Música El estilo galante fue el equivalente del rococó en la historia de la música, música , situado entre la música barroca y la música clásica, clásica, y no es fácil definir este concepto con palabras. La música rococó se desarrolló al margen de la música barroca, particularmente en Francia. Puede ser considerada como una música muy intimista realizada de forma extremadamente refinada. Entre los máximos exponentes de esta corriente se puede citar a Jean Philippe Rameau y Carl Philipp Emanuel Bach, Bach, Johann Christian Bach y George Philipp Telemann. Telemann.
LA MUSICA DEL ROCOCO
RASGOS GENERALES
(1700-1755) -El rococó o el arte refinado del salón del reinado de Luis XV domina toda la primera mitad del siglo XVIII en Francia. -Francia, en la primera mitad del siglo XVIII, es el faro intellectual intellectua l y moral que guía a toda Europa. Su palacio de Versalles y sus academias serán imitadas en toda Europa. -El rococó es esencialmente un arte decorativo y ornamental de interiores. Se distingue por el empleo abundante de rocas y conchas irregulares; líneas asimétricas y onduladas; decoraciones vegetales de hojas y guirnaldas; muebles de porcelana; chinescos, espejos y tapices. -En pintura los temas preferidos son las fiestas galantes y el retra-
to, escenas bucólicas y pastoriles. Watedu, Boucher y Fragonard serán los mejores que retratarán la vida frívola y placentera de la época. -El mismo arte galante, frívolo y sensual condicionará también su música. Las artes y la música de los salones dieciochescos traen a nuestro recuerdo los caballeros de hebillas y pelucas; las mujeres de sombreros de patas y miriñaques; los pasos de minués y rigodones y las escenas campestres y pastoriles en prados y parques.
CARACTERISTICAS
-Perfeccionamiento de los instrumentos, que dará nacimiento a mediados de siglo al arte sinfónico. -Los instrumentos favoritos de los salones serán el violín y el clavecín, los cuales compartirán la supremacía con la flauta. Se generaliza el actual clarinete. Se perfecciona el fagot, y oboe, que ya existían. -Nace el piano (1709), inventado por Bartolomeo Cristofori. -Con la introducción del violín en la orquesta con Corelli, surgen ya diferentes escuelas y técnicas interpretativas, los propulsores de tal técnica son: Leclair en Francia; Vivaldi y Veraccini en Italia, a los que se unirán Viotti, Germiniani, Kreutzer, Stamitz y otros. -En Italia, aparte de Albinoni, Dall´abaco, Locatelli, B. Marcello, y de los ya mencionados de Germiniani y Veraccini, los nombres más
resaltantes son los de Vivaldi y Tartini en el violín. Mientras que en el clavecín sobresale Domenico Scarlatti. -En Francia, el más notable de los violinistas será Leclair, que representa el apogeo de la sonata y conciertos franceses. -El instrumento que mejor represente el rococó francés será el clavecín. -Las dos figuras cumbres del clavecinismo francés son Francisco Couperin y Juan Felipe Ramean. -A grandes rasgos puede decirse que siguen los géneros y formas instrumentales iniciados en el siglo XVII. -Otros compositores del rococó son: Cristóbal Gluck y Pergolessi, en Francia. -Otros compositores de transición entre el rococó y el clásico Vienés son: Johan Stamitz (creador de la sinfonía y violinista), de Manheim; Carl Felipe Emmanuel Bach (creador de la estructura del plan sonata), Juan Matheson y Jorge Felipe Telemann, en el norte y centro de Alemania; Luigi Bocherini, en Madrid.
PRECLASICISMO Y ROCOCÓ El término rococó proviene de la palabra rocaille, que se refiere a una decoración fantasiosa aplicada sobre una arquitectura clásica. El style galant hace referencia a lo que se consideraba de buen gusto, lo que estaba de moda. En la música el contrapunto barroco
queda pasado de moda. Aparecen unas músicas que se acercan más a una audiencia mayor, no sólo para las cortes. También obras más íntimas para vivir en sociedad (cuartetos, quintetos), toda persona con cierta cultura tiene que saber algo de música de fácil asimilación y rechazando el contrapunto barroco: tiene que generar un pequeño drama pero sin tener complejidad. En el siglo XVIII la faceta expresiva de la música sigue siendo muy importante. La dialéctica entre sensus y ratio sigue presente. No se resuelve hasta el clasicismo. En el barroco se habían estereotipado los afectos. Entre el barroco y el clasicismo se resquebrajan estas leyes, ya que quieren expresar sentimientos más individuales. Orden, sencillez, facilidad, equilibrio, simetría, ingenio, gracia, sorpresa. Desaparece el concierto barroco y aparece la sinfonía por la influencia de las pequeñas piezas instrumentales de tres movimientos (rápido, lento y rápido) que precedían a las óperas italianas; y los conciertos vieneses (rápido, lento, minueto{ritmo de danza francesa} y rápido). Se abandona la escritura concertante, contrastes del concierto, para hacer una escritura más compacta. Sigue la idea de la autonomía del lenguaje instrumental. Todo perfectamente equilibrado llegando a su auge. Los conciertos a solo persisten, pero combiará el estilo. El clasicismo perfeccionará el concierto a solo. La ópera inicia una reforma buscando la sencillez y coherencia dramática, rechazando la ópera seria. En el siglo XVIII comienzan los estudios de la estética y las artes. La música sufre una devaluación al no tener la capacidad imitativa de las otras artes. A la vez se sentían muy emocionados al escuchar, era el lenguaje que apelaba directamente a los sentimientos. La música logra tales cambios que se convierte en un arte autónomo indiscutible.
Les preocupaba hacer una música de buen gusto para el refinado gusto de los aristocráticos que les sustentaban, y que tuviese una capacidad de expresión emocional moderada. Aparece la música rococó con gran cantidad de elementos decorativos, ingeniosos, entretenidos, graciosos... sobre una estructura sólida y racional. se rechazan los extremos. Música sutil, lujo de los sentidos, agradable, divertida y espontánea. Se consigue todo esto con un rechazo de los elementos musicales complejos: contraste, movilidad e intensificación emocional ( son atenuados). Todos los parámetros tienen que simplificarse: ritmo armonía y melodía. La melodía, en vez de ser reiterativa, se trabaja con melodías cortas, frases breves y simétricas, con estructura clara, muy regulares. Las cadencias mucho más abundantes para determinar el fin de las frases. Repetición para simplificar el discurso, difundidos en pequeños motivos. Así se crean melodías sencillas, racionales. Sobre esas frases se superpone una gran carga ornamental que genera cierta emoción: rococó. Armonía muy sencilla. Frente a la textura complicada del barroco. Ritmo tendente a la sencillez y a la regularidad. Son habituales los ritmos de danza, con ciertos toques graciosos. Textura transparente se rechaza el contrapunto, rechazando la riqueza de texturas. Ahora dentro de la sencillez hay cambios, mayor variedad de texturas pera todas sencillas. Los géneros serán la música de cámara para quinteto, cuarteto y trío, sonata para instrumento solista, sobretodo el clave (cuerda pinzada) y el clavicordio (cuerda golpeada). La música vocal será la ópera cómica. Audiciones.
Barroco tardío
Concierto de Brandenburgo Nº 4 de J. B. Bach Concierto: escritura que explota el diálogo entre algunos instrumentos y el tuti . Es un concierto grosso: un violín y dos flautas (concertino). Muy denso y contrapuntístico.
Concierto de Brandenburgo Nº 5 de J. B. Bach El clave es un instrumento solista junto con el violín y la flauta. Es un concierto grosso. Alternancia nítida entre todos y el concertino , bastante compacto.
Sinfonía de G. B. Sammartini Primer y tercer movimientos prestos y segundo movimiento andante. Mucho menos contrapuntística. Cuerda y clave, sin solista, con hay concertante. Martín, muy conocido en tosa Europa, publicó sus sinfonías en imprenta. Renuncia al diálogo instrumental, ligereza y sencillez galante. Las aportaciones italianas son el concierto para clave? y la sinfonía, además de la ópera bufa. Las Cuatro Estaciones: El Invierno de Vivaldi Escritura concertante entre el violín y tuti . Ritmo rápido y poderoso.
ROCOCÓ. Serenata de Mozart de 1769 Serenata o divertimento para escuchar al aire libre. Es una obra ligera, cambios de humor, introduce instrumentos de viento. T ienen estructuras libres: diversos movimientos, no únicamente tres. BERLÍN
Estilo de la sensibilidad o empfindsamer stil : valora la emoción por encima de todo. Los músicos desarrollan este género en Postdan, capital de Prusia. El más destacado fue Carl Philipp Emanuel Bach. Son obras muy sutiles. Están pensadas para una audiencia muy cultivada para que pueda captar los pequeños detalles que muestran
los pequeños cambios de sensibilidad. Utilizan para esto cambios de humor contrastantes, sorpresas... a través de repentinos cambios armónicos, explotan el contraste melódico. Por eso se presta atención a los pequeños detalles y hay quienes lo denominan como estilo manierista. Texto de C. P. Bach: Escribió un ensayo en dos partes llamado Ensayo sobre la verdadera manera de tocar instrumentos de teclado , de 1753. Le preocupaba mucho la ejecución que puede destrozar la obra si es una ejecución muy vasta o hacerla amanerada si se enfatizan los ornamentos. Para él la emoción , algo subjetivo, es un valor de la ejecución. Opone el mecanicismo a la emoción, aunque no deshecha que haya unas reglas para sacar esta emoción. El ejecutante debe sensibilizar al oyente. Habla de las limitaciones que tiene el instrumento por lo que hay que buscar la forma de superarlas. Rechaza la escolástica. El instrumento debe emular a la voz humana. Critica la visión que daban a la música los filósofo por no tener la capacidad de imitación (no saben de lo que hablan). Destaca la capacidad expresiva por encima de todo. C. P. Bach escribió famosas sonatas para teclado. ITALIA Domenico Scarlatti (1685-1757), trabajó en las cortes de Lisboa y Madrid donde escribe sonatas para teclado que se llamaran Essercizi. Escribió más de 500, eran obras pequeñas. Fueron publicadas en Londres en 1738, pero conocidas en España. En el prefacio rechaza la erudición barroca. Para él lo mejor es hacer una burla, ingenio del arte. Se busca el placer de tocar. Típico del estilo galante. Se dedica al clavicémbalo, no le interesan otros instrumentos. Son obras galantes, ingenios explota la sonoridad, velocidad, adornos, extravagancia... Los clavecinistas franceses hacen suites referentes a la mitología, formas libres y fantasiosas. Scarlatti experimenta con obras muy consistentes formalmente, con obras simétricas, estructuradas,
sólidas formalmente pero llenas de pequeñas cosas, por eso es preclásica. La sonata habitual es en varios movimientos (rápido, lento, rápido). MANNHEIM En 1742 sube al trono K. Theodor y se rodea de excelentes músicos desarrollando las sinfonías. Tenía una gran orquesta en tamaño y disciplina de ejecución de un estilo galante en el ámbito sinfónico. Absorben la musicalidad de los italianos en movimientos lentos; y el gusto francés de musicalidad. Además añaden un peculiar interés en destacar los efectos de dinámica: desarrollan estereotipos de dinamismo: sorpresa, fantasía, sutileza... La orquesta incorpora un mayor número de movimientos y se liberan de la tiranía de la cuerda.
Sinfonía en cuatro movimientos de Stamitz de 1750 (r, l, m, r). Fue publicada en París en 1757 (todos querían triunfar en París). 1º presto: repetición como forma de articulación fundamental. 2º andantino: instrumentos de viento a la forma francesa. Con ligereza y ligereza y lirismo, no la ostentación del barroco. 3º minueto: forma cerrada para buscar la simetría A B-(trío) A. 4º prestísimo. Textura ligera contrarrestada por un fraseo cambiante y rítmico, adornado. Jamás se rechazaron los conciertos solos, el oponer la sonoridad de la orquesta a un instrumento solista, pero el estilo cambia (si desapareció el concierto grosso al que le quita protagonismo la sinfonía). VIENA Es importante entre los años 60 y 80, era el lugar donde estaba la corte. Como en Berlín, todos los días había un concierto. En Viena el poder de convocatoria era fuerte, sobre todo en la ópera, por lo que
se crean abonos para concierto, a pesar de los importantes autores que tiene fueron eclipsados por Haydn y Mozart. LONDRES Lleno de músicos de muchas partes. Johan Christian Bach se forma en Alemania e Italia. En el 62 acaba en Londres y publica sus obras en el 63. en el 65 crea los Ciclos de Conciertos en la Hanover Square Rooms con abonos, con músicos de toda Europa. Fueron muy fructíferos. Mozart llega a Londres en el 64 con ocho años y recibe clases de Bach. Realizó importantes conciertos para piano y orquesta (ya no solo violín). PARIS Atracción para los compositores. Fue la primera en organizar los ciclos de conciertos por abonos en 1725, para rellenar el vacío que había de música en cuaresma: conciertos espirituales, aunque irán cambiándose incluyendo sinfonías y conciertos. Gossec es el primer director del Ciclo de Conciertos de San Mateo. Sinfonía concertante: para orquestas donde se explota el color de los instrumentos, diálogo instrumental. Haydn nace en 1732. en los 60 hace obras clásicas influidas por Italia, Alemania y Francia. Audiciones
Sinfonía Nº 1 Opus 3 de J.C. Bach. Primer movimiento allegro. Fraseo, elegancia, cadencias, cambios de humor, efectos sorpresivos, adornos, simetría, articulaciones. Se sigue utilizando el clavecín.
Sinfonía Nº 4 Opus 3 de J. C. Bach. Segundo movimiento andantino. Grácil, bailable, preguntas y respuestas (concertante), equilibrio,
naturalidad, gracia.
Tríptico de sinfonías de Haydn de 1761? Dividido en La Mañana, El Mediodía y La Noche, creada para el conde de Esterhazy. Primer movimiento: Intenta evocar el amanecer. Último movimiento de la Noche la tempestad, presto. Ocasionalmente se ven huellas concertantes. Dinámicas. La evocación idealizada era típica del XVIII: pintor con música. Un elemento muy frecuente es la referencia al mundo de la danza, muy importante en el barroco (suite y cámara). El minueto: tiene una regularización y equilibrio buscado por los clásicos. Además había un gusto cortesano por lo popular. Para deleitar a los oyentes introducen danzas conocidas.
Quinteto de Boccherini 1785 Cuatro cuerdas más guitarra. Intenta evocar una seguidilla. Baile de moda en España. A la vez es galante. La seguidilla es de ritmo terciado. Quinteto de evocación al fandango.
El violín surgió en Italia a comienzos del Siglo XVI. Parece haber evolucionado a partir de dos instrumentos de cuerda frotada: la fídula, también denominada viella y rebec, y la lira da braccio (instrumento como el violín con bordones separados del diapasón). También relacionado con el violín pero no un antecedente directo, es la viola da gamba, instrumento de seis cuerdas con trastes que apareció en Europa antes que el violín y existió junto con él durante unos 200 años. Los más importantes violeros fueron los italianos Gasparo (Bertolotti) da Salò y Giovanni Maggini de Brescia y Andrea Amati de Cremona. El arte de la construcción del violín brilló con gran intensidad en el Siglo XVII y comienzos del XVIII en los talleres de los italianos Antonio Stradivarius y Giuseppe Guarneri, ambos de Cremona, y del austriaco Jacob Stainer. Comparado con los instrumentos modernos, el violín antiguo tenía un mango más grueso, menos inclinado hacia atrás, un diapasón más corto, un puente más bajo y cuerdas hechas sólo de tripa. Los arcos antiguos eran algo diferentes en su diseño de los actuales. Estas características constructivas fueron
modificadas en los siglos XVIII y XIX para producir un sonido más duro y brillante. Varios violinistas del Siglo XX han restaurado y empleado instrumentos del siglo XVIII por considerarlos más adecuados para interpretar la música antigua.
Los orígenes del violín son muy remotos; italianos y alemanes se disputan el honor de prioridad con respecto a la invención; lo cierto es que los primeros instrumentos de cuerda y arco debieron de entrar en Europa por dos caminos opuestos: por el Sur, con la invasión árabe-africana a España, y por el Norte, con las hordas bárbaras de Atila. Con todo, el origen común del violín debe ser buscado en Asia, donde los antiguos hindúes usaban el ravanastrón y la vina, instrumentos de cuerdas con una calabaza como caja de resonancia. De la vina hindú derivó el urheen chino, que aún hoy encontramos entre los sacerdotes budistas y en el que aparecen ya los elementos de un violín moderno: caja sonora, mástil, clavijas, cuerdas de tripa y arco. Una variante suya fue el omerti, que dio origen luego al kemanqué persa, el cual fue introducido en Europa por los árabes con el nombre de rebab, conocido en España como rabé o rabel y en Francia como rebec. Algunos autores afirman que el violín tuvo su origen en la Zira griega, a la cual se habría aplicado un arco, y otros en el monocordio, de una sola cuerda, usado durante todo el medievo para la música sacra. Finalmente, hay quienes afirman también que deriva del crowth inglés. Lo cierto es que en el siglo xii y en el xiii aparece en Europa, en manos de trovadores y troveros, un instrumento bastante perfeccionado que responde al nombre de vielle, emparentado con la familia de las violas. Desde ese momento la evolución del violín, como la del piano, quedó en manos de verdaderas dinastías de artesanos, llamadas luthiers, por dedicarse a la luthería o fabricación de instrumentos de cuerda. A partir del siglo xv trabajan con igual intensidad, en Italia y en el Tirol alemán, artífices de la luthería. Uno de los primeros nombres que aparecen documentados es el de Gaspar di Salo
(1560-1610), a quien durante mucho tiempo se le atribuyó la invención del violín; últimamente se halló un instrumento de Peregrino Zanetto, más antiguo que los de aquél en Montechiari, cerca de Brescia, en Italia, que data de 1522, tal como se puede comprobar en una inscripción en latín del mismo instrumento, redactada así: Peregrino Zanetto, Fescit in Brescia, 1522. El prestigio de las escuelas de luthería fue acrecentándose cada vez más, y entre las más famosas se caen-tan las de Cremona y el Tirol. La primera, con nombres tan ilustres como los de Juan Pablo Maggini, Antonio Amati, que inaugura una verdadera dinastía; los hermanos Ruggíeri y Guarnerius, y sobre todo, Stradivarius, con quien la fabricación de violines llega a su punto culminante. La escuela alemana del Tirol llegó a su apogeo con Jacobo Steiner (1621-1683) y los hermanos Klotz, Matías y Sebastián, discípulos de Amati. Quien posea hoy un Amati, un Guarnerius o un Stradivarius posee una verdadera fortuna. Paganini, el concertista más maravilloso que el mundo conoció en el arte del violín, usaba uno de esos famosos instrumentos.
fueron una familia de fabricantes de violines italiana originaria de Cremona que estuvo vigente entre los siglos XVI y XVII. Los Amati
Andrea Amatti (1520–1578) estableció la forma del violín moderno. Sus dos hijos, Antonio (1550–1638) y Girolamo (1561 –1630), trabajaron juntos y fueron conocidos como los hermanos Amati. El hijo de Girolamo, Nicolò Amati (1596 –1684), quien siguió el trabajo de sus antepasados en Cremona, es considerado como el más eminente luthier de la familia. Entre sus más famosos discípulos se encuentran Giuseppe Guarneri y Antonio Stradivari, siendo Girolamo Amati sustituido por su hijo Nicolò Amati (1649–1740). El gran aporte de los Amati al desarrollo del violín fue su adelanto sobre el superficial y plano ejemplar, el cual era capaz de producir una esplendorosa entonación de soprano, después mejorado por Stradivari.
Antonio Stradivari nació en 1644 en la ciudad de Cremona, Italia. Hijo de Alessandro Stradivari y Anna Moroni. Entre los años 1667 y 1679 fue aprendiz en el taller de Nicolò Amati. más conocido por la forma latinizada de su nombre, Stradivarius, es sin duda el más célebre constructor de instrumentos de cuerda de la historia de la música. Comenzó a mostrar originalidad y a hacer alteraciones en los modelos de violin de Amati. El arco fue mejorado, los espesores de la madera calculados más exactamente, el barniz más coloreado y la construcción del mástil mejorada. Sus instrumentos se reconocen por la inscripción en latín A n t o n i u s Str adi var iu s an n o [ añ o] («Antonius Stradivarius, Cremona, hecho en el año...»). Además de violines, Stradivarius construyó arpas, guitarras, violas y violoncellos, más de 1.100 instrumentos en total, según estimaciones recientes, de los cuales, cerca de 650 se conservan a fecha de hoy.
Giuseppe Guarneri Cremona, 17 de octubre de 1744) fue un luthier italiano, también conocido como Guarneri del Gesù por firmar sus instrumentos en el interior de la caja de resonancia con las palabras Nomina sacra, IHS (el monograma de Cristo) y una cruz romana. Sus intrumentos tienen un prestigio y valor comparables a los de Antonio Stradivari. Sus violines, en comparación con los de Stradivari, tienen un sonido menos espontáneo pero más potente y profundo. Niccolò Paganini usó muchos violines de diversos autores pero su más famoso y querido instrumento fue un Guarneri del Gesù apodado "el cannone" (por su potencia) y revalorizó el trabajo de un luthier tenido hasta entonces como secundario. Algunos violinistas de gran prestigio, como Arthur Grumiaux, Uto Ughi, Pinchas Zukerman, Henryk Szeryng, Jascha Heifetz, Isaac Stern, Vadim
Repin y Gidon Kremer1 utilizan un guarneri en sus conciertos. El "cannone" de Paganini se encuentra actualmente en exposición en Génova. El célebre Vieuxtemps Guarneri fue utilizado por Henri Vieuxtemps y es uno de los últimos que el maestro Guarneri construyó. Es el instrumento más caro de la historia de acuerdo a la subasta de 2010.
