rococo

Rococó colores luminosos, suaves y claros. Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, la mitología la  mitología,, la representación de los cuerpos desnudos, el arte el  arte oriental y oriental  y especialmente los temas galantes y amorosos. Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y las relaciones humanas, un estilo que busca reflejar lo que es agradable, refinado, exótico y sensual.

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Hist Histor oria ia de la pala palabr bra a

Según Étienne-Jean Según  Étienne-Jean Delécluze, Delécluze, el término «rococó» fue  Petit Trianon , «apartamento» que Madame El  Petit que  Madame de Pompadour  , inventado en torno al año 1797 como una broma por Quays, alumno de Jacques-Louis de  Jacques-Louis David. David. amante de Luis de  Luis XV  y   y promotora del rococó, se hizo construir  Pierre-Maurice Quays, Supuestamente se trataría de una asociación de las pa para alejarse alejarse del ambiente palaciego de  Versalles  Versalles.. labras francesas “rocaille” y “baroque” (barroco (barroco), ), la primera de las cuales designa una ornamentación que imita piedras naturales y ciertas formas formas curvadas de conchas de moluscos.. El término rococó tuvo durante mucho tiempo moluscos un sentido peyorativo, antes de ser aceptado a mediados del siglo XIX como un término propio de la historia del arte.

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Conte Contexto xto histó históri rico co y socia sociall

Su precedente se sitúa en los inicios del siglo del siglo XVIII coinXVIII coincidiendo con la regencia de  Felipe de Orleans, Orleans, cuando empezaron los tímidos cambios que anunciaban el final del estilo tardo barroco tardo barroco y  y su evolución evolución hacia la expresión expresión de un gusto más contemporáneo, independiente y hedonista, contrapuesto al arte oficial, inflexible y ostentoso del reinado de Luis de Luis XIV. XIV. La transición del Rococó, también conocido como el «estilo Luis XV», a nuevas formas y expresiones artísticas empezó hacia 1720. Este estilo, llamado en su tiempo «del gusto moderno», fue despreciado despreciado por sus críticos y detractores neoclasicistas tas con con la pala palabr braa roco rococó có,, que que es una una comp compos osic ició iónn de «rocaille» (piedra) y « coquille» (concha marina), puesto que en los primeros diseños del nuevo estilo aparecían formas formas irregulares inspiradas en rocas marinas, algas y conchas. Otras Otras versi versione oness buscan buscan el origen origen en rocaille,untipodeornamentación de los decoradores de grutas de los jardines barroc barrocos os y que que se distin distinguí guíaa por su prof profuso uso ensort ensortiijamie jamiennto. Aunque el Rococó haya sido un arte  convencionalista y  cortesano  cortesano,, es un ejemplo de cómo el arte es expresión de la vida vida soci social al y de cómo cómo un esti estilo lo pued puedee esta estarr diri dirigi gido do a individuos individuos dentro de dicha sociedad y no a sus monarcas

El columpio , una obra maestra de Fragonard  de Fragonard  , donde se recoge el  espíritu refinado, exótico y sensual propio del rococó.

El Rococó es un movimiento un movimiento artístico nacido artístico nacido en Francia en Francia,, que se desarrolla de forma progresiva progresiva entre los años 1730 años 1730 y 1760 aproximadamente. aproximadamente. El Rococó es definido como un arte individualista arte  individualista,, antiformalista y cortesano y cortesano.. Se caracteriza por el gusto por los 1

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3 HISTORIA

o dioses.

del Rococó buscan reproducir el sentimiento típico de la El estilo se expresa sobre todo en la   pintura, la vida aristocrática, libre de preocupaciones, o de novela decoración, el mobiliario, la moda y en el diseño y pro- ligera, más que batallas heroicas o figuras religiosas. ducción de objetos. Su presencia en la arquitectura y la escultura es menor, puesto que su ámbito fundamental son los interiores y, en menor grado, las composiciones 3.2 Desarrollo y extensión monumentales. Las excavaciones entre  1738 y   1748 de   Pompeya y Herculano  y su divulgación despertaron una verdadera fascinación por el  «gusto a la griega» , embrión del que, una vez consolidado, conoceríamos como Neoclasicismo y que coincide con el reinado de Luis XVI. Durante este periodo el Rococó mantuvo una gran hegemonía sobre los demás estilos.

3 3.1

Historia Del Barroco al Rococó Interior de estilo rococó del   palacio de Gatchina , cerca de  San Petersburgo , en Rusia.

En el desarrollo y extensión del nuevo estilo dentro de la sociedad francesa, jugó un papel clave la influencia de Jeanne Antoinette Poisson, marquesa de Pompadour y amante del rey. Su interés por el arte que, como aficionada, practicaba asesorada por François Boucher o Quentin de La Tour, se transmitió a las clases acomodadas de París. La década de 1730 fue el periodo de mayor vitalidad y desarrollo del Rococó en Francia. El estilo se inició en la arquitectura y llegó al mobiliario, la escultura y la pintura (entre los trabajos más significativos, encontramos los de los artistas Jean-Antoine Watteau y François La basílica de Ottobeuren (Baviera): los espacios arquitectónicos Boucher). El estilo rococó se difunde sobre todo gracias a los artistas franceses y a las publicaciones de la época. confluyen y se dispersan, como si tomasen vida. Fue rápidamente acogido en la zona católica de Durante el reinado de Luis XV, la vida de la corte se desa- Alemania, Bohemia y  Austria, donde se fusiona con el rrolla en el palacio de Versalles, extendiendo el cambio Barroco germánico. En particular al sur, el Rococó gerartístico del palacio real y permitiendo su difusión a to- mánico fue aplicado con entusiasmo en la construcción da la alta sociedad francesa. La delicadeza y la alegría de de casas y palacios; los arquitectos a menudo adornan los los motivos rococó han sido vistos a menudo como una interiores con «nubes» de estuco blanco. reacción a los excesos del régimen de Luis XIV. En Italia, el estilo tardobarroco de Francesco Borromini Si lo Barroco estaba al servicio del poder absolutista, el Rococó está al servicio de la aristocracia y la burguesía. El artista pasa a trabajar con más libertad y se expande el mercado del arte . El Rococó se presenta como un arte al servicio de la comodidad, el lujo y la fiesta. Las escenas de su pintura recogen este nuevo estilo de vida. Con respecto a la vertiente social, se inicia un cambio en el papel de la mujer, que se convierte en organizadora de reuniones para hablar de literatura, política, juegos de ingenio o para bailar. Este entorno de alta actividad social dentro de la alta burguesía es el lugar adecuado para que los artistas se promocionen y hagan clientes. Los motivos

y Guarino Guarini evoluciona hacia el Rococó en Turín, Venecia, Nápoles y Sicilia, mientras que el arte en la Toscana y en Roma se mantiene todavía fuertemente ligado al Barroco, pero con sus características básicas muy marcadas. En Inglaterra, el nuevo estilo fue considerado como «el gusto francés por el arte». Los arquitectos ingleses no seguirían el ejemplo de sus colegas continentales, a pesar de que la platería, la porcelana y las sedas sí estuvieron fuertemente influenciadas por el Rococó. Thomas Chippendale transformó el diseño del mobiliario inglés mediante el estudio y la adaptación del nuevo estilo. William Ho-

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4.2 Arquitectura

garth contribuyó a crear una teoría sobre la belleza del Rococó; sin referirse intencionadamente al nuevo estilo, afirmaba en su obra  Análisis de la belleza  (1753) que la curva en S  presente en el Rococó era la base de la belleza y de la gracia presente en el arte y en la naturaleza. 3.3

Declive

El fin del Rococó se inicia en torno a 1760, cuando personajes como Voltaire y Jacques-François Blondel extienden la crítica sobre la superficialidad y la degeneración del arte. Blondel, en particular, se lamentó de la « increíble mezcla de conchas, dragones, cañas, palmas y plantas» del arte contemporáneo. En 1780 el Rococó deja de estar de moda en Francia y es reemplazado por el orden y la seriedad del estilo neoclásico impulsado por JacquesLouis David.

alta sociedad francesa quiere adecuar sus casas al nuevo estilo. El Rococó aprecia el carácter exótico del arte chino y, en Francia, se imita este estilo en la producción de porcelana y vajilla de mesa. Los diseñadores franceses, como  François de Cuvilliés y Nicolas Pineau, exportan el estilo a Múnich y San Petersburgo, mientras el alemán Juste-Aurèle Meissonier se trasladó a París, si bien hace falta considerar a SimonPhilippe Poirier como el precursor del Rococó en París. El Rococó inglés tiende a ser másmoderado. El diseñador de muebles Thomas Chippendale mantiene la línea curva pero menos ampulosa que la del mueble francés. El mayor exponente del Rococó inglés fue, probablemente, Thomas Johnson, un escultor y proyectista de muebles ubicado en Londres a mediados de 1700.

El Rococó se mantuvo popular fuera de las grandes ca- 4.2 pitales y en Italia hasta la segunda fase del Neoclásico, cuando el llamado estilo Imperio se impone gracias al impulso del gobierno napoleónico.

Arquitectura

Un renovado interés por el Rococó aparece entre 1820 y 1870. Inglaterra es la primera en revalorar el  estilo Luis XIV , que es como se denominaba erróneamente al comienzo. Con esta moda, se llegaron a pagar cifras importantes por objetos rococó de segunda mano que se podían encontrar en París. En Francia, sólo artistas importantes como Delacroix y mecenas como la emperatriz Eugenia dan valor nuevamente al estilo.

4 4.1

El Rococó aplicado al arte Mobiliario y objetos decorativos du- Palacio Solitude (Stuttgart ), un exponente de la arquitectura rococó en la Alemania meridional. rante el periodo Rococó

Diván de estilo rococó.

La temática ligera pero intrincada del diseño rococó se adecúa mejor a los objetos de talla reducida que a la arquitectura y a la escultura. No sorprende por lo tanto que el Rococó francés fuera utilizado sobre todo en el interior de las casas. Figuras de porcelana, platería y, ante todo, el mobiliario incorporan la estética del Rococó cuando la

Una de las características del estilo rococó será la marca de diferencia entre exteriores e interiores. El interior será un lugar de fantasía y colorido, mientras la fachada se caracterizará por la sencillez y la simplicidad. Se abandonan los órdenes clásicos, y las fachadas de los edificios se distinguirán por ser lisas, teniendo, como mucho, unas molduras para separar plantas o enmarcar puertas y ventanas. La forma dominante en las edificaciones rococó era la circular. Un pabellón central, generalmente entre dos alas bajas y curvas y, siempre que era posible, rodeado de un jardín o inmerso en un parque natural. Otras edificaciones podían tomar la forma de pabellones encadenados, en contra del típico edificio «bloque», propio de la etapa anterior. En este momento la ventana aumenta progresivamente de medida, hasta la puertaventana o «ventana francesa», obteniendo una interrelación entre interior y exterior que consigue la ideal fusión con la naturaleza, con el paisaje y el entorno. Se descartan los marcos en ángulo recto, demasiado rígidos, y se adoptan ventanas arqueadas. Se

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4 EL ROCOCÓ APLICADO AL ARTE 

elimina o reduce el uso de esculturas monumentales, li- A pesar de que el Rococó debe su origen puramente a las mitándolas a la ornamentación de los jardines. artes decorativas, el estilo mostró su influencia también en En cualquier caso, el aspecto más destacable de los in- la pintura, llegando a su máximo esplendor en la década teriores rococós es la distribución interna. Los edificios de 1730. Esta pintura debe llamarse propiamente como tienen estancias especializadas para cada función y una Pintura Galante y no como Pintura Rococó, pues este térdistribución muy cómoda. Las habitaciones se diseñan mino engloba el contexto estético en que se encontraba. como un conjunto que, con una marcada funcionalidad, Los pintores usaron colores claros y delicados y las formas curvilíneas, decoran las telas con querubines y mitos combina ornamentación, colores y mobiliario. de amor. Sus paisajes con fiestas galantes y pastorales a Por su misma naturaleza, estas tendencias arquitectónicas menudo recogían comidas sobre la hierba de personajes tuvieron muy poco reflejo en las construcciones oficiales, aristocráticos y aventuras amorosas y cortesanas. Se refueran laicas o eclesiásticas. En cambio, el nuevo estilo cuperaron personajes mitológicos que se entremezclan en fue perfecto para las residencias de la nobleza y la alta las escenas, dotándolas de sensualidad, alegría y frescura. burguesía, las clases más ansiosas de cambiar según los nuevos cánones y las más dotadas de medios económicos El retrato también fue popular entre los pintores rococós, en el que los personajes son representados con mucha elepara conseguirlo. gancia, basada en la artificialidad de la vida de palacio y de los ambientes cortesanos, reflejando una imagen amable de la sociedad en transformación. Jean-Antoine Watteau (1684–1721) es considerado el más importante pintor rococó, creador de un nuevo género pictórico: las « fêtes galantes» (fiestas galantes), con escenas impregnadas con un erotismo lírico. Watteau, a pesar de morir a los 35 años, tuvo una gran influencia en sus sucesores, incluidos François Boucher (1703–1770) y Palacio de Sanssouci  , Potsdam. Jean-Honoré Fragonard (1732–1806), dos maestros del En Alemania, especialmente en Baviera, el Rococó entra periodo tardío. También el toque delicado y la sensibicon mucha fuerza y supera las fórmulas barrocas. Des- lidad de Thomas Gainsborough (1727–1788) reflejan el taca, a diferencia de Francia, la capacidad de adecuar el espíritu rococó. estilo a construcciones religiosas que consiguió el Rococó alemán. Entre los autores de las obras más destacadas en- 4.4 Escultura contramos a artistas franceses y alemanes como François de Cuvilliés, Johann Balthasar Neumann y Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff, que realizaron la preparación de Amalienburg cerca de Múnich, la residencia de Wurzburgo, Sanssouci en Potsdam, Charlottenburg en Berlín, los   Palacios de Augustusburg y Falkenlust en   Brühl, Bruchsal, el Palacio Solitude de Stuttgart y Schönbrunn en Viena. 4.3

Pintura

Peregrinación a Cythera de   Jean-Antoine Watteau   (1721, Cupido de Edmé Bouchardon (1750). Louvre).

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5.2 Arquitectura

La escultura es otra área en la cual intervinieron los artistas del rococó. Étienne-Maurice Falconet(1716–1791) es considerado uno de los mejores representantes del Rococó francés. En general, este estilo fue expresado mejor mediante la delicada escultura de porcelana, más que con estatuas marmóreas e imponentes. El mismo Falconet era director de una famosa fábrica de  porcelana en Sèvres. Los motivos amorosos y alegres son representados en la escultura, así como la naturaleza y la línea curva y asimétrica. El diseñador Edmé Bouchardon representó a Cupido tallando sus dardos de amor con el garrote de Hércules, un símbolo excelente del estilo rococó. El semidiós es transformado en un niño tierno, el garrote que rompe huesos se transforma en flechas que golpean el corazón, en el momento en que el mármol es sustituido por el estuco. En este periodo podemos mencionar a los escultores franceses Jean-Baptiste Lemoyne, Robert le Lorrain, Michel Clodion y Pigalle. 4.5

Música

El  estilo galante  fue el equivalente del Rococó en la historia de la música, situado entre la música barroca y la música clásica, y no es fácil definir este concepto con palabras. La música rococó se desarrolló al margen de la música barroca, particularmente en Francia. Puede ser considerada como una música muy intimista realizada de forma extremadamente refinada. Entre los máximos exponentes de esta corriente se puede citar a Jean Philippe Rameau y Carl Philipp Emanuel Bach, Johann Christian Bach y Georg Philipp Telemann.

Madame de Pompadour 

vos florales, escenas, máscaras grotescas, pinturas e incrustaciones de piedra.

Francia es la cuna del estilo y desde aquí se extiende al resto de Europa, especialmente a los países de lengua germánica, donde adquiere una fuerza extraordinaria debido a las fuertes relaciones de Federico II de Prusia  con la corona de Francia.

La tapicería fue un capítulo importante para conseguir comodidad en el mueble. Los asientos llegaron a cotas de comodidad inimaginables pocos años antes. La tendencia general a favor del lujo y del confort hizo que los cortesanos y los asiduos asistentes a los salones pudieran ahora sentarse (e incluso reclinarse y estirarse) en las reuniones, a diferencia de la época anterior, en la que había sido obligatorio permanecer de pie por cuestiones de protocolo. Este nuevo concepto de la comodidad y una actitud más despreocupada respecto al cuerpo humano (al cual se permitía en momentos de intimidad evadirse y librarse de rígidas posturas), la inquietud por desarrollar actividades intelectuales y lúdicas en los espacios privados, propicia el desarrollo de nuevos diseños de muebles.

5.1

5.2

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El Rococó en Francia

Mobiliario

El diseño de muebles es la principal actividad de toda una dinastía de ebanistas parisienses, alguno de los cuales había nacido en Alemania, que desarrollan un estilo de línea curva en tres dimensiones, donde las superficies embarnizadas se completaban con marquetería de bronce. La factura de estas obras corresponde, mayoritariamente, a Antoine Gaudreau, Charles Cressent, JeanPierre Latz, Françoise Oeben y Bernard van Risen Burgh.

Arquitectura

Con el alejamiento de la cultura de los palacios de la corte, las construcciones características de esta época fueron las casas alejadas del centro de ciudad o en medio del campo: « folies», «bergeries », «bagatelles» o «ermitages». En residencias urbanas, el «hôtel » o mansión en la ciudad, la planta se divide en unidades espaciales relativamente pequeñas con lo cual se obtienen ámbitos especializados, de diferente medida según su función: salón, comedor, cuarto, antecámara, galería, gabinete.

En Francia el estilo se mantiene muy sobrio, puesto que los ornamentos, principalmente de madera, eran menos De esta forma apareció una distribución más práctica que macizos y se presentaban como composiciones de moti- el anterior de «enfilade», ahora las habitaciones serían

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6 EL ROCOCÓ EN ITALIA

independientes y con acceso individual. Se cortaron oblicuamente las esquinas de las habitaciones para colocar escaleras secundarias en los espacios ganados y estos se comunicaron entre sí mediante pasillos, corredores y galerías. Entre los representantes más destacados encontramos a Jean Courtonne y a Robert de Cotte, nombrado arquitecto de la corte, y que intervino en la casi totalidad de las obras importantes que se hicieron en Francia durante 30 años.

El palacio de Stupinigi.

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El Rococó en Italia

Las Guerras Italianas tuvieron como resultado la hegemonía del poder español sobre Italia. Aunque muchos estados, como por ejemplo Venecia, no pertenecieron a la corona española, Italia dependió de España para recibir protección de las agresiones externas. El control de España fue reemplazado con la hegemonía austriaca en el siglo XVIII a excepción de algunos pocos estados que permanecieron bajo el control español. Mesa de la factoría de Sèvres de Martin Carlin. 1772.

5.3

Escultura y objetos de porcelana

También en Italia, siguiendo el ejemplo francés, creó el Rococó una notable renovación, sobre todo en el sector de la decoración de interiores y en la pintura. Se dio sobre todoenlaregióndelnorte(Liguria, Piamonte, Lombardía y Véneto), mientras que en la Italia central, por la influencia de la iglesia, el estilo no se desarrolla de forma sensible.

En cambio en   Sicilia   se desarrolló una evolución del Barroco de carácter propio, de gusto más españolizante, Francia ocupó un lugar importante a la producción de muy similar al plateresco. porcelana durante el siglo XVIII. Se fabricó en  Ruan, Estrasburgo,  Saint-Cloud,  Mennecy,  Chantilly  y en la Manufactura Real de porcelana de Sèvres. 6.1 Arquitectura Después de unos inicios difíciles (1741) en  Vincennes, la Manufactura Real se trasladó a Sèvres]] en 1756. La porcelana de Sèvres se caracterizaba por sus dibujos rodeados de ornamentación de rocalla sobre fondo blanco, aunque este blanco pasó rápidamente a colores de tonos muy vivos como el  bleu de Roi   (posterior al Rococó), el amarillo vivo, el azul turquesa, y el  rosa Pompadour  (a partir de 1757), de moda durante diez años y que se denominó así como reconocimiento al interés personal de Madame Pompadour en el desarrollo de las Manufacturas. A partir de la década de 1750 se puso de moda la colocación de placas de Sèvres como decoración de muebles pequeños o accesorios. Bernard van Risen Burgh  fue el primero ebanista conocido que decoró sus obras con placas de porcelana, una práctica que rápidamente se hizo Salón central de Stupinigi. popular. Fueron muy utilizados por los ebanistas  Martin Carlin y Weisweiler. La arquitecta Alpha Mariel Polanco Los mayores representantes estilo rococó en la arquiha hecho una gran investigación sobre el Rococó. tectura italiana son Guarino Guarini, muy activo en el

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6.3 Escultura

Piamonte y en Mesina, y Filippo Juvarra que trabaja mu- 6.3 Escultura cho en Turín como arquitecto de la casa de Saboya. Las obras más importantes de Guarino Guarini son: la En el sector de la escultura, el más pobre en este perioiglesia de San Filippo, la iglesia de los Padres Somaschi do, se distingue  Giacomo Serpotta que, sobre todo en y la casa de los padres teatinos, todas en Mesina, la ca- Palermo, realizó obras para varias iglesias de la ciudad, pilla del Santo Sudario de Turín y el palacio Carignano entre las que podemos citar los oratorios de Ciudad Santa, de San Lorenzo y del Rosario en San Domenico y la también en Turín. iglesia de San Francisco de Asís. Se puede considerar que Entre las realizaciones más importantes de Filippo Juvara algunos escultores que realizaron fuentes en Roma y en existen: la cúpula de la Basílica de San Andrés en Mantua, el palacio de Caserta se inspiraron en el estilo Rococó. la cúpula de la catedral de  Como, el campanario de la catedral de Belluno, la basílica de Superga cerca de Turín, el castillo de Rívoli, el palacete de caza a Stupinigi, el 7 El Rococó en España Palacio Real de Venaria Reale y el palacio Madama en Turín. 6.2

Pintura

Plaza de San Marcos , Canaletto (1723).

En el campo de la pintura, los mayores intérpretes del Rococó se pueden considerar los artistas que trabajaron en la República de Venecia, destacando los grandes paisajes detallistas con representaciones de los principales espacios de la ciudad: los canales, la plaza de San Marco y el Palacio Ducal, siguiendo la corriente llamada veduta. Entre las figuras más importantes a considerar encontramos: Giovanni Battista Tiepolo de quien destaca el  Retrato de Antonio Riccobono , San Rocco  y  Hércules sofoca a Anteo. Tiepolo pasó cuatro años en Wurzburgo antes de volver a Venecia y finalmente fue a trabajar en Madrid, a la corte de Carlos III, ciudad en la que murió finalmente. Giovanni Antonio Canal, conocido como Canaletto, que realizó obras entre otras:  Plaza de San Marcos , San Cristobal, San Miguel y Murano , Los caballos de San Marcos en la plaza, El campo de Rialto en Venecia y Paseo fluvial  con columna y arco de triunfo . Canaletto también trabajó en Inglaterra pero sin llegar al esplendor de los paisajes de su ciudad natal. Francesco Guardi, con un estilo al toque, representa con sus paisajes más difuminados y oscuros la República que se hunde, realizando cerca de ochocientos sesenta obras entre las cuales destacan  Milagro de un santo dominico,  Concierto en el Casino de los Filarmonici  y La Caridad .

Interior de la basílica pontificia de San Miguel  , en Madrid .

En el siglo XVIII, el Barroco español camina hacia un estilo mucho más ornamentado. La escultura, la pintura y la talla se funden con la arquitectura, en ocasiones para animar los clásicos esquemas arquitectónicos que continúan vigentes en plantas y alzados. Frente a los exteriores, por lo general austeros, se crean interiores vibrantes. Este Barroco tardío -que emplea con profusión motivos ornamentales como la hoja de acanto, de raíz clásica- comienza a impregnarse en la década de 1730 de la influencia del Rococó francés, ejemplarizada fundamentalmente en la difusión de un nuevo motivo ornamental: la rocalla (del francés rocaille), consistente en complicados juegos de “C” y “S” que generan formas asimétricas y que también recuerdan a formas marinas. La rocalla comenzó a conocerse en España a través de tres vías fundamentales: su difusión a través de los  pattern books o libros de patrones, la importación de mobiliario y otras artes decorativas

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8 EL ROCOCÓ Y LA IGLESIA CATÓLICA

de Europa y su directa traída de mano de arquitectos fo- En en el ambiente cortesano de Madrid encontramos ráneos, caso del portugués Cayetano de Acosta. los más hermosos ejemplos del Rococó español. En el De este modo, para el caso español es difícil hablar de la Palacio Real de Madrid, mandado construir por  Felipe existencia de un Rococó puro sino, más bien, de un Ba- V en 1738, se halla el soberbio Salón de Gasparini y el rroco tardío que toma prestados elementos del Rococó Salón de Porcelana. En el mismo palacio encontramos francés. La genérica denominación de Rococó para el ar- el Salón del Trono, un impresionante conjunto con mute español del siglo XVIII obedece a una trasnochada ten- chos ejemplos de mobiliario rococó como los doce espedencia de considerar el Rococó como la lógica evolución jos monumentales acompañados de sus correspondientes del Barroco. Hay que tener en cuenta que el estilo nace consolas y el trono real. En Aranjuez, también en Madrid, en Francia, país en el que el arte del siglo precedente, co- encontramos una pieza única en el Salón de Porcelana del nocido como el Grand Siécle, fue sustancialmente diverso Palacio Real, verdadera joya profusamente decorada en al caso hispano, por su carácter más clasicista. Por tanto, tiempos de Carlos III con motivos chinescos muy del gusel estilo nace más como reacción que como evolución del to por lo orientalizante y exótico del Rococó. También en XVII francés. Por otra parte, el Rococó es un arte emi- la capital de España se encuentran algunos templos que nentemente burgués y profano, difícilmente conciliable el acusan la influencia del Rococó, como la basílica de San arte religioso, el más abundante del Barroco español. A Miguel, trazada por el arquitecto italiano Santiago Bonaesta tradicional confusión terminológica ha contribuido via en 1739. la presencia en el XVIII español de arquitectos italianos En Valencia destaca el Palacio del marqués de Dos Aguas y soluciones traídas del Barroco italiano (más movido en (1740–1744), con fachada diseñada por el pintor y graplanta), ajenas al Rococó pero confundidas con éste. bador Hipólito Rovira y ejecutada por Ignacio Vergara y Con todo, al margen de la discutible huella del Rococó Luis Domingo, sin duda uno de los edificios claves del en el arte religioso español del siglo XVIII, es posible Rococó español. rastrear algunos ejemplos del Rococó en España, funda- Respecto a la arquitectura de retablos, algunos de los mentalmente en las tipologías civiles y, sobre todo, en el retablistas que se dejaron seducir por la rocalla fueron ámbito cortesano, al calor de la nueva dinastía borbónica. Narciso Tomé y Cayetano de Acosta, siempre trabajando bajo una tipología tan característica del Barroco español como es el retablo. 7.1

Arquitectura y retablos 7.2

Pintura

Como pintores españoles del siglo XVIII, cercanos al Rococó pero de tendencia academicista, destacan Luis Meléndez y Luis Paret; también el italiano Giovanni Battista Tiepolo, que trabajó en España junto a Mengs. También destacar la obra pictórica de Antonio Viladomat y de Francesc Tramulles Roig, discípulo de Viladomat y menos conocido debido al carácter efímero de su obra. Francesc Pla, conocido como «el Vigatà», mostró una leve influencia del Rococó en las pinturas del Palacio Moja de Barcelona, si bien el resto de su obra hay que ubicarla dentro de un lenguaje barroco.

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El Rococó y la Iglesia católica

Una visión crítica del Rococó en el contexto eclesiástico fue sostenidaen la Enciclopedia católica. Para la iglesia, el estilo Rococó se podía asimilar a la música profana, contrapuesta a la música sacra. La carencia de simplicidad, la exterioridad y la frivolidad tenían el efecto de distraer del recogimiento y de la plegaria.

Fachada del  Palacio del marqués de Dos Aguas , en Valencia.

Con todo, eliminada su exterioridad más explícita, el resultado pudo ser aceptado como en consonancia con un ambiente dedicado al culto. En el desarrollo del Rococó, encontramos una decoración compatible con el aspecto

9 no profanos.

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Bibliografía •

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La basílica de Superga.

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sagrado de las iglesias.

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Capitel rococó en Steinhausen.

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Los artistas franceses parecen no haber considerado nun Àgueda Viñamata, El Rococó, Ed. Montesions, Barca la belleza de la composición del objeto principal, celona 1987. mientras que los alemanes hacen de la potencia de las líneas su característica principal. En el interior de las igle J.J. Martín González.  El retablo barroco en España. sias, el Rococó pudo ser tolerado, dado que los objetos Madrid: Alpuerto, 1993. eran pequeños como un vaso, una mesita de un corazón,  A. Rodríguez G. de Ceballos.  El siglo XVIII. Entre una luz, una barandilla o una balaustrada y no eran detradición y academia . Madrid: Sílex, 1992. masiado evidentes a la vista. Resulta estar más en consonancia en la sacristía y en ambientes no propiamente de culto, más que en la iglesia propiamente dicha. El estilo Rococó se adapta muy mal al oficio solemne de la función 10 Véase también religiosa, con el tabernáculo, el altar o el púlpito.  Catedral de Murcia En el caso de grandes objetos, la escultura rococó resulta bella, pero a la vez se encuentra un parecido con el  Catedral de Cádiz Barroco. Los elementos fantasiosos de este estilo no se adaptan a las grandes paredes de las iglesias. En cualquier caso, todo tiene que ser según la situación local y las circunstancias. Hay piezas del Rococó auténticamen- 11 Enlaces externos te bellas, mientras que algunas otras no responden a los cánones e intentan asimilarse a objetos sacros. Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre  Rococó. Commons Entre los materiales utilizados en el estilo rococó figuran la madera tallada, el hierro y el bronce, utilizado en  Descripción del Rococó y comparación con el Bala construcción de balaustradas y portales. Un elemento rroco (en inglés) distintivo es el dorado que cubre los fríos materiales metálicos, más aceptables para la implantación en ambientes •

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12 ORIGEN DEL TEXTO Y LAS IMÁGENES, COLABORADORES Y LICENCIAS 

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Origen del texto y las imágenes, colaboradores y licencias

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Texto

  Rococó Fuente:  https://es.wikipedia.org/wiki/Rococ%C3%B3?oldid=86185468 Colaboradores:   Loqu, Robbot, Benceno, Vivero, Arome-

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https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/6f/Canaletto_%28II%29_023.jpg Licencia:  Public domain  Colaboradores:  1. The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH. Artista original:   Canaletto   Fuente:    https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/1f/ Commons-emblem-question_book_orange.svg Licencia:   CC BY-SA 3.0  Colaboradores:   +  Artista original:  GNOME icon artists, Jorge 2701

domain  Colaboradores:  This version created by Pumbaa, using a proper partial circle and SVG geometry features. (Former versions used to be slightly warped.)  Artista original:  SVG version was created by User:Grunt and cleaned up by 3247, based on the earlier PNG version, created by Reidab. main Colaboradores:  Trabajo propio  Artista original:  Felivet https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/eb/Fragonard%2C_The_Swing.jpg Licencia:  Public domain  Colaboradores:   wartburg.edu  Artista original:   Jean-Honoré Fragonard

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Sanssouci.jpg Licencia:  CC BY-SA 4.0 Colaboradores:  Trabajo propio  Artista original:   Raimond Spekking   Archivo:Steinhausen_Kapitell-1.jpg   Fuente:  https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/4f/Steinhausen_Kapitell-1.jpg Licencia:  CC-BY-SA-3.0 Colaboradores:  ? Artista original:  ?   Archivo:Stupinigi.jpg Fuente:  https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/ff/Stupinigi.jpg Licencia:  CC-BY-SA-3.0  Colaboradores:  ? Artista original:  ?   Archivo:Stupinigi_centrale_hal_boven.jpg   Fuente:  https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/78/Stupinigi_centrale_hal_ boven.jpg Licencia:  CC-BY-SA-3.0  Colaboradores:   Transferido desde  nl.wikipedia a Commons.  Artista original:   Danielm de Wikipedia en neerlandés   Archivo:Stuttgart_SchlossSolitude.jpg  Fuente:  https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/5a/Stuttgart_SchlossSolitude.jpg Licencia:  CC-BY-SA-3.0 Colaboradores:  selbst fotografiert von Mussklprozz' Sohn Artista original:  Son of Mussklprozz   Archivo:Table_ecriture_carlin_00_082006.JPG   Fuente:    https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/61/Table_ecriture_ carlin_00_082006.JPG  Licencia:  CC-BY-SA-3.0 Colaboradores:  Patrick Clenet  Artista original:  Patrick Clenet

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