico e a promover a arte pela arte.

Governos totalitários, autoritários, sejam de Estado ou de cunho religioso – de esquerda ou de direita – costumam se

ocupar do cerceamento de manifestações artísticas pelo risco inerente a toda obra de arte: a afirmação de postulados diversos daqueles que o regime pretende impor

homogeneamente sobre todo o povo, seja ele o de uma nação ou de uma crença religiosa. Até mesmo países democráticos podem apresentar  censuras de caráter não oficial, mas entranhadas em seus costumes: em Israel, não é executada a música de Richard Wagner (à exceção das apresentações de Zubin Mehta e Daniel Barenboim, quando parte do público se retirou da sala de concertos), por conta do anti-semitismo do compositor

alemão que influenciou a concepção de cultura dos nazistas e seu ódio aos judeus. A Igreja Católica contava com seu  Index Librorum Proibitorum de obras proibidas até o final de 1965, em que figuravam, entre outros, os brasileiros Monteiro Lobato e achado de Assis.

Outra forma de cerceamento de artista – para não encionar outras profissões – é a de gênero. Até meados do século XX, na cultura ocidental, “o ideal de mulher era disciplinado por códigos culturais que exigiam delas uma boca fechada (silêncio), um corpo fechado (castidade) e uma vida encerrada (confinamento doméstico)”. [4] Mulheres não deveriam se dedicar a qualquer outra coisa que não fossem os filhos e o lar, algo muito próximo dos três K definidos como a função da mulher na sociedade alemã do século XIX pelo Kaiser Wilheim II e depois adotados pelos nazistas:

Kirche ,

igreja, cozinha e crianças. Embora se exigisse que as mulheres fossem “prendadas”, isto é, soubessem pintar, cantar, cozer e tocar, a criação artística lhes era interditada. Escritoras diversas foram obrigadas a adotar pseudônimos masculinos para se verem publicadas. Um exemplo famoso é o de Amandine Aurore ucie Dupin, ou George Sand. Nas artes plásticas, a francesa Kueche, Kinder,

Camille Claudel viveu grandes dificuldades para aprender o

ofício de escultora, pois a Escola de Belas Artes não aceitava mulheres. Por ser independente, Camille acabou abandonada

por todos e pela própria família e veio a falecer num hospital psiquiátrico. Também ser compositora não era bem visto, e as ulheres eram proibidas por suas famílias e sociedade de compor ou se apresentar como profissionais da composição.  o caso da brasileira Chiquinha Gonzaga, que precisou separar-se do marido e lutar muito para ser respeitada como compositora; de Clara Wieck Schumann, pianista

alentosíssima e compositora; de Alma Mahler, esposa do famoso e sensível compositor Gustav Mahler, que a obrigou a assinar um contrato pelo qual renunciava a qualquer iniciativa

de compor; de Fanny Mendelssohn-Hensel, irmã de Félix endelssohn, o famoso compositor da Marcha Nupcial.

Talentosa, compôs mais de duas centenas de peças, e somente no final da vida recebeu a permissão de seu pai e de seu irmão para apresentar-se publicamente. Embora econhecesse a qualidade da música de Fanny, Félix não só ão apoiava a irmã como compositora como incluiu três de

suas canções em seu Opus 8 publicado em 1827 e mais tarde incluiu outras três canções dela em seu Opus 9, sem jamais mencionar o nome da irmã em qualquer um desses trabalhos. Quem tiver a oportunidade de ouvir as composições dessas mulheres, há de conferir a beleza e a qualidade da música composta por elas.

Há que se registrar também o interesse de países em conquistar outros povos para sua própria cultura e hegemonia. Um bom exemplo é a Voz da América, rádio de alcance internacional fundada em 1942 pelos Estados Unidos e hoje com site na internet. Desde esse tempo, os Estados Unidos

vêm conquistando com sucesso o cotidiano de europeus, latino-americanos, africanos e asiáticos com suas músicas, filmes e literatura. Não é raro toparmos com gente cujo olhar sensibilidade estão “educados” tão completamente que têm dificuldade em assistir a filmes que não sigam a estética de Hollywood, ouvir músicas que não estejam no hit parade estadunidense e ler livros que não sejam os best sellers d terra do Tio Sam.

Em termos políticos, a arte é um cavalo de Troia, os povos se encantam com sua beleza e acabam engolidos pela ideologia e cultura que ali vem embutida. Assim sucedeu com

Roma, que havia conquistado a Grécia e acabou cativa da cultura dos conquistados. O resultado do encontro dessas duas culturas (a grega e a romana) leva o nome de cultura

ocidental. Acrescentando-se a cultura cristã às duas primeiras, temos o que se convencionou chamar de civilização cristã-

ocidental.

 Não é de admirar, portanto, que Estados totalitários se ocupem em estimular a produção de obras que atendam aos ditames de sua estética e de seus postulados ao mesmo tempo em que censuram o que lhes parece nocivo. São verdadeiras políticas culturais de Estado que amordaçam artistas e entorpecem sensibilidade e consciências. Como já declarou Claudia Costin, “uma das manifestações de governos totalitários é negar o acesso a produtos da cultura. É suprimir  uma voz. Fica-se apenas com a voz do Estado” (In Folha de S. Paulo, 23 fev. 2003).

 No Brasil da ditadura, foram incentivadas músicas como “Eu te amo, meu Brasil” ou filmes como  Independência ou morte, comemorativo dos 150 anos de nossa independência. A União Soviética promoveu a estética do realismo socialista, imposta como estilo artístico oficial de Estado entre 1930 e 1960, com efeitos danosos para a arte e artistas.

Seguindo a linha stalinista, persiste ainda hoje uma “visão simplificadora e maniqueísta de cultura. Segunda esta [visão], tudo que não seja produzido para o povo, na linguagem do povo, é burguês e elitista. (...) Daí que, segundo a visão maniqueísta, qualquer produto científico e artístico, quando não se encaixa na estipulada categoria de “para o povo”, passa imediatamente para a categoria de burguês, alienado e opressor” (Lucia Santaella, p. 40). O resultado disso é opressão, falta de liberdade. E liberdade é a matéria-prima para a confecção de qualquer obra de arte. Se viver é

perigoso, fazer arte pode ser fatal. Que o diga o escritor

indiano Salman Rushdie, condenado à morte desde 1989 pelo líder espiritual iraniano Khomeini, após a publicação de Versos satânicos . Há casos também em que se propõe uma estética para estimular uma arte de cunho nacionalista. É o caso de Mário de Andrade, segundo a musicóloga e produtora musical Cynthia Gusmão. Mário elaborou uma cartilha de como fazer  úsica brasileira e deu diretrizes para a composição do que ele entendia por música erudita brasileira. Nacionalistas antes de Mário de Andrade já o eram Alexandre Levy e Alberto Nepomuceno.

Há que apontar também a existência da arte comprometida com uma ideologia ou movimento. É a esse tipo de arte, a engajada, a que se refere o francês André Malraux: “Não é a paixão que destrói a obra de arte, mas a vontade de provar”. Tais palavras vindas de quem vêm são extraordinárias, pois ndré Malraux, além de novelista brilhante, foi escritor  engajado, intelectual revolucionário, pró-marxismo, antifascista, anticolonialista, viveu uma vida tumultuada,

aventurosa, combateu na Guerra Espanhola contra as forças franquistas e foi membro da Resistência na Segunda Guerra undial. Para ele, a arte é a suprema expressão da criatividade humana que habilita a humanidade a transcender o

absurdo de sua própria insignificância. Efetivamente, o tempo – o melhor crítico de arte – se encarrega de deletar obras engajadas. Obras de arte não

deveriam ser usadas para provar o que quer que seja, embora descortinem, revelem e denunciem muitas coisas. A obra de arte engajada deixa de ser obra de arte e se reduz a um

panfleto, perde seu caráter universal porque panfletos são matéria datada e tão envolvidos com outros objetivos que perdem seu caráter de arte; não há espaço para o prazer  estético, para a apreciação do belo. Em geral, são obras que espumam de raiva e, passado o motivo, não comovem ninguém mais. É verdade que, não raro e de modo sutil, o artista aproveita para se desforrar de algum desafeto. É o caso de Dante lighieri, que pôs no Inferno de sua Divina Comédia vários de seus inimigos, assim como não poucos pintores os colocaram nas pontas do tridente do demônio. Em síntese, pode-se dizer que existe: • a arte produzida para servir ao Estado; • a arte que serve a uma ideologia ou movimento; e • a arte que não serve para nada. É a arte pela arte, a melhor de todas. Não está datada, não se torna anacrônica e pode se tornar universal, capaz de emocionar a todas as gentes.

Globalização. Diversidade cultural e multiculturalismo

A questão da diversidade cultural não se reduz a uma questão de gosto ou preferência, como se eu dissesse que gosto de feijoada e o outro de tabule, que aprecio vatapá e o

outro, hambúrguer ou sashimi. O problema não é de gosto ou conflito de preferências. A questão é de identidade, de percorrer as ruas de sua cidade e perceber de repente que

está tomada por publicidade em inglês, como foi o caso em Quebec, ou espanhol, hoje em dia, em Nova York ou Texas.

Ou quando você topa com mulheres cobertas de xador  andando pelas ruas de sua cidade. Como declara documento

da Unesco, a cultura é o fundamento da identidade. E há que se revolte quando vê sua vizinhança tomada por uma cultura com a qual não se identifica nem reconhece como sua. Anteriormente, as culturas permaneciam isoladas e

protegidas pela geografia, apenas entrando em contato – não raro em conflito – em caso de guerras de conquista. Em virtude da intensa globalização que hoje vivemos, diversidade cultural e multiculturalismo tornaram-se assunto de nosso dia a

dia. Vive-se a aspiração da harmonia e da paz mundial, mas a realidade é que a competição comercial e os equívocos de políticas externas entre as nações acirram o choque de cultura e levam ao conflito violento.

O processo de globalização não é de hoje, remonta às conquistas de Alexandre o Grande, às do império romano, seguidas pelas rotas das caravelas na descoberta das

méricas e pelas conquistas europeias na África e na Ásia. E hoje se assiste à onda tsunâmica de cultura estadunidense. (Embora haja uma adoção generalizada do termo norteamericano identificado com os Estados Unidos – que se autodenominam american como se não houvesse no

continente americano outro povo senão o deles –, prefiro adotar o termo “estadunidense”, já que na América do Norte também se encontram o Canadá, o México, a Groenlândia e as Bermudas.)

 No enta entannto, ain ainda que que o proces processo so de globali obalização não não seja seja recente, foi a partir da última metade do século XX que passamos a viver uma globalização intensa. Globalização é a aceleração de elos entre nações e povos num sistema mundial conectado econômica e politicamente po poderosos meios de comunicação e transporte. Segundo o antropólogo estadunidense Conrad Phillip Kottak, “a globalização promove a comunicação intercultural, incluindo viagens e migração, que colocam em contato direto pessoas de diferentes culturas” (Conrad Phillip Kottak, p. 360). E como lamenta Lévi-Strauss, em Trist ristes es trópicos t rópicos , o paradoxo é insolúvel, pois quanto menos uma cultura se comunica com outra, menor a probabilidade de se corromperem mutuamente; mas, por outro lado, menor a probabilidade, nessas

circunstâncias, de os integrantes dessas culturas perceberem a iqueza e a importância de sua diversidade. Por volta de 200 a.C., Cornélio Scipião, o Africano, general que derrotou o cartaginês Haníbal e conquistou para oma praticamente todo o mundo conhecido da época, escandalizava a opinião pública romana tradicionalista ao usar  oupas gregas e exibir seu interesse pela arte e cultura

elênica. Foi sua família – o sobrinho neto Cornélio Scipião, o umantino, e sua filha Cornélia, mãe dos Gracos, famosa pelo

cuidado que tinha pela educação de seus filhos (contratou pedagogos e filósofos gregos para a formação das crianças), admirada por Cícero pela qualidade de seu estilo literário, e segundo alguns estudiosos a inspiradora da reforma agrária proposta pelos filhos – que levou à Roma Republicana toda a beleza da Grécia: sua arte, como o teatro, a poesia, sua filosofia e costumes: banhos diários, atividade esportiva nos ginásios etc. Apesar da resistência inicial, a cultura grega conquistou Roma e por meio dela ganhou o mundo e

permanece viva até os dias de hoje. Em realidade, ao adotar costumes e cultura, Roma adotou

ideias e valores gregos. Nosso sistema político, a democracia, ossa filosofia e nosso teatro vêm de lá. Nossa religião – a cristã – foi claramente influenciada por ideias gregas, já que parte do Novo Testamento foi escrito nessa língua, e a maioria dos padres e doutores da Igreja usou “ferramentas” intelectuais gregas para construir os pilares da religião. Assim, do cruzamento de culturas resulta grande riqueza,

embora também se dê certa corrupção de cada uma dessas culturas, como alertou Lévi-Strauss. “Diversidade cultural” e “multiculturalismo” tornaram-se, nos dias de hoje, termos correntes.

Diversidade cultural se dá quando culturas diversas convivem entre si. Pressupõe o respeito a um princípio básico de Direitos Humanos: a liberdade do outro de participar da

cultura de sua escolha. Quando a diversidade cultural é vista como algo bom e desejável, temos o multiculturalismo.

O multiculturalismo encoraja a prática das tradições étnicoculturais e busca formas de as pessoas se entenderem e

interagirem não porque têm as mesmas raízes, mas porque espeitam suas diferenças.  No Brasil, o que temos é mais uma assimilação das diferentes etnias (imigrantes europeus aqui chegados em final

do século XIX, índios, africanos e portugueses) do que um ovimento multicultural, pois embora haja diferenças culturais entre as diversas regiões brasileiras, comparado a outras ações, verifica-se que houve em nosso país uma assimilação das etnias. É comum entre os brasileiros perguntar qual a origem da pessoa. Num ambiente multicultural, a pergunta é dispensável, pois os grupos mantêm claramente suas distinções. Um exemplo: a Espanha com etnias basca, catalã e galega, cada qual com seu próprio idioma, ou os Estados nidos com populações grandes de mexicanos, portoiquenhos e outras etnias que mantêm língua e costumes acentuadamente diferentes. Nos primeiros tempos da

colonização de São Paulo, o cacique Tibiriçá e o português João Ramalho souberam superar suas diferenças. João amalho casou-se com Bartira, filha de Tibiriçá, e juntos estabeleceram uma aliança que permitiu a paz na região. Estão oje sepultados na cripta da Catedral da Sé. Confronto de culturas

 No intuito de preservar a cultura francesa no Canadá, país oficialmente bilíngüe mas predominantemente anglófono (que

fala inglês), a província canadense de Quebéc (colonizada pelos franceses) aprovou anos atrás uma lei que proíbe estabelecimentos comerciais de anunciar suas ofertas em

inglês. A maior parte da população de lá é francófona (que fala francês). Além disso, o governo dessa província vem tomando medidas para incentivar as famílias a ter o maior  número de filhos a fim de garantir a sobrevivência da cultura francesa. Já o Texas reconheceu oficialmente o espanhol como sua segunda língua. Receosa de uma islamização de sua cultura, a França proibiu o uso de símbolos religiosos nas escolas públicas com o objetivo de banir o uso do véu ou xador pelas meninas muçulmanas, ao menos nas dependências do ensino público. o entanto, crianças do império colonial francês aprenderam história, a língua e a cultura francesa a partir de livros didáticos produzidos na França. Crianças do Taiti, Malásia, Vietnã e Senegal aprenderam o francês recitando “nossos ancestrais, o gauleses”... A França e outros países europeus, hoje não mais impérios, reclamam da onda de imigrantes. Esquecem-se de que essa invasão é resultado direto de um passado de conquistas e de uma política colonial de espoliação.  No início de 2006, um brasileiro foi espancado na Austrália numa atitude xenófoba (de aversão a pessoas e coisas estrangeiras). O jovem brasileiro se negara a dar um cigarro a um jovem australiano. Foi o bastante para que este avisasse a outros que ali havia um brazilian. O brasileiro foi parar no hospital com o maxilar fraturado entre outros graves

ferimentos.

 Nos últimos dias de 2005, os jornais noticiaram que o presidente do Irã havia proibido a execução de música ocidental nas rádios e TVs do país, retomando um dos mais severos éditos culturais adotados nos dias iniciais da revolução islâmica que tomou o poder em 1979. “A fiscalização de conteúdo nos filmes, séries de TV e dublagens deve ser  enfatizada, a fim de apoiar o cinema espiritual e eliminar cenas

grotescas e violentas”, ordenava, além de proibir filmes estrangeiros que promovam “potências arrogantes” em alusão aos Estados Unidos (In Folha de S.Paulo, 21/ dez. 2005).

 Nos anos 50 do século XX, o senador McCarthy lançou uma perseguição cruel contra artistas, escritores e intelectuais considerados comunistas ou simpatizantes do marxismo.

tores, roteiristas e técnicos de Hollywood – como Lauren Bacall e Humphrey Bogart – foram perseguidos. Os convocados a depor eram pressionados a delatar, e os que se recusassem eram tidos como antiamericanos. Ser delatado

significava automaticamente entrar para as “listas negras”, o que, por sua vez, implicava desemprego, clandestinidade e

exílio. Como não havia perspectiva de sair das listas, muitos eram levados ao desespero e, em casos extremos, ao suicídio.  Não é de hoje que nações procuram evitar o “contágio” da culturas ou o vírus cultural exportado de um povo para outro. No entanto, o mundo vive atualmente um momento de

radicalização, resultado de políticas europeias e estadunidenses em regiões diversas do globo como Palestina,

Israel, mundo islâmico etc. O ataque ao World Trade Center  em 11 de setembro de 2001 – o  Nine Eleven como dizem os nova-iorquinos (que por ironia é o número do telefone de emergência daquele país) – foi uma ação contra a política externa estadunidense nos países islâmicos, principalmente na questão Palestina X Israel. A partir desse ataque terrorista e de outros em regiões diversas do mundo, atribuídos ao grupo de Osama Bin Laden e da Al-Qaeda, iniciou-se no mundo

ocidental uma onda de temor e demonização dos muçulmanos, que levou, no final de 2005, a charges num pequeno jornal

dinamarquês que apresentava o profeta Maomé com um turbante em forma de bomba enquanto em outro ele diz, numa

nuvem, que o paraíso estava ficando sem virgens para os homens-bomba, em clara alusão ao terrorismo islâmico. O mundo árabe revoltou-se contra as charges, indignado com a irreverência, pois a tradição islâmica proíbe a representação de Maomé ou de Alá (Deus). Em diversos países foram queimadas bandeiras dinamarquesas, fechadas suas

embaixadas e seus cidadãos retirados às pressas. Para muitos, a questão das charges ultrapassou os limites da Dinamarca e se tornou uma disputa entre a liberdade de imprensa ocidental

e os tabus islâmicos. Portanto, quando o presidente do Irã proíbe a transmissão de música ocidental nas rádios e TVs, ou Stálin proibia o  jaz e a música de vanguarda ou Mao Tsé-tung condenava a música burguesa, e McCarthy perseguia artistas com receio de que inoculassem em seus filmes e obras o vírus antiamericano,

nada mais faziam do que resistir às ideias e valores que nelas vinham ali imbuídos, como um efeito colateral pernicioso. Como já disse anteriormente, a cultura é um cavalo de Troia, pois traz encerrada dentro de si muitas outras coisas

que não são visíveis num primeiro momento.  Não são poucos os que reclamam da invasão cultural estadunidense. Em  A invasão cultural norte-americana , Júlia Falivene Alves denuncia a amplitude e as conseqüências dessa invasão em nosso país. Segundo a autora, mais do que qualidade da cultura importada, o que se questiona “é o exclusivismo ou a hegemonia dos modelos norte-americanos e

sua adoção sumária pela nossa população”, sem que se adote uma postura crítica ou haja um processo de reelaboração (Júlia Falivene Alves, p. 9). Até o início do século XX, vivíamos no Brasil sob a influência inglesa e, principalmente, francesa com a mesma ausência de senso crítico. As famílias abastadas passavam vários meses por ano na Europa e, para seguir a moda de além-mar, acabavam por usar aqui roupas europeias totalmente inadequadas ao nosso clima. Tempo

houve em que filhos de famílias abastadas de nosso país deviam estudar em colégios franceses, e a literatura que nos chegava era a de clássicos daqueles países, como Alexandre Dumas, Júlio Verne, Maupassant, Charles Dickens, Jane ustin, Charlotte Brontë, para citar uns poucos. Lamentavelmente, o Brasil não repete na balança cultural o que se vê há décadas na balança comercial, que sempre pend para a exportação. Nossa balança cultural de exportação

registra alguns poucos nomes, entre eles Carlos Gomes, Villa-

Lobos e Tom Jobim na música; Guiomar Novaes, Bidu Sayão, elson Freire e Cristina Ortiz, intérpretes; Carmen Miranda, Sonia Braga, Bruno Barreto, Fernando Meirelles, Walter Salles, no cinema; Jorge Amado e Paulo Coelho na literatura;

nas artes plásticas Tarsila do Amaral, Portinari. Dois nomes menos conhecidos no Brasil, porque residentes no exterior,

são a bailarina Márcia Haydée e o artista plástico Arthur Luiz Piza, que tem obras suas em museus como o Guggenheim e o de Arte Moderna de Nova York, no Centro Georges Pompidou e na Biblioteca Nacional, em Paris, e no Victoria and Albert Museum de Londres.

Durante a época da ditadura, o país viveu de certa forma fechado para a economia mundial e outras influências. Era muito difícil importar livros e revistas, tal o peso dos impostos de importação e as barreiras que o governo impunha. Viajar  para fora era um luxo ao qual pouquíssimos tinham acesso. Com o advento do governo Collor no início de 1990, finalmente aconteceu a tão desejada abertura econômica. As “carroças” (assim chamados os carros nacionais) receberam o choque da competição de carros importados de maior  qualidade mecânica e conforto, obrigando as montadoras aqui instaladas a melhorarem o padrão dos produtos que ofereciam aos brasileiros. E não foi somente a indústria automobilística que precisou melhorar a qualidade, mas a indústria brasileira de modo geral. Também a importação de livros e revistas foi escancarada, e se permitiu ao brasileiro portar cartões de

crédito internacionais. Até então, o brasileiro viajava com dólares em papel-moeda, geralmente em notas graúdas, e éramos vistos como se fôssemos mafiosos ou bandidos, os únicos que vivem de caixa dois ou não têm crédito. Com o advento do real, uma moeda forte, e os dias de paridade entre

este e o dólar, a classe média começou a viajar para fora do país e a tomar contato com a cultura e a realidade democrátic de outros países, onde o transporte público oferece ônibus com ar-condicionado e o uso de bilhete único é a norma. A inflação está contida; os livros são acessíveis, em formato de livro de bolso; o comércio lhe devolve o dinheiro se você não ficar satisfeito com a compra, e existem inúmeras organizações não governamentais comprometidas com causas como ecologia, defesa dos animais, trabalho voluntário etc. Esta segunda “abertura dos portos” foi importante para aumentar o nível de exigência de nosso povo, pois mesmo a classe média de menor renda pôde, principalmente nos anos de paridade cambial (um dólar para um real), viajar e conhecer outros países. Além disso, no final da década de 1980 deu-se o primeiro movimento migratório de brasileiros para o exterior, principalmente Estados Unidos, Portugal e

Japão, decepcionados com o país e sem esperanças de melhora. As notícias e informações que essas pessoas enviam a familiares e amigos têm produzido um cruzamento de culturas também. Não é de admirar que date dessa época –  com a migração no final do governo Sarney, a abertura do governo Collor e o real forte de Fernando Henrique Cardoso

– um forte crescimento dos movimentos de defesa de consumidores e de cidadania. Infelizmente, em nosso país o abismo entre as classes continua enorme e os pobres

continuam a viver à margem da riqueza, sem acesso a recursos básicos como água encanada, esgotos, assim como dos bens culturais que o Estado oferece às classes mais abastadas.  Não se pode negar a existência de uma generalizada resistência dos povos contra as invasões culturais. Para povos indígenas, por exemplo, a invasão cultural pode significar o aniquilamento de sua própria cultura e grave ameaça à sua sobrevivência. É o caso dos ianomâmi. O então presidente José Sarney havia assinado um decreto limitando o território ianomâmi a uma área menor do que a de seus ancestrais e dando a mineiros e fazendeiros o direito de explorar minas e

terras ianomâmi. Em seu mandato, o presidente Fernando Collor reagiu às críticas internacionais com um decreto que rescindia o de Sarney, reconhecia os direitos ianomâmi a uma área maior e restringia o acesso de forasteiros. Também os kaiapó, povo do norte do Mato Grosso e sul do Pará, vêm lutando contra seu extermínio. Para tanto, tornaram-se seus próprios advogados, etnógrafos e historiadores. O apoio do astro de

rock  internacional Sting

contra a construção de uma represa que iria inundar suas terras é parte de sua bem-sucedida campanha liderada pelo cacique Raoni.

4. Inclusão cultural. Cultura e suas manifestações. Arte e estética EMBORA CULTURA COMPREENDA GRANDE VARIEDADE DE CONQUISTAS, A INCLUSÃO CULTURAL TENDE A CONCENTRAR-SE NAS MANIFESTAÇÕES ARTÍSTICAS DE UM POVO AO CRIAR OFICINAS E OUTROS EQUIPAMENTOS CULTURAIS. DAÍ A NECESSIDADE DE

REVER CONCEITOS DE ARTE, ESTÉTICA, FINANCIAMENTO, CULTURA POPULAR, DE MASSA, ERUDITA ETC. PARA MELHOR COMPREENDER OS

FUNDAMENTOS DE UMA BOA POLÍTICA DE INCLUSÃO CULTURAL.

Como vimos em capítulos anteriores, cultura é o conjunto

de soluções de sobrevivência que uma determinada sociedade elegeu como convenientes e transmitido de geração a geração por meio de aprendizado. Um exemplo é a democracia dos Estados Unidos, fruto da reflexão e ação de um grupo de imigrantes puritanos ingleses que desembarcaram do ayflower  em Cape Cod, em 1620, na Nova Inglaterra,

dispostos a estabelecer um novo tipo de ordem política que fosse diversa da monarquia da Inglaterra. Em 1636, foi fundada ali a Universidade de Harvard e, em 1641, criaram

sua própria legislação, que garantia justiça igual para todos, proteção contra toda prisão arbitrária, liberdade de ir e vir e de expressão e o direito de se reunir. As mulheres eram

protegidas da brutalidade dos maridos e os servidores da dos

patrões. Embora o sistema colocado em prática fosse oligárquico, funcionou como aprendizado da democracia, já que em seus conselhos e igrejas locais as pessoas deliberavam

e elegiam responsáveis dentro de suas próprias fileiras (Liliane Crété, “As raízes puritanas”, in História Viva , n. 17). A cultura é criação da humanidade, e, precisamente por  isso, é patrimônio, um bem que resulta da experiência e do rabalho de uma sociedade para se chegar à melhor solução. As sociedades costumam assimilar costumes de outras

sociedades desde que o vejam como úteis e bons para ela. Por exemplo: os cruzados que iam ao Oriente para conquistar a Terra Santa ao voltarem trouxeram consigo em sua bagagem os usos e os costumes orientais que mais lhes pareceram

convenientes. Marco Polo em sua viagem também fez sua seleção e de lá trouxe a  pasta entre tantas outras coisas . Os conquistadores espanhóis levaram à Espanha o chocolate, a bebida deliciosa que descobriram na América. Levaram o cacau, mas não a tecnologia desenvolvida pelos incas para suas espigas de milhos, cujos grãos eram especialmente graúdos. Por outro lado, sociedades isoladas acabam por estagnar, aralisadas em seu conservadorismo, por falta de contato com

outras. Os integrantes de uma sociedade são reféns da cultura que criaram e aqueles que ousam romper com os usos e

costumes, geralmente, são perseguidos. O intercâmbio entre culturas é, pois, além de tema de reclamações dos mais

conservadores, fermento de evolução, matéria-prima para o desenvolvimento. Portanto, a inclusão cultural é importante ferramenta para o crescimento e benefício de um povo ao garantir o acesso de um grupo social às conquistas e soluções criadas por outros. É uma necessidade, porque permite o avanço, e um antídoto, porque evita a estagnação. A inclusão cultural compreende as conquistas de tecnologia, de ideais e das artes de uma sociedade. Aí estão contemplados desde os avanços no campo das ideias até nas áreas da saúde, do trabalho, da informação e conhecimento como a internet (a chamada inclusão digital) e às manifestações artísticas culturais. As classes mais abastadas por terem recursos são, em geral, as primeiras a terem contato com outras culturas e seus benefícios. O povo depende da boa vontade de particulares ou do governo para ter acesso

aos benefícios. Daí a necessidade de políticas públicas de inclusão cultural, porque a cultura é um bem, um patrimônio que deve estar ao alcance de todos, que deve incluir a todos não importa a que classe, gênero, etnia, religião pertençam. Estados desenvolvidos e bem-sucedidos se mantêm porque contam com o trabalho e a colaboração de todos seus membros, igualmente capacitados. Um país como o Brasil com essa escandalosa desigualdade social que temos não chegará à potência, a ser o “país do futuro” enquanto não se eliminar as razões dessa diferença. É como querer que uma mesa sustente uma carga pesada, quando suas pernas têm tamanhos e forças

desiguais, umas mais curtas e outras mais finas do que as outras.

É, pois, interesse e dever do Estado prover que também os pobres tenham acesso à cultura e possam deixar o estado de penúria. Os países chamados Tigres Asiáticos tornaram-se potências econômicas porque investiram pesadamente na educação de toda a população. Educação – por ser o aprendizado formal das conquistas da humanidade – é inclusão cultural por excelência. Um povo com grande grau de educação formal deixa de ser miserável e é capaz de construir  riqueza para todos. Estudos têm demonstrado que a educação das mulheres é primordial, pois famílias cujas mães tiveram acesso à educação e à saúde são famílias com melhor  qualidade de vida.

 No entanto, a inclusão cultural – como as moedas –  apresenta duas faces, a cara de seu criador e a coroa do

quanto vale. Daí que seja uma perda lamentável para a sociedade quando se proíbe por questões de gênero, raça, religião etc. que alguém seja criador de bens culturais, ou não se reconheça o valor dos bens culturais produzidos pelas chamadas minorias.

Quando se discute inclusão cultural, discute-se também o receio de que a globalização leve à perda de costumes e línguas pela imposição dos modelos culturais de países ricos. Essa preocupação, como já vimos, não é de hoje: Catão já reclamava uma centena de anos antes de Cristo da invasão da língua e costumes gregos em Roma, como certamente

reclamaram os povos conquistados pelos romanos ou por Alexandre o Grande. Aparentemente a marcha da conquista

de uns sobre outros é inexorável, como se a lei darwiniana do mais forte também prevalecesse em termos culturais. Para a antropóloga argelina Tassadit Yacine, especialista em sociedades berberes, a integração internacional pode significar uma desintegração nacional. “Na Argélia, acreditavase que o atraso da civilização estava relacionado à inferioridade de sua raça e à incapacidade genética dos colonizados. Está claro, porém, que essa visão era eficaz para os colonizadores”, afirmou na Convenção Global do Fórum Cultural Mundial, realizada em junho de 2004 no Anhembi, e

São Paulo. “Não pode haver uma cultura mundial. Só pode haver a coligação de culturas que preservem sua originalidade”, disse, mencionando a ideia do antropólogo francês Claude Lévi-Strauss. Para tanto, é necessário o respeito à diversidade cultural como também entender a importância da cultura no desenvolvimento econômico e social. A inclusão social é a solução para a exclusão econômica e a cultura tem aí um papel fundamental. Para Gilberto Gil, ministro da cultura no governo Lula e compositor

de música popular brasileira, a indústria cultural é um meio de colocar em posição de destaque os países em desenvolvimento, tornando-os produtores e não apenas consumidores. “A cultura e as indústrias criativas desempenham papel importante na geração de renda e emprego, na qualificação das relações entre os indivíduos e na

construção da paz entre os países”, afirmou (In Folha de S. Paulo, 30 jun. 2004).

Portanto, ações de inclusão cultural e fortalecimento da cultura de um país são fundamentais para evitar a perda da identidade cultural de um povo e incentivar o desenvolvimento.

A inclusão cultural costuma ser entendida num sentido mais estrito, como as manifestações artísticas de um povo: sua língua e literatura, sua música, seu teatro, seu cinema, sua dança, suas cerimônias e festas, como a Procissão do Círio de azaré, a maior festa religiosa do norte do país, em Belém do Pará, ou o carnaval, em todo o Brasil mas, principalmente, no Rio de Janeiro, onde predomina o desfile das escolas de

samba, e na Bahia, onde o carnaval de rua é o ator principal. Ou a farra do boi – introduzida em Santa Catarina pelos açorianos há 250 anos e celebrada na Páscoa –, que é motivo de repúdio das associações de proteção aos animais, pois os bois são perseguidos e espancados como se fossem a encarnação de Judas Iscariotes ou do demônio. Assim, é importante que ao discutirmos a inclusão cultural, revisitemos conceitos fundamentais sobre arte, estética e movimentos artísticos. Convém recordar também que a ação cultural deve ser de mão dupla: garantir ao povo o acesso à cultura e facilitar ao criador e produtor cultural a realização e divulgação de seu trabalho. O que é arte?

Aqui, como em outros campos do saber, as definições do

que seja arte são inúmeras e dependem do ponto de vista dos que as formulam, sejam eles os artistas, os historiadores, os

estetas, os filósofos ou os políticos. Propomos definir a arte a partir do ponto de vista da

antropologia cultural e da sociologia, para quem é arte todo e qualquer aformoseamento da vida. Segundo o antropólogo J. M. Herskovits, que se dedicou a estudar o negro americano e

se opunha à ideia de que a África deveria seguir o modelo ocidental ou permanecer sob o jugo europeu, “quem estuda cultura deve considerar como arte tudo o que o povo

reconhece como manifestações do impulso para tornar mais bonito e assim elevar o prazer de qualquer fase da vida” (E. damson Hoebel e Everett L. Frost, p. 405). Para o crítico literário e sociólogo brasileiro Antonio Candido, “nenhuma arte é casual ou rudimentar: é expressão plena de um desejo de beleza” (Antonio Candido, p. 56). Para a antropologia, certos elementos básicos estão presentes na maioria das definições de arte: • um criador ou criadores; • um processo (p. ex., como se trabalhar o mármore, na escultura, ou o texto, na literatura; ou o som, na música); • um meio (na pintura, uma tela de pano, de madeira ou uma parede; na música, um piano, flauta etc.; na literatura, pele de animal, pedra, papel ou meio eletrônico); • um produto, que é a obra de arte em si, apresentado para a contemplação pública (uma estátua, uma pintura, uma

canção, um livro); • um conteúdo e uma significação, contidos na obra de arte (p. ex., a piedade na escultura “Pietà” de Michelangelo; o amor na música “Carinhoso”, de Pixinguinha, a negra, ama-deleite do Brasil escravocrata em Amaral);

 A negra

de Tarsila do

• uma reação por parte do espectador. A arte é transformação. Um pôr-do-sol, embora magnífico e esteticamente irresistível, não é arte; é uma beleza da natureza. No momento em que é transformado numa pintura, música, poesia ou escultura, passa a ser arte. A arte é também uma visão do mundo. Ao transformar o pôr-do-sol em arte, o artista apresenta uma visão cultural desse fenômeno da natureza. Na realidade ele apresenta uma visão segundo a cultura em que ele se encontra. Não é mera coincidência que o estudo de movimentos artísticos é precedido do estudo da mentalidade e do tempo em que o artista vive.

Segundo a pensadora e ensaísta estadunidense Susan Sontag, no início a arte foi provavelmente experimentada como encantamento, magia. “A arte era um instrumento de ritual” (Susan Sontag, p. 11), ela diz, exemplificando com as pinturas rupestres de 17 mil a 14 mil anos de idade de

Lascaux, entre outros sítios pré-históricos. Também no Brasil, temos exemplos de arte pré-histórica, como as de Pedra Furada, no Piauí, datadas de pelo menos 12 mil anos. A antropologia cultural corrobora esse conceito ao observar que

nas sociedades primitivas a arte, além de ser uma expressão da visão do mundo, serve à religião. Também segundo o ponto de vista antropológico, a arte difere de cultura para cultura quanto à natureza de sua expressão artística. Há sociedades, como a de Tikopia, que privilegiam a poesia e pouco oferecem nas artes visuais. Em algumas sociedades, o povo decora seus corpos; em outras,

suas casas. Assim, a interpretação do significado de uma obra de arte em uma cultura pode ser feita apenas dentro dos

termos do sistema de símbolos daquela cultura, já que a arte, em sociedades primitivas, “está entranhada na cultura e é usada ativamente na performance do rito, de seu significado

ritual e da mitologia associada a ela” (Abraham Rosman e Paula G. Rubel, p. 229), enquanto a arte no Ocidente é produzida pela própria arte, com um fim em si mesma.  Nas culturas pré-escritas, os objetos de arte servem como meio de armazenamento de informações, uma espécie de banco de dados, já dizia a antropóloga estadunidense Charlotte Otten. Ao entrar em contato com uma civilização, inicia-se um processo de aculturação da sociedade primitiva em que o mais danoso não é a produção de artesanato para o comércio turístico, mas a desintegração do sistema de valores para a manutenção do qual a arte foi originalmente produzida (E. Adamson Hoebel e Everett L. Frost, p. 410). Matisse e Picasso colecionaram obras de arte primitiva,

vindas das colônias francesas da África. Ali, observaram uma nova (para eles, claro) forma de conceber e retratar a figura

humana. E os dois artistas acabaram por usar esse conceito

“importado” da África em suas esculturas e pinturas. É um exemplo de empréstimo de traços culturais de sociedades menos complexas para as de maior complexidade.

A experiência estética

Um vaso de barro tem um corpo e uma base que o mantém de pé. É, pois, uma peça útil, em que a forma e a base têm caráter instrumental, pois são elas que retêm o líquido e sustentam o objeto, respectivamente. Se esse vaso apresentar desenhos, marcas ou entalhes elegantes, equilibrados e bonitos

e com caráter não-instrumental, isto é, elementos que não tornam o objeto mais útil do que ele já é, mas lhe acrescentam beleza, proporcionando uma experiência estética, teremos então arte. Como afirma o poeta Fernando Pessoa “a obra de arte é primeiro obra, depois obra de arte”. Entende-se por estética o prazer e a emoção proporcionados pela arte. Uma boa definição é a do antropólogo cultural estadunidense Marvin Harris: “Define-se por Estética a universal capacidade humana de reagir com emoção ao prazer e à apreciação de uma obra de arte” (Marvin Harris, p. 246). Estética é também um ramo da filosofia que estuda a arte e a natureza do belo e sua relação com a experiência humana. Daí que se possa falar de estética do realismo socialista, estética de Hollywood, estética do classicismo etc. Enfim, cada escola ou movimento artístico pode ter sua própria estética, padrões que a definem e a

diferenciam de outras.

A primeira teoria da arte, a dos filósofos gregos, afirmava que arte é mimese, imitação da realidade. Ao discutir o valor  da arte, Platão considerava que ela não é particularmente útil, pois a pintura de uma cama não serve para dormir nela, nem particularmente verdadeira, já que a figura da cama não é a cama. Mas Aristóteles, recorda Susan Sontag, defendia a arte e questionava a ideia de sua inutilidade segundo Platão, pois, mentira ou não, a arte possui um certo valor porque constrói uma forma de terapia. Segundo Aristóteles, a arte é útil do ponto de vista medicinal “por despertar e purgar as emoções perigosas” (Susan Sontag, p. 12). Para Aristóteles, o historiador e o poeta não se distinguem um do outro pelo fato de o primeiro escrever em prosa e o segundo em verso – o historiador pode, aliás, escrever na melhor métrica. “Diferem entre si porque um escreveu o que aconteceu e o outro o que

poderia ter acontecido. Por tal motivo, a poesia é mais filosófica e de caráter mais elevado que a história, porque a poesia permanece no universal e a história estuda apenas o particular” (Aristóteles, p. 279). De qualquer forma, a arte somente pode se dar a partir do

omento em que o artesão tenha dominado a técnica. Isto é, o artesão pode  fazer arte no vaso depois de dominar a écnica de fazer vaso. Em síntese: o que faz com que o caráter não instrumental de m objeto seja significativo, embora “inútil” do ponto de vista rático, é a contemplação estética, uma experiência prazerosa

e muito saudável, como já dizia Aristóteles. Se os elementos que o artesão acrescentou a um vaso chamam a atenção do público por si mesmos e não por seu simbolismo, temos uma experiência estética, uma reação emocionada diante do belo. Tomem-se como exemplos os cálices da Antiguidade grega e romana, que serviam para tomar vinho e apresentavam belos

desenhos de cenas mitológicas ou do seu cotidiano; as bíblias e livros da Idade Média, com suas letras capitulares caprichadas; os cálices religiosos com pedras preciosas colocadas de forma harmoniosa e bela; os ovos de páscoa russos, cuja pintura e beleza são admiradas universalmente. O ser humano é, pois, um animal estético, capaz de viver com prazer a experiência da beleza. Arte universal e atemporal

Certamente, os melhores apreciadores de uma obra de arte

são os membros da sociedade que a produziu – que conhecem seu significado e simbologia –, embora qualquer  pessoa pertencente a outra cultura possa admirar as

qualidades estéticas de uma obra de arte sem entender seu significado na cultura local. Um exemplo é a dança do bumba meu boi, rica representação do folclore brasileiro do ordeste. Um turista não familiarizado com a região poderá apreciar a beleza do espetáculo, mas perderá por não conhecer o simbolismo desse auto popular. Existem, porém, as chamadas obras universais , em que a beleza da obra gera um impacto emocional que, pode-se

dizer, independe do conhecimento prévio da cultura que a produziu. É o que sucede em visitas a museus, quando admiramos a beleza de obras de arte produzidas por

sociedades desconhecidas por nós. A arte é atemporal, não fica ultrapassada. Seja ela literatura, música, escultura, dança, pintura ou cinema, não se torna ultrapassada como sucede normalmente na ciência, em que uma descoberta ultrapassa a anterior, embora a primeira

tenha sido uma etapa importante para se alcançar a última. Como afirma Susan Sontag, “a arte não progride no sentido da ciência e da tecnologia. Entretanto, as artes se desenvolve e mudam” (Susan Sontag, p. 340). Um exemplo é a música erudita. É comum na mesma audição de rádio ou de concerto ouvir uma cantata do alemão Johann Sebastian Bach (16851750), em seguida uma sonata do polonês Fryderyc Chopin (1810-1849), depois uma “comédia-ballet” do florentino Jean-Baptiste Lully (1632-1687), finalizando com uma das

Bachianas de Villa-Lobos (1887-1959). Aliás, aponta Cynthia Gusmão, o brasileiro observou a afinidade entre o encadeamento de acordes da música popular instrumental brasileira, em especial o choro, com o padrão barroco de Bach. O entrecruzamento realizado por VillaLobos resultou

numa música belíssima que ganhou o mundo inteiro. Financiamento da cultura e mecenato

Ao final do Fórum Cultural Mundial foi firmado um compromisso público de gestão cultural assinado pelos

ministros da Cultura do Brasil, da Espanha e de Mali, pelo

secretário-executivo do Fundo de Cultura do México e pelos embaixadores da Argélia e Áustria. No documento, chamado de “Carta de São Paulo”, os representantes assumiram o compromisso de realizar políticas públicas para ampliar o acesso dos cidadãos aos direitos culturais e de promover  espaços culturais de inclusão cultural e social. O documento mencionou também a intenção de firmar acordos e desenvolver políticas para estimular a produção cultural (In Folha de S. Paulo , 1o jul. 2004). Para tanto, os governos

terão de definir recursos para essas ações, isto é, dinheiro. Até recentemente, o financiamento da arte e manifestações culturais estava garantido por alguém de posses que apoiava o artista: podia ser um príncipe, o imperador ou um burguês rico. Já dizia a escritora inglesa Virginia Woolf que para escrever  ficção é necessário “dispor de dinheiro e de um quarto só seu”, e mais adiante enfatizava: “A liberdade intelectual depende de coisas materiais. A poesia depende da liberdade

intelectual” (Virginia Woolf, p. 16 e 126). De modo geral, artistas em início de carreira costumam aspirar a um mecenato se não possuem fortuna própria: alguém ou uma instituição que os sustente enquanto se dedicam a criar sua obra. O termo vem de Gaius Maecenas ou Mecenas (cerca de 70 a.C. - 8 a.C.), diplomata romano, conselheiro do imperador Augusto e patrono das artes que apoiou com seu dinheiro poetas como

Virgílio e Horácio. Patrocinou generosamente as artes, usando-as para um projeto político: glorificar o regime imperia

de Augusto. Virgílio e Horácio contaram, pois, com o mecenato e em retribuição produziram magníficos poemas que sutilmente glorificaram o regime do imperador e deram uma

origem nobre e heróica ao povo romano. Ovídio (43 a.C.-17 d.C.), por sua vez, intelectualmente mais independente e comprometido apenas com a poesia, escreveu de forma

exuberante e sensual sobre as coisas do coração e do amor. E, por isso, seus livros foram retirados das bibliotecas e o

poeta banido de Roma em 8 d.C. pelo próprio Augusto, incomodado com uma indiscrição do poeta e interessado em impor uma moral de costumes que os versos de Ovídio não estimulavam. O poeta morreu desterrado nos confins do

império sem jamais revelar qual foi a indiscrição que, untamente com seus versos, o condenou ao desterro. Hoje, como ontem, os artistas continuam buscando o apoio do governo para suas obras. Riganas Christos e Jeanne-

Claude, um casal de escultores, “embrulharam” o Reichstag em Berlim (1971), a célebre ponte Pont-Neuf em Paris, envolveram as ilhas da Baía de Biscayne na Flórida em 1980, e montaram The Gates, no Central Park em Nova York 

(2005). Para embrulhar o Reichstag, pulverizaram de alumínio o tecido usado, que toma então uma “qualidade de espelho”. Como resultado, o prédio de manhã cedinho tem um matiz óseo, ao meio-dia está mais para o platino e à tarde adquire m tom dourado. Assim como “Claude Monet pintou a catedral de Rouen em rosa, azul e amarelo e você pode ver a catedral do ponto de vista dele, assim nós transformamos o

Reichstag”, disse Christos ( Stanford Report , 8 mar. 1998), referindo-se ao pintor francês (1840-1926), famoso pelos célebres quadros de catedrais, de contornos quase inexistentes, em que a forma é dada pela reprodução da luz e da cor. Christos e Jeanne-Claude deixam bem claro no site deles de que custeiam suas obras com o dinheiro da venda

dos esboços que fazem delas, portanto, não dependem do mecenato de ninguém, seja particular ou estatal. Entretanto, não deixam de depender da autorização de autoridades e governos para “embrulhar” os edifícios públicos.  Na época da colônia e do império, a cultura foi incentivada pela monarquia portuguesa e brasileira. D. João VI, quando esteve na Colônia, favoreceu o padre José Maurício Nunes Garcia de cuja música era grande apreciador. Segundo Cynthia Gusmão, após a Independência e sob o governo de D. Pedro I, ele mesmo músico, toda a classe musical passou por dificuldades, como foi o caso do padre José Maurício que viu a pensão, concedida por D. João VI, cortada. Já D. Pedro II – menos músico e mais fotógrafo – patrocinou os estudos de Carlos Gomes na Itália, apoio fundamental para que o brasileiro de Campinas aprendesse e viesse a se tornar um

nome mundial da ópera. Antônio Francisco Lisboa, o leijadinho, mestre do barroco, pôde realizar suas obras graças às encomendas que recebia das igrejas na província de Minas Gerais.

O mecenato também se deu ao norte do país com a construção do Teatro Amazonas, encravado em meio à selva

amazônica, em 1896, durante o período do ciclo da borracha. Com o apoio dos donos da borracha e do governador Eduardo Ribeiro, ali se apresentaram companhias

internacionais como a Companhia Lírica Italiana e nomes como o de Sarah Bernhardt e Margot Fonteyn.

 Nas décadas de 1920 e 1930, em São Paulo, o senador  Freitas Valle, Yolanda Guedes Penteado e a família Prado abriram seus salões para incentivar as artes e os artistas. Nos anos 1940, deu-se uma alteração significativa no mecenato paulista. Integrantes da elite cafeeira e imigrantes enriquecidos

como o pernambucano Assis Chateaubriand, o Chatô e Francisco Matarazzo Sobrinho, o Ciccilo, uniram-se para criar

instituições de apoio à arte com o objetivo de “fazer de São Paulo um pólo cultural, contribuindo para transformar esta capital, no final dos anos 1940, num importante centro de

produção de cultura” (Rita Alves Oliveira, p. 18-28). Assim foram criados o Museu de Arte de São Paulo, o Museu de rte Moderna, o Teatro Brasileiro de Comédia, a Companhia Cinematográfica Vera Cruz e a Bienal.  No Rio de Janeiro, foi fundada a Atlântida Cinematográfica, em 1941, por Moacir Fenelon, Alinor Azevedo e José Carlos Burle. O carioca Guilherme Guinle montou uma das maiores

pinacotecas do país na Companhia Docas de Santos, cidade litorânea paulista e quando o governo de Getúlio Vargas criou no Rio de Janeiro o Museu Nacional de Belas Artes, Guinle doou várias obras para aquela instituição.[5]

 Nas últimas décadas do século XX ocorreu a criação de

grande número de fundações ou institutos culturais, seja de particulares como bancos e indústrias, seja de governos municipais, estaduais e o federal. No início da década de 1990, nasce no Paraná o Festival de Teatro de Curitiba, iniciativa dos estudantes Leandro Knoplholz e Carlos Eduardo

Bittencourt inconformados com o reduzido número de espetáculos apresentados na cidade. Hoje, o evento é um marco nacional e já apresentou mais de 700 espetáculos. Desde a década de 1980, a cidade de Londrina tem famoso festival de música erudita e patrocina o Concurso Nacional para Jovens Cameristas, importante certame na formação de músicos.  Nos anos 1980 e 1990, a Companhia do Metrô de São Paulo também favoreceu as artes, instalando em suas plataformas e espaços painéis, murais, esculturas, integrados fisicamente às estações. Promoveu, como segue promovendo até os dias de hoje, atividades artísticas de música, de dança e exposições com o Programa Ação Cultural, por meio do qual “a obra de arte rompe os limites dos museus e galerias, passando a estabelecer contato direto com milhões de usuários”.[6] Também os metrôs do Rio de Janeiro e do Recife promovem espetáculos e exposições em seus espaços. Para o produtor cultural Marcello Glycério, “essas ações promovem a inclusão cultural, pois são intervenções públicas que instigam o passante a discutir, pensar arte”, oferecendo ao passageiro oprimido por uma rotina sufocante e apressada a oportunidade de respirar um pouco de arte e abrir uma brecha

ensolarada em seu dia. Cultura popular X erudita X de massa

Há grandes discussões sobre o que se deve oferecer ao povo: arte erudita, popular, ou de massa? Não raro, os posicionamentos beiram o extremismo, dependendo da linha

política adotada por quem debate. Antes de seguirmos essa discussão, convém sabermos o que é arte erudita, popular e de massa. Para o fundador do partido comunista italiano Antonio Gramsci, “ao lado da chamada cultura erudita, transmitida na escola e sancionada

pelas instituições, existe a cultura criada pelo povo, que articula uma concepção do mundo e da vida em contraposição aos esquemas oficiais” (Ecléa Bosi, p. 54). Um exemplo de cultura popular é o  jazz do sul dos Estados Unidos assim como nosso samba ou a salsa dos países do Caribe. No entanto, o mesmo não se pode dizer da bossa nova, movimento que nasce num meio de artistas advindos da classe

édia ou da burguesia, a depender da cor política de quem define.

Para Susan Sontag, “a distinção entre cultura ‘erudita’ e ‘não erudita’ (ou de massa ou popular) baseia-se em parte uma avaliação da diferença entre objetos únicos e objetos produzidos em massa” (Susan Sontag, p. 341). Os primeiros são únicos e trazem uma assinatura pessoal, individual, e os segundos são menosprezados por serem produzidos para um úblico não-diferenciado, isto é, não-selecionado. A definição

é superficial, como ela mesma admite. Dentro das políticas de inclusão social, há uma discussão sobre a conveniência de levar obras eruditas ao grande público, porque há quem acredite que o povo não saberá apreciá-las. Já assim pensavam Stálin e Mao, como vimos anteriormente. Lucia Santaella recorda que, ao se colocar indiscriminadamente na categoria de burgueses todos os

produtos artísticos e culturais não catalogáveis na categoria de populares, acaba-se por rejeitar obras irredutíveis a catálogos (Lucia Santaella, p. 41). Pessoalmente, fico com a posição da filósofa brasileira Marilena Chauí e sua “precaução contra a mania dos intelectuais de imputar aos explorados uma

alienação que é sua, como, por exemplo, quando falam numa ‘cultura da pobreza’ dotada de ‘estoque simbólico restrito’, decorrente (valha-me Deus!) de experiência de ‘vida muito simples’. Atribuir às ordens inferiores pobreza cultural serve, o mínimo, para avaliarmos a miséria dos intelectuais” (Marilena Chauí, p. 67). A filósofa remete aos argumentos de Sepúlveda, que, mesmo sem conhecer os indígenas da mérica, utilizou-se do pensamento de Aristóteles para legitimar o direito espanhol de escravizá-los por considerá-los de “natureza rude” e obrigá-los a servir “pessoas mais efinadas”, que “protegerão os nativos contra sua própria atureza”... Argumentos semelhantes também já foram usados ara submeter mulheres e negros.

Quando estive à frente do programa Ação Cultural do etrô, idealizei e montei um programa de concertos de Natal,

em 1988, em conjunto com a Secretaria da Cultura de São Paulo. A Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo e o Coral Paulistano, sob a regência do maestro Eleazar de Carvalho, apresentaram na Catedral da Sé o  Messias de Haendel para o público freqüentador e morador daquela praça: mendigos, sem-teto, ambulantes e o vasto público que por ali circula. Não havia, à exceção da atriz Beth Mendes, titular da pasta na época, nenhuma outra autoridade. O povo tomou conta da catedral, lotando a igreja. Pude testemunhar como apreciaram e se comoveram com o concerto, vivendo

essa experiência estética com a mesma emoção e respeito demonstrado pelas sofisticadas e exigentes plateias das salas de concerto de todo o mundo. Nesse mesmo Natal, a

Orquestra Sinfônica do Litoral e corais se apresentaram na estação São Bento, a Orquestra Sinfônica Juvenil na Praça da República e a do Estado, sob a regência do maestro Diogo Pacheco, na estação Corinthians-Itaquera, contando sempre com a admiração e a aprovação do público. Como já vimos, o Festival de Teatro de Curitiba leva espetáculos ao grande público e, em Londrina, como também em Tatuí, são organizados anualmente festivais de música erudita. Em Teresina, o Piauí promove seu I Festival de Canto para músicos e compositores da capital e interior. Em Recife, Pernambuco, acontece há alguns anos o Festiva Internacional de Música de Câmara de Pernambuco –  Virtuosi. Criado pelo casal de músicos Rafael e Ana Lucia Garcia, em sete anos de festival já foram apresentadas mais de

100 obras diferentes das quais, cerca de 40, em primeira

audição (nacional e/ou mundial), tais como o Concertino para cello e orquestra de Clóvis Pereira (executado por Antônio Meneses), Partita Latina para Cello e Piano, de Marlos Nobre

e obras de compositores nórdicos como Koppel, Per  orgard, Svendsen, Borup-Jorgesen. O Virtuosi também oferece ensaios abertos para alunos das instituições de ensino da cidade, além de Master Classes para estudantes de música da região, de modo a contribuir para o aperfeiçoamento musical dos jovens. Sempre recebidos entusiasticamente pelo

público. A Bahia vem também incentivando a música erudita com concursos como o Concurso Nacional Jovens Solistas,

promovido pela Fundação Cultural do Estado da Bahia, através do Teatro Castro Alves e da Orquestra Sinfônica da Bahia, com o apoio da Secretaria de Cultura e Turismo, com

o objetivo de incentivar jovens aprendizes da área musical, além das Cameratas, atividade de extensão da Orquestra Sinfônica do Estado, criadas com o intuito de levar a música erudita ao grande público, e promover a formação de plateia. sses grupos se apresentam em espaços alternativos como escolas, igrejas, penitenciárias, shoppings, dentre outros, uma promoção de inclusão cultural de primeira linha. Parafraseando Milton Nascimento e Fernando Brant, a

inclusão cultural “tem de ir aonde o povo está”... O Festival Amazonas de Ópera já se firmou como um marco para a vida musical brasileira com mais de dez anos de

atividades ininterruptas. Conta com o apoio da Secretaria da Cultura do Amazonas e segundo o maestro Luiz Fernando

Malheiro, seu diretor artístico: “É raro no país evento deste porte chegar tão longe”. A música erudita tem sido apresentada em todo o país com entrada franca, aberta ao grande público em eventos como o da Orquestra de Câmara da Ulbra (Universidade Luterana do Brasil) e do Coral Porto Alegre, no Rio Grande do Sul; em Cabo Frio, Rio de Janeiro, com a Companhia Canto-Brasil,

dando voz à música e poesia brasileira de Jaime Ovalle e anuel Bandeira, de Drummond e Villa-Lobos; em João essoa, com a Orquestra Sinfônica da Paraíba, sob a regência de Marcos Arakaki; em Juiz de Fora, Minas Gerais, com a

Orquestra Sinfônica e Coral Pró-Música; em Lavras e Ouro ranco, com a Orquestra de Câmara Ouro Branco, com obras de Vivaldi e Bach; em Maceió, Alagoas, com obras de Haendel e Mozart.

Em 2005, a prefeitura de São Paulo organizou o evento Virada Cultural, uma maratona cultural de 24 horas na cidade.

 cantora Fortuna – cujo repertório não é de massa –  apresentou-se no Teatro Municipal para o povo e para essoas que vivem nos albergues da cidade. Os entrevistados, moradores de rua que optaram por viver nos albergues da

prefeitura, voltaram encantados da experiência. Foi o caso de aria Gomes Mendonça, 63 anos, que vive no albergue da oficina Boraceia: “Eu adorei. Gosto de tudo que é fantasiado, dourado... Acho que em outra vida fui uma artista ou

moradora de algum palácio” (In Folha de S. Paulo , 21 nov. 2005). Vale o dito, atribuído ao carnavalesco Joãosinho Trinta, de que “pobre gosta de luxo. Quem gosta de miséria é intelectual”. Na verdade, somos animais estéticos, todos gostamos do belo.

É de lamentar que ainda sobreviva, principalmente no pensamento de certa esquerda, a ideia de que as massas não são capazes de apreciar uma obra de arte mais elaborada. É um pensamento simplista e mesquinho, pois lhes nega a capacidade de sentir prazer diante do belo. Acredita-se que

basta dar a elas pão e circo, como já preconizavam os antigos romanos: uma merenda qualquer e uma música comercial, de apelo imediato, que será esquecida em breve. Com minha experiência pessoal, estou segura de que o povo brasileiro te todas as condições de apreciar espetáculos de qualidade: sejam de música erudita ou popular, teatro, literatura ou artes plásticas. Cultura de massa

Outra grande fonte de polêmica é a discussão da conveniência de se incluir em projetos culturais a chamada cultura de massa. E o que é cultura de massa? Inicialmente, a cultura de massa se restringia à religião e à educação, por si massificadoras, já que têm por objetivo alcançar e se fazer adotar por todos. Somente a partir de meados do século XX essa cultura passou a se apresentar tal como a conhecemos hoje: uma atividade entendida como

lazer, a escolha de uma ocupação para os momentos livres, um objeto de consumo. Com a evolução técnica dos meios de comunicação, principalmente do rádio e da TV, a cultura de massa já não se restringe a uma classe social (a classe operária); ela alcança milhões de pessoas que se tornam espectadores, consumidores e animadores de seu tempo livre. Junto com a cultura de massa veio, nos anos 1960, o culto

à juventude. Para o sociólogo e pensador francês Edgard Morin, o impulso juvenil é o que acelera a história. Nesse sentido – comenta Berthand Lemonnier em tese apresentada em 1994 na Université de Paris-IV Sorbonnne –, James Dean, Elvis Presley e os Beatles aceleraram a história cultural no pós-guerra. Aqui no Brasil, puseram o pé no acelerador  Roberto Carlos, Chico Buarque, Elis Regina, além do movimento da bossa nova, Os Mutantes de Rita Lee e o tropicalismo dos Novos Baianos.

O que não faltam são classificações de cultura de massa. Inicialmente, acreditava-se que havia duas culturas de massa: a

superior e a popular. Nos anos 1960, essa classificação deixou de dar conta da multiplicidade de ações. A cultura popular abandona sua característica social de cultura de uma classe, como por exemplo a operária, para transformar-se em cultura trans-étnica e trans-social destinada ao grande público, portanto não mais limitada a um grupo social fechado. No final dos anos 1960, os sociólogos propuseram três pólos culturais: a cultura superior (a cultura cultivada), bem mais crítica se não subversiva; a “nova” cultura de massa, cujos modelos se

carregam de utopias e a “contra-cultura”, talvez revolucionária (no sentido de revolução cultural). O primeiro crítico da cultura de massa foi o pensador  liberal, crítico e poeta Matthew Arnold no século XIX. Foi o primeiro a propor o entendimento de cultura como uma

disposição de espírito, uma abertura, uma flexibilidade mental mais do que uma bagagem intelectual. Arnold rejeitava a ideia de cultura de classes e defendia que as classes inferiores

deveriam ter acesso também a uma cultura superior, sem menosprezo à cultura popular. Estéticas fundamentadas em cultura de classes como a da União Soviética de Stálin, entretanto, exigiam dos artistas a produção de obras simples e fáceis, num entendimento mesquinho de que classe baixa não tem capacidade de compreender e apreciar uma forma mais

sofisticada de cultura, seja ela erudita ou popular. É como se dissessem que não se deve acrescentar à dieta das classes pobres picanha, filé mignon e lagosta, porque elas não serão capazes de apreciar essas iguarias. Temos no Brasil exemplos

de produção de música popular da mais alta qualidade e sofisticação. Para citar alguns: Pixinguinha, Noel Rosa, Tom Jobim, Chiquinha Gonzaga, Ernesto Nazareth, Luis Gonzaga

etc. A lista é infindável. Ecléa Bosi, em seu revelador  Cultura de massa e cultura opular: leituras de operárias , discute o conceito de cultura de massa, fundamentado no que se convencionou chamar de

indústria cultural. A cultura de massa não é um fenômeno que nasce espontaneamente das massas (como o folclore),

sublinha o filósofo e sociólogo alemão Theodor W. Adorno, mas de grupos econômicos como TV e imprensa, e dentro de padrões de produção semelhantes aos usados para produtos não culturais e com vistas a amplo consumo. A principal crítica à cultura de massa é sua padronização, imposta por necessidades econômicas. A cultura se vende como um produto de consumo, elaborado numa escala

industrial. Infelizmente, a padronização se faz pela média, ou seja, é medíocre. Para outros, e aí se inclui esta autora, a cultura de massa tem a virtude de levar às massas – não importa a classe social – todas as culturas, inclusive a da elite, a ciência, a literatura etc., ainda que vulgarizada. Um exemplo entre tantos seria a obra O morro dos ventos uivantes , de

Emily Brontë, um clássico da literatura inglesa que, uma vez transformado em filme para o grande público, tem seus conflitos minimizados, as contradições aplainadas, as denúncias suavizadas, tudo simplificado, diluído, em suma, pasteurizado. Pode-se conferir uma das quatro versões cinematográficas, como a de 1992, com Juliette Binoche e Ralph Fiennes, e despertado o interesse ir a uma biblioteca

pública e ler esse magnífico clássico da literatura universal. Contracultura, vanguarda. Apocalípticos e integrados Em abril de 2006 o Centro Cultural Banco do Brasil, no Rio de Janeiro, retirou da mostra  Erótica – os sentidos na arte a obra Desenhando em terços, da artista plástica Márcia , devido a protestos de grupos religiosos. O curador se disse

“abismado” com a censura realizada pelo banco, e parte da imprensa condenou a censura. Esse é um típico caso de inclusão cultural que revolta parcela da população, que considera certas obras desrespeitosas à sua fé, enquanto deixa indignada outra parcela insatisfeita com a censura que fere a

liberdade de expressão. Para Susan Sontag, a arte, que no início da sociedade humana surgiu “como uma atividade mágico-religiosa e se transformou em uma técnica para retratar e comentar a realidade secular, arrogou-se em nosso próprio tempo uma nova função. [...] A arte hoje é um novo tipo de instrumento, um instrumento para modificar a consciência e organizar novos modos de sensibilidade” (Susan Sontag, p. 341). A Arte Pop (Pop Art) iniciada também nos anos 1960 buscava tornar acessível a arte, utilizando como suportes meios populares, tais como publicidade, fotografia, imprensa

popular. Um de seus maiores representantes é o artista Andy Warhol, que transformou em arte as latas de sopa Campbell e a figura da atriz Marilyn Monroe para citar dois exemplos. O

conceito de Arte Pop era abolir a separação entre arte e vida, entre cultura de elite e cultura popular.

Da Arte Pop, passou-se à arte de rua, à pintura de muros e depois ao grafite.

Foi também nos anos 1960 e 1970 que apareceu a contracultura, empenhada em romper com a sociedade estabelecida. Iniciou-se com as bandas de adolescentes dos anos 1950, em seguida veio a contracultura beatnik , toda

poesia e vida boêmia. Na sequência, transformou-se em cultura underground,  com a recusa radical do establishment ,

dos poderes, das instituições. O encontro do beatle John ennon com a artista japonesa vanguardista Yoko Ono ajudou a popularizar os temas propostos pela contracultura: o amor

livre, a paz no mundo, a busca espiritual, a proteção do meio ambiente, o retorno à natureza, a vida em comunidade. Por essa época, a cultura passou a ter um caráter  econômico internacional e político. Grandes corporações dominavam o mercado mundial, geralmente americanas e inglesas, como Warner, MGM e Fox no cinema e RCA, Columbia, EMI e Decca, no ramo de discos, cedendo pouco

ou nenhum espaço às independentes. Faziam valer as palavras de Edgard Morin em seu ensaio  L’industrie culturelle , para quem, “depois de um século de colonização política e geográfica, as potências estrangeiras teriam começado a colonizar a grande reserva que é a alma humana”, isto é, declara Ecléa Bosi: “a inteligência, a vontade, o sentimento e a imaginação de centenas de milhares de seres humanos que veem e ouvem a televisão” (Ecléa Bosi, p. 41). A cultura de massa popularizou o vanguardismo, antes

confinado em guetos. Aí se inclui o vanguardismo na arte, no cinema, literatura etc., que perdeu seu caráter “maldito” do século XIX para atender a interesses de mídias como TV, ádio e outras voltados à formação da opinião de massa. Além disso, o vanguardismo dos artistas com suas provocações e “apocalipses” deixou de marginalizá-los. Amplamente

divulgado, passou a garantir publicidade e beneficiar todo o

sistema. Madonna é um exemplo bem acabado de cantora qu escandaliza, mantém-se no mercado e é campeã de vendas. O fotógrafo Robert Mapplethorpe, com seus nus masculinos eróticos, criou grande controvérsia em meados dos anos 1970, com reações semelhantes ao que ocorreu em abril de 2006 no Rio de Janeiro com a mostra do Banco do Brasil.

Sua fotografia é artística e bela, mas o tema era considerado pornográfico, o que resultou numa polêmica enorme. Hoje em dia já não causa escândalo. No Brasil, a cultura de massa passa pelo  funk   carioca. O

estilo musical surgido no Rio de Janeiro há mais de 20 anos, com suas batidas cruas, letras berradas e quase ausência de melodia, tem fãs apaixonados em vários estados do território nacional. O  funk  proporciona lazer a populações de áreas carentes, promove bailes semanais por toda a cidade e reúne milhares de pessoas por vez. Assim como a cultura

hip hop ,

que transforma a vida de muitos jovens através da música de conscientização, também o  funk  carioca abre perspectivas para adolescentes oprimidos por uma situação social e econômica adversa, através da possibilidade de expressão e contato com a criatividade artística. A cultura hip hop é formada pelo rap, ritmo e poesia (que é a expressão musicalverbal da cultura); o grafite (que representa a arte plástica, expressa por desenhos coloridos feitos por grafiteiros, nas ruas das cidades espalhadas pelo mundo) e o break   (que

representa a dança). Os três elementos juntos compõem a

cultura hip hop, que muitos acreditam ser “CNN da periferia”, ou seja, o hip hop seria a única forma da periferia, dos guetos expressarem suas dificuldades, suas necessidades. Como observou Umberto Eco, o apocalipse integra-se. O artista procura opor-se ao mundo, estabelecer um estado de

tensão com a realidade, mas a indústria cultural o absorve, absorve o apocalipse que ele tencionava produzir e o integra.

Se por um lado a arte é apocalipse e escândalo, por outro a indústria cultural percebeu o gosto do público pelo choque, pela adrenalina que irrompe a cada espetáculo de transgressão, e trata de explorá-lo a seu favor. Indústria cultural

A cultura de massa opera dentro dos padrões do mundo de negócios, em que considerações de custo e benefício e de cunho político são elemento fundamental e não raro pesam mais do que as relacionadas à qualidade. Assim, a mediação entre a empresa privada ou estatal e o artista é feita por um aparelho burocrático, aí incluídas as comissões compostas por  um grupo de “notáveis” encarregados de fazer a seleção dos trabalhos que receberão recursos para sua produção. Efetivamente, hoje em dia, a criação do artista (um filme, uma canção, um livro, uma peça de teatro etc.) somente se torna realidade depois de passar pelos trâmites burocráticos dessa indústria e ali ser aprovada por um grupo de burocratas. Por ser indústria, a cultura de massa busca o consumo máximo. Ora, quando o denominador comum se faz de

centenas de milhares de pessoas, a obra forçosamente há de apresentar linguagem e conteúdos simples (para todo o mundo entender) e homogêneos, ou, como digo,  pasteurizados par ser digeridos por todos sem o risco dos efeitos colaterais. Ou

seja, uma arte feita para a média só pode ser medíocre... Para Morin, a organização burocrática da indústria cultural filtra a ideia criadora; para Adorno, a ideologia dessa indústria substitui a autonomia e a consciência pelo conformismo. Observem que a publicidade não ousa (que fabricante arriscaria queimar seu produto com uma cena que pode

escandalizar e, provavelmente, levar a uma rejeição de seu produto?). Quando a publicidade apresenta uma “novidade”, porque esta já está assimilada pela sociedade. Por outro lado, convém recordar que a indústria cultural opera com o conceito mercadológico de segmentação de ercado, ou seja, de público e de consumidores. Um exemplo é a oferta do pensamento de grandes filósofos como Platão, ristóteles, Kant etc. em livros de bolso, editados e simplificados. Isso é bom ou ruim? Nem um nem outro, é a indústria cultural buscando atender à demanda dos consumidores ou abrir novos mercados. Os consumidores,

depois de lerem a versão pasteurizada do pensamento de ristóteles sobre arte poética, sempre poderão ir a uma biblioteca e conhecer a versão integral dessa obra tal como o filósofo grego a concebeu. Há quem espume de raiva ao ver o ensamento desses grandes mestres banalizado, vulgarizado.

São os elitistas.

É um pouco como a anedota do pessimista e do otimista diante da garrafa de uísque pela metade. O primeiro lamenta que reste apenas meio litro da bebida, o segundo se alegra de

que ainda há meio litro por beber. Acredito que o posicionamento elitista não favorece a arte e nem as massas. Creio que a indústria cultural, se por um lado simplifica e asteuriza grandes obras, por outro, desvenda caminhos e

quem se interessar que vá atrás. Os donos da arte

Estamos tão mergulhados na cultura ocidental, isto é, a da civilização cristã-ocidental de origem europeia, que mal nos damos conta da existência de inúmeras outras culturas, tantas quantos povos há. Agimos como se houvesse apenas uma cultura – a cristã-ocidental – aquela em que nascemos e fomos criados. E desconsideramos culturas como as da Índia, da China, dos povos nativos da Amazônia ou do Canadá etc., diferentes entre si e que não são nem melhores nem piores do que a nossa, embora nós, como os khoikhoin, tendemos a acreditar que nossa cultura é a única e a melhor. De modo geral, as culturas não ocidentais de origem europeia distinguem arte dependendo do grau de satisfação estética experimentada diante de uma obra e não fazem oposição entre arte e praticidade. Assim, muitos trabalhos artísticos são produzidos e desenvolvidos em completa armonia com seus objetivos utilitários, embora essas culturas econheçam que há artesãos mais talentosos do que outros em

embelezar o que fazem. Nossa cultura ocidental costuma não aceitar como arte os artefatos, os designs e as histórias usada no dia a dia e produzidas tendo em mente sua praticidade e caráter comercial. Carpinteiro e escultor têm status diferentes, assim como pedreiro e arquiteto, pintor de paredes e pintor de

telas, contador de histórias e escritor de literatura... Essa oposição entre arte e praticidade raramente é encontrada em outras culturas.

Em nossa civilização ocidental, euro-americana, uma obra particular é definida ou não como arte segundo critérios estabelecidos por um grupo distinto de “autoridades” – o chamado art establishment   –, que faz arte, julga arte, controla museus, conservatórios, escreve resenhas críticas em ornais e revistas, integra comissões de seleção e comanda organizações dedicadas à arte. São curadores de arte, críticos e artistas, estes desde que já consagrados pela crítica, claro. É gente que vive da arte e com ela ganha seu sustento. Dizem o

que é ou não é arte, e seu juízo vale muito dinheiro, pois uma crítica favorável num jornal pode elevar o preço das obras de um artista, aumentar o prestígio de uma orquestra, indicar a obra de um escultor para integrar uma exposição internacional. É o mercado de arte. O art establishment  no Ocidente “é único na sua ênfase na originalidade formal. Ocidentais acham normal que a arte deva ser interpretada e explicada por experts para ser

compreendida e apreciada” (Marvin Harris, p. 249). Desde o final do século XIX, os maiores artistas da arte

ocidental são os que rompem com a tradição, introduzem novas regras formais e, ao menos por algum tempo,

permanecem incompreendidos pelo grande público. Os padrões estéticos modernos estabelecem que a originalidade é mais importante do que a inteligibilidade, muito provavelmente por temer a cultura de massa. Uma obra de arte facilmente

compreendida será também igual e ferozmente condenada. Daí deriva a noção ocidental do artista como um ser  solitário lutando na pobreza contra um conjunto de limitações impostas por uma audiência incapaz de apreciar e entender u verdadeiro gênio... A produtora musical Cynthia Gusmão lembra que “no mundo inteiro a música moderna expulsou o público das salas de concerto pela dificuldade de compreensão”. Hoje, na era pós-dodecafonismo e música atonal, continuamos a ouvir a música do passado: Mozart, Rossini, Vivaldi, Villa-Lobos etc. Por sorte, como recorda Gusmão, a arte, à diferença da ciência, não fica ultrapassada. Continuamos nos divertindo com  As reinações de arizinho , de Monteiro Lobato, enternecidos com o amor de  Romeu e Julieta , de Shakespeare, entusiasmados com a  Abertura 1812 , de Tchaikovsky, ou com a delicadeza de Carinhoso, do mestre Pixinguinha, surpresos com  Abaporu, de Tarsila do Amaral, ou emocionados com a Pietà, de Michelangelo.

Cynthia Gusmão conta que certa vez perguntaram ao compositor brasileiro de música erudita Amaral Vieira por que ele insiste em compor música de caráter romântico, quando o

romantismo, enquanto estética, já se foi há mais de um século.  resposta é maravilhosa: porque na arte deve-se ser honesto. Seria falso ser vanguarda quando se tem a alma romântica. Outro maravilhoso romântico fora de época é o russo Sergey Rachmaninoff, cuja Rapsódia sobre um tema de Paganini e o Concerto no 2 são absolutamente populares. Garanto que, se o leitor ou a leitora ouvirem um trecho dessas peças usicais, vão reconhecer de imediato.

5. Políticas públicas e inclusão cultural NÃO SÃO POUCOS OS QUE ACREDITAM QUE A CULTURA É ÁREA ESTRATÉGICA PARA O DESENVOLVIMENTO DO PAÍS. ASSIM, AS POLÍTICAS PÚBLICAS DE DEMOCRATIZAÇÃO DA CULTURA PODEM E DEVEM TER CARÁTER DE INCLUSÃO CULTURAL, GARANTIR ACESSO À EDUCAÇÃO FORMAL E À ARTÍSTICA E CONTEMPLAR SEM PRECONCEITOS TODA SORTE DE PRODUÇÃO CULTURAL COMO FERRAMENTA DE INCLUSÃO SOCIAL E RESGATE DA CIDADANIA.

A inclusão cultural pode estar na agenda de organismos

particulares – e atender a seus interesses e ideários –, mas com certeza deve estar na agenda de organismos públicos como política cultural de inserção de todos, principalmente da classes pobres com menor acesso à cultura. Observamos anteriormente que as discussões sobre inclusão cultural revelam a preocupação da perda de costumes e da língua dos povos. Não é de hoje que puristas têm se ebelado com o abuso de vocábulos ingleses em nosso cotidiano. Drogarias ostentam a palavra

delivery par

informar entrega em domicílio; lanchonetes informam que seus sanduíches têm queijo com um X de cheese (queijo em inglês) e usa-se a palavra site quando se poderia usar “sítio” em português. Na verdade, os povos importam e se assenhoram de termos de línguas de outros povos na medida de suas

necessidades lingüísticas. O inglês da informática tomou emprestado de uma língua morta, o latim, o termo delete par “apagar”. E a maioria dos povos ao acolher a informática adota os termos usados na língua de origem dessa tecnologia: o inglês. Portanto, deve ser tópico importante de política pública cultural de um estado o incentivo ao conhecimento e bom uso

do idioma de seu povo, pois a língua é patrimônio desse povo e reflete sua cosmovisão e sua alma. A palavra saudade, por  exemplo, é termo sem equivalência em outras línguas. Minha pátria é minha língua

Valorizar a língua de um povo é ação cultural de grande importância. E a leitura é uma das formas mais fáceis de acesso a outras culturas e visões de mundo. Ler é viajar, descobrir os muitos brasis de que somos feitos, ganhar o

mundo. Abrir as janelas da alma e da ambição sadia de querer  mais, de progredir, melhorar a vida, a nossa e a dos outros.

Certo está o compositor popular Caetano Veloso ao cantar  “Minha pátria é minha língua”. E antes dele, em 1895, o compositor erudito Alberto Nepomuceno que declarava: “Não tem pátria um povo que não canta em sua língua”, contestando aqueles que diziam que não ficava bem compor canções em português.  Na verdade, a língua é o substrato do pensamento, a ferramenta que nos permite definir, conceituar, comunicar

sentimentos, acontecimentos e ideias. Quanto menor é o

vocabulário e o domínio da língua, maior é a dificuldade de expressar uma ideia ou emoção, de se fazer entender e de se autoafirmar.

Para o escritor mexicano Carlos Fuentes, “a língua é a base da cultura, a porta da experiência, o teto da imaginação, o porão da memória, o quarto do amor e, acima de tudo, a anela aberta” (In Folha de S. Paulo, 9 nov. 2005). Na pesquisa PISA 2000, um programa internacional de

avaliação de qualidade da educação, que testou jovens de 15 anos de vários países, o Brasil ficou em penúltimo lugar entre 1 participantes, com resultados particularmente negativos nos

quesitos leitura e interpretação de textos. O resultado não rouxe nenhuma novidade: lê-se pouco em nosso país; entre outros motivos, isso ocorre pelo alto custo dos livros, pela

ausência de bibliotecas e pelo hábito pouco disseminado da leitura entre adultos, que são os que podem dar o exemplo. Daí a importância de projetos culturais como Bibliotecas Volantes, Baú de Letras, Arca das Letras, formação de bibliotecas e formação de bibliotecários etc. A verdade é que o desenvolvimento de qualquer nação ede um povo com alta escolaridade, muita leitura e algum

espírito crítico para evitar o ilusionismo de caudilhos e líderes demagogos e populistas.

A literatura é, por excelência, a arte que melhor revela a língua e a cultura de um povo. Entenda-se por literatura as canções, o teatro, as cartas, os diários e, naturalmente, as istórias contadas em prosa ou verso. Um exemplo clássico é

a  Ilíada de Homero; outro são as canções de gesta que narram aventuras dos cavaleiros andantes e os cancioneiros

portugueses da Idade Média. Canções populares também são importantes manifestações culturais e não raro modelos de excelente literatura. Eu me recordo de ter assistido a uma aula

a Faculdade de Letras da USP em que o emérito professor  ntonio Candido analisou a letra da música “Construção”, de Chico Buarque. Para o escritor peruano Mario Vargas Llosa,

“a literatura é uma forma de insurreição permanente que não admite camisas de força (...). Seu mérito é agitar, inquietar, alarmar, manter os homens em uma constante agitação de si esmos: sua função é estimular sem trégua o desejo de udanças e de melhoras, ainda quando para isso se devam empregar as armas mais ferinas e nocivas”. Daí a importância de estimular a criação de bibliotecas e a produção de livros, rincipalmente de autores nacionais, que melhor refletem a nossa cultura.

Educação artística

As classes abastadas podem freqüentar escolas que oferecem aos seus alunos, de modo geral, aulas de música, canto, teatro e outras artes. Infelizmente, a grade escolar

pública pouco oferece aos seus “despossuídos” alunos.  penas recentemente voltaram a incluir esta educação sob o ome genérico de Arte. Para Villa-Lobos, o canto orfeônico integra o indivíduo dentro da herança social da pátria e forma a consciência musical. No passado, o ensino do canto

orfeônico constava da grade das escolas públicas, por  iniciativa deste grande compositor. Infelizmente essa matéria –  o canto – acabou esquecida nas inúmeras tentativas de “aprimoramento” da educação brasileira. E o povo não conta com nenhuma educação artística, provavelmente porque os burocratas consideram assunto de menor importância. A cultura – como a educação – deve ser reconhecida como m direito do cidadão, garantido pelo Estado, disponível e ao alcance de todos, pois, como já se viu, não vem impressa em osso código genético. Assim, iniciativas governamentais de incentivo à cultura como criação de bibliotecas e museus, aquisição de livros e exposição de obras de arte em lugares públicos e estações de metrô, realização de espetáculos musicais, de teatro, apoio ao cinema, ao carnaval e outras

festas populares não devem ser vistas como demagogia, mas como um dever do Estado.

Pode-se falar de ianomâmi, urbana, suburbana, nacional, niversal (quando extrapola os limites geográficos onde vive ma determinada sociedade)... A cultura é, portanto, patrimônio de um povo e, em última análise, patrimônio da umanidade.

olíticas públicas: revoluções e mordaças culturais

O cidadão de Recife tem o domínio da cultura local (frevo, artes, arquitetura, herança holandesa etc.), assim como o paulista tem da cultura caipira, o austríaco das valsas, o espanhol de Picasso e Cervantes, o italiano de sua  pizza, sua

ópera, seu design etc. O acesso a essas diferentes culturas –  que têm pontos em comum – é um direito de todos, e o Estado deve assegurá-lo. Isso, porém, não impede que inúmeras fundações particulares venham ao longo dos anos provendo sua difusão, em parte porque o Estado nem sempre cumpre essa função, em parte porque às vezes ele apenas subsidia as artes que atendem à estética adotada pelo governo de plantão. Um exemplo é a estética do realismo socialista da época de Stálin, ditador sob o qual tantas atrocidades e mortes se deram. Diversos artistas, entre eles músicos como Dmitry Shostakovich, foram obrigados a produzir obras

“populares” e engajadas com a revolução comunista. O líder revolucionário chinês Mao Tsé-tung criou e incentivou a Revolução Cultural entre 1966 e 1976. Mao fechou escolas e universidades, e, diante da progressiva perda de controle sobre o Partido Comunista, encorajou a uventude, os Guardas Vermelhos, a atacar todos os valores

tradicionais e “burgueses” e a criticar publicamente seus adversários internos. Acreditava que isso seria benéfico para a uventude e para o partido e, naturalmente, para ele mesmo,

pois seu poder sairia fortalecido. O movimento avançou rapidamente: idosos e intelectuais inicialmente atacados apenas

verbalmente passaram a sofrer violência física. Muita gente morreu, e as facções de Guardas Vermelhos começaram a rivalizar entre si, disputando para ver quem representaria mais

fielmente o pensamento maoísta. Incentivado, o culto à personalidade de Tsé-tung ganhou proporções religiosas. O

resultado da anarquia e do terror foi o colapso da economia

urbana e a produção industrial de 1968 caiu 12% abaixo da de 1966.

O Irã também iniciou uma revolução cultural nos primeiros anos de chegada ao poder do aiatolá Khomeini (1979-1989) com o objetivo de islamizar todo o país, que havia se ocidentalizado durante o governo totalitário de Mohammad Reza Shah Pahlavi. Nesse período de revolução cultural, livros foram queimados de acordo com os novos valores islâmicos, muita gente foi condenada à morte ou presa por se opor a essas mudanças radicais. O aiatolá governou o Irã como reverenciado líder máximo até o final de seus dias. A propósito, o culto à personalidade é uma das melhores estratégias para obter a coesão de um grupo: todos unidos sob a bandeira de uma mesma personalidade, procurando cada

qual, à semelhança dos jovens da Guarda Vermelha, provar  pela radicalização de suas ações que são seguidores melhores que os demais. Joseph Stálin, Mao Tsé-tung, Adolf Hitler  usaram com sucesso essa ferramenta. Também líderes religiosos e espirituais fazem largo uso dela, assim como os de

corporações financeiras, sindicais, políticas etc. Daí que a arte independente e, principalmente, a literatura seja objeto de proibições e censura em todas as instituições e regimes totalitários, sejam eles de cunho civil, religioso ou espiritual. Uma pessoa culta, no sentido corriqueiro do termo, seria uma pessoa capaz de entender a multiplicidade ou pluralidade

das culturas e das visões de mundo existentes. Seria alguém d mente aberta e privilegiado, por ter acesso ao melhor das artes

e costumes que a humanidade já produziu. E, fazendo uso de seu espírito crítico, não se deixaria iludir, nem estreitar seu ulgamento pela pirotecnia dos cultos à personalidade. Políticas públicas de democratização da cultura e inclusão cultural Embora no Ocidente, como vimos, haja uma clara

preferência pelo conceito de “arte pela arte”, administradores públicos, educadores e não poucos artistas estão convencidos de que a cultura, a arte e também o esporte podem e devem ser usados para o crescimento pessoal não somente de si mesmos, mas também das populações marginalizadas e carentes. Não é o caso de fazer arte engajada, mas de partilhar os benefícios da cultura e da arte entre todos e não somente com uma elite. Estudos recentes da Unesco mostram que sem a

intervenção do Estado, criando oportunidades para os jovens se destacarem e serem reconhecidos por diferentes formas de

expressão cultural, será difícil erradicar a violência e o narcotráfico do horizonte dessa juventude. A essa intervenção do Estado também se dá o nome de inclusão cultural . Podemos definir inclusão cultural em contraposição a exclusão cultural, que é a dificuldade de acesso das populações aos produtos culturais. Inclusão cultural, esclarece Claudia Costin, “significa

propiciar a toda a população o acesso ao que de mais belo e instigante a humanidade produziu, assim como à possibilidade de expressão da criatividade, resultando em algo que poderá ser chamado de arte. Envolve o contato com os mais diversos

estilos artísticos e, como política pública, deve enfatizar  aqueles estilos a que aquela população ainda não foi exposta. ssim, inclusão cultural não está relacionada a oferecer  show de cantores que aparecem na televisão ou cursos de manifestações culturais presentes no dia a dia da população a ser beneficiada (como cursos de batucada na favela). Para

tanto a população já tem seus mecanismos de autoorganização ou de fruição”. Assim, a política cultural é um instrumento de transformação e de promoção social, embora incomode a alguns que a arte seja encarada como elemento de promoção social. No entanto, política cultural é também instrumento de transformação. O artista não tem por que escrever um poema de inclusão social, o que seria um engajamento, mas o administrador público pode valer-se de uma obra de arte para promover essa inclusão social. Naturalmente, “o desafio de governos – declara Costin – é permitir que o teatro e a dança (em suas diversas modalidades), a arte de vanguarda, a músic clássica, o acesso a museus, bibliotecas, entre outros, sejam alternativas de entretenimento cultural disponíveis para escolha informada das pessoas. Da mesma maneira, a possibilidade de

incorporar vivências artísticas no dia a dia de pessoas que exercem as mais diversas atividades profissionais torna a ação

do Estado neste terreno muito mais profícua.” Para o antropólogo político José do Nascimento Júnior, a história da política cultural brasileira pode ser dividida em quatro ciclos: a chegada da família real à Colônia; o reinado d D. Pedro II, o período getulista e a ditadura militar. Para o antropólogo brasileiro, estamos agora no quinto ciclo, que difere dos anteriores, pois “tem na democracia a sua gênese” e ascimento reconhece a cultura como área estratégica para o desenvolvimento do país. Aí se incluem a incorporação, dentro das políticas culturais, “das expressões da cultura popular, das culturas indígenas, de gênero e de livre orientação sexual e o apoio efetivo à cultura das comunidades quilombolas e afrodescendentes” (In Folha de S. Paulo, 12 jan. 2006). Em artigo, Jorge Werthein, representante da Unesco no

Brasil, enfatiza declaração do compositor Gilberto Gil e ministro de estado, de que é necessária uma visão política da cultura. A inclusão cultural pode ser preciosa no resgate de comunidades de risco, seja por facilitar o acesso dos habitantes de favelas a centros culturais e bibliotecas, seja ao

estimular a produção cultural das favelas. A inclusão cultural pode ajudar a afastar crianças e jovens do crime organizado, pois ajuda “as pessoas, especialmente os jovens, a internalizarem um sentimento vitalizador de pertencimento e

não mais de exclusão que, com freqüência, tem sido a causa da interrupção prematura de tantas vidas em nossa sociedade”. Iniciativas dos governos estaduais do Rio de Janeiro,

Pernambuco e São Paulo de abrir escolas nos fins de semana em áreas de maior incidência de crimes e violências apontam para uma redução altamente significativa de vários tipos de violência entre os jovens. Consagrados X excluídos

Alguns administradores públicos como Gilberto Gil, quando ministro da cultura, e Claudia Costin, quando secretária de estado da cultura, foram duramente criticados por terem contrariado os interesses de artistas famosos, consagrados e

habituados a obter recursos e patrocínios públicos ancorados na fama que os precede. O mérito de Gil foi ter elegido a transparência na gestão do dinheiro público. O MinC adotou em sua gestão o critério de concursos públicos com regras claras e comissões dificilmente contestáveis. “A política de editais, que por sua essência são mais democráticos, universai e abrangentes, está sendo adotada mais intensivamente”, declarou Gil, acusado de autoritário, centralizador e incompetente. (In Carta Capital, 18 jan. 2006). O MinC sob

a batuta de Gil deslocou as atenções do eixo Rio–São Paulo para o interior do país e periferias de grandes cidades, para o pessoal de teatro não-consagrado, para a implantação de ádios e tevês comunitárias, para as pequenas cidades ecessitadas de políticas de patrimônio, para expressões populares como a capoeira ou as indígenas. Além disso, numa ara prática de gestão democrática, instalou as câmaras setoriais para a dança, o teatro, a música etc., com o objetivo

de ouvir os que atuam nessas áreas. Inclusão cultural, como já vimos, é entendida como acesso às manifestações artísticas culturais e, lamentavelmente, os titulares das pastas de cultura raramente são profissionais da área. Segundo Simone Zarate, especializada em políticas e gestão cultural, “o descompromisso na escolha de dirigentes e a ausência de incentivo à formação de gestores refletem a pouca importância destinada à cultura como fator de desenvolvimento das cidades. Acertos e erros resultantes das

intervenções governamentais nos municípios se devem mais às “boas intenções” do que ao profissionalismo, aquele mesmo profissionalismo exigido em outras políticas públicas” (In 6 Cultura e mercado , art. Por que andamos em círculo? abr.2006).

Considerações finais

A língua, os costumes e a cultura de um povo são

patrimônio da humanidade e devem ser compartilhados com povos de outras culturas. As classes menos abastadas também têm o direito a esse patrimônio universal, que lhes deve ser  oferecido por meio de ações de inclusão cultural. Fundações particulares têm uma política cultural própria que, provavelmente, segue o ideário de seus dirigentes. O Estado, no entanto, tem a obrigação de ter política pública de inclusão cultural que não seja restritiva a estéticas ou a favorecimentos, não se limite a oferecer  shows de apelo comercial como se o povo não fosse capaz de apreciar obras de maior fôlego. Embora muitos administradores públicos – não sem razão –  defendam que o artista pode ser parceiro e não a finalidade da ação do Estado no campo da cultura, convém recordar que a inclusão é moeda de duas faces, e o artista também necessita de incentivo e de patrocínio ou mecenato, principalmente quando vem de uma classe mais carente e expressa com

qualidade artística a cultura de sua classe. Daí o valor de ações como a do governo do Rio de Janeiro ao favorecer o grupo afro-brasileiro Jongo da Serrinha.

A inclusão cultural é, pois, uma atividade fundamental e complexa. Claudia Costin alerta para as tentações que se colocam para quem está à frente da pasta da cultura: “fazer 

grandes obras e deixar museus se sucatearem, por falta de

investimentos em programação e ações de gestão é uma delas. s obras trazem visibilidade e possíveis ganhos eleitorais, mas museus ou equipamentos públicos que se degradam não cumprem sua função como integrantes da política cultural. Outra tentação é focar a ação no artista. Afinal eles têm forte acesso à mídia e podem fazer muito barulho. A pessoa pública não pode esquecer que a atuação do governo na cultura deve priorizar o cidadão.” Cabe aos organismos culturais levar para todo o país a iqueza de nossa diversidade cultural, investir em projetos de

formação artística, conservar bibliotecas e museus, atualizar os seus acervos, valorizar seus profissionais, criar projetos

itinerantes de inclusão que levem a cultura nacional e universal a todos e, principalmente, “aonde o povo está”.

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1978.

Notas

Para facilitar a leitura, colocou-se entre parênteses o nome dos autores e a página da obra de onde foi retirada a citação ou o [1]

conceito apresentado. Os dados gerais de autores e obras podem ser encontrados na bibliografia no final deste livro. [2] Brochura “Primeiros Concertos de Inverno de Campos do

Jordão”, 1970, p. 8 in Arquivo Luís Arrobas Martins. [3] Edward W. Said, “Du choc de definitions”. Artigo in

 L

onde Diplomatique, set./ 2004, p. 22. [4] Rethoric Retold: regendering the tradition from antiquity

hrough the Renaissance – Cheryl Glenn Southern Illinois

niversity Press, Carbondale, 1997, p. 1. [5] Revista  História Viva, no 5, março 2004, [6] “O Metrô de São Paulo, 1987–1991”. humanização, p.125.

p.80. Tecnologia e

A Camila Glycério de Freitas e Paulo Pacheco Silveira, que ajudaram a transformar um sonho em realidade.

do cacique Tibiriçá, de sua filha, a índia artira, e de seu genro, o português João Ramalho, meus rimeiros ascendentes que inauguraram a tolerância interIn memoriam

racial, a diversidade cultural e o multiculturalismo em terras piratiningas; e de meus pais Anna e Bento, apaixonados pela cultura de todos os povos.

“A gente não quer só comida, a gente quer comida, diversão e arte.” Comida, Arnaldo Antunes, Marcelo Fromer e Sérgio Britto

© Silvia Cintra Franco 1ª edição 2012 ISBN 978-85-16-07920-8

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