Historia Del Cine (Cnice)

Historia del cine (Fuente: curso del CNICE “El cine, un recurso didáctico”)

Antecedentes 

Lumière Méliès Países

Gran Bretaña EEUU Francia España Primeros años: cine mudo  Países

Francia EEUU Suecia Posguerra  Países

Francia Alemania Cine Soviético EEUU Autores

David Wark Griffith Abel Gance Vsevold Pudovkin Sergei M. Eisenstein Cine sonoro  Países

Alemania EEUU Francia URSS Gran Bretaña Italia España

Autores

Charles Chaplin Jean Renoir Alfred Hitchcock Robert Flaherty Años 40-50  Países

EEUU Gran Bretaña URSS Francia Posguerra Italia EEUU Francia Gran Bretaña España Otros Paises Autores

Orson Welles Luchino Visconti Roberto Rossellini Luis García Berlanga Juan Antonio Bardem Años 60-70  Países

EEUU Francia Gran Bretaña Italia España Otros Paises Autores

François Truffaut Federico Fellini Luis Buñuel Jean-Luc Godard Ingmar Bergman Stanley Kubrick

Akira Kurosawa Años 80-90  Países

EEUU Europa Francia Italia Gran Bretaña Alemania España Otros Europeos Otros Países Latinoamérica Asia África Australia, Nueva Zelanda y Canadá Autores

Steven Spielberg Pedro Almodóvar Francis Ford Coppola

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Historia >Antecedentes El cine, como medio de captación del movimiento y forma de narración, tiene unos antecedentes lejanos en la historia. Los primeros intentos del hombre por captar el movimiento y plasmarlo en una representación artística se remontan a las pinturas rupestres y a las sombras chinescas. Las primeras representaciones plásticas narrativas están presentes en el arte egipcio, griego, asirio y romano, como es el caso de la "columna de Trajano" donde se narran las hazañas del emperador romano. En 1640, el jesuita alemán Athanasius Kircher, describe, de manera muy gráfica, en su libro Ars Magna Lucis et Umbrae, el nuevo invento que acaba de idear: la lintera mágica, artilugio que permite "proyectar el movimiento". Sin embargo,el nacimiento del cine no tendrá lugar hasta que surjan los avances técnicos y científicos que lo posibiliten: Las investigaciones en torno al fenómeno de la persistencia de la visión. Y la fotografía, concretamente con las investigaciones sobre la descomposición del movimiento en fragmentos fotográficos, lo que se conoce como cronofotografía. Puesto que el desarrollo de la cronofotografía permitirá descomponer el movimiento en fracciones fotográficas mínimas, ahora queda tan sólo recomponerlo a través de la proyección sucesiva de aquellas fotografías sobre una pantalla. Gracias a la persistencia retiniana, el ojo humano percibirá esa sucesión de imágenes como un movimiento continuado. Se trata pues de la combinación del principio de la linterna mágica de Athanasius Kircher y de un dispositivo que permita el arrastre intermitente de la película. Otro invento que hace posible la aparición del cine es la película de celuloide que, al ser flexible, resistente y transparente, y por admitir las perforaciones necesarias para el arrastre, será el soporte utilizado desde entonces. Una vez avanzadas las investigaciones, los únicos problemas ocasionados por la película serán los derivados de su condición altamente inflamable.

El Kinetógrafo y El Kinetoscopio Las películas más antiguas que se conservan datan de 1890 y son obra de William K. Laurie Dickson, director del proyecto de la casa Edison e inventor de la cámara que Edison patentará en 1891, con el nombre de kinetógrafo. Ese mismo año, Edison patenta su proyector, un aparato de visión individual, al que denominará kinetoscopio. En él, el espectador, tras introducir una moneda, aplica su ojo a un ocular, a través del cual ve una película. La decisión de Edison de optar por la visión individual, en lugar del espectáculo colectivo, tiene su justificación en la rentabilidad puramente económica del invento, pero también influyen en su decisión la mala calidad de imagen que obtienen por entonces sus aparatos de proyección y la dificultad de resolver, de manera eficaz, el problema del arrastre de la película. El kinetoscopio se comercializa en Estados Unidos en 1894 con tal éxito que, ese mismo año, llega a Europa. De la colaboración cinematográfico.

entre

Edison

y

Dickson

nacerá

el

primer

estudio

El Cinematógrafo Los descubrimientos de Edison serán conocidos en toda Norteamérica y llegarán a Europa donde supondrán una valiosísima aportación a los estudios que allí se realizan. Sin embargo, las líneas de investigación que habrán de conducir al descubrimiento del cine, irán encaminadas a inventar una cámara más ligera que pueda ser desplazada con facilidad a los lugares de filmación, y un proyector que permita exhibir las películas en público y sobre una pantalla. "Aparato que sirve para la obtención y visión de pruebas cronofotográficas". Estas palabras sirven a los hermanos Louis y Auguste Lumière para definir el aparato que se disponen a patentar en 1895 y al que denominarán cinematógrafo. La cámara es sencilla y muy práctica. El arrastre intermitente de la película se inspira en el mecanismo de una máquina de coser. Funciona mediante manivela, con película perforada de 35 mm, a 16 fotogramas por segundo. Es portátil y sirve indistitamente para filmar las imágenes y para realizar la proyección. En estos años, otros inventores, en Inglaterra, Alemania y Estados Unidos, desarrollan aparatos con características similares al de los hermanos Lumière. Esta proliferación de investigaciones, experimentos y patentes es producto del progreso

científico y técnico que vive el final del siglo XIX, pero también del espíritu mecanicista que surge, durante estos años, en todas las sociedades industrializadas.

En el Capítulo 1 de la Serie Amar el Cine hay comentarios e imágenes sobre los comienzos del cine, con aparatos y  muestras de películas de Lumière y de Méliès.

Historia > Lumière Los hermanos Lumière, el 28 de diciembre de 1895, realizan la presentación pública del cinematógrafo, en el Salon Indien del Grand Café del Boulevard des Capucines, en París. Diversas personalidades relacionadas con el mundo de la cultura, la ciencia y el espectáculo son invitadas. Sin embargo, los asistentes a esta primera proyección pública y de pago, serán escasos. Entre ellos se encuentra Georges Méliès, director del Teatro Robert Houdin, que ya, en aquella primera sesión, manifiesta un interés especial por el invento. La reacción del público también será favorable, hasta el punto de que en los días sucesivos, se formarán ante el Grand Café, colas interminables. El programa incluye díez películas y tiene una duración inferior a los quince minutos. (Podéis asistir a la primera sesión cinematográfica por Internet en www.institut-lumiere.org (se necesita el programa Quick Time) ). El impacto que produce el cinematógrafo sobre los primeros espectadores tiene su  justificación en la extrema veracidad de las imágenes en movimiento que reproducen la realidad con una fidelidad jamás vista hasta el momento. Un realismo que convertirá al cine, ya desde sus orígenes, en el más importante testimonio de la sociedad y las costumbres de la época. En 1895, los Lumière cuentan con un centenar de cintas y, en 1896, ponen en marcha la producción de aparatos y contratan operadores a los que instruyen tanto en la proyección como en la filmación de vistas. Estos pioneros recorrerán las provincias y el extranjero. Pronto todas las capitales europeas y estadounidenses conocerán el cinematógrafo Lumière. Allí donde van, estos operadores proyectan las películas y además, registran nuevas vistas con las que se amplía el catálogo de la Casa Lumière, consiguiendo de este modo imágenes procedentes de todo el mundo. Pero la política comercial de los hermanos Lumière no consiste en la venta de aparatos, sino en la creación de concesionarios a los que se provee de operador, cinematógrafo y películas a cambio de un porcentaje de los ingresos. El éxito comercial del cinematógrafo Lumière agudiza el ingenio de los investigadores, y pronto aparecerán nuevos fabricantes que, a diferencia de los Lumière, no dudarán en vender sus aparatos a las empresas de espectáculos. De esta manera, se inicia en estos años la competencia por los inventos y también por la producción de películas. En Francia aparecen Méliès y Pathé, en EEUU Edison y la compañía BIOGRAPH, en Londres William Paul... Sin embargo, los Lumière, que siempre han considerado su invento como una "curiosidad científica", desconfian de su rentabilidad y antes de 1900 abandonan su explotación. Su mente científica tampoco acepta la orientación teatral del espectáculo que el cine estaba tomando.

Filmografía Entre las primeras películas realizadas por Louis Lumière destacan: La Salida De Los Obreros De La Fábrica Lumière , Riña De Niños, Partida De Naipes, El Regador  Regado, primera película narrativa, una breve comedia, realmente un chiste; y una de sus obras de mayor éxito, La Llegada Del Tren, que provoca el pánico entre los espectadores sorprendidos por el tren que se les echa encima.

Capítulo 1 : Varias muestras sobre Lumière

Historia > Georges Méliès Méliès y el Cinematógrafo

Cuando en diciembre de 1895, los Lumière organizan, en el Salón Indien del Grand Café de París, la primera exhibición pública de cinematógrafo, no imaginan la trascendencia que alcanzaría aquella histórica proyección. Quien sí se percata del prodigio obrado por aquellos científicos es, naturalmente, un hombre del espectáculo, George Méliès, mago e ilusionista vocacional y director del teatro Robert Houdin de París que se dirigirá de inmediato a Antoine Lumière, padre de los inventores, para proponerle, aunque inútilmente, la compra de un aparato. Tan sólo unas semanas después, se comercializa en Inglaterra un aparato similar al de los Lumière, y Méliès no dudará en adquirir uno. En un principio, incorpora la proyección de películas a los espectáculos del teatro Robert Houdin. Se trata de producciones norteamericanas de Edison e inglesas de R.W. Paul. Pero las imágenes del cinematógrafo producen en él un impacto tan poderoso, que el inquieto Méliès no podrá permanecer pasivo durante más tiempo. En seguida se pondrá al frente de una cámara. Sus inicios

Descubrirá su primer trucaje fotográfico por casualidad: el paso de manivela. En unas imágenes filmadas en la Plaza de la Ópera, súbitamente, donde había una señora jovencita, aparece un caballero, y un autobús cargado de personas se transforma en una carroza fúnebre. Lo que le sucede a Méliès aquella tarde es que, durante la filmación se le atasca la cámara, deteniéndose la película. En cuanto Méliès se percata de ello, corrige el desperfecto y, tras esa breve interrupción, reanuda el rodaje. Así, por pura casualidad, al ver el efecto en la proyección, el ingenio de Méliès se pone en marcha. Filmografía

Tras este acontecimiento fortuito, Méliès inicia una serie de películas en las que filma los números de magia que se realizan en su teatro, aplicando trucos y soluciones técnicas propias del cine. Este es el rumbo que inicia, en 1896, con la película Escamoteo De Una Dama . Además de las apariciones y desapariciones, Méliès utilizará maquetas, sobreimpresiones, fundidos y encadenados, y tantos otros recursos que en sus manos se convierten en la base de la trama. Ante las películas de Méliès, el público, atónito, queda boquiabierto. En El Hombre Orquesta (1900), el propio Méliès, actor habitual en sus películas, se multiplica por siete mediante siete sobreimpresiones sucesivas sobre fondo negro, lo que le permite interpretar los siete instrumentos de la orquesta. También aplica la sobreimpresión en El Melómano (1903), en la que la cabeza de Méliès salta, al ritmo de las notas musicales, sobre un pentagrama formado por hilos de telégrafo. Y El Hombre De La Cabeza De Goma , es una vistosa anécdota que muestra la experiencia de un científico que experimenta con su propia cabeza, hinchándola como si fuera un globo. El efecto se consigue mediante un travelling de acercamiento (sobre fondo negro) para aumentar el tamaño de la cabeza y la sobreimpresión para integrarla en el laboratorio. En 1897, Méliès construye en Montreuil el primer estudio de filmación de Europa y el segundo de la historia, tras el BLACK MARÍA de Edison, donde ejerció de autor, director, operador, actor y distribuidor . Allí, rodará Méliès cientos de películas, como Viaje A La Luna (1902) , 20.000 Leguas Bajo El Mar (1907) y ¡A La Conquista Del Polo! (1912) . Apuestas todas ellas que dan muestra del ingenio ilimitado de su talento, pero que suponen un esfuerzo económico demasiado grande para una reducida empresa de producción casi artesanal como la STAR FILM, que era el nombre de la productora de Méliès. Para entonces, las grandes sociedades europeas y norteamericanas, entre las que se encuentran la PATHÉ FRÉRES, la GAUMONT, la EDISON CO. y algunas otras, comienzan a consolidar sus potentes estructuras industriales, con las cuales las pequeñas productoras independientes difícilmente pueden competir. Su Cine La concepción del cine que adopta Méliès es puramente teatral. Sus películas

están divididas en cuadros o escenas, los actores entran y salen por los laterales y su gesticulación es exagerada, y por supuesto, la cámara, inmóvil, está ubicada en un único punto de vista ante el escenario. El elemento original lo aporta su autor, con esta extraña conjunción de elementos de la técnica fotográfica y de la teatral. Aunque hay que considerar que aporta al cine la continuidad narrativa, creando a través de las escenas una relación argumental que hasta entonces no existía. En 1906 la empresa de Méliès, la STAR FILM, entra en un proceso de decadencia

Historia > Países

El Cine va desarrollándose como exhibición en los espectáculos ambulantes, pero pronto encontrará un lugar en las ciudades, como atracción en algunos café-concierto en Francia y en los music-hall ingleses y americanos, como forma de entretenimiento en los espectáculos de variedades.

que le llevará en 1911 a aceptar una ayuda financiera de Charles Pathé, poniendo como garantía su estudio y el teatro Robert Houdin. Con el estallido de la guerra, Méliès, completamente arruinado, desaparecerá y no volverá a saberse nada de él hasta 1928. Es entonces cuando, tras catorce años de olvido, siendo ya un anciano, su figura es recuperada para Francia y para la Historia Universal del Cine.

Capítulo 6: Viaje a la Luna Capítulo 7: Al comienzo se habla de trucos y se puede ver  una de Méliès.

Historia > Países > Cine en Gran Bretaña La escuela de Brigthon En los inicios del cine, destacan algunos precursores como William Friese-Green que patentó un aparato "destinado a tomar fotografías en series rápidas", y Robert William Paul que partiendo de los modelos de Edison, no patentados en Inglaterra, construye en 1894 el kinetoscopio inglés, para el que creará, al año siguiente, una cámara portátil con la que producir sus propias películas. Una de las aportaciones más originales de este primitivo cine británico es la de la llamada Escuela de Brigthon, a la que pertenecen un grupo de profesionales iniciados tanto en la fotografía como en la incipiente cinematografía. Sus más insignes representantes son George Albert Smith y James Williamson, que comienzan rodando películas según el estilo Lumière, pero que pronto abordan pequeños relatos cómicos, dramáticos o de fantasía, para los que habrán de echar mano a algunos recursos narrativos muy innovadores. El movimiento de los personajes se realiza tanto a lo ancho como en profundidad, interrumpen el plano general de la acción para intercalar un plano más corto, un primer plano, que permita ampliar detalles. Aportaciones como éstas constituyen los pilares sobre los que habrá de construirse el montaje cinematográfico. También utilizan recursos innovadores como la sobreimpresión, la panorámica y el travelling.

Y aún hay más. En  Attack On A Chinese Mission Station (1900) , en la que Williamson reconstruye, desde una perspectiva colonialista, un episodio de la rebelión de los boxers, la acción se traslada, a lo largo de sus cinco minutos de duración, a través de cuatro cuadros o escenarios distintos, dando al relato una vivacidad y un sentido expresivo sin precedentes. Esta intencionalidad en el montaje de secuencias supone un paso hacia una narrativa propiamente cinematográfica, y un alejamiento de la vía teatral, muy presente en la obra de Méliès. Esta fragmentación del acontecimiento, narrado en varias secuencias, empleando el plano/contraplano y un boceto de acciones paralelas, la aplica Williamson a otro de sus hallazgos: la persecución, elemento esencial del cine de acción, de aventuras y del western. Frente a esta opción narrativa, ideada por Williamson, el genio teatral de Méliès se habría limitado a coreografiar la persecución sobre el escenario, en un único plano general y con la cámara inmóvil. Queda clara pues la aportación de esta escuela inglesa al nacimiento de una verdadera narrativa fílmica.

Historia > Países > Cine Estados Unidos Filmografía En 1896, Edison continúa obteniendo muy buenos beneficios de la explotación de su kinetoscopio pero, ante los logros de los competidores, decide lanzar un aparato de proyección, desarrollado por un inventor llamado Thomas Armat, y le dará el nombre de Vitascopio. En ese mismo año, se presenta en Nueva York el cinematógrafo Lumière. A partir de ese momento, el kinetoscopio, muy extendido, y el recién llegado vitascopio tendrán que competir con el invento francés y las películas de Edison con las de los Lumière. Sin embargo, la ventaja adquirida por la empresa francesa es importante, y la EDISON CO. tendrá grandes dificultades para competir con ella. Pero será por poco tiempo. En 1897, se aprueban importantes leyes proteccionistas que acabarán por expulsar del mercado norteamericano a los representantes de Lumière. A pesar de la difícil competencia de aquellos primeros años, la empresa de Edison también tendrá sus éxitos comerciales. En 1896, produce El Beso, que recoge un breve fragmento de una escena íntima de La viuda Jones, una comedia de Broadway de esos años. El primer beso del cine será un gran escándalo y provocará una airada reacción moral por parte de los sectores más conservadores. Vemos así como, en estos primeros años del cine, comienzan a prefigurarse algunos de los temas que más rentabilidad aportarán a la industria cinematográfica. Muestra de ello es la adopción del tema amoroso, que pronto derivará en el erotismo, y frente a esta opción, otra, no menos popular, la religiosa, que convertirá el drama de Cristo en uno de los motivos más veces escenificado ante la cámara.

Las primeras Productoras y "La Guerra de las Patentes" Desde que en 1897 se cierra en Estados Unidos el concesionario de los Lumière, tendrán lugar una serie de episodios que serán bautizados como "la guerra de las patentes", por ser una especie de lucha entre varias empresas y pequeños comerciantes por hacerse con el control de explotación del monopolio del cine a nivel internacional. La EDISON CO. y otras nuevas productoras como la BIOGRAPH CO. (conducida, entre otros, por un antiguo colaborador de Edison, William K. Laurie Dickson) y la VITAGRAPH aprovecharán las imprecisiones legales para vender como propias las películas de la competencia, en particular las europeas, de las que sacarán duplicados, hasta que la vigilancia legal termine haciéndose más rigurosa y decidan volver a rodar las películas, copiándolas sin demasiadas modificaciones. En 1908 se pondrá punto y final a esta situación. LA EDISON CO. conseguirá , después de 500 procesos judiciales, hacerse con el control de toda la industria, valiéndose de los derechos adquiridos por su patente del kinetoscopio y firmando un pacto con grandes empresas por el que se creará un trust internacional, la MOTION PICTURES PATENTS COMPANY, que estará encabezada, cómo no, por Edison.

Otras Aportaciones En el aspecto puramente cinematográfico, destacan, en estos años, las aportaciones de Edwin S. Porter, director artístico de la EDISON CO., que basará su labor creativa en un detallado estudio de las películas llegadas de Francia e Inglaterra. En ellas, Porter halla las primeras manifestaciones de un cine narrativo, al que Méliès aporta la puesta en escena, la Escuela de Brighton, la aplicación de importantes recursos narrativos en el montaje, y Ferdinand Zecca la integración de todos estos elementos dentro del relato. Porter adoptará estos avances en la realización de dos importantes películas: Salvamento En Un Incendio (Life Of An American Fireman,1902), y Asalto Y Robo De Un Tren (The Great Train Robbery, 1903). En ellas, Porter articula el desarrollo del relato a través de la alternancia de dos acciones paralelas y hace uso del primer plano con una funcionalidad narrativa específica. Se trata del primer plano de una alarma de incendios y de la mano que la activa. Este plano desencadena la puesta en marcha de los bomberos, en una relación causa efecto de continuidad entre planos. Porter mezcla escenas de ficción, en las que los bomberos son interpretados por actores, e imágenes documentales de trabajos del cuerpo de bomberos. El público no será consciente del origen diverso de los materiales y anulará sus diferencias como producto de la lógica del sentido que impone el relato. Aunque gran parte de la película está interpretada de cara a la cámara, como en el teatro, algunas de las escenas se desarrollan en profundidad. En  Asalto Y Robo De Un Tren, aparte de inaugurar un género típicamente americano, el western, constituye la primera película importante con argumento de ficción del cine

americano. Las otras productoras norteamericanas, la BIOGRAPH y la VITAGRAPH, también aportan una abundante producción cinematográfica pero sin la trascendencia de la obra de Porter. Destacan Escenas De La Vida Real (Scenes Of True Life) , una serie de películas de la VITAGRAPH, que suponen una aproximación realista a la vida cotidiana americana, y donde se opta, de manera decidida, por un radical distanciamiento del teatro. Si la Escuela de Brighton, Zecca y Porter habían insertado un primer plano en una escena desarrollada en plano general, en estas películas se utilizará este recurso de manera sistemática. La cámara se acerca a los actores y, como consecuencia lógica, su interpretación tendrá que ser más sobria, menos sobreactuada. A partir de este momento, se priorizarán los rostros de estas primeras estrellas, que rápidamente serán popularizadas por el cine. Estos recursos serán muy bien recibidos por los profesionales del cine europeo, que a partir de este momento llamarán al encuadre que muestra a "los actores sin piernas" con el nombre de plano americano. En 1901 se ponen en marcha los Nickel Odeons, en los que el público asistente tendrá que pagar un niquel  (5 centavos) por acceder a la sesión. En estos primeros años del nuevo siglo, aparecen los futuros grandes nombres del cine americano: Adolph Zukor, Carl Laemmle, William Fox y Marcus Loew. Todos ellos emigrantes judíos en busca de fortuna, que una vez dentro de este nuevo negocio, no dudarán en enfrentarse al trust de Edison.

Capítulo 6: (al comienzo) una muestra de Salvamento en un incendio , de Porter.

Historia > Países > Cine en Francia Charles Pathé y Otros Realizadores En 1896, Charles Pathé funda, en colaboración con sus hermanos, la PATHÉ FRÉRES, empresa dedicada al negocio del fonógrafo. Pero muy pronto entra a participar en la explotación del cinematógrafo, en la que se colocará a la cabeza, con la creación del primer gran imperio del celuloide, llegando a controlar la fabricación de aparatos y la producción, distribución y exhibición de películas a nivel mundial. La producción de películas de LA PATHÉ se inicia más adelante, con las típicas vistas al estilo Lumière, aunque pronto buscará nuevas fuentes de inspiración. Si Lumière crea el invento y Méliès el espectáculo, empresas como la PATHÉ FRÉRES y la GAUMONT en Francia, y la EDISON CO. en Estados Unidos, construirán la industria. Charles Pathé pone en marcha la organización industrial de su negocio con la contratación de técnicos y realizadores, y lanza a las primeras estrellas del cine. Pronto establecerá sucursales en toda Europa y América, y llegará a los rincones más alejados del planeta. También crea el primer noticiero cinematográfico, que a partir de 1908 recibe el nombre de Pathé Journal, y comercializa el Pathé-baby , un pequeño proyector para el hogar. Charles Pathé dejará los aspectos creativos en manos de sus realizadores. El primero y más importante será Ferdinand Zecca, cuyas películas son producto de la influencia, y en ocasiones de la imitación, de la obra de Georges Méliès y de la de la Escuela de Brighton. La característica distintiva de la obra de Zecca será su afán realista incluso al tratar temas fantásticos. De modo que al utilizar un determinado truco, éste es integrado en el relato como un recurso narrativo más, y no como base de la trama, cosa frecuente en las piezas de Méliès. Como muestra, en una de sus películas ubica la acción en un vagón de tren, realmente un decorado, en cuya ventana aparece un paisaje en movimiento. Posteriormente, este truco será perfeccionado por otros y empleado de forma sistemática.

Dentro de esta línea realista se inscriben sus escenas dramáticas, que se ajustan a la fórmula del folletín y del melodrama victoriano, aunque encubiertas bajo la apariencia naturalista de autores como Émile Zola, en cuyas obras se inspira Zecca para realizar Las Víctimas Del Alcohol  (1902) y La Huelga (1903). Temas sociales, de fuerte raigambre popular, que aborda la literatura naturalista, pero que Zecca reconduce hacia el melodrama y el folletín social con su capacidad para captar los gustos del público, incluso antes de que estos se manifiesten. En estos años, entra en la industria del cine francés otro gran empresario que habrá de convertirse en el más duro adversario de Charles Pathé, León Gaumont. Al igual que la de Pathé, su empresa se dedicará tanto a la fabricación y venta de aparatos como a la producción de películas. Más preocupado por los aspectos técnicos, dejará a cargo de la producción de películas a su secretaria, Alice Guy. Alice Guy es la primera directora de la historia del cine, dirigiendo unas doscientas películas entre 1886 y 1906 y precedió al mismo Méliès en la concepción del cine de ficción. En 1897, realiza el primer film de ficción, La Fée Aux Choux . En sus películas hace uso de trucos y de avances técnicos y, ya en 1906, hace películas acompañadas de sonido grabado en cilindros de cera. Emigró a New York en 1907 donde creó una productora y trabajó hasta 1920. Su papel ha tardado en ser reconocido ya que apenas se conservan una docena de muestras de sus películas. Cuando en 1907 abandona la Gaumont, le sucederá al frente de la producción Louis Feuillade, el cual será el realizador más importante de los próximos años en el cine francés.

Film dÁrt El agotamiento de los temas tratados en las películas, que todas las productoras repiten copiándose unas a otras, desencadena una progresiva pérdida de interés por parte del público en el que no forman parte las élites intelectuales que consideraban al cine un entretenimiento de barraca de feria. A pesar de ello, la competencia que le hace el cine al teatro comienza a ser importante, de ahí que, entre estos dos sectores, surja una colaboración que a ambos interesa. Los actores, músicos y dramaturgos verán en el cine una vía fácil de hacer buenos ingresos, mientras que la incipiente industria cinematográfica contará con su aportación y con su prestigio para superar la crisis de argumentos que atraviesa. Se recurre a los más reconocidos autores de la época, que escriben argumentos para el cine o adaptan los grandes temas del teatro clásico, y a los mejores actores de la Comédie Française para que interpreten estas piezas ante la cámara.

Con estos parámetros aparece en 1908 un nuevo movimiento impulsado por Los Hermanos Laffite, y organizado por la productora FILM D´ÁRT, que debuta en la sala Charras de París, con un programa múltiple en el que destaca El Asesinato Del  Duque De Guisa (L'assassinat Du Duc De Guise) . A esta presentación asiste lo más selecto de la sociedad parisina de la época, que acoge con los brazos abiertos, esta nueva fórmula, que trata de arrancar al cine de la barraca de feria y de la cervecería popular, pero que supondrá un retroceso en la evolución de la expresión puramente cinematográfica, ya que con estas producciones se retoma la estética teatral, según la cual la filmación se realiza en un único plano general y no incorpora, de ninguna manera, efectos de montaje. Las más celebradas figuras de la escena parisina, entre ellas la mítica Sarah Bernhardt, actúan delante de la cámara que, sorda a sus declamaciones, tan sólo registra la expresividad del gesto, en algunos casos excesivamente enfático y teatral. La sociedad de los hermanos Lafitte tendrá una vida breve, y sus escasas producciones obtendrán resultados económicos mediocres. Sin embargo, a partir de esta iniciativa, Pathé y Gaumont crean su departamento de arte y en Italia, Dinamarca y Estados Unidos aparecen nuevas productoras que imitan la experiencia de LA FILM D´ÁRT. Sin duda, la difusión de este modelo constituye, ante todo, una marcha atrás en la evolución que había experimentado el cine. Sin embargo, los pasos que se vienen dando en Estados Unidos, en estos mismos años, se encaminan en sentido contrario, y la llegada de esta tendencia teatral al país no podrá frenar los avances que allí se realizan en el desarrollo de un nuevo lenguaje cinematográfico.

Historia > Países > Cine en España El cine llega a España a través de los operadores de la Casa Lumière, con el objetivo de proyectar sus películas y de registrar nuevas vistas que habrán de nutrir el catálogo de la Casa. El encargado de hacer llegar a nuestro país el cinematógrafo Lumière será un operador llamado Eugene Promio. Él fue el primero que grabó una imagen para el cine emplazando la cámara en una góndola, que avanzaba en un canal de Venecia, creando así un nuevo estilo de "escenas panorámicas". En 1897, Eduardo Jimeno rueda con un aparato de la casa Lumière, Salida De La Misa De Doce Del Pilar De Zaragoza . El barcelonés Fructuoso Gelabert fabrica su propio aparato, y, con Santiago Biosca de operador, rueda en 1897, Riña En Un Café, Salida De Los Trabajadores De La España Industrial  y Salida De La Iglesia De Santa María De Sans . En 1902, el operador aragonés Segundo De Chomón, uno de los técnicos más geniales del cine mundial, descubrió un sistema para animar objetos. También inventó los dibujos y los muñecos animados, los fondos transparentes y los movibles, y las cámara sobre ruedas. Además, ideó una proceso para películas en color. En 1905, realiza El Hotel Eléctrico , película con trucos rodada por el procedimiento de "paso de manivela" o "imagen por imagen" que aplica el principio en que se basará el cine de animación. Chomón había trabajado en París desde 1895, siendo el único que podía competir con la espectacularidad de los trucos de Méliès. En Barcelona creó unos estudios y realizó en 2 años 48 películas de diversos géneros, pero siempre con trucajes. A partir de 1905 fue contratado por PATHÉ FRÉRES para colaborar en diversas producciones y en la dirección de algunas películas breves. En Italia, participará en Cabiria (1913), una de las películas del cine italiano que, en estos años, se decanta por el gran espectáculo, con grandes producciones aparentemente muy ambiciosas, como Quo Vadis (1912) o Espartaco (1912), pero en las que, ante todo, primará la fastuosidad de la producción. Los únicos hallazgos de estas películas serán técnicos y escenográficos, en los que el operador español realizará sus aportaciones con la puesta en práctica del procedimiento del travelling o carrello, que Segundo de Chomón ya ha empleado en la Pathé, y con la utilización de efectos de iluminación artificial mediante reflectores y pantallas. También realizó trucajes en El Negro Que Tenía El Alma Blanca (1926), y en Napoleón, de Abel Gance.

Capítulo 7: al comienzo se pueden ver imágenes de Cabiria y de Le pied de mouton

Historia > Cine Mudo La evolución de la industria cinematográfica está estrechamente ligada al desarrollo de los acontecimientos económicos, sociales y políticos. Así, la irrupción de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) repercute sobre la situación del mercado cinematográfico mundial, alterando, de manera decisiva, la posición alcanzada por las diferentes cinematografías nacionales. Los países que participan en la contienda verán disminuir su producción de películas, especialmente Francia que antes de la guerra acapara el 80 por 100 de los mercados mundiales, pero que muy pronto será incapaz de atender su propia demanda. Estos serán los años en los que el cine norteamericano, aprovechando el receso en la producción francesa, vivirá su gran desarrollo, tanto a nivel industrial como artístico, sentando las bases sobre las que habrá de construirse el nuevo arte.

Historia > Cine Mudo > Francia

En estos años, la casa GAUMONT compite con la PATHÉ, ampliando la producción de películas. En 1911, Feuillade entra como director artístico y responsable de la producción de la GAUMONT e inicia una serie que, frente a la tendencia teatral imperante, supone un retorno al realismo, devolviendo al cine su sentido de la actualidad. En la serie La Vida Tal Como Es (La Vie Telle Qu'elle Est) , se incorporan importantes avances técnicos, decorados más realistas, la sobriedad en la interpretación de los actores, la creación de algunos efectos a través de la iluminación artificial y la aplicación del primer plano. Después realiza Fantomas, un excelente policíaco por episodios, con una inspiración fantástica que inspirará a los surrealistas; y que incluso sugerirá ideas a Buñuel para utilizarlas en La Edad De Oro, en 1930. Feuillade continúa durante la guerra (1914-1918) con otras dos obras por episodios: Les Vampires y Judex. En la serie Les Vampires actúa Musidora, que, además de actriz, novelista, poeta, y pintora, es realizadora. Sus raíces son feministas y convive con el surrealismo y el cine Avant-garde. Sólo se conserva una de sus 10 películas, Soleil Et Sombre. También, en este período, aparecen los primeros cómicos de la pantalla, "tipos", que con sus bufonadas adquieren gran popularidad. A menudo, ruedan en la calle peleas y persecuciones a las que los cómicos incorporan caídas y acrobacias imposibles. El gran innovador de la escuela cómica francesa será Max Linder, que entre 1911 y 1913 alcanza su etapa de mayor éxito, siendo considerado, en esos años, el actor más popular de toda Europa. Algunos rasgos de su personaje, como el sombrero, el bigote o sus andares, serían copiados por Chaplin.

Historia > Cine Mudo > Estados Unidos Los Independientes

En 1913, se pone en marcha un proceso judicial auspiciado por los Independientes - un grupo de inmigrantes judíos de origen centroeuropeo en su mayoría - que se dedican a la exhibición y producción de películas, y que pretenden terminar con el monopolio del comercio que desde 1908 está en poder del trust de Edison, la MOTION PICTURES PATENS COMPANY. En 1917, el Tribunal Supremo de Washington pronuncia una sentencia favorable a los Independientes, dando por finalizado el sistema monopolista de Edison. A partir de este momento, las firmas primitivas, incluida la EDISON CO., irán desapareciendo y serán los Independientes quienes tomen el relevo.

El Western

Antes de que se disuelva el monopolio de Edison, algunos de los Independientes abandonan las ciudades, desplazándose a las lejanas regiones del Oeste, con el fin de esquivar las frecuentes disputas legales. Allí hallarán una gran variedad de paisajes, una brillante iluminación natural y un clima constante durante prácticamente todo el año, condiciones muy propicias para el rodaje en exteriores. Y será en esas regiones donde habrá de nacer el género americano por excelencia, el western. Aunque el western ya contaba con algunas obras como  Asalto Y Robo De Un Tren, de Edwin S. Porter, es en este entorno privilegiado donde comenzará a tomar forma cinematográfica la epopeya del Oeste, adoptando la mitología propia de la conquista y la colonización del territorio, aún recientes en la historia. Los westerns provocarán una verdadera conmoción formal y temática. También aparecen las primeras figuras con enorme popularidad, como Broncho Billy y Tom Mix. Uno de los directores que más aportará a este nuevo género es Thomas H. Ince. Él creará en 1913 un nuevo cow-boy, Río Jim, interpretado magistralmente por William Shakespeare Hart y conocido como "el hombre de los ojos claros". Pero además, Ince empieza a dar protagonismo a la naturaleza, y sus westerns son dinámicos y visuales. La labor realizada por Ince es ingente; entre las películas que produce,dirige, supervisa o monta personalmente, y aquellas cuyo guión es obra suya, ronda los 800 títulos. Además, aporta al cine una teoría de la división del trabajo, según esquemas muy férreos, a partir de un guión muy rígido, que ha de ser respetado en todas las fases de la realización del film, para asegurarse de que todas las películas llevarán su estilo. Es por ello, el primero en incorporar un guión escrito a la realización, ya que anteriormente la dinámica habitual consistía en improvisar sobre un argumento desarrollado en unas breves notas. Nuevas Productoras

Los Independientes acabarán estableciéndose a la cabeza de la industria cinematográfica en Norteamérica. Adolph Zukor, tras el éxito alcanzado con la importación de Elizabeth, Reina De Inglaterra (La Reine Elisabeth) , protagonizada, en 1912, por Sarah

Bernhardt, pone en marcha su empresa ACTORES FAMOSOS EN OBRAS FAMOSAS (FAMOUS PLAYERS IN FAMOUS PLAYS). Pero no tardará en despojar al incipiente STAR-SYSTEM de la carga teatral del FILM D'ART. Durante estos años surgirán estrellas de la talla de Mary Pickford, las hermanas Lillian y Dorothy Gish, Douglas Fairbanks, el cómico Mack Sennett y nuevos nombres como Rodolfo Valentino y Theda Bara. Las estrellas facilitarán el éxito a Hollywood en todos los mercados del mundo. Además, Zukor crea en colaboración con otros empresarios, la PARAMOUNT, una corporación que controla una red de más de cinco mil salas por todo el país, y produce películas de alto costo y larga duración, al ritmo de un lanzamiento de gran calidad a la semana. Carl Laemmle, otro independiente, fundará la UNIVERSAL. Los Hermanos Warner, la WARNER BROS.

Wilhelm Fuchs, que pronto adoptará el nombre de William Fox, será el padre de la FOX. Samuel Goldfish, que también cambiará su nombre pasando a llamarse

Samuel Goldwyn, creará con Marcus Loew la METRO-GOLDWYN-MAYER .

Zukor seguido por los demás Independientes establece los primeros modelos efectivos de organización industrial, algunos de los cuales aún se aplican en la actualidad. Sin embargo, en la conformación del relato cinematográfico, quedan aún caminos por trazar. Será David Wark Griffith quien, utilizando sistemáticamente recursos cinematográficos diversos, inaugure una verdadera narrativa fílmica. La Comedia

En estos años, la escuela cómica norteamericana toma el relevo de la francesa y, de la mano del director Mack Sennett, inaugura la "edad de oro" de la comedia. Es la época de los cortometrajes cómicos, de uno o dos rollos, que se pasan dentro de un programa múltiple, junto con el noticiario de actualidad y antes de la película central. Pero aumenta su demanda, lo cual favorecerá el desarrollo del género. En 1912, Mack Sennett participa en la fundación de la productora KEYSTONE, y con las Keystone Comedies conquista a todos los públicos. Sennett lanzará a los mayores talentos cómicos del momento. Charles Chaplin, Roscoe "Fatty" Arbuckle, Buster Keaton, Harold Lloyd y Gloria Swanson, entre otros, actuarán en las Keystone Comedies. Sennett desarrollará, en una absoluta libertad, un estilo que tiene su motor en la vocación destructiva del artista. Las persecuciones frenéticas, las carreras y las caídas, las batallas con tartas de crema o a porrazo limpio, forman parte de un mundo de destrucción del que no escapa nadie. Sennett muestra especial pasión por la ridiculización del orden establecido, eligiendo como blanco a aquellos que detentan la autoridad. Han pasado a la historia sus ridículos policías, los Keystone Cops, y sus atractivas bañistas, las "bathing beauties". Este modelo cómico propuesto por Sennett recibe el nombre de "slapstick", y cada una de las unidades cómicas que lo componen, se llaman gags. En 1915, tres firmas independientes se unen para formar la TRIANGLE PICTURES CORP. Cada una de ellas aportará su respectivo director artístico: Thomas H. Ince, D. W. Griffith y Mack Sennett. Quedan así ligados los tres creadores que más aportaciones han hecho al cine norteamericano en unos años decisivos para el nacimiento del séptimo arte. Capítulo 6: imágenes de Intolerancia (6´50"). Capítulo 7: idem (hacia la mitad). Capítulo 10: "Los géneros". (8´53") Mack Sennet  El  romance de Charlot .

Historia > Cine Mudo > Suecia Suecia se incorpora a la producción cinematográfica a partir de 1907, con la productora A. B. SVENSKA BIOGRAF-TEATERN. En ella debutarán, en 1912, dos artistas procedentes del teatro, Mauritz Stiller y Victor Sjöström. Ellos conducirán a la cinematografía sueca a un lugar de excepción en el panorama internacional. En los primeros años, reciben influencias de los melodramas mundanos del cine danés. Pronto se inspirarán en la tradición literaria nórdica, con su carga poética. Una influencia temática que podría conducir a una estética teatral similar a la del FILM D'ART francés. No será así, estos directores buscarán nuevas formas de expresión para poder profundizar en la psicología de los personajes. Además ven en los westerns de la TRIANGLE que la naturaleza toma protagonismo dentro de la épica del relato, y ellos la incorporarán como recurso dramático de la narración. La naturaleza, expuesta en toda su grandeza, participa del drama íntimo de los personajes y juega un papel esencial en el desenlace dramático de los acontecimientos. Un recurso de evidente raíz expresionista que posteriormente será empleado por Friedrich Wilhelm Murnau. Sjöström, con su crudo realismo, es uno de los grandes del cine. Además de realizar importantes películas, potenció a Ingmar Bergman. Las obras de la escuela sueca provocarán en todo el mundo una verdadera conmoción estética. También, Stiller descubre a una joven actriz llamada Greta Lovisa Gustavsson, más conocida como Greta Garbo. Stiller, Sjöström y Garbo, acabarán marchando a Hollywood en los años veinte.

Historia > Cine de Posguerra

En el tiempo de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) , el cine ha superado ya sus primeros veinte años de vida. Han quedado atrás los esfuerzos que condujeron a la invención del cinematógrafo, las luchas por su patente, el nacimiento del espectáculo y la puesta en marcha de la industria. Muchos habrán de incorporarse, a partir de ahora, a la búsqueda de una nueva expresión puramente cinematográfica, ante la que se abren múltiples caminos a explorar. Las primeras escuelas han brillado de manera fugaz, para luego desaparecer. Otras lo harán a partir de ahora.

Historia > Cine de Posguerra > Francia La Escuela Impresionista Tras la guerra y frente a la hegemonía alcanzada por el cine americano, se hace necesario volver a levantar la industria cinematográfica francesa. En este sentido destaca la labor realizada por un grupo de artistas con una profunda formación intelectual, encabezados por Louis Delluc, teórico, crítico y fundador de varias revistas que, a partir de 1920, se pasa a la dirección. Influido por el cine norteamericano y más por el sueco, opta por un cine psicológico, que intenta librar a la imagen de la materia, mostrando visualmente el pensamiento, el alma de los personajes. En torno a Delluc, surge un grupo de artistas, próximos en su afán innovador y vanguardista, que rechaza el cine como una mercancía para las masas. Es la Escuela Impresionista en la que destacan: Marcel L'Herbier (cuya aportación más destacable es la estilización que imprime a los decorados de fuerte influencia cubista y expresionista), Abel Gance y Jean Epstein que sorprende con la sutileza de su inteligencia en la captación de la realidad social La Escuela impresionista cuenta con un nutrido grupo de estudiosos y teóricos, habituales de los Cine-Clubs, término creado por Louis Delluc, fundador además del primero de la historia, en 1920. A la organización e impulso de los cine-clubs contribuye Germaine Dulac, teórica formada en varias artes, que comienza en 1915 con películas convencionales, pero que será la iniciadora del cine  Avant-garde (lo que hará Maya Deren 30 años después en EEUU) con películas que aspiran a la abstracción y que dan más espacio a los sentimientos y a los sueños. En 1927 hace la primera película surrealista de la Historia del cine. Otro teórico, el italiano afincado en París Riccioto Canudo, empleará por primera vez la expresión "Séptimo Arte", en 1914, en su Manifiesto de las siete artes.

Movimientos Vanguardistas En el seno de este ambiente inquieto e intelectual, surgirán a partir de 1920, las primeras vanguardias cinematográficas que, dentro de la senda abierta por los impresionistas, buscarán formas de expresión más osadas y provocativas. Primero adoptarán la forma de la abstracción y el geometrismo pero, a partir del manifiesto de André Bretón, el cine experimental francés incorpora la revolución estética del movimiento surrealista. Una de las aportacionaciones más brillantes al movimiento es la realizada por el español Luis Buñuel, que en 1925 llega a París, y tan sólo 3 años después dirige su primer film, Un Perro Andaluz (Un Chien Andalou) , una obra fiel al ideario surrealista, producida en colaboración con Salvador Dalí. En 1930, Buñuel dirige La Edad De Oro (Láge D´or ), otro hito surrealista. Junto a Buñuel, son muchos los artistas extranjeros que irán a París. Destaca el danés Carl Theodor Dreyer que realiza en 1928 La Pasión De Juana De Arco (La Passion De Jeanne D´Arc), una obra clásica del cine mudo, construida con primeros planos dramáticos, y modelo por la sobriedad en el tratamiento de los hechos. Las versiones a las que podemos acceder son variaciones de la original que se destruyó. También en estos años, el cineasta brasileño Alberto Calvacanti realiza una obra importante, en la que ya se vislumbra la vocación documentalista del autor que, a partir de 1934, habrá de integrarse en la célebre escuela documentalista inglesa. Además, destacan durante los años 20 Jean Renoir y René Clair . Si bien Renoir realiza sus mejores trabajos con la llegada del cine sonoro, la obra muda de Clair sí  que resulta muy representativa del cine francés de estos años. Sus primeras películas se inscriben dentro del vanguardismo cinematográfico, pero a partir de 1927, con la adaptación al cine del vodevil Un Sombreo De Paja De Italia (Un Chapeau De Paille D´Italie) la obra de Clair adopta un inofensivo carácter satírico, con el que retrata a la sociedad burguesa de su tiempo. A partir de este momento, Clair desarrolla un talento especial para el tratamieno de la farsa, a través de la caricatura, fría y calculada, de una época y de sus tipos.

Capítulo 11: "Movimientos" (10´) Un perro andaluz.

Historia > Cine de Posguerra > Alemania Durante la guerra, el gobierno alemán pone en marcha la creación de una empresa de producción cinematográfica, con la que abastecer de películas propias a las salas del país. De esta iniciativa surge en 1917, la U.F.A. (UNIVERSUM FILM A.G.), con espectaculares reconstrucciones históricas de alto costo. Alguna dirigidas por Ernst Lubitsch, que más tarde, en 1923, marcha a Hollywood donde dará al cine algunas de las comedias más perspicaces de la historia. La espectacularidad en la reconstrucción de los acontecimientos es deudora de las grandes puestas en escena de Max Reinhardt, renovador del teatro alemán de la anteguerra, en cuya escuela se formarán los más importantes artistas del nuevo cine alemán. La Escuela Expresionista

La cinematografía alemana se verá pronto enriquecida con la incorporación de un universo temático y formal procedente de la Escuela expresionista, que nace como movimiento pictórico de vanguardia, en Munich, hacia 1910. El expresionismo propone una interpretación subjetiva de la realidad que, desde la óptica del artista, se presenta totalmente distorsionada. En 1919 El Gabinete Del Doctor Caligari (Das Kabinett Des Dr. Caligari) produce una ruptura estética, que en el cine dará forma a un universo de fantasía, poblado por personajes de pesadilla. En esta obra aparecen ya, claramente definidas, todas las propuestas formales y temáticas del movimiento expresionista. Los decorados son realizados por el grupo Der Sturm y la historia muestra a Cesare, un médium que, bajo la influencia hipnótica del macabro doctor Caligari, comete una serie de crímenes espeluznantes. Con esta obra, sus guionistas, Carl Mayer y Hans Janowitz, plantean una metáfora de difícil interpretación, en la que Caligari sería el Estado alemán y Cesare represantaría al pueblo, arrastrado por sus gobernantes a la guerra. Esta denuncia política desaparecerá del guión definitivo con la incorporación al proyecto del realizador Robert Wiene. Éste añade dos escenas nuevas, una al principio y otra al final, con las que altera de manera decisiva la historia, que pasa a ser el relato de un loco. Pero, estos cambios temáticos no limitarán en manera alguna las innovadoras contribuciones plásticas de esta obra: Creando una atmósfera inquietante, con decorados de líneas oblícuas, inestable y de proporciones deformadas. Los actores, con maquillajes y vestuario sorprendentes, estilizan sus movimientos y la interpretación para integrarse en esa escenografía alucinante. Falsos efectos de iluminación, pintando luces y sombras sobre los decorados. Paul Wegener y Stellan Ray dirigen la hermosa película El Estudiante De Praga (Der Studen Von Prag, 1913). Paul Wegener y Henrik Galeen recuperan, con El  Golem (Der Golem, 1920), una antigua leyenda judía-checa; Paul Leni narra, en El 

Hombre De Las Figuras De Cera (Wachsfigurenkabinett, 1924), las macabras visiones de un joven poeta en un museo de cera; Friedrich Wilhelm Murnau alcanza las más altas cotas artísticas dentro de este estilo con Nosferatu, El  Vampiro (Nosferatu, Eine Symphonie Des Grauens, 1922), adaptación libre de la novela Drácula de Bram Stoker. Murnau sustituye el rodaje en estudio y los decorados expresionistas por la filmación en exteriores naturales, escogiendo minuciosamente los rincones urbanos y los paisajes. Con este cambio de elementos fantásticos en un entorno real, Murnau confiere al relato una inquietante veracidad. La Escuela expresionista muestra predilecciónpor los temas fantásticos de antiguas leyendas o de oscuros escenarios de terror. Una tendencia que muchos estudiosos reconocen como claro reflejo de la inestable situación política y social que atraviesa la recién inaugurada República de Weimar. Otra figura importante de esta escuela es Fritz Lang que, habiendo estudiado arquitectura y Bellas Artes, aportará al expresionismo una nueva concepción arquitectónica y monumental que encuentra su pleno desarrollo en Los Nibelungos (Die Nibelungen, 1923-24), colosal epopeya germánica en la que se anuncia el renacimiento de un misticismo racial que abrirá camino al nazismo. Metrópolis (Metropolis, 1926), su siguiente película, es un endeble relato futurista, que presenta una sociedad dividida según su raza en dos estamentos fundamentales: el de los señores y el de los infrahombres, esclavos que viven bajo tierra, sometidos al poder de las máquinas. Se trata de una narración panfletaria en la que el señor, que representa al capitalismo, libera a sus obreros de la tiranía de una maquina, una mujer-robot. El film finaliza con la reconciliación entre capitalismo y trabajo. La autora de este guión y del de Los Nibelungos es Thea Von Harbou, esposa de Lang y luego militante nazi, a quien se ha considerado responsable última de la inclinación ideológica en ambas obras. A la escasamente estimulante narración de Metrópolis, Lang incorpora su dominio en la articulación de espacios, volúmenes y

claroscuros, aportando a la historia del cine algunas de las imágenes más revolucionarias y llevando al expresionismo arquitectónico a su más alto nivel artístico. Capítulo 1: (al final) Homenaje de Ettore Scola a Metropolis. Capítulos 7: Metropolis y Capítulo 11 Metropolis y  Nosferatu.

La Kammerspislfilm

Mientras el expresionismo evoluciona rápidamente con nuevos efectos de iluminación, decorados mas perfectos y, en algunos casos, escenarios naturales, surge otra corriente dentro de la escuela alemana: una reacción realista que se inspira en las experiencias escénicas desarrolladas por Max Reinhardt en el Kammerspiel o Teatro de cámara. Se trata del Kammerspielfilm, que abandona los temas fantásticos y los decorados expresionistas, para intentar una aproximación al drama cotidiano de unos personajes sencillos, inmersos en un espacio reducido, la modesta vivienda, que, sin más atributos, adquiere aquí un carácter claustrofóbico. Una propuesta impulsada, en gran medida, por la labor del guionista Carl Mayer, cuyos dramas resultan excesivamente simplistas y aún algo teatrales. Directores importantes se sentirán atraídos por esta corriente del expresionismo, en la que aportarán al cine alemán algunas de sus más grandes obras cinematográficas. Tal es el caso de Murnau, que con El Último (Der LetzteMann, 1924), conduce al cine alemán, con éxito, del expresionismo al más puro realismo social. Pero además, no deja de innovar en el lenguaje plástico aportando a la narración la dinámica de una cámara en constante movimiento, ya sea a través de travellings subjetivos (atando la cámara al pecho del operador), travellings circulares y movimientos de grúa (ubicando la cámara en el extremo de una escalera de incendios). De este modo, con Murnau, la cámara queda definitivamente liberada de su estatismo. Tras Tartufo (Tartüff, 1925), adaptación libre de la obra de Molière, y Fausto (Faust, 1926), Murnau, que se encuentra en el momento más alto de su carrera, abandona su país y, como tantos otros, marcha a Hollywood. La Corriente Realista

La reacción realista iniciada por el Kammerspielfilm será ampliamente rebasada por un grupo de cineastas alemanes, de los cuales destacará George Wilhelm Pabst que, en 1925, realiza Bajo La Máscara Del Placer (Die Freudlose Gasse). Con esta película, el cine alemán inaugura una tendencia profundamente realista y polémica, de marcado carácter social, que además abandona definitivamente las últimas reminiscencias de la estética teatral presentes en el expresionismo. Una corriente realista que refleja las miserias de una sociedad en decadencia, sometida al desequilibrio económico que atraviesa el país. Así se convierte el cine en vehículo de transmisión de la realidad social de un momento histórico concreto, primer paso en la configuración de un cine comprometido social y políticamente.

Historia > Cine de Posguerra > Cine Soviético El Cine Prerrevolucionario

La producción de la Rusia prerrevolucionaria es poco valiosa. En 1896, Moisson y Doublier, operadores de LA CASA LUMIÈRE, ruedan La Coronación Del Zar Nicolás II (Le Couronnement Du Tsar Nicolas II) . Pronto llegan hasta allí las sucursales de LA CASA PATHÉ y no será hasta 1907 cuando se abran las primeras productoras nacionales de importancia. En 1917 estalla la revolución que llevará a los bolcheviques al poder, constituyéndose un gobierno presidido por Lenin, que proclamará la dictadura del proletariado. Se hace necesaria, entonces, la aplicación de un instrunento que pueda llegar, de forma masiva, a todo el pueblo, en su mayoría analfabeto. De ahí que el cine, junto con la radio, se convierta en el medio más poderoso de comunicación social, y su industria pase a depender del comisariado de Educación del Pueblo, a través de un decreto de nacionalización, que tendrá como primera consecuencia la inminente creación de la ESCUELA CINEMATOGRÁFICA DEL ESTADO (G.I.K.). El Cine Postrevolucionario

En los años que siguen a la revolución, la escuela soviética dará muestras de una gran autonomía en su personalidad debido en parte a que las influencias exteriores llegan allí con retraso. Inmersos en una atmósfera vanguardista, producto del clima posrevolucionario, un grupo de jóvenes creadores aportará una nueva y revolucionaria dimensión a la expresión cinematográfica. Lev Vladimirovic Kulechov, joven cineasta y profesor del Instituto de Cine, inaugura en 1921, el Laboratorio

Experimental. Allí realizará diversos experimentos encaminados a demostrar el poder del montaje en el cine. Algunos de ellos serán incorporados, con el paso de los años, a todos los manuales de técnica cinematográfica. Kulechov realiza importantes películas entre las que destaca una simpática sátira titulada Las Aventuras Extraordinarias De Mr. West En El País De Los Bolcheviques (Neobycaynye Prikljucenija Mistera Vesta V Strane Bolseviok, 1924) .

También, en esta línea vanguardista, se enmarcan los trabajos experimentales de LA FEKS (FABRIKA EKSTENTRICESKOVO AKTJORA) o FÁBRICA DEL ACTOR EXCÉNTRICO fundada en 1922, que inspirada en los movimentos escénicos más innovadores y en los recursos del circo y del Music-hall , propone un cine de carácter burlesco emparentado con la Commedia Dell'art Italiana . En estos años, también sobresale la obra del polaco Dziga Vertov que se traslada muy joven a Moscú y se convierte en uno de los grandes documentalistas de la historia del cine. Vertov está muy unido a los movimientos artísticos de vanguardia, como el constructivismo y el suprematismo de Malevich. Sus propuestas en el cine son revolucionarias, eliminando los recursos artificiosos, el guión, los actores, la iluminación artificial y los decorados. Él se propone captar la realidad y se hace famoso con el movimiento "El cine-ojo" y con el noticiario "El cine-verdad" (KINO-PRAVDA), en los que aplica sus teorías, y con los que influye en la teoría y la práctica del cine documental. Etapa de Madurez

A estas interesantes propuestas teóricas y experimentales, se une pronto la ingente labor de un grupo de jóvenes artistas que conducirán al cine soviético a su etapa de madurez, imponiéndose como una de las cinematografías más avanzadas del mundo. El más importante es Sergei Mijailovich Eisenstein. También es relevante la figura de Vsevolod Iliarionovic Pudovkin . Tanto en las películas de Pudovkin, como en las más intelectuales de Eisenstein, se impone una revolución común, la del montaje, aplicado hasta sus últimas consecuencias, y la de sus imágenes, llevadas al límite del realismo. A partir de este momento, se puede decir que el cine ha alcanzado la madurez. En 1930 Alexander Dovjenko realiza La Tierra, una lírica y hermosa obra maestra, una visión conmovedora de la vida campesinas que supera la propaganda política. Ésta película, con elementos como la conexión de imágenes sin relación directa con el argumento y su lenguaje poético, ha influido en muchos directores. Capítulo 6: "El Montaje" (7´46") La Madre, (8´ 00") El  efecto Kulechov, (8´46") Octubre. Capítulo 3: "Dirección" (30´0") Potemkin. Capítulo 11: "Los Movimientos".

Historia > Cine de Posguerra > Estados Unidos El Star-System Durante los años de la Primera Guerra Mundial, la producción cinematográfica norteamericana alcanza su pleno desarrollo, convirtiéndose en una de las industrias más prósperas del país; por ello, cuando el conflicto alcanza su fin, en 1918, Estados Unidos se encuentra a la cabeza del mercado cinematográfico mundial. En esta situación, los presupuestos de las películas aumentan de manera considerable y, con el fin de minimizar los riesgos, se generaliza la aplicación de los modelos organizativos desarrollados por Adolph Zukor. Sin embargo, el éxito de una producción dependerá de la popularidad de los actores y actrices que participan en ella, y uno de los trabajos más importantes será su promoción. Así aparece la nueva industria: el Star-System. En 1922, las principales empresas se agrupan en torno a LA MOTION PICTURE PRODUCERS & DISTRIBUTORS OF AMERICA INC., organismo encargado de establecer una normativa que articule el funcionamiento interno de las empresas y sus relaciones. Pero el presidente de esta asociación, el ex-ministro republicano Will Hays, irá más allá en el desarrollo de sus funciones y redactará un célebre código moral, el Código Hays, al que se verá sometida la industria de Hollywood a partir de 1930.

Capítulo 4: "Las estrellas de la pantalla".

Las Superproducciones En los años 20, la joven industria norteamericana vive su mejor momento, lo que le permitirá hacerse con algunos de los más reputados profesionales europeos, sobre todo alemanes. Antes de que esto ocurra, la influencia del cine alemán y de las grandiosas reconstrucciones históricas de Ernst Lubitsch, alcanzará a Estados Unidos, donde comienzan a producirse películas espectaculares de alto costo como El Ladrón De Bagdad (The Thief Of Bagdad, 1924) o Ben Hur  (1926).

Cecil B. De Mille es el cineasta quie lleva este género grandilocuente al límite de sus posibilidades con la producción de una serie de obras adaptadas de la Biblia. La primera es Los Diez Mandamientos (The Ten Commandments, 1923) , pieza que volverá a versionar con gran éxito en 1956. También son los años del western, género en el que comienza su carrera el director John Ford, y sobre todo de la escuela cómica norteamericana, que inaugurara Mack Sennett antes de la guerra, y que, en el momento actual, se encuentra en plena madurez, con figuras de la talla de Buster Keaton, Harold Lloyd, Stan Laurel Y Oliver Hardy, más conocidos como "El Gordo y el Flaco", y por supuesto, Charles Chaplin.

El genial Buster Keaton trasciende lo cómico con sus extraordinarios Gags de particular poética. Se trata de un realizador y actor magnífico que muestra su inocencia perpleja ante la grotesca crueldad del entorno, en obras maestras como El  Maquinista De La General (The Genera l, 1927), The Cameraman (1928), The Navigator (1924), y muchas otras. Por otro lado, surge en estos años un cine americano que, al igual que la literatura del momento, adopta un estilo directo, tomado de la crónica periodística. Muestra de ello es la obra del estadounidense King Vidor, en la que destaca la película Y El  Mundo Marcha (The Crowd, 1928) , retrato de la realidad social norteamericana del momento, en el que un modesto empleado trata de ascender, inútilmente, en la escala social. Lois Weber es la única directora en la época muda y además es la directora más importante del cine americano, ya que sus obras eran iguales o mejores que las de sus colegas. Sin embargo, se ve obligada a hacer cine independiente. Too Wise Wives y The Blot , de 1921, son muestras de su calidad, con caracterizaciones y una preocupación por los detalles en el estilo que destacará más tarde a directores como Bergman o Altman.

Capítulo 10: (7´45") Lloyd, Keaton, Sennet y Chaplin. Capítulo 8: (Comienzo) Keaton

Europeos en Hollywood

El cine romántico también alcanza relevancia, sobre todo con la figura de Greta Garbo que llega a Hollywood procedente de Suecia, junto con los más importantes directores de aquella cinematografía: cinematografía: Mauritz Stiller y Victor Sjöström. Sjöström realizará, entre otras películas importantes, una obra maestra, El Viento (The Wind , 1920). Pero frente al éxito de la Garbo, tanto Stiller como Sjöström, al igual que muchos otros cineastas llegados de Europa, hallarán gran dificultad a la hora de abordar una producción de calidad en el seno de una industria que prioriza la rentabilidad económica y que se rige por un sistema de producción en cadena. Otros europeos, como los alemanes Ernst Lubitsch y F.W. Murnau y los austríacos Josef Von Sternberg y Erich Von Stroheim, realizarán algunas de las obras más importantes del cine americano de estos años. A Lubitsch se debe el comienzo de la alta comedia americana, que basa su acción en ligeros enredos resueltos con genialidad. Lubitsch marcará un estilo propio de comedia fina, humor discreto, sabia ironía y excelente puesta en escena. Por su parte, Murnau llega a Hollywood precedido por el prestigio de su obra alemana, lo cual le permitirá afrontar sus proyectos con total libertad. En su película americana más reconocida,  Amanecer (Sunrise, 1927), 1927) , Murnau incorpora, de forma coherente, dentro de un universo plástico dotado de fuertes connotaciones pictóricas, tanto elementos procedentes de su experiencia artística previa en la Escuela expresionista alemana, como del más puro realismo americano. Murnau morirá prematuramente, aunque antes logrará finalizar una última obra maestra realizada en los archipiélagos de Polinesia y que se inscribe dentro del género documental: Tabú (1930). (1930).

Capítulo 11: (10´0") Amanecer, y al final del  Capítulo 12.

El austríaco Josef Von Sternberg, inaugura el género de cine de gansters con La Ley Del Hampa (Underworld, 1927) . Sternberg aporta, al tratamiento de la historia y de los personajes, un preciso análisis de tipos y del entorno social en el que se mueven, y una visión romántica de la rebeldía, próxima al anarquismo, que no abandonará a lo largo de toda su filmografía. En esta misma línea realista, destaca la obra de Erich Von Stroheim, que muestra, desde una óptica personal, un universo decadente y perverso, y analiza los aspectos más bajos de la condición humana. Esta actitud moral de Stroheim ante los acontecimientos narrados está presente de forma manifiesta en toda su obra, especialmente en Esposas Frívolas (Foolish Wives, 1921 ), en Avaricia en  Avaricia (Greed, 1923) y en La Reina Kelly (Queen Kelly), Kelly) , que no llega a finalizar y que supone, además, el fin de su carrera como realizador. Y es este posicionamiento moral el que habrá de depararle el rechazo de parte de la profesión, de la crítica y, por supuesto, de los censores.

Historia > Autores > David Wark Griffith Cuando Griffith comienza su producción de películas, el cine se encuentra dando aún sus primeros pasos. Apenas habían transcurrido veinte años desde que los hermanos Lumière estrenaran su Tren Llegando A La Estación en el salón Indien de París. Y aunque las salas de exhibición ya podían nutrirse de un elevado número de pequeñas producciones, el cine no pasaba de ser considerado como una atracción menor, como un divertimento sin más valor en sí mismo. El reto entonces era proporcionarle una dimensión artística y comercial que pudiese ponerle al mismo nivel que otros espectáculos de la época. Griffith es el artífice en la consecución de estos objetivos. Comenzó como actor en compañías de teatro e hizo sus pinitos como escritor antes de llegar al cine. Conoce bien el melodrama teatral y las novelas victorianas (Dickens) y naturalistas (Zola, Tolstoi) así como los recursos y trucos del teatro itinerante. Entre 1908 y 1912 rodó casi quinientas películas para la Biograph. En sus primeras obras se aprecian parte de estas innovaciones narrativas: Los argumentos repiten el esquema de una familia burguesa amenazada por un peligro que acaba superándose superándose para restablecer el orden. Hace uso ya con cierto criterio de recursos como el Flashback  y el acercamiento del punto de vista de la cámara a la acción (planos medios y primeros planos). Utiliza la iluminación con fines dramáticos, panorámicas, Travellings Travellings,, decorados naturales, fundidos, apertura y cierre de objetivo, Flou Flou,, sobreimpresiones, variadas formas de Raccord  Raccord a a través de objetos, miradas y gestos, con la colaboración inestimable de su operador de cámara Billy Bitzer. Los Catchs (recortes en negro dentro del plano) y los desenfoques creativos. El uso intencional de la profundidad de campo. Y la técnica del montaje paralelo, con la que hace coincidir dos acciones en pantalla, alternando a través del montaje de planos de cada una de ellas, hasta que finalmente ambas acciones confluyan en una acción única (generalmente el rescate de alguna víctima inocente). Consiguió tal perfeccionamiento en esta técnica que a partir de entoncés este tipo de montajes pasaron a conocerse como salvamento en el último instante de Griffith (Griffith´s (Griffith´s Last Minute Rescue ). En 1915 dirige El Nacimiento De Una Nación . Considerada como el despegue del cine con relación al teatro filmado, debido fundamentalmente a que: En ella Griffith consigue sistematizar y dar coherencia a todos los elementos narrativos que antes se habían utilizado de forma más o menos ocasional. Construye un lenguaje propio, sólido y eficaz. Fija unas convenciones que la gramática fílmica no perderá ya nunca. Además, la película - que trata de la relación entre dos familias rivales en la Guerra de Secesión americana - sitúa al cine dentro del aparato industrial, por el alto presupuesto con el que contó el film (115.000 dólares que sirvieron entre otras cosas para poner en movimiento a más de 15.000 personas), por la insólita duración del film (2 horas y 45 minutos) y porque su estreno llevó aparejados un espectacular éxito de público, aunque también fue causa de escándalos y críticas por sus sesgos racistas. Un año más tarde dirige Intolerancia (en la que colaboran Stroheim, Browning, Fleming...) donde tira la casa por la ventana elevando el presupuesto a la impensable cantidad de dos millones de dólares, que invierte en colosales decorados y en la contratación de miles de extras. El argumento, basado en la intolerancia de la que ha hecho gala la Humanidad a lo largo de los tiempos, se estructuró en cuatro episodios que recreaban distintas épocas y geografías. Para aglutinar la disparidad histórica de los cuatro episodios, Griffith introdujo un motivo poético que evocaba unos versos de Walt Whitman, "Endlessly rocks the Cradle/Uniter of here and hereafter". En contra de los pronósticos, Intolerancia resultó un fracaso comercial. Ni el público ni la crítica (salvo los directores rusos, a los que la película influyó notablemente algún tiempo después) se mostraron dispuestos a asumir con naturalidad los entresijos simbólicos de la nueva propuesta de Griffith. Visto desde hoy, sin

embargo, el film reúne de nuevo lo mejor de su repertorio narrativo, con una eficacia tan contundente, sino más, que la mostrada en El Nacimiento De Una Nación.. Nación Griffith, como muchos otros directores, se lanzará a la aventura de crear sus propias productoras. Así, en 1915, funda junto a Ince y Sennett la TRIANGLE PICTURES,, que tendrá una vida muy corta. PICTURES Poco despues, en 1919, Griffith funda junto a Douglas Fairbanks, Mary Pickford y Charles Chaplin, la productora UNITED ARTISTS. ARTISTS. Sus siguientes largometrajes -entre los que destaca Lirios rotos (1919)- tendrán cada vez menos éxito. En 1930 rueda su primer film sonoro,  Abraham Lincoln Lincoln.. Totalmente arruinado, sus bienes fueron subastados en 1935 y sólo él mismo pujó por los derechos de sus películas.

Historia > Autores > Abel Gance De Abel Gance, el más inquieto del grupo francés de la Escuela Impresionista, destaca su obra tremendamente ambiciosa y visionaria. Aunque muchos le califican de grandilocuente, pedante y melodramático, son innegables sus aportaciones en la búsqueda de nuevos recursos con los que construir un lenguaje cinematográfico. En La Rueda (La Roue, 1921-1923), tragedia del ferroviario Sísifo, Gance renueva, en un fragmento antológico, los recursos del ritmo y del montaje corto, utilizado antes por Griffith en Intolerancia, para componer una autentica sinfonía visual, compuesta por breves imágenes que acompañan a la locomotora en el recorrido interminable de su trayecto.

Con Napoleón (Napoléon Vu Par Abel Gance 1923- 1927), Gance va más allá aún en su exploración del universo de las imágenes, utilizando recursos experimentales tremendamente innovadores, como la asociación de ideas a través de la sobreimpresión de varias imágenes en la pantalla, el tríptico o pantalla triple que, por su mayor superficie horizontal, le permite desplegar sus escenas más grandiosas en una inmensa panorámica. También emplea cámaras muy ligeras ubicadas en lugares insospechados, como en un caballo al galope o en un proyectil disparado al aire. Los encuadres obtenidos resultan espectaculares.

Capítulo 1 (al final) Napoleon. Capítulo 11 (10´10") Napoleon.

Historia > Autores > Vsevold Pudovkin Procedente del Laboratorio experimental de Kulechov, Pudovkin iniciará en 1926 su trilogía revolucionaria compuesta por La Madre (Mat´, 1926), versión libre de la novela de Máximo Gorki, El fin de San Petersburgo (Kniets Sankt-Petersburga, 1927) y Tempestad Sobre Asia (Potomok Chingis Khana, 1928). El tema recurrente de las tres es la toma de conciencia revolucionaria por parte de una persona coriente que, ante los acontecimientos, acaba teniendo un comportamiento heróico. El tema recurrente de las tres es la toma de conciencia revolucionaria por parte de una persona corriente que, ante los acontecimientos, acaba teniendo un comportamiento heróico. Pudovkin expresa un drama mas íntimo de los personajes, frente al cine de masas de Eisenstein. Utiliza magistralmente el montaje, pasando de lo coral a lo íntimo como una concepción sinfónica. A diferencia de Eisenstein, sus metáforas son mas realistas, en este sentido se acerca más a Griffith. En sus películas sonoras desarrolla el valor del sonido como contrapunto.

Historia > Autores > Sergei Mikhailovich Eisenstein Valor Social y Político de su obra Es imposible concebir la obra de Eisenstein sin remitirnos a los diferentes conflictos bélicos y revolucionarios que han marcado su vida y su pasado. Así se define toda su obra, enmarcada entre el resurgimiento obrero narrado en La Huelga (1924), su primera obra, y La Agitada Vida Del Zar Iván IV , narrada en las dos partes de Iván El Terrible (1943-1945). Entre ambas obras Eisenstein realiza El Acorazado Potemkin (1925), Octubre (1927), las dos sobre los conflictos revolucionarios surgidos en 1905 y en 1917; La Línea General (1929) - rebautizada como Lo Viejo Y Lo Nuevo -, sobre las ventajas surgidas de la socialización de la agricultura; ¡Que Viva México! (1931), obra inacabada sobre la revolución mexicana; y  Alexander Nevski (1938), una epopeya sobre el príncipe ruso que supo oponer resistencia a la invasión de las tropas mongolas y teutonas en el siglo XIII. El esencial componente revolucionario y político de sus películas, realizadas siempre por encargo del gobierno, vienen a demostrar como nunca hasta entonces la importancia concedida al cine por parte de los mandatarios. En una época en la que la mayor parte de la población es analfabeta, las autoridades se esfuerzan en generar filmografías que generen una conciencia colectiva de acuerdo a sus planteamientos. Una circunstancia inherente al cine desde sus inicios y que jamás abandonaría ya.

Valor Cinematográfico de su obra La obra de Eisenstein nos interesa por sus inimitables aportaciones al lenguaje, especialmente las derivadas de sus peculiares usos del montaje. Eisenstein, planteó las combinaciones de planos como conflictos que generasen respuestas emocionales en el espectador. Una vez conseguido el choque emocional, se producía la sensibilización acerca del problema tratado. Es lo que bautizó con el nombre de "montaje de atracciones", y que pudo poner en práctica en su primera obra, La Huelga. Al final de la película, en la que los manifestantes huelguistas son aplacados por las fuerzas zaristas, Eisenstein introduce los planos de unas reses que son sacrificadas en el matadero. Con este motivo visual, que no guarda ninguna relación con el universo ficcional de la película, Eisenstein rompe la narración para establecer una comparación entre los huelguistas y las vacas: todos son víctimas inocentes de una sangría. Al año siguiente, en El Acorazado Potemkin, Eisenstein vuelve a retratar una rebelión obrera, en este caso la llevada a cabo por los marineros del acorazado Potemkin contra su tripulación. En su escena más famosa, la de la escalinata de Odesa, el director soviético vuelve a hacer gala de una maestría inimitable en el empleo del montaje. La secuencia narra de nuevo el abatimiento a tiros de los habitantes de Odesa, en su intento de subir las escaleras que dan acceso al palacio gubernamental. Los 170 planos de la secuencia la alargan hasta seis minutos, dilatando el tiempo real de la escena, y demostrando hábilmente la capacidad del montaje para crear el tiempo cinematográfico. A pesar de que esta película contiene también empleos muy sutiles en la combinación de planos, no es de las más radicales obras de este director. Es en Octubre, donde vuelve a emplear lo más experimental de su repertorio narrativo: montaje de atracciones, inversiones del tiempo, angulaciones forzadas.... La película, basada en el relato Los Diez Días Que Conmovieron Al Mundo de John Reed, rememora los acontecimientos revolucionarios de 1917. En una secuencia de la película, que narra el ascenso de Kerensky al poder, Eisenstein vuelve a romper la narración, comparando al gobernante con Napoleón y con un pavo real, y sugiere, a base de sutilísimas combinaciones de planos, la incapacidad para gobernar del dirigente revolucionario. A partir de estas películas, Eisenstein recupera un pulso narrativo más convencional, aunque todas sus obras siguen mostrando una excelente capacidad narrativa en el empleo del montaje. Capacidad que se hace extensible al empleo de la composición en el plano, de los encuadres, la iluminación, e incluso en la utilización del color y del sonido, con el que pudo experimentar sus teorías de contrapunto sonoro en sus últimos filmes. Verdaderamente, Eisenstein es uno de los pocos directores en la historia del cine que, partiendo de la influencia que recibió de las películas de Griffith, fue capaz de plantear un lenguaje alternativo al del director americano. Que dicho lenguaje no llegase a arraigar de pleno en el resto de directores quizá se deba a lo complejo y

extremista de sus propuestas. Definió cinco tipos diferentes de montaje (métrico, rítmico, tonal, sobretonal e intelectual) y propuso combinaciones de planos basadas en los ideogramas chinos. Toda su complejidad de planteamiento se traducía en secuencias crípticas de complicada comprensión para el espectador, que difícilmente podía asumir toda la riqueza narrativa de sus propuestas. Se puede observar un ejemplo acudiendo a las propias explicaciones de Eisenstein, sobre la secuencia citada anteriormente de Octubre: Vamos a examinar la ascensión de Kerensky al poder y la dictadura tras la sublevación de julio de 1917. Los subtítulos indicando sus sucesivos nombramientos ("Dictador", "Generalísimo", "Ministro del ejército y de la marina", etc...), dan una nota cómica, intercalados con los cinco o seis  planos de Kerensky subiendo las escaleras del Palacio de Invierno, todos exactamente de la misma duración. Aquí se plantea un conflicto entre la hueca adulación de las denominaciones y el paso monótono con que el   personaje sube por unas escaleras siempre iguales. Consecuencia intelectual: ridículo de la absoluta nulidad de Kerensky. Se crea un contrapunto entre la expresión literal y casi estadística de una idea, y la representación visual de una determinada persona, incapaz de cumplir  obligaciones que aumentan sin cesar. La incongruencia de estos dos factores da lugar a una decisión puramente intelectual por parte del espectador, a expensas de esa persona determinada. Como puede comprobarse al ver la secuencia, son planteamientos difíciles de asumir en su totalidad, especialmente si se compara con la intuitiva naturalidad de las propuestas de Griffith. Aun así, no conviene olvidar que Eisenstein ha sido y sigue siendo uno de los directores más influyentes de la historia del cine, y que muchas de sus propuestas, si bien no han sido asimiladas de forma íntegra, sí que han sido reabsorbidas y adaptadas por el lenguaje.

Historia > Cine Sonoro El sonido se incorpora al cine en Estados Unidos a finales de los años 20, desencadenando un proceso de transformación industrial que acabará extendiéndose a todas las cinematografías del mundo. Entre 1926 y 1930, se resuelven los innumerables problemas técnicos que plantea la sincronización de imagen y sonido, y tambiénla amplificación del volumen a los niveles requeridos por las salas de grandes dimensiones. Pero aunque estas innovaciones prometen ser una inversión segura, todo el mundo parece estar de acuerdo en que el cine sonoro es un completo disparate. Al principio, sólo una productora menor, la WARNER BROS, mostrará interés por el cambio en su intento de competir con las grandes compañías de Hollywood, estableciendo un acuerdo comercial con la AT&T-WESTERN ELECTRIC, por el que adquiere el derecho de explotación del sistema de grabación y reproducción electrónica a través de discos fonográficos, al que denominarán Vitaphone. Los primeros ensayos realizados en 1925, van encaminados a la grabación de breves números de variedades, cómicos o musicales que la productora ofrece, como novedad, junto con su producción de largometrajes mudos. El estreno definitivo del Vitaphone se realiza al año siguiente con la producción Don Juan (1926),con la música orquestada de la ópera de Mozart; pero será El Cantor De  Jazz (The Jazz Singer, 1927) el primer largometraje con música y palabras. En 1928 la FOX FILM CORPORATION adopta un sistema óptico de grabación de sonido en la cinta de celuloide, paralelo a los fotogramas. El sonido óptico acabará imponiéndose al sistema magnético. Todas la productoras se irán sumando al invento. Algunas desarrollarán sus propias patentes como la RKO en Estados Unidos y la TOBIS KLAUGFILM en Alemania. La guerra comercial volverá a producirse durante los años 1928 a 1931 para repartirse el mercado mundial de los equipos para estudios y salas. La implantación del cine sonoro en España no será fácil. En 1930 tan sólo se rueda una película con sonido. Durante estos años, para sonorizar las películas se recurrirá a otros países, principalmente a Francia. Curiosamente, uno de los clásicos mudos del cine español, La Aldea Maldita, rodada en 1929 por Florián Rey, será posteriormente sonorizada en Francia.

Con el paso de los años, la implantación del cine sonoro tendrá consecuencias beneficiosas, tanto a nivel industrial como artístico. La incorporación del sonido aportará a la narrativa cinematográfica muchos cambios revolucionarios, tanto técnicos como formales. Al principio se vuelve al "teatro filmado", en el que el ritmo de los planos, fijos y teatrales, se ven supeditados a los interminables diálogos y canciones. Aparece el género del Music-hall  y de la comedia musical. Pero la utilización del sonido permitirá descubrir elementos expresivos de gran eficacia y demostrará definitivamente la capacidad del cine para abordar conflictos y personajes de gran complejidad. La diversidad idiomática dificulta la distribución internacional de las películas. Para salvar este obstáculo, las productoras filman la misma película en varios idiomas, sustituyendo a los actores y actrices, pero utilizando los mismos decorados y el mismo equipo técnico. Entonces, se le abre a la industria cinematográfica española una oportunidad de expansión a todos los países hispanohablantes, pero serán las productoras de Hollywood las que toman esta iniciativa y, a partir de este momento, comienzan a importar también, artistas y técnicos españoles con los que producirán la versión castellana de sus películas.

Capítulo 11: "Movimientos". 50´ La aldea maldita.

Historia > Países > Alemania En 1930, Josef Von Sternberg, produce la primera película del cine sonoro alemán, El Ángel Azul (Der Blaue Engel). Su éxito será fulminante y conducirá a Sternberg y a Marlene Dietrich directos a Hollywood. En 1931, aparece una obra maestra hecha por mujeres y dirigida por Leontine Sagan, Mädchen In Uniform (Mujeres De Uniforme), un clásico del cine alemán. La película es una denuncia del incipiente nacismo y es también una muestra rompedora, libre y clara del erotismo entre mujeres. En ella, se habla de disciplina, de ideas revolucionarias, de amor entre mujeres y de suicidio para expresar liberación. La intimidad y el calor humano triunfa ante la autoridad ciega y la represión. Además, la película continúa siendo una extraordinaria experiencia de imágenes y sonido. Otras figuras clave del cine sonoro alemán, anterior al Tercer Reich, son G.W. Pabst y Fritz Lang, que con obras personales de muy distinto carácter, darán testimonio de la angustiosa realidad social y política de la Alemania del momento. Pabst continúa su trayectoria dentro del cine realista, y a esta corriente se unirán nuevos cineastas, cuyas obras serán, en algunos casos, prohibidas. Por su parte, Fritz Lang realiza dos importantes películas. M, El Vampiro De Düsseldorf (M, 1931) es un profundo análisis de la personalidad criminal de un asesino de niños y de la reacción en cadena que provocan los acontecimientos en su comunidad. Una sencilla trama policíaca, con la que Lang, por un lado, penetra en la tragedia del obseso sexual, y por otro, hace una dura crítica a la sociedad. Su siguiente film, El Testamento Del Doctor Mabuse (Das Testament Des Dr. Mabuse, 1932), que acabará siendo prohibido, narra las acciones de un grupo criminal dirigido por el diabólico Dr. Mabuse, dotado de poderes hipnóticos. Lang declarará posteriormente haber intentado representar con esta obra a Hitler y a su partido. Aparecen en estos años corrientes de cine épico, romántico y más intimista, que en general darán obras banales. Sin embargo, aquí destacará uno de los más grandes exponentes del género, el virtuoso Max Ophuls, aunque su consagración definitiva sólo llegará después de varias películas alemanas y francesas, en las próximas décadas, y eso será en América. En 1933, con la subida de Hitler al poder, serán muchos los que abandonen Alemania: Fritz Lang, G.W. Pabst, Max Reinhardt, Max Ophüls, Billy Wilder, Fred Zinnemann y Robert Siodmak, entre otros. Tras la marcha de sus grandes maestros, el vacío artístico y humano de la producción cinematográfica alemana evidenciará el desolado panorama en que se sume el país a partir de este momento. En cualquier caso, hay que citar los trabajos realizados por Leni Riefenstahl, asesora cinematográfica del Partido Nacionalsocialista. El Triunfo De La Voluntad  (Triumph Des Willens, 1936), es un estremecedor monumento a la gloria del Tercer Reich, y Olimpiada (Olympia, 1938), es un testimonio de excepcional calidad de los IX Juegos Olímpicos celebrados en Berlín, en 1936. Ambos filmes, rodados con enorme riqueza de medios (más de sesenta cámaras, teleobjetivos, escenas rodadas en estudio con puesta en escena, presupuesto casi ilimitado) llevaron el documental de propaganda a su cima pero sin olvidar que Olympia fue incluida en 1940 en EE.UU. entre las diez mejores películas sonoras de la historia.

Capítulo IV: El ángel azul.

Historia > Países > Estados Unidos Contexto Social El nacimiento del cine sonoro coincide en Norteamérica con la crisis de la bolsa de Wall Street de 1929, que hunde al país en la más profunda depresión económica. Un acontecimiento inesperado que desencadena un brusco cambio en la mentalidad del pueblo americano, con la consiguiente pérdida de confianza en el sistema capitalista. Durante los años de pobreza y desempleo, el cine será el instrumento al que recurrirá el ciudadano americano como mecanismo de evasión de su realidad más inmediata, y la administración lo utilizará para recuperar el concepto de americanismo y la estabilidad social. En el terreno ideológico, se favorecerá en cierto grado una actitud autocrítica con obras como Tiempos Modernos (Modern Times, 1936), en la que Chaplin critica la explotación del hombre; The Black Legion (1937) de Archie Mayo, que denuncia a una organización secreta dedicada a atacar a inmigrantes; o Las Uvas De La Ira (The Grapes Of Wrath, 1940) , en la que John Ford expone con vigor la grave situación de los campesinos norteamericanos. En el género de la comedia surge una nueva corriente encabezada por el director Frank Capra, que expone, a través de la crítica constructiva, los valores positivos presentes en el sistema democrático estadounidense. La obra de Capra representa, como ninguna otra, la lucha por alcanzar "el sueño americano". Cercana a la línea propuesta por Capra, se inscribe la labor que conduce a la implantación del célebre Código Hays de autocensura, que no sólo abarca el terreno de la moral sexual, sino también la social, la política y la racial. A través de este reglamento de autocensura, Hollywood asume su ideología y se convierte en vehículo de transmisión del " american way of life".

Géneros Cinematográficos La llegada del cine sonoro favorecerá el desarrollo de un género nuevo en las pantallas, la comedia musical, que contará con las preferencias del público. Sin ser su aportación excesivamente original, sí que destacan las películas que protagonizan, entre 1933 y 1939, la pareja de baile formada por Fred Astaire y Ginger Rogers. En estos años, algunas películas se centran en temas profundamente humanos y en personajes cercanos a la realidad social. Así surge un nuevo modelo femenino, de mujeres que se incorporan a la vida laboral y se comportan de modo diferente, buscando su emancipación. De este modo coexisten películas más populares y románticas, como las interpretadas por Marlene Dietrich, como Morocco, 1930, y Shangay Express, 1932, de Sternberg, con otras películas que apuntan hacia un cierto feminismo, como las interpretadas por Joan Crawford. Con este ambiente realiza su obra Dorothy Arzner, que trabajó en diversas áreas del cine hasta ser la única directora del momento, rodeada por la ideología patriarcal. Sus películas no son rompedoras, pero aportan una mirada diferente, desde el punto de vista femenino, y al menos cuestionan el orden dominante. Sus personajes son mujeres fuertes, aunque suelen terminar de modo trágico. Algunos grandes Cómicos del cine mudo abandonarán el cine, y otros se adaptarán al sonoro, como Charles Chaplin. También se incorporan los Hermanos Marx, procedentes del music-hall, aportando algunas obras maestras del género. Su mejor película, Sopa De Ganso (Duck Soup, 1933), es dirigida por Leo McCarey. A la escuela cómica americana sucede la comedia ligera, iniciada por Ernst Lubitsch, con obras como Ninotchka (1939) O El Bazar De Las Sorpresas (1940) , y también Howard Hawks con La Fiera De Mi Niña (Bringing Up Baby, 1938). Estas películas forman un estilo de comedia fina, de sabia ironía, y con una excelente puesta en escena. El cine de gansters, que inaugurará Sternberg en 1927 con sus obras La Ley Del  Hampa (Underworld) y Los Muelles De New York (1928), se convertirá en uno de los géneros más representativos de la cinematografía norteamericana: cine negro con una América realista y sórdida. La película clave del género es Scarface, El Terror Del Hampa (Scarface, 1932 ) donde Howard Hawks retrata la figura del gangster italoamericano Al Capone. En 1936, la película El Bosque Petrificado (The Petrified Forest) de Archie Mayo, revela al actor Humphrey Bogart, cuya personalidad dará lugar a uno de los arquetipos románticos más sólidos del cine clásico americano. Otro de los géneros más fecundos de la década será el género de terror que

recuperará algunos hallazgos estilísticos del expresionismo alemán, de la mano de verdaderos autores como: Tod Browning que dirige películas míticas y de culto, como Drácula (Drácula, 1931), basada en la novela de Bram Stoker, y sobre todo La Parada De Los Monstruos (Freaks, 1932 ) película transgresora de normas y apariencias, inclasificable, maldita, impactante y poética. El inglés James Whale, que dirige Frankenstein, El Autor Del Monstruo (Frankenstein, The Man Who Made A Monster, 1931 ), versión libre de la novela de Mary W. Shelley , El Hombre Invisible (The Invisible Man, (1933 ) y La Novia De Frankenstein (1935), según un relato de H.G. Wells. Y el operador alemán Karl Freund, con La Momia (The Mummy, 1932) . Schoedsack y Cooper dirigen en 1933 la grandiosa King Kong, espectacularmente realizada y con efectos deslumbrantes para la época. Todo un clásico. Por su parte el cine de aventuras presentará una gran diversidad temática en la que destacarán las epopeyas colonialistas y los dramas escenificados en el mar y en el aire. Se trata de películas de barcos y de aviones, de las que la más célebre es Rebelión A Bordo (Mutiny On The Bounty, 1935), del escocés Frank Lloyd. También alcanza gran popularidad la serie de películas sobre el personaje de Tarzán, según las novelas de Edgar Rice Borroughs, que, a partir de 1932, protagoniza el nadador olímpico Johnny Weissmuller.

Otros Creadores El cine norteamericano cuenta con una cantera de artistas superdotados y de fuerte personalidad. Pero hay que destacar a algunos creadores cuya obra no se aviene a una simple clasificación por géneros. Aparte del genio de Charles Chaplin, hay otros grandes directores, como: King Vidor, con obras de fuerte compromiso social, que incluso servirán de inspiración a los neorrealistas, como El Pan Nuestro De Cada Día (1934). Frank Capra, con bonitas y amables películas llenas de reflexiones sobre la vida, y que marcan un estilo de comedias de buenas intenciones, como Sucedió Una Noche (1934), El Secreto De Vivir  (1936), Horizontes Perdidos (1937) y Vive Como Quieras (1938). John Ford, con influencias de la estilización pictórica y la organización del espacio de Murnau, y también de algunos de los hallazgos del Kammerspielfilm, como la opresión de los ambientes y la concentración dramática que se aprecia en El Delator  (The Informer, 1935) y en La Diligencia (Stagecoach, 1939) . Con esta obra, punto de partida del western moderno, Ford incorpora la psicología como elemento determinante del desarrollo dramático del relato, saliéndose de la ajustada fórmula impuesta por la estructura del género. En Las Uvas De La Ira (The Grapes Of Wrath, 1940), Ford hace un retrato preciso de la angustiosa situación de una familia campesina norteamericana, impregnando la historia de un patetismo pocas veces alcanzado. La extrema veracidad de esta obra, al igual que La Diligencia, debe no poco al rodaje de la mayor parte de sus secuencias en escenarios naturales. El francés William Wyler adapta al cine novelas y obras dramáticas en películas como  Jezabel (1938), según una novela sureña de Owen Davis, Cumbres Borrascosas (Wuthering Heights, 1939) , a partir de la novela de Emily Brönte, La Carta (The Letter, 1940), de una novela de Somerset Maugham, y La Loba (The Little Foxes, 1941), de Lillian Hellman. En su obra, Wyler hace gala de precisión en el estudio psicológico de los personajes, priorizando el trabajo de los actores y actrices. En la medida de lo posible, Wyler prescinde del montaje o lo hace "invisible", y propone la realización en profundidad, mostrando varios planos dentro de una toma larga. En sus películas la puesta en escena tiene mucha importancia, así como el trabajo de cámara y la continuidad espacial y temporal. Este tipo de realización será llevado hasta sus últimas consecuencias en la obra cinematográfica de Orson Welles. Un director con amplia filmografía en esta época es Víctor Fleming, con algunas notables películas como La Isla Del Tesoro (1934) y El Mago De Oz  (1939), pero que es recordado por una película mítica, Lo Que El Viento Se Llevó (1939). Mervin LeRoy dirige They Wont Forget  (1937), excitante drama que sigue siendo impresionante, y el soberbio melodrama Niebla En El Pasado (1942). William Dieterle dirige en 1939 Esmeralda La Zíngara (The Hunchback Of Notre Dame), la mejor versión de la obra de Víctor Hugo.

Hay más creadores, con obras notables y hasta maestras, injustamente olvidados hoy, como Frank Borzage o Robert Mamoulian.

Capítulo se llevó. Capítulo Capítulo Capítulo

IV: Ninotchka, La fiera de mi niña, Lo que el viento V: El delator. VIII: King Kong. X: "Los géneros".

Sombrero de copa de Mark Sanddrich , La calle 42 de B. Berkeley   , Los Hermanos Marx en el Oeste, Centauros del  desierto, La diligencia, El mago de Oz y Drácula.

Historia > Países > Francia En los años 30, las compañías PATHÉ Y GAUMONT entran en decadencia. Este es uno de los factores que determina que Francia no participe en la guerra de las patentes del sonido. Serán la industria americana y la alemana las que intenten hacerse con el mercado. La filial alemana TOBIS-FRANCE, contratará a uno de los grandes cineastas franceses del momento, René Clair. Suya es la primera gran obra del cine sonoro francés, Bajo Los Techos De París (Sous Les Toits De Paris, 1930) , película musical que entonces supera a todas las obras de este género. Bajo los techos de París es un retrato poético e irónico del barrio parisino de Montmartre, con el que Clair inicia una tendencia de vocación romántica y compone un universo satírico poblado de caricaturas. Un estilo brillante e inofensivo que no tardará en ser superado por la personalidad artística de Jean Renoir, cuya obra se inscribe dentro de la nueva corriente realista que domina al mejor cine francés de estos años. Esta corriente realista será denominada como Naturalismo poético y en ella destacan: Jacques Feyder, Marcel Carné y Julien Duvivier. En sus obras se muestran personajes sacados de las más bajas capas sociales, que se mueven en ambientes sórdidos, marginales y decadentes y que están abocados a un destino fatal. Sin embargo, esta dura realidad se muestra como un retrato poético. Jacques Feyder aportará una obra excepcional, La Kermesse Heróica (La Kermesse Héröique, 1935) , una reconstrucción histórica llena de vitalidad y humor,

con la estética de las imágenes de la pintura flamenca.

Además, en esta década sucede uno de esos auténticos fenómenos cinematográficos, la obra del artista Jean Vigo que trabaja en condiciones económicas muy desfavorables y muere a los 24 años, con una producción muy reducida - dos cortos, un mediometraje y un largometraje - pero llena de libertad crítica y de sensibilidad. Con sólo los 45 minutos de Zero De Conduite (1933) , y L'Atalante (1934) crea un mundo sensual y mágico, mezcla de poesía y de realidad que cautivará la imaginación de futuras generaciones. Fue abanderado de la Nouvelle Vague y sigue influyendo en cómo hacer cine. Muchos de los grandes le han copiado y homeajeado en sus obras.

Capítulo 11: La regla del juego.

Historia > Países > URSS El cine sonoro tarda en llegar a la Unión Soviética debido a que su industria se niega a comprar patentes extranjeras. Los maestros de la escuela soviética reconocen que el sonido aporta grandes posibilidades al cine, pero temen que el diálogo pueda limitar la libertad creadora del montaje. Por ello, en 1928, Eisenstein , Pudovkin y Alexandrov publican un célebre Manifiesto llamado "Del Contrapunto orquestal de la imagen-visión y de la imagen-sonido", en el que proclaman el empleo antinaturalista y asincrónico del sonido. El gobierno soviético limita la importación de películas extranjeras e incorpora el sonido al cine como nueva arma ideológica para reforzar los mensajes propagandísticos y didácticos de las reformas y la revolución. En esta situación, Eisenstein y Pudovkin, se dedicarán principalmente a la enseñanza en e l Instituto de Cine. Serán los años en los que Eisenstein desarrollará su valiosa obra teórica.

Historia > Países > Gran Bretaña A partir de 1927, se promulga en el Reino Unido una legislación proteccionista, la "Cinematograph Film Act", con el fin de contrarrestar la fuerte competencia extranjera, especialmente norteamericana. Esta ley fijará una producción anual mínima de cincuenta films e impondrá a exhibidores y distribuidores una cuota mínima del cinco por ciento de películas inglesas. Los resultados de su aplicación serán inmediatos, y pronto la industria inglesa tendrá que recurrir a profesionales extranjeros que, con su labor, contribuirán a colocar al cine inglés en uno de los primeros puestos a nivel mundial. Los húngaros Alexander Y Zoltan Korda aportarán algunas de las obras más comerciales y de mayor calidad de estos años. El primero hará una crónica histórica memorable en La Vida Privada De Enrique VIII (The Private Life Of Henry VIII, 1933); y Zoltan Korda rodará películas exóticas en diferentes continentes, como Las Cuatro Plumas (The Four Feathers, 1939) , una gran aventura rodada en color. Pero no todos los artífices del cine inglés serán extranjeros. Una de las figuras clave de estos años será Alfred Hitchcock, que en 1929 rueda su primera película sonora, La Muchacha De Londres (Blackmail). También será importante el movimiento documental. En 1929, el sociólogo escocés John Grierson con la puesta en marcha de la célebre Escuela Documental Británica, influído por el polaco/soviético Dziga Vertov, explorará el campo del documental desde una rigurosa concepción sociológica, con un estilo casi funcionarial. Sin embargo en este movimiento hubo otros más estetas, y con otra actitud, que serían precedente e influencia para el Free Cinema. En este período surge otra de esas rarezas indispensables y maravillosas del cine, Robert J. Flaherty (EEUU, 1884), con su obra llena de lirismo y realismo, Man Of   Aran (1934), producción británica rodada en las islas Aran (Irlanda). Flaherty había dirigido Nanook en 1922, otra de sus obras maestras. Después, codirige con Murnau Tabú en 1931, que aún mantiene su aire moderno.

Historia > Países > Italia En la Italia de Mussolini también se intenta promover la industria cinematográfica. En 1935, se crea el Centro Sperimentale di Cinematografia y en 1937 se construyen los estudios de Cinecittà. A la vez se promueve una producción de espectaculares reconstrucciones históricas y de ligeras comedias sentimentales. Los detractores de este cine oficial se agrupan en torno a revistas, a círculos intelectuales y en el propio Centro Sperimentale di Cinematografia desde donde se proclama la necesidad de un cine realista, y en sus aulas o en cine-clubs se proyectan las películas prohibidas de los maestros de la escuela soviética y del realismo francés.

Historia > Países > España En España brilló con luz propia la estrella Imperio Argentina que protagonizó, con gran éxito, una serie de películas dirigidas por Florián Rey, entre las que destacan: La Aldea Maldita (1929) y Nobleza Baturra (1935). Más interesante resulta la labor documental realizada en nuestro país, que con el estallido de la guerra civil adquiere trágica relevancia. Destacan los documentales realizados por André Malraux y Joris Ivens, este último perteneciente a la llamada Escuela de Nueva York. Malraux llegó a combatir en las filas republicanas y de su experiencia escribió L´espoir . De la novela hizo en 1939 la película Sierra De Teruel (L´espoir), la mejor sobre la guerra civil, una obra maestra, pero de produccción francesa. Luis Buñuel rueda documentales y entre ellos está Las Hurdes/Tierra Sin Pan de 1932

Capítulo 11: La aldea maldita (minuto 50´00").

Historia > Autores > Charles Chaplin Sus Inicios Miembro de una humilde familia de actores, su infancia transcurre en los escenarios londinenses, a los que se incorpora como actor infantil con tan sólo cinco años de edad. Esta primera etapa de su vida está marcada por la penosa situación económica, a la que pone fin su entrada en la importante compañía de pantomima de Fred Karno, en la que perfecciona sus conocimientos artísticos, alcanzando gran prestigio como actor. Las giras que realiza la compañía por Estados Unidos le permiten entrar en contacto, en 1913, con el productor y director de la KEYSTONE, Mack Sennett, con quien firma su primer contrato en Hollywood.

Su Incorporación en Hollywood En esta nueva etapa, Chaplin añade a su vocación de intérprete la de escritor y director, labor que ya realiza en la gran mayoría de las películas de estos primeros años, en los que comienza a tomar forma su célebre Charlot, el vagabundo romántico, de buenos modales y cierta picaresca, cuya mayor trascendencia radica en la dimensión humana que Chaplin incorpora al personaje, ausente en la mayoría de los tipos cómicos de las Keystone comedies.

Su Filmografía Entre los cortometrajes que realiza durante estos años, destacan Vida De Perro (A Dog's Life, 1918), ¡Armas Al Hombro! (Shoulder Arm's!, 1918) , Día De Paga (Pay  Day, 1922) y El Peregrino (The Pilgrim, 1922). En 1921, realiza su primer largometraje, El Chico (The Kid), que evoca la pobreza de sus años de infancia en Londres, pero que supone ante todo una evolución del universo del autor, con la incorporación del elemento trágico a sus comedias. Gracias al éxito de El Chico, Chaplin funda, en 1923, con el actor Douglas Fairbanks, la actriz Mary Pickford y el director David Wark Griffith, máximas figuras artísticas del Hollywood de aquellos años, la productora UNITED ARTISTS, para la que realizará sus siguientes películas. Una Mujer De París (A Woman Of  Paris, 1923), en la que Chaplin no participará como actor. Se trata de una obra capital de la historia del cine, considerada por muchos críticos como la primera muestra de cine psicológico y primer estudio realista de costumbres. Debido al vigor que imprime a la narración y a sus hallazgos visuales, Una Mujer De París colocará a Chaplin entre los más grandes realizadores del momento, sin embargo, la película será un completo fracaso comercial. Debido precisamente a este fracaso, en sus siguientes películas, La Quimera Del  Oro (The Golden Rush, 1925) y El Circo (The Circus, 1928), Chaplin volverá a encarnar a su célebre vagabundo. El éxito de estas producciones le permitirá abordar sus siguientes obras desde la más absoluta libertad temática y creativa. En Luces De La Ciudad (City Lights, 1931), realiza un amargo retrato de las injusticias sociales; en Tiempos Modernos (Modern Times, 1936), última película muda del autor, con banda musical y efectos sonoros, en la que propone una sátira tragicómica en torno a la deshumanización del sistema capitalista y de la mecanización del trabajo; y El Gran Dictador (The Great Dictator, 1940), nueva sátira en la que Chaplin se enfrenta a las dictaduras nazi y fascista. La actitud valiente y combativa que adopta el autor en estas obras seguirá presente en Monsieur Verdoux (1946), una lúcida farsa sobre la frágilidad de la moral, inspirada en un argumento de Orson Welles. Su postura crítica no será bien vista desde e l Comité de Actividades Antiamericanas, que no dudará en llamarle a testificar. En esta situación, Chaplin abandonará definitivamente los Estados Unidos, en 1952, para realizar en Inglaterra sus siguientes películas: Candilejas (Limelights, 1952) , melodrama sentimental con cierto carácter autobiográfico; Un Rey En Nueva York (A King In New York, 1957) , en la que arremete contra el Comité de Actividades Antiamericanas; y, su última película, en la que además interpreta un pequeño papel de camarero, La Condesa De Hong Kong (The Countess From Hong Kong) .

Historia > Autores > Jean Renoir Hijo del pintor impresionista Auguste Renoir, Jean Renoir entra en el cine en el período mudo, con películas como Nana (1926), adaptación de la novela de Emile Zola, Charleston (1927) y La Cerillerita (La Petite Marchande D'allumettes, 1928), inspirada en un cuento de Andersen. Con estas obras, el autor se inscribe, ya desde los comienzos, dentro de la gran tradición del realismo francés, aunque en esta primera etapa se dej a entrever una cierta influencia vanguardista. Renoir rueda a los actores en su ambiente, sin trucos ni técnicas de estudio, con una maravillosa sensibilidad para la realidad física de los objetos y su medio. Su estilo, de apariencia neutral, es como una energía interna en la narración que actúa y organiza todos los elementos sin alterarlos. Su mirada selecciona y compone la realidad sin transformarla. Renoir utiliza antes que Welles lentes que mantienen en foco a los objetos en profundidad, y utiliza la puesta en escena para seguir a los personajes con tomas largas, cambiando el cuadro, consiguiendo una unidad de espacio y de acción y también una ambigüedad rica en significados.

Etapa de Plenitud Con la llegada del sonoro, la obra de Renoir alcanza su plenitud expresiva: a través de sus rigurosos retratos sociales, de tipos y de ambientes sórdidos, en La Golfa (La Chienne, 1931); de las zonas rurales francesas, en Toni (1934); del universo nostálgico y hedonista de la burguesía francesa, en Une Partie De Campagne (1936) , pieza en la que, además, rinde homenaje a la obra pictórica de su padre. Dentro de la filosofía del recientemente formado Frente Popular se inscriben sus obras El Crimen De Monsieur Lange (Le Crime De Monsieur Lange, 1935) y el documental de propaganda del Partido Comunista La Vie Est À Nous (1936). Esta línea de compromiso social, aunque desde una perspectiva más idealista, destaca en el alegato pacifista La Gran Ilusión (La Grande Illusion, 1937) . Antes de iniciar su exilio estadounidense, realiza la más original de sus películas, La Regla Del Juego (La Règle Du Jeu, 1939), que retrata, en clave de vodevil, el mundo de las apariencias que rige las más altas capas de la sociedad francesa. La película no será comprendida en su momento y supondrá un completo fracaso comercial.

Etapa Americana En Hollywood realizará, durante los años 40, cinco películas, tres de ellas para los grandes estudios. Sin embargo, las obras de este período que reflejan la personalidad del autor de manera más viva son sus producciones independientes: El  Hombre Del Sur (The Southerner, 1945) , retrato de la miseria de los trabajadores agrícolas, cuya exhibición será prohibida en todos los Estados sureños, y Memorias De Una Doncella (Diary Of A Chambermaid, 1946).

Etapa Final De vuelta en Europa, su siguiente película, El Río (The River, 1950) , será un relato pausado y reflexivo, rodado en la India, con el que el autor abandonará definitivamente el carácter combativo de su obra anterior. A esta última etapa corresponden obras románticas y hedonistas, como French-Cancan (1954) y Elena Y  Los Hombres (Eléna Et Les Hommes, 1956), y ejercicios de experimentación, como La Carroza De Oro (La Carrozza D'oro, 1952) y Comida Sobre La Hierba (Le Déjeneur Sur L'herbe, 1959).

Historia > Autores > Alfred Hitchcock De 1920 a 1925, Alfred Hitchcock desarrolla actividades diversas relacionadas con el cine mudo. En 1925 debuta en la dirección con El Jardín De La Alegría (The Pleasure Garden). Con sus primeras nueve películas demuestra una clara habilidad para narrar en imágenes, por lo que se le confía la realización de la primera película sonora del cine inglés: La Muchacha De Londres (Blackmail, 1929) . Hitchcock hace con su cine constantes experimentos de narración y también innova con técnicas y maneras de crear suspense. Sus películas son cerradas, mantienen en vilo al espectador y lo dirigen hasta el final que el autor desea. A lo largo de los años 30, desarrolla en Inglaterra una obra brillante, en la que define su predilección por los temas policíacos y de intriga, pero en los que no elude los elementos de orden psicológico, social y moral a los que aporta una personal dosis de ironía. Entre sus obras más relevantes de esta etapa destacan  Asesinato (Murder, 1930), El Hombre Que Sabía Demasiado (The Man Who Knew Too Much, 1934), Treinta Y Nueve Escalones (The Thrity-Nine Steps, 1935) , El Agente Secreto (The Secret Agent, 1936) y Alarma En El Expreso (The Lady Vanishes, 1938). En 1940, Hitchcock marcha a Estados Unidos contratado por el productor David O. Selznick para dirigir Rebeca (Rebecca, 1940), su primer film norteamericano que alcanzará un rotundo éxito. Pero con la irrupción de la II Guerra Mundial, Hollywood se pone al servicio de la contienda, y Hitchcock aprovechará la situación política para realizar importantes películas de intriga y espionaje, Enviado Especial (Foreign Correspondent, 1940), Sabotaje (Saboteur, 1942), Náufragos (Lifeboat, 1944), cuya acción transcurre íntegramente en una balsa, y la genial Encadenados (Notorious, 1946). En su cine, Hitchcock, muestra con frecuencia una especial predilección por los ambientes cotidianos, en los que habita gente sencilla, pero cuya vida se ve súbitamente sacudida por un acontecimiento excepcional. Una muestra de ello, es La Sombra De Una Duda (The Shadow Of A Doubt, 1943) , en la que un aparentemente simpático "asesino de viudas" acaba siendo descubierto por su sobrina. Otro caso similar es el de Extraños En Un Tren (Strangers On A Train, 1951), según la novela de Patricia Highsmith, en la que un encuentro casual desencadena una serie de asesinatos imprevistos. Pero también en estos años se inicia la moda de los films psicoanalíticos, a la que Hitchcock se incorpora con La Soga (The Rope, 1948), estudio de la mente psicópata criminal, y con Recuerda... (Spellbound, 1945), exposición de un caso médico sometido a tratamiento de psicoanálisis. Esta clave psicoanalítica estará presente en gran parte de su obra posterior, especialmente en Psicosis (Psyco, 1960) y en Marnie, La Ladrona (Marnie, 1964). En los años 50, Hitchcock continúa añadiendo grandes obras a su ya dilatada filmografía, ahondando en sus obsesiones habituales. Uno de sus temas predilectos será el del hombre inocente perseguido por un delito que no ha cometido. Esta es la premisa de la que parten el drama Yo Confieso (I Confess, 1952) , el relato trágico Falso Culpable (The Wrong Man, 1957) y la célebre comedia Con La Muerte En Los Talones (North By Northwest, 1959), donde toda la película es como un MacGuffin, una pista falsa que aparece de vez en cuando a lo largo del guión (o historia) sin más objeto que tirar de la narración o de aportarle continuidad. Pero a esta interminable lista de obras maestras, es necesario añadir otras películas, aún superiores si cabe, como De Entre Los Muertos (Vertigo, 1958) , sobre el tema de la culpabilidad, La Ventana Indiscreta (Rear Window, 1954) , que constituye una verdadera lección de narrativa cinematográfica, y Los Pájaros (The Birds, 1963) , obra brillante dotada de cierto tono apocalíptico.

Historia > Autores > Flaherty Cuando los hermanos Lumière descubrieron al mundo su gran invento y decidieron proyectar su primera película, El Tren Llegando A La Estación , pusieron sin darse cuenta la primera piedra de uno de los grandes edificios que el cine iba a levantar a lo largo de su historia: el cine documental. A diferencia de Méliès, al que su aguda mirada permitió rastrear las sendas de la ficción, hubo directores que siguieron explotando el poder del cine para ofrecer una reproducción de las cosas y de los acontenicmientos reales. Tras los primeros noticiarios de LA FACTORÍA PATHÉ, con sus realidades reconstruidas, vinieron otras opciones, como la planteada por Dziga Vertov en su Cine-ojo: el director debe filmar la realidad tal cual la encuentra y debe posteriormente organizarla en la fase de montaje. Antes que Vertov, Robert Flaherty, aporta al cine documental el sentido dramático del que tradicionalmente había carecido. Con Flaherty, tal y como describe Román Gubern el documental alcanza la mayoría de edad. Una de las películas documentales que mejor refleja este hecho es Nanook El Esquimal, rodada entre 1920-22 . Flaherty hizo de explorador en sus trabajos de geólogo y cartógrafo y trató de dejar constancia visual de sus descubrimientos y sus relaciones con otras culturas. Perfeccionó su modo de rodar en muchas expediciones y llevaba consigo un laboratorio para revelar y proyectar según avanzaba el trabajo. Investigó grupos humanos e hizo descubrimientos técnicos sobre la utilización de objetivos y de tipos de películas que otros adaptarían después.

Nanook El Esquimal

La película de apenas una hora de duración, describe la vida del esquimal Nanook y de su familia en inhóspitas tierras de hielo. Aparte del interés evidente de su temática, la lucha humana por la supervivencia, el principal atractivo de este documental es la fuerza dramática que cobran los acontecimientos una vez que Flaherty los adecúa en montaje a una narración perfectamente planificada. Mientras los tradicionales noticiarios se limitaban a reproducir la realidad en unos pocos planos, Flaherty aporta a cada mínimo acontecimiento un plus de emovitividad, mediante recursos expresivos surgidos de la planificación, tanto en la filmación como en el montaje. De esta forma, hechos tan cotidianos como la pesca, la alimentación de los prerros del trineo. o la construcción de un iglú, se convierten ante los ojos del espectador en auténticos acontenicimientos. A base de estos pequeños incidentes, Flaherty termina por recrear un guión cuasi-dramático, con todo el realismo del documental, y con todo el interés emocional de los films de ficción. Tras el éxito de Nanook El Esquimal , Flaherty tuvo la oportunidad de afrontar otros retos, entre los que destacan Moana (1925) , Sombras Blancas En Los Mares Del Sur  (1928) y Tabú (1931), codirigida con Murnau; y El Hombre De Aran (Man Of Aran, 1934), aunque la dificultad de su carácter y la rigidez de sus concepciones de autor le condujeron a no querer firmar casi ninguno de sus trabajos. Flaherty ha pasado a la historia como uno de los grandes fundadores del género documental, con un tratamiento creativo de la realidad y con una finalidad tan sencilla de definir como utópica de conseguir, el conocimiento y la conservación de la identidad humana. Las películas de Flaherty están hechas en el lugar de acción, y son crudas y espontáneas. Su rodaje no era un plan cerrado sino un proceso de investigación del que surgía el estilo en el que Flaherty era un maestro, logrando dar respuestas libres y directas al mundo. Man Of Aran es un semi-documental de 77 minutos, que muestra una familia y su lucha contra la violencia de la naturaleza. El director y su mujer, Frances Hubbard, proporcionaron los datos al guionista. Las imágenes las registraron ellos mismos con otros asistentes y son auténticas pinturas cuya composición ha sido pocas veces conseguida. También reflejaron como nunca la violencia del mar. Esta obra les costó dos años en rodarla. Tras Flaherty, que abandonó el cine por problemas con los productores, el cine documental experimentaría un desarrollo continuo: Grierson y la Escuela Documentalista Británica; el Non-fiction film de New York; la Escuela Documentalista de Cuba... Todas ellas han enriquecido el género, aportando otras visiones y temáticas. Los avances tecnológicos, como la popularización del vídeo y de las cámaras ligeras en los años 60, que permitieron la grabación de acontecimientos en prácticamente cualquier momento y situación. Incluso hoy, con las nuevas tecnologías basadas en la digitalización y la interactividad, se abren nuevos retos ante el tratamiento creativo de la realidad.

Historia>Años 40

La década de los 40 está marcada por la II Guerra Mundial, que altera el normal desarrollo económico y cultural de los pueblos. La economía de paz se transforma en economía de guerra, y la industria del cine se ve sometida a los imperativos derivados de la contienda.

Historia > Años 40 > EEUU Antes de la guerra, en 1940, George Cukor realiza una comedia sublime, The Philadelphia Story . Pero el panorama cinematográfico cambia con el ataque de la aviación japonesa al puerto de Pearl Harbour, en 1941, que determina la entrada de Estados Unidos en el conflicto. Los estudios de Hollywood también se suman a la contienda y su producción cinematográfica se orienta hacia la propaganda bélica de emergencia, y sus más importantes creadores entran a formar parte de las fuerzas armadas. Frank Capra, John Ford y William Wyler explican al país, a través de sus documentales, las razones de la lucha y los métodos estratégicos que habrán de conducir a la victoria. Pero el grueso de la producción de Hollywood articula esta propaganda a través de historias de ficción, como en La Señora Miniver  realizada por William Wyler en 1942. También, la creciente influencia de la minoría católica cristaliza con la aparición de películas consideradas "edificantes" o de inspiración religiosa, de las cuales, la más célebre es Qué Verde Era Mi Valle (1941), de John Ford. La guerra, el espionaje y la resistencia serán utilizados como pretextos en películas de intriga y aventuras. Es el caso de Casablanca dirigida en 1943 por Michael Curtiz , o el de algunas de las películas de la primera etapa americana de Alfred Hitchcock. Otro extranjero afincado en Hollywood, el alemán Ernst Lubitsch, aportará a la causa antinazi una comedia magistral, Ser O No Ser (1942). Por otra parte, la invasión alemana de Francia provoca la huída a América de un importante grupo de artistas e intelectuales franceses. Entre ellos destacan René Clair, Jean Renoir y Julien Duvivier. René Clair dirige en 1942, Me Casé Con Una Bruja, película que lanza a la fama a la estrella Veronika Lake. Las obras americanas de Jean Renoir y Julien Duvivier no brillarán a la altura de sus trabajos anteriores. El ambiente artístico del cine americano de estos años no es muy bueno. Los años de la guerra cierran el período de esplendor de algunos de los más grandes realizadores de Hollywood: Wyler, Ford y Capra. También en estos años comienza a extinguirse la comicidad de los hermanos Marx. Un balance negativo del que se salva el genio excepcional de Orson Welles, una joven promesa procedente del teatro y de la radio, que llega a Hollywood cuando la guerra está a punto de estallar. También existe un cine independiente y experimental, durante y después de la guerra, y su figura más relevante es Maya Deren. Sus películas son provocativas y de indiscutible contribución al lenguaje cinematográfico. Algunas son como poemas visuales, y otras como mágicos trances oníricos. La primera que dirige es una de las películas más famosas avant-garde, Meshes Of The Afternoon, 1943, con la que anticipa los nuevos cines de los 60s.

Capítulo 2: Ciudadano Kane. Capítulo 4: Casablanca. Capítulo 6: Casablanca y Ciudadano Kane.

Historia > Años 40 > G. Bretaña El cine británico se muestra muy activo durante la guerra, especialmente el movimiento documental , al frente del cual se encuentra Alberto Cavalcanti, que sucede en estos años a John Grierson. También, la industria británica del cine da lugar a grandes producciones para satisfacer la necesidad de evasión de un público que vive en una situación angustiosa. El multimillonario Arthur Rank produce costosas películas de prestigio, como Cesar Y  Cleopatra (1944), de Gabriel Pascal y Enrique V (1944), de Laurence Olivier. En estos años aparecen varias películas de calidad como son: Luz De Gas (1940), de Thorold Dickinson, la juvenil y estupenda de aventuras El Ladrón De Bagdad  (1940), de Michael Powell, Ludwig Berger y Tim Whelan, y Breve Encuentro (1945), de David Lean.

Historia>Años 40 >URSS La invasión alemana del territorio de la Unión Soviética trae consigo la ocupación y la destrucción de sus estudios de cine. En estas condiciones, el cine soviético vuelve a centrarse, como ya lo hiciera durante su guerra civil, en la producción de películas documentales. Entre 1943 y 1945, rueda Sergei Eisenstein su testamento artístico: Ivan El  Terrible. Se trata de una biografía del zar, que el cineasta, en plena madurez creadora, proyecta como una amplia trilogía, pero no la completará. En 1946, la segunda parte es prohibida y el proyecto de la tercera es cancelado.

Historia > Años 40 > Francia Entre 1940 y 1944, Francia vivirá las consecuencias de la ocupación alemana. El estrecho control de los medios de información, la muestra de producciones de Alemania o de la Italia fascista y la creación de una importante productora LA CONTINENTAL, dirigida por funcionarios alemanes, tiene por objetivo la nazificación del país. Los grandes nombres del cine francés de anteguerra, Jean Renoir, René Claire, Julien Duvivier, se han visto obligados a abandonar Francia. Aparece un nuevo director con una extensa formación, Henri Georges Clouzot, que también escribe los guiones de sus películas. Clouzot rueda algunas películas para la CONTINENTAL, como El Asesino Vive En El 21 (L´assasin Avite Au 21 ,1942) y Le Corbeau, 1943, donde muestra la sordidez y el pesimismo de una sociedad bajo un prisma muy negro. Marcel Carné dirige en 1944 Les Enfants Du Paradis, una obra maestra entre la vida y el teatro, llena de sabiduría irónica y romanticismo amargo. Toda una leyenda que se considera en Francia como la mejor película producida por este país. René Clément realiza en 1945, inmediatamente después de la Liberación de Francia, La Bataille Du Rail , la única película francesa seria e importante sobre el tema de la Resistencia. En 1946 codirige con Jean Cocteau La Bella Y La Bestia . En esta película y en otras como Orfeo, Cocteau, que además de dirigir es poeta, novelista, pintor y ensayista, utiliza técnicas para crear imágenes poéticas. Sus metáforas visuales y su estilo ecléctico serán admirados por Godard, y de hecho es uno de los padres de la Nouvelle Vague.

Historia >Cine de Postguerra > Italia Con la caída del fascismo, el cine italiano inicia una nueva era libre de la censura oficial a la que había estado sometido. Entre los autores rebeldes y personales, destaca Luchino Visconti que inicia su obra con Ossessione (1942), una película que va contra la corriente retórica e insustancial del cine oficial. Se trata de una adaptación libre de la novela negra de James Cain El cartero llamó dos veces , de la que Hollywood hará su propia versión en e l 46 con Lana Turner como protagonista y en los años ochenta con Jack Nicholson y Jessica Lange. El retrato que hace Visconti de ambientes vulgares habitados por gentes comunes, rodados en los propios escenarios naturales, dota a esta obra de una veracidad que choca con todos los tabúes establecidos, por lo que será prohibida por la censura. En 1943, el director Vittorio De Sica, realiza I Bambini Ci Guardano, retrato de un drama familiar visto a través de la sensibilidad de un niño y que se suma a la corriente realista que va en contra del cine oficial.

El Neorealismo El neorrealismo se incia en 1945, cuando Roberto Rossellini realiza Roma, Città  Aperta, en la que narra los últimos días de la ocupación alemana en Roma y de la lucha de la Resistencia, acontecimientos tremendamente recientes retratados con el vigor y la intensidad de un autor revolucionario que inaugura un movimiento que aportará a la historia del cine algunas de sus más grandes obras. Este movimiento será el resultado de la necesidad, reprimida durante tantos años, de retratar la realidad de manera clara y directa. Será decisiva la influencia del realimo ruso, del documental británico y de la obra realista de Jean R enoir. El neorrealismo es una búsqueda de la objetividad documental y del retrato veraz de una temática específica, la del individuo inserto en la colectividad, para lo cual aplicará unos recursos estilísticos apropiados: actores y escenarios naturales, ausencia de maquillajes, sobriedad técnica, iluminación naturalista, abandono de estudios, decorados y toda clase de artificios. A su vez, dentro del neorrealismo se dan diversas tendencias: el ala idealista que ve en el cine un testimonio de la realidad, a la que se asocian nombres como Roberto Rossellini y Vittorio De Sica, y tiene, como órgano de expresión, a la Revista de Cine Italiano; y un ala marxista que postula el realismo crítico, más allá del mero testimonio, a la que pertenecen Luchino Visconti y la revista Cinema Nuovo. En estos años surge una de esas colaboraciones tan importantes en la historia del cine, la del director De Sica y el guionista Cesare Zavattini. Juntos componen la ya citada I Bambini Ci Guardano (1943), y después, la trilogía sobre el drama de la vida diaria en Italia, Limpiabotas (1946), Ladrón De Bicicletas (1948) y Umberto D (1951), y la farsa en clave poética Milagro En Milán (1951) . Según los estudiosos, Rossellini busca provocar a través de su cine la indignación del público; Visconti, pretende despertar su intelecto; y las obras de De Sica y Zavattini, tienden a provocar sentimientos de compasión y ternura en el espectador. El impacto internacional del neorrealimo será tal, que su influencia se hará sentir en las cinematografías de todo el mundo. Provocará también cambios en los procesos de producción y en los rodajes, que comienzan a abandonar los estudios para instalarse en exteriores e interiores naturales. El cine neorrealista no da una imagen radiante ni optimista de Italia, por ello, una vez superada la euforia antifascista de los años de postguerra, el gobierno refuerza la censura. Así aparece la comedieta neorrealista, también llamada "neorrealismo rosa", que utilizando elementos formales del movimiento, compone una serie de piezas que reflejan la alegría del pueblo italiano.

Con todo, la industria de cine se consolida en Italia. Aparecen las primeras grandes productoras, como la PONTI-DE LAURENTIS, y surgen grandes estrellas italianas de la talla de Sofía Loren, Gina Lollobrigida y Vittorio De Sica.

En este momento de transición, en que se hace necesario explorar otros caminos, surgen dos nuevos talentos que abrirán nuevos horizontes al cine italiano: Michelangelo Antonioni y Federico Fellini.

Capítulo 3: 17´00" versiones de El cartero llama dos veces, de Tay Garnett y de Bob Raffelson. Capítulo 5: Roma ciudad abierta. Capítulo 11: Neorrealismo: Roma città aperta, Paisà y Terra trema.

Historia > Cine de Postguerra > EEUU Tras la guerra, Estados Unidos se perfila como la primera potencia económica mundial y la situación de su industria cinematográfica es excelente. Sin embargo, algunos acontecimientos inminentes vendrán a desestabilizar la prosperidad de esta etapa. El Tribunal Supremo del Departamento de Justicia da su fallo definitivo en el proceso iniciado años atrás por la Asociación de Productores Independientes de Cine contra el monopolio de las grandes compañías. Las grandes productoras tienen que desligar, entre 1949 y 1953, el sector de la producción del de la exhibición. Además, las empresas de cine tienen que vérselas con otro adversario que tan sólo comienza a definirse, pero que a partir de ahora dará a la industria del cine más de un quebradero de cabeza: la televisión. Cine Bélico

El cine de esta primera etapa de la postguerra continúa reflejando el drama bélico, ahora solidarizándose con sus víctimas. Una muestra de ello es Los Mejores Años De Nuestra Vida , obra dirigida, en 1946, por William Wyler, en la que se narra la vuelta a casa de veteranos de la guerra. Cine Crítico

Comienza a destacar un nuevo grupo de jóvenes realizadores que van a definir una línea de cine crítico, tratando temas sociales y polémicos como la corrupción del sistema, la emigración, la falta de igualdad de oportunidades, el antisemitismo o el racismo. Algunos de los nombres más sobresalientes son: Edward Dmytryk, Elia Kazan, John Huston, Robert Rossen y Fred Zinnemann. La "Caza de Brujas"

En estos años, concretamente en 1947, la Comisión de Actividades Antiamericanas pone en marcha una campaña destinada a perseguir todas aquellas manifestaciones subversivas en el seno de la sociedad. Una "caza de brujas", dirigida por el senador Joseph McCarthy, que alcanza amplios sectores de la intelectualidad norteamericana, especialmente el de los profesionales del cine. Todos ellos son investigados e interrogados por la Comisión, que pone especial énfasis en sus ideologías y en su filiación política. Diez hombres, invocando la primera enmienda de la Constitución, que garantiza la libertad religiosa, de palabra y de prensa, se negarán a responder en relación a aquellos temas, y serán condenados por desacato al Congreso. Otros, como Chaplin, abandonarán el país ante la amenaza de ser sometidos a los interrogatorios de la Comisión.

Cine Negro

En este ambiente de neurosis colectiva comienza a definirse una de las corrientes cinematográficas más típicamente americanas, el cine negro, que tiene sus orígenes en la novela negra de los años treinta y que en cine seinicia con El Halcón Maltés dirigida por John Huston en 1941. El cine negro refleja un mundo en descomposición, poblado por seres amorales, sujetos a intrigas y conflictos en los que entran en juego los instintos más primarios. El cine negro enfatiza lo oscuro y lo claustrofóbico, rompiendo con el estilo visual luminoso y equilibrado de Hollywood. Otra característica es la representación de la mujer como femme fatale. Además, el cine negro también innova la técnica narrativa: empleo de tiempo real y tiempo recordado; uso de la voz interior del personaje; no se da toda la información e incluso trata de equivocar al espectador; los relatos se construyen con flashbacks; los personajes buscan su identidad perdida enfrentándose a la hostilidad de los acontecimientos; y a veces los malos escapan.En esta corriente, hay algunas obras importantes: Laura (1944) de Otto Preminger, Detour  (1945) de Edgard G. Ulmer, Gilda (1946) de CharlesVidor, El Sueño Eterno (1946) de Howard Hawks, La Dama De Shangai  (1947) de Orson Welles, y Gun Crazy  (1950) de Joseph H. Lewis. Otra obra del género es The Hitch-Hiker  (1953), dirigida por la que también fue famosa actriz Ida Lupino, que descubrió varias de las técnicas y temas que caracterizan el cine negro.

Un Western Psicológico

y un Melodrama sobre Hollywood

Otras obras que hay que destacar entre lo mejor del cine americano de postguerra, son; Solo Ante El Peligro (High Noon), obra maestra del western psicológico, dirigida en 1952 por Fred Zinnemann, y El Crepúsculo De Los Dioses (Sunset  Boulevart , 1950), visión ácida del mundo del cine deHollywood, donde la gloria se pierde en un solo día, una joya imperdurable de Billy Wilder.

Género Musical

El género musical experimenta una regeneración con un estilo libre que permite que las secuencias musicales se sucedan dentro de la lógica de la acción. Es el caso de Un Día En Nueva York  (On The Town , 1949) y la maravillosa Cantando Bajo La Lluvia (Singin´ In The Rain, 1952), con momentos inolvidables en una visión del paso del cine mudo al cine sonoro, del dúo Stanley Donen y Gene Kelly. Éstos,  junto con Vincent Minnelli, serán las máximas figuras del género musical de postguerra. Otras Obras Willian Dieterle dirige Jennie (Portrait Of Jennie , 1948) George Cukor vuelve a dirigir otra comedia sublime Adam´s Rib, 1949 Leo McCarey dirige Going My Way  en 1944, y hace otra versión de la película Tú Y  Yo (Love Affair ) de 1939, retitulada  An Affair To Remember , 1957, inteligente y

hermosa historia de amor con un final emocionante. Una gran obra maestra.

El alemán-francés Max Ophuls continúa con su estilo transparente y refinado en la romántica, original y deliciosa Carta A Una Desconocida (1948), en La Ronde (1950) y en Madame De... (1953).

Capítulos 2 y 3: Cautivos del mal, de Minelli. Capítulo 5: Ser o no ser. Capítulo 5 y 7: Sed de mal. Capítulo 7 y 10: Cantando bajo la lluvia. Capítulo 10: Los géneros. El Halcón Maltés, El sueño eterno, Solo ante el peligro. Capítulo 12: Carta a una desconocida y Qué bello es vivir.

Historia >Cine de Postguerra > Francia Para competir con la industria norteamericana, el cine francés recuperará a sus más prestigiosos cineastas que abordarán una producción de calidad, el llamado cinéma de qualité, cuyo academicismo acabará siendo duramente rechazado por los sectores más j óvenes de la intelectualidad francesa. El estilo realista de directores como Marcel Carné y Jean Renoir, que dió lugar en los años 30 al llamado naturalismo poético, queda desfasado con la aparición de las películas italianas del movimiento neorrealista. René Clair vuelve a Francia y continúa cultivando la sátira y las fantasías oníricas. Un director que destaca en estos años, es René Clément que, en 1952, fiel a su obra anterior, realiza un valioso alegato contra los horrores de la guerra, a través de un poético retrato de infancia,  Juegos Prohibidos ( Jeux Interdits). También destaca la obra de suspense y fatalismo de Henri Georges Clouzot, El Salario Del  Miedo (Le Salaire De La Peur , 1952). Jacques Becker aporta una de las obras más contundentes y vigorosas de la década de los 50, París Bajos Fondos (Casque D'or , 1952), en la que reconstruye meticulosamente un suceso auténtico ocurrido en el París de principios de siglo. También dirige La Evasión (Le Trou, 1959). Otra gran revelación del cine francés de los años cincuenta es el cómico Jacques Tati que interpreta y dirige seis obras maestras, como Las Vacaciones De M. Hulot  (Les Vacances De M. Hulot , 1953) y Mi Tío (Mon Oncle, 1958). En ellas da rienda suelta a su visión satírica de las costumbres burguesas de la moderna civilización urbana y define un estilo cómico elaborado e intelectual, que recupera el clásico gag visual, al que incorpora el elemento sonoro. En 1954, la directora belga Agnès Varda realiza su primera película La Pointe Courte, considerada el antecedente de la nouvelle vague. Varda escribe, produce y dirige sus películas con total libertad, siguiendo modelos de trabajo de le nouveau roman y proponiendo innovaciones en los temas, en la narrativa y en las soluciones cinematográficas. Un autor con una idea muy personal de su arte y de su oficio es Robert Bresson, que con Diario De Un Cura De Campo (Le Journal D´un Curé De Campagne , 1951) avisa de su originalidad con nuevas formas de hacer un cine diferente de lo que se había visto. En este tiempo también dirige Un Condenado A Muerte Se Ha Escapado (1956), y después, Pickpoket (1960) y El Proceso De Juana De Arco (1962).

Historia >Cine de Postguerra > Gran Bretaña Tras la guerra, el colosal imperio cinematográfico del multimillonario Arthur Rank, consolidado definitivamente, continúa su producción de costosas películas de prestigio, entre las que destacan Cadenas Rotas (Great Expectations, 1946) y Oliver  Twist  (1947), ambas a partir de textos de Charles Dickens, dirigidas por David Lean, y sobre todo, las adaptaciones cinematográficas de obras de Shakespeare, Hamlet (1948) y Ricardo III (1955), realizadas por Laurence Olivier. Michael Powell sigue con películas extraordinarias, algunas codirigidas con Emeric Pressburger, Black Narcisus (1946),  A Matter Of Life And Death (1946), I Know  Where I´m Going (1947), The Red Shoes (1948), y Peeping Tom (1959).

Pero las películas que alcanzarán mayor éxito de público, en estos años, serán las policíacas. Uno de sus más destacados exponentes, el realizador Carol Reed, alcanzará las cotas más altas del género con El Tercer Hombre (The Third Man, 1949), con guión del novelista Graham Greene y la interpretación de Orson Welles. A partir de 1949, se inicia el período de apogeo de la comedia británica. A ello contribuye la empresa independiente ESTUDIOS EALING, que produce un ciclo de películas cómicas de gran popularidad, entre las que destaca El Quinteto De La Muerte (The Lady Killers, 1955) de Alexander Mackendrick, y cuyo éxito se debe en gran medida al talento del actor Alec Guiness. Pero en 1955, los ESTUDIOS EALING son vendidos a la televisión.

Capítulo 7: El tercer hombre y El quinteto de la muerte.

Historia >Cine de Postguerra > España La década de los 40 está marcada por el control admistrativo del Estado. Sólo algunos directores como Benito Perojo y Florián Rey producen algo. Son los años de la creación del Departamento Nacional de Cinematografía (órgano encargado de velar por las cuotas de doblaje y de la censura) y del NO-DO. Con este panorama, Edgar Neville consigue hacer películas aceptables, como El  Crimen De La Calle Bordadores (1946). Y en 1948, una excepción, Llorenc Llobet Gracia realiza Vida En Sombras, una auténtica joya, una obra maestra aunque también maldita. La década de los 50 aporta alguna esperanza de renovación, aparece Surcos (1951), de Nieves Conde, un drama con influencia del neorrealismo italiano, que da paso a dos nuevos talentos: Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga. Formados en la primera promoción del nuevo IIEC (Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, fundado en 1947), ambos codirigen su primera película Esa Pareja Feliz (1951) y escriben juntos el guión de Bienvenido Mr Marshal  (1953) que dirigirá Berlanga. Bardem fue fundador de la revista Objetivo y uno de los principales promotores,  junto a Basilio Martín Patino, de Las conversaciones de Salamanca , jornadas de cine celebradas para revisar el lamentable estado del cine español y para renovar su gris panorama.

Capítulo 9 y 10 : Plácido y La escopeta nacional. Capítulo 11: Muerte de un ciclista, Surcos, Calle Mayor, Bienvenido Mister Marshal, El verdugo y La comedia realista española.

Historia >Cine de Postguerra > Otras Cinematográficas En estos años, se desarrolla el cine en otros países y surgen algunos de los más brillantes creadores del Séptimo Arte.

Países Nórdicos Tras la guerra, se inicia en Suecia la recuperación de laindustria del cine. Ello favorecerá la aparición a principios de los años 50, de uno de los grandes genios del cine, Ingmar Bergman, que ya, en 1956, realiza una de sus primeras obras maestras, El Séptimo Sello (Det Sjunde Inseglet ). Bergman es autor de reflexiones e interrogaciones sobre la incomunicación, las debilidades humanas y la muerte.

Capítulo 11: El séptimo sello.

Japón El cine japonés vive un desarrollo muy importante tras la guerra, continuando con el método iniciado en los años 30, a base de mezclar los hallazgos de otras cinematografías con las innovaciones propias. Los japoneses fueron pioneros en ciertos usos y movimientos de cámara, de la creación de espacios en profundidad, de las tomas largas, etc. Los directores más significativos, con un tratamiento personal único en su estlio cinematográfico son Kenji Mizoguchi y Yasuhiro Ozu. Ellos utilizan tomas largas como alternativa al montaje, la profundidad de campo, ángulos y movimientos de cámara diferentes, como la altura de cámara más baja de lo habitual, en Ozu, creando una mirada completamente nueva de la composición del plano. Estas innovaciones son utilizadas luego por Orson Welles en Ciudadano Kane. De Mizoguchi son, entre un buen número de obras imprescindibles, Cuentos De La Luna Pálida (Ugetsu Monogatari , 1953) y El Intendente Sansho (Sansho Dayu, 1954) . Entre las obras maestras de Ozu, está Historias De Tokio (Tokio Monogatari , 1953) Pero occidente se identifica más con otro director, Akira Kurosawa. En 1950 su película Rashomon provoca un honda conmoción en el panorama internacional. En los 50 la convencional y rígida sociedad japonesa no hace fácil que una mujer dirija, pero esto lo logra la actriz más famosa y respetada, Kinuyo Tanaka. Ella no innova formas pero aporta sensibilidad femenina en las relaciones de sus personajes, que a veces se oponen a las normas de comportamiento establecidas. Ante la hostilidad e indiferencia de su país, y tras realizar Chibusa Yo Eien Nare, 1955, y otras cinco películas más, decide abandonar la dirección. Pasarán años hasta que otra directora le suceda.

Capítulo 11: Rashomon y Cuentos de la luna pálida.

India A diferencia de Japón, la diversidad idiómatica y el bajo nivel cultural de la India dificultan la consolidación de un cine de calidad, a pesar de ser el país que mayor número de películas produce. Aún así, hay una figura de gran relevancia internacional, Satyajit Ray, otro de los grandes de la historia del cine, autor de una robusta, maravillosa y conmovedora trilogía realista, compuesta por El Lamento Del Sendero (Pather Panchali , 1952-55), El Invencible ( Apajarito, 1957) y El Mundo De Apu ( Apur Sansar , 1959).

Capítulo 11: El mundo de Apu.

Latinoamérica El cine en América Latina se desarrolló bajo el control, en muchos casos, de las compañías de Hollywood. Con la llegada del sonoro se ruedan durante algunos años en EE.UU. versiones "hispanas" de muchas películas (más baratas y peor rodadas). En los años 40 se consolidan tres grandes industrias nacionales en México, Argentina y Brasil. En México, tras un ciclo de cine revolucionario e indigenista, se consagrará una versión nacionalista del melodrama, con tintes pasionales y una estética tremendista en la que no faltan corridos y canciones. El modelo fue  Allá en el  rancho grande de Fernando de Fuentes (1936). Del cine mexicano proceden algunos de los actores más populares del momento, como Mario Moreno Cantinflas, María Félix, Pedro Armendáriz y Dolores del Río. México cuenta con importantes operadores y cineastas, entre los que destaca Emilio "el indio" Fernández y su operador Gabriel Figueroa , muy influidos por la visita de Eisenstein que rodó en 1931 la mítica ¡Viva México!, autores de películas como María Candelaria (1943), La perla (1946) o Maclovia (1948). Otros nombres que deben mencionarse son los de Alejandro Galindo , influido por Welles , y autor de Espaldas mojadas (1953) y Roberto Gavaldón . A ellos se unió desde 1950 el español Luis Buñuel , con Los olvidados (1950) y Nazarín (1958). En Argentina, además del cine de tango (con el cantante Carlos Gardel, que llegó a rodar en Hollywood) y otros esterotipos, hay que citar al pionero José Agustín Ferreyra . Pero los dos cineastas más sólidos fueron Leopoldo Torres Ríos (cuyo hijo Leopoldo Torres Nilsson sería asimismo destacado realizador) y Lucas Demare famoso por su epopeya La guerra gaucha (1942). El cine de Brasil se inició con dos géneros propios: la chanchada , un género de escasa calidad que divertía con el habla de los tipos populares, y la comedia con canciones de carnaval que lanzó a Carmen Miranda como estrella internacional. El director más importante fue Alberto Cavalcanti , un realizador que rodó mucho en Europa antes de volver a su país. Antes de la irrupción del Cinema Novo hay que mencionar el film O Cangaceiro (1953), de Víctor Lima Barreto . Se trata de una interesante película de aventuras y bandoleros, con música brasileña.

Historia > Autores >Orson Welles Poco antes de que estalle la II Guerra Mundial, el 30 de octubre de 1938, Orson Welles lleva a cabo una interesante experiencia, de consecuencias impensables, consistente en la adaptación radiofónica de La guerra de los mundos , de H. G. Welles. La emisión provocó tal impacto que O. Welles fue fichado por la R.K.O. con un contrato sin precedentes para un actor y director teatral sin experiencia en cine. A partir de ahí, este insigne director, que es uno de los grandes del cine, vio marcada su vida por el éxito de sus obras y por la polémica que suscitaban sus enfrentamientos con la industria de Hollywood. Welles contribuye considerablemente, con sus películas de hondo calado psicológico, a la renovación y consolidación del lenguaje cinematográfico.

Su Filmografía En 1941, y con tan sólo 25 años, culmina su primera película, Ciudadano Kane, auténtico mito cinematográfico por lo atrevido de su argumento, pero sobre todo por su lucidez narrativa. La película está marcada desde el punto de vista de la realización por una impronta cuasi revolucionaria, nunca vista desde que en 1914 D. W. Griffith sacara a la luz El Nacimiento De Una Nación. En 1942 rueda El Cuarto Mandamiento, retrato social de una América con profundos arraigos clasistas. Esta nueva incursión en la polémica, sumada a los proyectos inacabados de It's All True (1942) y Estambul  (1942), le enfrenta con la industria cinematográfica y le obliga a abandonar Estados Unidos, no sin antes rodar Macbeth (1948). En Macbeth y luego en Otelo (1951), explota con sabiduría las posibilidades de la iluminación expresionista puesta al servicio de las inquietudes íntimas de los personajes. Su etapa shakesperiana se cerraría con Campanadas A Medianoche, rodada en España en 1966. Del mismo período destacan películas como Mr. Arkadin (1955), también rodada en España, y Sed De Mal , 1958, nuevo alarde de cinematografía, cuyo arranque, con un brillante plano secuencia, marca el tono de calidad del resto del film. En Fraude (1973), una de sus últimas creaciones, este mago del cine, invita al público a preguntarse sobre la autenticidad de las imágenes. Uno de los mejores legados que puede dejar un gran manipulador de imágenes de la historia del cine.

Historia > Autores > Luchino Visconti Crítico Cronista de lo Humano Visconti estuvo marcado de principio por su origen aristocrático y por haber sido ayudante de dirección de Jean Renoir en cuatro películas. A lo largo de toda su producción, Visconti ejerció de voraz analista de la condición humana, tratando aquellos temas que más le preocupaban, como la soledad, la incomunidación y la decandecia del hombre y de la sociedad. Ya en Ossesione (1942), personal adaptación de El Cartero Siempre Llama Dos Veces, de J. M. Cain, pudo demostrar que su cine se destacaba del tono acomodado característico de la época. Definida por algunos críticos como la antesala del neorrealismo, esta película se sirve de un triángulo amoroso para articular una trágica historia de hombres y mujeres en situaciones reales y en escenarios naturales. La gran particularidad del cine de Visconti fue la de llevar impreso una estética y un refinado gusto muy bien integrado con la realidad que trataba de representar. En La Tierra Tiembla (La Terra Trema, 1948), una de sus mejores obras, pudo hacer alarde de este interesante sentido estético, además de inscribir en su argumento toda la carga ideológica del progresismo que abanderaba. En el film trasciende, mediante la tragedia de un pescador rebelde que pierde sus pocos bienes, la idea de fondo de la necesidad de revolución colectiva para abanderar los cambios sociales. En él, Visconti dirige férreamente a auténticos pescadores sicilianos.

Crítico Cronista de la Sociedad En El Gatopardo (1963) y Senso (1954), películas de reflexión sobre la belleza y de búsqueda de la estética, Visconti aplica su poder analítico a las revisiones históricas y a la descomposición de la aristocracia, otro de sus grandes motivos temáticos, también impreso en La Caída De Los Dioses (1969). En ocasiones, el tono culto de sus planteamientos revisionistas terminaba por ofrecer resultados ambiguos o crípticos para el gran público, por lo que Visconti no dejó nunca de cultivar asuntos más populares. Así nacieron películas como Rocco Y  Sus Hermanos (1960), emotiva película sobre las dificultades de adaptación de una familia campesina al ritmo industrial de la gran ciudad. Con un tono melodramático muy acusado, el film ahonda con tono amargo en la descomposición del núcleo familiar. Sus crudas escenas, como la pelea entre los dos hermanos (Rocco y Simone) o el asesinato de la prostituta, provocaron que su estreno fuese acompañado de polémica.

Últimas Producciones Su etapa final estuvo marcada por la afinidad con la literatura alemana del siglo XIX, con títulos como La Caída De Los Dioses (1969), Muerte En Venecia (1970), película sobre la creación artística y la atracción física, llena de símbolos sobre la contemplación de la belleza y la muerte, y Ludwig (1973). En ellas siguió imprimiendo Visconti los temas que más le afectaban, pero siempre con el mismo sentido crítico y comprometido que en el resto de su obra.

Historia > Autores > Roberto Rossellini Es el máximo representante del Neorrealismo y otro de los grandes del cine. Roma, Ciudad Abierta (Roma, Cittá Aperta, 1945), cuyo argumento transcurre en plena ocupación nazi en Italia, es una de las películas que más literatura crítica ha engendrado, especialmente por lo que supone de renovación dentro del panorama de cine italiano, anclado por entonces en sentimentales e insípidos melodramas. Pronto esta renovación se haría extensible a otros países y directores, y abriría el paso definitivo a la consolidación del neorrealismo. Su éxito radica en la utilización de decorados naturales y de actores no profesionales, circunstancias provocadas en parte por la falta de medios económicos y técnicos, pero que significa finalmente la aparición de un nuevo estilo de hacer cine, completamente apegado a la realidad, y que Rossellini plasmó igualmente en Paisà (1946) y en Germania, Anno Zero (1947), ambas sobre el mismo fondo bélico. Curiosamente, esta nueva tendencia estilística no respondía a una radical rebelión estética, sino a una profunda convicción de creador. Y es que para Rossellini, el realismo es la forma artística de la verdad. Una forma de acercarse a héroes anónimos, extraídos del día a día, encausados en la lucha por una vida digna. De su relación con la actriz Ingrid Bergman, con la que se casó, surgieron títulos inolvidables como Stromboli (Stromboli, Terra Di Dio, 1949), Europa 1951 ( 1952) y Te Querré Siempre (Viaggio In Italia, 1953), si bien no todas tuvieron en su día el éxito esperado. Estos fracasos de taquilla supusieron la vuelta a Hollywood de Ingrid Bergmann. Rossellini, sin embargo, renunció desde un principio a los cantos de sirena de la gran industria americana y se mantuvo firme en su personal reto de enfrentarse a la realidad tal como es, buscando en el hombre cotidiano respuestas sobre su propia humanidad, a través de una curiosa mirada teñida muchas veces de una notable espiritualidad cristiana.

Producción Televisiva

Finalmente, su vocación de cineasta comprometido le deriva hacia la televisión educativa, donde realiza films y documentales de naturaleza didáctica, como la acertada reconstrucción histórica de La Toma Del Poder Por Luis XIV  (La Prise De Pouvoir Par Louis XIV , 1967).

Historia> Autores> Luis García Berlanga Comparado con Bardem, Luis García Berlanga apostó por un cine más entroncado con en el humor de sainete, aunque con buena carga de acidez, como dejó demostrado en Bienvenido, Mr. Marshall  (1952), Calabuch (1956), Los Jueves, Milagro (1957), y Vivan Los Novios (1969). Mención especial merecen Plácido (1961), en la que carga contra la hipocresía de ciertas prácticas caritativas y El  Verdugo (1963), en la que denuncia la pena de muerte. Pero sin duda alguna, la gran obra de esta primera época es Bienvenido, Mr. Marshall . Esta genial comedia plantea como fondo la visita de una delegación estadounidense a un pueblo castellano, con motivo de los acuerdos planteados por el histórico plan Marshall. Berlanga se sirve de este hecho anecdótico para satirizar acerca del Plan y sobre todo acerca de una sociedad española aún en subdesarrollo. Posteriormente, Berlanga va incrementando la carga crítica de sus argumentos, hasta convertirlos en auténticos retratos esperpénticos de la sociedad en que le tocó vivir. En esta época, en la que colaboró principalmente con el guionista Rafael Azcona, vieron la luz filmes como La Escopeta Nacional  (1977), Patrimonio Nacional  (1980) y Nacional III  (1982), las tres basadas en la vida de la familia del Marqués de Leguineche, inserta en pleno proceso de transición de la dictadura a la democracia. Sus posteriores entregas han mantenido el tono satírico, destacando por su éxito comercial La Vaquilla (1985), en la que parodia sobre la contienda civil española. Tras Moros Y Cristianos (1987), llegaron Todos A La Cárcel (1993) y París-Tombuctú (1999), que puede considerarse como su testamento fílmico.

Historia > Autores > Juan Antonio Bardem y Berlanga son dos de las figuras que mejor representan los intentos de renovación que surge en el panorama cinematográfico español tras décadas de cine menor. Anteriormente, Juan Antonio Nieves Conde les había abierto el paso con la realización de Surcos (1951), película que por primera vez se acercaba a la realidad social española desde una perspectiva cruda, sin edulcorantes, propia de una mirada influenciada por el cine neorrealista italiano. Bardem

En la década de los 50, Bardem funda con otros la revista cinematográfica Objetivo, que tendrá entre otras prioridades la de revisar críticamente el panorama del cine español. Los resultados los expone en las Conversaciones de Salamanca, celebradas en 1955, con la intención de revisar e impulsar el cine. Es famoso su dictamen: "políticamente ineficaz, socialmente falso, intelectualmente ínfimo, estéticamente nulo e industrialmente raquítico". Fruto de estas convicciones, y con vocación renovadora, dirige Bardem en 1955 Muerte De Un Ciclista. La película, que mantiene influencias de Cronica De Un  Amore (1950), de Antonioni, profundiza en aspectos sociales con fuerte carga crítica. El atropello y posterior muerte de un ciclista le sirven a Bardem para denunciar el egoísmo insolidario de la burguesía. Un año después, durante el rodaje de Calle Mayor  (1956), fue detenido, al considerarse que la historia atentaba contra la moral de los espectadores. En ella, de nuevo con toques neorrealistas, Bardem refleja con pesimismo una sociedad enclaustrada en el pasado. La misma mirada aplicó, con resultados diversos, a Cómicos (1953), Nunca Pasa Nada (1963), y Variétes (1970), las tres enmarcadas en el mundo del teatro. El éxito conseguido por Muerte De Un Ciclista y por Calle Mayor (ambas premiadas internacionalmente) le permitieron realizar varias coproducciones internacionales, que no alcanzaron la calidad y resonancia de sus primeras obras. Posteriormente, reforzaría el carácter político de su cine en Siete Días De Enero (1977), La  Advertencia (1982) y Resultado Final (1997), con resultados más que discretos si se comparan con la repercusión obtenida por sus mejores títulos.

Historia>Años 60 y 70 Ante la creciente popularidad del fenómeno televisivo, los estudios de Hollywood inician una etapa de espectacularidad y de novedosos procedimientos técnicos. Aparece el cine en relieve o en 3-D, el Cinerama, con un sistema de tres películas contiguas proyectadas en una enorme pantalla cóncava, la pantalla circular del Circarama, y el cine oloroso u Odorama. Éstas son tan sólo algunas de las estrambóticas propuestas que desarrolla la industria de Hollywood, en un intento de atraer a las grandes masas de público. Pero de esta fiebre técnica surgen las películas de 70 milímetros y el cinemascope y con ello la pantalla panorámica, de proporciones en torno a 1/2, que se impone al formato tradicional de 3/4. Para abaratar, en la medida de lo posible, los gastos de producción, los estudios americanos comenzarán a rodar sus películas en países europeos. En Italia se rueda Ben Hur  (1959), de William Wyler, y Cleopatra (1961-63) de J.L. Mankiewicz. A España llegará en 1959, el célebre productor Samuel Bronston que producirá, entre otras, El Cid (1961), dirigida por Anthony Mann. Pero, frente a este cine encabezado por Hollywood, surgen en varios países nuevas corrientes , con producciones menos costosas y mayor independencia creativa. Se trata de cine alternativo, experimental, avant-garde , underground ..., que en ocasiones es cine de calidad, comprometido, feminista, intimista, y explorador de técnicas. Así, aparecen los nuevos cines y el cine de autor. Aunque estos cines no se ven favorecidos por los medios de distribución. Este capítulo, aunque lleva el título " los años 60 y 70", se inicia con obras pertenecientes a los últimos años de la década de los 50.

Historia > Años 60 y 70 > EEUU La Influencia de la Televisión Las pequeñas compañías producen películas "menores" que abordan temas de la vida cotidiana norteamericana, tratados de manera sobria y directa. Los escenarios son las calles de las ciudades, y los personajes, las gentes que deambulan por ellas. Los artífices de esta corriente son algunos directores que proceden de la nueva industria televisiva. Delbert Mann muestra en Marty  (1955), el reverso de la película romántica, al narrar la historia de amor entre un carnicero y una apocada institutriz; Sidney Lumet, con Doce Hombres Sin Piedad  (Twelve Angry Men, 1957) hace un profundo diagnóstico de la sociedad norteamericana, a través del retrato de doce hombres encerrados en la sala de deliberaciones de un jurado; y Martin Ritt con obras magistrales sobre la decadencia moral de occidente, como Donde La Ciudad Termina (Edge Of The City , 1957) y Hud  (1963). Sin embargo, una vez absorbidos por la industria de Hollywood, estos jóvenes directores ceden a la presión del mercado y su obra posterior pierde el vigor mostrado en sus primeras películas.

En busca de Fuentes de Inspiración También en estos años, comienza a tener un cierto grado de aceptación el cine europeo que produce algunas películas más intelectuales, como las de Fellini o las de Bergman. Como respuesta, Hollywood produce adaptaciones de obras de o Tennessee Williams, William Faulkner y Arthur Miller. De este modo, surgen películas como Baby Doll  (1956) de Elia Kazan, La Gata Sobre El Tejado De Zinc (Cat Over A Hot Tin Roof , 1958) de Richard Brooks, y La Noche De La Iguana (Night Of The Iguana, 1964) de John Huston, basadas las tres en piezas teatrales de Tennessee Williams; y El Largo Y Cálido Verano (The Long Hot Summer , 1957) de Martin Ritt, a partir de una novela de Faulkner.

Nueva Dimensión de los Géneros Si en la edad de oro de Hollywood la producción se articulaba en torno a una férrea estructuración por géneros, a partir de este momento, algunos directores crean importantes obras que superan y renuevan estas categorías. Tal es el caso de  Johnny Guitar  (1953), un western "intelectual" y de Rebelde Sin Causa (Rebel  Without A Cause, 1955) de Nicholas Ray; de El Apartamento (The Apartment , 1960), una de las más agrias comedias, y quizás la mejor, de Billy Wilder; o el de las nuevas aportaciones al género policíaco, encabezadas por Sed De Mal (Touch Of  Evi l, 1958) de Orson Welles, y por Atraco Perfecto (The Killing, 1956) de Stanley Kubrick en . Otro de los grandes creadores del momento es Arthur Penn, cuya obra refleja de manera crítica y precisa la hostilidad del medio y la violencia del ser humano. Su estilo profundo y contenido está presente en La Jauría Humana (The Chase, 1966) y en Bonnie And Clyde (1967). En 1970, realiza Pequeño Gran Hombre (Little Big Man), una visión crítica y desmitificadora de la conquista del Oeste . Con la aparición en 1961 de West Side Story de Robert Wise y Jerome Robbins, se recupera el género de la comedia musical, al que en 1963 se une My Fair Lady  de George Cukor, Camelot , 1967 de Joshua Logan y Cabaret  en 1972, de Bob Fosse. En otro orden, Blake Edwards realiza la desgarradora y bella, Days Of Wine And  Roses, 1962. Samuel Fuller dirige una película dura, Corredor Sin Retorno (Shock corridor, 1963). Y Robert Mulligan El Hombre Clave (The Nickel Ride, 1974), de cine negro, sobre la soledad y la pérdida del poder. También se recupera el género cómico con algunas películas notables de Jerry Lewis, con un sentido del humor inteligente y extravagante.

Nuevas Corrientes Con la irrupción de la nueva moral hippy a finales de los 60, la industria de Hollywood se somete a una reconversión ideológica. Así, el alemán Mike Nichols con ¿Quién Teme A Virginia Woolf?  (Who´s Afraid Of Virginia Woolf, 1966 ), y con El  Graduado (The Graduate, 1967) da claras muestras del discurrir de las nuevas generaciones. El actor y director Dennis Hopper irá un paso más allá con su visión autocrítica en Easy Rider (1969), un ataque frontal al estilo de vida americano. En

esta línea también se inscriben Cowboy De Medianoche (Midnight Cowboy , 1969) del inglés John Schlesinger y Alguien Voló Sobre El Nido Del Cuco (One Flew Over  The Cuckoo's Nest , 1975) del checo Milos Forman. En los años 70 Hollywood incorpora fuertes dosis de erotismo y de violencia. En esta línea se enmarca la obra sincera, desgarradora y siempre al límite de Sam Peckinpah, que con Perros De Paja (Straw Dogs, 1971) y La Huida (The Getaway , 1972), se convierte en el mayor especialista en cine con violencia. También, el polaco Roman Polanski, con La Semilla Del Diablo (Rosemary's Baby , 1968) y Chinatown (1974), y William Friedkin, con El Exorcista (The Exorcist , 1973). También hay películas bonitas y de aventuras como Robin And Marian (1976), la mejor película sobre Robin Hood, de Richard Lester, y el inicio en 1977 de la saga de George Lucas, The War Star . En estos años aprece Francis Ford Coppola, una de las grandes promesas del cine americano que, en 1972 triunfa con una de las mejores películas de la historia, el retrato de la mafia italoamericana en El Padrino (The Godfather ), y en 1974 con la excelente La Conversación (The Conversation), sobre la vida privada y la responsabilidad personal mezcladas con intrigas por el poder.

Independientes y Otros Al margen de la gran industria, destaca la obra independiente del actor y realizador John Cassavetes , que comienza a dirigir, dentro de la Escuela de Nueva York y del new american cinema, con la película Shadows (1960), y sigue con Faces (1968), Husbands ( 1970) y Una Mujer Bajo La Influencia ( A Woman Under The Influence, 1974), películas de estilo muy personal y gran libertad expresiva, y que dan gran importancia a los diálogos y a la improvisación. El independiente, rebelde e innovador Robert Altman dirige en 1970 MASH  y en 1975 Nashville. El también rebelde e inconformista Richard Brooks dirige The Professionals (1966), In Cold Blood  (1967) y Looking For Mr. Goodbar  (1977). Del también independiente Monte Hellman es, entre otras, Two Lane Blacktop (1971). La rabiosamente independiente y artística Carolee Schneemann intenta expresarse utilizando el mismo medio cinematográfico, manipulando el cuerpo humano y diversidad de materiales y soportes, incluso interviniendo manualmente en el celuloide, como otros artistas hacen con otros medios. Fuses (1967), es un ejemplo de sus films polémicos, de imaginería sexual, rompedor de tabúes y de técnicas de hacer cine. La más importante representante de los directores del movimiento independiente americano es Shirley Clarke, sin menospreciar a Maya Deren, Stan Brakhage, Jonas Mekas, Michael Snow, Kenneth Anger y Andy Warhol. En 1959, Clarke realiza Bridges-go-round , un poema de expresionismo abstracto. Después se hace más realista, sigue las propuestas del cinema verité y contribuye al surgimiento del new american cinema y de las distribuidoras no comerciales, como con The Connection (1961).

Capítulo 1: El hombre que pudo reinar, 1975, de Huston. El  guateque, 1968, de Edwards. Capítulo 3: Dos semanas en otra ciudad, 1962 de Minelli. Capítulo 5: Johnny Guitar. Capítulo 7: Johnny Guitar; Sed de mal; La semilla del diablo. Capítulo 8 y capítulo 4: La guerra de las Galaxias. Capítulo 10: "Los géneros"; West Side Story; Cabaret; Grupo salvaje; All that jazz, 1979 de Fosse; El bueno, el feo y  el malo, 1966 de Leone; Dias de vino y rosas; Con faldas y a lo loco, 1959 de Wilder; Imitación de la vida, 1959 de Sirk. Capítulo 12: La guerra de las galaxias; El apartamento.

Historia > Años 60 y 70 > Francia Agrupados en torno a la revista Cahiers du Cinéma, un grupo de jóvenes intelectuales, impetuosos y con un gran amor por el cine, se enfrenta al cine francés imperante de fuerte carga literaria. Desde esta revista, critican la sumisión del cine francés a la literatura, rechazan la dominación ejercida por los productores sobre la obra cinematográfica y reivindican la figura del autor como primera y más importante entidad creadora del film. Fieles admiradores de Hitchcock, de Ford y de tantos otros directores, estos jóvenes proclaman la grandeza del cine americano, del que destacan el carácter "anti-intelectual" de sus westerns y de sus musicales. Pero frente a la rígida organización de los estudios de Hollywood, estos jóvenes plantean nuevos métodos de producción, con presupuestos muy reducidos, que les permiten acceder a la industria por sus propios medios. Al nuevo grupo de jóvenes pertenecientes al círculo intelectual de la revista Cahiers du Cinema, se les conocerá como la Nouvelle Vague y éstas son algunas de las características de sus películas: - bajo presupuesto - rodaje en exteriores en París y con pocos medios técnicos - uso de cámaras ligeras para rodar en mano y con libertad - cambio en la fotografía con movimientos novedosos - tomas largas al estilo de Preminger o Mizoguchi - personajes sin rumbo ni expectativas - momentos de improvisación de rodaje y de los actores - montaje discontinuo - planos-homenaje a otros autores Los directores de este movimiento son: - Jacques Rivette, con una primera película hermosa, París Nous Appartient  (1960). Luego será un director minoritario y marginado por los circuitos de distribución, a pesar de sus películas muy buenas. - Claude Chabrol, Los Primos (Les Cousins, 1959). - FranÇois Truffaut, que con Los Cuatrocientos Golpes (Les Quatre Cents Coups) gana el Gran Premio del Festival de Cannes en 1959. - Jean Luc Godard, el más subversivo y antiacadémico del grupo, que en 1959 hace  Al Final De La Escapada ( A Bout De Souffle) rompiendo todos los moldes e iniciando un nuevo lenguaje. - Eric Rohmer, comienza como uno de los más cualificados del grupo, pero hará una obra muy personal y coherente, fiel a un estilo propio admirable y maravilloso. Ma Nuit Chez Maud  1969, y Le Genou De Claire (1970), serán seguidas de peliculas modernas y con vigencia todavía hoy. -y Alain Resnais, Hiroshima, Mon Amour  (1959). Después de esta extraordinaria película, seguirá con un estilo hermético e insólito pero de gran impacto: L´année Derniére À Marienbad  (1961), La Guerre Est Finie (1966),  Je T´aime, Je T´aime ( 1968), etc. El guión de Hiroshima, Mon Amour  lo escribe Marguerite Duràs, que también dirige películas basadas en sus propias novelas. En ellas reta el modo convencional de narrar y busca nuevos caminos de comunicación desde la idea de que esto lo lograrán las mujeres, frente a la clásica dominación de los hombres. En la lírica India Song (1975), la banda de sonido cobra tanto interés como la de las imágenes al experimentar con el contrapunto, separándolas por completo. Los directores de la nueva ola llevan a cabo una verdadera renovación del lenguaje cinematográfico. A ellos se debe el concepto de cine de autor. Pero en su evolución, los directores de la nueva ola francesa adoptan rumbos distintos, sobre todo a raíz de la crisis política de mayo de 1968. Frente a Jean Luc Godard, el más radical del grupo, que pasa una época de cine combativo de militancia marxista-leninista de muy escasa difusión, otros optan por integrarse dentro de las estructuras tradicionales de la industria del cine. Es e l caso de Claude Chabrol y de François Truffaut. Chabrol inicia con La Mujer Infiel  (Le Femme Infidèle, 1968) una etapa de películas policíacas como El Carnicero (Le Boucher , 1969), Relaciones Sangrientas (Les Nouces Rouges,1972), e Inocentes Con Las Manos Sucias (Les Innocents Aux Mains Sales, 1975). Desde planteamientos menos radicales que los de Godard, una serie de cineastas, bajo el impacto de la crisis de mayo del 68, inician un ciclo de películas de carga política en las que se recuperan episodios históricos recientes. Tal es el caso de Z (Z 

Ou L`anatomic D`un Assassinat ,1968), cuyo guión de Jorge Semprún, se inspira en el asesinato del político griego Gregorios Lambrakis, en 1963, por elementos de la extrema derecha, y Estado De Sitio (État De Siège,1972), sobre la guerrilla en Montevideo, ambas dirigidas por el director de origen griego Constantin Costa-Gavras. También Louis Malle refiere acontecimientos históricos en Lacombe Lucien (1973), y causa polémica en Francia al presentar la cara opuesta de las versiones heróicas del pueblo durante la ocupación alemana. Al margen de la Nueva Ola, hay también otros buenos directores: -Jean Rouch es uno de los más importantes documentalistas de la historia del cine, Cronique D´un Étè (1961). -También Chris Marker comienza como documentalista pero después se vuelve experimentador en películas como Lettre De Sibérie (1958) y La Jetée (1964). -Jacques Demy, con el maravilloso y melancólico cuento de hadas musical Les Parapluies De Cherbourg (1964), y con una de las mejores películas musicales, Les Demoiselles De Rochefort (1969). En Les Parapluies De Cherbourg es actriz Agnès Varda que se había adelantado a la nueva ola con La Pointe Courte (1956). En 1962 realiza Cléo De 5 À 7 , en la que la acción se desarrolla en el tiempo de la proyección. Cineasta que mantendrá propuestas feministas en obras como Una Canta, La Otra No (1976), y Sin Techo Ni  Ley (1985). -Louis Malle, con Les Amants (1958) y Le Feu Follet  (1963). Mas tarde realizará obras maestras como  Au Revoir Les Enfants (1987). -Jean Eustache, es renovador y personal en el importante drama sicológico y social La Maman Et La Putain , 1973. - Robert Bresson, gran creador de obras geniales, independiente, de estilo depurado y conciso, trabajando al margen de las modas. Ya había realizado obras maestras como Un Condamné À Mort C´est Échappé (1956), y en este período hará por ejemplo  Au Hasard Balthazar  (1966), y más tarde Quatre Nuits D´un Rêveur  (1971), o Lancelot Du Lac (1974). Paralelamente, y como consecuencia de la nouvelle vague surge en Suiza "el grupo de los cinco", cuyos representantes más importantes son Alain Tanner y Claude Goretta, con las características de la nueva ola y del free cinema.

Capítulo 5: Lenguaje; La noche americana (y Capítulos 9 y 

12).

Capítulo 11: "Los movimientos"; Al final de la escapada;

 Jules et Jim.

Historia > Años 60 y 70 > Gran Bretaña Free Cinema En 1956, nace el movimiento independiente Free Cinema con películas que tratan de recuperar la tradición del cine documental. A este grupo se unirán unos cineastas descontentos con el conformismo y la hipocresía de la sociedad en que viven, conocidos como los jóvenes airados ( angry young men). A partir de 1958, el Free Cinema incorpora largometrajes de ficción, destacando estos autores: Karel Reisz, John Schlesinger, Jack Clayton y sobre todo Tony Richardson, que aporta obras como Mirando Hacia Atrás Con Ira (Look Back In  Anger , 1959) y La Soledad Del Corredor De Fondo (The Loneliness Of The Long Distance Runner , 1962). Todos ellos comparten una visión sombría de la sociedad y un lenguaje amargo y pesimista. Se reúnen en torno al crítico y director Lindsay Anderson, autor de If  (1968), y de O Lucky Man! (1973), dos obras maestras, alegóricas y surrealistas.

Impacto de la TV El cine británico no es ajeno a la explosión del fenómeno televisivo. En estos años, buscará alternativas que le permitan recuperar a los sectores del público que abandonan las salas de cine y para ello recurre a la espectacularidad, con grandes superproducciones. Las más importantes son dirigidas magistralmente y sin renunciar a una dimensión intelectual, por David Lean, que con Lawrence De  Arabia (Lawrence Of Arabia, 1962) realiza un apasionante retrato del arqueólogo, agente político y escritor Thomas Edward Lawrence. Mayor éxito de público tendrán las aventuras del agente 007, interpretado inicialmente por Sean Connery, que darán lugar a una interminable serie de películas. Y en un nuevo intento de atraer a las masas de jóvenes, la compañía HAMMER FILMS inicia la producción de una larga lista de películas de terror protagonizadas por Peter Cushing y Christopher Lee.

Nuevas Revelaciones Ken Russell con su sensible adaptación de la obra de D.H. Lawrence Mujeres Enamoradas (Woman In Love, 1969), inicia una serie de películas de espectacularidad formal, inspiradas en obras literarias. Riddley Scott dirige The Duellits 1977,  Alien 1979 y más tarde Blade Runner , 1982.

Y en el terreno del cine intimista, aparece la obra, de fuerte carga crítica, del joven Ken Loach que, en Vida De Familia (Family Life, 1972), muestra la anulación de una joven, víctima de su medio familiar. El americano Joseph Losey, huído de "la caza de brujas", aunque irregular, dirige estas excelentes obras: The Servant , 1963;  Accident , 1967; The Go-between (El  Mensajero, 1971). Peter Brooks dirige magníficas películas como El Señor De Las Moscas ( The Lord  Of The Flies, 1963) una película de niños, pero no para niños, y Marat/Sade , 1967.

Capítulo 1: Alien; Lawrence de Arabia ( y en el 5). Capítulo 11: "Los movimientos"; La soledad del corredor de fondo; Sábado noche, domingo mañana (de Reisz).

Historia > Años 60 y 70 > Italia Algunos directores del movimiento neorrealista como Roberto Rossellini y Luchino Visconti continúan con obras menos realistas, mientras que otros como Federico Fellini, Michelangelo Antonioni y Pier Paolo Pasolini, parten de los principios y estilos del neorrealismo antes de encontrar su voz personal. Así, Antonioni se convierte en uno de los directores más discutidos de su tiempo. Realiza la impresionante Il Grido (1957), con temas relacionados con la vida obrera. En sus siguientes polémicas películas parece preocuparse más por la composición y la fotografía que por sus personajes burgueses, sumidos en la incomunicación, el aislamiento y el tedio: L´aventura (1960), La Notte (1961) y L´eclisse (1962). Su enorme prestigio le lleva al Reino Unido, donde dirige Blow Up (1967), y después a Hollywood, donde realiza, en 1970, Zabriskie Point , retrato de la comunidad hippy norteamericana, que plantea una crítica penetrante a la sociedad de consumo. Frente a estos retratos de la burguesía, Pier Paolo Pasolini sigue la línea postneorrealista, mostrando la falta de oportunidades para el subproletariado y para la mujer en particular. Después, su obra es más polémica, de cine-poesía, como Uccellachi Uccellini (1996) y la personal, lírica, freudiana y cargada de erotismo y de símbolos religiosos, Teorema (1969). Otras obras de Pasolini son: Mamma Roma (1963), sobre ambientes y tipos del subproletariado italiano, El Evangelio Según San Mateo (1964), Edipo Re (1967), y Medea (1970), y la adaptación de cuentos clásicos El Decamerón (1971), Los Cuentos De Canterbury  (1972), y Las 1001 Noches (1973). Entre los jóvenes realizadores destaca la figura de Bernardo Bertolucci con la virtuosa  Antes De La Revolución (Prima Della Revoluzione, 1964), la interesante La Estrategia De La Araña (1970), y la polémica El Último Tango En Paris (1972). También polémica es la película del veterano Marco Ferreri, La Gran Comilona (La Grande Bouffe, 1972), una desenfrenada sátira de la sociedad de consumo. En este período hay en Italia otros directores con excelentes obras como: Dino Risi con La Escapada (Il Sorpaso, 1962) y Perfumo Di Donna, 1974. Alberto Lattuada con La Mandrágola, 1965. Ermanno Olmi con películas contemplativas de la realidad, El Empleo (Il Posto, 1961) y El Árbol De Los Zuecos, 1978. Y Lina Wertmuller con películas comprometidas y críticas, Mimi Metallúrgico Ferito Nell´onore, 1971 y Film D´amore E D´anarchía, 1972.

Capítulo 2: Salvatore Giuliano, 1961 de Francesco Rosi. Capítulo 4: El último tango en París.

Historia > Años 60 y 70 > España Antecedentes y Contexto Social Del Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (I.I.E.C.), creado en 1947, proceden Juan Antonio Bardem y Luis G. Berlanga, las dos figuras más importantes del cine español de la década de los 50. En 1962, a partir del I.I.E.C. se crea la Escuela Oficial de Cinematografía (E.O.C.), de donde saldrá toda una nueva generación, encabezada por Carlos Saura, que en 1959 se da a conocer con Los Golfos, una película producida por Elías Querejeta, a la que muchos atribuirán influencias extranjeras, especialmente del Free Cinema. Pero la enérgica inquietud de esta nueva generación con sus propuestas más renovadoras, se verá atenuada por la presión económica que impone la administración a través de la concesión de subvenciones a películas, de acuerdo con su categoría artística estimada por una Junta de Clasificación. A principios de los 60, se pone en marcha una intervención aún más activa del Estado con políticas proteccionistas y de desarrollo, que hace crecer la producción. En 1967 se establece una mejora de la cuota de pantalla, en la proporción de tres a uno. Entonces, en 1961, Luis Buñuel rueda en España Viridiana, la cual será prohibida durante 16 años.

Comedia Realista Fernando Fernán-Gómez realiza películas negrísimas que para algunos pueden ser de culto dentro del cine español: La Vida Por Delante (1958),La Vida Alrededor  (1959), El Mundo Sigue (1963), y El Extraño Viaje (1964).

El Nuevo Cine Español Carlos Saura se obsesiona con el tema de la guerra civil y hace películas con hermetismo y llenas de símbolos. En 1966 dirige La Caza, fuertemente influida por la obra de Buñuel, a quien dedica su siguiente película Peppermint Frappé (1967). La obra de Saura, en su evolución, va adquiriendo una mayor carga sociopolítica y una visión claustrofóbica de la burguesía, como en  Ana Y Los Lobos (1972), La Prima Angélica (1973) y Cría Cuervos (1975). También destacan otros nuevos realizadores como Miguel Picazo, Francisco Regueiro y Basilio M. Patino.

La Escuela de Barcelona Por su parte, Barcelona cuenta con una industria escasamente desarrollada en la que, a partir del experimento vanguardista de Fata Morgana, dirigida, en 1966, por Vicente Aranda, se pone en marcha un movimiento de vocación experimental en torno al cual se agrupa la Escuela de Barcelona. En este movimiento se inscribe Ditirambo, película realizada en 1967 por el novelista y director Gonzalo Suárez, cuyo cine estará siempre dominado por una fuerte carga literaria.

Los Años 70 En la crisis artística de los 70, mantienen el nivel de calidad el director Víctor Erice y el productor Elías Querejeta. Erice aporta al cine español una pieza excepcional, El Espíritu De La Colmena (1973), retrato, a través de las experiencias de dos niñas, de la España rural tras la Guerra Civil. En 1979, Iván Zulueta realiza una de las mejores obras de este país,  Arrebato, película de culto, obra maestra y maldita, en la que e l cine es el protagonista. Capítulo 3: Entrevista a Carlos Saura; Los golfos y La prima  Angélica, 1973. Capítulo 5: La tía Tula (1964) con un plano secuencia explicado por Picazo, y El espíritu de la colmena (y en capítulo 2 y 10) Capítulo 11: Los golfos; La caza; Nueve cartas a Berta ; Viridiana; Simón del Desierto (Buñuel, 1965); La vida por  delante; El extraño viaje; Atraco a las tres (Forqué, 1962); El  inquilino (Nieves Conde, 1958); Pim Pam Pum Fuego (Olea, 1975); Tigres de papel (Colomo, 1977) y La Regenta (Suárez, 1975).

Historia > Años 60 y 70 > Otros Paises Alemania

A partir de 1966 surge un intento de introducir en el cine alemán innovaciones al modo de la Nouvelle Vague, cambios en los métodos de producción y realización, en ocasiones con actores aficionados, sonido directo, escenas y diálogos improvisados, relatos fragmentados, etc. Se inicia el movimiento en 1966 con películas como Una Muchacha Sin Historia ( Abschied Von Gestern) de Alexander Kluge, y El Joven Törless (Der Junge Törless), adaptación de la novela de Robert Musil, de Volker Schlöndorff . Éste seguirá con películas como Vivir A Cualquier Precio (Mord Und Totscholag , 1967), y otra adaptación, ésta vez de Günter Grass, El Tambor De Hojalata (Die Blechtrommel , 1979). Tras un momento de euforia, las películas no logran ser distribuídas, por ello algunos directores crean sus distribuidoras independientes. También son ayudados, a veces, por la financiación de la televisión. Aunque el movimiento sigue unas formas y un estilo, no se trata de un grupo unificado. Estos son algunos de sus directores: - Rainer Werner Fassbinder autor de magistrales y conmovedores melodramas como El Mercader De Las Cuatro Estaciones (Händler Der Vier Jahreszeiten , 1971), Todos Nos Llamamos Alí  ( Angst Essen Seele Auf , 1974) y Fontane Effi Briest , 1974. - Werner Herzog, con  Aguirre, La Cólera De Dios ( Aguirre, Der Zorn Gottes, 1971), El Enigma De Gaspar Hauser  ( Jeder Für Sich Und Gottgegen Alle , 1974). - Win Wender, con El Miedo Del Portero Ante El Penalty  (Die Angst Des Tormanns Beim Elfmeter , 1971),  Alicia En Las Ciudades ( Alice In Den Städten , 1973), y En El  Curso Del Tiempo (Im Lauf Der Zeit , 1976) en la que sigue estilos de autores como Ozu o Godard, y con la que pretende que el espectador aprenda a mirar. Tras hacer El Amigo Americano (Der Amerikanische Freund , 1977), Coppola le ofrece rodar en EEUU. Otros directores son muy experimentales y a pesar de tener obras maestras, son muy minoritarios y no distribuidos: Wermer Schoeter, Hans-Jürgen Syberberg, Jean-Marie Straub y Danièle Huillet. También es muy importante el auge feminista de los 70, con una presencia relevante en festivales y salas de cine hasta el punto de que se llama "milagro alemán del cine femenino", con directoras significativas, como la ya nombrada Danièle Huillet, Jutta Bruckner, Helke Sander, Ulrike Ottinger, con Madame X  (1977), y Orlando Furioso (Freak Orlando , 1981), Margarethe Von Trotta, con El  Honor Perdido De Katherina Blum (Die Verlorene Ehre Der Katharina Blum , 1975), y Helma Sanders-Brahms, con Alemania Pálida Madre (Deutschland Bleiche Mutter  (1979).

Bélgica Chantal Akerman, es una directora de películas experimentales y personales, con

tomas largas, en las que cada plano está cuidadosamente compuesto, y cada gesto es el resultado de una precisa dirección. Los argumentos son minimalistas o inexistentes y el espacio es un personaje más. En  Jeanne Dielman, 1975 y News From Home, 1977, Akerman explora el medio con temas no convecionales, con poco diálogo, muchos sonidos, cámara fija, imágenes atractivas, y como en algunas otras películas suyas, con un punto de vista feminista. Después, en Toute Une Nuit , 1982 y Moving In, 1993, sigue explorando nuevos medios de expresión.

Países Nórdicos

La cinematografía sueca que, en los años 20, había conocido un periodo de gran vitalidad, florece ahora de la mano de una serie de directores atentos a los grandes problemas de la condición humana. La enorme libertad expresiva con que se enfrentan a cuestiones tradicionalmente consideradas tabú, como la temática sexual, convertirá a la cinematografía sueca en una de las más polémicas e interesantes del cine moderno. Destaca entre todos sus componentes la figura de Ingmar Bergman. Bo Widerberg dirige en 1971  Joe Hill , una obra maestra amarga, de denuncia

sobre las desigualdades sociales.

Y en otro de los países nórdicos, en Dinamarca, continúa su labor el autor de La Pasión De Juana De Arco (1927), el imprescindible Carl Th. Dreyer, cuya fidelidad

a una concepción artística propia y a un espíritu crítico riguroso convierten La Palabra (Ordet, 1955) y Gertrud (1964) en verdaderas cumbres del cine universal.

Países del este

El armenio Sergey Paradzhanov dirige Teni Zabatykh Predkov  (1964), Sombras De Olvidados Antepasados , también conocida como Caballos De Fuego Salvajes , un tributo a las posibilidades del cine y a las tradiciones del pueblo, película con elementos folclóricos, costumbres, ritos y canciones. La narrativa no es lo más importante , sino los impresionantes logros de estilo, es un tour de force visual, con colores simbólicos, virados, cámara lenta, planos subjetivos, manipulación de la banda sonora, exposiciones múltiples, cámara-en-mano en continuo movimiento y rápidas panorámicas de 360º para enfatizar la continuidad de los temas. A pesar de las trabas de las autoridades, hace El Color De Las Granadas ( Sayat Nova , 1969) en la misma línea. En la Unión Soviética destaca la obra de Andrei Tarkovsky, cuyo reconocimiento internacional será unánime. Es uno de los grandes del cine, radical, polémico pero imaginativo y apasionante, con un lenguaje personal que expresa su visión poética de la realidad y con un estilo inconfundible que por sí solo es como una teoría del cine.  Andrei Rublev  (1966), El Espejo (1974), Stalker  (1979) y Sacrificio (1986), son algunas de sus intensas obras. Andrei Konchalovski, hermano de Nikita Mijalkov, colabora en el guión de  Andrei  Rubliev y dirige Siberiada (1979)

En Polonia destacan: Jerzy Kawalerowicz, que aborda la superproducción en Faraón (Faraon , 1966), en la que trata el problema, presente en su país, del conflicto de poder entre Estado e Iglesia, ubicándolo en el antiguo Egipto; y Andrzej Wajda, cuya figura se da a conocer con Kanal  (1957), retrato de la resistencia polaca a través de los canales del alcantarillado de Varsovia, durante el levantamiento de 1944. Wajda, preocupado por el hombre en sus dramas sociopolíticos, pudo seguir dirigiendo obras magistrales, a pesar de la censura, como Cenizas Y Diamantes (Propiol Y Diament , 1958) que aún es mejor y reconstruye las 24 horas tras la liberación; Paisaje Después De La Batalla (Krajobraz Po Bitwie , 1970), La Tierra De La Gran Promesa (Ziemia Obiecana, 1975), El Hombre De Mármol  (Czlowiek Z Marmonu , 1977) y Panny Y Wilka (Panny  Z Wilka, 1979), un mundo de emociones y nostalgia, una película lírica con suaves enfoques. Wojciech Has logra una hermosa película basada en la obra de Jan Potocki El  Manuscrito Encontrado En Zaragoza (1964).

Y en Polonia realizará su primera película Roman Polanski, El Cuchillo En El Agua (Noz W Wodzie , 1962), muy sombría y magistral, un análisis terrible del espíritu. Después abandona el país para hacer películas en Francia, Gran Bretaña y Estados Unidos, como Rosemary´s Baby , 1968, un magnífico thriller  de terror y la sorprendente y extraña policíaca Chinatown (1974). En Checoslovaquia surge la nueva ola checa con realizadores como Milos Forman, Ivan Passer y Jiri Menzel que dirige Trenes Rigurosamente Vigilados (1966). Las películas de estos directores focalizan pequeños incidentes cotidianos, en lugar de ensalzar los logros del realismo socialista en el que estaban inmersos. Vera Chytilová es la más famosa directora checa, innovadora y polémica, continuadora de la labor de otras mujeres pioneras y también del feminismo. En sus películas, siguiendo la filosofía de Eisenstein, experimenta con el montaje e intenta "formar" al espectador. Las Margaritas (Sedmikrásky , 1966) es la más audaz, de montaje brillante, con procesados de color, un tour de force y un tributo a los clásicos como Lumière, Chaplin y Gance. Después se hace menos formalista y dirige películas más realistas. En Hungría también surge un movimiento similar. Marta Meszaros con películas intimistas y de suma delicadeza sobre la mujer,  Adopción (1975) y Nueve Meses(1976). Miklós Jancsó dirige películas nada convencionales en su construcción, con largos planos secuencia y constantes movimientos de cámara, como en Salmo Rojo (1972).

Asia

El representante de Japón más conocido en Europa sigue siendo Akira Kurosawa, que se encuentra ahora en su etapa de plena madurez. Pero en Japón aparece una nueva generación, la nueva ola japonesa, que muestra los motivos de su sociedad con problemas y conflictos. Pertenecen a este movimiento: Shohei

Imamura, Evaporación del hombre (Ningen johatsu,1967), Masahiro Shinoda, Masaki Kobayashi, Harakiri (Seppuku , 1963) y El Más Allá ( Kwaidan, 1965) y Nagisa Oshima, El Imperio De Los Sentidos , 1975 y El Imperio De La Pasión ,

1977.

En la India , el país que por su población y variedad lingüística se sitúa en cabeza de la producción mundial desde los años 50, sigue su grandiosa obra Satyajit Ray, tocando todos los géneros (dramas históricos, documentales, films para niños, musicales) pero siempre muy crítico con las tradiciones de su país: Kanchenjhunga (1962) o Trueno lejano (  Ashani Sanket  , 19739) son algunos jalones de una carrera de más de 40 películas. Otros autores interesantes son Ritwik Ghatak y el bengalí Mrinal Sen , muy influido por la Nouvelle Vague . Australia Gillian Armstrong recuerda en sus películas el mejor hacer del estilo de Hollywood, como en My Brilliant Career , 1978, con guiones que apuntan temas

sexuales y tensiones familiares.

Latinoamérica

En México continúa su obra Luis Buñuel, que realiza en estos años algunas de sus obras capitales. En este período surge en Latinoamérica un importante impulso cinematográfico influenciado por las nuevas teorías y por las situaciones políticas y sociales-como la Revolución cubana- que crea las bases del Nuevo Cine Latinoamericano (NCL). Es un cine de compromiso y militante, tanto desde posiciones izquierdistas como católicas progresistas, de autores que quieren ayudar a transformar el estado de las cosas con sus películas. Tras la revolución de 1959 Cuba se convierte en uno de los focos de referencia con la fundación del ICAIC y las visitas de numerosos cineastas europeos que imparten cursos (Joris Ivens, Wajda, Zavattini, Agnés Varda,...). Se presta atención a todos los géneros y, como en muchos países del bloque socialista, a la animación y el documental. Con La muerte de un burócrata (1966) y Memorias del subdesarrollo (1968) Tomás Gutiérrez Alea se convierte en el cineasta de referencia. Con la extraordinaria Lucía (1968) Humberto Solás muestra su inclinación por un cine épico que da protagonismo a personajes femeninos. Otros nombres importantes son Julio García Espinosa , que filmó la primera película de la Revolución ( Cuba baila , 1960), Manuel Octavio Gómez , formado en España y autor de un cine revolucionario, nacionalista y didáctico y Sara Gómez con la maravillosa De cierta manera (1977). En Argentina, La hora de los hornos (1968), un singular documental de más de cuatro horas, es el símbolo del nuevo cine ya que su director Fernando Solanas y su guinosta Octavio Getino son los autores del manifiesto "Hacia un tercer cine". Dentro de la industria destaca Leopoldo Torres Nilsson , especialista en adaptaciones literarias desde Carmen Laforet a Manuel Puig o Bioy Casares pasando por la épica Martin Fierro (1968) y la aparición de los jóvenes Luis Puenzo y Adolfo Aristaraín . En Bolivia, Jorge Sanginés creó el colectivo Ukamau orientado a plasmar la discriminación de los indígenas. Es autor de las míticas Ukamau (1966), Yawar  Mallku (La sangre del Cóndor, 1969) o El coraje del pueblo (1971). En Chile hay una eclosión del cine hasta el golpe el golpe militar en 1973: Miguel Littin con las emblemáticas El chacal de Nahueltoro (1969) y La tierra prometida (1973) y Patricio Guzmán que rodaría ya en el exilio la trilogía La batalla de Chile (1975-78) En Brasil el cine cobra más importancia que en otros países latinoamericanos, con el cinema novo brasileño y con Glauber Rocha liderando el NCL. Es un cine que tiene una gran fuerza expresiva y que aborda los conflictos sociales del país, en películas como Deus E O Diablo Na Terra Do Sol  (1964), y  Antonio Das Mortes (1968) de Glaubert Rocha; Vidas Secas (1963), de Nelson Pereira dos Santos; y Os Fuzis (1964), Los Cazadores (1969) y Os Deuses E Os Mortos (1970) de Ruy Guerra .

Capítulo 11: Vidas secas, Antonio das Mortes, Paisaje después de la batalla de Wajda, Rapsodia Magiar de Miklos  Jancsó y Ran de Kurosawa.

Historia > Autores > François Truffaut Sus Inicios Uno de los miembros más destacados de la denominada Nouvelle Vague, François Truffaut inicia su carrera en el cine desde las páginas de la revista Cahiers du cinéma. En 1959, realiza su primera película, la obra maestra Los Cuatrocientos Golpes (Les Quattre Cents Coups), retrato autobiográfico de la infancia sometida a la dureza del entorno. La tierna sensibilidad presente en esta primera película será una constante en prácticamente toda su filmografía, especialmente en aquellas obras en las que aborda el tema de la adolescencia perdida, como en El Amor A Los Veinte Años (L'amour À Vingt-ans, 1962), Besos Robados (Baisers Volés, 1969), Domicilio Conyugal  (Domicile Conjugal , 1970) y El Niño Salvaje (L'enfant Sauvage, 1969). Una mirada sensible a la que incorpora, en su evolución artística, una refinada concepción estética y una cierta dosis de ironía. La suya es una obra muy heterogénea, cuya popularidad le permite mantenerse en los circuitos de distribución.

Su Obra Truffaut es productor o coproductor de la gran mayoría de sus obras, alternando películas comerciales con proyectos más personales, pero de difícil amortización. Truffaut hace obras originales, colaborando en los guiones, como La Noche  Americana (La Nuit Américaine, 1973), retrato entrañable de un rodaje de cine; Diario Íntimo De Adele H. (L'histoire D'Adèle H. 1975), trágico relato sobre la pasión amorosa padecida por una hija desconocida de Victor Hugo; El Amante Del Amor  (L'homme Qui Aimait Les Femmes, 1977), reflexión en torno al amor que despiertan las mujeres; y El Último Metro (Le Dernier Métro, 1980), reconstrucción del París de los años de la ocupación alemana, visto desde el mundo del teatro. Entre sus mejores obras también se encuentran algunas adaptaciones literarias, tal es el caso de  Jules Y Jim ( Jules Et Jim , 1961) y de Las Dos Inglesas Y El Amor  (Les Deux Anglaises Et Le Continent , 1971), en las que muestra dos triángulos amorosos con momentos felices y melancólicos, con un ritmo rápido de imágenes y donde consigue su estilo más depurado. También adapta novelas policíacas, como Tirad  Sobre El Pianista (Tirez Sur Le Pianiste, 1960), La Novia Vestía De Negro (La Mariée Était En Noir , 1967) y La Sirena Del Mississippi  (La Sirène Du Mississippi , 1969), e incluso una novela de ciencia-ficción de Ray Bradbury, Farenheit 451 (1966). A truffaut le apasiona cierto cine americano y en especial el de Alfred Hitchcock, lo que le llevará a escribir el libro de entrevistas El cine según Hitchcock  (1966), que es como un magnífico manual de cine.

Historia > Autores> Federico Fellini Sus primeros pasos profesionales los da como caricaturista, en una revista humorística, pero pronto entra en el cine como guionista y ya, en los orígenes del neorrealismo, colabora con algunos de los más grandes cineastas del momento, entre ellos Roberto Rossellini. Aunque sus primeras películas guardan poca relación con el universo que desarrollará en su obra posterior, ya en ellas, el cineasta adopta un cierto sentido suntuoso del espectáculo y de la caricatura, y trata, aunque tímidamente, uno de sus temas predilectos: la soledad del hombre. En Luci Del Varietà (1950), su primera película, retrata el mundo de los espectáculos ambulantes de music-hall; en El Jeque Blanco (Lo Sceicco Bianco, 1952), presenta a una joven recién casada que, en pleno viaje de bodas a Roma, abandona a su marido para conocer a su verdadero amor, el héroe de su foto-novela favorita; y en Los Inútiles (I Vetelloni , 1953), realiza una crónica sobre los jóvenes holgazanes e irresponsables de una ciudad costera, durante el tedioso periodo invernal. Aunque en estas obras predomina el carácter testimonial neorrealista, ya empieza a configurarse la personalidad del autor, que no puede evitar una cierta distorsión en el tratamiento de personajes y situaciones.

Etapa de Madurez Su siguiente película, La Strada (1954), es la fábula de un forzudo titiritero que maltrata a su inocente mujer. En esta obra, ya está presente el universo poético del autor que continúa evolucionando en  Almas Sin Conciencia (Il Bidone, 1955), sobre un grupo de estafadores, y en Las Noches De Cabiria (Le Notti Di Cabiria, 1956), historia de una prostituta de buen corazón que ha perdido la fe en la vida. Los personajes de Fellini sufren en su interior un conflicto entre el bien y el mal, pero al final aflora su bondad innata que logra finalmente purificar sus espíritus. Esta etapa se cierra con el gran éxito de La Dolce Vita (1959), en la que expone, con todo lujo de detalles, el despilfarro y la disipación moral de la alta burguesía y de la aristocracia romana. La fascinación que provoca el universo retratado, tanto en el público como en el propio cineasta, hará de la película un éxito rotundo a nivel internacional. Ello permitirá a Fellini abordar su film más ambicioso y personal, Fellini, Ocho Y Medio (Otto E Mezzo, 1963), en el que el autor reflexiona sobre sí mismo y su cine. También girarán en torno a su figura los recuerdos y sueños plasmados en Fellini-Roma (Roma, 1972) y en Amarcord (1973).

Etapa Final De sus últimas películas destacan: Y La Nave Va (E La Nave Va, 1983), obra bellísima que transcurre íntegramente en un trasatlántico de lujo, construido en los estudios Cineccità; y Ginger Y Fred  (Ginger E Fred , 1986), con la que realiza un homenaje sentimental a los grandes mitos del cine norteamericano y dirige una crítica feroz al universo contemporáneo de la televisión.

Historia> Autores> Luis Buñuel El cine del prolífico y genial Luis Buñuel puede dividirse en tres etapas: sus inicios en España y Francia, su estancia en México, y su regreso a Francia. Etapa Surrealista

A la primera de estas etapas corresponde su cine más surrealista, aunque los preceptos de este movimiento no le abandonan nunca. Un Perro Andaluz (Un Chien  Andalou, 1928), es un cortometraje insólito, provocativo y e n contra de toda lógica. Se trata de una obra maestra de la rareza y la fantasía, en cuyo guión colabora Dalí. La Edad De Oro (L´age D´or , 1930) es una sátira surrealista y poética, un ataque metafórico a la fe y al orden. También incluye alguna escena surrealista en Las Hurdes/Tierra Sin Pan (1932), una de sus pocas producciones españolas, un documental de autor en el que muestra el panorama terrible del pueblo y sus gentes. Etapa Mexicana

Con películas como Nazarín (1958) y Simón Del Desierto (1965), Buñuel sigue siendo surrealista y onírico y flagela la moral burguesa con escenas que impactan y con humor corrosivo. En cada película Buñuel trata de diseccionar la personalidad humana, cuya naturaleza le fascina y le aterra, forzando a los personajes a vivir situaciones límite: ¿por qué no se ayudan entre sí los burgueses para salir de la casa en El Ángel  Exterminador  (1962)?; ¿qué puede llegar a hacer un hombre condenado a la soledad como en Robinson Crusoe (1952)?; ¿de dónde proceden las conexiones entre erotismo y muerte de Archibaldo en Ensayo De Un Crimen (1955)?; ¿qué clase de celos llevan a Francisco (Él , 1952) a asistir a su propia degradación sentimental?. Quizá la misma imposibilidad de realización personal que lleva a los muchachos de Los Olvidados (1950) a cometer sus golferías, condenados a una vida miserable por la fatalidad del destino y por la incapacidad de la sociedad para rehabilitarlos. Esta mirada es la misma que aplica a los personajes de Viridiana, rodada en España en 1961. Etapa de Madurez

Su última etapa de creación está protagonizada por su colaboración con el guionista Jean-Claude Carrière, de donde surgieron títulos como Tristana (1970), Ese Oscuro Objeto De Deseo (Cet Obscur Objet Du Desir , 1977), Belle De Jour  (1966) y El  Discreto Encanto De La Burguesía (Le Charme Discret De La Bourgeoise, 1972), sátiras tremendas en las que se invierten las normas y los valores establecidos, de forma libre y liberadora, que superan en modernidad a sus coetáneos más jóvenes. En ellas Buñuel sigue experimentando y creando su imaginario poético, siempre desde su mirada irónica, con sus temas más recurrentes: la imposibilidad de realización de los deseos ocultos, origen de una frustación sólo superable con la imaginación y los mundos soñados; el absurdo y la casualidad como motores de la realidad; y la lucha, en definitiva, contra los órdenes establecidos (tradición-religión-sexualidad...), como culpables de la infelicidad humana. En España se prohibió la exhibición de varias de sus películas. Para esquivar la censura a veces cambiaba algunas propuestas que inteligentemente lograban ser más provocadoras, como el final de Viridiana. Buñuel es un director único en su estilo, con películas admiradas por todos sus colegas, y que difuminan las fronteras entre el sueño y la realidad, entre los anhelos conscientes e inconscientes. Él es a la vez inquietante y conmovedor.

Historia > Autores > Jean-Luc Godard Las películas de Godard van más allá de la Nouvelle Vage y conforman una obra particular y diferente dentro de la historia del cine. Son películas con la impronta de los noticiarios, están relacionadas con el momento de su producción, son inmediatas, actuales en cuanto a los hechos y cambios sociales, y a la vez son innovadoras con el medio cinematográfico, mostrando una reflexión continua sobre el cine y el arte. Godard introduce elementos como: cortes en discontinuidad, mientras que en sus películas el tiempo fluye tranquilamente como en un día de la vida negativo de película, imágenes coloreadas, carteles publicitarios, rótulos comentarios dirigidos al espectador, sonido ambiente, diferentes tipos de voice-over , reflexiones y uso de arte, cómic, signos, textos y citas de literatura escenas-paréntesis y fragmentos discontinuos que rompen con las formas tradicionales de narrativa en definitiva, experimenta con elementos cinematográficos, estéticos, técnicos e ideológicos, construyendo un análisis del proceso de formación de las películas y de su consumo. La fascinación por el cine y cómo se hacen las películas forman parte del propio guión, con continuas referencias sobre la técnica y el lenguaje. Godard presenta en sus películas a otros autores de cine y a representantes de la cultura que exponen sus propios pensamientos. Godard distancia al espectador de la historia, para que se sienta partícipe del hecho de e star viendo una película. En un primer momento frenético realiza películas como  A Bout De Souffle (1959), Vivre Sa Vie (1962), Les Carabiniers (1963), Le Mépris (1963), Bande À Part  (1964), Alphaville (1965) y Pierrot Le Fou (1965). Tras los sucesos de mayo del 68, en sus películas intervienen creencias políticas y sociales, y a partir de los 70 se distancia del cine comercial experimentando tanto en vídeo como en cine. También se dedica a la teoría y realiza una Historia del Cine con imágenes en vídeo y dvd. Sus innovaciones están totalmente asumidas en el cine actual, pero su voz sigue siendo particularmente suya. Godard continúa creando un ámbito poético de espaldas a la mayoría del cine.

Historia> Autores> Ingmar Bergman Hijo de un pastor protestante, tras finalizar sus estudios de Letras e Historia, se incorpora al teatro profesional, por el que siente la más profunda devoción. En estos primeros años se inicia en la escritura dramática y en la dirección escénica. A pesar de su total dedicación al teatro, su obra cinematográfica será de una fecundidad abrumadora.

Primera Etapa Su primera etapa cinematografica se inicia en 1945 y está compuesta por películas de encargo cercanas a sus intereses, pero en las que su personalidad no siempre se manifiesta con total libertad. Es un período de aprendizaje que empieza a dar sus frutos con  Juegos De Verano (Sommarlek , 1950). A ella hay que añadir Un Verano Con Monica (Sommaren Med Monika, 1952) y, sobre todo, Noche De Circo (Gycklarnas Afton, 1953), obras en las que las inquietudes existenciales del autor se manifiestan en torno a la imposibilidad de la felicidad a través del amor y de la relación erótica. De este pesimismo habrá de brotar, en su obra posterior, el interrogante religioso, del que se deriva el conflicto místico de Bergman, producto de su profundo agnosticismo. Las preocupaciones religiosas, el papel del intelectual en la sociedad y la muerte son los temas desarrollados en las obras más trascendentales de esta segunda etapa, en la que el autor, gracias al dominio de la técnica cinematográfica, expresa con total precisión su complejo universo personal, a través de un virtuoso lenguaje deudor del expresionismo alemán. De esta época son algunas de sus más populares películas, como El Séptimo Sello (Det Sjunde Inseglet , 1956), Fresas Salvajes (Smultronstället , 1957), El Manantial De La Doncella ( Junfrukällan, 1958) y la trilogía sobre el silencio de Dios, con la que concluye este proceso de búsqueda frustrada y que le reafirma en su desesperado agnosticismo: Como En Un Espejo (Sasom I En Spegel , 1961), Los Comulgantes (Nattvardsgästerna, 1962) y El  Silencio (Tystnaden, 1963).

Segunda Etapa Bergman se enfrenta al estudio de las servidumbres de la condición humana, en especial su cobardía, su ferocidad y su soledad. El rigor ético que adopta el autor, unido a la depuración formal alcanzada por su estilo, hacen de algunas de las películas de esta etapa verdaderas obras maestras de la historia del cine. Persona (1966), La Vergüenza (Skammen, 1968), Pasión (En Passion, 1969). La Carcoma (The Touch, 1971) y Gritos Y Susurros (Viskningar Och Rop, 1972), entre otras, constituyen el punto álgido en la evolución personal y artística de Ingmar Bergman. De su última etapa, destaca sobre todo el ejercicio de nuevas experiencias en el campo del audiovisual, con la producción y realización de algunas películas y series para televisión, entre las que destaca una obra maestra, de carácter autobiográfico, titulada Fanny Y Alexander (Fanny Och Alexander , 1982).

Historia > Autores > Stanley Kubrick Comenzó siendo reportero de la revista Look, llegando a ser uno de los fotográfos más prestigiosos. Cuando se pasa al cine en 1950, posee profundos conocimientos técnicos y una marcada personalidad creativa que hacen de él un director muy seguro en sí mismo y uno de los más exigentes de la historia del cine. Kubrick es un autor auténtico, que controla todo el proceso de producción desde la utilización de recursos técnicos hasta todos los elementos del lenguaje de sus películas. Sus mejores películas las consigue con presupuestos bajos y con menos pretensiones:  Atraco Perfecto (The Killing, 1956), el alegato antimilitarista de Senderos De Gloria (Paths Of Glory , 1958) y Lolita (1961), basada en la novela de Vladimir Nabokov. Luego, con muchos más medios, hace superproducciones que a pesar de aportar grandes logros cinematográficos, son obras más pedantes: la película de culto de ciencia ficción 2001, A Space Odyssey  (1968), La Naranja Mecánica ( A Clockwork  Orange, 1972), Barry Lyndon (1975), El Resplandor (The Shining, 1980), Full Metal   Jacket (1986) y Eyes Wide Shut (1996).

Historia > Autores> Akira Kurosawa La carrera cinematográfica de Akira Kurosawa se inicia en 1936, pero no debuta en la dirección hasta 1943. A partir de este momento, escribe y dirige todas sus películas, además de escribir para otros realizadores. Su obra no será conocida a nivel internacional hasta 1950, a raíz del éxito cosechado por su película Rashomon (1950), que causa un fuerte impacto en occidente debido a su perfección técnica y a su intensa carga psicológica. En Rashomon, Kurosawa plantea el concepto del subjetivismo, a través de la historia de un crimen narrado desde diferentes y contradictorios puntos de vista. Dentro del panorama de su país, Kurosawa es, en los años 50, uno de los cineastas más abiertos a la cultura occidental, como muestra la magnífica película Vivir (Ikiru, 1952). También hace muy buenas adaptaciones libres de las obras de William Shakespeare, Trono De Sangre (Kumonsom-Djo, 1957), a partir de Macbeth, y Ran (1985), versión de Rey Lear . También adapta a Fedor Dostoiewsky en El Idiota (Hakuchi , 1951); y a Máximo Gorki, en Los Bajos Fondos (Donzoko, 1957). Durante muchos años, Kurosawa será uno de los pocos directores japoneses distribuido y conocido en Occidente, y algunas de sus obras, como la aventura titulada Los Siete Samurais (Shichinin No Samurai , 1954) alcanzará tal éxito, que será versionada en Hollywood, en clave de western, dando lugar al famoso remake de John Sturges: Los Siete Magníficos (The Magnificent Seven, 1960). Sin embargo, en su obra, la explosión de violencia que emana de sus imágenes y el poderoso vigor de su narración está a expensas del insobornable aliento humanista de su autor. Es el caso de Dersu Uzala (1975), una película bonita de espíritu pacifista, en contacto con la naturaleza. Rodada en la estepa de Siberia, en coproducción con la Unión Soviética, la película sufrirá las consecuencias de la censura de ese país, pero alcanzará un gran éxito a nivel internacional. Otras obras importantes son Dodes-ka-den (1971), Kagemusha (1980) y Los Sueños (Konna Yume Wo Mita, 1990).

Historia > Años 80 y 90 La televisión por cable y por satélite, el vídeo, el dvd y otras tecnologías digitales hacen que el público acuda menos a las salas de cine. Por ello, la industria cinematográfica reestructura su organización y sus estrategias comerciales, y para atraer al público se recurre a los efectos especiales, a la violencia y al sexo. Las técnicas digitales dan lugar a películas como Terminator 2:  Judgement Day  (1991), y Toy Story (1995). Junto a las películas para todas las edades, se produce cine de violencia, erótico, policíaco y de terror, sacando ventaja al conservadurismo de la oferta televisiva. Las propuestas de más calidad de los años anteriores se orientan sólo a sectores intelectuales, universitarios y a las salas especiales. Así continúan las tendencias alternativas de producción independiente, con puntos de vista no ortodoxos y estilos no convencionales. Pero tienen una distribución muy restringida y sólo algunas llegan un poco más al público, como los trabajos del grupo Dogma 95. También hay un cine que sigue las propuestas feministas de los 70s, y en ocasiones las revitaliza con puntos de vista diferentes. La cultura cambia y se hace menos crítica, pero también hay más oportunidades para un cine de vanguardia o independiente; incluso, las tecnologías digitales van a hacer posible producir películas muy baratas. Además, la utilización de las tecnologías digitales (en teléfonos, cámaras, ordenadores, internet, GPS...) da origen al expanded cinema, un cine fuera de las salas, con vídeos, películas, entornos interactivos ( en los que el espectador puede ser cámara, editor o protagonista) y aplicaciones on line.

Capítulo 8: Los trucos. Terminator 2. Capitulo 9: Cómo se hace una película.

Historia > Años 80 y 90 > EEUU Musicales Hollywood, en un intento de sacar provecho a la discomanía, como entretenimiento de los jóvenes, inicia la producción de una serie de películas musicales menores con Fiebre Del Sábado Noche (Saturday Night´s Fever , 1978). En la antípodas hay cosas mucho mejores, como Stop Making Sense (1984), una película impresionante sobre rock, de Jonathan Demme, con el grupo Talking Heads, liderado por David Byrne; o como el precioso documental sobre el cuarteto de folk T he Weavers: Want´s That A Time (1982), de Jim Brown; o como el excelente y precioso documento sobre música gospel Say Amen, Somebody  (1982), de George T. Nierenberg.

Superproducciones También proliferan las películas de catástrofes y de ciencia-ficción, algunas notables como Tiburón ( Jaws, 1975), Encuentros En La Tercera Fase (Close Encounters Of  The Third Kind , 1977) y E.T. (1982), de Steven Spielberg; La trilogía galáctica iniciada en 1977 La Guerra De Las Galaxias (Star War) de George Lucas; o el universo de terror y futurismo de  Alien (1979), y Blade Runner , 1982, de Ridley Scott. William Friedkin inicia con El Exorcista (The Exorcist , 1973) un cine de terror de gran crudeza. Stanley Kubrick se basa en la novela de Stephen King para realizar El Resplandor  (The Shining, 1980), donde muestra el proceso hacia la locura y la autodestrucción de un hombre en una situación de soledad y aislamiento.

Violencia La violencia también resurge en el cine de gansters: El Precio Del Poder  (Scarface, 1983) y Los Intocables De Eliot Ness (The Untouchables, 1987) de Brian DePalma; El Honor De Los Prizzi  (Prizzi´s Honor , (1985), de John Huston; y Manhatan Sur (The Year Of The Dragon, 1985) de Michael Cimino. Oliver Stone dirige una parodia sobre la fascinación por las armas y los asesinos,  Asesinos Natos (Natural Born Killer´s, 1994).

Autocrítica En los 80, Hollywood también produce algunas películas de carácter autocrítico con el sistema americano, como Desaparecido (Missing, 1982), de Costa Gavras, Rojos (Red , 1982) de Warren Beatty, y la desconcertante The Times Of Harvey Milk  (1984), de Robert Epstein, que es uno de los más importantes documentales sobre los 80s. Otras Películas abordan el conflicto vietnamita, aunque algunas trascienden el propio tema o género, como  Apocalypse Now (1979), de Francis Ford Coppola, El  Cazador  (The Deer Hunter , 1978) de Michael Cimino, Taxi Driver  (1975), de Martín Scorsese, Platoon (1986), de Oliver Stone, y La Chaqueta Metálica (Full  Metal Jacket , 1987) de Stanley Kubrick.

Cine de Autor En 1980, Martín Scorsese realiza con Toro Salvaje (Raging Bull ) uno de los mejores relatos cinematográficos de todos los tiempos, con un montaje maravilloso de Thelma Schoonmaker. En 1985 dirige virtuosamente la divertida comedia negra  After Hours. Coppola crea su productora AMERICAN ZOETROPE para sus propios proyectos y para producir los de otros directores, como Win Wenders, que dirige París, Texas (1982). Coppola pretende hacer algunas películas comerciales para invertir lo ganado en otras más personales, pero las pérdidas contraídas con la película Corazonada (One From The Heart , 1981), le obligan a abandonar la empresa. Un año antes, La UNITED ARTIST también se da el batacazo con La Puerta Del Cielo

(Heaven´s Gate) de Cimino. En la comedia destaca el actor, escritor y director Woody Allen con una fecunda obra original que, influenciado por grandes creadores como Bergman, aborda obsesivamente temas de su mundo interno, de relación de pareja, el sexo, la muerte y dios, desde una óptica muy personal. Su universo se muestra en películas como Annie Hall , 1977, Interiors, 1978, y  Another Woman, 1988. El independiente Robert Altman continúa con sus obras corales, iniciadas en 1975 con Nashville, con estudios en profundidad de muchos personajes, como El Juego De Hollywood  (The Player , 1991) y Vidas Cruzadas (Short Cuts, 1993), basada en textos de Raymond Carver, y que refleja la pérdida de valores de la sociedad. En Gosford Park  (2001), otra película coral, Altman realiza un minucioso examen de la rígida organización social en la Inglaterra de principios del siglo XX. David Lynch, que había iniciado un estilo vanguardista con Cabeza Borradora (Erasehead , 1976), dirige en 1980, The Elephant Man, una producción perfecta. Después, tras dirigir las inclasificables Terciopelo Azul  (Blue Velvet , 1985) y Corazón Salvaje (Wild At Heart , 1990), hace la serie de televisión Twin Peaks. Clint Eastwood consigue un logrado retrato del brillante músico de jazz Charley Parker con Bird  (1988) y en 1992 consigue otra joya con Sin Perdón (Unforgiven), un western revisionista, lírico, violento y amargo. En 1984 aparece una película impresionante e imprescindible, Sangre Fácil  (Blood  Simple) de Joel y Ethan Coen, con la que inician una de las propuestas más originales del momento, que sigue con Muerte Entre Las Flores (Miller´s Crossing, 1990), Barton Fink  (1991), Fargo (1996) y El Hombre Que Nunca Estuvo Allí  (2002). Tim Burton desmuestra ser un autor de extraordinaria sensibilidad y de imaginación desbordante en películas como Eduardo Manostijeras (Edward  Scissorhands, 1990) y Ed Wood (1994). Otro independiente es Quentin Tarantino, que causa bastante revuelo con Reservoir Dogs (1991) y Pulp Fiction (1994), películas de gansters con mucha violencia y humor negro, muy personales y de dirección agresiva y desenvuelta, deudora de Scorsese y de Kubrick. Wayne Wang y Paul Auster dirigen la admirable Smoke (1994), sobre los buenos sentimientos y el placer de compartir.

Comerciales con Calidad Milos Forman dirige Ragtime (1981), una obra coral sublime sobre la época de la música ragtime. La nada convencional ni predecible La Fuerza Del Cariño (Terms Of Endearment, 1983), de James L. Brook, es una bella combinación de humor y emoción. Érase Una Vez En América (Once Upon A Time In America , 1984), de Sergio Leone, una película-río épica, de gansters, con una cámara sublime, con preciosos decorados y una interpretación impresionante. Proveniente del cine independiente, Susan Seidelman, tiene éxito en el cine comercial con Buscando A Susan Desesperadamente (Seeking Susan Desperately , 1985) y la introduce en la industria. Curtis Hanson es el director de la exuberante película de detectives y crímenes L.A. Confidential (1997). Peter y Bobby Farelly recuperan la comedia de humor con la inteligente, emotiva y divertida There´s Something About Mary  (1998). Terrence Malick realiza una película atípica de guerra, The Thin Red Line (1998), que destaca la naturaleza en relación con los personajes y sus sentimientos, junto a la destrucción que la guerra produce en ambos.

Independientes Im Jarmusch hace un cine raro, excéntrico, tierno y encantador que actúa como una bocanada de aire fresco: Stranger Than Paradise (1984), Down By Low (1986), Mystery Trains (1989), Night On Earth (1991). Martha Coolidge se mueve bien entre el cine comercial y el documento feminista, así, en El Precio De La Ambición (Rambling Rose, 1991) muestra la sexualidad femenina en los nada favorecedores años 30. John Sayles en Pasión Fish (1992) hace una reflexión sobre la amargura, la amistad, el amor y la pasión por las pequeños detalles que hacen grande la vida. En los 90s también continúan los movimientos por un cine experimental, ahora apoyado por nuevas tecnologías, pero que sólo es facil seguirlo en los circuitos relacionados al arte en general. También gana en importancia el new queer cinema con propuestas que cambian el concepto de identidad sexual, con temas sobre nuevos comportamientos, drogas y

modos de vida en las grandes ciudades, pero que inciden más en la novedad de los argumentos que en la búsqueda de un lenguaje cinematográfico. Capítulo 2: Missing, El juego de Hollywood ( y capítulo 4). Capítulo 3: El cartero siempre llama dos veces de Rafelson.

Dulce libertad de Alda

Capítulo 4: Toro salvaje.Pretty Woman, El silencio de los

corderos, Forrest Gump, Primer caballero. Capítulo 5: Uno de los nuestros Capítulo 6: Apocalypse Now, Dune. Capítulo 7: Alien.

Capítulo 8: E.T., La guerra de las galaxia. Capítulo 10: Toma el dinero y corre, Pesadilla en Palm

Street, Sin perdón.

Historia > Años 80 y 90 > Europa Las cinematografías europeas tienen que competir con la industria televisiva y con las superproducciones de Hollywood. Se sobrevive gracias a las políticas proteccionistas y de subvenciones desarrolladas desde los Estados y a la puesta en marcha de proyectos en régimen de producción y coproducción con las televisiones oficiales. Pero en los años 90, algunas empresas europeas importantes, como CYBY 2000, Berlusconi o STUDIO CANAL +, se proponen una nueva línea de acción más internacional que permita una competencia en igualdad de condiciones con las grandes producciones norteamericanas. A pesar de su vocación comercial, estas producciones apuestan por un cine de autor o, como dice Manuel Vidal Estévez en su artículo Cines europeos versus cine europeo. Instantánea (Historia General del Cine, Volumen XII, VV.AA., Ediciones Cátedra, S.A., 1995), "por un cine lo más mayoritario posible, perfectamente exportable, pero "con una imagen de marca autoral".

Historia > Años 80 y 90 > Francia En Francia se mantienen con vitalidad los directores veteranos (incluido Truffaut hasta 1989), los cuales se preocupan por hacer cine de autor, referenciado a su propio ambiente más que en asuntos globales. Jean Luc Godard sigue siendo el más innovador, experimentando con vídeo y cine minoritario y marginal, siendo fiel y coherente consigo mismo, con películas como Detective (1986), Nouvelle Vague (1990) y Elogio Del Amor (2001). Durante los 90 ha realizado una Historia del Cine muy personal que se puede obtener en vídeo y dvd. Alain Resnais dirige Mon Oncle D´Amérique (1980) y la estupenda y atrevida L´amour A Mort  (1984), una historia simple y una producción sobria para un testamento espiritual insólito. Eric Rohmer continúa sus Seis Cuentos Morales (1962-1972) con dos nuevos ciclos de películas, Comedias Y Proverbios y Cuentos De Las Cuatro Estaciones . Rohmer trabaja con presupuestos bajos, manteniendo una fidelidad y un estilo claro y elegante admirables. Sus películas no envejecen: Le Rayon Vert  (1986), L´ami De Mon Amie (1987), Conte D´hiver (1992) y La Inglesa Y El Duque, 2001. Louis Malle realiza en Canadá Atlantic City  (1980) y en Francia la humanista  Au Revoir , Les Enfants (1987), sobre su infancia, la amistad y el horror de la guerra. Chris Marker, que ya había hecho una obra documental maestra con Lettre De Sibérie (1957), con una mirada totalmente nueva y bella sobre la subjetividad de lo que se muestra en cine, dirige en 1982 Sans Soleil , una película inteligente y sensible, que reflexiona sobre la imagen y cuestiona sobre la humanidad y el poder. Agnès Varda continúa con brillantes y perdurables películas, como el drama Vagabonde/Sans Toit Ni Loi  (1985), una alegoría de la lucha de la mujer que quiere liberarse de las trabas sociales. El georgiano Otar Iosseliani se parece con su obra a Vigo, Rossellini, Tati, McCarey, Renoir y a la nouvelle vague. Sus películas están llenas de pasión por la vida, el amor y la amistad. Películas como Les Favoris De La Lune (1984), La Chasse Aux Papillons (1993), o Lundi Matin (2002), son diferentes y únicas. Bertrand Tavernier, que tiene éxito con Round Midnight  (1985), interpretada por el saxofonista Dexter Gordon, dirige la película de cinema-verité puro L-627 (1991) y Hoy Empieza Todo (2000). Jean-Jacques Beineix logra con 37º2 Le Matin (1986) hacer una película muy buena sobre una abrasadora relación amorosa y un reflejo pesimista de la generación perdida de los 80, rodada con el estilo de los vídeo clips y la publicidad. Junto a los veteranos, hay OTROS DIRECTORES que, sin crear una línea de grupo o de movimiento, hacen buenas películas que interesan por varios motivos. Algunos como Jean Jacques Annaud y Luc Besson son muy comerciales. Otros son más impresionantes, controvertidos o innovadores con sus temas y sus estilos, siendo merecedores de que se sigan sus pasos: Raúl Ruiz, Leos Carax, Claire Denis, Bruno Dumont, Olivier Assayas, Agnès Jaovi Y Eric Zonca.

Capítulo 5 y 10: Adiós muchachos.

Historia > Años 80 y 90 > Italia La producción y la importancia de las películas decae y el cine italiano pierde su relevancia y la proyección internacional. Ya desaparecidos Rossellini, Visconti y Pasolini, Federico Fellini hace obras más minoritarias, aunque sigue creando su universo particular, como en la memorable Ginger Y Fred  (1985), una caricatura grotesca de la explotación del individuo por los medios de comunicación y consumo. Michelangelo Antonioni regresa , después de 13 años de inactividad y de una larga enfermedad, con Más Allá De Las Nubes ( Al Di Là Delle Nuvole, 1995), codirigida con Win Wenders. Bernardo Bertolucci se enrola en grandes producciones que, a pesar de contar con muchos medios, son inferiores a las películas más personales de su etapa anterior. Paolo Y Vittorio Taviani se superan a sí mismos en Kaos (1984), cuatro historias narradas por Pirandello, con brillantes imágenes de la dureza de la vida y la belleza de la naturaleza sicilianas. Ettore Scola sigue con sus films sencillos y hermosos, como Macarroni  (1985), La Familia (1987), Splendor (1989) y ¿Qué Hora Es? (1989).

Algunos directores más jóvenes consiguen bastante resonancia fuera de su país, como Giuseppe Tornatore, que obtiene un gran éxito de crítica y público en 1989 con Cinema Paradiso, o el actor cómico y director Roberto Benigni que también tiene éxito con la sentimental fábula La Vitta È Bella (1997). Hay también directores menos previsibles, como Gianni Amelio que en 1992 dirige una película neorrealista, Il Ladro Di Bambini , y en 1994 la excelente L´america; o como el escritor, actor y director Nanni Moretti con el agudo e inteligente film de no-ficción Caro Diario (1994). El director indio-inglés Michael Radford dirige en Italia una obra maravillosa, El  Cartero Y Pablo Neruda (Il Postino, 1995), emotiva, muy bonita y llena de buenos sentimientos.

Capítulo Capítulo Capítulo Capítulo Capítulo

1: Splendor  5: El cielo protector. 7: El último emperador. 9: Buenos días Babilonia. 11: Cinema Paradiso.

Historia > Años 80 y 90 > Reino Unido El Toque Británico versus Hollywood

La industria británica sufre las consecuencias de la crisis del sector, tal vez en mayor medida que el resto de las cinematografías europeas, debido a la afinidad idiomática y cultural existente con EEUU. A ello se debe también que los realizadores británicos encuentren una mayor facilidad para integrarse en la industria de Hollywood. De hecho, muchos de los miembros del Free Cinema, como Tony Richardson, Karel Reisz o John Schlesinger, abandonan el país, a finales de los años 60 y durante los 70, para probar fortuna en Hollywood. A ellos se une Ken Russell, el más controvertido cineasta británico del momento, que realiza para la industria norteamericana numerosas películas, entre ellas, un polémico retrato de las obsesiones sexuales del americano medio en La Pasión De China Blue (Crimes Of Passion, 1984). Sin embargo, el cine británico se recupera mejor que el de otros países. Curiosamente, el californiano James Ivory desarrolla aquí su obra de inspiración literaria. Una Habitación Con Vistas ( A Room With A View , 1986) y Lo Que Queda Del Día (The Remains Of The Day , 1993) son películas de autor con un cuidadoso tratamiento de la psicología de los personajes y de la descripción de ambientes de época. El escritor y director Neil Jordan muestra su talento en la extraordinariamente intensa e inteligente Mona Lisa (1986) y en la emocionante El Juego De Lágrimas (The Crying Game, 1992). Stephen Frears dirige con gran talento la enigmática y cínica Las Amistades Peligrosas (Dangerous Liaisons , 1988), una versión subversiva de la obra de teatro

de Christopher Hampton basada en la novela de Choderlos de Laclos. Otras reconstrucciones de época son  A Passage To India (1984) de David Lean , y Ghandi  (1982) de Richard Attenboroug, pero son de una categoría más comercial. El director que más éxito y premios consigue es Mike Newell con Enchanted April  (1993) y Cuatro Bodas Y Un Funeral  (Four Weddings And A Funeral , 1994).

Tradición Realista Roland Joffé hace un drama de guerra, emocionante y excepcional, con Los Gritos Del Silencio (The Killing Fields, 1984) lleno de violencia y fuerza en sus imágenes, con la cámara y el montaje buenísimos. El responsable de la cámara es Chris Menges, uno de los directores de fotografía mejores del mundo, que a su vez dirige  A World Appart (1988), sobre el racismo en África del Sur, y Second Best  (1993). Terence Davies dirige en 1988 la magnífica Distant Voices, Still Lives , una película

autobiográfica, críptica y envolvente.

Peter Medak con la magistral biografía de gansteres The Krays (1990) hace un

retrato sagaz e inteligente del mundo violento de los criminales Kemp en Londres. Es memorable el uso creativo de los actores más famosos en los papeles secundarios. En estos años aparece un cine-social crítico con el sistema socio-político británico.En este ámbito, Stephen Frears realiza películas importantes, como Mi Hermosa Lavandería (My Beautiful Launderette , 1985), retrato de la comunidad pakistaní en Londres, y la encantadora Café Irlandés (The Snapper , 1993), que analiza la situación de la mujer en el seno de la clase media-baja en Irlanda. Más comprometido es el independiente Ken Loach que hace un cine-denuncia sobre el mundo de la marginación con  Agenda Oculta (Hidden Agenda, 1990), Riff-Raff  (1991), Raining Stones , (1993) y Lady Bird, Lady Bird  (1994). En 1995 realiza una coproducción con España, Tierra Y Libertad , una aproximación a la guerra civil española. Mike Leight consigue en sus películas, como Naked  (1993) y Secrets And Lies

(1996), un fuerte sentido de intimidad, indagando en las relaciones privadas de los personajes que viven unas situaciones sociales muy actuales. Es un maestro en conseguir hitos cinematográficos, trabajando estrechamente con los actores desde la preproducción.

Alternativas Derek Jarman es un director raro y alternativo, con películas sobre temas clásicos del pasado o de la Historia de la Pintura, con un toque homosexual, como The Tempest  (1979), Caravaggio (1985) y Edward II  (1991). Su última película Blue

(1993) es profundamente experimental, abstracta e inusual.

Sally Potter dirige un film ambicioso, casi experimental, pero muy pretencioso, Orlando (1993), una visión particular de la obra de Wirginia Woolf.

El pintor, matemático y filósofo Peter Greenaway se convierte en un cineasta de culto, elitista y minoritario con películas como El Contrato Del Dibujante (The Draughtman´s Contrac t, 1982), El Vientre Del Arquitecto (The Belly Of An  Arquitect , 1987), El Cocinero, El Ladrón, Su Mujer Y Su Amante (The Cook, The Thief, His Wife And Her Lover , 1989) y The Pillow Book  (1995). En el 2002 inicia un trabajo multimedia ambicioso, The Tulse Luper Suitcases , con el que pretende renovar el medio, combinando los nuevos lenguajes mediáticos, cine, tv, internet, dvd, cd-rom y libro. Capítulo 6: Tierra y Libertad. Capítulo 10: La Misión.

Historia > Años 80 y 90 > Alemania El cine alemán también goza del apoyo de la televisión estatal. En este entorno, Rainer Werner Fassbinder continúa con sus magistrales melodramas, como el producto kicht Lili Marleen (1980), y los dramas sobre la Historia (negra) de Alemania, como Lola (1981), que es de lo mejor del autor, con dirección de cámara perfecta, un reparto grandioso y una dramatización impresionante; o como la apasionante La Ansiedad De Veronika Voss (Die Sehnsucht Der Veronika Voss, 1982). Justo antes de morir, en medio de la polémica, a los 36 años, dirige Querelle (1982), sobre la frustración de la homosexualidad en una sociedad burguesa. Wim Wenders hace algunas películas en EEUU, Relámpago Sobre Agua (Lightening Over Water , 1980), codirigida con Nicolas Ray, y Paris, Texas (1984). Después se dedica a un cine introspectivo y alejado del espectador. En 1987 realiza la fábula poética Cielo Sobre Berlín (Der Himmel Ubre Berlin), y en 1991 Hasta El Fin Del  Mundo ( Jusqu´au Bout Du Monde), de aventuras-ciencia-ficción, que es como un relato filosófico y de amor por el cine.

El austriaco Peter Handke, que es escritor y colaborador de Wenders, basa sus películas La Mujer Zurda (1977) y La Ausencia (1992) en sus novelas y, como en éstas, muestra una rara capacidad para transmitir sentimientos, con relatos descriptivos y fríos. Doris Dörrie alcanza un notable éxito con Hombres, Hombres (Männer..., 1986) una cortante sátira feminista y un agudo retrato de los pomposos hombres de clase media, con sus reacciones ante el engaño de sus mujeres al liberarse de los estereotipos, la sexualidad y el aburrimiento a los que ellos las someten.

Historia > Años 80 y 90 > España La Historia Reciente

En 1977 se suprime la censura dando lugar a películas sobre el pasado reciente de España. La Guerra Civil es recuperada en Las Largas Vacaciones Del 36 (1976) y Dragon Rapide (1986) de Jaime Camino, en Las Bicicletas Son Para El Verano (1983) de Jaime Chávarri, a partir de una pieza teatral de Fernando Fernán Gómez, en La Vaquilla (1984) de Luis G. Berlanga, primera obra satírica sobre el tema, y en Libertarias (1996) de Vicente Aranda. También la posguerra y el franquismo son objeto de análisis en películas como La Muchacha De Las Bragas De Oro (1980) y Si Te Dicen Que Caí (1988) de Aranda, ambas basadas en sendas novelas de Juan Marsé, El Año De Las Luces (1986) de Fernando Trueba, La Escopeta Nacional (1978) de Berlanga y Madregilda (1991) de Francisco Regueiro. Las Primeras Productoras

Una figura clave en el cine español es Elías Querejeta, productor de muchas de las mejores películas del período anterior y del actual, como las de Saura, hasta que sus intereses se contraponen en 1981, y las de Erice, hasta que surgen desavenencias durante el rodaje de El Sur . Carlos Saura abandona su obsesión por la guerra civil, el hermetismo y los símbolos de sus películas, y rueda en 1980 Deprisa , Deprisa. A partir de aquí, su temática cambia completamente. Josefina Molina dirige la sincera y desgarrada Función De Noche (1981). En 1982, una película española logra por primera vez el Oscar a "la mejor de habla no inglesa", Volver A Empezar  de Jose Luis Garci. Éste trata de superarse con Canción De Cuna (1994). Una figura carismática de estos años es Víctor Erice, autor de sólo 3 largometrajes pero de gran calidad, El Espíritu De La Colmena, El Sur (1983) Y El Sol Del  Membrillo (1992). Erice, es un director de gran talento para el cine, un caso único en este panorama, por lo insólito de su rigurosidad y perfección, quizás sugerida en el modo de trabajo de Antonio López, otro fuera de las modas, en su excelente película de no ficción El Sol Del Membrillo. En la actualidad prefiere trabajar en publicidad para no doblegar su libertad de creación ante las productoras. Comedia

En este período surge una serie de películas en torno a la llamada "comedia madrileña", que retratan los usos y costumbres de las nuevas generaciones. Tendencia que se inicia de la mano de Fernando Colomo con Tigres De Papel  (1977) y que culmina con Opera Prima de Fernando Trueba. También aparecen en estos años dos de los autores más subversivos: Bigas Luna, cuya obra disecciona la conducta humana desde la perspectiva de la sexualidad, y sobre todo, Pedro Almodóvar que, procedente del movimiento contracultural del Madrid de los años 80, despliega un universo humano tremendamente actual, retratado de manera fresca y directa, como en la comedia de pasiones: Mujeres Al  Borde De Un Ataque De Nervios (1988). La de Almodóvar es una carrera fulgurante que, a través de títulos como ¿Qué He Hecho Yo Para Merecer Esto? (1984), La Ley  Del Deseo (1986),  Átame (1989) y Todo Sobre Mi Madre (1999), acabará conduciendo al director manchego a uno de los primeros puestos dentro de la industria cinematográfica europea. El Modelo Proteccionista

El cine español logra salir de la crisis económica gracias a la política de colaboración de Televisión española y la Dirección de Cinematografía, con su directora Pilar Miró que es la responsable del Decreto de proteccionismo, dando lugar a un buen número de películas. Muchos son los beneficiados por las ayudas, como: Mario Camus, La Colmena (1982), Los Santos Inocentes (1984) y Sombras De Una Batalla (1993); Fernando Fernán-Gómez, El Viaje A Ninguna Parte (1987); y Manuel Gutiérrez Aragón, La Mitad Del Cielo (1986). Y la misma Pilar Miró, como directora de cine, que en su último período es intimista y personal, logrando películas notables, como Beltenebros (1991) y la escéptica El Pájaro De La Felicidad (1992). En este ámbito, el independiente Gonzalo Suárez se convierte en un autor insólito, con películas como Remando Al Viento (1987). También, Alejandro Amenábar tiene un despegue extraordinario como director de películas de suspense muy bien calculadas, Tesis (1996),  Abre Los Ojos (1997) y

Los Otros (2001). En 1999, el director Benito Zambrano consigue con Solas hacer un cine sencillo y perfecto, lleno de buenos sentimientos y valores. En esta misma línea Fernando León dirige en 1998 Barrio y ya en el 2002 Los Lunes Al Sol , una gran película llena de gracia y de verdad. El País Vasco también concede subvenciones a los proyectos de su comunidad: Imanol Uribe, La Muerte De Mikel  (1983); Montxo Armendáriz, Tasio (1984) y 27 Horas (1986); Juanma Bajo Ulloa, Alas De Mariposa (1991) y La Madre Muerta (1993); Julio Meden, Vacas (1992), Tierra (1995) y Lucía Y El Sexo (2000); Alex De La Iglesia, El Día De La Bestia (1995) y La Comunidad (2000). En Cataluña también se apoya al cine, como es el caso de Agustí Villaronga con Tras El Cristal  (1986), con un tema de gran dureza y en la que como director muestra un vigoroso pulso narrativo; Jose Luis Guerín, con un cine personal e inteligente como en el documental nostálgico Innisfree (1990), bello homenaje a The Quiet Man de John Ford, y con la película de casi no-ficción En Construcción (2001); e Isabel Coixet empeñada en encontrar temas y estilo propios, Things I  Never Told You (1995) y A Los Que Aman (1998) Capítulo 2 y 3: Sesión continua Capítulo 4: Todo por la pasta, Ay Carmela, Al otro lado del 

tunel, Historias del Kronen, El viaje a ninguna parte (y  capítulo 12), El bosque animado (y capítulo 9). Capítulo 7: Los Santos Inocentes, Tierra. Capítulo 9: La escopeta nacional  Capítulo 10: Tacones lejanos. Capítulo 11: Mujeres al borde de un ataque de nervios, Nadie hablará de nosotras cuando estemos muertas, Volver a empezar, Beltenebros y un plano secuencia de El Sur. Capítulo 12: Las cartas de Alou, Madre Gilda

Historia > Años 80 y 90 > Europa > Otras Europeos Dinamarca En contra de un cine dominante, de ficción, tendencioso y engañoso, surge en el país de Carl Theodor Dreyer, un nuevo movimiento cinematográfico, el colectivo Dogma 95, que se da a conocer con la proclama de un manifiesto de 10 puntos. En defensa de la realidad, de la verdad y de los sentimientos auténticos, proponen localizaciones y acciones reales, no simuladas ni buscadas, sonido diegético proveniente del lugar y de los personajes, cámara en mano, no trastocar el color ni la iluminación, no trucos fotográficos, no películas de género, no apoyos económicos, etc. La proclama tiene lugar con La Celebración (1998), de Thomas Vinterberg. Pero el máximo representante es Lars Von Triers, que ya se había dado a conocer con El Elemento Del Crimen (1984) y con Europa (1991), una visión terrible del nazismo y las consecuencias de la guerra. Triers dirige películas como Rompiendo Las Olas (1996), en la que narra con un estilo vertiginoso una maravillosa historia de amor trágica y milagrosa (¿ Ordet ?); Los Idiotas (1998) al estilo dogma95 ; y en el 2000, el musical Bailando En La Oscuridad , basado en otra historia trágica de amor y esperanza. Otras películas dogma 95 son: Mifune (1999) de Soren Kragh-Jacobsen, El Rey  Está Vivo (2000) de Kristian Leuring, Loves (2001) de Jeanc-Marc Bar, y  Julien Donkey Boy (1999) de Harmony Korine, una directora independiente de EEUU que se adhiere al movimiento con esta película rara pero original, grabada en vídeo digital y pasada a 35mm. También es autora de Gummo (1997).

Portugal El veterano Manoel Oliveira es uno de los más importantes directores de cine, como lo son Buñuel y Dreyer, con obras como Les Soulier De Satin (1985), El Valle De Abraham (1993), El Convento (1995), la autobiográfica Viaje Al Principio Del  Mundo (1997), La Carta (1999) y La Princesa De Cleves (2000).

Grecia Theo Angelopoulos, autor de la fascinante metáfora del poder y la posesión

 Alejandro Magno (O Megalexandros, 1980), es un director genial, continuador de Bergman y de Fellini. Su cine es una búsqueda moral y espiritual continua : El Viaje De Los Comediantes (O Thiassos, 1975) es una deslumbrante epopeya, una visión de la Historia de la Grecia moderna, con recursos narrativos sorprendentes; Paisaje En La Niebla (1988); La Eternidad Y Un Día (1989), profundo y ambicioso film en el que se unen los intereses privados con los sociales en una historia particular; La Mirada De Ulises (1995) es una reflexión sobre las ruinas de la guerra de los Balcanes y sobre la memoria de la cultura

Finlandia Lauri Torhonen realiza una película crítica, personal y asombrosa con Palava Enkeli (1984), una de las mejores de este país. Raumi Mollberg logra una película impresionante y bien hecha, de guerra pero antimilitarista, El Soldado Desconocido (1986). Aki Kaurismäki dirige La Chica De La Fábrica De Cerillas (1990) al estilo de Bresson; Contraté Un Asesino A Sueldo (1990); La Vida De Bohemia (1996) sobre el desempleo en su país; y  Juha (1998) al estilo de  Amanecer de Murnau.

Bélgica Jean-Jacques Andrien dirige el drama psicológico-social Grand Paisaje D´Alexis Droeven (1981) una película paisajista con estilo contemplativo y lírico. Jean-Pierre Y Luc Dardenne, con La Promesa (1996), una película sobre inmigrantes y compromisos éticos; Rosetta (1999), en la que una joven se hace irreflexiva y cruel y su carácter se amarga ante la lucha con extremas condiciones de vida; y El Hijo (2002).

Holanda Istvàn Szabo, Mephisto (1981), una película fascinante sobre la relación del arte y la política. Annette Apon, Cocodrilos En Ámsterdam (1990), una extraña y divertida comedia. Marlene Gorris, Antonia (1995), una película subversiva y bella.

Suecia Hans Alfredson realiza una excelente película de suspense al estilo de Hitchcock, Falso Como El Agua (Falsk Som Vatten, 1985), sobre la naturaleza de los celos y las desviaciones a las que conducen. La importante actriz Liv Ullman escribe los guiones y dirige sus películas al estilo del maestro Bergman, con la preocupación puesta en mostrar el interior de los personajes a través del gesto, como en Sofía (1992). Bille August dirige algunas películas notable, como la despiadada Pelle, El  Conquistador (1987) y Las Mejores Intenciones (1991).

Post-Unión Soviética El georgiano Tenghiz Abuladze dirige la controvertida Monanieba (1984). A partir de 1985, la política reformista y de aperturismo favorece la recuperación de la obra de Tarkovsky, que muere en el exilio en 1986, y permite la vuelta de los autores inhabilitados por el poder anterior y la censura. Elem Klimov preside en 1985 la Asociación de Cineastas y rueda la magistral de anti-guerra Masacre/Ven Y Mira (Idi I Smotri , 1985), sobre la destrucción y el horror de la guerra. La ruso-ukraniana Kira Muratova dirige una de las películas clave de este período, una obra de construcción compleja, de película dentro de una película, la apocalíptica  Asthenischeskii Sindrom (1989), un retrato mordaz del decaimiento moral de la sociedad, en la que la gente vive entre conductas de enérgica agresión y profunda apatía. A pesar del aperturismo, poco le falta a la película para ser prohibida. Muratova continúa su trabajo con actores poco conocidos y usando mucho el montaje, haciendo cine no comercial, sólo para una minoría de adeptos. Nikita Mijalkov realiza la preciosa Ojos Negros (Oci Ciornie, 1987) y la excelente Quemado Por El Sol  (1994), películas influenciadas por la obra de Antón Chejov. Vadim Abdrasjitov hace una película fascinante, llena de simbolismo y surrealismo con Parad Planet (1985). El armenio Serguey Paradonov, autor de Sombras De Olvidados Antepasados, realiza la insólita y magnífica Legenda Suramskoikreposti (1985). Vasily Pichul muestra las relaciones sexuales abiertamente en La Pequeña Vera (1988) Aleksandr Sokurov, al modo de Tarkovsky y de Kieslowski, está más interesado en la estética visual que en los temas controvertidos. Así dirige con simplicidad y belleza Madre E Hijo (Mat´I Syn, 1997), en la que la naturaleza se muestra con estilo pictórico. Aleksei Balabanov dirige dos crudos dramas contemporáneos de crímenes y gansteres en Hermano (Brat , 1997) y Hermao II  (Brat II, 2000), y la inolvidable historia sobre los primeros años del siglo y del cine De Monstruos Y Hombres (Pro Ourodov I Lioudiei , 1998).

Polonia

Andrzej Wajda continúa las líneas argumentales de su período anterior y con sus epopeyas sobre el hombre, siempre de gran calidad y plagadas de premios, como El  Director De Orquesta (1980), o El Hombre De Hierro (1981). Kristof Kieslowski hace un cine estético, de gran belleza visual. Sus obras son magistrales dramas psicológicos, sociales y personales sobre la conducta humana, y con los que se plantea la función del arte y del artista, y la responsabilidad, el valor y la sensibilidad del cineasta. Se da a conocer con  Amator  (1979), y después hace estas películas: Przypadez (1982) se compone de tres relatos sobre un personaje y es una imagen irónica de la situación polaca; No Matarás (1987); No Amarás (1988); Decálogo (1989), que es una serie de 10 capítulos, de una hora cada uno, para la televisión; La Doble Vida De Verónica (1991), espiritual y esquiva, se rueda en Francia e inicia la propuesta de que hay que acordar la unión de culturas en los próximos acontecimientos políticos; y en 1993-1994 dirige las tres películas llenas de símbolos Tres Colores, la hermosa, triste y nostálgica  Azul , la frívola y delirante Blanco, y la oportunista Rojo, en correlación con las ideas de Libertad, Igualdad y Fraternidad. En ellas se muestran tragedias de personas con sus conflictos y sus relaciones, pero con la esperanza de reconciliación con ellas mismas y con su entorno. Agnieszka Holland es colaboradora, ayudante de dirección y autora de guiones en algunas películas de Wajda y de Kieslowsky y de los de sus propias películas, Bittere Ente (1985) y Europa, Europa (1990), una polémica confrontación del alma humana con sus arraigadas convicciones dentro de lo absurdo de los sistemas totalitarios. Roman Polansky, al ganar en Cannes 2002, con la coproducción europea El  Pianista, expresa que intenta filmar lo más cerca de la realidad y no a la manera de Hollywood que necesita que el espectador no sea libre ni crítico. Con esta obra quiere ser documento de lo smuf , ese abismo contemporáneo de la filmación del dolor y de la profanación de la intimidad. Capítulos 6 y 7: Azul 

Ex-Yugoslavia El bosnio-herzegovino Emir Kusturica es autor de películas, todas ellas premiadas, en torno a la división de pueblos, los conflictos sociales y la brutalidad de las luchas, tomando partido por ciertos grupos, como en ¿Recuerdas A Dolly Bell? ( 1981), Papá Está En Viaje De Negocios (1985) y Tiempo De Gitanos (1989). Luego hace alguna rareza en EEUU, y vuelve con la farragosa, grotesca y cotrovertida, aunque también artística Underground  (1995), una fantasiosa visión histórica. En el mismo estilo está Gato Negro, Gato Blanco (1998).

Rumanía Lucien Pintilie dirige El Roble (1992), una tragicomedia sobre el derrumbamiento de su país.

Turquía Yilmaz Güney da a conocer al mundo el cine turco con películas de activismo político, como Yol (1982) y El Muro (1983).

Historia > Años 80 y 90 > Otras cinematografías

En este período hay países con sistemas políticos sin conflictos y con cinematografías con un desarrollo estable, y hay países con dificultades y convulsiones, pero con cinematografías emergentes. En general, en todos ellos se incorporan las innovaciones de estilo y narrativa anteriores, y se abandonan las pautas de las instituciones para tratar en los relatos temas y personajes extraídos de la realidad cotidiana, en lucha con las condiciones de vida derivadas de las transiciones sociales y políticas en unos países, o con las consecuencias de los sistemas industrializados y tecnificados en otros. Debido a la poca distribución, no es un cine fácil de ver, pero en todo caso, igual que ocurre con todo el buen cine, merece la pena seguirle la pista.

Historia > Años 80 y 90 > Otras cinematografías >Latinoamérica Argentina El autor de Tiempo De Revancha, Adolfo Aristaraín, dirige, con éxito popular, Un Lugar En El Mundo (1991), Martín Hache (1996) y Lugares comunes (2003). Luis Puenzo también logra reconocimiento con La Historia Oficial  (1986), una reflexión sobre la brutal opresión de la dictadura militar argentina, y con Gringo Viejo (1988) , adaptación de la novela de Carlos Fuentes. También Sergio Renán, que ya había adaptado la obra de Mario Benedetti La Tregua (1974), dirige una versión de El Sueño De Los Héroes (1992) de Adolfo Bioy Casares. Con El hijo de la novia (2001) Juan José Campanella ha dado su mayor éxito internacional al cine argentino. En 2002, Carlos Sorín realiza con recursos mínimos Historias Mínimas, una película preciosa, frágil y delicada pieza de orfebrería.

Uruguay Uruguay no tiene una producción regular pero destacan Diego Arsuaga , autor de las premiadas Otario (1997) y El último tren (2002), y Guillermo Casanova ( El viaje hacia el mar, 2003).

México Algunas películas de este país consiguen un éxito internacional, tal es el caso de las obras de directores como Arturo Ripstein con La Mujer Del Puerto (1991), Profundo Carmesí  (1996) y El Coronel No Tiene Quién Le Escriba (1999), y de Alfonso Arau con Como Agua Para Chocolate (1992) y Un Paseo Por Las Nubes (1995). María Novaro también consigue notables película con Danzón (1991), sobre la lucha de una mujer por vivir, y El Jardín Del Edén (1995), sobre los mexicanos que pasan la frontera hacia los EEUU. Los últimos éxitos internacionales del cine azteca los han protagonizado Alejandro González Iñarritu con Amores perros (2000) y 21 gramos (2003) y Alfonso Cuarón con Y tu mamá también (2000), que le abrió las puertas de Hollywood donde dirigió dos entregas de la saga juvenil sobre Harry Potter.

Brasil Existe cierto paralelismo entre el cine brasileño y argentino de estos años, en cuanto a temas y modos de hacer. Así, Nelson Pereira Dos Santos realiza Memorias De La Cárcel  (1984) sobre la represión militar. Cuando el aperturismo se inicia, Héctor Babenco hace un retrato de la delincuencia juvenil con Pixote (1980) y El Beso De La Mujer Araña (1984). Susana Amaral dirige otra película sobre la opresión que sufren ciertas clases, y en concreto las mujeres, La Hora De La Estrella (1985), basada en la obra de Clarice Lispector, mostrando las condiciones de vida y el destino de una joven en una sociedad industrializada. Las últimas revelaciones del cine brasileño son Estación central de Brasil de Walter Salles (1998) y Ciudad de Dios (2002) de Fernando Meirelles.

Cuba Tomás Gutiérrez Alea logra el reconocimiento del público, y premios internacionales, después de su etapa crítica al totalitarismo político, con Fresa Y  Chocolate (1993) y con Guantanamera (1995), codirigidas con Juan Carlos Tabío.

Colombia, Perú, Venezuela, Bolivia, Ecuador, Chile Entre los autores de países sin demasiada base industrial hay que citar a los colombianos Sergio Cabrera , autor de uno de los mayores éxitos del cine latinoamericano con La estrategia del caracol (1993), y Víctor Gaviria con su conmovedora La vendedora de rosas (1998) y al maestro peruano Francisco Lombardi ( La ciudad y los perros, La boca del lobo ). Otros nombres son los de los venezolanos Román Chalbod ( La oveja negra , 1987) y Mauricio Wallerstein ( Cuando quiero llorar no lloro, 1973), el boliviano Paolo Agazzi ( Tres cruces ) y la ecuatoriana Viviana Cordero ( Un titán en el ring ). Chile, tras la recuperación de la democracia, experimenta una cierta bonanza industrial y creativa: Ricardo Larraín obtuvo reconocimiento internacional con La frontera (1991), y ya descollan jóvenes realizadores como Boris Quercia ( Sexo con amor ) y Marcelo Ferrari ( Sub Terra ). Otra línea ascendente es la del cine hecho en EE.UU. por hispanos. En el ámbito comercial destaca Robert Rodríguez que se reveló con El mariachi. El último éxito de este cine ha sido Las mujeres de verdad tienen curvas de Patricia Cardoso (2002).

Historia > Años 80 y 90 > Otras cinematografías > Asia China Tras la muerte de Mao se reabre la Academia de Cinematografía y los primeros diplomados forman la llamada Quinta Generación que abordan con cierta tolerancia obras realistas o de reflexión sobre la historia reciente en un contexto de desarrollo industrial y urbano. Los más destacados son: Chen Kaige: El Rey De Los Niños (1987),  Adiós A Mi Concubina (1993), El  Emperador Y El Asesino (1999). Zhang Yimou es el más representativo y conocido del grupo: Sorgo Rojo (1987), Semilla De Crisantemo (1990), La Linterna Roja ( 1991), Ni Uno Menos (1998), Camino A Casa (1999). Wu Tianming: El Rey De Las Máscaras (1996), The Old Web (Lao Jing, 1986). Tian Zhuangzhuang: Ladrones De Caballos (1986), La Cometa Azul (1993) He Yi: Xuan Lian (1994). Zhan Yuan: Benjing Bastards (1993), El Cartero (1995). Más recientemente , aparece una Sexta Generación que mira más a problemas urbanos, con drogas, homosexualidad, trabajadores ilegales y conflictos actuales.

Taiwán Ang Lee: tras estudiar en EEUU realizó en su país El banquete de bodas (Hsi yen , 1993) y Comer, beber, amar (Yin shi nan nu , 1994) en las que aborda el choque entre la mentalidad tradicional y las nuevas generaciones occidentalizadas. Posteriormente trabaja en EEUU y rueda Tigre y dragón (Grouching Tigre, Hiden Dragon, 2000), un fantástico film de artes marciales. Hou Hsiao-hsien: Ciudad De Tristeza (Beijing Chengshi , 1989), The Puppetmaster  (1993),  Adios Sur, Adios (1996), y Flores De Shangay , que es la mejor, de intrigas y sexo, un hito artístico, un intenso estudio de las relaciones de los individuos y el poder. Edward Yang: El Terrorista (1986), Yi Yi (2000). Tsai Ming-Liang: Viva El Amor (1994).

Hong Kong Mable Cheung Yueng-ting dirige una excepcional tragicomedia romántica dotada de humor sutil, Un Cuento De Otoño (1987). Chan Friend logra una encantadora y simpática comedia con El Bígamo Feliz  (1987). Silvia Chang hace una película rara, bergmaniana, una joya de gran belleza y simplicidad con Pasión (1987). Wong Kar-wai es un director con un nuevo y estimulante estilo visual de gran belleza formal, todo ello con la colaboración del director de fotografía australiano Christopher Doyle, a base de vivos colores, rápidos cortes y suaves movimientos de cámara: Chungkin Express (1994),  Ángeles Caídos (1995), y Deseando Amar  (2000).

Vietnan Tran Auh Hung elige temas de la vida cotidiana, de importancia social o intimista, y además, en sus películas, da gran importancia a los detalles, al tratamiento del color, a la textura de las imágenes y a la banda sonora. Todas son ganadoras de premios: La Esencia De La Papaya Verde (1993), Ciclo (1995) y The Vertical Ray Of  The Sun (2000).

Japón Ayudado por las productoras extranjeras, Akira Kurosawa dirige sus, todavía algunas magistrales, últimas películas: Kagemusha (1980), Ran (1985), Los Sueños

(1990), Rapsodia En Agosto (1991), Madadayo (1994). Shohei Imamura dirige la romántica y bella La Leyenda De Narayama (1983) y la impresionante y bella Lluvia Negra (1984). Yoichi Takabayashy realiza una película de amor excéntrico y tatuajes con un hermoso colorido, Sekka Tomurai Zashi  (1982). Juzo Itami: Itami: El Funeral (1984), Tampopo (1986). Takeshi Kitano: Kitano: Fireworks (1997), Kikujiro (1999), Brother (2000). Hirokazu Kore-Eda es uno de los autores más originales de la actualidad: Maborosi (1995), Afterlife (1998).

India El clásico y veterano Satyajit Ray dirige en 1984 El Hogar Y El Mundo (Ghare-Baire), una confrontación entre dos tipos de nacionalismo, lo local y lo cosmopolita, y de las dos formas de hacer cine en la India. Casi todos los demás hacen melodramas musicales populares. Mira Nair se conoce internacionalmente por Salaam Bombay (1988), el peregrinaje de un niño por los submundos de Bombay, la subsistencia, la venta de una joven virgen, el amor y la necesidad de cariño. Tras varias películas, en el 2001 recupera la fuerza de Salaam... con un hermoso trabajo, La Boda Del Monzón.

Irán Tras la revolución islámica de 1979 se cuestiona el cine comercial y se propicia un cierto cine de calidad siempre que no ataque los valores islámicos. Abbas Kiarostami es, en palabras de Akira Kurosawa, como el nuevo Satyajit Ray. Su cine es una relación entre documental y ficción, realizado con un proceso de filmación complejo, imbricando acontecimientos reales con momentos creados, y simulando un resultado simple: Y La Vida Sigue (1992),  A Través De Los Olivos (1994), Close-up (1989), El Sabor De Las Cerezas (1997), El Viento Nos Llevará (1999). Mohsen Makhmalbaf  trata asuntos de actualidad de su país a la vez que reflexiona sobre el medio de expresión, como en Gabbeh (1996), una película de gran belleza sobre dos amantes de diferentes tribus tejedoras de alfombras "gabbeh", y en la conmovedora Kandahar  (2001), sobre la situación de las mujeres en el Afganistán de los talibanes. Samira Makhmalbaf en Makhmalbaf  en Pizarras (2000), Marzieh Mshkini en El Día Que Me Hice Mujer  (2000) y Jafar Panahi en El Círculo (2000) versan sobre las condiciones en las que viven las mujeres en Irán. Otro director interesante es Majid Majidi, Majidi, con películas como Niños Del Paraíso (1996), Y El Color Del Cielo (1999).

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Historia > Años 80 y 90 > Otras cinematografías > Africa Los cineastas africanos trabajan con características similares a las de otros países con dificultades, convulsiones y cinematografías emergentes, pero muestran un interés especial en la búsqueda de recursos y estilos propios para no ser una copia de los europeos o americanos.

Egipto Desde los años 40 este país ha desarrollado una potente industria que produce para todo el mundo árabe géneros populares pero también ha propiciado autores de calidad. Yussef Chahine : el director más conocido del mundo árabe estudió en EE.UU. y empezó haciendo películas costumbristas en los 50 pero en su filmografía abundan las obras de reflexión histórica como El gorrión (1973) sobre la derrota ante Israel, La alternativa (1976) o El destino (1998) sobre el filósofo andalusí Averroes.

Senegal Ousmane Sembebe está considerado como el padre del cine africano. Camp De Thiaroye (1988), Faat Kiné (2000). Djibril Diop Mambéty: Mambéty: Hyenas Hyenas(1992), (1992), La Niña Que Vendió El Sol (1999). Sol (1999).

Mali Souleymane Cissé: Cissé: El Viento (1982), Hielen (1987).

Burkina Faso Idrisa Ovedraogo: Ovedraogo: Yaaba (1989), Tilai  Tilai (1990). (1990).

Historia > Años 80 y 90 > Otras cinematografías > Australia, Nueva Zelanda y Canadá Australia Bruce Beresford dirige Breaker Morant  (1980) sobre el sacrificio de los individuos ante los poderes establecidos y los estados. Clara Law es una directora que domina géneros y estilos diferentes y en Floating Life (1996) habla de emigración, amor y familia. Más comerciales son George Miller con los apocalípticos Mad Max  y Mad Max II  (1981) y Peter Weir con Picnic En Hanging Rock  (1975), Gallipoli  (1981) y El Año Que Vivimos Peligrosamente (1983). Weir marcha a EEUU y hace Único Testigo, La Costa De Los Mosquitos, y El Club De Los Poetas Muertos.

Nueva Zelanda Jane Campion realiza la intensa y bella El Piano (1993). Peter Jackson dirige como independiente en 16mm el film de culto Bad Taste (1988). Más tarde también dirige la escalofriante escalofriante Criaturas Celestiales (Heavenly Creatures, 1991).

Canadá Denys Arcand, Arcand, con la notable El Declive Del Imperio Americano (1985), que cuestiona las relaciones sociales a través del sexo. Atom Egoyan es un director que hace cine independiente y alternativo de gran calidad, mostrando la pérdida de las relaciones humanas en una sociedad que sólo se comunica por medios electrónicos. Exotica (1994) es una fascinante película de voyeurismo, fantasías sexuales y secretos de familia. En El Dulce Futuro (1997), muestra más tensiones y secretos familiares, y en El Viaje De Felicia (1999) más relaciones fatales. David Cronenberg es un dotado director para películas de terror y también para las adaptaciones literarias: La Mosca (1986), Crash (1996). Jean-Claude Lauzon con la original y entretenida Léolo (1992).

Historia > Autores > Steven Spielberg El Director Steven Spielberg puede presumir de tener una de las filmografías más exitosas, sino la que más, de todos los tiempos. Varios de sus títulos se cuentan entre las películas más taquilleras de la historia del cine. Este interesante registro procede de la combinación de un talento casi innato para el cine (empezó a dirigir desde niño, con su propia familia) con una intuición proverbial a la hora de detectar (o más bien, provocar) las apetencias en el público. Si a esto se le suma su considerables aptitudes como narrador fílmico y el respaldo de la industria hollywoodiense, se obtiene como resultado un auténtico hombre de cine, capaz de poner de moda en todo el mundo dinosaurios o extraterrestres, al tiempo que sensibilizar a la opinión pública sobre las consecuencias del racismo a través de películas de hondo calado, más propias del cine de autor que del cine estrictamente comercial.

Su Filmografía Pero ni siquiera Spielberg ha escapado al sabor del fracaso. Entre sus numerosos éxitos hay algunos títulos que no alcanzan una nota aceptable en un cineasta de su calado: Loca Evasión (The Sugarland Express, 1974), El Imperio Del Sol  (Empire Of  The Sun, 1987),  Always (1989) o  Amistad  (1997), bien por una mala concepción, bien por no tener el respaldo del público, figuran entre sus obras de menor prestigio. Una vez detectadas estas excepciones, sólo cabe hablar de éxitos y reconocimientos. Su primer gran acierto, una vez finalizada la intrigante road movie El Diablo Sobre Ruedas (Duel , 1971), fue Tiburón ( Jaws, 1975), una película bien narrada y con buen ritmo, que le prepara el terreno para la realización de Encuentros En La Tercera Fase (Close Encounters Of The Third Kind , 1977), película de extraterrestres que fue nominada al Oscar a la Mejor Dirección. En 1981 comenzó la saga de aventuras de Indiana Jones, con En Busca Del Arca Perdida (Raiders Of The Lost Ark , 1981) , a la que seguirían Indiana Jones Y El  Templo Maldito (Indiana Jones And The Temple Of Doom, 1984) e Indiana Jones Y  La Última Cruzada (Indiana Jones And The Last Crusade , 1989), todas con Harrison Ford como explorador infatigable, un personaje compuesto de dureza y ternura. Entre una entrega y otra de Indiana Jones, Spielberg aún tuvo tiempo de rodar E.T., El Extraterrestre (E.T. The Extraterrestial , 1982), inolvidable cuento en el que un curioso extraterrestre trata de entender el mudo de los humanos utilizando como cicerone a un niño, El Color Púrpura (The Color Purple, 1985), drama que ahonda en la trágica existencia de una mujer negra, y El Imperio Del Sol  (Empire Of The Sun, 1987), historia sobre los campos de concentración japoneses de la II Guerra Mundial. Tras  Always y Hook  (1991), de éxito relativo, Spielberg quiso darse garantías definitivas de que su nombre pasaría por derecho a una de las primeras páginas de la Historia del cine, y hace Parque Jurásico ( Jurassic Park , 1993). Quizá su mejor nivel se lo estaba reservando para La Lista De Schlinder (Schlinder's List , 1993), con la que Spielberg consiguió convencer incluso a los más escépticos sobre la calidad artística de su cine. La película, planteada como reconstrucción histórica de dramáticos episodios de exterminio nazi, contiene todo tipo de recursos , y obtuvo por fin la consideración de la Academia, que la galardonó con 7 Oscars (entre ellos Mejor Director y Mejor película). De su última etapa, pasando por encima de Amistad  (1997) y de  A.I. (2001), incomprensibles tropiezos en su carrera sólo explicables por haber prestado más atención a su nueva faceta de productor (creó la productora DREAMWORKS en estos años), cabe destacar Salvad Al Soldado Ryan (Saving Private Ryan, 1998), irregular pero impactante película sobre la II Guerra Mundial, cuyas primeras secuencias ofrecen un tratamiento de las escenas bélicas tan realista como desconocido hasta entonces.

Historia > Autores > Pedro Almodóvar

Sus Inicios

La primera etapa de Almodóvar se define por el frenesí y la desinhibición de sus argumentos. Pepi, Lucy, Bom, Y Otras Chicas Del Montón (1980), Laberinto De Pasiones (1982), Entre Tinieblas (1983) y la brillante ¿Qué He Hecho Yo Para Merecer Esto?  (1984) están repletas de extravagancias y de disparates llamativamente provocativos, exhibiendo sin tapujos contenidos (especialmente los sexuales) que lindan con lo prohibitivo, al menos según los moldes estéticos de los primeros años ochenta. Como todo talento creador que disfruta provocando, Almodóvar consiguió ser desde el inicio objeto de encendidas y controvertidas críticas. Desde aquéllas que le otorgaron el acierto de haber encontrado un nuevo e insólito cauce de comunicación con el espectador, hasta las que le tildaron de oportunista, cuyo único mérito radicaba en saber haber adaptado el esperpento, en su versión más grosera, a la cultura posmoderna. Su Universo

En cualquier caso, lo que es indudable es que poco a poco Almodóvar ha ido conformando una particular forma de hacer cine. En ¿Qué He Hecho Yo Para Merecer Esto?  y sobre todo en Mujeres Al Borde De Un Ataque De Nervios (1988) hace gala de un refinado gusto satírico, a la vez que sigue conformando su especial universo femenino, tan presente en toda su carrera, y causante de que el mundo del celuloide haya generado la etiqueta "chica Almodóvar" para aquéllas actrices que tienen el privilegio de ser fetiches para el director manchego: Carmen Maura, Marisa Paredes, Cecilia Roth... Con ¿Qué He Hecho Yo Para Merecer Esto? , tras las controvertidas críticas que generó Entre Tinieblas, consiguió Almodóvar ganar algo más de respeto entre la crítica más reacia a su obra, aunque todavía llegarían coros apocalípticos, aprovechando la desigual acogida de sus siguientes películas: Matador  (1986), Átame (1989), Tacones Lejanos (1991) o Kika (1993) . Por fin, y tras la irregular Carne Trémula (1999), llegó Todo Sobre Mi Madre (2000), con la que parece aclararse definitivamente el negro panorama en la relación críticos-cineasta. Siguen existiendo los rechazos, pero enfocados ya desde un respeto que nadie se atrevería a romper a estas alturas. Un respeto ganado a pulso, y refrendado posteriormente con la consecución del Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Aunque no sea fácilmente perceptible, su evolución como cineasta es indiscutible. Almodóvar sigue siendo fiel a sí mismo, y eso no le permite alejarse de los personajes extravagantes que deambulan por situaciones límite. Sin embargo, el disparate y las situaciones alocadas de sus primeros filmes han ido progresivamente convirtiéndose en situaciones más reposadas, y sobre todo, más reales. Desde su talento y experiencia, Almodóvar ha conquistado el don de hacer creíbles y verdaderas las tragedias, incluso las más forzadas. Ciertamente, costaría creer en la efectividad de sus filmes si se repasara en frío el universo dramático de Almodóvar (actores porno, rateros, violadores, homosexuales y travestís de diversa clase y condición, monjas con sida...), pero lo cierto es que con sus comedias y melodramas, Almodóvar ha sabido configurar un universo fílmico propio. Sus personajes transitan por el melodrama y la tragedia, pero siempre sobre un fondo desplegado con enérgico optimismo. Incluso en sus coqueteos con el dolor transmite la esperanza de que hay recuperación después de la tragedia. Su mirada e ímpetus excesivos no son más que los de alguien que renueva en cada película sus deseos de vivir.