MI ALBUM DE DANZAS TIPICAS
TUNTUNA RESEÑA HISTORICA. Esta danza se origina en los asentamientos mineros de Azoguin y Layccaqota en Puno (Peru), y en Oruro y Potosì (Bolivia). Durante la conquista y la colonia fueron traidas comunidades negras del Africa para la explotaciòn esclavista de las minas de plata, oro y en el Peru y Bolivia. Esta raza trae sus costumbres que se fusionan con las nativas; producto de este mestizaje es la danza de la TUNTUNA, llamada tambièn SAYA y CAPORAL. Recibe el nombre de CAPORAL por que era danza de negros encabezada por el capataz o caporal de la mina. mi na. Este no era un esclavo comun y corriente, si no un testaferro de los patrones que se encargaba de vigilar el trabajo de los negros, reprimiendolos con su azote o garrotillo. Tambien es llamada TUNTUNA, especialmente en Puno, en merito al sonido ritmico que emite el instrumento ritmico de el Bombin: tun, tun. Sobre su tercera denominacion SAYA , se estàn haciendo investigaciones por que hasta el momento no se encuentra bibliografia bibliograf ia con informacion al respecto. Actualmente es una danza mestiza bailada en las festividades de la Virgen de la Candelaria y Carnavales en la ciudad de Puno. Mientras que en la ciudad de Oruro se practica en las festividades de Carnavales. Es absolutamente necesario remarcar que se trata de la misma expresion; tanto es asì, que Puno contrata bandas y vestuarios de Oruro.
DESCRIPCION DE LA DANZA. El mensaje fundamental es la alegia y la belleza. Los hombres expresan fuerza alegria y virilidad; las mujeres belleza be lleza y elegancia. Practicado generalmente en numerosas pandillasque representan a los diferentes barrios e instituciones de los pueblos. Cada comparsa tiene sus caporales mayores que dirigen el baile; la indumentaria de estos es mucho mas lujosa y llamativa. Las figuras o movimientos varian o se innovan cada año, al igual que los vestuarios, pero la caracteristica fundamental de los varones son los pasos que emulanlas pisadas y gestos del capataz o caporal de las minas. m inas. Los movimientos de las damas son muy finos y sensuales. VESTUARIO. 1. Varones. - Sombreros de ala ancha forrados con tela lamè. - Chaqueta con adornos en los hombros y en las mangas, bordados en
el pecho. - Pantalon de montar en seda o en raso con aplicaciones y bordados en los muslos. - Botas forradas en lamè y con abundantes cascabeles. - Latigo. 2. Damas. - Sombrerito puneño forrado con lamè. - Chaqueta con adornos y bordados en los hombros, mangas y pecho. - Falda en lamè, seda o raso con bordados y aplicaciones en todo el vuelo de la falda. - Botas altas hasta las rodilllas o zapatos de taco alto.
TONDERO
Historia El tondero es una danza y género musical de origen peruano específicamente norteño, creación oriunda de la provincia de Morropón en el Departamento de Piura, y derivada indiscutiblemente de música gitana traída por emigrantes desde el sur de España y el este de Europa. Fue en Morropón el nacimiento de este género musical y cuya característica más diferenciadora del resto de géneros criollos tocados en guitarra fue su repetitivo túndete (que suena "tun tun tun-tun, tun tuntun") que se inspira en la base trompetista de una banda musical gitana desenfrenada, la razón del porqué Volero derivó en Tondero. Hasta hoy existe música gitana con la terminología de "Volandero" como forma ejecutiva del bolero triste y errante, bien conocida en el flamenco gitano. Como dice la historia, el Tondero si bien es norteño, ante todo es bien piurano. Fue desde la primera ciudad española en Suramérica (Piura) que toda la región norteña recibe el tondero gracias a aquel personaje colonial que viajaba (y que hasta hoy viaja) en burro o mula, conocido como el Piajeno (pie, ajeno). Descripción del Baile Significado: Danza muy antigua de pareja mixta, cuenta con características vivaces de ritmo alegre y expresión mimética. Es un baile muy expresivo, Se define como la imitación de un ritual amoroso de las aves con el fin de apareamiento, se figura el rodeo que el gallo hace a la gallina. Baile típico de la zona norte del Perú. Los pasos que realizan los bailarinesependen de su propia habilidad y de la espontaneidad y creatividad que cada uno demuestra. Podemos decir entonces que el Tondero es una danza propiciatoria de coqueteo del hombre y la mujer cuyo mensaje muchas veces no es consciente en las personas que lo ejecutan.
Durante el baile primero la pareja marcará el terreno sobre el cual ejecutará la danza "rodeo”, para posteriormente realizar "careos" y
"huidas" que representan la búsqueda de toma de posesión de la pareja, pues la dama parece tratar de huir pero a la vez incita a la persecución. Finalmente la fuga donde los bailarines realizan con habilidad y espontaneidad pasos que muestran sus condiciones con zapateos espontáneos que muestran sentido rítmico y creatividad. Descripción de la indumentaria o vestimenta y si tiene algún significado: Los varones: · Sombreros de palma u otro tipo de paja. · Pantalón negro. · Camisa a rayas, en otros lugares totalmente blanca. · Las fajas y alforjas de hilo fino de algodón. Otros llevan una huaraca o cordel de soga · Los ponchos de hilo, teñidos y confeccionados por ellos mismos. Las mujeres: · Las sayas o polleras en algunos casos, en otros lugares utilizan el anaco o túnica prehispánica que todavía utilizan muchas comunidades del norte de Perú, predominando los colores negro y blanco. · Camisón o culeco, en algunos lugares se usa la blusa de seda · Manta de china · Dormilonas de Catacaos que son aretes colgantes de oro, se les denomina lloronas en Moche (La Libertad). Los campesinos utilizan su ropa de faena para danzar el tondero, además utilizan algunos utensilios como: cántaros de arcilla, que son usados para la elaboración de la chicha de jora, potitos o calabazas.
SICURIS PUNO DESCRIPCIÓN DE LA DANZA
La danza de los Suri Sicuris proviene de las siguientes palabras: SURI = AVESTRUZ SIKURI = PERSONA QUE TOCA SIKU (ZAMPOÑA) En las áridas pampas del sur del departamento de Oruro habita el Suri (Avestruz Andino ), animal tímido de grandes proporciones, plumaje exuberante, patas ágiles, de gran tamaño. Esta ave presenta varias facetas muy interesantes y una de ellas es la sagacidad con la que defiende a sus pichones cuando a estos acecha algún animal, bastante peculiares, que realiza especialmente en la época de apareamiento. De esta manera, ya en la danza misma todos los pasos y coreografía son extraídos de las dos características antes mencionadas, ello por los danzarines quienes haciendo una imitación de estos movimientos tornados entre elegantes y atléticos van deleitando al público que los observa asombrados por la sutileza del baile. Por otro lado el atuendo del Suri Sicuri se caracteriza por llevar, en la cabeza un sombrero ajustado del cual se desprenden más de 200 inmensas plumas puestas en forma circular tanto en mujeres como en varones. Finalmente la música que acompaña a esta arraigada danza Boliviana es autóctona transmitiendo, mediante sus notas, ternura, dinamismo y elegancia.
ORIGEN: Tiene un origen indudable pre-colonial, inclusive anterior a la conquista Inca de las regiones sureñas llamadas delQollasuyu. Posteriormente ha sufrido una evolución, en especial en la vestimenta y coreografía, adoptando las características que hoy podemos observar. SIGNIFICADO: Parece tiene su origen en la adoración a seres míticos como el Kunturi, cóndor, y al Suri, avestruz andino. COMPONENTES: Todos hombres tañendo Sikus y/o tocando Bombos, en número variable, normalmente de 12 a 25 integrantes. DESCRIPCIÓN:
Normalmente avanzan en dos filas marcando un pasito al ritmo de la música. Forman círculos en los cuales giran, en ciertas partes de la melodía, cambiando el sentido, y aceleran, en la última "vuelta", para concluir. FIESTAS: Las más importantes, desde Mayo a Octubre. INSTRUMENTOS: Tropas de Sikus acompañadas de Pfutu Wankharas. NOTAS: El tocado es lo más vistoso que lucen y está compuesto por un paraguas de plumas de Pariwana, dispuesto sobre un sombrero llamado Muchchullu, adornado con espejitos. El resto del traje es probablemente una adaptación de los trajes cortesanos de la época colonial.
PAUSIÑAS BREVE RESEÑA HISTÓRICA: Mariano Melgar en sus crónicas se refiere a mujeres que acompañaban a los soldados en sus campañas y batallas refiriéndose a ellas como rabonas. Las mujeres de Pausa eran conocidas como "Las Pausiñas", que iban a la fiesta Patronal de Santa Rosa, cargando a sus guaguas en sus tradicionales cunas de madera, cruzando los cerros y nevadas.
Actualmente esta danza, ha quedado como danza típica del distrito de Huaynacotas, provincia de La Unión del departamento de Arequipa. No hace muchos años esta danza, la ejecutaban exclusivamente mujeres solteras, que agrupadas iban cantando de pueblo en pueblo, por más de 15 días y se cuenta que más del 50% de ellas quedaban embarazadas, producto muchas veces del exceso de la chicha blanca de maíz.
SECUENCIA COREOGRÁFICA: - Entrada en parejas, que simboliza la ida del varón a cumplir su servicio militar o su ida
a la lucha. - Luego las pausiñas siguen con su vida normal, pastoreo y/o tejido. - Las pausiñas presienten el retorno de sus soldados, preparan la merienda para el gran reencuentro. - Aparecen guerreros o soldados con armas, lo que supone un retorno. - Se da el reencuentro, comen y luego demuestran su valentía con el tradicional “Chakanakuy” o pelea.
- Todos bailan alegremente demostrando su gran nacionalismo, simbolizado por la bandera peruana que es dejada a las pausiñas. - Finalmente se produce nuevamente la despedida. Los soldados a cumplir su misión y las pausiñas a su poblado.
PAKASITO
HISTORIA: Se origina en la comunidad ayabaquina de Chocan y con la llegada de los españoles se instituye como danza en honor al Sr. Cautivo de Ayabaca. El Pacasito es una danza de la fronteriza provincia de Ayacucho en el departamento de Piura. La mayoría de las fuentes refieren como origen a la comunidad de Chocan, no obstante que esta danza se a bailado en casi todos los rincones de la provincia en algunos lugres es llamado zapateadores chocanos. Su nombre se especula mucho. SU NOMBRE : Se dice que debe su nombre al pacazo que es un reptil propio de la zona .Otras versiones al parecer mas injustazas en el espíritu de la danza sostienen que el vocablo quechua regional “Pacasito “que significa escondido se im plica a la danza por que los varones se esconden debajo de las faldas de las mujeres para no ser sujetados por los capataces que los obligan a retornar a los lugares de laboreo sin permitirles pasar la fiesta luego de la procesión del Señor Cautivo de Ayabaca.
SU MUSICA
La música tiene influencia ecuatoriana y puede ser interpretada por cualquier tono de sanjuanito que responda a las necesidades rítmicas de la danza. La música es interpretada con quenas y rondadores. También intervienen la guitarra y el violín. Últimamente se han incorporado el charango, la mandolina y el bedón
VESTIMENTA : Sobre el vestuario, las mujeres llevan sombreros de paja, llicllas y pecheras con cintas multicolores, blusas de seda coloridas, falda negra amplia con ribetes rojos, fustanes amplios de lino blanco, toca de pedrerías, pañuelo a la cabeza, pechera de adornos verticales y multicolores con abundantes cintas de caída. Los varones llevan toca blanca con espejos y fantasía de adorno, pañuelo de cabeza amplio de color rojo, ponchitos bicolores de color azul y rojo con sus detentes del Sr. Cautivo. Las camisas son blancas. Tienen chalinas de la que penden pañales con monedas. El pantalón es blanco. Las botas son bordadas de color rojo y adornadas de fantasía y los zapatos son negros.
MARINERA
Historia de la Marinera
Según los cultores de esta expresión folklórica, la Marinera es símbolo de peruanidad. Fue bautizada así por Abelardo Gamarra conocido como "El Tunante" en homenaje a la gloria de Grau, cuando sus increíbles hazañas en el monitor Huáscar electrizaban al mundo durante la Guerra con Chile. El escritor en su obra Rasgos de Pluma manifestó lo siguiente: "El baile popular de nuestro tiempo se conoce con diferentes nombres: se le llama tondero, mozamala, resbalosa, baile de tierra zanguaraña, hasta el año 1879 era más generalizada llamarla chilena. Fuimos nosotros quienes, una vez declarada la guerra entre el Perú y Chile, creimos impropio mantener en boca del pueblo, en sus momentos de expansión, semejante título, y sin ningún acuerdo de Consejo de Ministros, resolvimos sustituir el nombre de Chilena por el de Marinera, tanto porque en aquel entonces la marina peruana llamaba la atención del mundo entero y el pueblo se hallaba sumamente preocupado por las heroicidades del Huáscar, cuanto porque el balanceo, movimiento de popa, etc. de una nave gallarda, dice mucho del contoneo y lisura de quien sabe bailar, como se debe, el baile nacional." La marinera como símbolo de peruanidad, ocupa uno de los primeros
lugares en el folklore nacional, en su ritmo y coreografía se sintetiza el alma de la palabra "mar" es por esta razón que los movimientos que el hombre y la mujer realizan con sus vestimenta especialmente con la falda son semejantes a las olas marinas."El Tunante" decidió inmortalizarla en el pentagrama. Para ello escogió una pieza de marinera especialmente compuesta por él y por don José Alvarado, uno de los más populares compositores criollos. Pero no fue nada fácil llevar la marinera al papel; no había quien se dignara a hacerlo y los artistas capaces de realizar tan difícil trabajo estaban dedicados a la música clásica y miraban por encima del hombro a la música popular.En 1893, "El Tunante" asistió a un concierto de piano ofrecido por una niña limeña, considerada todo un prodigio de la música. Continuando su proyecto de eternizar la marinera, entusiasmado habló con esta talentosa niña y con sus padres para que fuera ella la encargada de continuar ese trabajo musical."El Tunante" canturreaba y la pequeña escribía las notas. Así nació "La Decana", nombre de una marinera que, luego, el pueblo denominaría "La Concheperla". Meses después "El Tunante" envió la partitura a Italia para hacerla imprimir y difundirla.Esta admirable niña, incansable difusora y recopiladora, fue doña Rosa Mercedes Ayarza de Morales, notable y aplaudida compositora de ritmos peruanos.
La marinera conquistaba posiciones lentamente. En 1938 llegó al Teatro Municipal de Lima, nuestro primer escenario nacional, presentada nada menos que en el Concierto de Fiestas Patrias. Así bajo la dirección general de doña Rosa Mercedes Ayarza, quien también manejó toda la puesta en escena, 40 profesores de la Sinfónica Nacional presentaron triunfalmente la Marinera Peruana, haciendo desfilar por el escenario cuadros típicos peruanos. Es un baile de pareja, la gracia femenina, los suaves movimientos del pañuelo en la mano, el varón conquistador y enamorado son elementos que conforman la herencia de danzas europeas y africanas que fusionadas a las danzas indígenas dieron como resultado la marinera.
La vestimenta especialmente de la mujer lambayecana consta de una blusa y falda la cual varía en diseño y calidad según la región, muchos de ellos son bordados a mano o tienen finos encajes. El vestuario va acompañado de finísimas alhajas de oro o plata y para completar el cabello termina con unas hermosas trenzas pardas o negras con significado propio. Así tenemos que las trenzas largas por delante significa mujer soltera; las trenzas hacia atrás mujer casada. Hacia arriba como corona en la cabeza significa mujer viuda y de mucho respeto. Cuando busca novio la soltera lleva una trenza que cae sobre el hombro y pasa por delante del talle o también el fuste cuelga o sobresale por debajo de la falda. La cabellera se suele decorar con una rosa propia de nuestro departamento.
La vestimenta del varón es mucho más sencilla. Consta de finísimo poncho de lino, una faja blanca y roja, una alforja y un sombrero de paja. Una variante se introdujo en tiempos de la Colonia, nuestro poblador lambayecano atraído por la elegancia del terno de la época lo introdujo como parte de su vestimenta conservando los pies descalzos como antaño y las características propias de la danza.
Es importante rescatar el vestuario del distrito de Monsefú en especial el de la mujer el cual consta de un yamper negro con cartuchos y blondas recogidos o tableteadas y de un gran vuelo en la falda (8 a 10 metros). Además lleva 2 interiores de tocuyo delicadamente bordados con figuras de flores, pavo real y corazones con dedicatorias; Todos los filos llevan un bordado en "orejas" color morado o lila. Estos detalles se aprecian en el camisón y fuste que en el primero sobresalen del yamper; Las mangas, cuello y fuste se observa al levantar la falda. Conociendo las características de nuestro baile regional sabremos apreciar ahora el mensaje que deben transmitir los concursantes de este primer festival de marinera "Valorando lo Típico" .
LOS HUAYRUROS FESTEJO TORITO
DIABLADA PUNEÑA CHUNCHOS DE CABANACONDE CHOQUE DE JITIRIS DESCRIPCIÓN DE LA DANZA
CHOQUE JITIRIS es un dialecto aymara que en su traducción quiere decir: CHOQUE que es la papa y JITIRIS que representa todo el trabajo. CHOQUE JITIRIS representa todo el proceso del trabajo de la papa. V.I. FASES LLAMPUCHAÑA: Lo cual consiste en la preparación de la tierra, para posteriormente pasar con el arado y remover todo el terreno y a la vez ir rompiendo los terrones y esparcirlas tomando las herramientas del lugar. CHOQUE QURAY: En esta etapa los varones abren los surcos utilizando como herramienta la pala
mientras que las mujeres escogen las semillas de la papa para luego realizar la siembra o el choque sata. CHOQUE SATA: Viene a ser la siembra de la papa ya que en esta etapa el campesino haciendo uso de la pala va volteando la tierra mientras la mujeres van echando la semilla.
MAUCCAÑA: Es donde los campesinos que luego del arduo trabajo proceden a degustar los platos que pueden ser preparados por los patrones o las mujeres quienes llevan en sus mantas y que los reparte en el descanso respectivo. CHOQUE CCORAÑA: Pasado el tiempo luego de la siembra el tallo de la papa necesita del
cuidado respectivo del campesino, en esta parte se hace el choque ccoraña o desyerbe que sirve para retirar las malas hierbas, este trabajo es compartido con las mujeres. CHOQUE APUSAÑA: Finalmente en esta etapa llega la PALLAPA o cosecha y que en la cual trabajan tanto hombres y mujeres. Los varones realizan la cosecha mientras las mujeres trasladan en sus mantas para luego llevarlos a los costales.
KUMUÑA: en esta parte se hace el traslado de los costales en los burros o caballos que son llevados al pueblo y almacenados en la casa del dueñ o
VESTIMENTA: MUJER: - Pollera azul - Pollera negra - Calzoneta bombacha - Blusa bombacha con aplicaciones en la pechera y en las mangas - Corpiño negro o azul bordado con motivos ecológicos - Montera modelo Pizarro - Faja tejida adornado a los extremos con wichis multicolores
- Ojotas - Manta
VARONES - Pantalón de color negro con botapie color blanco - Camisa blanca - Chaleco negro adornados a la altura del pecho con chiwchis - Sombrero negro o blanco - Ojotas - Fajas tejidas adornado a los extremos con wichis multicolores - Chuspas OTROS ACCESORIOS
Arados, Azadones, Palas, Costales y cabezas de burro.
CARNAVAL DE CUCHUMBAYA CARNAVAL DE AREQUIPA ALEGRIA DE LA SELVA
Danza también conocida como marinera del Alto Piura,o de la yunga piurana
(Morropón). Es anterior a la zamacueca, y de influencia muygitanaen su compás, cantotrágico y repetitivo tundete de guitarra; de influenciaafricanao negra en su formacorísta (coro) e rítmica (el uso del checo
, instrumento hecho en base a calabaza seca) yAndinaen su forma chillona o llorona A diferencia de la zamacueca y debido a la ubicación de la Provincia de Morropóncomo una región pre andina, este baile lleva el mestizaje criollo (hispano-africanoide) yel andino. Ciudades como Morropón, Chulucanas, San
Juan de Bigote, La Matanza,Salitran fueron pobladas por haciendas arrozeras y jaboneras donde vivieron muchosesclavos negros, migrantes gitanos o Piajenos
, y debido a la cercanía ala cordillera,también migrantes Andinos que trajeron el Yaraví desde Arequipa, fundiéndolo con laCumanana, forma de origen hispano-africana; creando también el famoso términonorteño Triste con Fuga de Tondero
, que también es muy popular en la yunga deLambayeque. El Festejo
Ésta es una danza de las más representativas y populares. De origen afroperuano, laforma actual de bailarla, tomó esas características en los comienzos del siglo XX.Se baila en parejas pero sin contacto entre los bailarines; es movida y pícara, con ciertasconnotaciones sexuales. Lleva acompañamiento musical de guitarras y percusióntradicional, con solista y coro. Su origen es popular afric La Diablada
En la labor realizada por los misioneros jesuitas en la ciudad de Juli, notaron lainclinación de los nativos hacia el canto y la danza, el cual utilizaron para laevangelización de la región. Los misioneros habían enseñado un representación de lossiete pecados capitales y el triunfo de los ángeles sobre los demonios. 1 Una ceremonia que data del año 1550, en ocasión de la boda del Conde de Barcelonacon la hija de Rey de Aragón, fue representada una farsa en la que un grupo de diablos,con lucifer a la cabeza, entabla una batalla coreográfica y verbal con un grupo deángeles dirigidos por el Arcángel San Miguel. En los tres breves actos dialogados de ladiablada, los siete pecados capitales son vencidos por los ángeles con la ayuda del pueblo.La Diablada (también Diablos, Diabólicos), es parte integral del repertorio teatralempleado por la colonización hispana y la catequización que la acompañaba, paraenseñar a los nativos del continente americano los preceptos de la Fe Cristiana y lahistoria de imperio, según el punto de vista de los colonizadores (véase auto de fe,Moros y Cristianos).La batalla cala en los pobladores andinos del Virreinato del Perú. Así forman unsincretismo con la cultura y cosmovisión andina, en donde el Alaj'pacha es la dimensiónde los Dioses (los Apus), el ak'pacha que representa el presente y la tierra (laPachamama) y el manka'pacha que representa lo desconocido y el infierno (elAnchancho). La danza tradicional andina pagana, que según los registros del rvdo. LudovicoBertonio de 1612, tuvo su origen en el Virreinato del Perú, en Oruro (Alto Perúcolonial) como danza religiosa en la que se escenifica la lucha entre el bien y el mal personificados en las figuras del Arcángel San Miguel y las huestes infernales. En la colonia debido a la persecución de los adoradores de idolatrías ajenas a la católica, por la temible inquisición, todo culto o acto a favor de los demonios era castigado, perono incluyó el aspecto catolizante de la diablada.Llegada la independencia, renace la diablada como un acto de los pobladores dedicadosal pastoreo de ganado conocido como los mañazos, bailándose únicamente en círculosfrecuentados por éstos.
Esta danza es impulsada y practicada con más énfasis enBolivia, incorporándose la zampoña.Posteriormente, con laintroducción de los instrumentos de metal y el cambio melódicoy rítmico que las bandas de músicos incorporan, hacen de la diablada un ritmocontagiante y alegre, que a través de los años sufre y viene sufriendo variaciones.En 1890 el párroco de Paria, población cercana a la ciudad de Oruro, José Soria, con lacolaboración de Daniel Valda, teatralizó la batalla entre el cielo y el infierno relatada enla Biblia. Ese mismo año los hermanos Hermógenes y Santiago Nicolás hicieron las primeras máscaras de diablo tal y como se conocen hoy en día.A partir de finalesdel siglo XIX el baile se establece como elemento central de lacelebración religiosa de laVirgen de la Candelariaen la ciudad de Oruro encoincidencia con la época de carnaval. Posteriormente su práctica se propagó a otrasciudades andinas (La Paz, Puno, Cochabamba).Sobreviven diabladas en varios lugares del ámbito hispanoamericano, las más famosasen Bolivia, Perú, Chile, Colombia, Panamá y Venezuela. En la Pastorela (Teatro de Navidad con distribución en México), el diablo tenta a los pastores, y es vencido por elArcángel San Miguel, antes de que ellos puedan seguir su camino rumbo al niño Jesús
