Cursos Especializacion Musical 09 10

0910 Cursos de Especialización Musical Aula de Música

Universidad Univer sidad de Alcalá

Cursos de especialización musical 2009-2010 Universidad de Alcalá Aula de Música

ÍNDICE

Análisis 8 10 12 14

Horacio Franco Harry Halbreich William Caplin Eduardo Pérez Maseda

Música Cntempránea Dirección: Jacobo Durán-Loriga Subdirección técnica: Subdirección María José Colorado Subdirección artística: Subdirección Laurence Schröder Asesres: José Luis de Delás José Luis Téllez Clabradras: Itziar Garaizabal Verónica López Alicia Lucena Diseñ grác y Maquetación: Lufercomp Impresión: Grácas Algorán Depósito Legal:

18 20 22 24

Nino Díaz Luis de Pablo José María Sánchez-Verdú Horacio Vaggione

Música Antigua 28 30

Raúl Díaz Hiro Kurosaki

Didáctica Instrumental 34 36 38 40 42 44 46 48

Albert Nieto Harry Sparnaay Jean-Pierre Dupuy Félix Ayo Elza Kolodin Eduardo Martínez Cristina Molina Sarrió Lluís Claret

ÍNDICE

Análisis 8 10 12 14

Horacio Franco Harry Halbreich William Caplin Eduardo Pérez Maseda

Música Cntempránea Dirección: Jacobo Durán-Loriga Subdirección técnica: Subdirección María José Colorado Subdirección artística: Subdirección Laurence Schröder Asesres: José Luis de Delás José Luis Téllez

18 20 22 24

Nino Díaz Luis de Pablo José María Sánchez-Verdú Horacio Vaggione

Música Antigua 28 30

Raúl Díaz Hiro Kurosaki

Didáctica Instrumental

Clabradras: Itziar Garaizabal Verónica López Alicia Lucena Diseñ grác y Maquetación: Lufercomp Impresión: Grácas Algorán Depósito Legal:

34 36 38 40 42 44 46 48

Albert Nieto Harry Sparnaay Jean-Pierre Dupuy Félix Ayo Elza Kolodin Eduardo Martínez Cristina Molina Sarrió Lluís Claret

ÍNDICE

Profesor: Xxxxxxxxxxx

Análisis Horacio Franco Harry Halbreich William Caplin Eduardo Pérez Maseda

Pedaggía Musical 52 54 56 58 60 62 64

José Luis Temes Alicia Wechsler Lola Bosom Sofía Martínez Villar Víctor Pliego de Andrés Eliseo Parra Keith Terry

Musicterapia 68

Esperanza Torres

Multidisciplinar 72

Pascal Le Corre

Interpretación 76 78 80

Imre Rohmann Josep Colom Magdalena Martínez

Infrmacines 84 88

Profesores colaborador Profesores colaboradores es desde 1990 Información general

ÍNDICE

Profesor: Xxxxxxxxxxx

Análisis Horacio Franco Harry Halbreich William Caplin Eduardo Pérez Maseda

Pedaggía Musical 52 54 56 58 60 62 64

José Luis Temes Alicia Wechsler Lola Bosom Sofía Martínez Villar Víctor Pliego de Andrés Eliseo Parra Keith Terry

Musicterapia 68

Esperanza Torres

Multidisciplinar 72

Pascal Le Corre

Interpretación 76 78 80

Imre Rohmann Josep Colom Magdalena Martínez

Infrmacines 84 88

Profesores colaborador Profesores colaboradores es desde 1990 Información general

ANÁLISIS

Análisis para la interpr interpretación: etación: Música barroca, clásica y contemporánea Profesor: Horacio Profesor: Xxxxxxxxxxx Franco

24 y 25 octubre Hraci Franc

Interpretación Interpre tación musical y técnicas de estudio

Interpretación musical en base a los criterios estilísticos de diversas épocas -aprovechando -aprovech ando el arsenal de información, maneras diversas de enfoques, instrumentos, entornos entornos acústicos y sonoros de los que actualmente se disponen- para realizar una interpretación adecuada al criterio que se pretenda seguir. La importancia de una técnica (instrumental/vocal y musical) adecuada y funcional, aunada al análisis musical aplicado y al involucramien involucramiento to intelectual y emocional son los pasos para lograr una interpreta interpretación ción musical solvente. Técnicas de Estudio: Integración sistemática de técnicas y metodologías de estudio diversas para instrumentist instrumentistas as y cantantes, que sean coadyuvantes al aprovechamiento del tiempo de estudio y que estén especícamente dirigidas a enfocar y resolver un problema técnico - musical o cualquier necesidad especíca. En este curso implemento implemento diversas maneras de abordar una obra obra en diferentes planos de su composición y posibilidades diversas de su ejecución, de tal suerte que no importando el grado de dicultad de ésta, el alumno siempre pueda hacer que la obra le sea una herramienta útil para su formación musical.

Es uno de los artistas mexicanos más reconocidos en la actualidad, aclamado por la crítica internacional como uno de los representantes más dignos de su instrumento a nivel mundial. Franco es un concertista muy activo, además de pedagogo, con lo que ha ampliado a través del tiempo la visión que comúnmente se tiene de la auta de pico; su repertorio abarca desde música medieval, renacentista y barroca - inclusive música colonial latinoamericana - hasta la contemporánea, folklórica y popular. Es director y fundador del ensemble vocal e instrumental “Cappella Cervantina”. Se ha presentado como solista y director de muchas Orquestas en México: Sinfónica Nacional, OFUNAM, de Cámara de Bellas Artes, Filarmónica Filarmónica de la Ciudad de México, Filarmónica de Jalisco, Sinfónica de Xalapa, Camerata de Coahuila, Sinfónica de Yucatán etc., y en el extranjero, entre la Academy of St. Martinin-the-Fields, American Composers Orchestra, Ferenc Liszt de Budapest, la City of Birmingham, Philharmonia Baroque, Berliner Symphoniker, Orquesta de la Comunidad Europea, Age of Enlightenment, Combattimento Ensemble, Irish Chamber Orchestra, de Cámara de Florencia, Orquesta de Cámara de Georgia, Kibbutzim Orchestra, Bangkok Chamber Orchestra, Tokio Solisten, Sodre de Montevideo, Sinfónica Simón Bolívar, Camerata Romeo, Orquesta Típica de el Cairo, etc. También fue director y fundador de la “Orquesta Barroca Capella Puebla”. Ha dirigido además numerosas orquestas y grupos vocales. Ha realizado numerosas grabaciones de música antigua y contemporánea para CD’s, radio y televisión, en México, Estados Unidos y Europa. La presencia de Horacio Franco en España es posible gracias a la colaboración con el Auditorio Nacional y el Festival de música contemporánea de Tres Cantos. Para obtener más información pueden visitar su página web: http://www.horaciofranco.com/

Información del curso

Horario: De 9,30 a 13,30 y 16 a 18 horas Duración: 12 horas lectivas. Matrícula: 140 e Consulte la información general en la página 88

ANÁLISIS

Análisis para la interpr interpretación: etación: Música barroca, clásica y contemporánea Profesor: Horacio Profesor: Xxxxxxxxxxx Franco

24 y 25 octubre Hraci Franc

Interpretación Interpre tación musical y técnicas de estudio

Interpretación musical en base a los criterios estilísticos de diversas épocas -aprovechando -aprovech ando el arsenal de información, maneras diversas de enfoques, instrumentos, entornos entornos acústicos y sonoros de los que actualmente se disponen- para realizar una interpretación adecuada al criterio que se pretenda seguir. La importancia de una técnica (instrumental/vocal y musical) adecuada y funcional, aunada al análisis musical aplicado y al involucramien involucramiento to intelectual y emocional son los pasos para lograr una interpreta interpretación ción musical solvente. Técnicas de Estudio: Integración sistemática de técnicas y metodologías de estudio diversas para instrumentist instrumentistas as y cantantes, que sean coadyuvantes al aprovechamiento del tiempo de estudio y que estén especícamente dirigidas a enfocar y resolver un problema técnico - musical o cualquier necesidad especíca. En este curso implemento implemento diversas maneras de abordar una obra obra en diferentes planos de su composición y posibilidades diversas de su ejecución, de tal suerte que no importando el grado de dicultad de ésta, el alumno siempre pueda hacer que la obra le sea una herramienta útil para su formación musical.

Es uno de los artistas mexicanos más reconocidos en la actualidad, aclamado por la crítica internacional como uno de los representantes más dignos de su instrumento a nivel mundial. Franco es un concertista muy activo, además de pedagogo, con lo que ha ampliado a través del tiempo la visión que comúnmente se tiene de la auta de pico; su repertorio abarca desde música medieval, renacentista y barroca - inclusive música colonial latinoamericana - hasta la contemporánea, folklórica y popular. Es director y fundador del ensemble vocal e instrumental “Cappella Cervantina”. Se ha presentado como solista y director de muchas Orquestas en México: Sinfónica Nacional, OFUNAM, de Cámara de Bellas Artes, Filarmónica Filarmónica de la Ciudad de México, Filarmónica de Jalisco, Sinfónica de Xalapa, Camerata de Coahuila, Sinfónica de Yucatán etc., y en el extranjero, entre la Academy of St. Martinin-the-Fields, American Composers Orchestra, Ferenc Liszt de Budapest, la City of Birmingham, Philharmonia Baroque, Berliner Symphoniker, Orquesta de la Comunidad Europea, Age of Enlightenment, Combattimento Ensemble, Irish Chamber Orchestra, de Cámara de Florencia, Orquesta de Cámara de Georgia, Kibbutzim Orchestra, Bangkok Chamber Orchestra, Tokio Solisten, Sodre de Montevideo, Sinfónica Simón Bolívar, Camerata Romeo, Orquesta Típica de el Cairo, etc. También fue director y fundador de la “Orquesta Barroca Capella Puebla”. Ha dirigido además numerosas orquestas y grupos vocales. Ha realizado numerosas grabaciones de música antigua y contemporánea para CD’s, radio y televisión, en México, Estados Unidos y Europa. La presencia de Horacio Franco en España es posible gracias a la colaboración con el Auditorio Nacional y el Festival de música contemporánea de Tres Cantos. Para obtener más información pueden visitar su página web: http://www.horaciofranco.com/



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ANÁLISIS

Bruckner y Sibelius: dos “Sextas” atípicas Profesor: Harry Xxxxxxxxxxx Halbreich

7 y 8 noviembre Harry Halbreich

Entre las sinfonías de Bruckner y Sibelius, sus respectivas Sextas son quizás las menos conocidas y analizadas, aunque sean las más originales y atípicas. Más secretas y menos monumentales y espectaculares que sus vecinas, tienen en común algunas particularidades únicas en estos compositores. Ambas son obras modales (frigio en Bruckner, dorio y lidio en Sibelius), pero con un tratamiento tonal de la modalidad. Las dos basan sus proporciones y sus estructuras formaformales en la “sectio aurea” (el número áureo) y sostienen su unidad orgánica en relaciones temáticas y motívicas cíclicas, muy sutiles y estrechas. Ninguna de las dos responde a los métodos analíticos académicos y exigen una aproximación novedosa, que es el propio objeto de nuestra investigación. H.H.

Musicólogo belga nacido en Berlín el 9 de febrero 1931. Estudios de armonía y contrapunto, de historia de la música y de análisis en los Conservatorios de Ginebra y París. Alumno de Arthur Honegger (1952-53) y de Olivier Messiaen (1956-58). Primeros premios de análisis e historia en el Conservatorio de París (1958). Profesor de análisis musical en el Conservatorio real de Mons (Bélgica) (1970-96). Director artístico del Festival de música contemporánea de Royan (Francia) (1973-77). (1973-77). Miembro de muchos jurados en concursos de composición (incluyendo el Arpa de Oro en España). Múltiples actividades radiofónicas y como conferenciante conferencian te en Bélgica, Francia, Alemania, Italia, España y Suiza. Docente en los cursos de verano de Darmstadt (1980-92). Innumerables publicaciones en revistas musicales (Harmonie, Crescendo, etc.) y participación en obras colectivas (Guías Fayard de la música para piano, música coral sacra, la música de cámara), y estudios sobre numerosas óperas en la colección Avant-Scène Avant-Scène Opéra (París). Sus libros más importantes tratan sobre Olivier Messiaen (Fayard, última edición 2008), Arthur Honegger (Fayard 1992, Champion-Slatkine 1993), Bohuslav Martinù (con catálogo numérico de las obras, ultima edición Schott 2007 en alemán), Claude Debussy (Fayard), Albéric Magnard (Fayar (Fayard), d), Edgard Varèse (Belfond) (Belfond) y muchos más. Está especializado en la música del Siglo XX.


Se recomienda a los alumnos que dispongan de las partituras que se van a analizar. El curso se realizar realizaráá en español.


ANÁLISIS

Bruckner y Sibelius: dos “Sextas” atípicas Profesor: Harry Xxxxxxxxxxx Halbreich

7 y 8 noviembre Harry Halbreich

Entre las sinfonías de Bruckner y Sibelius, sus respectivas Sextas son quizás las menos conocidas y analizadas, aunque sean las más originales y atípicas. Más secretas y menos monumentales y espectaculares que sus vecinas, tienen en común algunas particularidades únicas en estos compositores. Ambas son obras modales (frigio en Bruckner, dorio y lidio en Sibelius), pero con un tratamiento tonal de la modalidad. Las dos basan sus proporciones y sus estructuras formaformales en la “sectio aurea” (el número áureo) y sostienen su unidad orgánica en relaciones temáticas y motívicas cíclicas, muy sutiles y estrechas. Ninguna de las dos responde a los métodos analíticos académicos y exigen una aproximación novedosa, que es el propio objeto de nuestra investigación. H.H.

Musicólogo belga nacido en Berlín el 9 de febrero 1931. Estudios de armonía y contrapunto, de historia de la música y de análisis en los Conservatorios de Ginebra y París. Alumno de Arthur Honegger (1952-53) y de Olivier Messiaen (1956-58). Primeros premios de análisis e historia en el Conservatorio de París (1958). Profesor de análisis musical en el Conservatorio real de Mons (Bélgica) (1970-96). Director artístico del Festival de música contemporánea de Royan (Francia) (1973-77). (1973-77). Miembro de muchos jurados en concursos de composición (incluyendo el Arpa de Oro en España). Múltiples actividades radiofónicas y como conferenciante conferencian te en Bélgica, Francia, Alemania, Italia, España y Suiza. Docente en los cursos de verano de Darmstadt (1980-92). Innumerables publicaciones en revistas musicales (Harmonie, Crescendo, etc.) y participación en obras colectivas (Guías Fayard de la música para piano, música coral sacra, la música de cámara), y estudios sobre numerosas óperas en la colección Avant-Scène Avant-Scène Opéra (París). Sus libros más importantes tratan sobre Olivier Messiaen (Fayard, última edición 2008), Arthur Honegger (Fayard 1992, Champion-Slatkine 1993), Bohuslav Martinù (con catálogo numérico de las obras, ultima edición Schott 2007 en alemán), Claude Debussy (Fayard), Albéric Magnard (Fayar (Fayard), d), Edgard Varèse (Belfond) (Belfond) y muchos más. Está especializado en la música del Siglo XX.


Se recomienda a los alumnos que dispongan de las partituras que se van a analizar. El curso se realizar realizaráá en español.


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ANÁLISIS

Introducción a la estructura fraseológica del clasicismo Profesor: William Xxxxxxxxxxx Caplin

27 y 28 febrero William Caplin. McGill University. Mntreal (Canadá)

Mediante la utilización de la perspectiva teórica utilizada en el manual Classical Form: A Theory of Formal Functions for the Instrumental Music of Haydn, Mozart, and Beethoven [La forma en el clasicismo: teoría de las funciones formales para la música instrumental de Haydn, Mozart y Beethoven] (Oxford (Oxford University Press, 1998), el curso expondrá los principios básicos de la estructura fraseológica, partiendo de los temas principales más sencillos, hasta llegar a los componentes principales de la macroforma. Se estudiarán y analizarán los tipos temáticos básicos y sus respectivas funciones formales, las cuales pueden combinarse de diversas maneras, dando lugar a temas híbridos. Estos tipos temáticos unitarios son utilizados en los temas principales de estructuras formales mayores. Al tratar otras secciones en la forma de los movimientos, observaremos que estas mismas funciones formales se verican, de un modo más libre, en la construcción de transiciones, temas secundarios, y en la sección de desarrollo en las formas de sonata, de rondó, y de concierto. Los ejemplos de la estructura de frase clásica serán extraídos fundamentalmente de las sonatas para piano Op. 10, No. 3; Op. 14 Nos. 1 y 2; Op. 22 y Op. 31, No. 3. de Beethoven. El análisis de diversas estructuras fraseológicas conllevará conllevará un examen de la sucesión armónica empleada por el compositor, así como la identicación de procesos de agrupamiento estructural y, de modo especial, una consideración de qué constituye una cadencia dentro de este estilo musical. La metodología analítica propuesta en el curso ayudará a los estudiosos de la música instrumental del clasicismo a comprender las decisiones compositivas e interpretativas que surgen “frase a frase”.

Se diplomó en composición en la University of Southern California, California, y se licenció en Historia y Teoría de la Música en la Universidad de Chicago (bajo la dirección de Leonard B. Meyer, Edward E. Lowinsky, Philip Gossett, entre otros). Amplió sus estudios musicológicos con Carl Dahlhaus en la Universidad de Berlín. Ha ejercido la docencia desde 1978 en la Universidad McGill, donde fue nombrado catedráticoo de Teoría Musical en enero de 2005. catedrátic El profesor Caplin es especialista en la teoría de la forma musical. Sus abundantes trabajos de investigación sobre los procedimientos formales de la música de nales del siglo XVIII culminaron culmi naron en 1998 en el libro Classical Form: A Theory of Formal Functions for the Instrumental Music of Haydn, Mozart, and Beethoven (Oxford University Press), que le valió el premio Wallace Berry otorgado por la Society for Music Theory. Este texto está siendo traducido para su publicación en italiano. Es autor también, junto con James Hepokoski y James Webster, del libro Musical Form, Forms & Formenlehre: Three Methodological Reections [Forma Musical, Formas y teoría formal: tres reexiones metodológicas] (2009, ed. Pieter Bergé). Además ha escrito importantes artículos publicados en prestigiosas publicaciones: Journal of the American Musicological Society, Eighteenth-Century Music, Beethoven Forum, Musiktheorie, The Journal of Musicological Research, Tijdschrift voor Muziektheorie. Sus escritos tratan tanto sobre musicología, como sobre historia y teoría musical. Ha sido presidente de la Society for Music Theory. En la actualidad, el profesor Caplin imparte seminarios sobre teoría tonal y análisis, análisis de la música en el S. XIX, e historia de la teoría musical. Para obtener más información pueden visitar su página web: www.music.mcgill.ca/~caplin/


Los asistentes deberán disponer de un ejemplar de las sonatas completas para piano de Beethoven. Curso en inglés, con traducción de Ramón Silles


ANÁLISIS

Introducción a la estructura fraseológica del clasicismo Profesor: William Xxxxxxxxxxx Caplin

27 y 28 febrero William Caplin. McGill University. Mntreal (Canadá)

Mediante la utilización de la perspectiva teórica utilizada en el manual Classical Form: A Theory of Formal Functions for the Instrumental Music of Haydn, Mozart, and Beethoven [La forma en el clasicismo: teoría de las funciones formales para la música instrumental de Haydn, Mozart y Beethoven] (Oxford (Oxford University Press, 1998), el curso expondrá los principios básicos de la estructura fraseológica, partiendo de los temas principales más sencillos, hasta llegar a los componentes principales de la macroforma. Se estudiarán y analizarán los tipos temáticos básicos y sus respectivas funciones formales, las cuales pueden combinarse de diversas maneras, dando lugar a temas híbridos. Estos tipos temáticos unitarios son utilizados en los temas principales de estructuras formales mayores. Al tratar otras secciones en la forma de los movimientos, observaremos que estas mismas funciones formales se verican, de un modo más libre, en la construcción de transiciones, temas secundarios, y en la sección de desarrollo en las formas de sonata, de rondó, y de concierto. Los ejemplos de la estructura de frase clásica serán extraídos fundamentalmente de las sonatas para piano Op. 10, No. 3; Op. 14 Nos. 1 y 2; Op. 22 y Op. 31, No. 3. de Beethoven. El análisis de diversas estructuras fraseológicas conllevará conllevará un examen de la sucesión armónica empleada por el compositor, así como la identicación de procesos de agrupamiento estructural y, de modo especial, una consideración de qué constituye una cadencia dentro de este estilo musical. La metodología analítica propuesta en el curso ayudará a los estudiosos de la música instrumental del clasicismo a comprender las decisiones compositivas e interpretativas que surgen “frase a frase”.

Se diplomó en composición en la University of Southern California, California, y se licenció en Historia y Teoría de la Música en la Universidad de Chicago (bajo la dirección de Leonard B. Meyer, Edward E. Lowinsky, Philip Gossett, entre otros). Amplió sus estudios musicológicos con Carl Dahlhaus en la Universidad de Berlín. Ha ejercido la docencia desde 1978 en la Universidad McGill, donde fue nombrado catedráticoo de Teoría Musical en enero de 2005. catedrátic El profesor Caplin es especialista en la teoría de la forma musical. Sus abundantes trabajos de investigación sobre los procedimientos formales de la música de nales del siglo XVIII culminaron culmi naron en 1998 en el libro Classical Form: A Theory of Formal Functions for the Instrumental Music of Haydn, Mozart, and Beethoven (Oxford University Press), que le valió el premio Wallace Berry otorgado por la Society for Music Theory. Este texto está siendo traducido para su publicación en italiano. Es autor también, junto con James Hepokoski y James Webster, del libro Musical Form, Forms & Formenlehre: Three Methodological Reections [Forma Musical, Formas y teoría formal: tres reexiones metodológicas] (2009, ed. Pieter Bergé). Además ha escrito importantes artículos publicados en prestigiosas publicaciones: Journal of the American Musicological Society, Eighteenth-Century Music, Beethoven Forum, Musiktheorie, The Journal of Musicological Research, Tijdschrift voor Muziektheorie. Sus escritos tratan tanto sobre musicología, como sobre historia y teoría musical. Ha sido presidente de la Society for Music Theory. En la actualidad, el profesor Caplin imparte seminarios sobre teoría tonal y análisis, análisis de la música en el S. XIX, e historia de la teoría musical. Para obtener más información pueden visitar su página web: www.music.mcgill.ca/~caplin/


Horario: De 9,30 a 13,30 y 16 a 18 horas Duración: 12 horas lectivas. Matrícula: 140 e

Los asistentes deberán disponer de un ejemplar de las sonatas completas para piano de Beethoven. Curso en inglés, con traducción de Ramón Silles

Consulte la información general en la página 88

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ANÁLISIS

Alban Berg: las formas de tensión serial-atonal serial-aton al en su música de cámara Profesor: Eduardo Xxxxxxxxxxx Pérez Maseda

17 y 18 abril Eduard Pérez Maseda

En el ámbito de las vanguardias históricas, la gura de Alban Berg no sólo es una de las que, con el paso del tiempo, no ha perdido su carácter de auténtico valor de ley como realidad musical de referencia plenamente actual, sino que además, conforme el tiempo ha ido transcurriendo, la propuesta “bergiana” ha mostrado una enorme capacidad de entroncar en el terreno estético con realidades y problemáticas de índole analítica y compositiva, a las que la creación actual se ha venido enfrentando desde los años sesenta hasta la actualidad, en ese ámbito polisémico, pero de una realidad incuestionable, que hoy día se conoce como transvanguardia o posmodernidad. Uno de los puntos de análisis análisis técnico de importancia indudable indudable en la obra de Berg, y de cuyas consecuencias somos herederos no sólo los compositores, sino intérpretes y estudiosos de la musicología, es el de la peculiar relación en la obra del compositor vienés entre un concepto de tonalidad, sumamente evolucionado a través de elementos como un exacerbado cromatismo, la densidad armónica postwagneriana postwagneriana y el rigor de la forma “variación” y el orden estructural a partir de Brahms, hasta una visión serial-dodecafónica en sus últimas obras -que converge en el auténtico delirio de la “Suite Lírica”- en las que la tensión entre la atonalidad y el rigor constructivo, y formas de expresión netamente románticas, e incluso apasionadas, da lugar a insospechados universos expresivos de los que, aún hoy, todos somos herederos. El curso se centrará en el análisis preferente de los siguientes puntos y obras de Alban Berg: I Tensión Tonalidad-Atonali Tonalidad-Atonalismo: smo: “Sonata op. 1”, para piano. II Atonalidad y expresión: “Cuartet “Cuartetoo de cuerda”, op. 3. III Del motivo motivo a la célula: célula: “Cuatro “Cuatro piezas para clarinete clarinete y piano”, op. 5 IV Los procesos musicales internos: “Concierto de Cámara Cámara para violín, piano y 13 instrumento instrumentoss de viento”. V Serialismo y expresión: Suite Lírica para cuarteto de cuerda.

Nace en Madrid y realiza sus estudios en el Conservatorio Superior de Música de esta ciudad y como becario en Cursos Internacionales de Composición. Paralelamente a sus estudios musicales obtiene la licenciatura en Ciencias Políticas y Sociología por la Universidad Complutense de Madrid. Es autor de una variada obra que ha obtenido amplia proyección y sus obras han sido estrenadas e interpretadas en numerosos conciertos y Festivales de todo el mundo. En 1983 fue seleccionado en la II Tribuna de J óvenes Compositores de la Fundación Juan March, y está en posesión de Premios de Composición como el Nacional de Polifonía del Ministerio de Cultura (1982), el “Isaac Albéniz” de la Generalitat de Cataluña (1984), el “Musician´s Accord” de Nueva York (1986) o el Festival Mundial de la S.I.M.C. de Ámsterdam (1989). Igualmente, su música ha sido seleccionada en distintas ocasiones para participar en foros como la Tribuna Internacional de Compositores de la UNESCO o el “Premio Italia”. En 1987 y 1988 dirige los primeros Cursos de Sociología de la Música celebrados en España, en colaboración con la Universidad Complutense, y asimismo ejerce habitualmente como conferenciante y analista de su propia obra y de la música actual en cursos y seminarios para universidades y diversas instituciones. Ha publicado varios libros: “El Wagner de las Ideologías. Nietzsche-Wagner” (Editorial Biblioteca Nueva. 2004), “Alban “Alb an Berg”, la primera obra editada en España sobre el compositor vienés (Círculo de Bellas Artes de Madrid, 1985), y es autor de numerosos trabajos y ensayos referentes a la música de nuestro tiempo. Es asimismo colaborador habitual de Radio Clásica (Radio 2) de Radio Nacional de España. Pérez Maseda es también autor de dos óperas: “Luz de Oscura Llama”, estrenada en Madrid en 1991, y “Bonhomet y el Cisne”, estrenada asimismo en M adrid, Teatro de La Abadía, en el año 2006, recientemente editada en CD (Verso, (Verso, 2008).


Horario: De 9,30 a 13,30 y de 16 a 18 horas. Duración: 12 horas lectivas. Matrícula: 140 e Consulte la información general en la página 88

ANÁLISIS

Alban Berg: las formas de tensión serial-atonal serial-aton al en su música de cámara Profesor: Eduardo Xxxxxxxxxxx Pérez Maseda

17 y 18 abril Eduard Pérez Maseda

En el ámbito de las vanguardias históricas, la gura de Alban Berg no sólo es una de las que, con el paso del tiempo, no ha perdido su carácter de auténtico valor de ley como realidad musical de referencia plenamente actual, sino que además, conforme el tiempo ha ido transcurriendo, la propuesta “bergiana” ha mostrado una enorme capacidad de entroncar en el terreno estético con realidades y problemáticas de índole analítica y compositiva, a las que la creación actual se ha venido enfrentando desde los años sesenta hasta la actualidad, en ese ámbito polisémico, pero de una realidad incuestionable, que hoy día se conoce como transvanguardia o posmodernidad. Uno de los puntos de análisis análisis técnico de importancia indudable indudable en la obra de Berg, y de cuyas consecuencias somos herederos no sólo los compositores, sino intérpretes y estudiosos de la musicología, es el de la peculiar relación en la obra del compositor vienés entre un concepto de tonalidad, sumamente evolucionado a través de elementos como un exacerbado cromatismo, la densidad armónica postwagneriana postwagneriana y el rigor de la forma “variación” y el orden estructural a partir de Brahms, hasta una visión serial-dodecafónica en sus últimas obras -que converge en el auténtico delirio de la “Suite Lírica”- en las que la tensión entre la atonalidad y el rigor constructivo, y formas de expresión netamente románticas, e incluso apasionadas, da lugar a insospechados universos expresivos de los que, aún hoy, todos somos herederos. El curso se centrará en el análisis preferente de los siguientes puntos y obras de Alban Berg: I Tensión Tonalidad-Atonali Tonalidad-Atonalismo: smo: “Sonata op. 1”, para piano. II Atonalidad y expresión: “Cuartet “Cuartetoo de cuerda”, op. 3. III Del motivo motivo a la célula: célula: “Cuatro “Cuatro piezas para clarinete clarinete y piano”, op. 5 IV Los procesos musicales internos: “Concierto de Cámara Cámara para violín, piano y 13 instrumento instrumentoss de viento”. V Serialismo y expresión: Suite Lírica para cuarteto de cuerda.

Nace en Madrid y realiza sus estudios en el Conservatorio Superior de Música de esta ciudad y como becario en Cursos Internacionales de Composición. Paralelamente a sus estudios musicales obtiene la licenciatura en Ciencias Políticas y Sociología por la Universidad Complutense de Madrid. Es autor de una variada obra que ha obtenido amplia proyección y sus obras han sido estrenadas e interpretadas en numerosos conciertos y Festivales de todo el mundo. En 1983 fue seleccionado en la II Tribuna de J óvenes Compositores de la Fundación Juan March, y está en posesión de Premios de Composición como el Nacional de Polifonía del Ministerio de Cultura (1982), el “Isaac Albéniz” de la Generalitat de Cataluña (1984), el “Musician´s Accord” de Nueva York (1986) o el Festival Mundial de la S.I.M.C. de Ámsterdam (1989). Igualmente, su música ha sido seleccionada en distintas ocasiones para participar en foros como la Tribuna Internacional de Compositores de la UNESCO o el “Premio Italia”. En 1987 y 1988 dirige los primeros Cursos de Sociología de la Música celebrados en España, en colaboración con la Universidad Complutense, y asimismo ejerce habitualmente como conferenciante y analista de su propia obra y de la música actual en cursos y seminarios para universidades y diversas instituciones. Ha publicado varios libros: “El Wagner de las Ideologías. Nietzsche-Wagner” (Editorial Biblioteca Nueva. 2004), “Alban “Alb an Berg”, la primera obra editada en España sobre el compositor vienés (Círculo de Bellas Artes de Madrid, 1985), y es autor de numerosos trabajos y ensayos referentes a la música de nuestro tiempo. Es asimismo colaborador habitual de Radio Clásica (Radio 2) de Radio Nacional de España. Pérez Maseda es también autor de dos óperas: “Luz de Oscura Llama”, estrenada en Madrid en 1991, y “Bonhomet y el Cisne”, estrenada asimismo en M adrid, Teatro de La Abadía, en el año 2006, recientemente editada en CD (Verso, (Verso, 2008).



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Música Contemporánea Nino Díaz Luis de Pablo José María Sánchez-Verdú Horacio Vaggione

Música Contemporánea Nino Díaz Luis de Pablo José María Sánchez-Verdú Horacio Vaggione

MÚSICA CONTEMPORÁNEA

Edición de partituras (Curso para compositores, musicólogos, auto-editores, copistas) Profesor: Nino Xxxxxxxxxxx Díaz

12 y 13 diciembre Nin Díaz

Descripción

El curso profundizará de forma práctica en los aspectos propios tanto de la escritura tradicional como de la contemporánea, estudiando sus convenciones y partiendo de la bibliografía de referencia internacional. internacional. Se tratará de la adecuación de las partituras para orquesta a las directrices de MOLA (Major Orchestra Librarian’s Association), normas adoptadas en su totalidad por la AEDOM (Asociación Española de Documentación Musical). El curso está abierto a la participación activa de los propios alumnos, ya que se aclararánn las dudas que presenten sobre estos temas y se estudiarán desde el aclarará punto de vista gráco las partituras que los participantes quieran presentar. Contenido

Nace en 1963 en Tías, Lanzarote. En 1985 se traslada a Barcelona, donde obtiene los títulos de Profesor Superior de Clarinete, Composición y Dirección de Orquesta. Como director de orquesta ha dirigido formaciones instrumentales instrumentales diversas (orquestas, bandas, conjuntos de cámara…), y tanto a nivel nacional como internacional. Como compositor tiene más de cincuenta obras (sinfónicas, de cámara, bandas sonoras, etc.), interpretadas en numerosos países por agrupaciones musicales, como la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, la Orquesta de la Academia del Gran Teatro del Liceo, Liceo, la Orquesta de Cámara Amadeus de Moscú… En 2008 ganó el “XV Concurso de Creación Radiofónica” (Radio Clásica y CDMC) con “EL MURO”. Recientemente ha sido nombrado miembro de la Real Academia Canaria de Bellas Artes de San Miguel Arcángel, por su trayectoria internacional como intérprete y sobre todo como creador, y por su contribución a la generación y difusión del repertorio contemporáneo contemporáneo..

1.

Notación clásica. Convencion Convenciones. es.

2.

Notación en la música contempor contemporánea. ánea. 2.1. Convenciones generales generales y especícas de cada instrumento. instrumento. 2.2. El director de orquesta. orquesta. 2.2.1. Convenciones. 2.2.2 Conceptos técnicos elementales. 2.3 Diferentes tipos de escritura escritura (Métrica, Espacial, Gráca, Mixta…)

3.

Sistema internacional de abreviaturas y fórmulas de instrumentación para orquesta “Daniels”.

En Enero de 2005 creó la editorial PERIFERIA Sheet Music, especializada en música contemporánea, que es ya un referente internacional con casi 400 obras editadas de 112 compositores. Próximamente lanzará su propio sello discográco: Klipsos.

4.

Recursos informáticos utilizados en la edición de partituras. 4.1. Editores (Finale, Sibelius...). 4.2. Diseño vectorial (Illustrator (Illustrator o FreeHand). 4.3. Acrobat (Portable (Portable Document Format Format - PDF).

Para obtener más información pueden visitar su página web: www.ninodiaz.com

Es especialista en la edición de partituras por ordenador. Ha impartido cursos de edición y asesorado a compositores y profesores de escuelas de música y conservatorios y a personalidades como Josep Roda (ESMUC), Francisco Grau (Banda del Rey) entre otros. Como copista ha trabajado para numerosos autores, en la elaboració elaboraciónn y revisión de las partituras para las Olimpiadas de Barcelona Barcelona-92, -92, para las editoriales Clivis, Tritó, Claret, el Departamento de Educación de la Generalitat de Cataluña, London Philharmonic Orchestra, Orquesta del Gran Teatro del Liceo, OCB…


Horario: Sábado de 10 a 13,30 y de 15,30 a 19,30 horas. Domingo de 10 a 14,30 horas. Duración: 12 horas lectivas. Matrícula: 140 e Consulte la información general en la página 88


Edición de partituras (Curso para compositores, musicólogos, auto-editores, copistas) Profesor: Nino Xxxxxxxxxxx Díaz

12 y 13 diciembre Nin Díaz

Descripción

El curso profundizará de forma práctica en los aspectos propios tanto de la escritura tradicional como de la contemporánea, estudiando sus convenciones y partiendo de la bibliografía de referencia internacional. internacional. Se tratará de la adecuación de las partituras para orquesta a las directrices de MOLA (Major Orchestra Librarian’s Association), normas adoptadas en su totalidad por la AEDOM (Asociación Española de Documentación Musical). El curso está abierto a la participación activa de los propios alumnos, ya que se aclararánn las dudas que presenten sobre estos temas y se estudiarán desde el aclarará punto de vista gráco las partituras que los participantes quieran presentar. Contenido

Nace en 1963 en Tías, Lanzarote. En 1985 se traslada a Barcelona, donde obtiene los títulos de Profesor Superior de Clarinete, Composición y Dirección de Orquesta. Como director de orquesta ha dirigido formaciones instrumentales instrumentales diversas (orquestas, bandas, conjuntos de cámara…), y tanto a nivel nacional como internacional. Como compositor tiene más de cincuenta obras (sinfónicas, de cámara, bandas sonoras, etc.), interpretadas en numerosos países por agrupaciones musicales, como la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, la Orquesta de la Academia del Gran Teatro del Liceo, Liceo, la Orquesta de Cámara Amadeus de Moscú… En 2008 ganó el “XV Concurso de Creación Radiofónica” (Radio Clásica y CDMC) con “EL MURO”. Recientemente ha sido nombrado miembro de la Real Academia Canaria de Bellas Artes de San Miguel Arcángel, por su trayectoria internacional como intérprete y sobre todo como creador, y por su contribución a la generación y difusión del repertorio contemporáneo contemporáneo..

1.

Notación clásica. Convencion Convenciones. es.

2.

Notación en la música contempor contemporánea. ánea. 2.1. Convenciones generales generales y especícas de cada instrumento. instrumento. 2.2. El director de orquesta. orquesta. 2.2.1. Convenciones. 2.2.2 Conceptos técnicos elementales. 2.3 Diferentes tipos de escritura escritura (Métrica, Espacial, Gráca, Mixta…)

3.

Sistema internacional de abreviaturas y fórmulas de instrumentación para orquesta “Daniels”.

En Enero de 2005 creó la editorial PERIFERIA Sheet Music, especializada en música contemporánea, que es ya un referente internacional con casi 400 obras editadas de 112 compositores. Próximamente lanzará su propio sello discográco: Klipsos.

4.

Recursos informáticos utilizados en la edición de partituras. 4.1. Editores (Finale, Sibelius...). 4.2. Diseño vectorial (Illustrator (Illustrator o FreeHand). 4.3. Acrobat (Portable (Portable Document Format Format - PDF).

Para obtener más información pueden visitar su página web: www.ninodiaz.com

Es especialista en la edición de partituras por ordenador. Ha impartido cursos de edición y asesorado a compositores y profesores de escuelas de música y conservatorios y a personalidades como Josep Roda (ESMUC), Francisco Grau (Banda del Rey) entre otros. Como copista ha trabajado para numerosos autores, en la elaboració elaboraciónn y revisión de las partituras para las Olimpiadas de Barcelona Barcelona-92, -92, para las editoriales Clivis, Tritó, Claret, el Departamento de Educación de la Generalitat de Cataluña, London Philharmonic Orchestra, Orquesta del Gran Teatro del Liceo, OCB…



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Análisis de Iniciativas (1966-67) y de Passio (2007) Profesor: Luis Xxxxxxxxxxx de Pablo

30 y 31 enero Luis de Pabl

Tras de más de cincuenta años componiendo me ha parecido interesant interesante, e, incluso instructivo, comparar dos obras que estimo representa representann bien dos momentos de mi producción, separadas por unos cuarenta años: Iniciativas, para orquesta, de 1965/66 y Passio para orquesta, coro masculino y dos solistas vocales (barítono y contratenor), de 2007. En la primera se verán mis trabajos por conseguir una escritura solfística al mismo tiempo exible y rigurosa; y cómo esta escritura ordena las alturas al margen de cualquier herencia serial, incidiendo además en la forma. En la segunda se observará el resultado de tantos años de trabajo y la lección de libertad que he recibido de ellos. Una libertad que no es rechazo del pasado, sino su consecuencia. Naturalmente en ningún caso voy a presentar un “sistema”, por la buena razón de que nunca he querido tener ninguno, sino una serie de procedimientos, que, a lo largo de este tiempo, han congurado mi estilo y que, con cierto optimismo, quizá puedan ser útiles para alguien. L. de Pablo

Nació en Bilbao en 1930. Comenzó sus estudios musicales a los siete años en Fuenterrabía, proseguidos en privado en Madrid, con Max Deutsch, en París y en los cursos de Darmstadt. Funda en Madrid “Tiempo y Música” y “Alea” (1959-1972), grupos que dieron a conocer la música contemporánea contemporánea en España así como diversas músicas de tradiciones no occidentales. También fundó el primer laboratorio español de electroacústica electroacústica.. Ha sido profesor en el Conservatorio de Madrid, en la Universidad de Búfalo, Ottawa, Ottawa, Montréal, etc., ha dado cursos en Francia, Italia, Bélgica, EE. UU., Japón, Alemania, Argentina, Argentina, Méjico, Méjico, etc. Fue director de los “Encuentros” (Pamplona), Bienal Musical (Madrid), Festival de Lille, etc. Es doctor “honoris causa” por la Universidad Complutense Complutense (Madrid) y miembro de diversas academias de Bellas Artes (Madrid, Granada, Bélgica). Ha recibido numerosos premios, españoles e internacionales (Premio Guerrero, la Medalla de Oro de las Bellas Artes, del Círculo de Bellas Artes en Madrid, “Ofcier des Arts et des Lettres” del Ministerio francés de Cultura, Premio de la Fundación Príncipe Pierre de Mónaco, Premio Honegger, etc.). Su catálogo incluye más de un centenar de títulos: cuatro óperas, tres cuartetos de cuerdas, conciertos para solista (tres para piano, otros para violín, violonchelo, guitarra, auta, clarinete, saxo), cuantiosa producción de cámara, orquestal, vocal, etc. En 1968, Claude Rostand escribió en el “Diccionario de la Música Contemporánea” (Larousse): “Luís de Pablo es actualmente no sólo la personalidad dominante de la escuela española y uno de los primeros compositores que ha iniciado el camino para sacarla del estrecho nacionalismo conriéndole un carácter universal, sino también una de las más destacadas personalidades de la escena musical internacional, gracias al impulso que ha sabido dar a técnicas innovadoras y soluciones personales y originales creadas para expresar una actividad inventiva y poética de temperamento excepcional.”




Análisis de Iniciativas (1966-67) y de Passio (2007) Profesor: Luis Xxxxxxxxxxx de Pablo

30 y 31 enero Luis de Pabl

Tras de más de cincuenta años componiendo me ha parecido interesant interesante, e, incluso instructivo, comparar dos obras que estimo representa representann bien dos momentos de mi producción, separadas por unos cuarenta años: Iniciativas, para orquesta, de 1965/66 y Passio para orquesta, coro masculino y dos solistas vocales (barítono y contratenor), de 2007. En la primera se verán mis trabajos por conseguir una escritura solfística al mismo tiempo exible y rigurosa; y cómo esta escritura ordena las alturas al margen de cualquier herencia serial, incidiendo además en la forma. En la segunda se observará el resultado de tantos años de trabajo y la lección de libertad que he recibido de ellos. Una libertad que no es rechazo del pasado, sino su consecuencia. Naturalmente en ningún caso voy a presentar un “sistema”, por la buena razón de que nunca he querido tener ninguno, sino una serie de procedimientos, que, a lo largo de este tiempo, han congurado mi estilo y que, con cierto optimismo, quizá puedan ser útiles para alguien. L. de Pablo

Nació en Bilbao en 1930. Comenzó sus estudios musicales a los siete años en Fuenterrabía, proseguidos en privado en Madrid, con Max Deutsch, en París y en los cursos de Darmstadt. Funda en Madrid “Tiempo y Música” y “Alea” (1959-1972), grupos que dieron a conocer la música contemporánea contemporánea en España así como diversas músicas de tradiciones no occidentales. También fundó el primer laboratorio español de electroacústica electroacústica.. Ha sido profesor en el Conservatorio de Madrid, en la Universidad de Búfalo, Ottawa, Ottawa, Montréal, etc., ha dado cursos en Francia, Italia, Bélgica, EE. UU., Japón, Alemania, Argentina, Argentina, Méjico, Méjico, etc. Fue director de los “Encuentros” (Pamplona), Bienal Musical (Madrid), Festival de Lille, etc. Es doctor “honoris causa” por la Universidad Complutense Complutense (Madrid) y miembro de diversas academias de Bellas Artes (Madrid, Granada, Bélgica). Ha recibido numerosos premios, españoles e internacionales (Premio Guerrero, la Medalla de Oro de las Bellas Artes, del Círculo de Bellas Artes en Madrid, “Ofcier des Arts et des Lettres” del Ministerio francés de Cultura, Premio de la Fundación Príncipe Pierre de Mónaco, Premio Honegger, etc.). Su catálogo incluye más de un centenar de títulos: cuatro óperas, tres cuartetos de cuerdas, conciertos para solista (tres para piano, otros para violín, violonchelo, guitarra, auta, clarinete, saxo), cuantiosa producción de cámara, orquestal, vocal, etc. En 1968, Claude Rostand escribió en el “Diccionario de la Música Contemporánea” (Larousse): “Luís de Pablo es actualmente no sólo la personalidad dominante de la escuela española y uno de los primeros compositores que ha iniciado el camino para sacarla del estrecho nacionalismo conriéndole un carácter universal, sino también una de las más destacadas personalidades de la escena musical internacional, gracias al impulso que ha sabido dar a técnicas innovadoras y soluciones personales y originales creadas para expresar una actividad inventiva y poética de temperamento excepcional.”



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Escrituras de la memoria

Profesor: José María Sánchez-Verdú

6 y 7 marzo Jsé María Sánchez-V Sánchez-Verdú erdú

En este encuentro se pretende realizar un acercamiento a diferentes temas tanto musicales como extramusicales (artes plásticas, literatura, arquitectura, artes decorativas, decorativas, lingüística, retórica) que pueden jugar un papel esencial en el proceso de trabajo de un compositor compositor.. Los principales puntos de reexión son el material musical, la memoria, la escritura, la caligrafía, los conceptos de proceso y estructura en la forma musical o el espacio sonoro (Auraphon, espacios virtuales, instalación, etc.). Finalmente se realizar realizaráá un acercamient acercamientoo a nuevas formas de teatro musical en el ámbito europeo reciente. Se estudiarán ejemplos musicales de numerosos autores desde el Renacimiento hasta la actualidad, siempre con partituras. Sábado mañana:

Material, arquitectura y memoria. Ideación y artesanado. Tarde:

Estructuras y procesos musicales. Sinestesia, lenguaje y nuevos espacios virtuales (“canto íntimo”, “suono parlante”, etc.). Domingo mañana:

Ornamentación y repetición. Artes plásticas y artes decorativas. Caligrafías, Caligrafías, jardines y paisajes como proceso. Tarde:

Propuestas de teatro musical recientes en el contexto europeo (H. Zender, B. Furrer, S. Sciarrino, C. Czernowin). Acercamiento a dos obras recientes de Sánchez-Verdú: GRAMMA. Jardines de la escritura (Münchener Biennale/Luzerner Theater/ Deutsche Oper Berlin 2006): “escritura” como material, desarrollo escénico como instalación. AURA (Musik der Jahrhundert Jahrhunderte/Operadhoy/Bienn e/Operadhoy/Biennale ale di Venezia 2009): integración de la escenografía en la partitura: el Auraphon (prototipo desarrollado desarrollado en el Experimental Studio des SWR de Friburgo).

(1968) Compositor y director. Desde 2001 es profesor de composic ión de la RobertSchumann-Hochschule de Düsseldorf. Desde 2008 ocupa también una cátedra de composición en el Conservatorio Superior de Música de Aragón. Sus obras han sido interpretadas por agrupaciones como la WDR de Colonia, Suisse Romande, Nürnberger Symphoniker, Hessischer Rundfunk, Bayerischer Rundfunk, Luzerner Symphonieorchester, Nacional de España, Ensemble Modern, Ensemble Recherche, MusikFabrik, etc. en festivales como MärzMusik, Ultraschall, ECLAT, ECLAT, Philharmonie Berlin, Ars Musica Bruselas, Festival de Alicante, Ensems, Klangspuren, Concertgebouw Amsterdam, Lincoln Center de Nueva York, etc. Ha sido compositor residente en festivales de Austria (Festival de Carintia), Alemania (Bayreuth) y Perú, además de invitado especial del Festival de Otoño de Varsovia en 2008. Se han programado monográcos suyos en Madrid, Barcelona, Múnich, Colonia y Lima. Sus obras escénicas se han presentado en la Staatsoper y la Deutsche Oper de Berlín, el Teatro Real de Madrid, Teatro de la Zarzuela, Münchener Biennale, Luzerner Theater, Theaterhaus Stuttgart o la Biennale di Venezia. Entre sus premios destacan el Förderpreis de la Fundación Siemens (Múnich), el Nacional de Música, el Irino Prize de Tokyo o el Premio de la Bergische Biennale (Wuppertal). Ha dado cursos y conferencias en el Mozarteum de Salzburgo, Universität der Künste Berlin, Hochschule für Künste Bremen, Musikhochschule Munich, etc. Ha dirigido a la Sinfónica de Galicia, Orquesta Ciudad de Granada, Ensemble Mosaik (Berlín), Piano Possibile (Munich), Grup Instrumental de Valencia, Kammerensemble Neue Musik Berlin, Ensemble Modern, etc. Para obtener más información pueden visitar su página web: http://www.sanchez-verdu.com/ Información del curso

Horario: Sábado de 10 a 14 y de 16 a 19 horas. Domingo de 10 a 13 y de 15,30 a 17,30 horas. Duración: 12 horas lectivas. Matrícula: 140 e Consulte la información general en la página 88


Escrituras de la memoria

Profesor: José María Sánchez-Verdú

6 y 7 marzo Jsé María Sánchez-V Sánchez-Verdú erdú

En este encuentro se pretende realizar un acercamiento a diferentes temas tanto musicales como extramusicales (artes plásticas, literatura, arquitectura, artes decorativas, decorativas, lingüística, retórica) que pueden jugar un papel esencial en el proceso de trabajo de un compositor compositor.. Los principales puntos de reexión son el material musical, la memoria, la escritura, la caligrafía, los conceptos de proceso y estructura en la forma musical o el espacio sonoro (Auraphon, espacios virtuales, instalación, etc.). Finalmente se realizar realizaráá un acercamient acercamientoo a nuevas formas de teatro musical en el ámbito europeo reciente. Se estudiarán ejemplos musicales de numerosos autores desde el Renacimiento hasta la actualidad, siempre con partituras. Sábado mañana:

Material, arquitectura y memoria. Ideación y artesanado. Tarde:

Estructuras y procesos musicales. Sinestesia, lenguaje y nuevos espacios virtuales (“canto íntimo”, “suono parlante”, etc.). Domingo mañana:

Ornamentación y repetición. Artes plásticas y artes decorativas. Caligrafías, Caligrafías, jardines y paisajes como proceso. Tarde:

Propuestas de teatro musical recientes en el contexto europeo (H. Zender, B. Furrer, S. Sciarrino, C. Czernowin). Acercamiento a dos obras recientes de Sánchez-Verdú: GRAMMA. Jardines de la escritura (Münchener Biennale/Luzerner Theater/ Deutsche Oper Berlin 2006): “escritura” como material, desarrollo escénico como instalación.

(1968) Compositor y director. Desde 2001 es profesor de composic ión de la RobertSchumann-Hochschule de Düsseldorf. Desde 2008 ocupa también una cátedra de composición en el Conservatorio Superior de Música de Aragón. Sus obras han sido interpretadas por agrupaciones como la WDR de Colonia, Suisse Romande, Nürnberger Symphoniker, Hessischer Rundfunk, Bayerischer Rundfunk, Luzerner Symphonieorchester, Nacional de España, Ensemble Modern, Ensemble Recherche, MusikFabrik, etc. en festivales como MärzMusik, Ultraschall, ECLAT, ECLAT, Philharmonie Berlin, Ars Musica Bruselas, Festival de Alicante, Ensems, Klangspuren, Concertgebouw Amsterdam, Lincoln Center de Nueva York, etc. Ha sido compositor residente en festivales de Austria (Festival de Carintia), Alemania (Bayreuth) y Perú, además de invitado especial del Festival de Otoño de Varsovia en 2008. Se han programado monográcos suyos en Madrid, Barcelona, Múnich, Colonia y Lima. Sus obras escénicas se han presentado en la Staatsoper y la Deutsche Oper de Berlín, el Teatro Real de Madrid, Teatro de la Zarzuela, Münchener Biennale, Luzerner Theater, Theaterhaus Stuttgart o la Biennale di Venezia. Entre sus premios destacan el Förderpreis de la Fundación Siemens (Múnich), el Nacional de Música, el Irino Prize de Tokyo o el Premio de la Bergische Biennale (Wuppertal). Ha dado cursos y conferencias en el Mozarteum de Salzburgo, Universität der Künste Berlin, Hochschule für Künste Bremen, Musikhochschule Munich, etc. Ha dirigido a la Sinfónica de Galicia, Orquesta Ciudad de Granada, Ensemble Mosaik (Berlín), Piano Possibile (Munich), Grup Instrumental de Valencia, Kammerensemble Neue Musik Berlin, Ensemble Modern, etc. Para obtener más información pueden visitar su página web: http://www.sanchez-verdu.com/ Información del curso

Horario: Sábado de 10 a 14 y de 16 a 19 horas. Domingo de 10 a 13 y de 15,30 a 17,30 horas. Duración: 12 horas lectivas. Matrícula: 140 e

AURA (Musik der Jahrhundert Jahrhunderte/Operadhoy/Bienn e/Operadhoy/Biennale ale di Venezia 2009): integración de la escenografía en la partitura: el Auraphon (prototipo desarrollado desarrollado en el Experimental Studio des SWR de Friburgo).


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Aproximación a una poética del tiempo múltiple en la compo composición sición instrumental y electroacústica Profesor: Horacio Vaggione

10 y 11 abril Hraci Vaggine

En este curso trataré de explicitar algunas ideas a propósito de mi práctica compositiva, tanto instrumental como electroacústica. Los temas a explorar cubren prácticamente todas las escalas de tiempo, desde lo micro-local (el espectro, el timbre, el “ grano ” sonoro) hasta lo macro-global (la forma general de una obra) pasando por la creación de guras y texturas de diversas tallas temporales. Todas estas escalas de tiempo se encuentran relacionadas relacionadas entre sí a través de técnicas interactivas de escritura y articulación. Este recorrido será ejemplicado a través de algunas de mis obras “mixtas” para instrumentoss y dispositivos electroacústicos, tanto para solistas (Myr-S para vioinstrumento lonchelo, Taleas para auta, Accanto para violin, Till para piano) o grupos (Atem, Kitab, Phases), expandiendo el sonido instrumental más allá de sus causalidades inmediatas. El n último del curso es mostrar en qué medida los nuevos medios numéricos son aplicables en tanto que herramientas de composición en un sentido general (es decir, como elementos técnicos que nuestro tiempo aporta a la práctica de la composición) y plantear las nalidades y el sentido de su utilización.

Bibliograa:

- Horacio Vaggione: Composition Theory. Contemporary Contemporary Music Review Review,, vol. 24, parts 1-2. Londres: Routledge, 2005. - Makis Solomos (Ed.): Espaces composables. Essais sur la musique et la pensée musicale d’Horacio Vaggione. Paris, L’Harmattan, 2006. - Antonia Soulez, Makis Solomos, Horacio Vaggione: Formel-informel, musique et philosophie. Paris, L’Harmattan, 2003.

Nació en Córdoba, Argentina, en 1943. Realizó estudios de piano y composición en la Universidad Nacional de Córdoba. Doctorado en musicología por la Universidad de París. Becario del Fulbright Fund (Estados Unidos). Miembro del Grupo Alea de Madrid (1969 -1973), trabajó trabajó en el proyecto Música y Ordenador del Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid (1970-73), y más tarde en diversos centros: IRCAM, IMEB, INA-GRM, así como en diversas universidades europeas y norteamericanas. Becario del Servicio Académico de Alemania (DAAD, Berliner Künstlerprogramm). Premio NEWCOMP (Cambridge, Estados Unidos). Euphonie d’Or (Bourges, Francia). Premio ICMA (International Computer Music Association Award). Horacio Vaggione reside en París desde 1978. Es profesor titular de la Universidad de París VIII, donde dirige el Programa de Doctorado en Música y Tecnología, asi como el CICM (Centre de Recherche Informatique et Création Musicale).


Horario: Sábado de 10 a 13,30 y de 15,30 a 18,30 horas. Domingo de 10 a 13,30 y de 15,30 a 17,30 horas. Duración: 12 horas lectivas. Matrícula: 140 e Consulte la información general en la página 88


Aproximación a una poética del tiempo múltiple en la compo composición sición instrumental y electroacústica Profesor: Horacio Vaggione

10 y 11 abril Hraci Vaggine

En este curso trataré de explicitar algunas ideas a propósito de mi práctica compositiva, tanto instrumental como electroacústica. Los temas a explorar cubren prácticamente todas las escalas de tiempo, desde lo micro-local (el espectro, el timbre, el “ grano ” sonoro) hasta lo macro-global (la forma general de una obra) pasando por la creación de guras y texturas de diversas tallas temporales. Todas estas escalas de tiempo se encuentran relacionadas relacionadas entre sí a través de técnicas interactivas de escritura y articulación. Este recorrido será ejemplicado a través de algunas de mis obras “mixtas” para instrumentoss y dispositivos electroacústicos, tanto para solistas (Myr-S para vioinstrumento lonchelo, Taleas para auta, Accanto para violin, Till para piano) o grupos (Atem, Kitab, Phases), expandiendo el sonido instrumental más allá de sus causalidades inmediatas. El n último del curso es mostrar en qué medida los nuevos medios numéricos son aplicables en tanto que herramientas de composición en un sentido general (es decir, como elementos técnicos que nuestro tiempo aporta a la práctica de la composición) y plantear las nalidades y el sentido de su utilización.

Bibliograa:

- Horacio Vaggione: Composition Theory. Contemporary Contemporary Music Review Review,, vol. 24, parts 1-2. Londres: Routledge, 2005. - Makis Solomos (Ed.): Espaces composables. Essais sur la musique et la pensée musicale d’Horacio Vaggione. Paris, L’Harmattan, 2006. - Antonia Soulez, Makis Solomos, Horacio Vaggione: Formel-informel, musique et philosophie. Paris, L’Harmattan, 2003.

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Nació en Córdoba, Argentina, en 1943. Realizó estudios de piano y composición en la Universidad Nacional de Córdoba. Doctorado en musicología por la Universidad de París. Becario del Fulbright Fund (Estados Unidos). Miembro del Grupo Alea de Madrid (1969 -1973), trabajó trabajó en el proyecto Música y Ordenador del Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid (1970-73), y más tarde en diversos centros: IRCAM, IMEB, INA-GRM, así como en diversas universidades europeas y norteamericanas. Becario del Servicio Académico de Alemania (DAAD, Berliner Künstlerprogramm). Premio NEWCOMP (Cambridge, Estados Unidos). Euphonie d’Or (Bourges, Francia). Premio ICMA (International Computer Music Association Award). Horacio Vaggione reside en París desde 1978. Es profesor titular de la Universidad de París VIII, donde dirige el Programa de Doctorado en Música y Tecnología, asi como el CICM (Centre de Recherche Informatique et Création Musicale).



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Música Antigua Raúl Díaz Hiro Kurosaki

Música Antigua Raúl Díaz Hiro Kurosaki

MÚSICA ANTIGUA

Aplicación de los recursos estilísticos históricos en la interpretación con la trompa Profesor: Raúl Díaz

14 y 15 noviembre Raúl Díaz

Los recursos interpretativos que el mundo profesional de la música exige de las nuevas generaciones de trompistas son cada vez más abundantes. Además de una sólida técnica instrumental, ahora se demandan conocimientos muy precisos de articulación, fraseo y ornamentación, para cada estilo, e incluso en muchos casos, la posibilidad de interpretar la música utilizando instrumentos originales. Esta situación, lejos de ser una sobrecarga formativa, abre un nuevo campo de posibilidades de especialización y enriquecimiento musical que hemos de saber aprovechar. Indagar y descubrir cómo se utilizaban los instrumentos antecesores a nuestras trompas modernas, e incluso las diferentes maneras de ejecución existentes entre los distintos países en Centro Europa hace doscientos años, puede convertirse en un apasionante viaje a través de la Historia de la Música y de nuestro instrumento.

Nació en Venezuela, comenzó sus estudios musicales en el conservatorio de música Vicente Emilio Sojo, y luego pasó a formar parte del movimiento de Orquestas Juveniles, donde fue miembro activo durante varios años. Trabajó profesionalmente profesionalme nte en Caracas con la orquesta Simón Bolívar, Bolívar, y otras agrupaciones musicales.

Descripción del curso

Motivado por Anthony Halstead se interesa en la ejecución de las trompas Barroca y Clásica.

El curso está diseñado para: a) Ejecutantes de la trompa moderna interesados en abordar y profundizar en conocimientos sobre historia y estilo, para su aplicación en la ejecución con el instrumento moderno. b) Ejecutantes de trompa natural que deseen ahondar en sus conocimientos de la trompa Barroca y trompa Clásica. c) Profesores de trompa que deseen dotarse de nuevos recursos para la enseñanza de la trompa desde un punto de vista historicista. El curso constará de clases individuales y grupales. Entre estas últimas habrá clases de trabajo técnico, y ensembles de trompas. Objetivo del curso

1. Mostrar a los participantes la riqueza sonora y estilística que subyace en la música para trompa de diferentes épocas, desde el estilo clarino de la trompa barroca, con sus características ornamentaciones, ornamentaciones, las diferentes sonoridades de la trompa clásica con su amalgama de tonos, y posibilidades de fraseo y articulación, hasta llegar al empleo de la trompa en nuestra era, con especial interés en su aplicación en la música de ci ne. 2. Aportar recursos de tipo práctico y técnico para la correcta aplicación tanto en la interpretación como en el terreno de la enseñanza. 3. Finalmente, hacer una reexión sobre la importancia y necesidad de rescatar los valores artísticos de la interpretación, los cuales convierten al músico en un verdadero artista, y en concentrar los estudios en un lenguaje musical basado en fundamentos y conocimientos sólidos de cara al mundo profesiona profesionall de la música. Los asistentes al curso pueden participar con la trompa cromática.

En 1983 continuó sus estudios musicales en Inglaterra en el Guildhall School of Music and Drama en Londres, donde estudió con los profesores Anthony Halstead y Jeffrey Bryant. Durante sus estudios musicales obtuvo diferentes premios entre los cuales está el “ Philip Jones Prize “.

En 1987 culmina sus estudios musicales y desde entonces disfruta una carrera muy variada en la trompa moderna y las trompas Clásica y Barroca. Ha tocado con varias orquestas incluyendo la Royal Philharmonic, Philharmonia Orchestra, London sinfonietta, sinfonietta, Academy of Ancient Music, The English Concert, Hanover Band, Apollo Brass Quintet, Drottningholm Theater, etc. En la parte académica ha trabajado como profesor en el Guildhall School of Music and Drama. También ha sido invitado a realizar master classes en Europa, Indonesia, Islas Filipinas, América del Norte y Sur América; escribe artículos y críticas para la revista publicada por el British Horn Society. Society.



MÚSICA ANTIGUA

Aplicación de los recursos estilísticos históricos en la interpretación con la trompa Profesor: Raúl Díaz

14 y 15 noviembre Raúl Díaz

Los recursos interpretativos que el mundo profesional de la música exige de las nuevas generaciones de trompistas son cada vez más abundantes. Además de una sólida técnica instrumental, ahora se demandan conocimientos muy precisos de articulación, fraseo y ornamentación, para cada estilo, e incluso en muchos casos, la posibilidad de interpretar la música utilizando instrumentos originales. Esta situación, lejos de ser una sobrecarga formativa, abre un nuevo campo de posibilidades de especialización y enriquecimiento musical que hemos de saber aprovechar. Indagar y descubrir cómo se utilizaban los instrumentos antecesores a nuestras trompas modernas, e incluso las diferentes maneras de ejecución existentes entre los distintos países en Centro Europa hace doscientos años, puede convertirse en un apasionante viaje a través de la Historia de la Música y de nuestro instrumento.

Nació en Venezuela, comenzó sus estudios musicales en el conservatorio de música Vicente Emilio Sojo, y luego pasó a formar parte del movimiento de Orquestas Juveniles, donde fue miembro activo durante varios años. Trabajó profesionalmente profesionalme nte en Caracas con la orquesta Simón Bolívar, Bolívar, y otras agrupaciones musicales.

Descripción del curso

Motivado por Anthony Halstead se interesa en la ejecución de las trompas Barroca y Clásica.

El curso está diseñado para: a) Ejecutantes de la trompa moderna interesados en abordar y profundizar en conocimientos sobre historia y estilo, para su aplicación en la ejecución con el instrumento moderno. b) Ejecutantes de trompa natural que deseen ahondar en sus conocimientos de la trompa Barroca y trompa Clásica. c) Profesores de trompa que deseen dotarse de nuevos recursos para la enseñanza de la trompa desde un punto de vista historicista. El curso constará de clases individuales y grupales. Entre estas últimas habrá clases de trabajo técnico, y ensembles de trompas. Objetivo del curso

1. Mostrar a los participantes la riqueza sonora y estilística que subyace en la música para trompa de diferentes épocas, desde el estilo clarino de la trompa barroca, con sus características ornamentaciones, ornamentaciones, las diferentes sonoridades de la trompa clásica con su amalgama de tonos, y posibilidades de fraseo y articulación, hasta llegar al empleo de la trompa en nuestra era, con especial interés en su aplicación en la música de ci ne. 2. Aportar recursos de tipo práctico y técnico para la correcta aplicación tanto en la interpretación como en el terreno de la enseñanza. 3. Finalmente, hacer una reexión sobre la importancia y necesidad de rescatar los valores artísticos de la interpretación, los cuales convierten al músico en un verdadero artista, y en concentrar los estudios en un lenguaje musical basado en fundamentos y conocimientos sólidos de cara al mundo profesiona profesionall de la música.

En 1983 continuó sus estudios musicales en Inglaterra en el Guildhall School of Music and Drama en Londres, donde estudió con los profesores Anthony Halstead y Jeffrey Bryant. Durante sus estudios musicales obtuvo diferentes premios entre los cuales está el “ Philip Jones Prize “.

En 1987 culmina sus estudios musicales y desde entonces disfruta una carrera muy variada en la trompa moderna y las trompas Clásica y Barroca. Ha tocado con varias orquestas incluyendo la Royal Philharmonic, Philharmonia Orchestra, London sinfonietta, sinfonietta, Academy of Ancient Music, The English Concert, Hanover Band, Apollo Brass Quintet, Drottningholm Theater, etc. En la parte académica ha trabajado como profesor en el Guildhall School of Music and Drama. También ha sido invitado a realizar master classes en Europa, Indonesia, Islas Filipinas, América del Norte y Sur América; escribe artículos y críticas para la revista publicada por el British Horn Society. Society.


Horario: De 9,30 a 13,30 y de 16 a 18 horas. Duración: 12 horas lectivas. Matrícula: 140 e

Los asistentes al curso pueden participar con la trompa cromática.


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MÚSICA ANTIGUA

Pensamiento e interpretación en la música para cuerda del XVIII Profesor: Hiro Kurosaki

27 y 28 febrero Hir Kursaki

La interpretación de la música de la Edad Moderna transmitida por medio de la escritura, ha recorrido diferentes fases a lo largo de su historia. Compositores y teóricos anotaban, en un principio, cómo debía tocarse esta “Nueva Música”. Al hacerlo, se destacaba y explicaba lo especícamente nuevo con respecto a lo acostumbrado. acostumbra do. La interpreta interpretación ción se refería por eso siempre al presente. La música de períodos anteriores se estudiaba, pero apenas se tocaba en conciertos. Por eso, su interpretación carecía de toda importancia. Esto cambió a nales del siglo XVIII y aún más durante el Romanticismo, cuando se empezaron a dar conciertos con música de compositores ya fallecidos. Inicialmente, lo que sucedía es que se adaptaba la música al gusto de la época y a los instrumentos del momento. momento. A nales del siglo XIX , se comenzó de manera sistemática a investigar la música de épocas anteriores y también a hacerla sonar. En este proceso, se descubrieron instrumentos ya olvidados como el clave o la viola da gamba. Para poder tocarlos de forma adecuada, se estudiaron viejos tratados, y se investigaron antiguas anaciones y sistemas de anación, etc. Este desarrollo condujo a la “Interpretación “Interpre tación Histórica” y al movimiento de la “Música Antigua” actual. Tocar la música de otras épocas teniendo en cuenta las investigaciones históricas, es cada vez más una obviedad. Pero quedan muchas preguntas por contestar: ¿por qué sonaba antes la música de manera diferente?, diferente?, ¿qué era distinto en la forma de tocar? Y una pregunta aún más importante: ¿por qué intentamos hoy en día tocar la Música Antigua como se hacía en su tiempo, o más bien, como creemos que podría haber sonado entonces? Para contestar contestar a estas preguntas tenemos que entender de mucho más que de viejos tratados, de instrumentos y sus técnicas de ejecución, y de las particularidades estilísticas de las respectivas épocas. Debemos intentar sumergirnos en el mundo del pensamiento y en la estética de aquellas personas. Al mismo tiempo, deberíamos también investigar, qué es lo que nos conmueve hoy en día, qué es lo que sentimos como bello, y por qué es así. Aquí empieza el verdadero desafío de la interpretación interpretación.. Curso destinado a instrumentistas de cuerda. Los participantes deberán asistir con su instrumento.

Violinista austriaco de origen japonés. Estudió en el conservatorio superior de Viena con Franz Samohyl y ha asistido a las clases magistrales de Nathan Milstein. Al ser premiado en dos importantes concursos, el “Henryk Wieniawski” en Polonia, y el “Fritz Kreisler” de Viena, su carrera como solista cobró un considerable reconocimiento, reconocimiento, siendo llamado para colaborar con orquestas como la Royal Philharmonic, Staatskapelle de Dresde, Sinfónica de Viena, Mozarteum de Salzburgo… Al interesarse por la interpretación con criterios historicistas e instrumentos de época, Kurosaki ha colaborado con algunos de los más destacados intérpretes en este campo: René Clemencic, Sigiswald Kuijken, John Eliot Gardiner y Bruno Weil. Ha participado como concertino y como solista en Les Arts Florissants, el Clemencic Consort, London Baroque, la Cappella Coloniensis y Concerto Köln. Con estos conjuntos ha realizado giras mundiales y ha efectuado grabaciones de discos que han conseguido numerosos premios. Hiro Kurosaki tiene una estrecha relación con William Christie para hacer música de cámara, además de como director de Les Arts Florissants. En el año 2003, grabaron las sonatas completas completas de Haendel, un disco que ha merecido un amplio reconocimiento y realizar realizaron on una importante gira europea. Por otra parte, ha formado durante largo tiempo dúo junto a Linda Nicholson, centrado en el repertorio clásico y romántico. En paralelo a su actividad como intérprete, Kurosaki ha desarrollado una importante carrera pedagógica. Es profesor en Viena, Salzburgo y Madrid, además de dar clases magistrales y ser invitado como asesor en interpretación por el Mozarteum de Salzburg y la orquesta estatal de la Ópera de Múnich. Información del curso

Horario: Sábado de 10 a 13,30 y de 16 a 19 horas. Domingo de 10 a 13,30 y de 16 a 18 horas. Duración: 12 horas lectivas. Matrícula: 140 e Consulte la información general en la página 88

MÚSICA ANTIGUA

Pensamiento e interpretación en la música para cuerda del XVIII Profesor: Hiro Kurosaki

27 y 28 febrero Hir Kursaki

La interpretación de la música de la Edad Moderna transmitida por medio de la escritura, ha recorrido diferentes fases a lo largo de su historia. Compositores y teóricos anotaban, en un principio, cómo debía tocarse esta “Nueva Música”. Al hacerlo, se destacaba y explicaba lo especícamente nuevo con respecto a lo acostumbrado. acostumbra do. La interpreta interpretación ción se refería por eso siempre al presente. La música de períodos anteriores se estudiaba, pero apenas se tocaba en conciertos. Por eso, su interpretación carecía de toda importancia. Esto cambió a nales del siglo XVIII y aún más durante el Romanticismo, cuando se empezaron a dar conciertos con música de compositores ya fallecidos. Inicialmente, lo que sucedía es que se adaptaba la música al gusto de la época y a los instrumentos del momento. momento. A nales del siglo XIX , se comenzó de manera sistemática a investigar la música de épocas anteriores y también a hacerla sonar. En este proceso, se descubrieron instrumentos ya olvidados como el clave o la viola da gamba. Para poder tocarlos de forma adecuada, se estudiaron viejos tratados, y se investigaron antiguas anaciones y sistemas de anación, etc. Este desarrollo condujo a la “Interpretación “Interpre tación Histórica” y al movimiento de la “Música Antigua” actual. Tocar la música de otras épocas teniendo en cuenta las investigaciones históricas, es cada vez más una obviedad. Pero quedan muchas preguntas por contestar: ¿por qué sonaba antes la música de manera diferente?, diferente?, ¿qué era distinto en la forma de tocar? Y una pregunta aún más importante: ¿por qué intentamos hoy en día tocar la Música Antigua como se hacía en su tiempo, o más bien, como creemos que podría haber sonado entonces? Para contestar contestar a estas preguntas tenemos que entender de mucho más que de viejos tratados, de instrumentos y sus técnicas de ejecución, y de las particularidades estilísticas de las respectivas épocas. Debemos intentar sumergirnos en el mundo del pensamiento y en la estética de aquellas personas. Al mismo tiempo, deberíamos también investigar, qué es lo que nos conmueve hoy en día, qué es lo que sentimos como bello, y por qué es así. Aquí empieza el verdadero desafío de la interpretación interpretación.. Curso destinado a instrumentistas de cuerda. Los participantes deberán asistir con su instrumento. [ 30 ]

Violinista austriaco de origen japonés. Estudió en el conservatorio superior de Viena con Franz Samohyl y ha asistido a las clases magistrales de Nathan Milstein. Al ser premiado en dos importantes concursos, el “Henryk Wieniawski” en Polonia, y el “Fritz Kreisler” de Viena, su carrera como solista cobró un considerable reconocimiento, reconocimiento, siendo llamado para colaborar con orquestas como la Royal Philharmonic, Staatskapelle de Dresde, Sinfónica de Viena, Mozarteum de Salzburgo… Al interesarse por la interpretación con criterios historicistas e instrumentos de época, Kurosaki ha colaborado con algunos de los más destacados intérpretes en este campo: René Clemencic, Sigiswald Kuijken, John Eliot Gardiner y Bruno Weil. Ha participado como concertino y como solista en Les Arts Florissants, el Clemencic Consort, London Baroque, la Cappella Coloniensis y Concerto Köln. Con estos conjuntos ha realizado giras mundiales y ha efectuado grabaciones de discos que han conseguido numerosos premios. Hiro Kurosaki tiene una estrecha relación con William Christie para hacer música de cámara, además de como director de Les Arts Florissants. En el año 2003, grabaron las sonatas completas completas de Haendel, un disco que ha merecido un amplio reconocimiento y realizar realizaron on una importante gira europea. Por otra parte, ha formado durante largo tiempo dúo junto a Linda Nicholson, centrado en el repertorio clásico y romántico. En paralelo a su actividad como intérprete, Kurosaki ha desarrollado una importante carrera pedagógica. Es profesor en Viena, Salzburgo y Madrid, además de dar clases magistrales y ser invitado como asesor en interpretación por el Mozarteum de Salzburg y la orquesta estatal de la Ópera de Múnich. Información del curso

Horario: Sábado de 10 a 13,30 y de 16 a 19 horas. Domingo de 10 a 13,30 y de 16 a 18 horas. Duración: 12 horas lectivas. Matrícula: 140 e Consulte la información general en la página 88

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Didáctica Instrumental Albert Nieto Harry Sparnaay Jean-Pierre Dupuy Félix Ayo Elza Kolodin Eduardo Martínez Cristina Molina Sarrió Lluís Claret

Didáctica Instrumental Albert Nieto Harry Sparnaay Jean-Pierre Dupuy Félix Ayo Elza Kolodin Eduardo Martínez Cristina Molina Sarrió Lluís Claret

DIDÁCTICA INSTRUMENTAL

Nueva mirada sobre la digitación

Profesor: Albert Nieto

7 y 8 noviembre Albert Niet

En este curso se presentan nuevos conceptos concernientes a la inuencia de la digitación en la exteriorización de la expresividad del pianista, a las diversas ventajas que supone el empleo del pulgar, a las peculiaridades de la digitación en el repertorio para piano a cuatro manos y en la Iberia de Albéniz, de la que el profesor Albert Nieto acaba de realizar una edición de carácter pedagógico. También se deliberará sobre pasajes complejos de digitar en un abanico de obras, animando a los asistentes a que aporten otros. Contenidos

- Digitación gestual: digitaciones expresivas y digitaciones discursivas - Utilidad del pulgar - Digitación en el piano a cuatro manos - Digitación de las siguientes obras (es conveniente que los asistentes las hayan digitado previamente): Bach (Invención nº2 , Concierto italiano ). Bartók: (Sonatina, II mov. ) Beethoven (Sonata nº7, Sonata nº5-1er mov.). Brahms (Rapsodias op.79). Burgmüller (Estudios op.100). Charles (Murri de Diverti-ments). Chopin (Estudio op.10 nº12 ). Debussy (Suite Bergamasque, Rêverie ). Grieg (Piezas líricas op.54 nº5 y op.57 nº2 ). Jensen (Estudio nº2 ). Mendelssohn (Romanza sin palabras op.30 nº6 , Rondó capriccioso). Mompou (Cancó i dansa nº7 ). Montsalvatge (Vals de El Arca de Noé). Mozart (Sonata en Si b M, K.333). Prokoev (Música para niños op.65). Ravel (Sonatine). Shostakovich (La muñeca mecánica de Seis piezas para niños ). Turina (Danzas fantásticas ) •

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Compagina las facetas de pianista y de pedagogo con la investigación y publicación de libros y artículos. Interesado en divulgar la música actual, es requerido por los festivales y ciclos más importantes, habiendo estrenado más de setenta obras de compositores españoles, muchas de las cuales ha grabado en disco. Cabe destacar los estrenos de Recóndita armonía de Xavier Montsalvatge y Aulaga 1 de Juan Hidalgo. Es fundador del Montsalvatge Piano Quartet y del Trio Gerhard; con esta última formación ha realizado grabaciones discográcas monográcas de Granados, Gerhard y Montsalvat Montsalvatge. ge. Su tarea pedagógica se ha desarrollado, durante dieciséis años, al frente del departamento de piano del Conservatorio Superior de Música Jesús Guridi de Vitoria, del que ha sido también director director,, y actualmente es catedrático interino del Conservatorio Conservatorio Superior “Salvador Seguí” de Castellón y es requerido también para impartir cursos en otros conservatorios y en centros para la formación del profesorado. Es autor de los libros La digitación pianística, Contenidos de la técnica pianística, El pedal de resonancia: el alma del piano y La clase colectiva de piano, y escribe habitualmente artículos para revistas especializadas ( Quodlibet , Música y Educación…). Son de inminente publicación La gestualidad del pianista: el espíritu del directo y una edición digitada y pedalizada de la Iberia de Isaac Albéniz. Ha obtenido el título de Doctor en Música por la Universidad Politécnica de Valencia con la tesis La obra pianística de Francisco Llácer Plá: un piano sugerente.

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- Peculiaridades que plantea la Iberia de Albéniz respecto a su digitación. •

- Digitación de pasajes concretos propuestos por los asistentes. Información del curso

No será necesario disponer de las partituras marcadas con un punto, pues se repartirán los pasajes a digitar en el Aula de Música. •

El profesor Albert Nieto ofrecerá un concierto el día 7 de Nviembre a las 19 h. en el Aula de Música.

Horario: Sábado de 9,30 a 13,30 y de 15,30 a 17 horas. Domingo de 9,30 a 13,30 y de 15,30 a 18 horas. Duración: 12 horas lectivas. Matrícula: 140 e Consulte la información general en la página 88


Nueva mirada sobre la digitación

Profesor: Albert Nieto

7 y 8 noviembre Albert Niet

En este curso se presentan nuevos conceptos concernientes a la inuencia de la digitación en la exteriorización de la expresividad del pianista, a las diversas ventajas que supone el empleo del pulgar, a las peculiaridades de la digitación en el repertorio para piano a cuatro manos y en la Iberia de Albéniz, de la que el profesor Albert Nieto acaba de realizar una edición de carácter pedagógico. También se deliberará sobre pasajes complejos de digitar en un abanico de obras, animando a los asistentes a que aporten otros. Contenidos

- Digitación gestual: digitaciones expresivas y digitaciones discursivas - Utilidad del pulgar - Digitación en el piano a cuatro manos - Digitación de las siguientes obras (es conveniente que los asistentes las hayan digitado previamente): Bach (Invención nº2 , Concierto italiano ). Bartók: (Sonatina, II mov. ) Beethoven (Sonata nº7, Sonata nº5-1er mov.). Brahms (Rapsodias op.79). Burgmüller (Estudios op.100). Charles (Murri de Diverti-ments). Chopin (Estudio op.10 nº12 ). Debussy (Suite Bergamasque, Rêverie ). Grieg (Piezas líricas op.54 nº5 y op.57 nº2 ). Jensen (Estudio nº2 ). Mendelssohn (Romanza sin palabras op.30 nº6 , Rondó capriccioso). Mompou (Cancó i dansa nº7 ). Montsalvatge (Vals de El Arca de Noé). Mozart (Sonata en Si b M, K.333). Prokoev (Música para niños op.65). Ravel (Sonatine). Shostakovich (La muñeca mecánica de Seis piezas para niños ). Turina (Danzas fantásticas ) •

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Compagina las facetas de pianista y de pedagogo con la investigación y publicación de libros y artículos. Interesado en divulgar la música actual, es requerido por los festivales y ciclos más importantes, habiendo estrenado más de setenta obras de compositores españoles, muchas de las cuales ha grabado en disco. Cabe destacar los estrenos de Recóndita armonía de Xavier Montsalvatge y Aulaga 1 de Juan Hidalgo. Es fundador del Montsalvatge Piano Quartet y del Trio Gerhard; con esta última formación ha realizado grabaciones discográcas monográcas de Granados, Gerhard y Montsalvat Montsalvatge. ge. Su tarea pedagógica se ha desarrollado, durante dieciséis años, al frente del departamento de piano del Conservatorio Superior de Música Jesús Guridi de Vitoria, del que ha sido también director director,, y actualmente es catedrático interino del Conservatorio Conservatorio Superior “Salvador Seguí” de Castellón y es requerido también para impartir cursos en otros conservatorios y en centros para la formación del profesorado. Es autor de los libros La digitación pianística, Contenidos de la técnica pianística, El pedal de resonancia: el alma del piano y La clase colectiva de piano, y escribe habitualmente artículos para revistas especializadas ( Quodlibet , Música y Educación…). Son de inminente publicación La gestualidad del pianista: el espíritu del directo y una edición digitada y pedalizada de la Iberia de Isaac Albéniz. Ha obtenido el título de Doctor en Música por la Universidad Politécnica de Valencia con la tesis La obra pianística de Francisco Llácer Plá: un piano sugerente.

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- Peculiaridades que plantea la Iberia de Albéniz respecto a su digitación. •

- Digitación de pasajes concretos propuestos por los asistentes. Información del curso

Horario: Sábado de 9,30 a 13,30 y de 15,30 a 17 horas. Domingo de 9,30 a 13,30 y de 15,30 a 18 horas. Duración: 12 horas lectivas. Matrícula: 140 e

No será necesario disponer de las partituras marcadas con un punto, pues se repartirán los pasajes a digitar en el Aula de Música. •

El profesor Albert Nieto ofrecerá un concierto el día 7 de Nviembre a las 19 h. en el Aula de Música.


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El clarinete bajo en la música contemporánea, y su repertorio en la orquesta y como solista Profesor: Harry Sparnaay

21 y 22 noviembre Harry Sparnaay

- Se explicará el uso de las posibilidades sonoras y los recursos necesarios para su desarrollo y ejecución. - El Clarinete Bajo en la orquesta sinfónica. Explicación y tratado de las principales partes y solos de orquesta sinfónica a partir del año 1900 hasta la actualidad. - El Clarinete Bajo como solista frente a la orquesta. Tratado y desarrollo de los principales conciertos del siglo XX y XXI para el Clarinete Bajo.

Estudió en el Conservatorio de Amsterdam. Tras la carrera se especializó en clarinete bajo y ganó el primer premio del Concurso Gaudeamus, siendo la primera vez en que un cl. bajo lo recibe. Ha tocado en todos los festivales importantes del mundo. Ha sido solista con orquestas como: BBC Symphony Orquesta, Berlin Radio Symphony Orquesta, Concertgebouw Orquesta, el Ensemble Intercontemporain, Melbourne Symphony, Radio Philharmonic Orquesta, Residentie Orquesta, Rotterdam Philharmonic, Schönberg Ensemble, y bajo la batuta de Luciano Berio, Riccardo Chally, Peter Eötvös, Reinbert de Leeuw y Diego Masson. Ha dado conciertos y ha grabado para las radios de todo el mundo, y también programas para las televisiones de Holanda, Bélgica, Polonia y Yugoslavia. Más de 600 composiciones han sido escritas para él por autores como Claudio Ambrosini, Luciano Berio, Franco Donatoni, Morton Feldman, Brian Ferneyhough, Jonathan Harvey, Helmut Lachenmann, Ton de Leeuw, Theo Loevendie, Roderik de Man, Nino Díaz, Andrés Lewin-Richter, Gérard Grisey, Iannis Xenakis, Isang Yun entre otros. Tocó la primera audición de In Freundschaft de Karlheinz Stockhausen (versión para cl. bajo) y fue solista en diferentes óperas como Naima de Theo Loevendie, Prometeo de Luigi Nono o Kopernikus de Claude Vivier. Ha grabado más de 60 Cd’s, uno de ellos es premio Edison. Como director de conjunto de cámara, trabaja con el Ensemble para la Nueva Música, dirigiendo obras de Schönberg, Boulez, Carter, Messiaen, Theo Loevendie, Donatoni, Joe Cutler, Hosokawa, Xenakis. Ha ganado numerosos premios y distinciones como ser nombrado “Caballero de la Orden del León de Holanda”. Es invitado como jurado de concursos y para dar clases magistrales en universidades y conservatorios conservatorios de todo el mundo. Es profesor de cl. bajo en la ESMUC.

Los instrumentistas deben asistir con su instrumento. El curso está abierto a compositores interesados en la escritura para clarinete bajo. Curso en español. El profesor Harry Sparnaay ofrecerá un concierto el día 21 de noviembre a las 19 h. en el Aula de Música.

Para obtener más información pueden visitar su página web: http://www.harrysparnaay.info/ Información del curso



El clarinete bajo en la música contemporánea, y su repertorio en la orquesta y como solista Profesor: Harry Sparnaay

21 y 22 noviembre Harry Sparnaay

- Se explicará el uso de las posibilidades sonoras y los recursos necesarios para su desarrollo y ejecución. - El Clarinete Bajo en la orquesta sinfónica. Explicación y tratado de las principales partes y solos de orquesta sinfónica a partir del año 1900 hasta la actualidad. - El Clarinete Bajo como solista frente a la orquesta. Tratado y desarrollo de los principales conciertos del siglo XX y XXI para el Clarinete Bajo.

Estudió en el Conservatorio de Amsterdam. Tras la carrera se especializó en clarinete bajo y ganó el primer premio del Concurso Gaudeamus, siendo la primera vez en que un cl. bajo lo recibe. Ha tocado en todos los festivales importantes del mundo. Ha sido solista con orquestas como: BBC Symphony Orquesta, Berlin Radio Symphony Orquesta, Concertgebouw Orquesta, el Ensemble Intercontemporain, Melbourne Symphony, Radio Philharmonic Orquesta, Residentie Orquesta, Rotterdam Philharmonic, Schönberg Ensemble, y bajo la batuta de Luciano Berio, Riccardo Chally, Peter Eötvös, Reinbert de Leeuw y Diego Masson. Ha dado conciertos y ha grabado para las radios de todo el mundo, y también programas para las televisiones de Holanda, Bélgica, Polonia y Yugoslavia. Más de 600 composiciones han sido escritas para él por autores como Claudio Ambrosini, Luciano Berio, Franco Donatoni, Morton Feldman, Brian Ferneyhough, Jonathan Harvey, Helmut Lachenmann, Ton de Leeuw, Theo Loevendie, Roderik de Man, Nino Díaz, Andrés Lewin-Richter, Gérard Grisey, Iannis Xenakis, Isang Yun entre otros. Tocó la primera audición de In Freundschaft de Karlheinz Stockhausen (versión para cl. bajo) y fue solista en diferentes óperas como Naima de Theo Loevendie, Prometeo de Luigi Nono o Kopernikus de Claude Vivier. Ha grabado más de 60 Cd’s, uno de ellos es premio Edison. Como director de conjunto de cámara, trabaja con el Ensemble para la Nueva Música, dirigiendo obras de Schönberg, Boulez, Carter, Messiaen, Theo Loevendie, Donatoni, Joe Cutler, Hosokawa, Xenakis. Ha ganado numerosos premios y distinciones como ser nombrado “Caballero de la Orden del León de Holanda”. Es invitado como jurado de concursos y para dar clases magistrales en universidades y conservatorios conservatorios de todo el mundo. Es profesor de cl. bajo en la ESMUC.

Los instrumentistas deben asistir con su instrumento.

Para obtener más información pueden visitar su página web: http://www.harrysparnaay.info/ Información del curso

El curso está abierto a compositores interesados en la escritura para clarinete bajo.


Curso en español. El profesor Harry Sparnaay ofrecerá un concierto el día 21 de noviembre a las 19 h. en el Aula de Música.


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Aspectos pedagógicos y técnica pianística contemporánea Profesor: Jean-Pierre Dupuy

28 y 29 noviembre Jean-Pierre Dupuy

Evolución de la técnica pianística, a lo largo de la historia, y de la aportación de la música contemporánea

Tras realizar estudios musicales en París, donde fue alumno principalmente de Magda Tagliaferro, Tagliaferro, Jean-Pierre Dupuy siguió la carrera de pianista y director de orquesta, dedicándose de lleno a la música de los siglos XX y XXI.

“Aspectos pedagógicos y técnica pianística contemporánea” contemporánea” es una propuesta, siempre desde el punto de vista de la pedagogía, que pretende dar a conocer la música contemporánea contemporánea a través de la “Evolución de la técnica pianística a lo largo de la historia y de la aportación de la música contemporánea”. contemporánea”.

La concepción de sus recitales resulta, en muchas ocasiones, muy distinta a la de los conciertos tradicionales de piano, y en ellos ofrece una programación que obedece al entorno, siempre en transformación, de la creación contemporánea.

Se dirige a estudiantes estudiantes,, pedagogos y profesore profesores, s, de cualquier nivel instrumental, que pretendan pretendan adquirir conocimientos, o profundizar profundizar en ellos, según su nivel técnico e inquietudes. El estímulo de la creatividad es un objetivo central también, en nuestro recorrido propuesto, porque es imprescindible para encarar una formación sólida de quienes deseen iniciarse, y después perfeccionarse, en el mundo del arte, especialmente la música que es el lenguaje más universal y directo. Basándose en ejemplos prácticos y en la estimulación de la creatividad, analizaremos abiertamente cuestiones como las siguientes. 1) Denición de la técnica pianística. 2) ¿Por qué evoluciona la técnica pianística? 3) La música contemporánea. 4) Derrumbamiento de la tonalidad, replanteamiento del “pianismo tradicional”. 5) Algunos hitos técnicos en el contexto atonal. atonal. Desplazamientos y velocidad. 6) Acordes y “clusters”. 7) Ampliación del uso de los pedales. 8) Exploración de nuevas tímbricas pianísticas alternativas al teclado. Preparación de las cuerdas. 9) Fusión del piano con elementos electrónicos. 10) Conclusiones. Curso en español. El profesor Jean-Pierre Dupuy ofrecerá un concierto el día 28 de noviembre a las 19 h. en el Aula de Música.

Su originalidad y capacidad de inventiva lo sitúan a la vanguardia de las iniciativas que se realizan en este ámbito y hacen de él uno de los intérpretes intérpretes de piano más importantes e imprescindibles de la actualidad. Fundador y director del conjunto Solars Vortices, en colaboración con el Ministerio de Cultura francés, Jean-Pierre Dupuy ha promovido y estrenado un gran número de obras, entre las que destacan las de los compositores Tomás Marco, Luis de Pablo, John Cage, Giacinto Scelsi, Francisco Guerrero, Josep Maria Mestres Quadreny, Joan Guinjoan, Henry Cowell, Bruno Moderna, Karlheinz Stockhausen, etc. Gran difusor cultural, Jean-Pierre Dupuy ha dado a conocer una innidad de obras de compositores españoles en el mundo entero gracias a su doble condición de solista y director director.. Desde el mes de enero de 2008 funda el trío “Phonos” junto con Harry Sparnaay, clarinete bajo, y Peter Bacchus, auta. Además, complementa su carrera con una importante actividad pedagógica en forma de cursos, talleres de i nterpret nterpretación ación y clases magistrales. Es director de estudios en el Máster de Interpretación del TPIM de «Musica Studio» y gura como profesor invitado en varias universidades de Estados Unidos. Es director artístico de las ediciones musicales Musica Studio Éditions y tiene en su haber una amplia discografía que siempre ha sido acogida con entusiasmo por la prensa internacional. Información del curso



Aspectos pedagógicos y técnica pianística contemporánea Profesor: Jean-Pierre Dupuy

28 y 29 noviembre Jean-Pierre Dupuy

Evolución de la técnica pianística, a lo largo de la historia, y de la aportación de la música contemporánea

Tras realizar estudios musicales en París, donde fue alumno principalmente de Magda Tagliaferro, Tagliaferro, Jean-Pierre Dupuy siguió la carrera de pianista y director de orquesta, dedicándose de lleno a la música de los siglos XX y XXI.

“Aspectos pedagógicos y técnica pianística contemporánea” contemporánea” es una propuesta, siempre desde el punto de vista de la pedagogía, que pretende dar a conocer la música contemporánea contemporánea a través de la “Evolución de la técnica pianística a lo largo de la historia y de la aportación de la música contemporánea”. contemporánea”.

La concepción de sus recitales resulta, en muchas ocasiones, muy distinta a la de los conciertos tradicionales de piano, y en ellos ofrece una programación que obedece al entorno, siempre en transformación, de la creación contemporánea.

Se dirige a estudiantes estudiantes,, pedagogos y profesore profesores, s, de cualquier nivel instrumental, que pretendan pretendan adquirir conocimientos, o profundizar profundizar en ellos, según su nivel técnico e inquietudes. El estímulo de la creatividad es un objetivo central también, en nuestro recorrido propuesto, porque es imprescindible para encarar una formación sólida de quienes deseen iniciarse, y después perfeccionarse, en el mundo del arte, especialmente la música que es el lenguaje más universal y directo. Basándose en ejemplos prácticos y en la estimulación de la creatividad, analizaremos abiertamente cuestiones como las siguientes. 1) Denición de la técnica pianística. 2) ¿Por qué evoluciona la técnica pianística? 3) La música contemporánea. 4) Derrumbamiento de la tonalidad, replanteamiento del “pianismo tradicional”. 5) Algunos hitos técnicos en el contexto atonal. atonal. Desplazamientos y velocidad. 6) Acordes y “clusters”. 7) Ampliación del uso de los pedales. 8) Exploración de nuevas tímbricas pianísticas alternativas al teclado. Preparación de las cuerdas. 9) Fusión del piano con elementos electrónicos. 10) Conclusiones.

Su originalidad y capacidad de inventiva lo sitúan a la vanguardia de las iniciativas que se realizan en este ámbito y hacen de él uno de los intérpretes intérpretes de piano más importantes e imprescindibles de la actualidad. Fundador y director del conjunto Solars Vortices, en colaboración con el Ministerio de Cultura francés, Jean-Pierre Dupuy ha promovido y estrenado un gran número de obras, entre las que destacan las de los compositores Tomás Marco, Luis de Pablo, John Cage, Giacinto Scelsi, Francisco Guerrero, Josep Maria Mestres Quadreny, Joan Guinjoan, Henry Cowell, Bruno Moderna, Karlheinz Stockhausen, etc. Gran difusor cultural, Jean-Pierre Dupuy ha dado a conocer una innidad de obras de compositores españoles en el mundo entero gracias a su doble condición de solista y director director.. Desde el mes de enero de 2008 funda el trío “Phonos” junto con Harry Sparnaay, clarinete bajo, y Peter Bacchus, auta. Además, complementa su carrera con una importante actividad pedagógica en forma de cursos, talleres de i nterpret nterpretación ación y clases magistrales. Es director de estudios en el Máster de Interpretación del TPIM de «Musica Studio» y gura como profesor invitado en varias universidades de Estados Unidos. Es director artístico de las ediciones musicales Musica Studio Éditions y tiene en su haber una amplia discografía que siempre ha sido acogida con entusiasmo por la prensa internacional. Información del curso


Curso en español. El profesor Jean-Pierre Dupuy ofrecerá un concierto el día 28 de noviembre a las 19 h. en el Aula de Música.


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El violín y el arco al servicio de la música Profesor: Félix Ayo

12 y 13 diciembre Félix Ay

Descripción

En este curso trataré de explicar detalladamente todo lo que sirve a un violinista para llegar a ser un buen intérprete de los grandes compositores. Hablaré de la necesidad de lograr el desarrollo simultáneo de la técnica instrumental y de la interpretación musical; de la importancia de conocer y respetar el estilo y la época de cada compositor. Y sobre todo de cómo la técnica del violín y del arco tiene que estar siempre al servicio de la música. Contenido

1) Métodos de técnica 2) Producción del sonido 3) Posición correcta de las manos y del cuerpo 4) Anación perfecta 5) Relajación 6) La aplicación técnica a la idea musical 7) Cómo usar el arco tocando las obras de Bach y Mozart 8) Cómo se estudian las obras

Conocido internacionalmente como solista y por su discografía. Se diplomó a los 14 años y consiguió el Primer Premio Extraordinario en violín y música de cámara. Perfeccionó sus estudios en París, Siena y Roma. Ha sido, a los 18 años, uno de los fundadores de “I Musici” del que fue primer violín solista durante 16 años. En 1970 formó el “Quartetto Beethoven di Roma” considerado uno de los mejores cuartetos con piano. Desde el 1981 toca en dúo con la pianista Emma Jiménez. Ha actuado en los teatros más famosos del mundo (Carnegie Hall, Berliner Philharmoniker, La Scala, Teatro Colón, Musikverein, Teatro Real, Salle Pleyel, Sydney Opera House, Konzertgebouw, Suntory Hall…). Sus grabaciones (Philips, Columbia, EMI, Dynamic) han obtenido numerosos premios: “Grand Prix du Disque” por su célebre versión de las Cuatro Estaciones de Vivaldi, en tres ocasiones el “Preis der Schallplattenkritik”, en dos el “Edison”, el “Mar del Plata” y el de la “Crítica Discográca Italiana” por los cuartetos con piano de Beethoven. Su grabación de las Sonatas y Partitas de Bach ha sido aclamada por la crítica mundial. Reconocido como gran profesor, ha sido, durante 15 años, docente en los cursos de perfeccionamiento de la “Accademia Nazionale di Santa Cecilia”, y actualmente es Profesor en Musikene. Imparte clases magistrales en Canadá, AustraAustralia, USA, Japón, Alemania, Italia, España, Dinamarca, etc. y es invitado a formar parte de los jurados de prestigiosos concursos: Paganini, Sarasate, Sarasate, Lipizer… Ha sido nombrado “Accademico di Santa Cecilia” y “Profesor Emérito” por el Estado Italiano, “Ilustre “Ilustre de Vizcaya” por la Diputación Foral y ha recibido el “Premio Roma” y el “Premio San Michele” por una vida dedicada a la música. Para obtener más información pueden visitar su página web: http://www.felixayo.it/a http://www .felixayo.it/ayo_spanish/home yo_spanish/homepage.html page.html Información del curso



El violín y el arco al servicio de la música Profesor: Félix Ayo

12 y 13 diciembre Félix Ay

Descripción

En este curso trataré de explicar detalladamente todo lo que sirve a un violinista para llegar a ser un buen intérprete de los grandes compositores. Hablaré de la necesidad de lograr el desarrollo simultáneo de la técnica instrumental y de la interpretación musical; de la importancia de conocer y respetar el estilo y la época de cada compositor. Y sobre todo de cómo la técnica del violín y del arco tiene que estar siempre al servicio de la música. Contenido

1) Métodos de técnica 2) Producción del sonido 3) Posición correcta de las manos y del cuerpo 4) Anación perfecta 5) Relajación 6) La aplicación técnica a la idea musical 7) Cómo usar el arco tocando las obras de Bach y Mozart 8) Cómo se estudian las obras

Conocido internacionalmente como solista y por su discografía. Se diplomó a los 14 años y consiguió el Primer Premio Extraordinario en violín y música de cámara. Perfeccionó sus estudios en París, Siena y Roma. Ha sido, a los 18 años, uno de los fundadores de “I Musici” del que fue primer violín solista durante 16 años. En 1970 formó el “Quartetto Beethoven di Roma” considerado uno de los mejores cuartetos con piano. Desde el 1981 toca en dúo con la pianista Emma Jiménez. Ha actuado en los teatros más famosos del mundo (Carnegie Hall, Berliner Philharmoniker, La Scala, Teatro Colón, Musikverein, Teatro Real, Salle Pleyel, Sydney Opera House, Konzertgebouw, Suntory Hall…). Sus grabaciones (Philips, Columbia, EMI, Dynamic) han obtenido numerosos premios: “Grand Prix du Disque” por su célebre versión de las Cuatro Estaciones de Vivaldi, en tres ocasiones el “Preis der Schallplattenkritik”, en dos el “Edison”, el “Mar del Plata” y el de la “Crítica Discográca Italiana” por los cuartetos con piano de Beethoven. Su grabación de las Sonatas y Partitas de Bach ha sido aclamada por la crítica mundial. Reconocido como gran profesor, ha sido, durante 15 años, docente en los cursos de perfeccionamiento de la “Accademia Nazionale di Santa Cecilia”, y actualmente es Profesor en Musikene. Imparte clases magistrales en Canadá, AustraAustralia, USA, Japón, Alemania, Italia, España, Dinamarca, etc. y es invitado a formar parte de los jurados de prestigiosos concursos: Paganini, Sarasate, Sarasate, Lipizer… Ha sido nombrado “Accademico di Santa Cecilia” y “Profesor Emérito” por el Estado Italiano, “Ilustre “Ilustre de Vizcaya” por la Diputación Foral y ha recibido el “Premio Roma” y el “Premio San Michele” por una vida dedicada a la música. Para obtener más información pueden visitar su página web: http://www.felixayo.it/a http://www .felixayo.it/ayo_spanish/home yo_spanish/homepage.html page.html Información del curso


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El repertorio de Chopin en la Enseñanza Profesional Profesora: Elza Kolodin

23 y 24 enero Elza Kldin

En este seminario se abordará la elección del repertorio adecuado para los alumnos teniendo en cuenta el estilo, el carácter y naturalmente las cuestiones técnicas. Se pretende tratar la manera de construir un repertorio con obras de Chopin desde prácticamente el inicio de los estudios pianísticos. De este modo se estudiarán las virtudes pedagógicas de piezas como las piezas menores, Nocturnos, Valses, Polonesas, Impromptus, los tres Estudios póstumos, Scherzos, Baladas, etc. Se le prestará una especial atención al carácter, el estilo y la expresión de los ritmos de danza polacos, frecuentemente frecuentemente mal comprendidos. Con este repertorio se estudiarán algunos problemas de índole técnica, relacionados con la posición del cuerpo del pianista, la soltura y la fuerza. Se trabaja la forma de evitar las tensiones negativas, cómo favorecer la articulación más exible, el trabajo del legato y del cantábile en el piano así como el desarrollo de la fantasía y la sonoridad. Los alumnos tendrán ocasión de plantear las preguntas que deseen sobre la literatura de Chopin, así como abordar los problemas prácticos que las dicultades técnicas suscitan. En este sentido se recomienda a los asistentes que se preparen para la interpretación interpretación de algunas piezas y así hacer el seminario todo lo práctico posible.

Los años de estudio de Elza Kolodin se han visto impregnados por la tradición emocional de la escuela pianística de la Europa del este, cuyos principales representantes fueron Federico Chopin, Ignaz Paderewsky y Arturo Rubinstein. La prensa internacional ha alabado su forma de tocar con un “brillante virtuosismo“ que se caracteriza por una ósmosis particular entre una “electrizante energía” y una “poética llena de introspección”. Kolodin comenzó sus estudios en la Escuela Especial de Música de Cracovia en la clase de Zoa Zagajewska prosiguiéndolos gracias a una beca de la “Sociedad Chopin” en la Academia de Música de Varsovia con Ryszard Bakst y Zbigniew Drzewiecki. Tras emigrar, la ayuda de la Fundación Albert Roussel le permitió estudiar en la École Normale de Musique de París, en la clase de Thierry de Brunhoff, quien fuera alumno de Alfred Cortot. Consiguó la “Licencia de concierto“ por unanimidad del jurado. Tras ello se ha distinguido en num erosos concursos internacionales como el Busoni y el Casagrande en Italia, el Schumann de Zwickau, el María Canals en Barcelona, el José Iturbi de Valencia, el Reina Sofía de Madrid y el Premio Jaén en el que también obtuvo el premio a la mejor interpretación de música española. Kolodin ha tenido un especial interés por el repertorio español, que trabajó con Rosa Sabater, con quien trabó amistad en Freiburg. Su carrera de concertista le ha llevado a tocar en las principales capitales europeas así como en Japón y los EE.UU. Sus registros de obras de Chopin han sido publicados por los sellos EMI y Ars Musici. Kolodin es profesora de piano desde hace 30 años en la Musikhochshule de Freiburg en Alemania. Ha dado innumerables clases magistrales en Europa, Israel y Japón. En el marco de la EPTA ha formado pedagógicamente a muchos profesores. Por otra parte es invitada a formar parte de jurados internacionales internacionales en concursos pianísticos, concretamente concretamente en España en los concursos Jaén e Iturbi. Para obtener más información pueden visitar su página web: http://www.elzakolodin.de/ Información del curso

Curso en alemán. Traducción al español de Sophia Hase. La profesora Elza Kolodin ofrecerá un concierto el día 23 de enero a las 19 h. en el Aula de Música.



El repertorio de Chopin en la Enseñanza Profesional Profesora: Elza Kolodin

23 y 24 enero Elza Kldin

En este seminario se abordará la elección del repertorio adecuado para los alumnos teniendo en cuenta el estilo, el carácter y naturalmente las cuestiones técnicas. Se pretende tratar la manera de construir un repertorio con obras de Chopin desde prácticamente el inicio de los estudios pianísticos. De este modo se estudiarán las virtudes pedagógicas de piezas como las piezas menores, Nocturnos, Valses, Polonesas, Impromptus, los tres Estudios póstumos, Scherzos, Baladas, etc. Se le prestará una especial atención al carácter, el estilo y la expresión de los ritmos de danza polacos, frecuentemente frecuentemente mal comprendidos. Con este repertorio se estudiarán algunos problemas de índole técnica, relacionados con la posición del cuerpo del pianista, la soltura y la fuerza. Se trabaja la forma de evitar las tensiones negativas, cómo favorecer la articulación más exible, el trabajo del legato y del cantábile en el piano así como el desarrollo de la fantasía y la sonoridad. Los alumnos tendrán ocasión de plantear las preguntas que deseen sobre la literatura de Chopin, así como abordar los problemas prácticos que las dicultades técnicas suscitan. En este sentido se recomienda a los asistentes que se preparen para la interpretación interpretación de algunas piezas y así hacer el seminario todo lo práctico posible.

Los años de estudio de Elza Kolodin se han visto impregnados por la tradición emocional de la escuela pianística de la Europa del este, cuyos principales representantes fueron Federico Chopin, Ignaz Paderewsky y Arturo Rubinstein. La prensa internacional ha alabado su forma de tocar con un “brillante virtuosismo“ que se caracteriza por una ósmosis particular entre una “electrizante energía” y una “poética llena de introspección”. Kolodin comenzó sus estudios en la Escuela Especial de Música de Cracovia en la clase de Zoa Zagajewska prosiguiéndolos gracias a una beca de la “Sociedad Chopin” en la Academia de Música de Varsovia con Ryszard Bakst y Zbigniew Drzewiecki. Tras emigrar, la ayuda de la Fundación Albert Roussel le permitió estudiar en la École Normale de Musique de París, en la clase de Thierry de Brunhoff, quien fuera alumno de Alfred Cortot. Consiguó la “Licencia de concierto“ por unanimidad del jurado. Tras ello se ha distinguido en num erosos concursos internacionales como el Busoni y el Casagrande en Italia, el Schumann de Zwickau, el María Canals en Barcelona, el José Iturbi de Valencia, el Reina Sofía de Madrid y el Premio Jaén en el que también obtuvo el premio a la mejor interpretación de música española. Kolodin ha tenido un especial interés por el repertorio español, que trabajó con Rosa Sabater, con quien trabó amistad en Freiburg. Su carrera de concertista le ha llevado a tocar en las principales capitales europeas así como en Japón y los EE.UU. Sus registros de obras de Chopin han sido publicados por los sellos EMI y Ars Musici. Kolodin es profesora de piano desde hace 30 años en la Musikhochshule de Freiburg en Alemania. Ha dado innumerables clases magistrales en Europa, Israel y Japón. En el marco de la EPTA ha formado pedagógicamente a muchos profesores. Por otra parte es invitada a formar parte de jurados internacionales internacionales en concursos pianísticos, concretamente concretamente en España en los concursos Jaén e Iturbi. Para obtener más información pueden visitar su página web: http://www.elzakolodin.de/ Información del curso


Curso en alemán. Traducción al español de Sophia Hase. La profesora Elza Kolodin ofrecerá un concierto el día 23 de enero a las 19 h. en el Aula de Música.


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El oboe contemporáneo. Iniciación, práctica y repertorio Profesor: Eduardo Martínez

10 y 11 abril Eduard Martínez

Curso destinado a oboístas profesionales y estudi antes de grado superior. También podrán participar como oyentes compositores y estudiantes de composición. Se explicará el funcionamiento funcionamiento y proceso de estudio de los efectos sonoros básicos del oboe contemporáneo: frulatto frulatto,, glissandos, multifónicos, microintermicrointervalos (cuartos de tono), rollenderton, armónicos y dobles armónicos, respiración circular, doble staccato, sonidos sin caña, sonidos aspirados, sonidos simultáneos con la voz, dobles trinos, trinos con armónicos, trinos microinterválicos. Se practicarán en las clases colectivas, a manera de ejercicios, todos los efectos anteriormente anteriormen te mencionados. El repertorio a trabajar será el siguiente. Los alumnos que deseen participar de forma activa prepararán alguna obra o parte de obras de este repertorio: - Isang Yun ……………….…... Piri - Luciano Berio …………...... ………….......... Sequenza VII - Edison Denisow .................. .................. Solo - Heiz Holliger ....................... ....................... Estudio sobre acordes - Erns Krenek ......................... Vier Stücke - Witold L utoslawsk utoslawskyy ……..... Epitaph Se tomará como obra referencial para trabajar gran parte de los efectos la Sequenza VII de L. Berio.

Nace en Godella (Valencia) en 1964. Formado como oboísta en el Conservat Conservatorio orio de Valencia y en diferentes escuelas europeas europeas con Thomas Indermühle y Heinz Holliger. Desarrolla una intensa actividad orquestal con diversas formaciones, “Orquesta Ciudad de Valladolid”, JONDE, “European Community Chamber Orchestra”, “Orquesta “Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias” y desde 1991 es oboe solista de la “Orquesta Ciudad de Granada”. También ha sido miembro residente del grupo de música de vanguardia, “Klangforum Wien”, con el que ha interpretado obras para oboe solista como Bidan-Sil de Y. Pagh-Paan Pagh-Paan o Sequenza VII de L . Berio. Ha participado con la “World Orchestra Orchestra for Peace” en 2003. Además de su labor en orquestas, ha sido y es miembro de numerosos grupos de cámara, abarcando un amplio repertorio camerístico y solista, desde el barroco a la vanguardia, actuando en escenarios como “Darmstädter Ferienkurse Ferienkurse für Neue Musik”, “Festival de Granada”, “Festival de Segovia”, “Festival der Avantgarde Essen”, “Auditorio Manuel de Falla de Granada”, etc. Invitado por la Asociación Francesa de Oboístas, actuó en el X Congreso de oboístas celebrado en Bayonne (Francia). En 2007 participó, invitado por la Embajada Española, en el ciclo de música, Miradas, en la ciudad de Bogotá, interpretando el Concierto de R. Strauss con la Orquesta Nacional de Colombia. Con el sello discográco VERSO ha grabado junto al pianista Riccardo Cecchetti un CD con sonatas de W. A. Mozart y otro dedicado a la música del romanticismo. También ha grabado con el Ensemble M atisse para ARSIS. Su gran dedicación pedagógica lo ha llevado a impartir cursos y masterclases en diferentes lugares. Desde 1997 es invitado regularmente a impartir los “Cursos de Especialización Musical de la Universidad de Alcalá de Henares”. Actualmente y desde 2001 es profesor de oboe en la ESMUC, y también lo ha sido en el “Conservatori del Liceu de B arcelona arcelona”. ”.


Horario: De 9,30 a 13,30 y de 16 a 18 horas Duración: 12 horas lectivas. Matrícula: 140 e Consulte la información general en la página 88


El oboe contemporáneo. Iniciación, práctica y repertorio Profesor: Eduardo Martínez

10 y 11 abril Eduard Martínez

Curso destinado a oboístas profesionales y estudi antes de grado superior. También podrán participar como oyentes compositores y estudiantes de composición. Se explicará el funcionamiento funcionamiento y proceso de estudio de los efectos sonoros básicos del oboe contemporáneo: frulatto frulatto,, glissandos, multifónicos, microintermicrointervalos (cuartos de tono), rollenderton, armónicos y dobles armónicos, respiración circular, doble staccato, sonidos sin caña, sonidos aspirados, sonidos simultáneos con la voz, dobles trinos, trinos con armónicos, trinos microinterválicos. Se practicarán en las clases colectivas, a manera de ejercicios, todos los efectos anteriormente anteriormen te mencionados. El repertorio a trabajar será el siguiente. Los alumnos que deseen participar de forma activa prepararán alguna obra o parte de obras de este repertorio: - Isang Yun ……………….…... Piri - Luciano Berio …………...... ………….......... Sequenza VII - Edison Denisow .................. .................. Solo - Heiz Holliger ....................... ....................... Estudio sobre acordes - Erns Krenek ......................... Vier Stücke - Witold L utoslawsk utoslawskyy ……..... Epitaph Se tomará como obra referencial para trabajar gran parte de los efectos la Sequenza VII de L. Berio.

Nace en Godella (Valencia) en 1964. Formado como oboísta en el Conservat Conservatorio orio de Valencia y en diferentes escuelas europeas europeas con Thomas Indermühle y Heinz Holliger. Desarrolla una intensa actividad orquestal con diversas formaciones, “Orquesta Ciudad de Valladolid”, JONDE, “European Community Chamber Orchestra”, “Orquesta “Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias” y desde 1991 es oboe solista de la “Orquesta Ciudad de Granada”. También ha sido miembro residente del grupo de música de vanguardia, “Klangforum Wien”, con el que ha interpretado obras para oboe solista como Bidan-Sil de Y. Pagh-Paan Pagh-Paan o Sequenza VII de L . Berio. Ha participado con la “World Orchestra Orchestra for Peace” en 2003. Además de su labor en orquestas, ha sido y es miembro de numerosos grupos de cámara, abarcando un amplio repertorio camerístico y solista, desde el barroco a la vanguardia, actuando en escenarios como “Darmstädter Ferienkurse Ferienkurse für Neue Musik”, “Festival de Granada”, “Festival de Segovia”, “Festival der Avantgarde Essen”, “Auditorio Manuel de Falla de Granada”, etc. Invitado por la Asociación Francesa de Oboístas, actuó en el X Congreso de oboístas celebrado en Bayonne (Francia). En 2007 participó, invitado por la Embajada Española, en el ciclo de música, Miradas, en la ciudad de Bogotá, interpretando el Concierto de R. Strauss con la Orquesta Nacional de Colombia. Con el sello discográco VERSO ha grabado junto al pianista Riccardo Cecchetti un CD con sonatas de W. A. Mozart y otro dedicado a la música del romanticismo. También ha grabado con el Ensemble M atisse para ARSIS. Su gran dedicación pedagógica lo ha llevado a impartir cursos y masterclases en diferentes lugares. Desde 1997 es invitado regularmente a impartir los “Cursos de Especialización Musical de la Universidad de Alcalá de Henares”. Actualmente y desde 2001 es profesor de oboe en la ESMUC, y también lo ha sido en el “Conservatori del Liceu de B arcelona arcelona”. ”.



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Didáctica de iniciación al piano

Profesora: Profesor a: Cristina Molina Sarrió

24 y 25 abril Cristina Mlina Sarrió

Con las diferentes reformas reformas de las leyes de educación los objetivos de las enseñanzas musicales se han ido modicando y ampliando en pro de una educación más completa y coherente. En el currículum actual de las enseñanzas musicales se observa la intención de ofrecer una enseñanza instrumental en la que la creatividad posee un valor ineludible. Pero, ¿cómo fomentar la creatividad desde los primeros contactos con el instrumento? ¿Cómo desarrollarla desarrollarla a lo largo de los años y compaginar esta tarea con el desarrollo de destrezas técnicointerpretativas interpreta tivas y de lectura musical? Este curso está destinado, en primer lugar, a conocer en profundidad diferentes propuestas de iniciación a la enseñanza pianística y, en segundo lugar, a dar respuesta a la necesidad de lograr el desarrollo simultáneo de la técnica instrumental, la memoria musical, la discriminación auditiva, la lectura a primera vista, la concentración, la interpretación comprensiva y la capacidad de improvisación. Contenidos del curso

- La enseñanza pianística: objetivos y contenidos en las enseñanzas elementales. - Estudio pormenorizado y análisis comparativo de diferentes propuestas de iniciación al piano: Método de Piano Europeo, Colección Bastien, “El Piano” de Tchokov/Gemiu, J. Thompson, Colección de Piano de la Metodología IEM, Iniciación al piano de Herranz, Monreal y Aroca, Colección Ed. S.D.M., Escuela Rusa de piano de A. Nikolaev, “Cuadernos de Adriana” de A. G. Abril, Colecció n “Mikrokosmos” de Bartók, “Quan el piano canta…” de Benjamí Santacana, etc.

Nacida en Alicante, ha estudiado en el Conservatorio Conservatorio Superior de su ciudad natal obteniendo los títulos superiores de Piano, Música de Cámara y Repentización, Transporte Transpor te y Acompañamient Acompañamientoo y, posteriormente, el título superior de Pedagogía, en el Conservatorio Superior de Música de Murcia. Perfecciona sus estudios de interpretación pianística realizando cursos con Eulàlia Solé, Ramón Coll y Ana Guijarro, entre otros. Por otra parte amplía sus estudios musicales mediante cursos de análisis y composición, improvisación, dirección coral, relajación, etc. Es coautora de una colección de libros dedicados a la iniciación al piano (Piano Iniciación, 2004; Piano 1, Piano 2, Piano 3, 2004; Piano 4, 2005), a las clases colectivas de piano (Piano Colectivo 1, 2005) y a la difusión de la metodología de la Improvisación como Sistema de Enseñanza (Burgmüller (Burgmüller.. Análisis y Metodología de trabajo. 2006). Los libros están elaborados de acuerdo a la metodología del I.E.M. y han sido publicados por Enclave Creativa Ediciones. Ha impartido clases de Improvisación y Acompañamiento en la ESMUC (Escola Superior de Música de Catalunya), en cursos organizados por Musikeon (Academia de Formación y Asesoramiento Musicológico) en Valencia y cursos organizados por el Cere de Alicante. En la actualidad ocupa la cátedra de Improvisación y Acompañamiento en el Conservatorio Conservat orio Superior de Música “Oscar Esplá” de Alicante.

- Metodología de estudio de piezas del repertorio: Análisis de piezas y propuestas de ejercicios para conseguir conseguir,, además de una interpretación comprensiva comprensiva y el desarrollo de destreza destrezass técnicas necesarias para su interpreta interpretación, ción, el conocimiento de los materiales musicales presentes en dichas piezas que posibilite su uso creativo en improvisaciones propias. Información del curso



Didáctica de iniciación al piano

Profesora: Profesor a: Cristina Molina Sarrió

24 y 25 abril Cristina Mlina Sarrió

Con las diferentes reformas reformas de las leyes de educación los objetivos de las enseñanzas musicales se han ido modicando y ampliando en pro de una educación más completa y coherente. En el currículum actual de las enseñanzas musicales se observa la intención de ofrecer una enseñanza instrumental en la que la creatividad posee un valor ineludible. Pero, ¿cómo fomentar la creatividad desde los primeros contactos con el instrumento? ¿Cómo desarrollarla desarrollarla a lo largo de los años y compaginar esta tarea con el desarrollo de destrezas técnicointerpretativas interpreta tivas y de lectura musical? Este curso está destinado, en primer lugar, a conocer en profundidad diferentes propuestas de iniciación a la enseñanza pianística y, en segundo lugar, a dar respuesta a la necesidad de lograr el desarrollo simultáneo de la técnica instrumental, la memoria musical, la discriminación auditiva, la lectura a primera vista, la concentración, la interpretación comprensiva y la capacidad de improvisación. Contenidos del curso

- La enseñanza pianística: objetivos y contenidos en las enseñanzas elementales. - Estudio pormenorizado y análisis comparativo de diferentes propuestas de iniciación al piano: Método de Piano Europeo, Colección Bastien, “El Piano” de Tchokov/Gemiu, J. Thompson, Colección de Piano de la Metodología IEM, Iniciación al piano de Herranz, Monreal y Aroca, Colección Ed. S.D.M., Escuela Rusa de piano de A. Nikolaev, “Cuadernos de Adriana” de A. G. Abril, Colecció n “Mikrokosmos” de Bartók, “Quan el piano canta…” de Benjamí Santacana, etc.

Nacida en Alicante, ha estudiado en el Conservatorio Conservatorio Superior de su ciudad natal obteniendo los títulos superiores de Piano, Música de Cámara y Repentización, Transporte Transpor te y Acompañamient Acompañamientoo y, posteriormente, el título superior de Pedagogía, en el Conservatorio Superior de Música de Murcia. Perfecciona sus estudios de interpretación pianística realizando cursos con Eulàlia Solé, Ramón Coll y Ana Guijarro, entre otros. Por otra parte amplía sus estudios musicales mediante cursos de análisis y composición, improvisación, dirección coral, relajación, etc. Es coautora de una colección de libros dedicados a la iniciación al piano (Piano Iniciación, 2004; Piano 1, Piano 2, Piano 3, 2004; Piano 4, 2005), a las clases colectivas de piano (Piano Colectivo 1, 2005) y a la difusión de la metodología de la Improvisación como Sistema de Enseñanza (Burgmüller (Burgmüller.. Análisis y Metodología de trabajo. 2006). Los libros están elaborados de acuerdo a la metodología del I.E.M. y han sido publicados por Enclave Creativa Ediciones. Ha impartido clases de Improvisación y Acompañamiento en la ESMUC (Escola Superior de Música de Catalunya), en cursos organizados por Musikeon (Academia de Formación y Asesoramiento Musicológico) en Valencia y cursos organizados por el Cere de Alicante. En la actualidad ocupa la cátedra de Improvisación y Acompañamiento en el Conservatorio Conservat orio Superior de Música “Oscar Esplá” de Alicante.

- Metodología de estudio de piezas del repertorio: Análisis de piezas y propuestas de ejercicios para conseguir conseguir,, además de una interpretación comprensiva comprensiva y el desarrollo de destreza destrezass técnicas necesarias para su interpreta interpretación, ción, el conocimiento de los materiales musicales presentes en dichas piezas que posibilite su uso creativo en improvisaciones propias. Información del curso


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Cuerpo, mente e instrumento: una relación armónica Profesor: Lluís Claret

8 y 9 mayo Lluís Claret

Cuando me propusieron este seminario pensé que era la ocasión para poner sobre el papel y resumir en dos días mis ideas sobre cómo un joven violonchelista debe abordar su relación con el instrumento, que será su “voz propia”para comunicarse con el público. Para que el violonchelista pueda trascender la parte técnica hasta llegar a olvidarla y que la música uya a través de su “voz interior” es, a mi parecer imprescindible, o como mínimo recomendable, que el uso de su cuerpo se adapte lo mejor posible al violonchelo. Para ello deberá trabajar tanto a nivel físico como mental para conseguirlo, ya que una buena “instalación” de su cuerpo será básica para la producción de cualquier sonido. Estamos hablando pues de la importancia de la colocación del torso, del brazo del arco, de los dedos de la mano izquierda, cabeza, pies…para que en función del físico de cada uno obtengamos la mayor ecacia posible. Mentalmente,será primordial la manera de enfocar el estudio y el tipo de “reMentalmente,será lación” que se establezca con el instrumento, debiendo buscarse un equilibrio entre el rigor y el disfrute del trabajo personal. Hay varias escuelas y formas de tocar el violonchelo. No pretendo aquí descubrir nada y mi deseo sólo es dar a conocer y compartir, a través de la práctica del instrumento,, los frutos de mi propia experiencia de 40 años de pedagogía y de instrumento conciertos durante los cuales he aprendido, gracias a mis profesores y alumnos, todo lo que creo saber.

Nacido en 1951 en el Principado de Andorra, de padres catalanes exiliados. DesDespués de obtener los máximos galardones en el Conservatorio del Liceo, empieza a recibir los consejos de Enric Casals (hermano de Pau Casals) quien, durante muchos años, y pese a no ser violonchelista, se convierte en su principal profesor.. También estudia en Francia, Italia y Estados Unidos con Maurice Gendron, fesor Radu Aldulescu y Eva Janzer. György Sebök y Bernard Greenhouse son igualmente dos personalidades determinantes en el posterior desarrollo musical de Lluís Claret. Después de obtener los primeros premios en los Concursos Internacionales de Bolonia (1975), Pau Casals (1976) y Mstislav Rostropovich (1977), es invitado como solista por importantes orquestas, entre otras la Filarmónica de Moscú, la Orquesta Nacional de Francia, la English Chamber Orchestra, bajo la batuta de directores como Pierre Boulez, Karl Münchinger, Münchinger, Witold Lutosławski, George Malcolm y Mstislav Rostropovich. Fundador del Trío Barcelona (1981-1993), (1981-1993), colabora a menudo con otros intérpretes de prestigio. Lluís Claret es invitado regularment regularmentee a formar parte de los jurados de concursos internacionaless (Rostropovich / París, Leonard Rose / Washington internacionale Washington,, Paulo / Helsinki, Trapani / Italia) y desarrolla una amplia actividad pedagógica (Andorra, Barcelona, Toulouse, Toulouse, Bolonia, Alcalá de Henares). Participa en numerosos cursos internacionales (Vic, Banff, Académie Ravel) y en el Stage que dirige cada primavera en Sant Miquel de Cuixà, Prada (Francia). Su repertorio se extiende desde Bach hasta los contemporáneos e incluye estrenos, primeras audiciones y obras dedicadas de muchos compositores actuales (Dutilleux, Lutosławski, Boulez, Xenakis, Ducol, Bleuse, Guinjoan, Charles). Ha grabado diversos CD para Harmonia Mundi y Auvidis. Información del curso

Horario: Sábado de 10 a 13,30 y de 15,30 a 19,30 horas. Domingo de 9,30 a 14 horas. Duración: 12 horas lectivas. Matrícula: 140 e

Los alumnos deberán acudir con su instrumento instrumento..



Cuerpo, mente e instrumento: una relación armónica Profesor: Lluís Claret

8 y 9 mayo Lluís Claret

Cuando me propusieron este seminario pensé que era la ocasión para poner sobre el papel y resumir en dos días mis ideas sobre cómo un joven violonchelista debe abordar su relación con el instrumento, que será su “voz propia”para comunicarse con el público. Para que el violonchelista pueda trascender la parte técnica hasta llegar a olvidarla y que la música uya a través de su “voz interior” es, a mi parecer imprescindible, o como mínimo recomendable, que el uso de su cuerpo se adapte lo mejor posible al violonchelo. Para ello deberá trabajar tanto a nivel físico como mental para conseguirlo, ya que una buena “instalación” de su cuerpo será básica para la producción de cualquier sonido. Estamos hablando pues de la importancia de la colocación del torso, del brazo del arco, de los dedos de la mano izquierda, cabeza, pies…para que en función del físico de cada uno obtengamos la mayor ecacia posible. Mentalmente,será primordial la manera de enfocar el estudio y el tipo de “reMentalmente,será lación” que se establezca con el instrumento, debiendo buscarse un equilibrio entre el rigor y el disfrute del trabajo personal. Hay varias escuelas y formas de tocar el violonchelo. No pretendo aquí descubrir nada y mi deseo sólo es dar a conocer y compartir, a través de la práctica del instrumento,, los frutos de mi propia experiencia de 40 años de pedagogía y de instrumento conciertos durante los cuales he aprendido, gracias a mis profesores y alumnos, todo lo que creo saber.

Nacido en 1951 en el Principado de Andorra, de padres catalanes exiliados. DesDespués de obtener los máximos galardones en el Conservatorio del Liceo, empieza a recibir los consejos de Enric Casals (hermano de Pau Casals) quien, durante muchos años, y pese a no ser violonchelista, se convierte en su principal profesor.. También estudia en Francia, Italia y Estados Unidos con Maurice Gendron, fesor Radu Aldulescu y Eva Janzer. György Sebök y Bernard Greenhouse son igualmente dos personalidades determinantes en el posterior desarrollo musical de Lluís Claret. Después de obtener los primeros premios en los Concursos Internacionales de Bolonia (1975), Pau Casals (1976) y Mstislav Rostropovich (1977), es invitado como solista por importantes orquestas, entre otras la Filarmónica de Moscú, la Orquesta Nacional de Francia, la English Chamber Orchestra, bajo la batuta de directores como Pierre Boulez, Karl Münchinger, Münchinger, Witold Lutosławski, George Malcolm y Mstislav Rostropovich. Fundador del Trío Barcelona (1981-1993), (1981-1993), colabora a menudo con otros intérpretes de prestigio. Lluís Claret es invitado regularment regularmentee a formar parte de los jurados de concursos internacionaless (Rostropovich / París, Leonard Rose / Washington internacionale Washington,, Paulo / Helsinki, Trapani / Italia) y desarrolla una amplia actividad pedagógica (Andorra, Barcelona, Toulouse, Toulouse, Bolonia, Alcalá de Henares). Participa en numerosos cursos internacionales (Vic, Banff, Académie Ravel) y en el Stage que dirige cada primavera en Sant Miquel de Cuixà, Prada (Francia). Su repertorio se extiende desde Bach hasta los contemporáneos e incluye estrenos, primeras audiciones y obras dedicadas de muchos compositores actuales (Dutilleux, Lutosławski, Boulez, Xenakis, Ducol, Bleuse, Guinjoan, Charles). Ha grabado diversos CD para Harmonia Mundi y Auvidis. Información del curso

Horario: Sábado de 10 a 13,30 y de 15,30 a 19,30 horas. Domingo de 9,30 a 14 horas. Duración: 12 horas lectivas. Matrícula: 140 e

Los alumnos deberán acudir con su instrumento instrumento.. [ 48 ]


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Pedagogía Musical José Luis Temes Alicia Wechsler Lola Bosom Sofía Martínez Villar Víctor Pliego de Andrés Eliseo Parra Keith Terry

Pedagogía Musical José Luis Temes Alicia Wechsler Lola Bosom Sofía Martínez Villar Víctor Pliego de Andrés Eliseo Parra Keith Terry

PEDAGOGÍA MUSICAL

La enseñanza del solfeo, tras medio siglo de vanguar vanguardias dias Profesor: José Luis Temes

14 y 15 noviembre Jsé Luis Temes

El surgimiento de las denominadas “vanguardias” en la música de hace ahora medio siglo supuso un verdadero terremoto en la historia de la teoría musical y de lo que comúnmente denominamos “solfeo”. La música aleatoria, la indeterminación, la música para percusión, la música electroacústica o, más tarde, la informática aplicada a la creación, fueron elementos que tambalearon los cimientos de un sistema de escritura que había permanecido casi invariable durante cerca de tres siglos. Hoy, cincuenta años después, el c ataclismo ha sido en buena medida asumido Hoy, con normalidad; y la escritura y la teoría de la música occidental han demostrado su fortaleza, adaptándose sin mayor trauma a unas estéticas que han renovado por completo el paisaje sonoro de nuestro tiempo. Nuestro seminario recorrerá recorrerá las fuertes convulsiones de la teoría y el solfeo contemporáneos, temporáneo s, a la luz de las nuevas estéticas de estas últimas cinco décadas. Y cómo jar hoy unos nuevos criterios, perfectamente codicables y adaptables a las aulas, para el estudio y conocimiento de los alumnos que serán nuestros músicos del siglo XXI.

Director de orquesta. Nació en Madrid en 1956. Estudió principalmente con los profesores Julián Labarra, Federico Sopeña, Enrique Llácer, José María Martín Porrás y Ana Guijarro. Titulado por el Conservat Conservatorio orio de su ciudad natal, dirigió entre 1976 y 1980 el Grupo de Percusión de Madrid. Entre 1983 y 2000 fue director del Grupo Círculo. Ha estado al frente de la práctica totalidad de las orquestas españolas; también de otras de diversos países: Filarmónica de Londres, Gulbenkian de Lisboa, Filarmónica de Poznan, Radio de Belgrado, etc. En sus treinta años como director, Temes ha dirigido el estreno de más de 300 obras, entre ellas cuatro óperas y varios ballets. Ha grabado más de setenta discos, casi siempre con música española, y participado en los principales festivales internacionales de música nueva: Nueva York, Londres, París, Roma, Milán, Viena, Zagreb, Lisboa y un largo etcétera. Ha compaginado siempre su trabajo como director de orquesta con una amplia labor como profesor, conferenciante y gestor. Ha ofrecido más de 300 conferencias. Es autor de numerosos libros y ensayos, ensayos, entre los que destaca un extenso Tratado de Solfeo Contemporáneo (Línea, 1982-1992), una biografía de Anton Webern (CBA, 1988) y dos volúmenes sobre la historia perdida del Círculo de Bellas Artes de Madrid (Alianza, 2000-2003). El pasado mes de diciembre recibió el Premio Nacional de Música 2008.



PEDAGOGÍA MUSICAL

La enseñanza del solfeo, tras medio siglo de vanguar vanguardias dias Profesor: José Luis Temes

14 y 15 noviembre Jsé Luis Temes

El surgimiento de las denominadas “vanguardias” en la música de hace ahora medio siglo supuso un verdadero terremoto en la historia de la teoría musical y de lo que comúnmente denominamos “solfeo”. La música aleatoria, la indeterminación, la música para percusión, la música electroacústica o, más tarde, la informática aplicada a la creación, fueron elementos que tambalearon los cimientos de un sistema de escritura que había permanecido casi invariable durante cerca de tres siglos. Hoy, cincuenta años después, el c ataclismo ha sido en buena medida asumido Hoy, con normalidad; y la escritura y la teoría de la música occidental han demostrado su fortaleza, adaptándose sin mayor trauma a unas estéticas que han renovado por completo el paisaje sonoro de nuestro tiempo. Nuestro seminario recorrerá recorrerá las fuertes convulsiones de la teoría y el solfeo contemporáneos, temporáneo s, a la luz de las nuevas estéticas de estas últimas cinco décadas. Y cómo jar hoy unos nuevos criterios, perfectamente codicables y adaptables a las aulas, para el estudio y conocimiento de los alumnos que serán nuestros músicos del siglo XXI.

Director de orquesta. Nació en Madrid en 1956. Estudió principalmente con los profesores Julián Labarra, Federico Sopeña, Enrique Llácer, José María Martín Porrás y Ana Guijarro. Titulado por el Conservat Conservatorio orio de su ciudad natal, dirigió entre 1976 y 1980 el Grupo de Percusión de Madrid. Entre 1983 y 2000 fue director del Grupo Círculo. Ha estado al frente de la práctica totalidad de las orquestas españolas; también de otras de diversos países: Filarmónica de Londres, Gulbenkian de Lisboa, Filarmónica de Poznan, Radio de Belgrado, etc. En sus treinta años como director, Temes ha dirigido el estreno de más de 300 obras, entre ellas cuatro óperas y varios ballets. Ha grabado más de setenta discos, casi siempre con música española, y participado en los principales festivales internacionales de música nueva: Nueva York, Londres, París, Roma, Milán, Viena, Zagreb, Lisboa y un largo etcétera. Ha compaginado siempre su trabajo como director de orquesta con una amplia labor como profesor, conferenciante y gestor. Ha ofrecido más de 300 conferencias. Es autor de numerosos libros y ensayos, ensayos, entre los que destaca un extenso Tratado de Solfeo Contemporáneo (Línea, 1982-1992), una biografía de Anton Webern (CBA, 1988) y dos volúmenes sobre la historia perdida del Círculo de Bellas Artes de Madrid (Alianza, 2000-2003). El pasado mes de diciembre recibió el Premio Nacional de Música 2008.



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PEDAGOGÍA MUSICAL

Aprendiendo a crear: La música en la primera etapa de la vida, de 1 a 6 años Profesora: Profesor a: Alicia Wechsler

28 y 29 noviembre Alicia Wechsler

El curso aborda la expresión musical desde la práctica de la educación musical activa y del juego, como actividad socializadora y creativa. Se trata de tomar conciencia del medio ambiente sonoro, jugando con la voz, el cuerpo y los instrumentos, favoreciendo favoreciendo la integración en el aula, así como el desarrollo del pensamiento lógico-matemático y la adquisición de elementos rítmicos que potenciarán la lecto-escritura. Objetivos Generales

Nace en Argentina y se traslada a Jerusalén donde cursa la carrera de Educación Musical en la Academia de Música Rubín. Desde 1990 reside en Madrid, imparte clases de música en la Escuela de Música y Danza de Pozuelo de Alarcón, colegios y centros de estimulación. Desarrolla el proyecto Aprendiendo a Crear® clases de música para bebés y el método de educación musical para infantil y primaria Tralalá.

- Valorar la música como factor educativo que favorece el desarrollo integral del niño

Imparte cursos de formación en Centros de Formación del Profesorado en varias comunidades de España, Juventudes Musicales de Alcalá de Henares, Acción Educativa, Escuela de Música Creativa, A.N.D.E y colabora con el Conservatorio superior de Danza María de Ávila.

- Trabajar con la voz, el cuerpo y los instrumentos

Asesora pedagógica del proyecto Cantajuego. Cantajuego.

- Escuchar y aprender a escuchar. Descubrir el placer producido por la audición desde la práctica musical activa

Coordinadora del proyecto de Música en educación infantil 0 a 3 años, AyuntaCoordinadora Ayuntamiento de Madrid (2003-2005) y responsable del Departamento de Educación Musical en el Proyecto Música y Discapacidad, en colaboración con la Universidad Alcalá de Henares (1996-2000).

- Estimular el desarrollo de las capacidades sociales y comunicativas

Contenidos

- Discriminación auditiva - Desarrollo rítmico - Formas musicales y su aplicación en canciones y audiciones - Desarrollo corporal. Expresar y comunicar sentimientos y emociones. Danzas - Fuentes sonoras y sensibilidad auditiva. Los sonidos del entorno entorno,, las manos, el cuerpo, los materiales y los instrumentos - Ejercicios de lenguaje con percusiones corporales favorecedoras de la lectoescritura

Ponente en el Proyecto de música en escuelas infantiles: Entender la diversidad a través de estrate estrategias gias sonoro-musicales (2004). Participa en: Encuentro de profesores de música organizado por SM SM y SEEM-EM (2003 y 2009), Desde lo próximo a lo lejano a través de la Pedagogía Sistémica Bert Hellinger (2009) y IX y XVIII Curso Música y Danza en la educación. Asociación Orff (1999 y 2007). Se forma en Musicoterapia en la Escuela Musitando, y en Musicotera Musicoterapia pia y Educación, con la profesor profesoraa Alicia Lorenzo Lorenzo,, participando en seminarios internacionales: Verónica Cohen y Batya Strauss, EEUU, Israel; Bárbara Cass-Beggs, Canadá; Pamela Jones, Inglaterra; Yael Bookspan, Universidad de Tel-Aviv. Tel-Aviv. Información del curso

Aplicaciones prácticas

Ritmo corporal, canon, instrumentos de la pequeña percusión, discriminación auditiva y visual de los instrumentos de la orquesta, canciones, juegos y danzas. Los participantes deberán asistir con ropa y calzado cómodos.


PEDAGOGÍA MUSICAL

Aprendiendo a crear: La música en la primera etapa de la vida, de 1 a 6 años Profesora: Profesor a: Alicia Wechsler

28 y 29 noviembre Alicia Wechsler

El curso aborda la expresión musical desde la práctica de la educación musical activa y del juego, como actividad socializadora y creativa. Se trata de tomar conciencia del medio ambiente sonoro, jugando con la voz, el cuerpo y los instrumentos, favoreciendo favoreciendo la integración en el aula, así como el desarrollo del pensamiento lógico-matemático y la adquisición de elementos rítmicos que potenciarán la lecto-escritura. Objetivos Generales

Nace en Argentina y se traslada a Jerusalén donde cursa la carrera de Educación Musical en la Academia de Música Rubín. Desde 1990 reside en Madrid, imparte clases de música en la Escuela de Música y Danza de Pozuelo de Alarcón, colegios y centros de estimulación. Desarrolla el proyecto Aprendiendo a Crear® clases de música para bebés y el método de educación musical para infantil y primaria Tralalá.

- Valorar la música como factor educativo que favorece el desarrollo integral del niño

Imparte cursos de formación en Centros de Formación del Profesorado en varias comunidades de España, Juventudes Musicales de Alcalá de Henares, Acción Educativa, Escuela de Música Creativa, A.N.D.E y colabora con el Conservatorio superior de Danza María de Ávila.

- Trabajar con la voz, el cuerpo y los instrumentos

Asesora pedagógica del proyecto Cantajuego. Cantajuego.

- Escuchar y aprender a escuchar. Descubrir el placer producido por la audición desde la práctica musical activa

Coordinadora del proyecto de Música en educación infantil 0 a 3 años, AyuntaCoordinadora Ayuntamiento de Madrid (2003-2005) y responsable del Departamento de Educación Musical en el Proyecto Música y Discapacidad, en colaboración con la Universidad Alcalá de Henares (1996-2000).

- Estimular el desarrollo de las capacidades sociales y comunicativas

Contenidos

- Discriminación auditiva - Desarrollo rítmico - Formas musicales y su aplicación en canciones y audiciones - Desarrollo corporal. Expresar y comunicar sentimientos y emociones. Danzas - Fuentes sonoras y sensibilidad auditiva. Los sonidos del entorno entorno,, las manos, el cuerpo, los materiales y los instrumentos - Ejercicios de lenguaje con percusiones corporales favorecedoras de la lectoescritura

Ponente en el Proyecto de música en escuelas infantiles: Entender la diversidad a través de estrate estrategias gias sonoro-musicales (2004). Participa en: Encuentro de profesores de música organizado por SM SM y SEEM-EM (2003 y 2009), Desde lo próximo a lo lejano a través de la Pedagogía Sistémica Bert Hellinger (2009) y IX y XVIII Curso Música y Danza en la educación. Asociación Orff (1999 y 2007). Se forma en Musicoterapia en la Escuela Musitando, y en Musicotera Musicoterapia pia y Educación, con la profesor profesoraa Alicia Lorenzo Lorenzo,, participando en seminarios internacionales: Verónica Cohen y Batya Strauss, EEUU, Israel; Bárbara Cass-Beggs, Canadá; Pamela Jones, Inglaterra; Yael Bookspan, Universidad de Tel-Aviv. Tel-Aviv. Información del curso

Aplicaciones prácticas

Horario: Sábado de 10 a 13,30 y de 15,30 a 19,30 horas. Domingo de 10 a 14,30 horas. Duración: 12 horas lectivas. Matrícula: 140 e

Ritmo corporal, canon, instrumentos de la pequeña percusión, discriminación auditiva y visual de los instrumentos de la orquesta, canciones, juegos y danzas. Los participantes deberán asistir con ropa y calzado cómodos.


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PEDAGOGÍA MUSICAL

La conectividad emocional de la voz, vivencias para el aula y el cor coro o Profesora: Profesor a: Lola Bosom

16 y 17 enero Lla Bsm

El curso responde a un planteamiento del canto asociado a las emociones y al placer de sentir nuestro cuerpo haciendo música, del canto natural al alcance de todos, y de su entendimiento desde parámetros corporales, orgánicos orgánicos y anímicos versus intelectuales. intelectuales. Es un curso pensado para los que aún no s aben que son unos estupendos cantantes en potencia, o que aunque ya lo sean, les interese trabajar su voz desde esta perspectiva. El curso está basado en la práctica, la participación activa, el debate y la reexión posterior, de la que se obtendrán pautas y ejercicios de aplicación en el aula y el coro. Desde la conectividad emocional se abordarán aspectos como: la preparación corporal y mental para la emisión del sonido, la expresión vocal como fuente de bienestar,, la anación individual, colectiva y conectiva, la i nterpret bienestar nterpretación ación vocal, o los benecios sociales del canto, así como cualquier cuestión que sea motivo de interés para los participantes en su práctica cotidiana o proyecto futuro. futuro.

Nace en Madrid. Es licenciada en Geografía e Historia por la U.A.M., título de concertista por el Conservatorio Conservatorio de Lucerna (Suiza) y por la Escuela Superior de Canto de Madrid. En 1994 fue admitida en el Estudio Internaciona Internacionall de Ópera de Zürich. Ha actuado como solista bajo la batuta de P.Maag, Ros Marbá, J.Casas, J.Company, F.Eldoro…abarcando su repertorio desde la música del Renacimiento hasta nuestros días. Desde el 2007 es cantante del Coro Nacional. Paralelamente a la interpretación ha desarrollado una intensa actividad pedagógica tanto encaminada a niños como a adultos, y a cantores como a profesores en diferentes marcos: marcos: U.A.M, Carlos III de Madrid, coro de niños de la C.A .M, coros de niños y adultos de la Orquesta Sinfónica de Galicia, centro de formación regional “Las Acacias” en Madrid, Fundación Cajamadrid, Colegio Alemán de Madrid, cursos de canto en Ponteareas Ponteareas (Galicia) y en Alpedrete (Madrid), Fundación Magistralia, Orff Institut…


Horario: Sábado de 10 a 13,30 y de 15,30 a 19,30 horas. Domingo de 10 a 14,30. Duración: 12 horas lectivas. Matrícula: 140 e Consulte la información general en la página 88

PEDAGOGÍA MUSICAL

La conectividad emocional de la voz, vivencias para el aula y el cor coro o Profesora: Profesor a: Lola Bosom

16 y 17 enero Lla Bsm

El curso responde a un planteamiento del canto asociado a las emociones y al placer de sentir nuestro cuerpo haciendo música, del canto natural al alcance de todos, y de su entendimiento desde parámetros corporales, orgánicos orgánicos y anímicos versus intelectuales. intelectuales. Es un curso pensado para los que aún no s aben que son unos estupendos cantantes en potencia, o que aunque ya lo sean, les interese trabajar su voz desde esta perspectiva. El curso está basado en la práctica, la participación activa, el debate y la reexión posterior, de la que se obtendrán pautas y ejercicios de aplicación en el aula y el coro. Desde la conectividad emocional se abordarán aspectos como: la preparación corporal y mental para la emisión del sonido, la expresión vocal como fuente de bienestar,, la anación individual, colectiva y conectiva, la i nterpret bienestar nterpretación ación vocal, o los benecios sociales del canto, así como cualquier cuestión que sea motivo de interés para los participantes en su práctica cotidiana o proyecto futuro. futuro.

Nace en Madrid. Es licenciada en Geografía e Historia por la U.A.M., título de concertista por el Conservatorio Conservatorio de Lucerna (Suiza) y por la Escuela Superior de Canto de Madrid. En 1994 fue admitida en el Estudio Internaciona Internacionall de Ópera de Zürich. Ha actuado como solista bajo la batuta de P.Maag, Ros Marbá, J.Casas, J.Company, F.Eldoro…abarcando su repertorio desde la música del Renacimiento hasta nuestros días. Desde el 2007 es cantante del Coro Nacional. Paralelamente a la interpretación ha desarrollado una intensa actividad pedagógica tanto encaminada a niños como a adultos, y a cantores como a profesores en diferentes marcos: marcos: U.A.M, Carlos III de Madrid, coro de niños de la C.A .M, coros de niños y adultos de la Orquesta Sinfónica de Galicia, centro de formación regional “Las Acacias” en Madrid, Fundación Cajamadrid, Colegio Alemán de Madrid, cursos de canto en Ponteareas Ponteareas (Galicia) y en Alpedrete (Madrid), Fundación Magistralia, Orff Institut…



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PEDAGOGÍA MUSICAL

El entrenamiento auditivo: teoría y práctica Profesora: Profesor a: Sofía Martínez Villar

6 y 7 febrero Sfía Martínez Villar

Descripción

Este curso se plantea como un manual de actuación para el profesorado de escuelas y conservatorios de música interesados en los variados aspectos del desarrollo de la audición. Se tratarán contenidos generales generales de la metodología de esta materia en sus diferentes niveles (inicial, medio, superior) y se presentará una propuesta de organización y desarrollo de ejercicios fundamentales, que tienen como principal objetivo conseguir un mejor rendimiento de la percepción auditiva de los estudiantes tanto dentro como fuera del aula. Contenido

- El oído y el fenómeno sonoro: sonomía del oído; audiabilidad; memoria auditiva; oído absoluto, relativo y pseudo-absoluto pseudo-absoluto,, desentonados y/o desanados: cómo conocer y trabajar las diferentes características características auditivas. - Metodología de la educación auditiva: fundamentos del entrenamiento auditivo; estrategias en la enseñanza de la educación auditiva: objetivos y metodología básica; bibliografía y recursos. - Ejercicios para desarrollar el reconocimiento y transcripción de: intervalos armónicos y melódicos; escalas diatónicas, modales y exóticas; acordes triada, cuatriada y sus inversiones; procesos procesos cadenciales; monorritmias y polirritmias; funciones melódicas y armónicas, ejercicios tonales y atonales. - Ejercicios para el trabajo del Análisis auditivo: vocabulario, bocetos de audición; chas de características musicales; tipos de análisis: dirigido, comparativo comparativo y con texto.

Es licenciada en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Valladolid y Título Superior de Flauta Travesera Travesera por el Conservatorio Superior de Música de Salamanca. Ha sido becada en numerosas ocasiones por la Junta de Castilla y León y el M.E.C para participar en cursos internacionales de Técnica e Interpretación de la auta travesera con los profesores Mª Antonia Rodríguez, Maxance Larrieu, Jaime Martín, Istvan Matuz y Vicenç Prats y también para realizar cursos de especialización musical con Charles Rosen, Alberto Basso, Joel Lester, Walter Walter Levin y Carl Schachter. Estudió durante cuatro años con la autista Magdalena Martínez. En 2001 fue invitada a participar en un proyecto internacional de investigación en Music Perception coordinado por la Royal Holloway University de Londres y se especializó en Ear Training and Aural Analisis. Ha realizado los estudios de doctorado en la Universidad de Barcelona y actualmente está terminando de escribir su tesis doctoral “El repertorio para auta sola del siglo XVIII al siglo XX. Historia, Análisis y Proyección”. Desde 2002 es profesora titular de Percepción Auditiva y Repertorio especíco para la auta en la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC); (ESMUC); profesora asociada desde 2006 del departamento de Historia del Arte de la Universidad de Barcelona; coordinadora de la sección de “Escolta i Llenguatge actiu” de la Escuela de Música Trivium (Andorra) y mi embro fundador del Ensemble Gaudí, un grupo que está desarrollando una labor muy destacada en la interpreta interpretación ción de música de cámara.



PEDAGOGÍA MUSICAL

El entrenamiento auditivo: teoría y práctica Profesora: Profesor a: Sofía Martínez Villar

6 y 7 febrero Sfía Martínez Villar

Descripción

Este curso se plantea como un manual de actuación para el profesorado de escuelas y conservatorios de música interesados en los variados aspectos del desarrollo de la audición. Se tratarán contenidos generales generales de la metodología de esta materia en sus diferentes niveles (inicial, medio, superior) y se presentará una propuesta de organización y desarrollo de ejercicios fundamentales, que tienen como principal objetivo conseguir un mejor rendimiento de la percepción auditiva de los estudiantes tanto dentro como fuera del aula. Contenido

- El oído y el fenómeno sonoro: sonomía del oído; audiabilidad; memoria auditiva; oído absoluto, relativo y pseudo-absoluto pseudo-absoluto,, desentonados y/o desanados: cómo conocer y trabajar las diferentes características características auditivas. - Metodología de la educación auditiva: fundamentos del entrenamiento auditivo; estrategias en la enseñanza de la educación auditiva: objetivos y metodología básica; bibliografía y recursos. - Ejercicios para desarrollar el reconocimiento y transcripción de: intervalos armónicos y melódicos; escalas diatónicas, modales y exóticas; acordes triada, cuatriada y sus inversiones; procesos procesos cadenciales; monorritmias y polirritmias; funciones melódicas y armónicas, ejercicios tonales y atonales. - Ejercicios para el trabajo del Análisis auditivo: vocabulario, bocetos de audición; chas de características musicales; tipos de análisis: dirigido, comparativo comparativo y con texto.

Es licenciada en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Valladolid y Título Superior de Flauta Travesera Travesera por el Conservatorio Superior de Música de Salamanca. Ha sido becada en numerosas ocasiones por la Junta de Castilla y León y el M.E.C para participar en cursos internacionales de Técnica e Interpretación de la auta travesera con los profesores Mª Antonia Rodríguez, Maxance Larrieu, Jaime Martín, Istvan Matuz y Vicenç Prats y también para realizar cursos de especialización musical con Charles Rosen, Alberto Basso, Joel Lester, Walter Walter Levin y Carl Schachter. Estudió durante cuatro años con la autista Magdalena Martínez. En 2001 fue invitada a participar en un proyecto internacional de investigación en Music Perception coordinado por la Royal Holloway University de Londres y se especializó en Ear Training and Aural Analisis. Ha realizado los estudios de doctorado en la Universidad de Barcelona y actualmente está terminando de escribir su tesis doctoral “El repertorio para auta sola del siglo XVIII al siglo XX. Historia, Análisis y Proyección”. Desde 2002 es profesora titular de Percepción Auditiva y Repertorio especíco para la auta en la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC); (ESMUC); profesora asociada desde 2006 del departamento de Historia del Arte de la Universidad de Barcelona; coordinadora de la sección de “Escolta i Llenguatge actiu” de la Escuela de Música Trivium (Andorra) y mi embro fundador del Ensemble Gaudí, un grupo que está desarrollando una labor muy destacada en la interpreta interpretación ción de música de cámara.



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PEDAGOGÍA MUSICAL

La historia de la música en el cine

Profesor: Víctor Pliego de Andrés

13 y 14 febrero Víctr Plieg de Andrés

La música es un ingrediente fundamental del lenguaje cinematográco, y el cine es, por su lado, un reejo de nuestro universo cultural e imaginario. La Historia de la Música aparece representada en numerosas películas de maneras muy diversas: - Utilización de temas clásicos en las bandas sonoras - Cine histórico donde aparecen escenas o alusiones a la música - Biografías cinematográcas de músicos y compositores - Películas con argumentos directamente relacionados con la música - Óperas llevadas al cine - Documentales cinematográc cinematográcos os El objetivo de este curso es hacer un recorrido exhaustivo exhaustivo por este repertorio cinematográco, nematográ co, que sirva para repasar y discutir di stintos aspectos de la Historia de la Música dentro de su contexto sociológico, simbólico, estético estético y literario. El curso está dirigido a todo tipo de personas interesadas en la Historia de la Música que quieran reexionar sobre el tema, actualizar sus conocimientos desde una nueva perspectiva, descubrir las posibilidades didácticas que ofrece el cine para la enseñanza de la música.

Es Catedrático de Historia de la Música del Real Conservatorio Conservatorio Superior de Música de Madrid, profesor en excedencia de Música de Secundaria, profesor de Psicopedagogía, profesor de Historia y Teoría de las Artes, experto en preparación de oposiciones y en formación de profesorado, miembro del Consejo Superior de las Enseñanzas Artísticas y director del Coro Recercada. Subdirector de la revista Música y Educación, colabora como crítico y columnista con las revistas Scherzo, Filomúsica, Escuela y Trabajadores de la Enseñanza. Ha participado en proyectos escénicos y audiovisuales como productor, guionista y director de escena. Es musicólogo musicólogo,, articulista, conferenciante y autor de numerosos libros relacionados con la historia historia y la pedagogía de la música. También ha escrito libros de texto para las editoriales Oxford University Press y Edelvives. Ha sido profesor de Didáctica de la Música de la Universidad de Alcalá de Henares, presidente de la Sección Española de la Sociedad Internacional para la Educación Musical, crítico musical del diario El Sol, secretario General de la Sociedad Española de Musicología, becario del Consejo Superior de Investigaciones Cientícas, coordinador del Comité para la Incorporación de la Música a la Universidad, así como Jefe de Estudios y Coordinador Erasmus del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

El curso se organiza en comentario sobre la lmografía, así como en explicaciones que alternarán con el visionado de algunas escenas escogidas, para su posterior análisis y discusión. Información del curso


PEDAGOGÍA MUSICAL

La historia de la música en el cine

Profesor: Víctor Pliego de Andrés

13 y 14 febrero Víctr Plieg de Andrés

La música es un ingrediente fundamental del lenguaje cinematográco, y el cine es, por su lado, un reejo de nuestro universo cultural e imaginario. La Historia de la Música aparece representada en numerosas películas de maneras muy diversas: - Utilización de temas clásicos en las bandas sonoras - Cine histórico donde aparecen escenas o alusiones a la música - Biografías cinematográcas de músicos y compositores - Películas con argumentos directamente relacionados con la música - Óperas llevadas al cine - Documentales cinematográc cinematográcos os El objetivo de este curso es hacer un recorrido exhaustivo exhaustivo por este repertorio cinematográco, nematográ co, que sirva para repasar y discutir di stintos aspectos de la Historia de la Música dentro de su contexto sociológico, simbólico, estético estético y literario. El curso está dirigido a todo tipo de personas interesadas en la Historia de la Música que quieran reexionar sobre el tema, actualizar sus conocimientos desde una nueva perspectiva, descubrir las posibilidades didácticas que ofrece el cine para la enseñanza de la música.

Es Catedrático de Historia de la Música del Real Conservatorio Conservatorio Superior de Música de Madrid, profesor en excedencia de Música de Secundaria, profesor de Psicopedagogía, profesor de Historia y Teoría de las Artes, experto en preparación de oposiciones y en formación de profesorado, miembro del Consejo Superior de las Enseñanzas Artísticas y director del Coro Recercada. Subdirector de la revista Música y Educación, colabora como crítico y columnista con las revistas Scherzo, Filomúsica, Escuela y Trabajadores de la Enseñanza. Ha participado en proyectos escénicos y audiovisuales como productor, guionista y director de escena. Es musicólogo musicólogo,, articulista, conferenciante y autor de numerosos libros relacionados con la historia historia y la pedagogía de la música. También ha escrito libros de texto para las editoriales Oxford University Press y Edelvives. Ha sido profesor de Didáctica de la Música de la Universidad de Alcalá de Henares, presidente de la Sección Española de la Sociedad Internacional para la Educación Musical, crítico musical del diario El Sol, secretario General de la Sociedad Española de Musicología, becario del Consejo Superior de Investigaciones Cientícas, coordinador del Comité para la Incorporación de la Música a la Universidad, así como Jefe de Estudios y Coordinador Erasmus del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

El curso se organiza en comentario sobre la lmografía, así como en explicaciones que alternarán con el visionado de algunas escenas escogidas, para su posterior análisis y discusión. Información del curso


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PEDAGOGÍA MUSICAL

Música tradicional para el aula

Profesor: Eliseo Parra

6 y 7 marzo Elise Parra

La necesidad de música que tiene el género humano ha sido corroborada desde sus más antiguas civilizaciones. En España la “necesidad de cantar”:…si no cantábamos no podíamos trabajar, por ejemplo, ha sido un comentario repetido en boca de buena parte de los informantes que hemos entrevistado a lo largo de 15 años de trabajo de campo. La percusión como soporte del canto, en manos de la misma persona, es un “tandem” común en las músicas tradicionales de medio mundo; en nuestro país ha servido para bailar principalmente, pero también para otros usos tales como: ramos, canciones, villancicos, etc. En denitiva cantar y tocar al mismo tiempo es lo que propongo para este curso sobre cantares y bailes de buena parte de España. Pandero cuadrado, cuadrado, pandereta, sartén, almirez y tejoletas principalmente serán la materia de enseñanza junto al canto de seguidillas, jotas, charros, charradas y romances –entre otros-. Un paseo por nuestro desconocido acervo cultural que nos ayudará, de paso, a saber de dónde venimos para conocernos un poquito más y mejor. La pandereta es el i nstrument nstrumentoo más asequible, junto al almirez y la sartén –con cuchara y dedal-, pero hoy en día ya no es difícil encontrar un pandero cuadrado también.

Estudia solfeo y armonía en el Conserva Conservatorio torio de Barcelona. Completa su formación en el Aula de Jazz y Percusión Latina con Pedrito Díaz. En 1971, con su primer LP, inicia una gran producción discográca tanto en solitario como con solistas y agrupaciones. Colabora como instrumentista o compositor en grabaciones y recitales junto a María del Mar Bonet, Marina Rossell, Ovidi Montllor, Sisa, Gato Pérez, Serrat, Susana Weich-Shahak, Rasha, Juan Alberto Arteche, Javier Paxariño, Eduardo Laguillo, Elisea Serna, Jaime Muñoz, Carlos Beceiro, Marta Sebestyén… y numerosos grupos. Sus giras le llevan por toda España, gran parte de Europa, EE.UU., Canadá, México, Brasil, Marruecos, Israel, Argelia, India... En el trabajo de campo por España se ha interesado por la música de numerosas regiones y por la tradición sefardí; es transcriptor musical de los libros: Romancero Tradicional de la Provincia de Madrid; Cuentos de la Tradición Oral Madrileña; Poesía y tradición infantil en Madrid y La Fiesta de Mayo en tierras Madrileñas, todos ellos junto a José Manuel Fraile Gil. Compone la suite “Romance” para instrumentos tradicionales y orquesta que estrena en el Teatro de la Zarzuela el Ballet Nacional de España con la Orquesta Sinfónica de Madrid. También ha colaborado con la Compañía Ibérica de Danza y la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Además ha mantenido una constante actividad docente enseñando canto y percusión tradicional (Folk Segovia, Folk Chinchón, Barcelona, Escuela de Folklore de Madrid, etc.). Entre sus premios guran el Premio Radio Ecca al mejor disco del año 2002, el 1º Premio Villa de Madrid y el Premio de Honor en la V Gala FACYDE (Federación (Federación de Asociaciones de Coros y Danzas de España) por su trabajo como folclorista en todas las acepciones: músico, cantante, percusionista, compositor e investigador investigador.. Para obtener más información pueden visitar su página web: http://www.mirmidon.es/ Información del curso

Horario: Sábado de 9,30 a 13,30 y de 16 a 19,30 horas. Domingo de 9,30 a 14. Duración: 12 horas lectivas. Matrícula: 140 e

Se recomienda a los participantes que asistan al curso con estos instrumentos.


PEDAGOGÍA MUSICAL

Música tradicional para el aula

Profesor: Eliseo Parra

6 y 7 marzo Elise Parra

La necesidad de música que tiene el género humano ha sido corroborada desde sus más antiguas civilizaciones. En España la “necesidad de cantar”:…si no cantábamos no podíamos trabajar, por ejemplo, ha sido un comentario repetido en boca de buena parte de los informantes que hemos entrevistado a lo largo de 15 años de trabajo de campo. La percusión como soporte del canto, en manos de la misma persona, es un “tandem” común en las músicas tradicionales de medio mundo; en nuestro país ha servido para bailar principalmente, pero también para otros usos tales como: ramos, canciones, villancicos, etc. En denitiva cantar y tocar al mismo tiempo es lo que propongo para este curso sobre cantares y bailes de buena parte de España. Pandero cuadrado, cuadrado, pandereta, sartén, almirez y tejoletas principalmente serán la materia de enseñanza junto al canto de seguidillas, jotas, charros, charradas y romances –entre otros-. Un paseo por nuestro desconocido acervo cultural que nos ayudará, de paso, a saber de dónde venimos para conocernos un poquito más y mejor. La pandereta es el i nstrument nstrumentoo más asequible, junto al almirez y la sartén –con cuchara y dedal-, pero hoy en día ya no es difícil encontrar un pandero cuadrado también.

Estudia solfeo y armonía en el Conserva Conservatorio torio de Barcelona. Completa su formación en el Aula de Jazz y Percusión Latina con Pedrito Díaz. En 1971, con su primer LP, inicia una gran producción discográca tanto en solitario como con solistas y agrupaciones. Colabora como instrumentista o compositor en grabaciones y recitales junto a María del Mar Bonet, Marina Rossell, Ovidi Montllor, Sisa, Gato Pérez, Serrat, Susana Weich-Shahak, Rasha, Juan Alberto Arteche, Javier Paxariño, Eduardo Laguillo, Elisea Serna, Jaime Muñoz, Carlos Beceiro, Marta Sebestyén… y numerosos grupos. Sus giras le llevan por toda España, gran parte de Europa, EE.UU., Canadá, México, Brasil, Marruecos, Israel, Argelia, India... En el trabajo de campo por España se ha interesado por la música de numerosas regiones y por la tradición sefardí; es transcriptor musical de los libros: Romancero Tradicional de la Provincia de Madrid; Cuentos de la Tradición Oral Madrileña; Poesía y tradición infantil en Madrid y La Fiesta de Mayo en tierras Madrileñas, todos ellos junto a José Manuel Fraile Gil. Compone la suite “Romance” para instrumentos tradicionales y orquesta que estrena en el Teatro de la Zarzuela el Ballet Nacional de España con la Orquesta Sinfónica de Madrid. También ha colaborado con la Compañía Ibérica de Danza y la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Además ha mantenido una constante actividad docente enseñando canto y percusión tradicional (Folk Segovia, Folk Chinchón, Barcelona, Escuela de Folklore de Madrid, etc.). Entre sus premios guran el Premio Radio Ecca al mejor disco del año 2002, el 1º Premio Villa de Madrid y el Premio de Honor en la V Gala FACYDE (Federación (Federación de Asociaciones de Coros y Danzas de España) por su trabajo como folclorista en todas las acepciones: músico, cantante, percusionista, compositor e investigador investigador.. Para obtener más información pueden visitar su página web: http://www.mirmidon.es/ Información del curso

Horario: Sábado de 9,30 a 13,30 y de 16 a 19,30 horas. Domingo de 9,30 a 14. Duración: 12 horas lectivas. Matrícula: 140 e

Se recomienda a los participantes que asistan al curso con estos instrumentos.


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PEDAGOGÍA MUSICAL

Body Music II

Profesor: Keith Terry

22 y 23 mayo Keith Terry

Este curso se propone como continuación del curso de i niciación que Keith Terry ha realizado en años anteriores anteriores en el Aula de Música.

Percusionista, bailarín y docente que ha viajado a lo largo de América del Norte y del Sur, Asia y Europa.

Se podrá renar, profundizar y ampliar las propias habilidades rítmicas mediante las manos, los pies y la voz (“clap, slap, snap, step and vocalize”) a través de la metodología desarrollada por Keith Terry para el instrumento más antiguo de nuestro planeta, el cuerpo humano. La asistencia está limitada a los alumnos que han realizado como mínimo un curso de introducción y poseen conocimientos mínimos imprescindibles sobre las propuestas de Keith Terry (bloques rítmicos, desfases y polirritmias).

Ha colaborado con numerosos artistas, entre los que se encuentran Charles “Honi ” Coles, el Turtle Island String Quartet, Jovino Santos Neto, el Jazz Tap Ensemble, el Gamelan Sekar Jaya, San Jose Taiko y Bobby McFerrin. Es el director artístico del Ensemble de percusión Crosspulse; la Slammin AllBody Band; y de Professor Terry’s Circus Band Extraordinaire. Sus trabajos a gran escala incluyen los Body Tjak Projects, series permanentes de espectáculos multidisciplinares que involucran a artistas de Indonesia y de toda América y que comenzaron en 1980, codirigidos junto con I Wayan Dibia. De 1998 a 2005 Keith Terry estuvo en el Departamento de Arte y Cultura del Mundo de la Universidad de UCLA (EE.UU.), donde diseñó e impartió cursos sobre relaciones entre música y danza, audición interior, sincronización, el tiempo y su medida, así como la comunicación intercultural intercultural en las artes. En el año 2006 creó y dirigió el primer proyecto internacional internacional sobre la interpretación a través de la percusión corporal en Salzburgo con artistas de Turquía, Finlandia, España, Austria y Estados Unidos. Ha sido galardonado en 2008 con el premio Guggenheim Fellowship Fellowship..


Se ruega a los participantes que asistan con ropa cómoda y calzado apropiado para el baile.


PEDAGOGÍA MUSICAL

Body Music II

Profesor: Keith Terry

22 y 23 mayo Keith Terry

Este curso se propone como continuación del curso de i niciación que Keith Terry ha realizado en años anteriores anteriores en el Aula de Música.

Percusionista, bailarín y docente que ha viajado a lo largo de América del Norte y del Sur, Asia y Europa.

Se podrá renar, profundizar y ampliar las propias habilidades rítmicas mediante las manos, los pies y la voz (“clap, slap, snap, step and vocalize”) a través de la metodología desarrollada por Keith Terry para el instrumento más antiguo de nuestro planeta, el cuerpo humano. La asistencia está limitada a los alumnos que han realizado como mínimo un curso de introducción y poseen conocimientos mínimos imprescindibles sobre las propuestas de Keith Terry (bloques rítmicos, desfases y polirritmias).

Ha colaborado con numerosos artistas, entre los que se encuentran Charles “Honi ” Coles, el Turtle Island String Quartet, Jovino Santos Neto, el Jazz Tap Ensemble, el Gamelan Sekar Jaya, San Jose Taiko y Bobby McFerrin. Es el director artístico del Ensemble de percusión Crosspulse; la Slammin AllBody Band; y de Professor Terry’s Circus Band Extraordinaire. Sus trabajos a gran escala incluyen los Body Tjak Projects, series permanentes de espectáculos multidisciplinares que involucran a artistas de Indonesia y de toda América y que comenzaron en 1980, codirigidos junto con I Wayan Dibia. De 1998 a 2005 Keith Terry estuvo en el Departamento de Arte y Cultura del Mundo de la Universidad de UCLA (EE.UU.), donde diseñó e impartió cursos sobre relaciones entre música y danza, audición interior, sincronización, el tiempo y su medida, así como la comunicación intercultural intercultural en las artes. En el año 2006 creó y dirigió el primer proyecto internacional internacional sobre la interpretación a través de la percusión corporal en Salzburgo con artistas de Turquía, Finlandia, España, Austria y Estados Unidos. Ha sido galardonado en 2008 con el premio Guggenheim Fellowship Fellowship..


Se ruega a los participantes que asistan con ropa cómoda y calzado apropiado para el baile. [ 64 ]


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Musicoterapia Esperanza Torres

Musicoterapia Esperanza Torres

MUSICOTERAPIA

Viajes interiores con música: sensibilización al método BMGIM Profesora: Esperanza Torres

13 y 14 marzo Esperanza Trres

Introducción

Este taller teórico-práctico pretende introducir al participante de una manera experiencial en la técnica musicoterapéutica de Imagen Guiada y Música, creada por Hellen Bonny en la década de los sesenta.

Es psicóloga clínica, formada en terapia de familia aunque integra en su trabajo distintos modelos ideológicos, especialmente el humanista. Inicia su tarea profesional como maestra, especialista en pedagogía terapéutica, trabajando con niños y niñas con dicultades especiales en Centros de Integración.

Esta técnica terapéutica utiliza el poder de las obras maestras de la música clásica para evocar niveles metafóricos de la mente – a través de imágenesmientras se descubren sentimientos y se despierta el proceso creativo interior necesario para lograr alivio y salud.

Es así como entra en contacto con la musicotera musicoterapia, pia, experimentando, sintiendo y observando la utilidad de la música, tanto activa como receptiva, en el trabajo con personas con dicultades de comunicación, expresión y relación. Estudia Musicoterapia obteniendo obteniendo el diploma universitario de postgrado de musicoteramusicoterapia por la Universidad del País Vasco.

Su utilidad terapéutica para tratar diversas problemáticas (personas con ansiedad, estrés, depresión, traumas, procesos de duelo, enfermedades degenerativas, dependencias) o para favorecer favorecer el crecimiento crecimiento personal y profesional hace de esta técnica una herramienta de trabajo muy útil y esperanzador esperanzadora. a.

En los últimos años ha centrado su experiencia y sus estudios en la aplicación del método de psicoterapia con música “Imagen Guiada con Música” GIM (es terapeuta miembro de la Association for Music and Imagery). En la actualidad está preparando una investigación que pruebe la validez y ecacia de este método con personas afectadas de bromialgia.

Contenidos

1. Técnicas receptivas en Musicoterapia. 2. Método de Imagen Guiada y Música: a. Introducción histórica. b. Descripción del método. c. Componentes de la sesión de GIM. 3. Ejemplos prácticos y vivenciales. 4. Utilidades del método en distintas poblaciones.

Es jefa de Estudios del master de musicoterapia que organizan en Vitoria-Gasteiz el Instituto “Música Arte y Proceso” y el Conservatorio Superior de Música del Principado de Asturias, coordinando el área de psicología e i mpartiendo distintos módulos de formación dentro de éste. Entre otras cosas, se encuentra en estos momentos coordinando la Segunda Promoción de la formación especializada en el método de Imagen Guiada con Música en Vitoria-Gasteiz, junto con Ginger Clarkson Clarkson (Middle Atlantic Institut), así como la preparación de la X Conferencia Europea de Imagen Guiada con Música en el 2010. Compagina estas tareas en el ámbito educativo y terapéutico con cursos, talleres y conferencias en relación con la psicología, la musicoterapia y el método de “Imagen Guiada con Música”. Información del curso

Horario: Sábado de 9,30 a 13,30 y de 15,30 a 19,30 horas. Domingo de 10 a 14 horas. Duración: 12 horas lectivas. Matrícula: 140 e Consulte la información general en la página 88

MUSICOTERAPIA

Viajes interiores con música: sensibilización al método BMGIM Profesora: Esperanza Torres

13 y 14 marzo Esperanza Trres

Introducción

Este taller teórico-práctico pretende introducir al participante de una manera experiencial en la técnica musicoterapéutica de Imagen Guiada y Música, creada por Hellen Bonny en la década de los sesenta.

Es psicóloga clínica, formada en terapia de familia aunque integra en su trabajo distintos modelos ideológicos, especialmente el humanista. Inicia su tarea profesional como maestra, especialista en pedagogía terapéutica, trabajando con niños y niñas con dicultades especiales en Centros de Integración.

Esta técnica terapéutica utiliza el poder de las obras maestras de la música clásica para evocar niveles metafóricos de la mente – a través de imágenesmientras se descubren sentimientos y se despierta el proceso creativo interior necesario para lograr alivio y salud.

Es así como entra en contacto con la musicotera musicoterapia, pia, experimentando, sintiendo y observando la utilidad de la música, tanto activa como receptiva, en el trabajo con personas con dicultades de comunicación, expresión y relación. Estudia Musicoterapia obteniendo obteniendo el diploma universitario de postgrado de musicoteramusicoterapia por la Universidad del País Vasco.

Su utilidad terapéutica para tratar diversas problemáticas (personas con ansiedad, estrés, depresión, traumas, procesos de duelo, enfermedades degenerativas, dependencias) o para favorecer favorecer el crecimiento crecimiento personal y profesional hace de esta técnica una herramienta de trabajo muy útil y esperanzador esperanzadora. a.

En los últimos años ha centrado su experiencia y sus estudios en la aplicación del método de psicoterapia con música “Imagen Guiada con Música” GIM (es terapeuta miembro de la Association for Music and Imagery). En la actualidad está preparando una investigación que pruebe la validez y ecacia de este método con personas afectadas de bromialgia.

Contenidos

1. Técnicas receptivas en Musicoterapia. 2. Método de Imagen Guiada y Música: a. Introducción histórica. b. Descripción del método. c. Componentes de la sesión de GIM. 3. Ejemplos prácticos y vivenciales. 4. Utilidades del método en distintas poblaciones.

Es jefa de Estudios del master de musicoterapia que organizan en Vitoria-Gasteiz el Instituto “Música Arte y Proceso” y el Conservatorio Superior de Música del Principado de Asturias, coordinando el área de psicología e i mpartiendo distintos módulos de formación dentro de éste. Entre otras cosas, se encuentra en estos momentos coordinando la Segunda Promoción de la formación especializada en el método de Imagen Guiada con Música en Vitoria-Gasteiz, junto con Ginger Clarkson Clarkson (Middle Atlantic Institut), así como la preparación de la X Conferencia Europea de Imagen Guiada con Música en el 2010. Compagina estas tareas en el ámbito educativo y terapéutico con cursos, talleres y conferencias en relación con la psicología, la musicoterapia y el método de “Imagen Guiada con Música”. Información del curso

Horario: Sábado de 9,30 a 13,30 y de 15,30 a 19,30 horas. Domingo de 10 a 14 horas. Duración: 12 horas lectivas. Matrícula: 140 e Consulte la información general en la página 88

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Multidisciplinar Pascal Le Corre

Multidisciplinar Pascal Le Corre

MULTIDISCIPLINAR

Curso sobre el miedo escénico

Profesor: Pascal Le Corre

20 y 21 febrero Pascal Le Crre

El miedo escénico se experimenta al tener que expresarse ante un público. Si es débil tiene un efecto tónico y estimulante estimulante;; nos ayuda a aunar nuestros recursos para el reto. Si es más fuerte, puede llegar a llevarnos a un estado de pánico y puede perjudicar peligrosamente la calidad de lo que se ha de realizar: temblores, temblores, rigidez, angustias, fallos de memoria, palpitaciones y gestos sin control son algunos de los síntomas que pueden darse cuando el miedo escénico alcanza un nivel importante. El miedo no responde a una realidad lógica, ya que la acción a realizar no suele entrañar riesgo real alguno; es una realidad psicológica ligada a la interpretación o a la mi rada que nosotros mismos dirigimos al reto afrontado. afrontado. Modicando nuestra valoración de la situación y desactivando los automatismos creados por las experiencias negativas recurrentes, se puede modicar la propia estructura del miedo escénico, controlar controlar su intensidad y eliminar sus síntomas. Objetivos y contenido pedagógico

El objetivo del curso es dar a los profesionales de la música unas técnicas concretas y ecaces para afrontar los diferentes problemas producidos por el miedo escénico y poder alcanzar el nivel de excelencia ante el auditorio. El curso se compone de exposiciones teóricas y de aplicación y puesta en práctica en subgrupos. Se podrá observar y practicar las técnicas de transform transformación ación así como efectuar las modicaciones individuales oportunas.

Pianista y concertista, profesor de piano y acompañamient acompañamientoo y director de estudios del grado superior en el Conservatorio superior de París. Alumno de Aldo Ciccolini en el Conservatorio Nacional Superior, obtuvo el premio n de carrera por unanimidad. Ha sido laureado en concursos como el “Maria Canals” de Barcelona (segundo premio, el primero quedó desierto) y premio especial del jurado en 1984, concurso internacional de Oporto en 1987, el premio Beethoven. Desde muy joven ha sido respaldado por las fundaciones Yehudi Menuhin, Georges Cziffra y Philip Morris. Ha ofrecido conciertos y recitales en Francia (salas Pleyel, Chatelet, Gaveau, Champs-Elysées), Champs-Elys ées), Europa, Estados Unidos, América del Sur y A sia. Su repertorio añade al tradicional obras de S. Barber, E. Granados, C. Guastavino, F. Schmitt, K. Szymanovski, Y. Takemitsu, Takemitsu, H. Villa-Lobos, S. Xarhakos, algunas de las cuales ha llevado al disco. En paralelo a su carrera como concertista, su actividad pedagógica se orienta hacia las ciencias cognitivas y particularmente a la Programación Neuro-Lingüística. Ha realizado estudios en el Instituto Francés de P.N.L. de París, donde obtuvo un master. Sus trabajos en esa materia le han llevado a dar numerosos cursos, conferencias conferencias y a escribir diversas obras pedagógicas muy apreciadas por la crítica: un método de lectura a primera vista “la magie du déchiffrage” y un libro sobre el miedo escénico “l’art du trac” (Lemoine/Van de Velde). Pascal Le Corre es director de la colección El Hombre Músico de ediciones Van de Velde, dedicada a la pedagogía musical y al desarrollo personal. Escribe, desde hace más de diez años, artículos en la sección pedagógica de la revista, La Lettre du Musicien.


No es necesario que los asistentes traigan su instrumento. Curso en español.


MULTIDISCIPLINAR

Curso sobre el miedo escénico

Profesor: Pascal Le Corre

20 y 21 febrero Pascal Le Crre

El miedo escénico se experimenta al tener que expresarse ante un público. Si es débil tiene un efecto tónico y estimulante estimulante;; nos ayuda a aunar nuestros recursos para el reto. Si es más fuerte, puede llegar a llevarnos a un estado de pánico y puede perjudicar peligrosamente la calidad de lo que se ha de realizar: temblores, temblores, rigidez, angustias, fallos de memoria, palpitaciones y gestos sin control son algunos de los síntomas que pueden darse cuando el miedo escénico alcanza un nivel importante. El miedo no responde a una realidad lógica, ya que la acción a realizar no suele entrañar riesgo real alguno; es una realidad psicológica ligada a la interpretación o a la mi rada que nosotros mismos dirigimos al reto afrontado. afrontado. Modicando nuestra valoración de la situación y desactivando los automatismos creados por las experiencias negativas recurrentes, se puede modicar la propia estructura del miedo escénico, controlar controlar su intensidad y eliminar sus síntomas. Objetivos y contenido pedagógico

El objetivo del curso es dar a los profesionales de la música unas técnicas concretas y ecaces para afrontar los diferentes problemas producidos por el miedo escénico y poder alcanzar el nivel de excelencia ante el auditorio. El curso se compone de exposiciones teóricas y de aplicación y puesta en práctica en subgrupos. Se podrá observar y practicar las técnicas de transform transformación ación así como efectuar las modicaciones individuales oportunas.

Pianista y concertista, profesor de piano y acompañamient acompañamientoo y director de estudios del grado superior en el Conservatorio superior de París. Alumno de Aldo Ciccolini en el Conservatorio Nacional Superior, obtuvo el premio n de carrera por unanimidad. Ha sido laureado en concursos como el “Maria Canals” de Barcelona (segundo premio, el primero quedó desierto) y premio especial del jurado en 1984, concurso internacional de Oporto en 1987, el premio Beethoven. Desde muy joven ha sido respaldado por las fundaciones Yehudi Menuhin, Georges Cziffra y Philip Morris. Ha ofrecido conciertos y recitales en Francia (salas Pleyel, Chatelet, Gaveau, Champs-Elysées), Champs-Elys ées), Europa, Estados Unidos, América del Sur y A sia. Su repertorio añade al tradicional obras de S. Barber, E. Granados, C. Guastavino, F. Schmitt, K. Szymanovski, Y. Takemitsu, Takemitsu, H. Villa-Lobos, S. Xarhakos, algunas de las cuales ha llevado al disco. En paralelo a su carrera como concertista, su actividad pedagógica se orienta hacia las ciencias cognitivas y particularmente a la Programación Neuro-Lingüística. Ha realizado estudios en el Instituto Francés de P.N.L. de París, donde obtuvo un master. Sus trabajos en esa materia le han llevado a dar numerosos cursos, conferencias conferencias y a escribir diversas obras pedagógicas muy apreciadas por la crítica: un método de lectura a primera vista “la magie du déchiffrage” y un libro sobre el miedo escénico “l’art du trac” (Lemoine/Van de Velde). Pascal Le Corre es director de la colección El Hombre Músico de ediciones Van de Velde, dedicada a la pedagogía musical y al desarrollo personal. Escribe, desde hace más de diez años, artículos en la sección pedagógica de la revista, La Lettre du Musicien.


No es necesario que los asistentes traigan su instrumento. Curso en español. [ 72 ]


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Interpretación Instrumental Imre Rohmann Josep Colom Magdalena Martínez

Interpretación Instrumental Imre Rohmann Josep Colom Magdalena Martínez

INTERPRETACIÓN INSTRUMENTAL

Curso de música de cámara

Profesor: Imre Rohmann

Del 21 de noviembre al 30 de mayo Imre Rhmann

INFoRMACIN DEL CURSo Matrícula alumno oyente:

Fechas:

noviembre diciembre enero marzo mayo

21 y 22 19 y 20 30 y 31 13 y 14 29 y 30

Horario:

De 9,30 a 13,30 y de 15,30 a 19 horas. Concierto de alumnos:

29 de mayo a las 19 horas. Duración:

75 horas lectivas (alumnos activos: Música de cámara 1 clase de 90 minutos por encuentro, Piano 1 clase de 60 minutos por encuentro). Matrícula alumno activo:

Piano: 435 € + tasas Dúo: 828 € + tasas Trío: 892 € + tasas Cuarteto: 960 € + tasas Quinteto: 998 € + tasas Sexteto: 1.021 € + tasas La matrícula se podrá abonar en tres plazos: 1º. 21 de noviembre: 50% de la matrícula + tasas 2º. 19 de diciembre: 30% de la matrícula 3º. 30 de enero: 20% de la matrícula

Curso completo: 210 € + tasas Un encuentro: 50 € Un día: 26 € Prueba de admisión:

Envío del boletín de inscripción, fotocopia del título y una cinta de vídeo, CD o DVD reciente con dos obras. Las grabaciones deberán llegar al Aula de Música antes del 21 de ctubre. ctubre. Será imprescindible poder asistir a la totalidad de las clases en las fechas programadas para poder ser seleccionado en la prueba de admisión. El Aula de Música se pondrá en contacto con las personas que superen la prueba. Los horarios de la totalidad de las clases acordados en el primer encuentro serán inamovibles. Los posibles cambios que los alumnos puedan acordar entre sí, no podrán alterar el horario establecido. establecido. El Aula de Música en ningún caso organizará ni se responsabilizaráá de estos cambios. responsabilizar

Nacido en Budapest (Hungría) en 1953. Terminó sus estudios musicales en la Academia de Música Ferenc Liszt después de estudiar piano y música de cámara con Kornél Zempléni, György Kurtág, Ferenc Rados, Albert Simon y Jörg Demus. Estudió dirección de orquesta con Karl Österreicher durante durante un año en la Academia de Música de Viena (1980-1981). Ha recibido el Premio Especial en el Concurso de Piano de la Radio Húngara (1974), el Tercer Premio en el Concurso Internacional de Piano Liszt-Bartók en Budapest (1976) y el Primer Premio en el Concurso Internacional de Música de Cámara Leo Weiner en Bloomington, EEUU (1980). Desde hace muchos años forma dúo con su mujer Tünde Kurucz, también pianista. Ha actuado como director de la Orquesta Savaria Symphony, la Orquesta Sinfónica de Baleares y otras muchas orquestas de cámara. Ha sido profesor ayudante en la cátedra de Piano y Música de Cámara en la Academia Ferenc Liszt de Budapest (1977-1984), Catedrático de piano invitado en la Hochschule der Künste de Berlín (1985-1986) y desde 1990 Catedrático de piano en el Mozarteum de Salzburgo. Fue además catedrático invitado en la Academia Internacional Mozart en Cracovia y Praga (1994-1998). Ha impartido clases magistrales anuales en el Seminario Bartók Internacional en Hungría (1986-2001), desde 1998 en la Academia Auer en Veszprém (Hungría) y desde 1990 de forma regular en diversas ciudades de Japón. El Aula de Música de la Universidad de Alcalá le invita regularmente desde 2002 a impartir el curso de Inter Inter-pretación de Música de Cámara y de Piano en los Cursos de Especialización Musical. Es también autor de transcripciones para piano solo y para dúo de pianos de obras de J. S. Bach, R. Strauss, J. Strauss hijo, I.Stravinsky, P. I. Tchaikovsky, G. Rossini, etc.



Curso de música de cámara

Profesor: Imre Rohmann

Del 21 de noviembre al 30 de mayo Imre Rhmann

INFoRMACIN DEL CURSo Matrícula alumno oyente:

Fechas:

noviembre diciembre enero marzo mayo

21 y 22 19 y 20 30 y 31 13 y 14 29 y 30

Curso completo: 210 € + tasas Un encuentro: 50 € Un día: 26 € Prueba de admisión:

Horario:

De 9,30 a 13,30 y de 15,30 a 19 horas.

Envío del boletín de inscripción, fotocopia del título y una cinta de vídeo, CD o DVD reciente con dos obras. Las grabaciones deberán llegar al Aula de Música antes del 21 de ctubre. ctubre.

Concierto de alumnos:

29 de mayo a las 19 horas. Duración:

75 horas lectivas (alumnos activos: Música de cámara 1 clase de 90 minutos por encuentro, Piano 1 clase de 60 minutos por encuentro). Matrícula alumno activo:

Piano: 435 € + tasas Dúo: 828 € + tasas Trío: 892 € + tasas Cuarteto: 960 € + tasas Quinteto: 998 € + tasas Sexteto: 1.021 € + tasas La matrícula se podrá abonar en tres plazos: 1º. 21 de noviembre: 50% de la matrícula + tasas 2º. 19 de diciembre: 30% de la matrícula 3º. 30 de enero: 20% de la matrícula

Será imprescindible poder asistir a la totalidad de las clases en las fechas programadas para poder ser seleccionado en la prueba de admisión. El Aula de Música se pondrá en contacto con las personas que superen la prueba. Los horarios de la totalidad de las clases acordados en el primer encuentro serán inamovibles. Los posibles cambios que los alumnos puedan acordar entre sí, no podrán alterar el horario establecido. establecido. El Aula de Música en ningún caso organizará ni se responsabilizaráá de estos cambios. responsabilizar

Nacido en Budapest (Hungría) en 1953. Terminó sus estudios musicales en la Academia de Música Ferenc Liszt después de estudiar piano y música de cámara con Kornél Zempléni, György Kurtág, Ferenc Rados, Albert Simon y Jörg Demus. Estudió dirección de orquesta con Karl Österreicher durante durante un año en la Academia de Música de Viena (1980-1981). Ha recibido el Premio Especial en el Concurso de Piano de la Radio Húngara (1974), el Tercer Premio en el Concurso Internacional de Piano Liszt-Bartók en Budapest (1976) y el Primer Premio en el Concurso Internacional de Música de Cámara Leo Weiner en Bloomington, EEUU (1980). Desde hace muchos años forma dúo con su mujer Tünde Kurucz, también pianista. Ha actuado como director de la Orquesta Savaria Symphony, la Orquesta Sinfónica de Baleares y otras muchas orquestas de cámara. Ha sido profesor ayudante en la cátedra de Piano y Música de Cámara en la Academia Ferenc Liszt de Budapest (1977-1984), Catedrático de piano invitado en la Hochschule der Künste de Berlín (1985-1986) y desde 1990 Catedrático de piano en el Mozarteum de Salzburgo. Fue además catedrático invitado en la Academia Internacional Mozart en Cracovia y Praga (1994-1998). Ha impartido clases magistrales anuales en el Seminario Bartók Internacional en Hungría (1986-2001), desde 1998 en la Academia Auer en Veszprém (Hungría) y desde 1990 de forma regular en diversas ciudades de Japón. El Aula de Música de la Universidad de Alcalá le invita regularmente desde 2002 a impartir el curso de Inter Inter-pretación de Música de Cámara y de Piano en los Cursos de Especialización Musical. Es también autor de transcripciones para piano solo y para dúo de pianos de obras de J. S. Bach, R. Strauss, J. Strauss hijo, I.Stravinsky, P. I. Tchaikovsky, G. Rossini, etc.


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Curso de interpretación de piano

Profesor: Josep Colom

Del 27 de octubre al 1 de junio Jsep Clm

INFoRMACIN DEL CURSo Fechas:

Prueba de admisión:

octubre 27 noviembre 24 diciembre 15 enero 12 febrero 23 abril 20 junio

La prueba de admisión constará de dos partes: Envío del boletín de inscripción, fotocopia del título y una cinta de vídeo, CD o DVD reciente con dos obras: - una sonata clásica a elegir entre las de Mozart, Haydn, Beethoven o Schubert - una obra de diferente estilo a elegir por el interesado •

1

Horario:

de 10 a 14 horas. Concierto de alumnos:

2 de junio a las 19 horas. Duración:

28 horas lectivas (alumnos activos: 7 clases individuales de 80 minutos cada una). Matrícula alumno activo:

758 € + tasas La matrícula se podrá abonar en tres plazos: 1º. 27 de octubre: 50% de la matrícula + tasas 2º. 15 de diciembre: 30% de la matrícula 3º. 23 de febrero: 20% de la matrícula Matrícula alumno oyente:

Curso completo: completo: 116 € + tasas Un día: 21 €

Las grabaciones deberán llegar al Aula ctubre. de Música antes del 8 de ctubre. Una entrevista personal, seguida de una audición privada con el profesor Josep Colom el 26 de ctubre. ctubre. - El programa para la audición privada será el mismo que el presentado en la 1ª parte •

Natural de Barcelona. Estudia piano en Barcelona y en París. Primer Premio de los Concursos Internacionales de Santander, Jaén, Epinal, etc. En 1980 fue invitado a participar como miembro del jurado del Concurso Chopin de Varsovia. Frecuentemente actúa con las mejores orquestas y directores del país, siendo numerosos sus recitales y sus colaboraciones en música de cámara con muy diversos conjuntos e intérpretes. Su discografía incluye la integral de Blasco de Nebra (Etnos) –que fue premiada por el Ministerio de Cultura–, Falla (Circé) y Mompou (Le Chant du Monde), además de un disco con las obras más importantes de C. Franck. Ha iniciado la grabación de la integral de Brahms para el sello Le Chant du Monde. En 1998 el Ministerio de Cultura le concede el Premio Nacional de Música de Interpretación. El Aula de Música de la Universidad de Alcalá le invita regularmente desde 1990 a impartir el curso de Interpretación de Piano en los Cursos de Especialización Musical.

El Aula de Música comunicará a las personas que superen la 1ª parte de la prueba de admisión, la hora de su entrevista. Será imprescindible poder asistir a la totalidad de las clases en las fechas programadas para poder ser seleccionado en la prueba de admisión. Las fechas establecidas en el curso de interpretación podrán sufrir alguna modicación a causa de compromisos profesionales que le puedan surgir al Sr. Colom. Todo cambio de fechas se hará de acuerdo con los alumnos participantes como activos.



Curso de interpretación de piano

Profesor: Josep Colom

Del 27 de octubre al 1 de junio Jsep Clm

INFoRMACIN DEL CURSo Fechas:

Prueba de admisión:

octubre 27 noviembre 24 diciembre 15 enero 12 febrero 23 abril 20 junio

La prueba de admisión constará de dos partes: Envío del boletín de inscripción, fotocopia del título y una cinta de vídeo, CD o DVD reciente con dos obras: - una sonata clásica a elegir entre las de Mozart, Haydn, Beethoven o Schubert - una obra de diferente estilo a elegir por el interesado •

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Horario:


2 de junio a las 19 horas. Duración:


758 € + tasas La matrícula se podrá abonar en tres plazos: 1º. 27 de octubre: 50% de la matrícula + tasas 2º. 15 de diciembre: 30% de la matrícula 3º. 23 de febrero: 20% de la matrícula Matrícula alumno oyente:

Curso completo: completo: 116 € + tasas Un día: 21 €

Las grabaciones deberán llegar al Aula ctubre. de Música antes del 8 de ctubre. Una entrevista personal, seguida de una audición privada con el profesor Josep Colom el 26 de ctubre. ctubre. - El programa para la audición privada será el mismo que el presentado en la 1ª parte •

Natural de Barcelona. Estudia piano en Barcelona y en París. Primer Premio de los Concursos Internacionales de Santander, Jaén, Epinal, etc. En 1980 fue invitado a participar como miembro del jurado del Concurso Chopin de Varsovia. Frecuentemente actúa con las mejores orquestas y directores del país, siendo numerosos sus recitales y sus colaboraciones en música de cámara con muy diversos conjuntos e intérpretes. Su discografía incluye la integral de Blasco de Nebra (Etnos) –que fue premiada por el Ministerio de Cultura–, Falla (Circé) y Mompou (Le Chant du Monde), además de un disco con las obras más importantes de C. Franck. Ha iniciado la grabación de la integral de Brahms para el sello Le Chant du Monde. En 1998 el Ministerio de Cultura le concede el Premio Nacional de Música de Interpretación. El Aula de Música de la Universidad de Alcalá le invita regularmente desde 1990 a impartir el curso de Interpretación de Piano en los Cursos de Especialización Musical.

El Aula de Música comunicará a las personas que superen la 1ª parte de la prueba de admisión, la hora de su entrevista. Será imprescindible poder asistir a la totalidad de las clases en las fechas programadas para poder ser seleccionado en la prueba de admisión. Las fechas establecidas en el curso de interpretación podrán sufrir alguna modicación a causa de compromisos profesionales que le puedan surgir al Sr. Colom. Todo cambio de fechas se hará de acuerdo con los alumnos participantes como activos.


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Curso de interpretación de auta Profesora: Magdalena Martínez Profesora: Pianista acompañante: Pablo Puig

Del 5 de octubre al 26 de abril Magdalena Martínez

INFoRMACIN DEL CURSo Prueba de admisión:

Fechas:

octubre noviembre diciembre enero febrero marzo abril

5 2 3 11 8 15 26

Horario:


26 de abril a las 19 horas. Duración:


546 € + tasas La matrícula se podrá abonar en tres plazos: 1º. 5 de octubre: 50% de la matrícula + tasas

5 de ctubre a las 10 hras. Envío previo del boletín de inscripción y fotocopia del título. Se presentará una obra de libre elección. Se ruega comuniquen al Aula de Música el programa para avisar con tiempo suciente al pianista acompañante. Los candidatos deberán traer las partituras de piano. Será imprescindible poder asistir a la totalidad de las clases en las fechas programadas para poder ser seleccionado en la prueba de admisión. Las fechas del curso de interpretación podrán sufrir alguna modicación a causa de compromisos profesionales que le puedan surgir a la Sra. Martínez. Todo cambio de fechas se hará de acuerdo con los alumnos participantes como activos.

Estudió en el Conservat Conservatorio orio Superior de Música de Valencia. Posteriormente Posteriormente trabajó en París con los profesores Alain Marion y Raymond Guiot en el Conservatorio Nacional Superior de París. También estudió en la Universidad de Indiana (Estados Unidos) con Peter Lloyd y en la Royal Academy de Londres con William Bennett. Obtuvo el primer premio en los siguientes concursos: Concurso Nacional de Juventudes Musicales en la especialidad de cámara y también en la de solista, Conservatorio Conservatorio Nacional Superior de París, y Woodwinds Competition en la Universidad de Indiana. Como solista ha actuado con las más importantes orquestas europeas, como Orquesta de Cámara de Europa, Halle Orchestra (Manchester), Orquestra Simfónica de Barcelona y Nacional de Catalunya, con directores como Andrew Parrot, Lawrence Foster, Ros Marbá, Lorin Maazel, Zubin Metha, etc. Colabora desde 1995 con la Chamber Orchestra of Europe, realizando giras por Japón, Estados Unidos y en las principales salas de conciertos europeas con maestros como Nikolaus Harnoncourt, Pierre Boulez, Frans Brüggen, etc. En el año 2006 fue seleccionada por Lorin Maazel como auta solista de la Orquesta de la Comunidad Valenciana del Palau de les Arts. También mantiene una intensa actividad pedagógica tanto en los encuentros de jóvenes orquestas como en numerosos cursos en conservatorios conservatorios y en la ESMUC hasta el año 2006. Desde el año 2001, el Aula de Música de la Universidad de Alcalá le invita regularmente a impartir el curso de Interpretación de Flauta de los Cursos de Especialización Musical.

2º. 3 de diciembre: 30% de la matrícula 3º. 8 de febrero: 20% de la matrícula Matrícula alumno oyente:

Curso completo: 116 € + tasas Un día: 21 €



Curso de interpretación de auta Profesora: Magdalena Martínez Profesora: Pianista acompañante: Pablo Puig

Del 5 de octubre al 26 de abril Magdalena Martínez

INFoRMACIN DEL CURSo Prueba de admisión:

Fechas:

octubre noviembre diciembre enero febrero marzo abril

5 2 3 11 8 15 26

Horario:


26 de abril a las 19 horas. Duración:


546 € + tasas La matrícula se podrá abonar en tres plazos: 1º. 5 de octubre: 50% de la matrícula + tasas

5 de ctubre a las 10 hras. Envío previo del boletín de inscripción y fotocopia del título. Se presentará una obra de libre elección. Se ruega comuniquen al Aula de Música el programa para avisar con tiempo suciente al pianista acompañante. Los candidatos deberán traer las partituras de piano. Será imprescindible poder asistir a la totalidad de las clases en las fechas programadas para poder ser seleccionado en la prueba de admisión. Las fechas del curso de interpretación podrán sufrir alguna modicación a causa de compromisos profesionales que le puedan surgir a la Sra. Martínez. Todo cambio de fechas se hará de acuerdo con los alumnos participantes como activos.

Estudió en el Conservat Conservatorio orio Superior de Música de Valencia. Posteriormente Posteriormente trabajó en París con los profesores Alain Marion y Raymond Guiot en el Conservatorio Nacional Superior de París. También estudió en la Universidad de Indiana (Estados Unidos) con Peter Lloyd y en la Royal Academy de Londres con William Bennett. Obtuvo el primer premio en los siguientes concursos: Concurso Nacional de Juventudes Musicales en la especialidad de cámara y también en la de solista, Conservatorio Conservatorio Nacional Superior de París, y Woodwinds Competition en la Universidad de Indiana. Como solista ha actuado con las más importantes orquestas europeas, como Orquesta de Cámara de Europa, Halle Orchestra (Manchester), Orquestra Simfónica de Barcelona y Nacional de Catalunya, con directores como Andrew Parrot, Lawrence Foster, Ros Marbá, Lorin Maazel, Zubin Metha, etc. Colabora desde 1995 con la Chamber Orchestra of Europe, realizando giras por Japón, Estados Unidos y en las principales salas de conciertos europeas con maestros como Nikolaus Harnoncourt, Pierre Boulez, Frans Brüggen, etc. En el año 2006 fue seleccionada por Lorin Maazel como auta solista de la Orquesta de la Comunidad Valenciana del Palau de les Arts. También mantiene una intensa actividad pedagógica tanto en los encuentros de jóvenes orquestas como en numerosos cursos en conservatorios conservatorios y en la ESMUC hasta el año 2006. Desde el año 2001, el Aula de Música de la Universidad de Alcalá le invita regularmente a impartir el curso de Interpretación de Flauta de los Cursos de Especialización Musical.

2º. 3 de diciembre: 30% de la matrícula 3º. 8 de febrero: 20% de la matrícula Matrícula alumno oyente:

Curso completo: 116 € + tasas Un día: 21 €

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Informaciones Profesoress colaboradores desde 1990 Profesore Información General

Informaciones Profesoress colaboradores desde 1990 Profesore Información General

Profesores colaboradores de los Cursos de Especialización Musical desde 1990 Profesores colaboradores

Richard Aaron Samuel Adler Elisa Agudíez Pedro Alcalde Natalia Ardila-Mantilla Luis M. Álvarez Manuel Angulo Elliott Antokoletz Rafael Argullol Eduardo Armenteros Simha Arom Gerardo Arriaga Manana Avazashvili Paul Badura-Skoda Anna Baget Gloria Bakhshayesh Andrew Ball Eustaquio Barjau Tom Beghin Javier Benet Camino Bengoechea LuisÁngel de Benito Boris Berman Christophe Bossuat Konrad Boehmer Ester Bonal Pedro Bonet Josep Borrás Ángel Botia Evelyne Brancart Reinhold Brinkmann Clive Brown Hans Brüderl Wolfgang Brunner Regina Busch Sylvano Bussotti

Cesar Camarero Diana Campóo Almudena Cano Manuel Carra Elisenda Carrasco Benet Casablancas Ricardo Casero Heidi Castleman Sergio Castro Miguel A. Centener Centeneroo Luca Chiantore Nicolás Chumachenco Lluís Claret Ramón Coll Josep Colom Gonçal Comellas Sergiu Commissiona Nicholas Cook Enrique Correa José Antonio Coso Richard Crawford Jonathan Cross Hermann Danuser Lyle Davidson José Luis de Delás Carmen Deleito Alicia Díaz de la Fuente László Dobszay Thuan Do Mihn Philippe Donnier Hugues Dufourt Jonathan Dunsby Maria Eckhardt José Luis Estellés Judit Faller Lorand Fenyves

Laurent Feneyrou François Fernández Paloma Fernández Rubén Fernández Bryan Ferneyhough Constantin Floros Dieter Flury Claudio Forcada Wolfgang Freiss Paul Friedhoff Michael Friedmann Walter Frisch Mauricio Fuks Luis G. Vázque Vázquezz Mª Ángeles Galán Antonio Gallego Ángel J. García Ecaterina Gerson Michael Gieler Miriam Gómez-Mo Gómez-Morán rán Miguel A. Gómez Martínez J. Vicente González Valle Doug Goodkin David Graham Barry Green Bernard Greenhouse Ana Guijarro Juanjo Guillem Joan Guinjoan Carles Guinovart James Harding Wolfgang Hartmann Jonathan Harvey Georg Friedrich Haas Robert Hatten Peter Heilbut

Herbert Henck Violeta Hemsy de Gaínza Elíes Hernandis Manuel Hidalgo Kathleen Horvath Roy Howat Klaus Huber Philippe Hurel Enrique Igoa Jeffrey Irvine Miguel Ituarte Alexander Ivashkin Timothy Jackson Xavier Joaquín Mauricio Kagel Gary Karr William Kinderman Tess Knighton Klára Kokas Alan Kovacs Klaus Kropnger Sigiswald Kuijken Helmut Lachenmann Anne Landa Joel Lester Robert Levin Walter Levin Arnoldo Liberman Andreas Lindenbaum Ángel Liz Montserrat López Arantza Lz. Barinagarremen Barinagarrementería tería Jesús López Cobos Julián López Gimeno José Manuel López López Sofía López-Ibor


Richard Aaron Samuel Adler Elisa Agudíez Pedro Alcalde Natalia Ardila-Mantilla Luis M. Álvarez Manuel Angulo Elliott Antokoletz Rafael Argullol Eduardo Armenteros Simha Arom Gerardo Arriaga Manana Avazashvili Paul Badura-Skoda Anna Baget Gloria Bakhshayesh Andrew Ball Eustaquio Barjau Tom Beghin Javier Benet Camino Bengoechea LuisÁngel de Benito Boris Berman Christophe Bossuat Konrad Boehmer Ester Bonal Pedro Bonet Josep Borrás Ángel Botia Evelyne Brancart Reinhold Brinkmann Clive Brown Hans Brüderl Wolfgang Brunner Regina Busch Sylvano Bussotti

Cesar Camarero Diana Campóo Almudena Cano Manuel Carra Elisenda Carrasco Benet Casablancas Ricardo Casero Heidi Castleman Sergio Castro Miguel A. Centener Centeneroo Luca Chiantore Nicolás Chumachenco Lluís Claret Ramón Coll Josep Colom Gonçal Comellas Sergiu Commissiona Nicholas Cook Enrique Correa José Antonio Coso Richard Crawford Jonathan Cross Hermann Danuser Lyle Davidson José Luis de Delás Carmen Deleito Alicia Díaz de la Fuente László Dobszay Thuan Do Mihn Philippe Donnier Hugues Dufourt Jonathan Dunsby Maria Eckhardt José Luis Estellés Judit Faller Lorand Fenyves

Laurent Feneyrou François Fernández Paloma Fernández Rubén Fernández Bryan Ferneyhough Constantin Floros Dieter Flury Claudio Forcada Wolfgang Freiss Paul Friedhoff Michael Friedmann Walter Frisch Mauricio Fuks Luis G. Vázque Vázquezz Mª Ángeles Galán Antonio Gallego Ángel J. García Ecaterina Gerson Michael Gieler Miriam Gómez-Mo Gómez-Morán rán Miguel A. Gómez Martínez J. Vicente González Valle Doug Goodkin David Graham Barry Green Bernard Greenhouse Ana Guijarro Juanjo Guillem Joan Guinjoan Carles Guinovart James Harding Wolfgang Hartmann Jonathan Harvey Georg Friedrich Haas Robert Hatten Peter Heilbut

Herbert Henck Violeta Hemsy de Gaínza Elíes Hernandis Manuel Hidalgo Kathleen Horvath Roy Howat Klaus Huber Philippe Hurel Enrique Igoa Jeffrey Irvine Miguel Ituarte Alexander Ivashkin Timothy Jackson Xavier Joaquín Mauricio Kagel Gary Karr William Kinderman Tess Knighton Klára Kokas Alan Kovacs Klaus Kropnger Sigiswald Kuijken Helmut Lachenmann Anne Landa Joel Lester Robert Levin Walter Levin Arnoldo Liberman Andreas Lindenbaum Ángel Liz Montserrat López Arantza Lz. Barinagarremen Barinagarrementería tería Jesús López Cobos Julián López Gimeno José Manuel López López Sofía López-Ibor

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Alicia Lorenzo Marilyn Lowe Sherri Lynn Luostari Hartmut Lück María Macedo Daniel Machado Claus-Steffen Mahnkopf Vartan Manoogian Gerhard Mantel Miguel Ángel Marín Sebastián Mariné Víctor Martín Juan D. Martín Eduardo Martínez José Miguel Martínez Magdalena Martínez Eduard Martínez Borruel Ricardo Mz. Descalzo Salvador Mas Alexander C. Maschat Verena Maschat Paul Mast Emilio Mateu Herbert Mayr Patrick McCreless Mary Ruth McGuinn Rafael Melenchón Inmaculada Méndez Heinz-Klaus Metzger Pedro Mínguez Boris Mir Frank Mol Ernesto Molinari Uli Molsen Ramón Montes Alejandro Moreno

Emilio Moreno Juan M. Moreno Calderón Isabel Mundry Tristan Murail Michael Musgrave Sheila Nelson Bruno Nettl Albert Nieto Yvan Nommick Antonio Notario Faustino Núñez Maite Oca Ángel Oliver María Jesús del Olmo Eduardo Ortega David Padrós Fernando Palacios József Pállay Siegfried Palm Nacho de Paz Marisa Pérez Marianne Murray Perkins Soili Perkiö Maria João Pires Eduardo Polonio Josep Pons Marc Ponthus Alberto Posadas David del Puerto Pedro Purroy David B. Quiggle Ferenc Rados Wolfgang Rathert Koen Rens Vincenzo Restagno José Rey

Ruggiero Ricci Presentación Ríos Leonardo Riveiro Paul Roberts Luis Robledo Elisa M. Roche Imre Rohmann José Manuel Román Albert Romaní Diego Romero de Solís Antoni Ros Marbá Charles Rosen William Rothstein Francisco Rubio Jesús Rueda Gloria Ruiz Ramos Stefano Russomanno Herman Sabbe Jim Samson F. Javier Sánchez González Enrique de Santiago Jordi Savall Carl Schachter R. Murray Schafer Jaap Schröder Salvatore Sciarrino Larry Scripp Ernest Seiler Nuria Sempere Irene Sharp Jurrien Sligter László Somfai Mauricio Sotelo Mathias Spahlinger Claudio Spies Michael Spitzer

Wolfgang Stange Janos Starker Joseph Swain Katalin Székely Géza Szilvay Arturo Tamayo José Luis Téllez Keith Terry Domingo Tomás Jacinto Torres Eugenio Trías José Luis Turina Horacio Vaggione Polo Vallejo Marc Vanscheeuwij Vanscheeuwijck ck Alfonso de Vicente Isabel Vilá Willem de Waal Rita Wagner Alan Walker Marcus Weiss Arnold Whittall Jan Wijn Anthony Williams Allen Winold Mark Withers Jürg Wyttenbach Phyllis Young Bell Yung Álvaro Zaldívar Vicente Zarzo Walter Zimmermann Mimi Zweig


Alicia Lorenzo Marilyn Lowe Sherri Lynn Luostari Hartmut Lück María Macedo Daniel Machado Claus-Steffen Mahnkopf Vartan Manoogian Gerhard Mantel Miguel Ángel Marín Sebastián Mariné Víctor Martín Juan D. Martín Eduardo Martínez José Miguel Martínez Magdalena Martínez Eduard Martínez Borruel Ricardo Mz. Descalzo Salvador Mas Alexander C. Maschat Verena Maschat Paul Mast Emilio Mateu Herbert Mayr Patrick McCreless Mary Ruth McGuinn Rafael Melenchón Inmaculada Méndez Heinz-Klaus Metzger Pedro Mínguez Boris Mir Frank Mol Ernesto Molinari Uli Molsen Ramón Montes Alejandro Moreno

Emilio Moreno Juan M. Moreno Calderón Isabel Mundry Tristan Murail Michael Musgrave Sheila Nelson Bruno Nettl Albert Nieto Yvan Nommick Antonio Notario Faustino Núñez Maite Oca Ángel Oliver María Jesús del Olmo Eduardo Ortega David Padrós Fernando Palacios József Pállay Siegfried Palm Nacho de Paz Marisa Pérez Marianne Murray Perkins Soili Perkiö Maria João Pires Eduardo Polonio Josep Pons Marc Ponthus Alberto Posadas David del Puerto Pedro Purroy David B. Quiggle Ferenc Rados Wolfgang Rathert Koen Rens Vincenzo Restagno José Rey

Ruggiero Ricci Presentación Ríos Leonardo Riveiro Paul Roberts Luis Robledo Elisa M. Roche Imre Rohmann José Manuel Román Albert Romaní Diego Romero de Solís Antoni Ros Marbá Charles Rosen William Rothstein Francisco Rubio Jesús Rueda Gloria Ruiz Ramos Stefano Russomanno Herman Sabbe Jim Samson F. Javier Sánchez González Enrique de Santiago Jordi Savall Carl Schachter R. Murray Schafer Jaap Schröder Salvatore Sciarrino Larry Scripp Ernest Seiler Nuria Sempere Irene Sharp Jurrien Sligter László Somfai Mauricio Sotelo Mathias Spahlinger Claudio Spies Michael Spitzer

Wolfgang Stange Janos Starker Joseph Swain Katalin Székely Géza Szilvay Arturo Tamayo José Luis Téllez Keith Terry Domingo Tomás Jacinto Torres Eugenio Trías José Luis Turina Horacio Vaggione Polo Vallejo Marc Vanscheeuwij Vanscheeuwijck ck Alfonso de Vicente Isabel Vilá Willem de Waal Rita Wagner Alan Walker Marcus Weiss Arnold Whittall Jan Wijn Anthony Williams Allen Winold Mark Withers Jürg Wyttenbach Phyllis Young Bell Yung Álvaro Zaldívar Vicente Zarzo Walter Zimmermann Mimi Zweig

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INFORMACIÓN GENERAL

Información general AULA DE MÚSICA. Universidad de Alcalá Colegio de Basilios. c/ Colegios, 10 E-28801 E28801 Alcalá de Henares. Madrid (España) Tel.: 91 878 81 28. Fax: 91 880 29 11 e-mail: aulademusica@musical [email protected] cala.com

www.cenah.es www.musicalcala.com

Requisitos para matricularse por correo

Condiciones especiales

1.- Boletín de inscripción adjunto

El Aula de Música ofrece la posibilidad de inscribirse en tres, cuatro, cinco o más cursos de los programados para el curso 2009-2010 con un descuento sobre el importe total:

2.- Fotocopia del DNI/Pasaporte/T DNI/Pasaporte/Tarjeta arjeta de Residencia (legible y actualizado) 3.- Resguardo del ingreso del importe de matrícula y 22 € de tasas de secretaría (excepto los aspirantes a los cursos que requieren prueba de admisión, que abonarán matrícula y tasas una vez admitidos) 4.- Fotocopia compulsada del título ocial. La compulsa se puede realizar en el Aula de Música. (Sólo si se desea obtener el diploma) Los ingresos se realizar realizarán án mediante transferencia bancaria a: Fundación General de la Universidad de Alcalá. Aula de Música

Matrícula en tres cursos:

10% descuento

Matrícula en cuatro cursos:

20% descuento

Matrícula en cinco cinco o más cursos: cursos: 30% descuento Se excluyen de la posibilidad del descuento los cursos con matrículas de alumno activo, aunque sí se contabilizarán para el total del número de cursos y obtener así el descuento correspondiente correspondiente en los restantes cursos.

CAJA MADRID: Avda. Reyes Católicos, Católicos, 10. EE-28802 28802 Alcalá de Henares (Madrid)

Los descuentos nunca serán acumulativos, el Aula de Música aplicará en cada caso el más favorable para el alumno.

Datos bancarios: 2038 2249 81 6000321371

Asistencia a los cursos por sesiones sueltas: consultar tarifas en el Aula de Música.

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Notas

- El importe de la matrícula de cada curso, más 22 € de tasas de secretaría, se abonarán al formalizar la inscripción correspondien correspondiente. te. Las tasas de secretaría se abonarán una sola vez para el curso 2009-2010, independientemente del número de cursos en que se matricule el alumno. - Los alumnos de cursos con prueba de admisión abonarán matrícula y tasas una vez superada dicha prueba. - La devolución del importe de la matrícula sólo se contemplará en caso de suspensión o aplazamiento del total de las fechas previstas y anunciadas. En ningún caso se devolverá el importe de la matrícula por retrasos o cambios en el horario previsto.


Información general AULA DE MÚSICA. Universidad de Alcalá Colegio de Basilios. c/ Colegios, 10 E-28801 E28801 Alcalá de Henares. Madrid (España) Tel.: 91 878 81 28. Fax: 91 880 29 11 e-mail: aulademusica@musical [email protected] cala.com


Requisitos para matricularse por correo

Condiciones especiales

1.- Boletín de inscripción adjunto

El Aula de Música ofrece la posibilidad de inscribirse en tres, cuatro, cinco o más cursos de los programados para el curso 2009-2010 con un descuento sobre el importe total:

2.- Fotocopia del DNI/Pasaporte/T DNI/Pasaporte/Tarjeta arjeta de Residencia (legible y actualizado) 3.- Resguardo del ingreso del importe de matrícula y 22 € de tasas de secretaría (excepto los aspirantes a los cursos que requieren prueba de admisión, que abonarán matrícula y tasas una vez admitidos) 4.- Fotocopia compulsada del título ocial. La compulsa se puede realizar en el Aula de Música. (Sólo si se desea obtener el diploma) Los ingresos se realizar realizarán án mediante transferencia bancaria a: Fundación General de la Universidad de Alcalá. Aula de Música

Matrícula en tres cursos:

10% descuento

Matrícula en cuatro cursos:

20% descuento

Matrícula en cinco cinco o más cursos: cursos: 30% descuento Se excluyen de la posibilidad del descuento los cursos con matrículas de alumno activo, aunque sí se contabilizarán para el total del número de cursos y obtener así el descuento correspondiente correspondiente en los restantes cursos.

CAJA MADRID: Avda. Reyes Católicos, Católicos, 10. EE-28802 28802 Alcalá de Henares (Madrid)

Los descuentos nunca serán acumulativos, el Aula de Música aplicará en cada caso el más favorable para el alumno.

Datos bancarios: 2038 2249 81 6000321371

Asistencia a los cursos por sesiones sueltas: consultar tarifas en el Aula de Música.

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Notas

- El importe de la matrícula de cada curso, más 22 € de tasas de secretaría, se abonarán al formalizar la inscripción correspondien correspondiente. te. Las tasas de secretaría se abonarán una sola vez para el curso 2009-2010, independientemente del número de cursos en que se matricule el alumno. - Los alumnos de cursos con prueba de admisión abonarán matrícula y tasas una vez superada dicha prueba. - La devolución del importe de la matrícula sólo se contemplará en caso de suspensión o aplazamiento del total de las fechas previstas y anunciadas. En ningún caso se devolverá el importe de la matrícula por retrasos o cambios en el horario previsto.

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Información general

Infrmación de transprtes y aljamient Requisitos para la obtención del diploma

Comunicaciones Madrid – Alcalá de Henares

1.- Acreditar asistencia como:

Tren de Cercanías

a) alumnos activos (de los cursos de interpretación): 100% de sus clases individuales. b) resto de los alumnos: 80% de las clases.

Líneas C1, C2 y C7

Tel: 902 240 202

Paradas Madrid:

Alcobendas – Cantoblan Cantoblanco co Chamartín Tres Cantos – Príncipe Pío Nuevos Ministerios – Recoletos Atocha... Alcalá de Henares

2.- Haber abonado el importe total de la matrícula y las tasas de secretaría. 3.- Acreditar –con documento compulsado o cotejado con el original en la secretaría del Aula de Música- haber nalizado los estudios correspondientes para la obtención del título de Profesor o Profesor Superior de los planes 42 y 66, y del Grado Superior de LOGSE en un conservatorio ocial, o del título de licenciado o diplomado universitario. Los alumnos extranjeros deberán aportar documentación –compulsada o cotejada con el original en la secretaría del Aula de Música- sobre los estudios realizados.

Parada Alcalá:

Autobuses Madrid – Alcalá de Henares

Empresa “La Continental”. Tels: 91 745 63 00 Paradas Madrid: Parada Alcalá:

Aclaración

Los estudiantes de Grado Medio y Superior de LOGSE podrán matricularse en cualquier curso como alumnos oyentes, sin derecho a obtención de diploma. Se emitirá un certicado de asistencia como oyente en el que consten las horas. Recomendaciones

- Los alumnos que tengan pendiente algún documento deberán presentarse media hora antes del comienzo del curso en la secretaría del Aula. - Se ruega puntualidad.

Taxi desde Madrid:

Radiotaxi Alcalá:

Intercambiador de Avenida de América (Metro Avda. de América) Canillejas (Metro Canillejas) Avda. de Guadalajara, 5 de 35 a 45 € aproximadamente Tels: 91 882 21 88 – 91 882 21 79 (servicio 24 h.)

Alojamiento La Universidad de Alcalá ofrece la posibilidad de hospedarse temporalmente temporalmente en la Residencia San Ildefonso (a 200 metros del Aula de Música). Para más información y reservas llamar a Tel: 91 878 81 46. fax: 91 878 80 63

Información Alcalá de Henares http://www.ayto-alcaladehenares.es


Información general

Infrmación de transprtes y aljamient Requisitos para la obtención del diploma

Comunicaciones Madrid – Alcalá de Henares

1.- Acreditar asistencia como:

Tren de Cercanías

a) alumnos activos (de los cursos de interpretación): 100% de sus clases individuales. b) resto de los alumnos: 80% de las clases.

Líneas C1, C2 y C7

Tel: 902 240 202

Paradas Madrid:

Alcobendas – Cantoblan Cantoblanco co Chamartín Tres Cantos – Príncipe Pío Nuevos Ministerios – Recoletos Atocha... Alcalá de Henares

2.- Haber abonado el importe total de la matrícula y las tasas de secretaría. 3.- Acreditar –con documento compulsado o cotejado con el original en la secretaría del Aula de Música- haber nalizado los estudios correspondientes para la obtención del título de Profesor o Profesor Superior de los planes 42 y 66, y del Grado Superior de LOGSE en un conservatorio ocial, o del título de licenciado o diplomado universitario. Los alumnos extranjeros deberán aportar documentación –compulsada o cotejada con el original en la secretaría del Aula de Música- sobre los estudios realizados.

Parada Alcalá:

Autobuses Madrid – Alcalá de Henares

Empresa “La Continental”. Tels: 91 745 63 00 Paradas Madrid: Parada Alcalá:

Aclaración

Los estudiantes de Grado Medio y Superior de LOGSE podrán matricularse en cualquier curso como alumnos oyentes, sin derecho a obtención de diploma. Se emitirá un certicado de asistencia como oyente en el que consten las horas. Recomendaciones

- Los alumnos que tengan pendiente algún documento deberán presentarse media hora antes del comienzo del curso en la secretaría del Aula. - Se ruega puntualidad.

Taxi desde Madrid:

Radiotaxi Alcalá:

Intercambiador de Avenida de América (Metro Avda. de América) Canillejas (Metro Canillejas) Avda. de Guadalajara, 5 de 35 a 45 € aproximadamente Tels: 91 882 21 88 – 91 882 21 79 (servicio 24 h.)

Alojamiento La Universidad de Alcalá ofrece la posibilidad de hospedarse temporalmente temporalmente en la Residencia San Ildefonso (a 200 metros del Aula de Música). Para más información y reservas llamar a Tel: 91 878 81 46. fax: 91 878 80 63

Información Alcalá de Henares http://www.ayto-alcaladehenares.es

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BOLETÍN DE INSCRIPCIÓN

Plano

Dats persnales: Apellidos: Nombre: Fecha de nacimiento:

Nacionalidad:

DNI/Pasaporte/Tarjeta DNI/Pasaporte/T arjeta de Residencia: Domicilio: Localidad: Provincia: Teléfonos: e.mail:

Curss en ls que desea matricularse:

Estudis realizads:

Títul:

Especialidad:

Centr:

Código Postal:

BOLETÍN DE INSCRIPCIÓN

Plano

Dats persnales: Apellidos: Nombre: Fecha de nacimiento:

Nacionalidad:

DNI/Pasaporte/Tarjeta DNI/Pasaporte/T arjeta de Residencia: Domicilio: Localidad: Provincia:

Código Postal:

Teléfonos: e.mail:

Curss en ls que desea matricularse:

Estudis realizads:

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R E V I S T A

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E S P E C I A L I Z A C I Ó N

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M U S I C A L

“ A L M U D E N A

C A N O ”

Quodlibet ENERO ENE RO - AB ABRI RILL 20 2009 09

“ ...ZZZ... ...ZZZ... ZAPPA, ZIMMERMANN, ZORN: ¿UNA ÚNICA TRADICIÓN? ” “EL TEMPO TEMPO EN LA MÚSICA CLÁSICA Y ROMÁNTICA” “INTERPRETANDO A CHOPIN”

James Methuen-Campbell

ESTUDIO DE PROPORCIONS Nº 4

DIRECCIÓNGENERAL DECOOPERACIÓNY COMUNICACIÓN CULTURAL

Herman Sabbe

Clive Brown

MONOGRÁFICO: LOS CUARTETOS DE HAYDN HAYDN

PATRIMONIODE LA HUMANIDAD

15 �

Joan Riera Robusté

DIRECCIÓNGENERAL DELLIBRO ARCHIVOS YBIBLIOTECAS

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Quodlibet ENERO ENE RO - AB ABRI RILL 20 2009 09

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James Methuen-Campbell

ESTUDIO DE PROPORCIONS Nº 4

DIRECCIÓNGENERAL DECOOPERACIÓNY COMUNICACIÓN CULTURAL

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Quodlibet SUSCRIPCIÓNANUAL (3 números): ESPAÑA ESP AÑA:: 39� EUROPA EURO PA:: 55� RESTO REST O DEL DEL MUNDO: MUNDO: 75�

PRECIOS NÚMEROSATRASAD NÚMEROSATRASADOS OS Número Núme ross 1 al 12 1 3 al 21 22 al 30 31 al 36 37 al 43

Tar arififas as 9 1 0, 0,80� 12� 14� 15�

Para contratar publicidad o solicitar números atrasados: Quodlibet Aula de Música.Universidad deAlcalá Colegio de Basilios. Basilios. C/ Colegios,10 28801Alcalá de Henares (Madrid) (Madrid) Tel.91 878 81 28 • Fax 91 880 29 11

E-mail:[email protected] E-mail:publicaciones@music alcala.com

. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . N . . . . Ó I . . C . . P . . . I . R . . C . . S . . . U . . S . . . E . . . D . . . N . . Í . T . . E . . . L . . O . . B . . . . s o d i l l e p A . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . e r b m o N

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Herman Sabbe

Clive Brown

MONOGRÁFICO: LOS CUARTETOS DE HAYDN HAYDN

PATRIMONIODE LA HUMANIDAD

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Joan Riera Robusté

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