Rococó o Luis XV. Época: 1730-1760. Rivalidades: Barroco y Neoclasicismo. Características: •
•
•
Uso decolores luminosos y suaves; Inspiración en las formas de la Naturaleza; Interés en los temas mitológicos, orientales y galantes; escaso interés en los temas religiosos.
‘El columpio’ de Fragonard
El Rococó es un movimiento artístico nacido en Francia, que se desarrolla entre los años 1730 y 1760. Se define por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros. Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, en la mitología, en la belleza de los cuerpos desnudos, en el arte oriental y en los temas galantes y amorosos. Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y de las relaciones humanas, centrándose en lo que es agradable, refinado, exótico y sensual.
Origen del término. Este estilo, llamado en su tiempo «del gusto moderno», «estilo nuevo» o «nueva manera», fue despreciado por sus críticos y detractores neoclasicistas, que para definirlo acuñaron la palabra Rococó, la cual usaban de forma despectiva. Sin embargo, a pesar de la aparente oposición entre Neoclasicismo y Rococó, trazar el límite entre ambos siendo uno de los mayores obstáculos para entender el arte del siglo XVIII. Gran parte de los críticos afirman que el término "Rococó" es una composición de «rocaille» (piedra) y «coquille» (concha marina), puesto que en los primeros diseños del
nuevo estilo aparecían formas irregulares inspiradas en rocas marinas, algas y conchas. Otras versiones buscan el origen en el vocablo "rocaille", un tipo de ornamentación de los decoradores de grutas de los jardines barrocos y que se distinguía por su profuso ensortijamiento. El estilo se expresa sobre todo en la pintura, la decoración, el mobiliario, la moda y en el diseño y producción de objetos. Su presencia en la arquitectura y la escultura es menor, puesto que su ámbito natural va a estar en los interiores y, en menor grado, las composiciones monumentales.
Diseño para interior atribuido a Thomas Lightoler (1742–1775)
El arte de la burguesía. Su precedente se sitúa en los inicios del siglo XVIII, durante la regencia de Felipe de Orleans, cuando empezaron los tímidos cambios que anunciaban el final del Barroco, estilo oficial del reinado de Luis XIV. Es más, la delicadeza y la alegría de los motivos Rococó se han considerado a menudo una reacción a los excesos del régimen de Luis XIV; si lo Barroco estaba al servicio del poder absolutista, el Rococó se pone al servicio de la aristocracia y la burguesía. El artista deja de ser un servidor del poder, trabaja con más libertad y se inicia el mercado del arte. En ese proceso va a ser fundamental el nuevo papel de la mujer, que va a contribuir a esta nueva forma de arte al convertirse en la organizadora de reuniones
para hablar de literatura y de política, para compartir juegos de ingenio o para bailar. Este entorno de alta actividad social dentro la alta burguesía es el lugar adecuado para que los artistas se promocionen y hagan clientes. No es extraño, por tanto, que los motivos del Rococó reproduzcan el sentimiento típico de la vida aristocrática, libre de preocupaciones, o de novela ligera, más que batallas heroicas o figuras religiosas. En el desarrollo y extensión del nuevo estilo dentro la sociedad francesa, jugó un papel clave la influencia de Jeanne Antoinette Poisson, marquesa de Pompadour y amante del rey. Su interés por el arte que, como aficionada, practicaba asesorada por François Boucher o Quentin de La Tour, se transmitió a las clases acomodadas de París.
Madame de Pompadour según François Boucher
1730 fue el periodo de mayor vitalidad y desarrollo del Rococó en Francia. El estilo se inició en la arquitectura y llegó al mobiliario, la escultura y la pintura (de entre los trabajos más significativos, encontramos los de los artistas Jean-Antoine Watteau y François Boucher. El estilo Rococó se difunde sobre todo gracias a los artistas franceses y a las publicaciones de la época. Las excavaciones entre 1738 y 1748 de Pompeya y Herculano y su divulgación despertaron una verdadera fascinación por el «gusto a la griega», que desembocaría finalmente en el Neoclasicismo, durante el reinado de Luis XVI.
Extensión por Europa. El Rococó fue rápidamente acogido en la zona católica de Alemania, Bohemia y Austria, donde se fusiona con el Barroco germánico. En particular al sur, el Rococó germánico fue aplicado con entusiasmo en la construcción de casas y palacios; los arquitectos a menudo adornan los interiores con «nubes» de estuco blanco, predominando la pintura de bóvedas. El elenco de pintores alemanes se incrementa con el bávaro Matthäus Günther (1705-1788) y Johann Evangelist Holzer (1709-1770), quien imprimió a sus frescos un sentimiento vigoroso. En Viena destaca Franz Anton Maulbertsch (1724-1796), autor de importantes frescos en Austria, Hungría y Checoslovaquia. Combina curvas encadenadas, escorzos vertiginosos y un colorido exquisito y variado. Otro de los pintores decoradores de paredes que trabajó en Viena fue Januarius Zick (1730-1797).
Ejemplo de la pintura Rococó en Centroeuropa: Retablo 'La victoria Miguel' de Johann Evangelist Holzer; Fresco de Matthäus Günther para la Iglesia Parroquial de San Pedro y San Pablo; 'Rebecca y Eleizer' de Franz Anton Maulbertsch; 'Agar y el ángel' de Januarius Zick.
Aunque Anton Raphael Mengs (1728-1779) es considerado prototipo de artista neoclásico, y así lo asume en sus obras mitológicas y religiosas, lo cierto es que en sus retratos se mueve dentro del refinamiento rococó. El italiano Carlo Innocenzo Carloni (1686-1775) trabajó en esta Austria y Alemania entre 1710 y 1735, creando unos imponentes decorados en los que estaban presentes las ligeras formas decorativas de la tendencia rococó.
Maria Luisa of Parma retratada por Anton Raphael Mengs
En Italia, el estilo tardobarroco de Francesco Borromini y Guarino Guarini evoluciona hacia el Rococó en Turín, Venecia, Nápoles y Sicilia, mientras el arte en la Toscana y en Roma se mantiene todavía fuertemente ligado al barroco, pero con sus características básicas muy marcadas. La escuela veneciana influyó en el austriaco Paul Troger (1698-1762), quien durante mucho tiempo residió en Italia y posteriormente dio clases en la Academia de Viena. En sus muchos frescos se observan figuras más ligeras y las formas cada vez más libres.
En Inglaterra, el nuevo estilo fue considerado como «el gusto francés por el arte». Los arquitectos ingleses no seguirían el ejemplo de sus colegas c olegas continentales, a pesar de que la platería, la porcelana y las sedas sí estuvieron fuertemente influenciadas por el Rococó. Thomas Chippendale transformó el diseño del mobiliario inglés mediante el estudio y la adaptación del nuevo estilo. William Hogarth contribuyó a crear una teoría sobre la belleza del Rococó; sin referirse intencionadamente al nuevo estilo, afirmaba en su obra "Análisis de la belleza" (1753) que la curva en "S" presente en el Rococó era la base de la belleza y de la gracia presente en el arte y en la naturaleza. Además, pueden mencionarse a Franz Anton Bustelli (1723-1763) y a los suizos JeanÉtienne Liotard (1702-1789) y Angelika Kauffmann (1741-1807).
Diseños de Thomas Chippendale Chippendale
El fin del Rococó; El estilo Pompadour. La fase final del rococó francés se le conoce como "estilo Pompadour", por reflejar el gusto de la favorita del rey, Madame de Pompadour. El fin del Rococó se inicia en torno al 1760, cuando personajes del nivel de Voltaire y Jacques-François Blondel extienden la crítica sobre la superficialidad y la degeneración del arte. Blondel, en particular, se lamentó de la «increíble mezcla de conchas, dragones, cañas, palmas y plantas» del arte contemporáneo. En 1780 lo Rococó deja de estar de moda en Francia y es reemplazado por el orden y la seriedad del estilo Neoclásico impulsado por Jacques-Louis David.
El Rococó se mantuvo popular fuera de las grandes capitales y en Italia hasta la segunda fase del Neoclásico, cuando el llamado estilo Imperio se impone gracias al impulso del gobierno de Napoleón.
‘Los genios de las Artes’ de François Boucher (1761)
Rococó revival. Un renovado interés por el Rococó aparece entre 1820 y 1870. Inglaterra es la primera en revalorar el estilo Luis XIV, que es como se denominaba erróneamente al comienzo. Con esta moda, se llegaron a pagar cifras importantes para comprar objetos Rococó de segunda mano que se podían encontrar en París. En Francia, sólo artistas importantes como Delacroix y mecenas como la emperatriz Eugenia redescubren el valor de la gracia y de la ligereza aplicada al arte y al diseño.
Notas finales. Quizá te interese: •
La Pintura Rococó. El Barroco y el Neoclasicismo.
Fuentes: •
Wikipedia España: Rococó: http://es.wikipedia.org/wiki/Rococ%C3%B3 http://es.wikipedia.org/wiki/Rococ%C3%B3..
•
Wikipedia España: Pintura Rococó: http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_rococ%C3%B3 http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_rococ%C3%B3..
Créditos: •
•
Trabajo creado por Auxi González para su blog sobre pintura “La Gruta de los Lienzos” (http://lienzos.blogspot.com/ http://lienzos.blogspot.com/)) LICENCIA CREATIVE COMMONS: este trabajo carece de interés comercial y admite copia y distribución siempre que se haga bajo la misma licencia, sin interés comercial y se mencione al autor.
¿Cómo mencionar este trabajo? •
“Rococó (PDF)” por Auxi González para “La Gruta de los Lienzos” (http://lienzos.blogspot.com/ http://lienzos.blogspot.com/))
