ARTE CONCEPTUAL Y ARTE DE ACCIÓN INTRODUCCION: CAMBIO DE CONCEPCION DEL ARTE Los 60’s fueron una época agitada, creativa, trascendental y liberadora, se suscitaron grandes movimientos y cambios en el ámbito social y político a nivel mundial y el arte no fue la excepción. Los cambios en el mundo afectaron al arte como disciplina sensible a todo, el campo de la estética sufrió un renacimiento. La velocidad de los sucesos se acelera y acostumbrados a los períodos de más de un siglo del arte tradicional pasamos a los períodos de cambios estilísticos (ismos) que duran tan solo décadas. El arte conceptual supone una reacción contra el concepto tradicional de belleza. Algunos teóricos llegan incluso a describir el arte moderno como “antiestético”. “antiestético”. Revoluciones como la aparición de la fotografía, capaz de una fidelidad absoluta con el modelo, o los medios industriales de reproducción de las obras, resultaron una verdadera revolución en los conceptos artísticos a principios del siglo XX. Así, el campo de estudio de la estética y el propio campo de trabajo del arte se orienta a los conceptos subyacentes propios de la actividad artística. Los artistas comenzaron a utilizar materiales que se considerarían feos según las convenciones tradicionales de belleza y estética. El arte se ligo con un concepto más allá de la belleza: Lo sublime que está relacionado con la producción de determinadas sensaciones en el espectador de una obra; la capacidad de la obra de producir un goce estético y la capacidad del espectador de alcanzarlo. Esta época marco el momento actual, iniciando procesos históricos y líneas creativas que aún siguen vivas
ANTECEDENTES, ORIGEN, INFLUENCIAS DEL ARTE CONCEPTUAL. La II Guerra Mundial, cambia los escenarios pero traslada a los personajes… los artistas que sobreviven a los horrores de la guerra se trasladan a EE.UU. y liberados de los viejos conceptos encuentran nuevas tecnologías y nuevos sentidos. El termino arte conceptual entra en escena a mediados de los años 60 bajo la influencia de tendencias como el dadaísmo, minimalismo el cual ofrece el purismo, el valor del material en si mismo e incluso algunas experimentaciones que hicieron los surrealistas y los cubistas utilizando objetos cotidianos e insertándolos en sus trabajos, gracias a la iniciativa aportada fundamentalmente por el artista francés Marcel Duchamp el cual es el antecedente directo del conceptualismo. En 1913 Duchamp realiza su primer Ready-made: una rueda de bicicleta sobre un taburete. Los ready-made eran objetos que ascendían a la categoría de obras de arte por el hecho de haber sido seleccionado por el artista (intencionalidad). Esta obra bastante curiosa denotó la inquietud e irreverencia de duchamp, en 1914 realiza otro Ready-made: un botellero.
Estas obras por parte de M. Duchamp aportan un cambio al mundo de la creación y ya no se olvidará. Se trataba de hacer la realidad misma, Arte. A partir de 1917 Duchamp abandona por completo la pintura. Posterior a esto participa como artista incognito bajo el seudónimo de R.Mutt en una exposición de la Society of Independent Artists y presenta su obra “urinoir o fuente” que no era más que un simple urinario de porcelana común. Esta acción genero mucha polémico y muchos miembros de la exposición lo calificaron de inmoral y vulgar. Con esta obra Duchamp rompía completamente con la figura del artista tradicional y cuestionaba frente a todo el mundo el concepto de arte y su valor, instaura una nueva visión que va a ser seguida por un gran número de artistas los cuales adoptan la idea de la mínima intervención manual por parte del artista; y le da más importancia a la idea que a la ejecución o proyección de la obra. Haciendo que lo que realmente importe es lo que nos quiere dar a entender, lo que nos quiere llevar a reflexionar y dejar de lado lo que representa.
NOTA: Todo arte posterior a Duchamp es conceptual por naturaleza porque el arte solo existe conceptualmente.
DEFINICION DE ARTE CONCEPTUAL. Muchos autores lo definen como una tendencia artística en donde el concepto o idea tiene preferencia sobre la obra en sí misma.
CARATERISTICAS DEL ARTE CONCEPTUAL
Desmaterialización o paso del arte a la idea: las ideas que están dentro de una obra y los procesos para manifestar una idea son el elemento más importante que la producción de un objeto físico y duradero. Considera cumplida su finalidad cuando ha transmitido al espectador una determinada tensión emocional sin interesarse en los aspectos técnicos y formales, por lo mismo es con frecuencia una obra de vida efímera.
Antiformalismo: Surge como movimiento en contra del formalismo
Opuesto a la burguesía y al consumismo: intenta liberar a la obra de arte de su papel como objeto económico afirman que la obra no es propiedad de nadie. La idea común a todas las manifestaciones artísticas que englobará el Conceptualismo será la renuncia al objeto único y precioso que era la obra de arte, un objeto de lujo destinado a una élite socio-cultural excluyente.
Amplia materialidad: a diferencia de otras corrientes artísticas, el arte conceptual hacer uso de casi cualquier tipo de material elemento) que sirva para poder captar una idea.
(objeto,
Son artes generalmente de acción y tiempo : pues suponen movimiento (del artista o del espectador)
Obras abiertas: se les llama así porque no son siempre iguales a si mismas sino que varían con la disposición intelectual y afectiva del artista y del mismo espectador.
Liberación de los objetos: los objetos son liberados de sus funciones meramente utilitarias, atribuyéndoles valoraciones estéticas, integrándolos a nuevas formas de pensamiento. Su exposición museal marcan la diferencia entre objeto de arte y objeto de uso.
Cambio del proceso de creación artística: pues ya no es fundamental el manejo de un conocimiento artesanal.
ARTISTAS MÁS DESTACADOS. 1. PIERO MANZONI Artista italiano recordado por su arte conceptual irónico. En mayo de 1961 Manzoni puso sus excrementos en 90 latas y las etiquetó como "Mierda de Artista” en varios idiomas. Vendió cada lata teniendo en cuenta la cotización de oro del día. y se confirma que hasta que en mayo de 2007, se pagaban 124.000 euros por una de esas latas en una subasta en Sotheby's. También vende su aliento (contenido en globos) como Cuerpos de Aire. Con obras como estas, Manzoni critica como cualquier gesto del artista se convierte en algo mítico o con valor
2. JOSEPH KOSUTH Artista estadounidense, parte de la obra de M.Duchamp al considerar el arte moderno o conceptual se inicia con el primer Ready made, en cuanto paso de la apariencia al concepto. Joseph Kosuth realiza sus primeras "pre-investigaciones". Estas propuestas consisten en trabajos constituidos por un objeto y sus representaciones: la fotografía y la definición, sacada de un diccionario, fotografiada y ampliada.
“Una y tres sillas” es una de sus piezas más conocidas. En esta obra, Kosuth muestra una silla, una foto de esa silla, y una ampliación de una definición de "silla" de un diccionario. La gracia detrás de esta obra, era que la gente al ver la foto decía que eso era una silla, al ver la silla real decía que eso también era una silla, y al leer la definición, afirmaban lo mismo. Entonces, el artista señalaba que si bien todas esas cosas eran identificadas como una silla, solo una de ellas realmente lo era. Así juega con los límites de lo que es real y lo que no lo es y demuestra a la gente que no hay que confundir lo representado con lo real.
3. ROBERT RAUSCHENBERG Fue un pintor y artista estadounidense, famoso por sus combines de 1950. En la que materiales no tradicionales y objetos estaban empleados en combinaciones innovadoras. Si bien "Combines" es a la vez pintura y escultura, Rauschenberg también trabajó con fotografía, grabado, papel y en performance. A principios de 1950 realizó pinturas collage, en las que los lienzos expresionistas libremente pintados fueron cubiertos con fragmentos textiles, fotografías y recortes de periódicos rasgados
Peregrino (1950)
Dibujo de De Kooning Borrado: en 1953 exibe un dibujo de Willem De Kooning que Rauschenberg borró. Esta pieza levantó muchas preguntas acerca de la naturaleza fundamental del arte, provocando al espectador a considerar si borrar un dibujo de otro artista podía ser un acto creativo, así como si el trabajo sólo era "arte" porque el famoso Rauschenberg lo había hecho.
En 1955 hizo sus primeras Asociaciones, ensamblajes tridimensionales en los que las pinturas se combinaron con imágenes encontradas, como fotografías y objetos de la cultura popular tales como señales de tráfico, focos, bombillas, botellas de Coca-Cola o aparatos de radio, que creaban unos efectos irónicos o ridículos. El más conocido de ellos,
Monograma (1955-1959, Museo Moderno de Estocolmo), presenta una cabra disecada con un neumático a modo de imposible flotador. Estos trabajos híbridos, enfatizando los objetos fabricados en serie, tuvieron una fuerte influencia en el arte pop de la década de 1960.
Cañón (1958)
Peregrino (1950)
4. YVES KLEIN. Artista francés. El arte inmaterial es conocido en sus obras Escultura aerostática (1957): esta estaba compuesta de 1001 globos azules que fueron liberados hacia el cielo de parís para promover su posición monocroma, que patentó como el International Klein Blue o Azul Klein que se centraba en un color azul intenso.
Salto al vacío (1960): En 1960, Yves Klein sorprendió al mundo con un controvertido fotomontaje en el cual el propio artista aparecía saltando al vacio. La imagen fue creada como reclamo publicitario para una exposición del propio Klein, pero no tardó en ser considerada una de sus obras más importantes. Lo interesante de la foto de Klein es la ambigüedad con la que se retrata, en un punto de no retorno, en el cual no sabemos si conseguirá finalmente escapar de la gravedad, o si el cuerpo de Klein comenzará a caer hasta estamparse
finalmente contra el suelo. Y es que aunque la lógica y la física nos digan que ocurrirá lo segundo, en el arte y la imaginación, todo es posible.
MANIFESTACIONES DEL ARTE CONCEPTUAL. En función de la insistencia en el lenguaje, el comentario social o político, el cuerpo o la naturaleza dentro de este arte encontramos líneas de trabajo muy diferentes, como el llamado arte de acción el cual parte del arte conceptual validando la acción como actividad conceptual contracultural.
EL ARTE DE ACCION ANTECEDENTES, ORIGENES, INFLUENCIAS Como hemos dicho el arte de acción parte del arte conceptual, con precedentes en las veladas futuristas, dadaístas o surrealistas, surge en Europa donde (situacionismo y accionismo) y Estados unidos (performance y happening) en los años 60 y se acepta como arte en los años 70. En sus orígenes, la práctica accionista compartió con el arte de los procesos (processual art), el del cuerpo (body art) y el de la tierra (land art, earth works) un marco estratégico común en el que el objetivo de la actividad artística no se orientaba a la producción de objetos sino a la transformación del entorno físico y social
DEFINICIÓN DE ARTE DE ACCIÓN El arte de acción se refiere a la actuación, situación, acontecimiento o performance de carácter transitorio y experimental escenificado en ambientes y espacios alternativos que trasciende las dimensiones físicas de la galería y el museo, alterando de forma radical la producción objetual del arte tradicional, para considerar al cuerpo y sus sentidos como vehículo de significación y representación estética
Objetivo: liberar al arte de su carácter económico haciendo obras que no son objetos sino acontecimientos.
CARACTERISTICAS DEL ARTE DE ACCIÓN
Mezcla de elementos de muchas manifestaciones artísticas: manejan técnicas y elementos tomados de otras artes como el teatro la danza, la pantomima, la declamación; y se auxilian con recursos tecnológicos como la fotografía, el video, cine, etc. ; así como las artes graficas: el dibujo, el grabado, la litografía para fijar la imagen y documentar el hecho artístico; de esta forma presiona los límites del arte tradicional (pintura y escultura)
Ambientes y sonidos: utiliza ambientes y sonido, buscando prioritariamente efectos perceptuales de naturaleza emotiva.
Son obras de participación: porque hacen intervenir al público, convirtiéndolo en elemento activo y rompiendo así la tradicional separación entre el creador y espectador.
Exigen métodos de interpretación: al espectador se le exige una empatía que sea capaz de interpretar esos acontecimientos y llevarlos después a otros terrenos, su fin no es estético, busca minimizar la importancia del objeto artístico y despertar la conciencia del espectador al rechazo de valores tradicionales.
Activismo femenino: varias artistas tratan temas feministas en sus obras.
Incluye distintos tipos de manifestaciones: como el happening, performance y fluxus, entre otros.
LA PERFORMANCE. El término performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo. Está ligado al Happening, al movimiento Fluxus, al Body art y, en general, al arte conceptual.
CARACTERÍSTICAS PROPIAS.
Público: se realiza generalmente delante de un público pasivo
Escenario: puede ser un teatro, una sala de una galería de arte, una vía publica, un estudio, entre otros.
Realización: suele tratarse de una realización individual o de pequeños grupos, en los que el artista se expresa a través del cuerpo, y sus gestos para transmitir determinadas ideas, ayudandandose también de medios técnicos sobre todo de la música y de imágenes proyectadas con video y a veces dejándose llevar por la improvisación
PRECURSOR DE LA PERFORMANCE: fue un músico, John Cage, que desde 1937 reivindicaba los ruidos como futuro de la música, capturando ruidos cotidianos con los que hacía composiciones muy originales. En sus conciertos (uno de ellos lo hizo en el MOMA de N.York) la gente culta pero abierta a la experimentación escuchaba como sus Músicos tocaban cencerros, botellas, campanas, láminas de metal, etc. Un concierto performance de Cage, en 1952, fue 4’33’, que consistió en cuatro minutos y 33 segundos de ausencia de música, siendo la música, en realidad, todos los sonidos que hizo el público mientras tanto. Los contenidos de la performance varían en función del artista, de la zona y de la época. En sus orígenes eran más improvisadas y azarosas, con mucho contenido crítico; posteriormente, sobre todo a partir de los años 80,
tendrán un gran carácter espectacular, con un espíritu muy profesional, llegando a ser difusa la diferencia entre performance y teatro, y siendo mucho menos críticas. También fueron pioneros de las performances algunas acciones de artistas como Manzoni y Kleim
REPRESENTANTES. GILBERT & GEORGE: pareja de artistas británicos. Sus acciones eran críticas, pero trabajadas con humor e ironía. Querían transmitir la idea de que la actividad artística no está separada de la actividad cotidiana, que cualquier persona puede ser un artista. La primera fue la “escultura cantante” (Underneath the Arches) (1969) donde los artistas, vestidos con trajes corrientes, uno llevando un bastón y el otro un guante, y con las caras pintadas de dorado, se movían de una manera mecánica, como si fueran títeres, encima de una pequeña mesa durante unos seis minutos con el acompañamiento de una canción del mismo título. Y así fue como presentaron otras obras, en las que ellos mismos, como esculturas vivas, realizaban actividades cotidianas.
DENNIS OPPENHIM: performances muy visuales y bellas en las que en lugar de intérpretes usaba pequeñas marionetas de madera, que se acompañaban de música y de frases. Las pequeñas figuras se hacían preguntas sobre el sentido del arte, las raíces del arte, etc. (Tema para un éxito principal, 1974).
OTRAS MANIFESTACIONES DEL ARTE CONCEPTUAL. EL HAPPENNIG. Manifestación en forma de espectáculo en la que se incluye de manera espontanea a los espectadores a través de bailes, decorados, móviles, útiles, etc. Esta dentro del arte conceptual pues se interesa en el propio hacer y no en la elaboración de un objeto concreto; es también un arte de acción, puesto que se basa en el movimiento
NOTA: dentro del happening pueden incluirse también las performances que son también actuaciones pero individuales. La performance suele ser un acto organizado en el que no intervienen los espectadores, mientras que el happening es un evento improvisado que
exige la participación del público. CARACTERISTICAS:
Es un acto de intención estética y de carácter integrador, en el que intervienen varios individuos. Sin embargo, no busca producir un objeto artístico, sino que su esencia es la actuación misma. Es espontáneo. No hay ensayo previo. El artista actúa con libertad y hace lo que se le ocurre, aunque dentro de un cierto plan..
Se puede realizar en cualquier lugar: la calle, la oficina, una habitación, un parque, una plaza, etc.
REPRESENTANTES ESTADOUNIDENSES KAPROW que fue el primer artista en realizar un happening, lo define como “acontecimiento”, como algo que “simplemente sucede. Se trató de la obra:
18 happenings en 6 partes, de A. Kaprow . Se implicó al público desde el principio porque les mandó unas invitaciones en las que ponía: “usted se convertirá en una parte de los happening, usted los experimentará simultáneamente”. Posteriormente se les enviaron también misteriosos sobres de plástico que contenían trocitos de papel, fotos, maderas, figuras recortados, fragmentos de pinturas, etc. La obra combinó muchos medios artísticos diferentes: esculturas de ruedas, dispositivas, movimientos de baile, música concreta, monólogos, pintura, etc. Se desarrolló a través de pequeñas habitaciones separadas por paneles de plástico dentro de las cuales se disponían sillas en círculo para que el público pudiera mirar en todas direcciones.
JIM DINE En sus acciones presenta cosas, objetos y actos cotidianos, vulgares, para que desaparezca la visión histórica global y prestemos atención al valor de las historias individuales
El Obrero sonriente (1960): en la que el autor, disfrazado como es habitual, aparece realizando actividades cotidianas, como comerse un plátano, además de dibujar sobre sábanas blancas máscaras y la palabra “I love”, beber la pintura y echársela sobre la cabeza. El Obrero sonriente habla del arte, de cómo el arte no es algo duradero, porque lo mismo que las pinta las destruye, y lo hace disfrazado, quitando valor al arte y dándole un carácter más festivo y menos solemne.
OTRAS MANIFESTACIONES DEL ARTE CONCEPTUAL. Fluxus: Grupo internacional de artistas. Muy cercano de Performance Art, Happenings. Da Importancia a la casualidad. Frecuentemente los trabajos incluyen la participación del espectador para acabarlos. Nam June Paik, George Maciunas, John Cage, George Brecht, Yoko Ono
Body art: Es una forma de arte que entra en el grupo de las artes conceptuales, ya que el artista no pretende ningún resultado concreto. El medio expresivo es el propio cuerpo de aquel, moviéndose en una secuencia de actitudes. Apareció en Estados Unidos hacia los años sesenta. Artistas: Hermann Nitsch, Rudolf Schwarz, Bruce Naumann, Gilbert y George.
Pop art: Es un producto típicamente norteamericano (aunque también se desarrolló por las mismas fechas —1950— en Inglaterra), que aspira a ser el arte testimonial del tiempo que vivimos. Artistas: Robert Rauschenberg, Jasper Johns, AndyWarhol, Claes Oldenburg, RoyLichtenstein,Valerio Adami, George Segal, Peter Blake, Richard Hamilton, Michelangelo Pistoletto
Arte Povera: Expresión italiana que significa “arte pobre” y que define una corriente estética aparecida en Turín hacia 1967 como reacción frente al arte tradicional en la medida en que éste es considerado bello y de materiales nobles.El arte povera se vale de objetos del desecho o sin valor real ni artístico, trivial y ajeno a denominaciones como bello, hermoso o exquisito. Se propone dar valor a estructuras primarias conseguidas con materiales groseros y hasta repulsivos, pero siempre intentando dotarles de un espíritu poético
Land art: Es una forma de arte conceptual, de fondo neodadá, que se realiza al aire libre, sacando los materiales de la propia naturaleza, modificándola en su forma de alguna manera.Su campo de acción es la naturaleza física en su sentido más amplio: la exterior natural —montañas, campos, ríos, mares, desiertos, etc. — y la transformada por la actividad del hombre: parques, jardines. Calles, etc. Artistas: Denis Oppenheim, Jan Dibbets, Robert Morris, Christo, Walter de María. Entre otras.
NOTA: Todo arte posterior a Duchamp es conceptual por naturaleza porque el arte solo existe conceptualmente
NOTA: dentro del happening pueden incluirse también las performances que son también actuaciones pero individuales.
NOTA: La performance suele ser un acto organizado en el que no intervienen los espectadores, mientras que el happening es un evento improvisado que exige la participación del público. NOTA: aunque el happening tiene en común con el teatro el uso del lenguaje corporal y consiste en la realización de actos, no debe considerarse representación, pues le falta la intención principal del teatro que es de narrar y entretener. En el happening, la intención es promover un estado emocional de repudio e incomodidad
NOTA: las primeras expresiones de arte corporal realizadas por el grupo expresionista alemán tuvieron un carácter sadomasoquista, manifiesto en prácticas sangrientas de gran crueldad, como automutilaciones y cortes con cuchillas, evocando costumbres en algunas sociedades primitivas
NOTA: las arte no convencionales, en general, y las de acción corporal, en particular tienen sus antecedentes lejanos, en algunos componentes del futurismo, del surrealismo y sobre todo del dadaísmo, que representaba una actitud crítica, negativa y destructora de las estéticas tradicionales y aun de la misma sociedad, cuyos valores espirituales repudiaba.´
NOTA: TENDENCIAS: Propensión, inclinación: NOTA: ESTETICA: La estética es la rama de la filosofía que tiene por objeto el estudio de la esencia y la percepción de la belleza. Formalmente se le ha definido también como "ciencia que trata de la belleza de la teoría fundamental y filosófica del arte.
NOTA: ARE PROCESUAL: es un movimiento artístico así como un sentimiento creativo y un punto de vista sobre el mundo donde el producto final del arte y la artesanía, el objeto de arte, no es el centro de atención principal. El «proceso» en el arte procesual se refiere al proceso de la formación de arte: la búsqueda, clasificación, recopilación, asociación y estampado. El arte procesual está preocupado con el hacer real; el arte como un rito, ritual y performance. El arte procesual a menudo acarrea una motivación inherente, racional e intencional. Por lo tanto, el arte se ve como un viaje creativo o proceso, más que como el producto acabado.
NOTA: CONTRACULTURA: Movimiento social y cultural que se caracteriza por el rechazo de los valores sociales y modos de vida establecidos:
NOTA: DADAISMO: Formado en Suiza en 1916, fue un movimiento más cien negativo, que iba contra todo el arte anterior. Su creador fue el poeta rumano Tristán Izará. Características: Absoluta libertad de medios: aprovechamiento de objetos de uso común, collages. Actuación corporal del artista, etc. Sentido revolucionario y destructor Negación de toda idea de belleza Está dentro de las llamadas artes conceptuales, en cuanto se interesa más en la acción del artista —que suele ser antiartística— que en llegar a un resultado material concreto. Se fundamenta en lo irracional y en lo inconsciente.
Artistas: Max Ernst, Kurt Schwitters, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Jean Arp.
Cuando analizamos la obra de Marcel Duchamp (1887-1968) va a quedarnos siempre la duda de en qué "apartado artístico" deberíamos clasificarlo. ¿Se trata de un pintor fauvista, cubista o abstracto? ¿Es, tal vez, un escultor cinético o un autor que emplea objetos de la vida cotidiana y los convierte en arte? ¿Perteneció al dadaísmo? ¿Anticipó el surrealismo? ¿O es, simplemente, el irreverente, el provocador, el que engaña al espectador y se burla de él? Pues nada de eso... y todo a la vez. Una de las personalidades más creativas del panorama artístico del siglo XX. Original, tremendamente original, desde luego. Duchamp, nace en Francia. Muy joven se va a París, para estudiar arte, aunque no concluye sus estudios, realizando un viaje estilístico por las diversas corrientes pictóricas de la época. Su paso por cada una de ellas es verdaderamente fugaz: siempre vanguardista, podría afirmarse que su inquietud por buscar un camino propio le impide recorrer del todo aquellos que otros artistas han abierto antes. Tan es así que hacia 1913 prácticamente abandona la pintura y serán muy pocos los cuadros que realice. Inicia entonces Duchamp su trayectoria como escultor, concretada en la realización de su primer "objeto encontrado", la "rueda de bicicleta" denominado por la crítica como ready-made (listo y hecho), una verdadera innovación escultórica. Con ello pasa a convertir objetos cotidianos, que no poseen ningún valor específico y a los que él añade una mínima transformación, en obras de arte, sacándolas de su contexto habitual. Hay pues aquí una posición muy cercana a los planteamientos dadaístas, en cuanto
supone una fuerte crítica al propio sentido del arte y a su consideración en la sociedad contemporánea. A partir de este momento la producción artística de Duchamp se ralentiza, en parte debido a su permanente inquietud y a sus diversas aficiones, entre ellas, el ajedrez. No importa, aún dedica ocho años a realizar su obra más conocida: "el Gran Vidrio", que no podemos considerar únicamente como pintura; es más bien una máquina virtual disparatada y genial. Pero sin entender esta obra no podríamos comprender los caminos que ahora, en estos momentos, está recorriendo el arte más actual, porque muchos de ellos fueron abiertos por Duchamp, el rompedor de las reglas, el visionario que introdujo nuevos puntos de vista sobre la obra de arte, el que se atrevió a considerar como fuente un simple urinario de caballeros. Curiosa página esta, muy en la línea de Duchamp. Hay en la red una Comunidad Mundial Marcel Duchamp, cuya página ofrece en inglés abundante información sobre el irreverenteartista: vídeos, biografía... y otras muchas cosas. También me gusta este breve artículo sobre Duchamp y el silencio. Pero, para entender a este artista tan peculiar, hay que visitar indudablemente esta hermosa página, prueba de la creatividad con la que puede trabajarse en Internet. Por último, en español, la Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes tiene publicada en la red esta tesis doctoral sobre el Gran Vidrio, para amantes de profundis de la obra de Duchamp.
