CYNDY SHERMAN Y SHERRIE LEVINE
Departamento de Arquitectura y Geodesia Universidad de Alcalá
Master Oficial Arquitectura y Ciudad
FUNDAMENTOS TEORICOS DEL ARTE ACTUAL
INVESTIGACION Cindy Sherman y Sherrie Levin
Profesor: ARQ. JOSÉ JUAN BARBA GONZÁLEZ
Presentado por: ARQ. LAURA DE LA MOTA IZQUIEL
Fecha 7 de Enero de 2009 Alcalá de Henares, España. España.
Índice
Indice Introducción...............................................................................................................3 Cindy Sherman..........................................................................................................4 Untitled Film Still ...................................................................................................5 Clasificacion de esta serie ................................................................................... 9
Centerfold.............................................................................................................10 Attack clothes ...................................................................................................... 11 Fairy Tales............................................................................................................12 Disgust Picture .................................................................................................... 12 History Portraits...................................................................................................13 Sex Picture ........................................................................................................... 15 Horror Picture ...................................................................................................... 16 Pelicula The Office Killer .................................................................................... 17 Clowns..................................................................................................................17 Sherrie Levine .........................................................................................................19 Shoe Sale..............................................................................................................21 Sons and Lovers..................................................................................................21 Apropiacionismo de Imagenes...........................................................................22 Pintura Minimalista..............................................................................................25 Vuelta al apropicionismo .................................................................................... 25 Interieurs Parisiens: After Atget, 1997 .............................................................. 25 Bibliografia...............................................................................................................29
2
Introducción En los años 80 determinados artistas, herederos de Marcel Duchamp y Andy Warhol, reinterpretan la forma como vemos el arte, desarrollando en sus obras ideas y teorías de marcado carácter citacionista y apropiacionista, pues en sus trabajos afloran y se tratan conceptos como la originalidad, la copia, la autoría, la reproductibilidad de la obra de arte, la hibridación, el pastiche o la objetualización de las creaciones artísticas. Alrededor de ellos toda la economía había caído en las garras de una profunda, lenta y pulida recensión. La presente investigación se centra en las artistas Cindy Sherman y Sherrie Levine, norteamericanas, dos grandes artistas conceptuales, que enaltecieron el genero fotográfico como forma de arte. Sherman fue una gran influencia para los artistas de su época. Su arte trata temas de la femineidad, el rol de la mujer en la sociedad, la sexualidad y el acto de hacer fotografía. Con sus trabajos suben los precios de las fotografías artísticas y prosperan las galerías de arte. Su fotografía The Hitchhiker fue vendida en 1979 por $50 dólares y luego revendida en 1999 en Christie´s por $200,000 dólares. Levine cuestiona la idea que entendemos por arte y el concepto de autoria. Sus obras han sido interpretadas como un comentario a la muerte de la modernidad y sus ideales, las nociones de originalidad artística, la autenticidad y la autonomía del objeto artístico y su estatus como una mercancía. Re-fotografiando grandes artistas como Edward Weston y Walker Evans, que no son escogidos al asar, sino que de esta forma busca transmitir el mensaje.
3
Cindy Sherman Nació el 19 de Enero de 1954 en Glen Ridge, Nueva Jersey, EE.UU. pero muy joven su familia se mudo a ciudad de Huntington en Long Island, EE.UU. Fotógrafa y directora de la película Office Killer. Artista muy conocida por su fotografía conceptual. Actualmente vive y trabaja en Nueva York. En 1995 recibió el premio Mac Arthur Award. Sherman comenzó a interesarse en las artes visuales en Buffalo State College, entre 1972 y 1976, donde comenzó a pintar. Frustrada con los resultados y sus limitaciones abandona la pintura y dedica especial atención a la fotografía. Sus propias palabras sobre este cambio "I was meticulously copying other art and then I realized I could just use a camera and put my time into an idea instead." (Yo estaba
meticulosamente copiando otras artes y ahora la realizo solo con una cámara y plasmo mi idea instantáneamente.) Desarrolló el resto de su carrera focalizada en la fotografía. Luego de reprobar una materia, repite el curso con Barbara Jo Revelle, quien la introdujo al arte conceptual y otras formas de arte contemporáneo. Mientras estudia en la Universidad conoce a Robert Longo y a Charles Clough quienes juntos crean “Hallwalls”, un centro de artes. Sherman trabajó en series, típicamente fotografiándose ella misma con distintos vestuarios, por ejemplo su histórica serie de 69 fotografías “Untitled Film Still”, entre 1977-1980 que aparece con el estilo de las película clase B, filme extranjero o como las actrices del cine negro. Y en 2003 crea una nueva serie que aparecía con disfraces de payasos. Aunque ella misma no considera su trabajo feminista, muchas de sus series fotográficas, como “Centerfolds” de 1981 resalta al estereotipo de mujeres en películas, televisión y revistas.
Hasta 1986 realiza únicamente autoretratos
fotográficos con los que intenta parodiar el tema de la mujer estereotipada, situándose en diferentes escenarios. En muchos de sus trabajos hay muchas criticas que son tanto molestas como graciosas. En sus trabajos ella esta tanto revelada como escondida. En una entrevista al New York Times en 1990, "I feel I'm anonymous in my work. When I look at the pictures, I 4
never see myself; they aren't self-portraits. Sometimes I disappear." Sherman.
(Siento que soy anónima en mi obra. Cuando miro las fotografías, nunca me veo a mi misma; no son autoretratos. Algunas veces desaparezco.) Como curiosidad suele señalarse el hecho de que Sherman nunca titula sus obras y son los historiadores los que, en un intento por simplificar y aunar su producción, le han ido dando la nomenclatura por la que suelen reconocerse. Sus fotos pueden considerarse algunas veces algo repulsivas y extrañas, pero atraen al espectador de una forma inexplicable. Una amante del arte plasmándola en la fotografía, conocida como una de las artistas de su generación con mas dotes artísticos, influencia y gran talento. Cada año sus exposiciones atraen una gran cantidad de personas, que forman parte del espectáculo.
Untitled Surge a través de sus imágenes un sutil análisis de la identidad individual, tanto de las fantasías que nos genera como de las fuerzas que la conforman. Esta inmersión nos hace reflexionar sobre la incertidumbre donde la identidad individual lucha con el imaginario colectivo, los estereotipos y las cuestiones de poder simbólico.
5
Sus cinematográficas imágenes nos transportan a escenarios dominados por la presencia femenina, en los que el misterio abre un surco que no nos permite distinguir entre ficción y realidad. Seriación y cronología son dos de los principales componentes del trabajo de Sherman, cuyo tema recurrente es la imagen contemporánea de la mujer y los estereotipos que habitualmente giran en torno a ella. A continuación algunas de las obras mas importantes de su carrera.
Untitled Film Still Sherman muestra su famosa serie “Untitled Film Still” a finales de el año 1977. Estas pequeñas fotografías a blanco y negro, representando mujeres tradicionales y de la generación de mujeres del “baby boom 1” que crecieron absorbiendo las glamorosas
Untitled Film Still #5 imágenes en casa de los televisores que veían imaginándolas y soñándolas como un retrato de cómo sería su futuro.
1
Baby boom es una expresión inglesa surgida tras la Segunda Guerra Mundial para definir el periodo de tiempo con un extraordinario número de nacimientos que se dio entre 1946 y 1964.
6
Con cada serie de fotografías imitaba y confrontaba, explorando la forma y como la mujer y el cuerpo son representados por el efecto contemporáneo de las imágenes mercadologicas, incluyendo el medio masivo y fuentes históricas como cuentos de hadas, retratos y fotografía surrealista. En las fotos blanco y negro de esta serie se plasma a si misma como una actriz desconocida de películas extranjeras, de películas de clase B y filme negro. Nos enseña sobre la agonía del yo, la deconstrucción de la identidad, los roles de los estereotipos femeninos y su plasmación en el caos. Con su propia metamorfosis, como una búsqueda de nosotros mismos.
Untitled Film Still #7
7
Untitled Film Still #15
Untitled Film Still # 21
8
Esta serie se clasifica en distintos grupos: Los seis primeros son ligeramente granulado y fuera de foco (por ejemplo, Untitled # 4), y cada uno de los' papeles' parece ser desempeñado por la misma actriz rubia. El siguiente grupo fue tomada en 1978, en la casa de playa de la familia de Robert Longo en North Fork de Long Island. (Sherman y Longo fueron pareja hasta finales de 1979) Más tarde, en 1978, Sherman comenzó a tomar fotos en lugares al aire libre alrededor de la ciudad. Por ejemplo, Untitled Still Film# 21 Sherman más tarde regresó a su apartamento, prefiriendo trabajar desde casa. Ella creó su versión de Sophia Loren un personaje de la película dos mujeres. (Por ejemplo, Untitled Film Still # 35 (1979)) Ella tomó varias fotografías de la serie mientras se preparan para un viaje a Arizona con sus padres. Untitled Film Still # 48 (1979), también conocido como El Hitchhiker, fue tomada al atardecer una noche durante el viaje. El resto de la serie fue tomada alrededor de Nueva York, como Untitled # 54, a menudo con una rubia víctima típica de cine negro.
Untitled Film Still #30
Untitled Film Still #34
9
Untitled Film Still #48
Centerfolds Otra de sus series mas populares es Centerfolds, creada en 1981 como un proyecto especial para Artforum por invitación de Ingrid Sischy quien era la editora. Consistió en 12 imágenes de autoretratos en tamaño de dos paginas, el formato del centro de la revista que se convierte en una sola hoja donde las revistas suelen poner póster. No fueron utilizados por la revista pero las fotografías fueron editadas en un catalogo de tapa dura, con texto de Lisa Phillips, Directora de El Nuevo Museo de Arte Contemporáneo.
Untitled #88
Untitled #90
10
Untitled #92
Untitled #93
Attack clothes Esta serie de 1983, “Attack Clothes” Un ataque al vestuario. Esta muestra el contraste entre personas feas y la ropa de moda.
Untitled #138
11
Fairy Tales En 1985 crea la serie Fairy Tales (Cuento de hadas), fotografías un poco retorcidas basadas en los cuentos de hadas. Al igual que en la mayoría de sus obras las imágenes son reconocibles y ella continua aun identificable.
Untitled #154
Untitled #154
"What could I possibly do when I want to stop using myself and don't want other people in the photos?"-Cindy Sherman
(¿Qué podría hacer yo cuando quiero dejar de usarme a mí misma y no deseo a otras personas en las fotos?)
Disgust Pictures Esta serie de 1987-1989 es la primera obra donde ella misma no es el tema. Usa acercamientos a conjuntos de sustancias repugnantes como sangre, vómito y vil, así como alimentos, dummys, sombras, y las partes del cuerpo para crear estas escenas. Ellos están destinados a ser bruto y, al mismo tiempo hermoso. Los
12
colores y texturas creadas por el uso de la iluminación, los diferentes ángulos y en la configuración de la cámara ayudan a que esto sea posible.
Untitled #175
History Portraits Esta serie de 1989-1990 se basa en imágenes de los grandes maestros de la pintura, del renacimiento y la nobleza, aquí Sherman se apropia de la historia del arte. Las imágenes son pinturas reconocibles que ya hemos visto, pero realmente difícil decir si se adoptan a partir de una imagen específica. Sherman alude además a la paradoja de la realidad y la irrealidad por exponer claramente las partes del cuerpo de prótesis que usa para crear estas imágenes.
13
Untitled #205
Untitled #225
Untitled #209
Untitled #223
14
Sex Picture Esta serie de 1992 está destinada a impactar y aterrorizar. "The shock and terror should come from what the sexual elements are really standing for-death, power, aggression, beauty, sadness, etc-- It's too easy to make a funny or shocking picture based solely on the appearances of the sex organs. The difficulty is making poignant yet explicit imagery--But I also want to explore the abstraction (art traditional) use of body parts-a more formal approach" –Sherman.
(“La conmoción y el terror deben provenir de los elementos sexual que son elementos permanentes de la muerte, el poder, la agresión, la belleza, la tristeza, etc. - Es muy fácil crear una imagen graciosa o chocante basada únicamente en la apariencia de los órganos sexuales. La dificultad está en hacerlo conmovedor aún con imágenes explícitas - Pero también quiero explorar la abstracción (arte tradicional) la utilización de partes del cuerpo en un enfoque más formal ")
Untitled #261 (1992)
15
Untitled #250 (1992)
Horror Picture Esta serie en 1995 proviene de la propia Sherman proclamado interés en las películas de horror. Para esta serie estudió dada / surrealista fotografía, fotomontaje, collage etc. Sherman quería explorar una violenta dirección misógina.
Untitled #314c y 314f (1995)
16
Película The Office Killer EN 1997 es directora de la película de comedia negra y horror The Office Killer.
Clowns Esta serie en el
2004 utiliza payasos para explorar las profundidades de la
humanidad, sacando partida de la ambigua figura de estos personajes: "I couldn't figure out what I wanted to say. I still wanted the work to be the same kind of mixture- intense with a nasty or and ugly side but also with a real pathos about the character-and clowns have an underlying sense of sadness while they're trying to cheer people up. Clowns are sad yet they're psychotically hysterically happy. There's a lot of creepy sad different emotions that I really like.”-Sherman
("Yo no supe lo que quería decir. Yo todavía quería que el trabajo fuera el mismo tipo de mezcla- intenso con una desagradable y fea cara, sino también con un real patetismo sobre el carácter que tienen los payasos en un sentido subyacente de tristeza mientras se está intentando animar a la gente. Los Payasos están tristes aunque actúen que están histéricamente feliz. Hay muchas espeluznantemente triste emociones diferentes que realmente me gustan.”)
17
Untitled
Untitled
18
Sherrie Levine Nació el 17 de Abril de 1947 en Hazleton, Pennsylvania, EE.UU. Fotógrafa y artista conceptual. Recibió su Bachelor of Art en la Universidad de Wisconsin, Madison en 1969. En 1973 gana un Master en Bellas Artes en la misma institución.
Muchos de sus trabajos vienen de varias apropiaciones directas de imágenes creadas. Levine es uno de los principales miembros de una generación de artistas que, huyendo de la nueva tendencia pictórica neo-expresionista que dominaba el arte de los últimos setenta y primeros años ochenta, comienza a explorar asuntos como los de la originalidad, autenticidad y autoría, característicos de lo que más tarde ha venido a llamarse neo-conceptualismo. Primero genero criticas por su trabajo en los años 80, cuando formo parte de un emergente grupo junto a otros artistas conceptuales incluidos Jenny Holzer, Richard Prince, Louise Lawler, Cindy Sherman y Barbara Kruger. Uno de sus trabajos mas famosos es ”After Edward Weston” exhibida en 1980 en el Metro Pictures Gallery. Esta obra consintió en re-fotografiar las fotografías del famoso Walker Evans desde un catalogo de exhibición, y fue presentado como un trabajo artístico de Levine sin ninguna manipulación de las imágenes. Estas fotografías de Evans consideradas como el expediente fotográfico esencial de la vida de los pobres americanos rurales durante la Gran Depresión Norteamericana. Con la apropiación de estas imágenes Levine pone en cuestionamiento la identidad y la política de usos de las imágenes, la naturaleza de la creatividad y como el contexto modifica la forma de ver el arte. "I'm not making the art to make a point or to illustrate a theory. I'm making the picture I want to look at which is what I think everybody does. The desire comes first." -
Levine (“No estoy haciendo el arte para buscar un punto o ilustrar una teoría. Estoy haciendo la pintura que quiero mirar que es lo que pienso que hacen todos. El deseo viene primero.”)
19
Levine no cuestiona al autor sino al propio concepto de autoría, o visto de otro modo al concepto de original (y copia). Si un pintor reproduce en el lienzo un paisaje que ha visto en la naturaleza, ¿por qué no puede ella reproducir ese cuadro sobre otro soporte? Si un fotógrafo imita en una composición obras del arte griego y romano ¿es más autor que ella? El apropiacionismo le sirve a Levine para explorar su relación con las obras y los autores que elige, una relación que, en ocasiones, ha definido como edípica. Para Levine este método tiene una cualidad mágica: son dos imágenes superpuestas que aspiran a establecer una lectura alegórica del trabajo. Es el espectador el que se ve obligado a reconstruir el significado que para ella tienen estas fotografías y a establecer, además, su propio vínculo con ellas. Levine hace suyas las ideas de Roland Barthes sobre la muerte del autor y considera que “el nacimiento del espectador debe ser a costa del pintor”, o, en este caso, del fotógrafo. Firmando estas imágenes “robadas” les da autenticidad, devolviéndoles el aura que habrían perdido si fueran simples reproducciones, y les confiere tanto el estatus de obra única como el de mercancía. Su intención no es negar estos conceptos, sino establecer su naturaleza dialéctica. A continuación algunas de las obras mas importantes de su carrera.
20
Shoe Sale Su primera obra destacada fue Shoe Sale en 1977, Levine pondría setenta y cinco pares de zapatos pequeños, tamaño de niños pero con estilo de hombres, que había encontrado por casualidad en un especial en la tienda Tres Mercer Street.
Shoes from shoe sale, 1977
Sons and Lovers Este mismo año de 1977 terminó una serie de dibujos, que parecen anunciar sus obras posteriores. siluetas tomadas de las monedas de un centavo, un cuarto y las nuevas monedas de medio dólar, lo pinto de manera que los presidentes que se enfrentan unos a otros de plano fluorescentes en las pequeñas hojas de papel cuadriculado. Las que parodiando D.H. Lawrence 2 llamo Sons and Lovers.
2
David Herbert Richards Lawrence (11 de septiembre de 1885 – 2 de marzo de 1930) fue un escritor inglés autor de novelas, cuentos, poemas, obras de teatro, ensayos, libros de viaje, pinturas, traducciones y crítica literaria. Escribe su novella autobigrafica Sons and Lovers en 1913.
21
Estos dibujos logran, a través de la repetición y de la variación, que el espectador sea el que genere la historia que los une completando el significado de la obra.
Apropiacionismo de Imágenes En 1979 Levine realizó ocho collages a partir de obras de Leonard Feininger, fue la primera vez que se apropió de las fotografías de otro artista. Ese mismo año refotografió seis de los desnudos masculinos de Edward Weston, así como algunos de los paisajes de Eliot Porter. Dos años después, su exposición individual en la galería Metro Pictures provocó, por la novedad de su propuesta, el debate en el medio artístico neoyorquino. En ella presentó sus reproducciones de la serie fotográfica W.P.A. Depression Series de Walker Evans. Con sus apropiaciones, Levine resignifica la obra de grandes maestros del arte -siempre hombres- y niega las nociones tradicionales de originalidad y autoría, que han sido paradigmáticas del concepto patriarcal de vanguardia. Al mismo tiempo se interroga sobre la idea de propiedad y el proceso de fetichización que sufre toda obra de arte por el mero hecho de llevar inscrita una firma.
22
After Edward Weston, 1979
After Walker Evans, 1981 En 1983 volvió a la pintura y presentó copias en acuarela de láminas que reproducían cuadros de algunos de los grandes héroes de las vanguardias históricas como Miró, Léger, o Stuart Davis. Con esta serie fuerza de nuevo el concepto de originalidad y crea copias de copias, que no eran reproducidas por un medio mecánico, sino que retomaban la cualidad artesanal y sensual de la 23
pincelada y el trazo.
Untitled, After Joan Miró, 1985
Pintura Minimalista Considerando que en su obra estaba quedando reprimido algún aspecto, decide abandonar por unos años el apropiacionismo y crea una serie de pinturas que, como ella misma explica, “tuvieran que ver no sólo con la historia del arte, sino también con la historia personal y la memoria. Quería hacer pinturas que fueran formales y alegóricas al mismo tiempo”. A este grupo pertenecen su serie de tablas
24
de madera manufacturadas cuyos nudos han sido dorados, los lienzos con franjas geométricas de color de 1985, que se inspiran en las pinturas minimalistas de las que se avergonzaba cuando era estudiante, y su posterior derivación hacia la representación de tableros de juego.
Untitled- Gold Knots 7, 1985
Untitled- Yelow Knots Prototype, 1985
Vuelta al Apropiacionismo Después de estas series pictóricas vuelve a las estrategias apropiacionistas de sus primeras obras introduciendo el uso del ordenador como en Meltdown o llevándolas también a las tres dimensiones y así ha dado cuerpo a las figuras de los solteros de Le grand verre de Duchamp, ha hecho fundir en bronce urinarios similares al de Fountain del mismo artista, y ha mandado construir seis mesas de billar idénticas inspiradas en La Fortune de Man Ray. S. R.
25
Solteros, After de Marcel Duchamp, 1989
La Fountain, After de Marcel Duchamp, 1991
26
La Fortune, After Man Ray, 1990.
Interieurs Parisiens: After Atget, 1997 Atget fue el creador de uno de los más importantes archivos fotográficos que existen sobre la capital francesa. Esta serie de fotografías recoge un grupo de sesenta imágenes de interiores de casas parisinas, sin personajes, realizadas a lo largo de varias décadas por Eugène Atget (1856-1927), uno de los maestros de la fotografía francesa. La elección de este artista no es gratuita ya que él fue uno de los primeros en reconocer que la fotografía tenía su propio lenguaje, y que era un medio independiente y autónomo, alejándose de los presupuestos pictoralistas de las corrientes finiseculares. Atget murió sin el reconocimiento público que mereció en vida, excepto por el que le tributaron las primeras vanguardias que le revistieron de un aura heroica. Fotografió algunas de las obras de artistas como Derain, Braque o Utrillo, adelantando sin intención una de las estrategias reproductivas de la propia Levine, y su obra fue admirada por Man Ray, Berenice Abbot y Ansel Adams. Atget está también íntimamente relacionado con otro concepto que importa mucho a Levine: el de memoria. Uno de los principales intereses de Atget fue fotografiar monumentos, edificios y situaciones que estaban a punto de extinguirse. Tenía una conciencia histórica de su trabajo. Levine, eligiendo este tipo de obras y de artistas, evidencia, re-significándolos a través de su mirada, el carácter de construcción 27
cultural de la historia del arte contemporáneo, que ha primado un concepto de vanguardia patriarcal del que las mujeres fueron excluidas. El apropiacionismo le sirve a Levine para explorar su relación con las obras y los autores que elige, una relación que, en ocasiones, ha definido como edípica. Para Levine este método tiene una cualidad mágica: son dos imágenes superpuestas que aspiran a establecer una lectura alegórica del trabajo. Es el espectador el que se ve obligado a reconstruir el significado que para ella tienen estas fotografías y a establecer, además, su propio vínculo con ellas. Levine hace suyas las ideas de Roland Barthes sobre la muerte del autor y considera que “el nacimiento del espectador debe ser a costa del pintor”, o, en este caso, del fotógrafo.
After Atget, 1997.
28
Bibliografía •
Autores Varios. (2000) Cindy Sherman: Retrospective (Paperback). Thames & Hudson.
•
MORRIS, Catherine. (1999) The Essential The: Cindy Sherman. Harry N. Abrams, Inc.
•
Colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA). Consulta de diciembre 2008 de www.moma.org
•
BRITANNICA, Enciclopedia. Consulta de diciembre 2008 de http://www.britannica.com/EBchecked/topic/540087/Cindy-Sherman
•
PAICE, Kim. (1995). “Cindy Sherman”. Consulta de diciembre 2008. De http://www.frieze.com/
•
Fundación Telefónica. Colección de Fotografía Contemporánea de Telefónica Consulta de diciembre de 2008 de http://www.fundacion.telefonica.com/at/colfotografia/paginas/a16.html
•
•
MANDIBERG, Michael. After Sherrie Levine. Consulta de diciembre 2008 de
http://aftersherrielevine.com/ LÓPEZ MÓNICA, Yoldi. (1999) Apropiación y citación en el arte de los años ochenta: Mike Didlo, Louse Lanler, Sherrie Levine, Polke, David Salle y Richard Principe. Centro de lectura Bella Artes, Barcelona, España.
Entrevistas a Cindy Sherman. Consulta de diciembre de 2008 de
•
www.youtube.com
29
