CINERAMA Revista dedicada al cine de aventura, aventu ra, acción, ciencia ficción, fantasía y humor.
Kingsman .................................4 Plantar la Semilla .................................... 5 Crece la Amapola .................................... 7 Presentamos a los Statesmen .................... ....................99 Hablemos de Harry .................................14 Acción! ................................................15
Blade Runner 2049 ....................18 Tuve tu Trabajo Una Vez… .......................19 Humanos Human os y Replic Replicantes antes ....... .............. .............. ............ ..... 32 La Forma de las Cosas por Venir ............... ...............44 44 Los Ángel Ángeles, es, Alred Alrededor edor de 2049 ......... ............... ...... 47
IT ....................... .......................................... ................... 58 Tú también flotarás ............................... 58 A qué le tienes miedo? ........................... 60 Los Perde Perdedores dores ....... .............. ............. ............. .............. .......... ... 67 Pennywise Penny wise ....... .............. .............. .............. ............. ............. ........... 75 Creación Crea ción de Derry ....... .............. .............. .............. ............ ..... 79 Has oído de eso? ................................... 83
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Kingsman El Circulo Dorado Cuando se estrenó Kingsman: El Servicio Secreto del director Matthew Vaughn a principios del 2015, pasaron varias cosas. Prime-
ro, signicó la presentación de Kingsmen, un servicio de inteligencia británico inde-
pendiente y auto nanciado dedicado a velar
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por la seguridad del mundo y, gracias a su cubierta de los mejores sastres Londinenses, parecían recién salidos del escaparate de una boutique para caballeros de la mismísima Savile Row. Fue entonces cuando conocimos a Harry Hart o “Galahad”, un impecable caballero y agente secreto interpretado por Colin Firth con carisma, encanto y un paraguas de lo más letal; acompañado por Merlín (Mark Strong), el gurú tecnológico de la agencia, un escocés muy quisquilloso; Chester King o “Arthur” (Michael Caine), un líder con un lado oscuro; Roxy (Sophie Cookson), una joven recluta que rebosa ambición y, por último, pero no por ello menos importante, de Eggsy (Taron Egerton), un joven de barrio bajo reclutado por el propio Harry, su protegido, quien se convertiría nalmente en un auténtico Kingsman, a pesar de ser un diamante di amante en bruto. Segundo, resultó ser una cinta de acción enormemente ingeniosa y atrevida que subvirtió los parámetros establecidos por miles de películas de espías previas y todo ello gracias al cóctel explosivo, divertido e inesperado preparado por los guionistas Vaughn y Jane Goldman. Dicha combinación rompió todas las reglas aportando elementos nunca vistos en una cinta popular, desde una secuencia de acción en una iglesia que nos dejó boquiabiertos a otra en la que estallan multitud de cabezas al compás de “Pompa y Circunstancia” de Edward Elgar. Tercero, la acogida mundial que recibió la película por parte del público fue espectacular. Espectadores de todo el mundo acudieron en masa a las salas de cine para disfrutar de la emoción de las películas de espías de antaño junto con un toque actual y desenfadado. Kingsman: El Servicio Secreto recaudó más de 400 millones de dólares entre los distintos mercados, preparando así el terreno
para la secuela. Y así nace Kingsman: El Círculo Dorado, en la que Eggsy y los espías de Kingsmen formarán equipo con una agencia norteamericana para hacer frente a una villana megalómana e ilusoria que pretende conquistar el mundo. La segunda entrega ha sido el mayor reto de su carrera para su director y guionista, Vaughn - un hombre que ha revitalizado con aplomo el género de gánsteres, de superhéroes y de fantasía.
Plantar la Semilla “Planteé la primera entrega para dar lugar a una secuela”, dice Vaughn. En las secuencias
nales de Kingsman: Servicio secreto, Eggsy y Roxy unen fuerzas para acabar con la amenaza mundial representada por el villano multimillonario Richmond Valentine (Samuel L. Jackson), convirtiéndose así en auténticos Kingsmen. “Como director disfruté tanto de la primera entrega que me sedujo la idea de repetir. Pero las secuelas son complicadas. Al público le ha gustado la primera, pero si haces lo mismo resulta aburrida y poco original”. Vaughn se inspiró en ciertas secuelas que considera están a la altura o incluso superan a sus predecesoras, entre ellas El Padrino Parte II y Star Wars: Episodio V – El Imperio Contraataca; películas que no podrían cali-
carse ni de aburridas ni de poco originales. “Las secuelas que a mí me gustan son las que avanzan la historia”, asegura el director. Y la historia principal que deseaba avanzar era la de Eggsy. “Nuestra idea no era hacer una secuela a lo James Bond en la que Eggsy se enfrenta a una amenaza nueva, pero su personaje no evoluciona” dice Jane Goldman, guionista colaboradora de Vaughn en todas las películas del director desde Stardust en 2007. “Comentamos la posibilidad de que emprendiera un viaje”. Y en ese viaje Eggsy mantiene una relación con la princesa Tilde (Hanna Alström), la princesa sueca a la que rescata al nal de Kings man: El Servicio Secreto, y que lo recompensa de una forma poca ortodoxa. “En las pelis
de espías, suele haber un desle de mujeres
diferente en cada cinta”, explica Goldman. “Con Kingsman queríamos darle una vuelta de tuerca y me gustó esa idea - y si se tratara de algo más que de una relación pasajera? Y si se convirtiera en una relación seria? De qué manera afectaría su papel como espía?”. Kingsman: El Servicio Secreto fue la primera vez que Egerton pisó un plató de cine, y no digamos encarnar el papel principal. Desde entonces el joven actor galés ha subido como la espuma con papeles en Legend, Eddie el águila (producido por Vaughn), Sing y, próximamente Robin Hood. Pero la posibilidad de retomar el papel donde todo empezó para él era irresistible. “Es la primera vez que me enfrento a una secuela, pero no me intimida porque estoy a las órdenes de Matthew”, reconoce el actor. “Eggsy sigue siendo parte de mí”. A pesar de que cuando arranca la película Eggsy lleva casi dos años trabajando de
Kingsman - cuyo nombre en clave es Galahad- tanto Vaughn como Egerton coincidieron en que el personaje no era ni sería infalible; la esencia de aquel joven de clase humilde tenía que seguir presente. “Todavía hay que limar asperezas”, explica Egerton. “Sigue metiendo la pata. Es el agente que se ve obligado a huir por las cloacas y reaparecer cubierto de excremento. No estamos ante Harry Hart, sino Eggsy. Hasta saca su camiseta de Adidas - así es cuando se relaja”. A la hora de preparar el viaje que emprende Eggsy, Vaughn se inspiró nuevamente en una de sus películas predilectas -La Guerra de las Galaxias. “El mejor ejemplo de un personaje popular que emprende un viaje que transcurre a lo largo de varias cintas es Luke Skywalker”, asegura. “En El Imperio Contraataca, te da la sensación de que tu héroe aún no lo es del todo, que sigue teniendo un con-
icto interior. He intentado plasmar eso en El Círculo Dorado”.
Crece la Amapola Cada héroe se mide por su villano, claro está. Y en El Círculo Dorado, ese conicto se des ata con la puesta en escena de Poppy Adams,
una tracante de estupefacientes que, como jefa de la misteriosa organización criminal El Circulo Dorado, pone en marcha un plan ruin que la colocará en la mira de Eggsy. Para Vaughn, la línea argumental de la villana era de suma importancia. “Me desperté una mañana con la trama entera en la cabeza”, recuerda. “Me preocupaba el tema del villano. No es nada fácil crear una línea argumental de un villano que no resulte ridícula, que sea relevante y por si fuera poco, creíble”. En la primera entrega puede que la idea de Valentine de reducir la población mundial para aliviar la carga del medio ambiente mediante la transmisión de una señal que hacía que la gente cediera a impulsos homicidas fuera totalmente insidiosa, pero surgió de buenas intenciones mal encaminadas. “El pensamiento de Valentine tiene sentido puesto que el medio ambiente está en apuros” añade Vaughn. “Les aseguro que la
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gente debatirá el plan de Poppy. Tiene razón o no? Sus aspiraciones tienen sentido, pero la forma de conseguirlo no es muy bonita que digamos”. Para encarnar semejante papel tanto Vaughn como Goldman estaban convencidos de la necesidad de presentar al público algo que no habían visto antes, por lo que contactaron a Moore para dar vida a Poppy (vía (ví a Colin Firth, con el que había trabajado con anterioridad). “Me encantó la primera, me pareció muy ingeniosa y divertida”, explica Moore. Poppy se aferra a su tierra y sueña con retornar a Estados Unidos, por lo que, aunque se encuentra en el sudeste asiático, decide reformar unas antiguas ruinas e invertir parte de su gran fortuna en la construcción de Poppyland, una especie de guarida del lobo con un aire de parque de atracciones en donde todo recuerda a Norteamérica –desde el salón de belleza, la bolera, o un auditorio, pasando por una
magníca cafetería que hace las veces de su
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despacho, presidida por una reluciente y siniestra picadora de carne. “Le fascina la cultura pop norteamericana y la echa de menos”, añade Moore. “Cada detalle que forma parte de su mundo satisface sus ansías de volver a casa”. Vaughn siente predilección por los efectos especiales y decorados prácticos, de la vie ja escuela y por ello Poppyland tenía que recrearse de verdad en los l os Estudios Longcross, a las afueras de Londres. “Estamos hablando de un set interior/exterior completísimo”,
dice el productor Adam Bohling, reriéndose al impresionante decorado, calicado por su colega el también productor David Reid” El set de Poppyland fue supervisado por el director de producción Darren Gilford, así como por el director artístico Joe Howard.
Reriéndose al director artístico dice entre risas Gilford, “Básicamente vivió en dicho set durante cinco meses. Supervisó cada detalle. Nos lo hemos pasado en grande imaginando cómo sería Poppyland. Matthew quería algo entre Las Vegas y Disneyland, pero con unas ruinas ancestrales como telón de fondo. ¿Cuál sería la ocupación de Poppy? Construimos una bolera, una peluquería, un puesto
de perros calientes… cosas extravagantes y caprichosas. Quiere recrear un pedacito de américa en su prisión, por lo que metimos a Martha Stewart”. Vaughn describe a Poppy, una expatriada incapaz de volver a los Estados Unidos por la vía legal por razones ilegales como “La novia de América que acabó en mal lugar”. Moore amplía la idea, “Es muy humana y cercana. Pero es una gran villana. Es un personaje divertido, pero claramente padece sociopatía. Como actriz esa dualidad me intriga, no es el típico villano del bigote rizado, pero sí tiene cierto encanto”. A la hora de diseñar el look de Poppy, Moore trabajó estrechamente con Arianne Phillips, la diseñadora de vestuario de la primera película. “Arianne es asombrosa” dice Moore. “Matthew buscaba una estética clásica, la típica dama americana, y tanto Arianne como yo queríamos que su imagen fuera atemporal. Su look es muy norteamericano, muy bonito y femenino”. El vestuario no aporta pista alguna sobre cómo es ella en realidad, una decisión consciente por parte de Phillips. “Quería que vistiera de colores fuertes” explica. El color que predomina en Poppy y por tanto en Poppyland es el rojo. “Es optimista al más puro estilo americano, y de trato amable. Con lo mala que es, resulta simpática y no deja de sonreír. He intentado incorporar ese contraste en su vestuario”.
Presenta mos a los Statesmen El Círculo Dorado comienza con un plato fuerte al producirse un devastador ataque al cuartel general de la organización. “Dicho acontecimiento obliga a Eggsy a abrirse, a extender sus alas y conocer a gente nueva”,
explica Vaughn reriéndose al atentado que sacudió a la agencia. “No que fuera necesario hacer estallar a Kingsman, simplemente me pareció lo más natural”. A raíz del ataque Eggsy y Merlín -aparentemente el único superviviente- forman equipo para investigar lo sucedido. El ‘Protocolo del
n del mundo’ de Kingsman los conducirá hasta el estado norteamericano de Kentucky, donde descubren que Kingsman no son los únicos protagonistas del espionaje internacional. Presentamos a la agencia norteamericana dotada de los mejores recursos, Statesman. “Son el equivalente norteamericano de Kingsmen, y ahora se ven obligados a trabajar juntos”, dice Vaughn, “norteamericanos e ingleses compartimos la misma lengua, pero somos muy distintos culturalmente. He querido sacar partido de esa relación tan especial. Lo que gustó tanto a los espectadores de Kingsman: El Servicio Secreto fue ver el choque entre los mundos tan distintos de Colin Firth y Taron Egerton, y he querido dar continuidad a esa idea con la colisión del mundo norteamericano con el nuestro”.
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Vaughn y Goldman imaginaron a Statesmen como multimillonarios que forjaron su fortuna en el negocio del whisky, permitiéndoles así la capacidad de construir artilugios y armas increíbles, a una escala que supera con creces la de Kingsmen. Mientras que en
Kingsman prima el estilo y la sosticación, Statesman representa la esencia norteamericana más rústica. “Me apasionaban las películas del Oeste de niño”, dice Vaughn. “Los vaqueros eran geniales y nos hemos divertido con el estilo norteamericano. Si en la primera entrega de Kingsman veíamos una secuencia de acción con un paraguas, aquí la idea era hacerlo con un lazo. Además, los látigos son maravillosos, y hemos modicado la pisto la de seis balas para pasar a un revólver con doce balas”. Donde Kingsman opera -u operaba más bien- desde una sastrería de Savile Row, un comercio discreto y elegante a la altura de una agencia igualmente discreta y elegante, el cuartel general de Statesman no tiene t iene nada que ver: es mucho más amplio y tosco. Se trata de una destilería de whisky gigantesca en pleno corazón de Kentucky, un reto enorme para el director de producción Darren Gilford. “Sin duda Matthew quería que la sensibilidad norteamericana estuviera presente” dice Gilford, que además tuvo que construir el muy
lujoso avión privado de Statesmen. “Empezamos a documentar la cultura sureña. Ese fue el tapiz sobre el cual tejimos todo lo que rodea a Statesmen. En el caso de la destilería no se aprecia pista alguna de la presencia de la agencia secreta, al menos a pie de calle. Pero todo cambia bajo tierra, donde plasmamos esa cultura del whisky en el laboratorio secreto; el resultado es genial”. Vaughn trabajó de cerca con Arianne Phillips para confeccionar un look singular para Statesmen. Como apunta Halle Berry con ironía, “No los visten los mismos sastres, no”. Esa fue precisamente la idea de Phillips. “Mi pensamiento era centrarme en las señas de identidad norteamericanas. La tela vaquera no podía faltar, ni las botas tejanas. A pesar de esa estética cowboy la sastrería es similar a la de Kingsmen. Los tejidos son distintos, sí, pero se nota esa conexión sutil que enlaza a los dos mundos”.
A pesar de la gran escala de Statesmen, los agentes con los que se topan Eggsy y Merlín son principalmente los siguientes: Champagne (Jeff Bridges), Tequila (Channing Tatum), Ginger Ale (Halle Berry) y Whiskey (Pedro Pascal). “Casualmente, todos los espías de Statesman parecen estrellas salidas del rmamento de Hollywood”, dice Egerton entre risas. “Es muy raro”.
El primer Statesman en deslar es Tequila, encarnado por Channing Tatum, un espía arrogante que no tarda ni dos segundos en someter a los intrusos británicos. Tatum habla de su personaje, “Es uno de los miembros más jóvenes de Statesmen, en cuanto a ex-
periencia se reere. Y sin duda es un chico problemático”. Tatum era la primera opción de Vaughn y Goldman para el papel. “Channing es muy divertido” dice Jane Goldman. “Además es imponente físicamente”. El personaje de Ginger Ale de Halle Berry es la gurú tecnológica del equipo, el equivalente de Merlín en muchos sentidos. “Nunca he interpretado a un personaje así de cerebral y técnico” dice la ganadora del Oscar. “Y Ginger es mucha Ginger, no es lo que parece. Es peligrosa”. Champ (abreviatura de Champagne, que le resulta “demasiado delicado”), es el líder curtido de la organización. Vaughn se acercó al gran Jeff Bridges para proponerle el papel. No es la primera vez que el actor encarna a un vaquero, por lo que Bridges lanzó de recuerdos de su padre, Lloyd Bridges, así como de personajes previos como Wild Bill Hickok para preparar el personaje. “Puede que en ocasiones Champ sea un hombre de pocas palabras, y un personaje que encierra mucha tensión”, dice Bridges. “Y le encanta su whisky, de eso no cabe duda. Ama su trabajo como jefe de la agencia, trabajando codo a codo con gente brillante, ese amor al trabajo y al placer es algo que observé en mi padre”. El agente Statesman con el que más trata Eggsy y por tanto el público, es el Agente Whiskey, interpretado por la estrella de Juego de Tronos Pedro Pascal. “La relación con Whiskey es fantástica” dice Egerton. “Eggsy ansía la guía paternal de Harry y de algún
modo Whiskey también toma ese lugar. Pero en su caso es más joven, un canalla, un don juán, no es tan íntegro como esperarías de alguien como Harry”. Al igual que la inspiración para Harry Hart fue David Niven, Vaughn manejó una serie de referencias muy concretas a la hora de crear al Agente Whiskey. “Diría que es una mezcla
entre el ‘Hombre Marlboro’ y James Coburn junto con Burt Reynolds”, Reynolds”, dice el director. “Es arrogante. Tiene ese algo Reynolds. ¿Cuándo fue la última vez que vimos a un personaje tipo Burt Reynolds sonriendo, con bigote y sombrero de vaquero? Y entonces llegó Pedro y supe que era él, que lo había encontrado”. Pascal, conocido por interpretar a La víbora roja en Juego de tronos de HBO, se sumó al proyecto tras mantener una conversación telefónica con Vaughn, quien le contó su vi-
sión del personaje. Conesa que le atrajo la picardía de Whiskey, un hombre que ha ido siempre libre. “La lógica de Jack es aplastante”, dice. “Carpe diem y disfrutar de cualquier oportunidad que se te presente. No diría que se trata de una losofía barata, más bien, bien , inteligente. Para él es muy importante pasársela bien”. Algo que comparten todos los actores que interpretan a los agentes Statesmen es que a todos les gustó Kingsman: El Servicio Secreto. “No lo pensé dos veces” admite Bridges.
“Pensé que sería una esta divertida a la que asistir”. Pascal recuerda con cariño cuando llegó a Londres y descubrió que la primera entrega se había convertido en algo así como un tesoro nacional. “Hablaba con gente en la calle y me contaban lo mucho que les había gustado Kingsman”, dice entre risas. “Me decían: ‘y qué haces en Londres?’ A lo que con testaba, ‘Rodar una secuencia para Kings-
man’ y respondían entusiasmados: ‘¡O DIOS MÍO! ¡ME ENCANTA ESA PELÍCULA!”’ En cuanto a Tatum, reconoce que la primera le sorprendió. “Supuso una vuelta de tuerca al género”, recuerda. “A Matthew le gusta repetir aquello de que ‘No hay reglas. En cuan-
to estableces una norma la incumples.’ Y por eso ha logrado un tono tan especial…”
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Y hablando de romper las reglas…
Hablemos de Harry No podía ser de otra manera. Harry Hart está muerto. Asesinado a manos de Richmond Valentine en la puerta de una iglesia de Kentucky donde Harry acababa de cargarse a un centenar de personas en la secuencia de acción más celebrada de Kingsman: El Servicio Secreto. Y para disipar toda duda, le disparó en la cabeza. No podía ser más concluyente. Y sin embargo… “Recuerdo que sentí náuseas cuando murió Harry”, dice Vaughn. “Pero la forma en la que lo rodé no permite ver cómo fallece en realidad”. Y es verdad - la secuencia de la muerte de Harry se grabó a cierta distancia, para evitarle al público los detalles más cruentos. Es casi, casi como si el subconsciente de Vaughn dejara una puerta abierta, aunque solo fuera un poco, para posibilitar el retorno de Harry.
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Y eso es precisamente lo que ocurre en Kingsman: El Círculo Dorado. Harry Hart ha vuelto. Vaughn y Goldman no sueltan detalles de su regreso (Vaughn se limita a adelantar que Harry padece una “cefalea intensa”), pero sí admite la pareja de guionistas que eran incapaces de imaginarse la secuela sin el espía e spía elegante y gallardo, el caballero inglés. Y sin duda, mucho menos podían imaginársela sin su protegido, Eggsy. “La dinámica de los dos es tremendamente interesante”, dice Goldman. “Fue realmente emotivo en la primera entrega. Y queríamos desarrollar esa historia, darle contenido. Lo hemos pasado muy bien explorando cómo sería su relación, poniéndola a prueba”. Vaughn se muestra contundente a la hora de
justicar el regreso de Harry. “Es el Kingsman por excelencia”, explica. “La franquicia son ellos dos. Es muy bonito ver lo mucho que gustó en la primera entrega la relación entre ambos. La química es evidente. Siempre me han encantado las películas que incorporan un dúo cómico, y ellos son mi dúo cómico”. Pero salta a la vista que Harry está cambiado, tal y como se aprecia en el póster en el que
gura con un par de gafas con lentes dis tintas, “ha perdido un ojo” conesa Vaughn. Este hecho le permitió al director y la diseñadora de vestuario Arianne Phillips jugar con el nuevo look de Harry. Mientras que sigue vistiendo el tradicional traje Kingsman en ocasiones, sus gafas nuevas “son un recuerdo re cuerdo constante del cambio” según Phillips. “La idea de tapar uno de los lentes se le ocurrió a Matthew y realmente es un recuerdo constante de que Harry ha vuelto, pero no es el mismo. Es mejor aún”.
A c c i ó n ! Si Kingsman: El Servicio Secreto destacó gracias a la valentía y humor de sus personajes, también se debe a sus secuencias de acción. Desde la fugaz aparición de Jack Davenport como Lancelot, eliminando con absoluta calma a una pandilla de villanos antes de desaparecer, a las masacres en santuarios religiosos al son de Lynyrd Skynyrd, pasando por
la batalla nal en el refugio de Valentine en la montaña donde nalmente Eggsy se gana el mérito de ser un agente más, Vaughn y su director de segunda unidad Brad Allan, crearon un hilo de piezas veloces, propulsoras y estimulantes. Vaughn admite que el desafío que entrañaba El Círculo Dorado era no limitarse a repetir esos momentos. “Nuestras secuencias de acción son diferentes” explica. “No estallan cabezas porque sí. Eso se debe al argumento y la gente disfrutó de ello porque visualmente era un espectáculo, pero tiene su razón de ser. Hemos procurado incluir un par de secuencias en las que la historia me ha llevado a diseñar momentos muy locos e impresionantes, pero todo lo que intento hacer es por una razón”. Pero no piensen que Kingsman: El Círculo Dorado va a restringir esa locura Kingsman patentada, ya que desde una persecución en auto en la secuencia inicial en la que Eggsy luchará por su vida en un taxi Kingsman que recorre las calles de Londres, a una batalla campal en el asalto a Poppyland, pasando por una pelea de bar que recuerda deliberadamente a la de la primera entrega, la emoción
está asegurada. “Las peleas son aún más locas”, dice Egerton. “Pero en cuanto a los decorados, Matthew ha intentado variar. Hay una secuencia en la película que tiene esa sensación de toma única, larguísima, pero es imposible superar
la escena de la iglesia. Prerió avanzar y hacer algo distinto”. Vaughn insiste en hacer las secuencias de acrobacia y de acción de la forma más real posible.
“La planicación que requirió la persecución en auto fue increíble”, dice el productor Adam Bohling. “Rodamos gran parte de la secuencia en Londres. Fabricamos dos taxis para resbalar que nunca se habían fabricado”. Steven Warner, supervisor de efectos especiales de la película, explica exactamente cómo ocurrió. “Matthew quería que el taxi de Kingsman se comportara como un auto de rally, por lo que tuvimos que fabricar semejante vehículo de la nada. El cuerpo del taxi original es un chasis personalizado con un motor Chevy V-8 y 680 caballos de potencia de frenado. Al parecer los dobles de riesgo lo disfrutaron”.
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El director también trajo de su experiencia personal otro de los momentos clave de acción
cuando Eggsy y Whiskey se inltran en los Alpes italianos y se topan con peligros inesperados a bordo de un teleférico para esquí tipo góndola que empieza a dar vueltas sin parar. “Estas cosas giran de verdad”, dice Vaughn, al que se le ocurrió la idea a bordo de una góndola, eso sí, en un paseo más tranquilo durante unas vacaciones en familia. “Me pregunté qué podría pasar si aquello empezara a girar sin control”. El resultado es una secuencia frenética en la que Egerton y Pascal realmente lo experimentaron. “Montamos un teleférico que alcanzaba las treinta revoluciones por minuto”, dice Steven Warner. “Cuando veas a los actores pegados a la pared es porque realmente lo estaban”. Pero Vaughn está aumentando la apuesta, con una tercera entrega de la franquicia en la que Eggsy, Kingsman, y Statesmen emprenderán una nueva aventura. “Se me ocurrió una idea genial para Kingsman 3”, ríe Vaughn. “Y la llevaré a límites insospechados. Esta película prepara el terreno para lo que vendrá después en Kingsman 3. Ahí es donde todo se junta. Hay un completo nuevo mundo a punto de explotar…”.
Dirección: Matthew Vaughn Elenco: Taron Egerton, Colin Firth, Mark Strong, Julianne Moore, Halle Berry, Elton John, Channing Tatum, Jeff Bridges, Pedro Pascal, Sophie Cookson, Hanna Alström Calificación: Mayores de 12 años
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TUVE TU TRABAJO UNA VEZ… “Qué define a un ser humano?” esa es la pregunta posada por el director Denis Villeneuve. Y las respuestas sorpresivas sugeridas en su nuevo film, “Blade Runner 2049”, desafían las nociones de la gente acerca de quiénes somos… y hacia donde nos dirigimos. No es la primera vez que el e l valor -y los valores- de la humanidad han sido cuestionados. Treintaicinco años atrás, el innovador film de ciencia ficción “Blade Runner” estrenó en cines por primera vez. Dirigida por el legendario Ridley Scott y basada en la novela de Philip K. Dick “Do Androids Dream of Electric Sheep?”, la película empujaba a la audiencia hacia un futuro diferente a cualquier cosa que se haya experimentado.
Entonces, nadie podría haber imaginado cómo “Blade Runner” reverberaría a través de la cultura moderna, siendo pionera en lo que se volvió un nuevo género: neo-noir cyberpunk. Hoy, la obra maestra visionaria de Scott es aclamada como una de las mejores y más importantes películas de todos los tiempos, pero su impacto ha ido más allá del de l mundo del cine, hacia la televisión, música, arte, moda, e incluso cursos de universidad. Ahora, tras más de tres décadas, “Blade Runner 2049” nos regresa al mundo que ha cautivado a generaciones de fans en un film que es, por momentos, una largamente esperada continuación y una muy ansiada experiencia de película única.
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Villeneuve, quien se cuenta entre los devotos del primer film, dice, “Vívidamente recuerdo ver ‘Blade Runner’ por primera vez y ser impactado por lo que creo está entre los más poderosos comienzos en la historia del cine –volando sobre Los Ángeles de 2019, y viendo ese paisaje de fábricas de petróleo. Ridley Scott presentó una fuerte imagen de lo que podría ser nuestro futuro que era al mismo tiempo tan seductor como aterrador aterrador.. “Estéticamente, ‘Blade Runner’ fue una revolución”, continúa él, “mezclando dos géneros que, a primera vista no van juntos –ciencia ficción y film-noir. Era algo que nunca fue visto antes, y que profundamente me influenció. Fue parte de mi educación fílmica incluso antes de que supiera que me volvería realizador”. Scott dice que, incluso con todas sus dificultades, nunca podría haber predicho lo emblemático que se volvería una de sus primeras películas. “No piensas en eso cuando estás en medio de esto, pero sabía de seguro que teníamos algo realmente especial”.
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“CREO QUE MIENTRAS LA TECNOLOGÍA SE DESARROLLÓ HAY AÚN MÁS RAZONES PARA ACEPT AC EPTAR AR LOS LOS TEMAS QUE TRATA ‘BLADE RUNNER’.
Tanto una historia de detective como thriller de ciencia ficción, “Blade Runner” fue protagonizada por Harrison Ford como un antes Blade Runner llamado Rick Deckard. Deckard es sacado de su retiro para rastrear y exterminar a cuatro fugitivos replicantes que han escapado de una colonia fuera del mundo m undo en el cual todos los replicantes han estado exiliados. Reacio acepta el trabajo, pero durante el curso de completar su misión, él conoce e inesperadamente se enamora de Rachael, una hermosa, joven que resulta ser replicante. Su relación lo fuerza a cuestionarse sus creencias acerca de los replicantes mientras mie ntras confronta confronta su propia humanidad. Ryan Gosling, quien, en el nuevo film, interpreta el rol de un Blade Runner del Departamento de Policía de Los Ángeles llamado K, remarca, “El film original es fascinante; es difícil sacudirlo. Te pide ver tu idea de lo que significa ser humano y te hace pesar tu habilidad para reconocer al héroe del villano. Es una visión de pesadilla del futuro que de alguna manera está plantada en la realidad y se siente posible, y aun así es presentada en esta forma romántica como de ensueño que se mantiene en ti. El tiempo ha probado su especialidad”.
En “Blade Runner 2049”, K es enviado en una misión que, por razones muy diferentes, podría tener más amplias consecuencias –poniendo en duda la división entre la gente y los replicantes, entre humanidad y tecnología, lo cual podría llevar a la anarquía o incluso la guerra. Pero “Blade Runner” hizo más que borrar las líneas entre los humanos y la tecnología. También sacó a colación un rango de preocupaciones sociales que han crecido para ser mucho más prevalentes. prevalent es. Y con nuestro planeta ahora en la cúspide de cuando ese film transcurría, parece aún más revelat revelatorio, orio, y más relevant relevante,e, que nunca –prediciendo asuntos de decadencia urbana, cambio climático, ingeniería genética, sobrepoblación, la división de las capas sociales y económicas y más.
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“Ciertamente fue predictiva en muchas formas”, dice Ford, quien quie n convirtió a Rick Deckard en uno de sus más indelebles retratos de la pantalla y que repite el rol en la secuela. “Creo que mientras la tecnología se desarrolló y la gente comenzó a ver algunos de los asuntos de los que hablaba el film en la vida real, hay aún más razones para aceptar los temas que trata ‘Blade Runner’. “’Blade Runner’ estaba adelantada a su tiempo en tantas formas”, concuerda el productor Andrew A. Kosove. Con su narrativa provocadora y el diseño visual característico -el cual Ridley Scott concibió- la película impregnó a nuestra cultura y cambió nuestra percepción acerca de la relación entre la humanidad y la tecnología, la cual, en cambio, causó que nos cuestionáramos lo que nos hace humanos. Creo que eso es por lo que ha repercutido”.
“RIDLEY ESTABA REALMENTE EMOCIONADO ACER ACERCA CA DEL PROSPECTO DE UNA SECUELA Y DICE QUE TUVO IDEAS QUE HABÍA ESTADO EST ADO GEST G ESTANDO ANDO POR AÑOS…”.
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Esa reverencia entendiblemente le dio a Kosove y su compañero en Alcon, el productor Broderick Johnson, pausa cuando fueron encarados con la posibilidad de una secuela de “Blade Runner”. Johnson confirma, “Definitivamente tuvimos de que pensar en tomar tal ambicioso proyecto, pero ambos adorábamos la original así que decidimos ir por ello”. La idea de filmar un nuevo capítulo de la historia de “Blade Runner” vino a Alcon a través del productor Bud Yorkin, quien ha estado en el equipo de producción del anterior film, y su esposa, la productora Cynthia Sikes Yorkin. Ella relata, Era un sueño de Bud por muchos años continuar la historia y yo estaba muy feliz de apoyarlo en esa búsqueda. Desafortunadamente, él murió antes de poder ver el film completo, pero fue un regalo maravilloso maravilloso para él saber que iba a ser hecho. Y Andrew y Broderick fueron muy respetuosos con Bud y nos involucrar i nvolucraron on en cada aspecto de la producción desde el comienzo. Vertieron sus corazones corazones en este proyecto, y no podría haber pedido mejores compañeros para realizar nuestro sueño”. El paso de inicio fue regresar a la fuente. Kosove explica, “Lo más importante para mí y para Broderick fue volver a Londres y reunirnos con Ridley Scott”. “Ridley estaba realmente emocionado acerca del prospecto de una secuela”, añade Johnson, “y dice que tuvo ideas que había estado gestando por años… pensando acerca de cómo podrían desarrollarse dentro de la mitología original”. Scott, quien vino abordo como productor ejecutivo, afirma, “’Blade Runner’ siempre fue pensada como una película única, pero sabíamos incluso entonces que había más historia para contar que las dos horas nos permitiría”.
“INCLUSO “INCLUS O SI NO HAS VISTO EL PRIMER FILM, NUNCA TENDRÁS PROBLEMA EN ENTENDER LA HISTORIA HISTORIA” ” Scott contactó al guionista Hampton Fancher, quien había co-escrito el guion de “Blade Runner”. Fancher recuenta, “Era fortuito porque recientemente había terminado una historia corta situada en el universo de ‘Blade Runner’. Leí a Ridley el primer párrafo y era obvio de que se trataba. Todo lo que dijo fue, ‘Puedes venir a Londres?’ y así fue como comenzó”. Retomando la historia, Scott nota, “Hampton no terminó escribiendo un guion convencional; él escribió una novela, aun con su hermoso estilo de dialogo. Entonces trajimos a Michael Green para volverlo un guion, y evolucionó desde ahí”. Cuando la oportunidad de trabajar en un nuevo film de “Blade Runner” llego al guionista Michael Green, “No pude haber dicho ‘si’ más fuerte o más rápido”, dice el auto-descrito ávido fan de la primera. “Hampton y Ridley han formado el ADN de la historia de lo que una secuela de ‘Blade Runner’ sería, y entonces tuve la increíble oportunidad de hacer crecer esos elementos. Hay tantos temas fascinantes que explorar que recorren el primer film; uno de ellos es la cantidad de vida. Entre los temas que quisimos explorar en ‘Blade Runner 2049’ estaba la calidad de vida. En ambos films, hay humanos y hay replicantes, y aunque en muchos aspectos se comportan de forma similar, tienen orígenes muy diferentes, ya que uno nace y el otro es hecho. La sociedad ubica un valor inherente más grande g rande en los humanos por sobre los replicantes porque alguien nacido se cree que tiene alma. Pero cuál es la naturaleza de un alma… y es únicamente humano?”
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Denis Villeneuve recuerda que cuando se le presentó el guion completo, “Estaba conmovido. La cantidad de confianza que tuvo en mí Alcon, el poner este film en mis manos… era uno de los elogios más grandes de mi carrera”. Habiendo trabajado con Villeneuve en el exitoso drama “Prisoners”, los productores estaban muy conscientes de las habilidades que podría traer. “Denis es un realizador asombroso con un comando total de todo lo que quiere lograr”, declara Johnson. “Sabíamos que podría ser perfecto para este film, no solo por su habilidad para guiar las interpretaciones, sino también para generar tensión y atmosfera, lo cual es muy poderoso en sus films. Eso era esencial para hacer ‘Blade Runner 2049’ porque la magia real del film es su tensión, su narrativa, y su drama basado en personajes. Denis es uno de los mejores al capturar todo eso”.
“COMPARTIMOS UN LAZO ARTÍSTICO PODEROSO PORQUE TODOS ESTÁBAMOS COMPROMETIDOS A LA MISMA IDEA DE HONRAR Villeneuve revela que tenía un pedido antes de aceptar conducir el film. “Necesitaba LO QUE VINO VIN O ANTES” la bendición de Ridley Scott. Esa era mi única condición”. Él no necesitaba preocu-
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parse; Scott hizo más que dar su bendición. “Él me dijo exactamente lo que necesitaba oír”, nota el director, “lo cual fue que yo tenía total libertad, pero si alguna vez lo necesitaba, podía llamarlo; él estaría disponible en cualquier momento. Y, de hecho, cada vez que lo necesité, él estaba ahí. Siempre estaré agradecido con él”. Al concebir el aspecto general del film, Villeneuve quiso mantenerse fiel al espíritu del original. Él resalta, “Mi meta fue honrar la estética de film noir del primer film mientras le dábamos al nuevo film su propia identidad”. Para ese fin, los realizadores enfatizaron que, mientras que “Blade Runner 2049” puede ser considerado una secuela, puede también sostenerse por sí mismo como una película singular. “Incluso si no has visto vi sto el primer film, nunca tendrás problema en entender la historia”, confirma Sikes Yorkin. “Por la forma en que está escrita y presentada, puedes absolutamente ser entretenido y absorbido en el drama sin necesidad de saber todo lo que vino antes”. Al diseñar la nueva película, los realizadores tuvieron que imaginar las condiciones en el planeta tres décadas después. Villeneuve clarifica, “’Blade Runner’ estaba situada en 2019, y fue profética en algunas formas, pero ya sabíamos que nuestro 2019 sería bastante diferente de eso. Así que tomamos la decisión de crear nuestro
propio 2049 –para propulsar la película en su previsible futuro. El mundo de ‘Blade Runner 2049’ es una extensión de ‘Blade Runner’; no es una extensión de la realidad”. Fuera de ese entendimiento “vinieron muchas decisiones acerca del diseño”, continúa él. “Vimos en ‘Blade Runner’ que la naturaleza estaba colapsando, así que en 30 años en el tiempo, la Tierra sería aún más brutal. br utal. Encontramos la misma clase de atmosfera opresiva que vimos en el primer film, pero aún más espesa. El ambiente sería más toxico; los océanos estarían fuera de control; el clima sería más duro, frio… Tratamos con condiciones aún más severas y eso se traslada a todo desde la arquitectura a los vehículos y la ropa”: Para lograr su visión, Villeneuve se unió detrás de cámaras con el fotógrafo Roger A. Deakins, el diseñador de producción Dennis Gassner, y la diseñadora de vestuario Renee April. “Compartimos un lazo artístico poderoso porque todos estábamos comprometidos a la misma idea de honrar lo que vino antes”, comenta Villeneuve.
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Ese compromiso se extendió al elenco. “Los actores estuvieron muy apasionados acerca del proyecto”, añade el director, “y diría que la película le debe mucho a todos ellos. “Ryan Gosling y Harrison Ford contribuyeron con muchas grandes ideas y ambos fueron mis musas en el set”. Gosling y Ford tienen iguales elogios para el director. “He visto los films de Denis; Admiro sus films”, ofrece Ford. “Hubieron encuentros interesantes… no sé cuál era su enfoque de ‘Blade ‘ Blade Runner’, y pasó tiempo tie mpo antes de que realmente comprendiera la profundidad de su ambición para el film. Es un muy tranquilo y pensativo y extremadamente inteligente sujeto que se toma el tiempo necesario para preguntarse cosas a él mismo. Y lo encuentro un compañero intelectual para tropezar con las duras preguntas en el film”. “De mi primera conversación con Denis, inmediatamente me sentí seguro”, dice Gosling. “Todos sus instintos eran plantar el film en la realidad… hacerla sentir verdadera.
“ES COMO TENER ESTE MUNDO FANTÁSTICO A TU ALREDEDOR, PERO SIEMPRE ESTÁS EN UN NIVEL HUMANO”.
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Tuvo gran respeto por la original, pero nunca pareció que permitiera que lo intimidara. Él usó su admiración y la volvió inspiración, y pienso, en cambio, que inspiró a todos nosotros al mismo tiempo”. La filmación de “Blade Runner 2049” tomó lugar enteramente en Hungría, extendiéndose a Origo Studios en Budapest; Korda Studios en Etyek; y varias otras locaciones alrededor del país. El equipo de realizadores tomó la decisión de evitar las Imágenes Generadas por Computador y la pantalla verde tanto como fuera posible, en favor de capturar la acción en cámara en sets prácticos. Villeneuve explica, “Amo trabajar con sets reales, con objetos reales. Era muy importante para mí construir un mundo que es tangible a mi alrededor y de los actores para que vivan en la ubicación que creamos en lugar de solo intentar imaginarlo”.
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“AL COMIENZO DEL FILM K DESCUBRE UN MISTERIO QUE FINALMENTE LO HACE CUESTIONARSE TODO LO QUE PENSÓ QUE SABÍA”.
Para el elenco, adentrarse en los ambientes físicos tuvo un resultado deseado. Gosling afirma, “Era increíble tener esos sets porque, como actor,, puedes realmente enfocarte actor e nfocarte en el mundo interno de tu personaje ya que el mundo externo ha sido realizado tan completamente”. “Es como tener este mundo fantástico a tu alrededor, pero siempre estás en un nivel humano”, declara Villeneuve. “’Blade Runner 2049’ es una historia muy íntima contada con mucho alcance”.
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HUMANOS Y REPLICANTES Dos de los roles principales en “Blade Runner 2049” fueron esencialmente seleccionados antes de que hubiera un guion. No hacía falta decir que nadie más que Harrison Ford podría ser Rick Deckard, pero resulta que los realizadores también tuvieron un solo nombre en mente para interpretar al nuevo Blade Runner, K: Ryan Gosling. Fancher cuenta, “Volaba a Londres en camino a encontrarme con Ridley y pensando en un protagonista y pensé, ‘Ryan Gosling; es el sujeto’. Y puse eso en mi bolsillo. Pero entonces, el predictivo Ridley –casi la primera pregunta que hizo fue, ‘A quién ves?’ Ni siquiera le había dicho mi idea aun, pero sabía a qué se refería. Dije, ‘Ryan Gosling’, y él dijo, ‘Lo tienes’. Ni siquiera sabíamos cuál era la historia, pero ya teníamos una imagen image n del personaje central y Ryan encaja en todo sentido”.
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Gosling dice que su interés en el proyecto subió al descubrir que algo estaba en elaboración. “Cuando escuché que Ridley consideraba continuar la narrativa, estaba ya comprometido; ya quería saber lo que pasaba después. Y entonces, tener la oportunidad de entrar en ese mundo y ayudar a contar esa historia… se sentía como una asombrosa oportunidad”.
El actor continúa contando que el mundo en el que encontramos a su personaje “se ha vuelto más duro y más aislado que el que dejamos 30 años atrás. Como resultado, la profesión de Blade Runner se ha vuelto más complicada. Cuando conocemos a K, está metido en el aislamiento y esas complicaciones. “Al comienzo del film”, continúa Gosling, “Es un día como ningún otro: K ha sido enviado a ‘retirar’ un viejo modelo de replicante. Pero en el proceso, descubre no intencionalmente un misterio que finalmente lo hace cuestionarse todo lo que pensó que sabía”.
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Villeneuve observa, “K tiene una vida muy dura y es un personaje muy solitario. Tiene el peor trabajo en la Tierra, pero, inesperadamente, fuera de su más reciente asignación, llega un sueño… un deseo tan fuerte que lo cegará. Y creo que fue un arco bastante hermoso”. “Cuando leí el guion”, añade el director, “Ryan Gosling ya había sido sugerido para el rol de K, y dije que si inmediatamente. No podía haber nadie más. Es un actor que puede expresar un mundo de emoción solo moviendo su ceja. Necesitaba a un actor de extrema inteligencia y la clase de fortaleza para atravesar la oscuridad. La pasión de Ryan y su esfuerzo implacable en asegurarse de que logramos cada escena me conmovió profundamente porque sentí que era importante para él como lo fue para mí hacer una gran película juntos”.
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El coro de voces sugiriendo a Gosling para K también tambié n incluyó al actor que protagonizó “Blade Runner”: Harrison Ford. “Pensé que K sería un buen rol para Ryan y estaba muy entusiasmado por proponerlo a los productores. Y entonces dijeron, ‘Oh sí, eso es lo l o que estábamos pensando también’, así que estaba muy feliz por eso. Disfruté bastante
trabajar con Ryan en el film. Él trae una originalidad a todo lo que hace y una inteligencia, pero no ves la rueda girando. Él habita un personaje en lugar de luchar por crearlo”. Gosling no estaba menos agradecido por Ford, notando, “Harrison es un gran realizador. Hay una razón por la cual la mayoría de sus films se han vuelto emblemáticos y por qué tantos de ellos son revisitados tiempo tras tiempo. Él es la constante en todas esas ecuaciones. Hay muchas formas de interpretar cualquier escena, pero cuando trabajas con Harrison, te das cuenta que solo hay una forma grandiosa. Y él ya ha pensado en cual antes que todos los demás”.
NIANDER WALLACE ES EL TIPO QUE SALVÓ AL MUNDO DE LA INANICIÓN, ASÍ QUE NO CREO QUE SU EGO ESTÉ DEMASIADO FUERA DE CONTROL
Ridley Scott recuerda que cuando contactó inicialmente a Ford acerca de regresar al rol de Deckard, “pensé que estaría un poco escéptico. Entonces le envié el guion y dijo, ‘Ridley, esto es maravilloso. Corrección: este es el mejor guion que haya leído’”.
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Adicionalmente a adorar el guion, Ford dice, “Es divertido interpretar a un personaje 30 años después. En cierta forma, estoy acostumbrado a probarme viejas ropas”, sonríe él, “y felizmente aun me quedan, así que no tuve ninguna aprehensión al interpretar a Deckard de nuevo”. “No era posible hacer una secuela de ‘Blade Runner’ sin Harrison Harr ison Ford, por supuesto”, declara Villeneuve. “Para mí, fue un gran privilegio priv ilegio trabajar con él porque es alguien que está vinculado con el nacimiento por el amor hacia el cine; fui criado con sus películas. Primero, debía deshacerme de los nervios de conocer a uno de los héroes de mi infancia, pero él rompió el hielo muy rápido al ser el más cálido, encantador, generoso y humilde artista que he conocido. Y dirigirlo, para mí, fue como volver a la escuela de cine porque tiene tanta experiencia y le da mucho pensamiento al proceso de actuación en una forma que raramente encuentro. encuentro. Tuvimos las más hermosas discusiones sobre cómo encarar su personaje que no ha visto en tantos años”.
“LO QUE ES INTRIGANTE “LO INTRIGAN TE DE LUV ES QUE FUE CREADA POR WALLAC ALLACE, E, Y SI LA HIZO, SIGNIFICA QUE PUEDE ROMPERLA EN CUALQUIER MOMENTO”
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Dentro de la historia, nadie ha visto a Deckard en 30 años. Ford dice, “Deckard ha atravesado eventos trágicos desde el último film. Pero también estaba cargado con la protección de ciertos secretos que tenía y se sintió moralmente obligado a proteger esos secretos, así que se ausentó por cuenta propia. Él sabía que estaba siendo perseguido, así que se ocultó en un lugar que nadie esperaría que fuera. Un lugar peligroso. Y ha estado viviendo una vida muy solitaria y singular”. Sin embargo, Gosling ofrece, “Deckard es una persona significante de interés en el caso que mi personaje está intentando resolver. K se dispone a encontrarlo, buscando obtener respuestas a preguntas que se han vuelto muy personales para él”. “K rastrea a Deckard”, dice Ford. “Lo que emerge de entre los dos es extremadamente fascinante. Es una línea argumental muy valiente. Lo que más me gusta es el contexto emocional, lo cual es muy valioso”. La pista que pone a K en el sendero de Deckard fue descubierto en los archivos de la Corporación Wallace. Aunque la mayor parte de los archivos fueron destruidos en el catastrófico Pulso Electromagnético de 2020 –conocido como el apagón- unas pocas piezas fragmentadas fueron salvadas, incluyendo una en la cual la voz de Deckard puede apenas ser oída”. La cabeza de Corporación Wallace es el enigmático Niander Wallace, cuyo comportamiento de suave hablar delgadamente cubre su despiadada ambición. Su búsqueda obsesiva por crear el replicante perfecto –totalmente obediente y respetuoso de la autoridad humana- resultó en la creación del último modelo, el Nexus 9. Wallace ve a los replicantes como necesarios para la supervivencia humana… pero solo puede hacer los permitidos. Años antes, su innovación en comida genéticamente modificada había llevado al planeta de vuelta del borde de la irrevocable hambruna global. A cambio de esa deuda, se le permitió poner fin a la prohibición replicante y, en el proceso, ganar incalculable riqueza… y poder inconmensurable”.
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Seleccionado en el rol de Wallace, Jared Leto resalta, “Quizás tengo una perspectiva diferente sobre Niander Wallace de la que otros tendrían. Es el tipo que salvó al mundo de la inanición, así que no creo que su ego está demasiado fuera de control para alguien que literalmente salvó al planeta. Es alguien que se dispuso al poder a través de trabajo realmente duro y estudio riguroso. Wallace es un genio y también es un poco loco, lo cual debía deb ía ser. Es tan fascinante y complejo. Era realmente un rol seductor”. Leto revela que su conexión al universo “Blade Runner” se remonta a “cuando era muy joven y la vi en VHS. Hay films que vienen vi enen y, por una razón u otra, dan en la clave. Te afectan en alguna forma y cambian el cómo ves al mundo. ‘Blade Runner’ fue un film que tuvo un gran impacto en mí y siempre se ha quedaqueda do en mí. Había algo acerca de eso que me hablaba cuando era niño que no podía soltar. Así que siempre tuvo un lugar especial en mi corazón y es algo a lo que he buscado por inspiración durante los años”. “Niander Wallace es un rol duro para interpretar porque tienes que lidiar con mucho dialogo difícil. Requiere a un actor que pueda abrazar esos discursos y llevarlo a la vida con una fortaleza y poesía. Y que puedo decir? Elegí una estrella e strella de rock y él nos sorprendió”, declara Villeneuve, quien añade que apreció a preció la inmersión total de Leto en cada faceta del rol. “Había oído cómo Jared encarna su personaje y me pregunté qué haría con Wallace, en cuanto a él siendo ciego. Él vino y estaba ciego… actuó ciego”. Al investigar ese aspecto de su rol, Leto pasó tiempo con gente que fuera visualmente discapacitado, observando cosas como cómo navegaban espacio específico o interactuaban en conversaciones. “Podía
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“JOI ES INTELIGENTE, DIVERTIDA E INTUITIVA, TAMBIÉN ES INNEGABLEMENTE SEXY PERO ES MUCHO MÁS QUE LO QUE VES EN LA SUPERFICIE”.
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sentir que Jared era alguien que estaba profundamente apasionado y muy serio acera de lo que hacía”, dice Villeneuve. “Él estaba cien por ciento comprometido”. Correspondientemente, Leto no tenía más que elogios para Villeneuve, comentando, “Denis es un artista raro. Lo que adoro de él es que está eternamente fascinado y entusiasta y curioso por la naturaleza. Está completamente en el momento con los actores y hay una sensación de descubrimiento y emoción a su alrededor que es muy fascinante. Descubrí que era un director increíble y estoy verdaderamente agradecido de que tuve la oportunidad de hacer este film con él”. Dado su trabajo, viene a razón que la mano derecha de Wallace sea un replicante Nexus 9. Sylvia Hoeks interpreta a Luv, cuya devoción a Wallace va más allá del deber. “Es mucho más que su jefe”, observa ella. “Lo que es intrigante de Luv es que fue creada por Wallace, y si la hizo, significa que puede romperla en cualquier momento, así que pienso que algo de su motivación en eso es el miedo. En lo que se enfoca es en ser la mejor, ser todo lo que él espera que ella sea y más. Está dispuesta a hacer lo que sea que tome para ayudarlo a conquistar el mundo y alcanzar sus sueños. Se siente para ella como la clave de la felicidad… aun cuando ella no sepa realmente lo que es la felicidad”. “ROBIN WRIGHT Como preparación para el rol, Hoeks nota, “Quise enfocarme en mujeESTABLECIÓ res actuales jóvenes, poderosas y exitosas, ya que está en una carrera UNA FIGURA DE por ser las mejores. Y a menudo son juzgadas por lo que hacen, las AUTORIDAD AUTOR IDAD PERO acciones que toman, dónde viven e incluso lo que consumen. Entonces TAMBIÉN ERA en un sentido muy diferente, es como si fueran hechas -su imagen es IMPORTANTE MOSTRAR manufacturada en cierta forma- y pensé que esa es una forma muy QUE JOSHI TENÍA UN interesante de encarar a este personaje”.
LADO COMPASIVO”.
Villeneuve llama a Hoeks “una de las mejores artistas con las que he trabajado en mi vida. Ella es una actriz con mucha fuerza y que no está asustada de hacer algunas cosas bastante locas para el rol”. La mujer al lado de K es Joi, con quien él tiene más que una relación romántica. Ella es su amiga, su confidente y su único sistema de apoyo real. Ana de Armas, quien interpreta el rol, ofrece, “Joi es inteligente, divertida e intuitiva, especialmente donde K está preocupado. p reocupado. Ella también es innegablemente sexy pero es mucho más que lo que ves en la superficie. Ella es en realidad bastante compleja”. De Armas disfrutó desarrollar el rol con Villeneuve, notando, “Fue interesante explorar mi personaje con él. Su existencia en si misma fue un enorme punto de inicio para mí, y tuve tantas preguntas en mi cabeza: Quién es ella? Cómo se siente? Cuáles son las reglas que debemos se-
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guir para construir eso de una escena a la otra? Denis me dio tanta libertad para descubrir todas esas cosas y más mientras la película progresaba”. “Sé que Ana ha hecho películas pel ículas antes, pero es raro como director tener la impresión de que atestiguas a una actriz volviéndose una estrella”, dice Villeneuve. “Ella tiene todas las cualidades –la energía, la emoción, el poder y la habilidad- para capturar el muy difícil personaje que es Joi”. Cuando los desarrollos impactantes en la investigación de K lo llevan por un sendero crecientemente peligroso, Joi es la única en la que sabe que puede confiar completamente, y ella, a cambio, lo guía gentilmente y lo alienta, dándole una perspectiva que nadie más podría ofrecer.
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Ni siquiera la superior de K está en conocimiento de lo que él ha descude scubierto en su búsqueda de la verdad. Robin Wright encarna a la teniente Joshi del Departamento de Policía de Los Ángeles, la jefa directa de K, cuyas órdenes a los Blade Runner prueban que ella hará lo que sea necesario para mantener el orden. Wright ofrece, “Joshi entiende los riesgos –ella sabe que un descubrimiento de esta magnitud podría, como ella lo pone, ‘romper el mundo’. Pero ella también está preocupada por K. ella está consciente de que algo está mal y siente que él podría estar reteniendo algo. Sin embargo, ella no puede dejar que sus preocupaciones se antepongan en su trabajo”. Villeneuve declara, “Robin Wright es una actriz maravillosa que estableció una figura de autoridad comandante como la teniente Joshi. Pero también era importante mostrar que Joshi tenía un lado compasivo, especialmente en su trato con K, y Robin fue capaz de reunir eso con una forma sutil que encajaba en el personaje”. Joshi ha ordenado a K que despache un viejo modelo de replicante llamado Sapper Morton, quien aparentemente no es más que un gran jero de proteína inocuo cuando K se presenta en su hogar desolado. “Solo intenta existir, solo trata vivir”, dice Dave Bautista, quien fue seleccionado en el rol. “Cuando K se presenta, Sapper tiene un mal presentimiento de entrada porque, en principio, él no tiene visitas, y, segundo, no le gustan los visitantes. Y se da cuenta que este podría ser el fin para él, lo cual ha estado tratando de evitar… por lo que se ha mantenido en la granja, preocupándose por sus asuntos”. Al seleccionar el rol, el director relata, “Dave era uno de los primeros nombres que vinieron a mi mente para Sapper porque es una presencia fuerte y carismática. Necesitaba a alguien que sea como un gigante, pero un gigante gentil… alguien por el que tuvieras empatía. La empatía es super importante para su personaje. Y la clase de tris-
teza melancólica detrás de los ojos y vulnerabilidad que Dave trajo a Sapper era esencial”. Había un solo problema: Bautista era considerado más joven que el rol que había sido concebido. El artista de maquillaje Donald Mowat, a quien Villeneuve llama “un maestro”, m aestro”, fue responsable por avejentar al actor. Villeneuve recuerda, “Mucha gente comentó, ‘Oh, no sabía que era tan viejo’. Y supe que era un éxito porque no veían el maquillaje; era solamente un más viejo vie jo Dave Bautista”. La misión de K de retirar a Sapper hubiera sido solo otra misión de rutina. Él nunca imaginó que su investigación abriría la puerta a una revelación asombrosa –una que desafiaran todas sus creencias. Redondeando el elenco principal: Mackenzie Davis como Mariette, una misteriosa “doxie” que toma un interés particular en K; Carla Juri como la Dra. Ana Stelline, cuyo trabajo es integral para la creación y comportamiento de los replicantes; y Lennie James como el Señor Cotton, quien vigila cientos de niños abandonados y quien podría tener respuestas para K.
“VEMOS UN MUNDO DONDE NO HAY MÁS ESPERANZAS QUE PARA LOS MUY RICOS. NOS ENCAMINAMOS A ESE LUGAR AHORA?? NO LO AHORA LO SÉ… ESPERO QUE NO”.
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LA FORMA DE LAS COSAS POR VENIR Antes del comienzo de la fotografía principal en “Blade Runner 2049”, Villeneuve pasó varias semanas con su fotógrafo de mucho tiempo Roger Deakins dibujando storyboards y dando forma al aspecto visual del film. “Entonces Roger era parte integral del lenguaje cinematográfico del film desde el comienzo”, dice el director. Andrew Kosobe comparte, “Roger, “Roger, quien es e s uno de los fotógrafo fotógrafoss más grandiosos de todos los tiempos, se tomó un año libre para prepararse para este film. Él dijo que involucró algo de los diseños más complejos de iluminación il uminación y patrones que haya hecho”. No obstante, Deakins declara, “Era una oportunidad muy emocionante para perderla. Denis y yo no nos contuvimos sino que nos informamos por el original, lo cual ofreció una de las primeras y más estilizadas vistas de un futuro apocalíptico”. Villeneuve añade, “Uno de los grandes desafíos fue atar ambas películas visualmente –tener el sentimiento de caminar en un futuro inspirado por el pasado”.
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Discutiblemente, la impresión más visualmente indeleble de la primera “Blade Runner” fue su oscura atmosfera opresiva, y las condiciones no han mejorado en los 30 años desde entonces. El director dice, “Vengo de Montreal, así que el clima de la película estaba más informada por los días malos en Canadá, donde puede ser frio congelado, así que en lugar de la constante lluvia, también hay nieve y neblina”. Ridley Scott resalta, “El estilo es importante, y Denis consiguió eso de forma agradable con respecto a lo que hicimos en el primer film. Vemos un mundo donde no hay más esperanzas que para los muy, muy ricos. Nos encaminamos a ese lugar ahora? No lo sé… espero que no”. La mayoría de la población, que no está entre los super-ricos, vive una existencia en ciudades de elevados edificios que perforan cielos grises permanentes. El diseñador de producción Dennis Gassner recuerda, “La primera cosa que pregunté a Denis fue si tuviera que poner el diseño en una sola palabra –la base para el film- cuál sería? Y Denis dijo ‘Brutal. Quiero que la arquitectur arquitecturaa sea brutal’. Y entonces, nos sumergimos en nuestra investigación y encontramos imagines que desarrollaban lo que llamo ‘lenguaje de patrón’”. “La cosa acerca de ‘Blade Runner 2049’ es que todo es diseñado alrededor de la supervivencia, desde la tecnología a la arquitectu-
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ra”, añade Villeneuve. “Los edificios fueron diseñados para resistir el clima, muchos de ellos lucen como bunkers”. Brutal fue también la frase para el vestuario, diseñado por Renee April. “Es un ambiente duro; es lluvioso”, confirma ella. “Ese fue nuestro punto de partida. Para los materiales, trabajé mucho con piel falsa y plástico, lo cual fue una primera vez para mí. No podía usar cuero o lana o cualquier material orgánico que ya no hubiera existido, así que todo era sintético y hecho por el hombre. Y también de mayor tamaño porque estaba frio”. “Fui afortunada por trabajar con tal grandioso elenco que estaba muy metido en el vestuario”, continúa la diseñadora. “Ryan Gosling, por ejemplo, está muy consciente de lo que puede vestir, lo que le gusta y lo que no. Y debo decir, debe gustarle porque K viste el mismo abrigo durante toda la película”. “Todos queríamos ese abrigo”, dice Sikes Yorkin. “Aun las mujeres estaban locas por el abrigo de Ryan. Renee es brillante y trajo vestuario increíble que se ajustaba a los personajes y a los lugares que habitaban”. De acuerdo a April, los vestuarios para Luv y Joi requirieron dos enfoques muy diferentes. Ella detalla, “Para Luv, la silueta de su ropa es sigilosa y pura. No hay volantes, no hay arrugas y no hay colores reales; todo es beige, blanco o gris. Joi por otro lado, es vista en una amplio rango de vestimenta en un espectro de colores saturados y su vestimenta es más claramente femenina y no tan estructurada”.
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Al diseñar el vestuario para Niander Wallace, April dice, “Estaba inspirada por el set asombroso de Dennis Gassner para la oficina de Wallace, la cual era enorme con líneas muy limpias y una cualidad Zen. Así que fui con líneas similares simples –casi un uniforme o piyamas para alguien que no sale y no tiene nada que probar”. La ropa de Rick Deckard se ajusta a alguien que ha estado fuera de la red por décadas, “así que lo que viste fue hecho para lucir viejo y un poco raído”.
Entre las imágenes más memorables en la primera “Blade Runner” estaban los enormes carteles electrónicos con publicidad en movimiento. Para la secuela, Broderick Johnson dice, “Lo llevamos al siguiente nivel, dado que se trata de 30 años después. Hay publicidad holográfica 3D que tiene una cierta cantidad de inteligencia en ella, entonces, por ejemplo, si cruzas la calle, una publicidad podría interactuar contigo, lo cual es una idea aterradora”, ríe él. Villeneuve expande, “Nuestro pensamiento fue que el aire en Los Ángeles de 2049 es tan denso que puedes proyectar proyectar cosas en la atmosfera en 3D. Entonces la publicidad ya no son enormes carteles, están entre la población. Y eso es algo que de nuevo es una extensión de nuestra realidad; es hacia donde nos dirigimos. “Mientras planeábamos la película”, continúa Villeneuve, “nos reunimos con científicos, doctores, arquitectos, diseñadores, expertos en computadora… gente que nos dijo lo que pensaba que podría ser el futuro. Eso nos informó mucho del diseño del film”.
LOS ÁNGELES, ALREDEDOR DE 2049 La fotografía principal en “Blade Runner 2049” fue lograda en Hungría, donde la producción estableció una gran pisada apoderándose de seis estudios de sonido y el lote en Origo Studios en Budapest; tres estudios de sonido en Korda Studios en Etyek; y varias otras locaciones alrededor del país. El productor ejecutivo y encargado de unidad de producción Bill Carraro comenta, “Las instalaciones son de primera, tan buenas como puedas encontrar en cualquier parte, pero lo que nos atrajo de Hungría, y Budapest particularmente, fue la diversidad de vistas dentro de la arquitectura de ciudad oriental Europea mezclada con las brutales estructuras de la era soviética”.
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“ENTRENÉ POR SEIS MESES, ME SENTÍ COMO SI ME TRANSFORMARA EN UN SER HUMANO MUY FUERTE Y ESO TAMBIÉN ME AYUDÓ A SER ESTE PERSONAJE Villeneuve confirma, “Budapest tiene una cierta estética que impactó el film. Fuimos capaces de rodar algunas escenas en las calles de la ciudad porque algo de la arquitectura que encontramos era completamente precisa para el espíritu de la película”. En los Estudios Origo y Korda, el equipo de Dennis Gassner construyó el mundo del film casi completamente desde cero, cumpliendo el deseo de Villeneuve de trabajar en sets prácticos. El director confirma, “Necesitaba ambientes reales porque esos ambientes dispararían ideas. Temprano en el proceso, la decisión fue construir todo y usar muy poca pantalla verde, y todos estaban emocionados de ir en esa dirección. Por supuesto, debía haber algo de CGI para extender ciertos sets, pero todo lo que ves en el fondo es real”. Harrison Ford, ofrece, “Los ambientes físicos son enormemente útiles. La gente se comporta en una forma más realista cuando el entorno afecta cosas como el sonido de tus pasos. Como actor, creo que ayuda”. “Blade Runner 2049” comienza cuando K vuela a la granja de Sapper Morton en un vehículo que los fans del primer pri mer film conocen como un Spinner. Gassner comparte, “La primera cosa que diseñamos fue el Spinner de K, el cual tuvo intensión de ser un homenaje al original, pero dentro del contexto del estilo brutal que Denis quiso”.
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El Spinner de K es e s un poco cuadrado y tiene ángulos más afilados que aquella propiedad de Deckard en “Blade Runner”, pero aunque es un modelo más reciente, no es por ningún sentido nuevo. El director supervisor de arte Paul Ingis dice, “intentamos construir un
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interior que se sienta como que el vehículo tiene 10 a 15 años. Hay mucha vida dentro de él; hay mucha edad. Todo está gastado y se pueden ver manchas, marcas y rayones… es un set en sí mismo”. Hubo dos Spinner construidos para K, uno de los cuales podía ser conducido y tenía puertas operadas por servo que abrieron verticalmente. Equipadas con dirección de poder y un motor eléctrico, podía alcanzar velocidad de tierra hasta 80 kilómetros por hora, aunque eso no era aconsejado en el set. El otro fue diseñado para volar por cable o ser montado en una grúa en una plataforma con Gosling adentro. Cámaras fueron montadas detrás del actor para capturar su visión de perspectiva a través del parabrisas, cuando los limpiaparabrisas intentan seguir el ritmo de la lluvia constante. El Spinner de K tiene nuevas características que no existieron en el primer film: un objeto similar a un dron inteligente que el supervisor de efectos visuales John Nelson llama “el pez piloto” reside en la parte de atrás de su Spinner, y cuando se detiene, vuela y flota como un dron. Es como el secuaz digital de K al que puede pedir que ‘vigile el auto’, pero también puede fotografiar el área y transmitir información de vuelta”. v uelta”.
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“PODÍA SENTIR LA ENERGÍA EN ESE SET, Y AL INTERPRETAR A ALGUIEN QUE ES CIEGO, PUDE EXPERIMENTARL EXPERIMENT ARLO O EN UNA FORMA EN LA QUE DE OTRA FORMA NO HUBIERA PODIDO”. Adicionalmente al Spinner de K, hay otros vehículos presentados en el film, incluyendo un Spinner limusina grande con múltiples asientos y uno perteneciente a Deckard, el cual es una actualización del que condujo en el primer film. La granja de Sapper Morton y su casa fueron construidas en el lote de Estudios Origo. Allí, la confrontación entre K y Sapper fue coreografiada por el coordinador de acrobacias Joel Kramer, quien dice, “Ryan pone tanta medim editación en todo lo que hace. Él concedió el poco tiempo libre que tuvo para venir a entrenar con nosotros, y tomó todo muy rápido”. Kramer tomó un bordado totalmente diferente diferente para la batalla entre K y Luv más tarde en el film. Kramer confirma, “Aun cuando Luv es una mujer, tiene tanta proeza de lucha como K, sino más. Encontré a una campeona de artes marciales llamada Chloe Bruce, quien puede hacer cosas con su cuerpo que nunca antes he visto… movimientos que ni siquiera parecen humanos. Le mostré un demo a Denis, Andrew y Broderick y se sorprendieron. Trajimos Trajimos a Chloe y la pusimos a entrenar junto a Sylvia Hoeks para enseñarle algunos de los movimientos. Sylvia no podía hacer todos, obviamente –ninguno de nosotros podría hacer lo que Chloe hace- pero realmente se aplicó a ello. Estuve impresionado con lo bien que Sylvia lo hizo, especialmente ya que nunca hizo lucha antes”.
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“Las escenas de acción fueron un gran desafío de safío para mí”, reconoce Hoeks. “Entrené por seis meses, lo cual me gustó porque pude hacer más cosas con mi cuerpo. Me sentí como si me transformar transformaraa en un ser humano muy fuerte y eso también me ayudó a ser este personaje. Como actriz, era increíble tener una oportunidad de trabajar en estos movimientos y aprender aquellas técnicas”. Los amplios sets que comprendían las varias oficinas y archivos de la Corporación Wallace tomaron los estudios de sonido de ambos estudios. El diseño limpio y minimalista de la oficina personal de Wallace contradice la complejidad del set, con el centro rodeando por una fuente interior de agua y accesible solo por un sendero automatizado de piedra. Roger Deakins utilizó las piscinas de ondas para rebotar y reflejar luz hacia las paredes y techos para efectos asombrosos.
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“UNO DE LOS GRANDES REGALOS PARA MÍ FUE QUE EL SONIDO ME AYUDÓ AYUDÓ A SENTIRME MUY PODEROSO EN MI ROL”. ROL”. Inglis ofrece, “La iluminación fue más integral para el set que cualquier estilo arquitectónico particular. Roger fue muy claro desde el comienzo de querer que la luz fuera natural, casi como luz de sol, lo cual es virtualmente no existente afuera donde el sol siempre es tapado por la neblina. Notarás que no hay ni una sola ventana en ninguno de esos sets, pero dentro del mundo de Wallace, está el sentimiento de un sol artificial cuando ventilas de luz solar manufacturadas se mueven a través de él. Parado en el dominio de su personaje, Jared Leto dice, “Podía sentir la energía en ese set, y al interpretar a alguien que es ciego, pude experimentarlo en una forma en la que de otra forma no hubiera podido. Si cierras tus ojos, es increíble lo que puedes decir del espacio en el que estás. Y uno de los grandes regalos para mí fue que en estos espacios como catedrales las voces reverberan en las paredes. El sonido me ayudó a sentirme muy poderoso en mi rol”.
La Torre Wallace se mantiene en claro contraste con el ambiente de menos afortunados que subsisten afuera de sus paredes. Un lugar de reunión familiar es el Bar de Bibi, un mercado ajetreado en aire abierto donde muchedumbre de humanos y replicantes pueden comprar todo desde comida y bebida a mercadería y sexo. Construida en un estudio de sonido en Korda, el set elaborado presentó filas de máquinas de venta con pantallas táctiles con brillantes pantallas y varios quioscos. Trenes pasan por arriba y tuk-tuks maniobran a través de más de 300 extras en vestuario. “El Bar de Bibi nos dio nuestra primera concentración de color”, dice Gassner. “Dado el estado de la naturaleza, es invierno perpetuo, así que casi todo tiene una cualidad gris desaturado, pero el Bar de Bibi es donde podemos levantar a la gente con color como Roger lo hace con la luz”. Otro notable set en la Los Ángeles de 2049 incluyó el apartamento pequeño de eficiencia de K; el techo de su edificio de apartamento, donde él comparte una danza en la lluvia con Joi; y la estación de policía con la oficina de la Teniente Joshi.
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Dirección: Denis Villeneuve Elenco: Ryan Gosling, Harrison Ford, Ana de Armas, Sylvia Hoeks, Robin Wright, Wright, Mackenzie Davis, Davis, Carla Juri, Lennie James, Dave Dave Bautista, Jared Leto Calificación: Mayores Mayores de 16 años
Tú también flotarás. IT, el thriller de miedo de New Line Cinema, del director Andy Muschietti (Mamá), está basada en la muy popular novela homónima de Stephen King. IT está protagonizada por Bill Skarsgård (La serie Divergente: Leal, la serie de TV Hemlock Grove) en el papel de Pennywise, el villano protagonista de la historia. La película también está protagonizada por un grupo de jóvenes actores formado por Jaeden Lieberher (Midnight Special), Jeremy Ray Taylor (Alvin y las Ardillas 3), Sophia Lillis (37), Finn Wolfhard (la serie Stranger Things), Wyatt Oleff (Guardianes de la galaxia), Chosen Jacobs (Cops and Robbers), Jack Dylan Grazer (Cuentos de Halloween), Nicholas Hamilton (Captain Fantastic) y Jackson Robert Scott, debutante en el cine. Muschietti dirige IT a partir de un guion de Chase Palmer, Cary Fukunaga y Gary Dauberman, basado en la novela de Stephen King. Roy Lee, Dan Lin, Seth Grahame-Smith, David Katzenberg y Barbara Muschietti son los productores de la película, cuyos productores ejecutivos son Dave Neustadter, Walter Hamada, Richard Brener, Toby Toby Emmerich, Marty P. Ewing, Doug Davison, Jon Silk y Niija Kuykendall. El equipo técnico incluye al director de fotografía Chung-Hoon Chung (Old Boy), el diseñador de producción Claude Paré (El Planeta de los Simios (R)evolución), el editor Jason Ballantine (Mad Max: Furia en el Camino) y la diseñadora de vestuario Janie Bryant (la serie de televisión Mad Men). El compositor de la banda sonora de la película es Benjamin Wallsch (Annabelle: Creation).
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A qué le tienes miedo? Ya sea a un monstruo que, debajo de tu cama, se oculta en la oscuridad, o una criatura que acecha en la sombra, no hay escapatoria para tu mayor miedo en el thriller de terror IT. El aclamado director, Andy Muschietti, que lleva por primera vez a la gran pantalla el inuyente bestseller de Stephen King, arma, “El miedo es algo universal; algo en lo que todos podemos sentirnos identicados. Y qué puede haber más aterrador que algo que, no solo te ataca, sino que lo hace con aquello a lo que más miedo le tienes?”. El enigmático y corto título hace referencia al villano protagonista de la historia, un antiguo ser con la capacidad de cambiar de forma para convertirse en el mayor miedo de sus víctimas y que sale de la hibernación cada 27 años para alimentarse de los residentes más vulnerables de Derry, en el estado de Maine (EE. UU.): los niños. Sin embargo, en esta ocasión siete chicos marginados, que se llaman a sí mismos “El Club de los Perdedores”, se unirán para luchar contra el misterioso ser al que se reeren únicamente como Eso. Pero ese ser también tiene otro nombre... uno que ya se ha convertido en emblemático en los anales del terror: Pennywise el payaso bailarín.
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Publicada en 1986, IT se convirtió automáticamente en un clásico y en el libro más vendido de ese año. Con más de treinta años a sus espaldas cautivando lectores, el eterno bestseller sigue considerándose una de las mejores y más inuyentes obras del para todos maestro de la literatura de terror, inspiradora de numerosos proyectos cinematográcos y televisivos desde su publicación. Y así ha sido sin duda para el director de esta película. Muschietti ar ma, “Soy un gran seguidor de Stephen King, que era mi autor favorito de adolescente. Por eso dirigir IT ha sido un sueño hecho realidad. Como me encanta hacer películas de miedo, siempre me ha fascinado el miedo y, probablemente, el momento en que más miedo pasa alguien es cuando de pequeño ve su primera película de miedo. Es un sentimiento que no se vuelve a tener en la vida, por eso volver a lograr esa sensación ha sido para mí una especie de aventura hacia lo imposible. Esto me ha ayudado porque creo que solo puedes asustar a los demás con algo que te asuste también a ti”. La historia tiene otro nivel también de la marca Stephen King. Podría decirse que ningún otro autor es tan bueno como él uniendo el terror absolu to con la experiencia de hacerse mayor y, quizá, es imposible lograrlo de
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forma más perfecta que la que consigue en la tierna historia de paso de la niñez a la vida adulta que subyace en IT. El productor Seth Grahame-Smith subraya, “Desde el comienzo éramos conscientes que IT era mucho más que una historia de miedo y, por eso, la película tenía que reejar los distintos tonos de la novela. Está ubicada en un momento concreto de la vida de sus jóvenes personajes en el que están haciéndose adultos, así que queríamos que la película plasmase el encanto de estos momentos centrados en los personajes y, a la vez, fuese completamente terroríca”. El productor David Katzenberg asiente. “Durante la película hay momentos en que cada uno de estos elementos pasa a un primer plano, así que tiene un equilibrio muy interesante entre emoción y miedo. Lograr plasmar ambos elementos de forma correcta era fundamental tanto para el ritmo de la película como para la narración de la historia”. La hermana y socia creativa de Andy Muschietti, la productora Barbara Muschietti, atribuye a los guionistas el mérito de lograr ese equilibrio. “Chase Palmer, Cary Fukunaga y Gary Dauberman lograron plasmar las facetas emotivas de la amistad entre los miembros de El Club de los Perdedores, e incluso dar una pincelada sobre el primer amor adolescente. Pero no nos equivoquemos: es una película que da mucho miedo”, sonríe. El miedo en IT lo personica el malévolo payaso, Pennywise: devorador de niños y experto en miedo. Bill Skarsgård, que da vida al malvado personaje, arma: “De niño conocía muy bien IT y el personaje de Pennywise. En mi opinión, necesita que los niños crean en lo que ven y estén asustados para poder devorarlos porque el miedo sazona la carne. Para mí, tanto cuando era pequeño como ahora, esa es la idea más aterradora”. El actor Jaeden Lieberher, como representante de El Club de los Perdedores, arma, “La película trata sobre superar el miedo porque si los chicos no tienen miedo de Pennywise, tienen la oportunidad de vencerlo. Pero da muchísimo miedo ver todo lo que les está e stá sucediendo”. Lieberher interpreta al líder del grupo, Bill Denbrough. El resto de jóvenes actores que completan el equipo son: Finn Wolfhard, como Richie Tozier; Sophia Lillis, como Beverly Marsh; Jack Dylan Grazer, como Eddie Kaspbrak; Wyatt Oleff, como Stanley Uris; Jeremy Ray Taylor, como Ben Hanscom; y Chosen Jacobs, como Mike Hanlon. A la hora de desarrollar el proyecto, el equipo de dirección (en el que también estaban los productores Roy Lee y Dan Lin) era consciente de que llevar a la gran pantalla un libro con una narración tan rica y de más de mil páginas no
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iba a ser una tarea sencilla, así que optaron por centrarse en la primera mitad del mismo, cuando El Club de los Perdedores aún son niños... y presa principal de Pennywise. Sin embargo, tal y como indica Dauberman: “El mayor reto de adaptar, aunque solo fuese la mitad de una novela tan popular como IT, está en intentar escoger de entre tantísimos pasajes imborrables que nos han acompañado desde que leímos el libro por primera vez”. Grahame-Smith arma, “Todos sentimos la gran responsabilidad de ser eles al espíritu de la novela porque es un libro muy impor tante para los fans de Stephen King, entre los que nos incluimos todos los que hemos trabajado para llevarla por n a la gran pantalla. Dauberman prosigue, “Sin duda ha sido un proceso colaborativo, y Andy ha sido muy comunicativo con sus ideas. Una de las cosas que más debatimos fue la forma en que los miedos individuales de cada uno de Los Perdedores los de de nen. Andy reexionó mucho sobre cómo esos miedos inuían en sus acciones, extrapolándolo todo, por supuesto, a partir de trazos que encontraba en la novela”. Katzenberg asiente: “Andy tiene una idea clara de la película”. Prosigue, aludien aludien do al trabajo de Muschietti en la exitosa película Mamá: “Es evidente que sabe cómo provocar miedo, pero también es genial contrastando y fusionando tonos de forma coherente. Ha sido una elección estupenda para dirigir este proyecto”.
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A la hora de adaptar el guion hubo otro cambio importante acordado por el equipo de dirección. Aunque King situó la primera parte de su novela en los años 50, se optó por trasladarla a los 80. Barbara Muschietti explica el cambio: “Stephen King se crió en los años 50; esa era su generación, y el libro plasma los miedos de su infancia. Stephen siempre dice que hay que escribir de lo que se conoce. Por eso quisimos hacer una película sobre lo que nosotros conocemos, que es ser niño en los 80, y representar re presentar las cosas que nos daban miedo entonces”. Andy Muschietti añade, “En los años 50 a los niños les asustaban cosas muy distintas, como los monstruos que veían en las películas de entonces, y esas son las formas que Pennywise toma en la historia original. La adaptación de los miedos en esta película tiene muchas capas y niveles, que sorprenderán hasta a los fans del libro”. El escritor Stephen King subraya, “El equipo de dirección ha optado por un enfo que ligeramente distinto que el de la novela. Lo importante, sin embargo, es que se ha conservado la idea básica de que Pennywise llega a los chicos descubriendo cuáles son sus mayores miedos y convirtiéndose en ellos. Andy entendió esa cuestión a la perfección, y creo que ha hecho honor al libro”.
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Los Perdedores Si nos mantenemos unidos, venceremos. La base y el alma de IT la conforman los adolescentes que se autodenominan El Club de los Perdedores. Por separado, los chicos están mal preparados para soportar a los abusones del instituto, así que mucho menos preparados están ante una poderosa entidad que cambia de forma. Juntos, atesoran un valor especial forjado en base a la amistad que los une y a su determinación por salvarse a sí mismos, a sus amigos y a toda la ciudad, al afrontar una terroríca amenaza a la que nadie ha hecho frente desde hace siglos. El director arma lo siguiente: “Los Perdedores sacan fuerzas de su unidad. Es muy interesante ver cómo cambia la dinámica del grupo durante la película, alternándose los papeles de líder y las posturas de fuerza. Todos tienen su momento. Es una historia preciosa y es e n las malas épocas cuando más se ve salir a la supercie la humanidad, la conanza y el amor”. King desvela un motivo muy concreto para que los héroes de su novela fueran niños. “Existe una frontera, en los niños, en la que ya son demasiado mayores para creer en Papá Noel y el Ratón Pérez, pero aún tienen miedo de que haya algo debajo de su cama por las noches. Quise tomar niños así y ponerlos en una situación en la que son los únicos capaces de ver y enfren enfren tarse a una criatura malévola porque aún siguen creyendo en monstruos. A la vez, no son niños pequeños e indefensos, por lo que tienen recursos para responder al peligro”. Para dar con los actores que personicarán a Los Perdedores, el equipo de dirección se embarcó en una profusa búsqueda, en la que hicieron un cas cas ting a cientos de aspirantes. Muschietti arma, “El casting de la película fue un proceso enorme en el que evaluamos a muchísima gente. Pero, cuando das con el actor que comparte ADN con un personaje, todo esfuerzo ha valido la pena. Para un director es algo apasionante. Reunir al mejor reparto posible es fundamental para dar vida a los personajes”. El casting de estos ricos personajes no solo implicó encajar a los actores, sino también asegurarse de que compartían la química necesaria para funcionar de forma creíble como si fueran uno solo. Barbara Muschietti arma: “Rich Delia, nuestro director de casting, hizo un trabajo sensacional. Nos trajo tantos chicos fantásticos, que el trabajo más difícil fue ir descartando candidatos. Fue muy divertido ir poniéndolos en grupos para dar con el grupo
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perfecto. Cuando vimos la conexión automática entre los actores elegidos, fue evidente que habíamos hecho la ele cción perfecta”. Grahame-Smith nos cuenta que el grupo asumió sus papeles con una dedicación y una habilidad superior a la que correspondería a su edad. “Estaban concentrados, preparados y listos para trabajar. Interpreta Interpreta ron sus personajes sin que se les olvidara ni una sola línea y dieron todo lo que tenían. Fue increíble”. Jaeden Lieberher interpreta al tímido y tartamudo Bill Denbrough, al que persigue el recuerdo de su hermano pequeño, George, que interpreta el principiante Robert Scott. El brutal asesinato del pequeño al que todo el mundo conocía como Georgie se convierte en el detonante de la historia y de la aventura de Bill. Lieberher arma que la tragedia hace que su personaje se embarque en una misión. “Al principio de la película puede presenciarse la cariñosa relación que hay entre Bill y Georgie. Al desaparecer Georgie, Bill se siente culpable porque fue él quien dejó que saliese a jugar en la lluvia con su barco de papel justo antes de que desapareciera. Desde entonces, la vida en su casa es bastante dura. Tras la muerte de Georgie, sus padres están distantes y fríos con Bill, por lo que solo tiene a sus amigos. Ellos son los únicos con los que puede hablar”.
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El mejor amigo de Bill es Richie Tozier Tozier,, un bromista que habla a la velocidad de la luz oculto tras sus gafas de fondo de botella. Finn Wolfhard, que interpreta a Richie, cuenta sobre el personaje, “Es un tonto al que le encantan los videojuegos y la televisión, aciones que comparto con él. Intenta ser quien da vida al grupo, pero en realidad nadie cree que sea tan gracioso como él piensa, por lo que siempre acaban hartándose de él e ignorándolo. Al desaparecer Georgie, la situación se pone más seria y Richie empieza a darse cuenta de que hay algo que no está bien en Derry... Derr y... algo de lo que es imposible hacer ningún chiste” Sophia Lillis interpreta a Beverly Marsh, única chica de El Club de los Perdedores, ajena al efecto que tiene sobre sus amigos preadolescentes. Lillis nos cuenta, “A pesar de sufrir malos tratos en casa, o quizá debido a ello, Beverly es uno de los componentes más fuertes y valientes del grupo. Es muy independiente y hace como si no le importará lo que piense el resto de la gente, pero, en realidad, ansía tener amigos y formar parte de un grupo. Quiere conectar con los demás, pero la asusta poder acabar con gente como su padre. Por eso se distancia de los demás... hasta que conoce a Los Perdedores, claro”.
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Jack Dylan Grazer interpreta a Eddie Kaspbrak, un diminuto hipocondriaco encadenado a su riñonera repleta de medicinas, inhaladores para el asma y diferentes desinfectantes. Grazer asiente, “Eddie es un niño neurótico. Por culpa de su madre está obsesionado con los gérmenes, lo que ha arruinado su vida social. Pero no es tan débil como le han dicho toda su vida. Enfrentarse a Pennywise junto a sus amigos le hace ver la fuerza que atesora”. El papel de Stanley Uris, el más escéptico de los siete chicos, lo interpreta Wyatt Oleff, quien subraya, “Stan tiene un trastorno obsesivo compul sivo: le incomoda que las cosas no estén ordenadas. En esta situación, lo que le pasa por la cabeza es mucho más complicado de lo que es capaz de asimilar. No solo le aterroriza Pennywise, también le ofende: no puede asumir que algo así pueda existir en su realidad porque no tiene ningún sentido”. Cuando va a cumplir 13 años, Stanley debería estar estudiando para su Bar Mitzvah; no obstante, para consternación de su padre, el rabino, toda su atención está centrada en un rito de madurez completamente distinto al que Pennywise está llevando a Los Perdedores. Jeremy Ray Taylor interpreta a Ben Hanscom, que conoce a Los Perdedores tras padecer un brutal ataque (no por parte de Pennywise, sino de los abusivos del lugar). Puede que Ben no sea un portento físico, pero Taylor enseguida señala sus verdaderas cualidades. “Es el listo del gru gru po al que le gusta pasar tiempo en la biblioteca... Creo que podría denominársele el nerd del grupo”, dice sonriente. “Es Ben el que descubre la turbia historia de asesinatos y personas desaparecidas de Derry, lo que impresiona al resto. Nunca ha tenido amigos, y por eso cree que formar parte de El Club de los Perdedores es lo mejor del mundo”. El último en unirse al Club es Mike Hanlon, al que interpreta Chosen Ja Ja cobs. Jacobs nos cuenta, “Mike es una per sona auténtica y muy centra centra da. Vive de forma muy humilde a las afueras de la ciudad. Aún quedan bastantes prejuicios raciales por lo que, al ser afroamericano, siempre acaba marginado de alguna manera. Para Mike, formar parte de El Club de los Perdedores signica muchísimo porque es la única amistad ver ver dadera que ha conocido”. Las armas más poderosas de Los Perdedores en su lucha contra Pennywise son la solidaridad y el amor. Barbara Muschietti arma: “Su única posibilidad de sobrevivir es mantenerse unidos y enfrentarse a sus demonios tanto interiores como exteriores”.
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Los actores interiorizaron esa idea, de forma que la amistad creada entre Los Perdedores se reejó en la relación que hubo entre los actores que les daban vida. Antes de empezar el rodaje principal, el equipo de dirección organizó una especie de campo de entrenamiento. Consciente de que los jóvenes actores ni siquiera habían nacido en la época en que se ambienta la historia, Grahame-Smith creó una pequeña “guía básica de los 80”. “Creé un pequeño libro con películas, música, videojuegos, ropa y otras cosas de aquella época. Incluso tenía información de cómo se hablaba y fotos del aspecto que tenían algunas cosas por aquel entonces. Esa fue mi pequeña contribución al campo de entrenamiento”. El tiempo que pasaron juntos tenía como objetivo ayudar a crear lazos entre los miembros del reparto. Pero hasta al equipo de dirección le sorprendió lo unidos que los chicos se volvieron fuera de cámara. Se hicieron inseparables, pasaban la noche juntos viendo películas y compartían mucho más que solo bromas. Por no hablar de las sesiones de karaoke en las que a menudo participaban el equipo de dirección y el resto del reparto. Grahame-Smith subraya: “Se hicieron amigos de verdad, lo que creo que sirve como epitao al hecho de que Andy viera en ellos algo fuera de lo nor nor mal durante el casting. Fue como presenciar el verano de su infancia justo delante de tus narices; tanto delante como detrás de la cámara”.
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Muschietti asiente, “Su vínculo era real, profundo y, pase lo que pase en el futuro, ha sido una situación muy especial para ellos que no creo que olviden nunca. Les estoy tremendamente agradecido. Es imposible que nada hubiera podido salir mejor”. Si bien Pennywise es, evidentemente, el mayor peligro para los chicos no es el único al que se enfrentan en Derry. La Panda de Bowers, una violenta pandilla encabezada por Henry Bowers, siempre está atenta para meterse con cualquiera, especialmente con los niños más débiles y desvalidos. El actor australiano Nicholas Hamilton, que interpreta a Henry, denomina a su personaje como un “idiota psicópata que no es solo un abusivo; es el mis mis mísimo demonio”. Sus despiadados cómplices son Patrick Hockstetter, al que interpreta Owen Teague; Victor Criss, al que da vida Logan Thompson; y Belch Huggins, al que interpreta Jake Sim. A pesar de los terribles peligros a los que se enfrentan sus hijos, los adultos de Derry son reticentes (o incapaces) de ayudarlos, ignorando a los abusivos y siendo totalmente incapaces de ver al monstruo que acecha su ciudad desde el inicio de los tiempos. Su apatía, incluso cuando tienen lugar situaciones violentas, es un aterrador recordatorio del bloqueo espiritual al que Pennywise ha sometido a toda la ciudad. Grahame-Smith asiente, “Es muy patente cuando ves que los adultos, que deberían ser quienes diesen mucha más importancia a lo que está pasando, se despreocupan y dejan que siga sucediendo. Se ve en los anuncios de niños desaparecidos colgados unos sobre otros sin que nadie haga nada. Al nal, los chicos llegan a la conclusión de que ningún adulto, ni siquiera su madre o su padre, va a ayu ayu darlos; tienen que afrontar la situación sin ayuda de nadie. Y, cuando eres niño, esa es una de las situaciones más aterradoras que puedes imaginar”.
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Pennywise Un banquete para Pennywise. Miedo maduro, pavor crudo... El equipo de dirección sabía que el actor que eligieran para interpretar a Pennywise tendría un impacto muy importante en prácticamente todos los aspectos de la película. Tras un largo proceso, Bill S karsgård logró el preciado papel. Barbara Muschietti arma, “Lo que vimos en Bill fue que encajaba perfectamente con la imagen que Andy tenía de Pennywise”. El director lo refrenda, “Al principio me ganó la calidad interpretativa de Bill en su audición y, tras eso, fue como descubrir una nueva sorpresa cada día. No solo ha aportado misterio e intriga al personaje, sino que se atrevió a explorar la teatralidad demente de Pennywise. Su apariencia era de demente, y su lenguaje corporal era completamente per turbador. Alguna de las exigencias físicas del papel eran agotadoras, pero tengo que reconocerle a Bill que no levantó el pie del acelerador en ningún momento”. A su vez, Skarsgård arma que contó con la orientación de Muschietti y valo valo ra la conanza que el director puso en él. “Andy conó en mí y yo en él. Sabía que estaba en buenas manos, así que me lancé sin paracaídas, a lo que él respondió. La colaboración entre ambos ha sido fantástica”. Grahame-Smith subraya: “Es imposible exagerar respecto a todo lo que Bill ha aportado al personaje en cuanto a la parte física, actitud y expresión”. De hecho, una expresión que el actor dio al papel tomó al director por sorpresa. Muschietti lo recuerda, “El estrabismo de Pennywise era algo que tenía en mente desde bien pronto; quería que tuviera cara de loco y que uno de sus ojos se moviese de forma independiente, pero de forma contraria a lo que les pasa a los bizcos. Se lo comenté a Bill como una característica del personaje, pensando en que lo haríamos en postproducción, a lo que me respondió que sabía hacerlo y me lo demostró en ese mismo instante. Fue impresionante! Ya lo verán en la película, es aterrador. Algo que sí fue incapaz de hacer fue hacer que sus ojos pasasen de su azul natural al amarillo, cosa que sí tuvimos que hacer en postproducción, pero la parte del e strabismo es totalmente suya”. Dado el hambre de niños de Pennywise, Muschietti concibió para el personaje un aspecto con cara de niño, ojos grandes, nariz rosada, pelo no y
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mejillas coloradas. “Siempre pensé que darle facciones infantiles lo haría aún más inquietante por el contraste de alguien que parece dulce e inocente y aun así es capaz de hacer cosas aterradoras”. Los especialistas de maquillaje, Alec Gillis y Tom Woodruff, diseñaron y crearon un cráneo alargado que recordaba, según Gillis, un melón enorme roto. “Normalmente diseñamos de 0, pero Andy me envió un dibujo, indicando que hiciéramos que el personaje tuviera el aspecto más parecido a un niño que fuera posible, que fue una idea que me cautivó”. El rostro de Pennywise lo completan unos dientes interminables y alados, a menudo goteando saliva. Al vestir al personaje, Janie Bryant, diseñadora de vestuario, añadió elementos medievales, renacentistas e isabelinos al traje de payaso, como símbolo de que Pennywise llevaba cientos de años atormentando Derry. También También añadió pliegues, sobre los que Bryant indica: “Los intrincados pliegues son un añadido a las cualidades orgánicas y reptilianas del traje de Pennywise”. Además de sus características físicas, Skarsgård se centró en crear la particular voz y la risa maníaca de Pennywise. Para la voz, acabó empleando lo que él mismo denomina una voz “crujiente y muy aguda”.
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Una vez Skarsgård dio forma al mítico personaje, el equipo de dirección ocultó su encarnación de Pennywise a los siete actores que formaban El Club de los Perdedores, al menos en principio, para que sus primeras reacciones fuesen lo más realistas posible. Katzenberg asiente, “Evitamos que los chicos viesen a Pennywise hasta que tuvieran una escena con él. Creo que así logramos mayor profundidad en su actuación en cuanto a descubrir quién es Pennywise y asustarse de verdad”. Muschietti reexionó muchísimo sobre la forma en que revelaría a Pennywise en pantalla. El propio director reconoce, “Es un momento emblemático del li li bro que mucha gente quiere ver. La escena es fascinante: la primera aparición de Pennywise es intrigante y carismática, pero, a la vez, sabes que hay algo en él que no está bien. Aunque también le envuelve una especie de magia bastante inquietante”. Esa sensación de inquietud es algo con lo que Barbara Muschietti puede sentirse plenamente identicada. “Es evidente que la primera vez que se ve a Pennywise es una escena de una importancia tremenda y, al menos para mí, es algo imposible de olvidar. Desde que leí el libro por primera vez ha sido muy difícil para mí ver correr el agua de lluvia sin pensar que Pennywise está al acecho”, ríe. “Queríamos crear una imagen que nadie pudiese olvidar”.
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Creación de Derry Todo lo malo que sucede en esta ciudad tiene un mismo origen. Algo demoníaco. Tal y como Stephen King imaginó, Derry está basada en la ciudad de Bangor, en el estado estadounidense del que es originario el autor: Maine. Para conocer mejor la ubicación, Muschietti visitó Bangor, si bien el rodaje no pudo hacerse allí por cuestiones logísticas. En su lugar, el equipo de dirección optó por cruzar la frontera y crear su particular Derry en la ciudad de Port Hope, Ontario (Canadá). El hecho de que muchas de las secuencias más emocionantes en Derr y se desarrollan a plena luz del día supuso un continuo reto de iluminación para el director de fotografía Chung-Hoon Chung, quien tenía que evocar una sensación generalizada de pavor en una ciudad pintoresca y soleada. Una zona de bosque cercana a Port Hope se convirtió en el campo sin cultivar de las afueras de Derry conocido como el Páramo. “Se parecía increíblemente a la descripción que el libro da del Páramo”, arma Mus Mus chietti. Varias de las ubicaciones más importantes de la historia se encontraron o recrearon en otras zonas de Ontario, incluida la casa prohibida ubicada en la popular dirección para los fans de la novela: el 29 de Neibolt Street. La decrépita y abandona casa desde hace mucho en realidad se compuso mediante la combinación de dos estructuras: una estructura exterior creada desde 0; y otra interior, rodada en una casa real que encontraron en una calle llamada Bleak Street y que encajaba con lo que necesitaban. El diseñador de producción, Claude Paré, nos cuenta: “Con autorización del dueño de la casa, se nos permitió hacer todo lo que necesitáramos, así que la despojamos de toda decoración para devolverla a su estado original, descubriendo preciosos adornos victorianos que posteriormente incrementamos. Luego decoramos toda la casa con yeso rugoso por las paredes, hojas entrando en la casa a través de los cristales rotos de las ventanas y suciedad por todas par tes. El resto de las ventanas lo cubrimos con periódicos de la época victoriana creados e impresos a doble cara por nosotros mismos, ya que la luz mostraría la parte exterior de la hoja”.
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Paré prosigue, “Para crear la fachada exterior envejecimos las nuevas vigas, quemándolas y aplicándoles agua a presión hasta que tuviesen un tono gris plateado y pareciesen hechas polvo, y las pintamos de gris plata con marcas de sombras de antiguas contraventanas desaparecidas hace tiempo”. El diseñador sabía lo importante que era que encajasen visualmente las partes interior y exterior de la casa, por lo que empleó sutiles detalles para reforzar esa idea. En sus propias palabras, “Añadimos unas parras que subían por el porche frontal hasta las ventanas así que, en el interior, empleamos la misma parra que, a través de las ventanas, llegaba al techo y colgaba en el e l salón”. La producción también ocupó tres gigantescos sets en los Estudios Pinewood de Toronto. En uno de ellos el equipo de Paré creó una enorme cisterna que hacía las veces de la monstruosa guarida subterránea de Pennywise, construida a base de un batiburrillo de juguetes y telas con aspecto de muerte y decadencia. Su llamativo y terroríco centro lo ocupa una montaña de juguetes, muchos de los cuales son de hace siglos. Todos ellos pertenecían a las víctimas de Pennywise. Paré nos cuenta, “La base de la montaña está podrida y negra debido a que los juguetes de esa parte llevan siglos en ese lugar. Cuanto más arriba de la montaña miras, más nuevos son los juguetes”.
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Además, los platós albergaban el laberinto de túneles y cloacas en que Los Perdedores se adentran valientemente. Paré trabajó con el equipo de construcción para dar con los materiales que diesen la impresión de que se habían construido hace muchos años. La alcantarilla en la que aparece Pennywise por primera vez se rodó en dos lugares distintos: uno exterior, en el que vemos a Georgie con el inolvidable abrigo amarillo siguiendo su barco de papel en su travesía por las corrientes de lluvia que corren por las calles de Derry. La conversación del pequeño con Pennywise y su inesperado desenlace se rodaron más tarde en un plató empleando una plataforma elevada desde la que Pennywise acecha a Georgie. Otros sets de rodaje creados en los sets son el baño de un viejo apartamento, donde Beverly se empapa de un miasma de sangre que sale a chorro del desagüe del lavabo; y un sótano inundado, donde Pennywise aparece por sorpresa de entre la oscura agua. Ahí es donde pronuncia las inolvidables palabras “Tú también otarás”, a la vez aterradoramente reveladoras y una amenaza clara. De todos los elementos que componen la iconografía de Pennywise, hay uno que ha logrado el mayor impacto generación tras generación: el globo rojo. En palabras de Andy Muschietti, “Es imposible hacer IT y no incluir los globos. La primera vez que ves a Pennywise con ellos en la mano, si miras la escena de cerca, puedes ver que tienen una forma extraña. No son globos de verdad. Son creación suya. Tiene la capacidad de cambiar de forma, y los globos son simplemente una extensión más de su cuerpo. Por eso es bastante surrealista e inquietante ver algo tan familiar mostrado de una forma tan extraña”.
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Has oído de eso? Si vuelve a regresar alguna vez, nosotros también regresaremos. regresaremos... .. El sonido y la música son herramientas fundamentales para denir y destacar sensaciones, emociones y, por supuesto, tensión. El trabajo mano a mano de Andy Muschietti, los mezcladores de sonido Chris Jenkins y Michael Keller, el supervisor de edición de sonido Victor Ray Ennis y el diseñador de sonido Paul Hackner creó un ambiente sonoro inmersivo para ayudar a que el público se zambulla en la Derry asola asola da por el terror. Irónicamente, el silencio era generalmente la norma para el equipo de sonido. Keller nos lo cuenta: “IT cuenta con muchas escenas de silencio casi absoluto tras las que viene un gran susto, totalmente inesperado. Nuestro trabajo era neutralizar el sonido para evitar advertir al público de los sustos”. Asimismo, se añadieron a todo el metraje sutiles pero poderosos toques como efecto atmosférico. Por ejemplo, los inquietantes sonidos ambiente que impregnan la casa de Neibolt Street, y cada capa de los túneles y tuberías del alcantarillado de Derry tienen su propio “sabor” acústico, como Keller lo denomina. “En el caso de un túnel pequeño, usamos sonido monoaural; pero, una vez estamos en la enorme cister cister na de Pennywise, hay un montón de eco y sonido envolvente”, apunta. El equipo de sonido también logró reproducir la risa que Skarsgård había creado para el personaje, dándole distintas modulaciones durante toda la película a la carcajada del payaso para crear bajas frecuencias y, en algunos casos, vocalizaciones subliminales que se transforman en algo inesperado. El toque nal de la película es su música, obra de Benjamin Wallsch quien, plasmando la época en que tiene lugar la película, basó la banda sonora en la tradición de las bandas sonoras sinfónicas clásicas de las películas de aventuras de los 80. Sin embargo, sabía que la música tenía que expresar algo único. “Crear una banda sonora para contar la historia de una criatura con una maldad inimaginable y que cambia de forma (una entidad a la que solo puede derrotar un grupo de personas que, unidas, le hacen frente como si fueran una sola) requiere temas metamórcos, momentos de irreverencia sonora y silencio cordial y,
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aún más importante, un lenguaje musical en constante esfuerzo por reejar la profunda emotividad que conduce la película”, arma. A pesar de que tanto Pennywise como Los Perdedores, Georgie e incluso la propia ciudad de Derry cuentan con temas distintivos, Wallsch quería que todos compartiesen puntos en común para plasmar la idea de que Pennywise inuye en todo lo que le rodea. Es importante señalar que el tema de Pennywise es una canción infantil del Siglo XVII titulada Oranges and Lemons, que algunos historiadores aseguran que trata del sacricio de niños. Tal como Wallsch apunta, “La última estrofa de la canción, que utilizamos una vez en la película es algo así como He aquí una vela para iluminar tu camino hasta la cama / Y he aquí una picadora para cortar te la cabeza! Es una canción rara, divertida e inocente a primera vista, con un lado oscuro y demoníaco en el fondo; justo como nuestro antagonista. La utilizamos cada vez que Pennywise ataca a sus víctimas, o se plantea el ataque”. Muschietti apunta que la música de Wallsch también es la banda sonora ideal para la magia y el misterio del extraordinario verano de Los Perdedores.
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Stephen King añade, “Las películas de miedo son muy poderosas. A la gente le gusta pasar miedo en el cine porque es un ambiente seguro en el que puedes degustar emociones que no puedes experimentar en la vida real. IT logra más que eso: nos da la oportunidad a los que somos adultos de revivir las intensas emociones que tenemos de pequeños. Ese es uno de los motivos por los que creo que la película funciona tan bien”. Muschietti concluye, “Quiero que IT sea aterradora pero también con con movedora. Es una película de miedo, pero también trata de la amistad, el amor y el poder unicador que tiene cree r en algo. Queremos que el público se embarque en un viaje de emociones con nosotros... un viaje completamente aterrador!”.
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Dirección: Andy Muschietti Elenco: Jaeden Lieberher, Jeremy Ray Taylor, Sophia Lillis, Finn Wolfhard, Wyatt Oleff, Chosen Jacobs, Jack Dylan Grazer, Nicholas Hamilton, Jackson Robert Scott y Bill Skarsgård Calificación: Mayores de 16 años
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