APOSTILA DE ARTE CESEC

CESEC – CENTRO ESTADUAL DE EDUCAÇÃO CONTINUADA

ARTE Ensino Médio

1º Módulo Pré-História

PRÉ-HISTÓRIA MÓDULO 01: Paleolítico, Neolítico, Idade dos Metais e a Escrita

IDADE ANTIGA MÓDULO 02: Grandes Civilizações: Grécia, Egito, Roma e Era Cristã

IDADE MÉDIA MÓDULO 03: Artes: Clássica, Românica, Gótica, Arte Paleocritã, Paleocritã, Arte Bizantina, Bizantina, Arte Islâmica e Renascimento

IDADE MODERNA MÓDULO 04: Movimentos: Barroco e Rococó Neoclassicismo, Neoclassicismo, Romantismo e Realismo

IDADE CONTEMPORÂNEA MÓDULO 05: Estilos: Impressionismo, Fouvismo, Expressionismo, Cubismo, Abstracionismo, Surrealismo, Op. Art, Pop Art, Graffiti, Interferência e Instalação

OBJETIVO GERAL DE ARTES A arte tem como objetivo levar o ensino das artes visuais, a dança, a música e o teatro para serem aprendidas na escola. Não apenas para recreação, equilíbrio Psíquico, expressão criativa ou simplesmente treino de habilidades motoras. A arte é apresentada como área de conhecimento que requer espaço e constância, como todas as áreas do currículo escolar. Apre Aprende nderr a esta estabe bele lece cerr rela relaçõ ções es en entr tree seus seus trab trabal alho hoss Artísticos individuais, em grupo ou em relação a Prod Produçã ução o so soci cial al de arte arte be bem m co como mo seus seus prod produt utor ores es,, assimilando e percebendo correlações entre o que faz na escola e o que foi realizado realizado por artistas artistas na socie sociedade dade seja no âmbito local, regional, nacional, e internacional nos remete ao conhecimento do mundo .

Professor Fernando Formado em Artes Plásticas Pelas Faculdades Integradas Tereza d’ Ávila Pós-Graduado em Artes Visuais Pela Universidade Federal de Minas Gerais Pós Graduado em Tecnologias da Informação e Comunicação Pela Universidade Federal de Juiz de Fora

ORIENTAÇÕES

O aluno deverá ler a apostila, responder ao questionário e anotar no caderno as dúvidas ou dificuldades encontradas para se esclarecidas pelo professor orientador durante as aulas. O aluno deverá fazer as atividades com orientação do professor, pois cada uma delas tem seus objetivos a serem desenvolvidos. Cada aluno deverá fazer uma prova chamada de T.U. (Teste de Unidade) em uma sala própria para cada módulo estudado e deverás tirar cinqüenta por cento (50%) ou mais para ser aprovado no teste. Plano de estudo Pesq Pesqui uise se sob sobre re os as assu sunt ntos os es estu tuda dado dos, s, de desc scub ubra ra os arti artist stas as,, pintor pin tores es e escult escultore ores, s, con conjun juntos tos arquit arquitetô etônic nicos, os, fo forma rmass de des desenh enho, o, cores, formas e decorações, etc. Faça as atividades propostas seja através do desenho, colagem, pintura, escultura, música, teatro ou dança.

ESCULTURA Os homens trabalhavam escultura em osso, madeira e pedra. Outro material muito utilizado naquela época era à argila (barro), com o qual modelavam vasos, panelas e recipientes para guardar água e alimentos, ornamentando estes objetos. O tema preferido era as mulheres. SUGESTÕES: Acesse na internet, em um site de busca como o google e pesquise sobre o tema pré-história, assista ao filme: “A Guerra do Fogo”. Veja desenhos ou pinturas de animais ou do homem em sentido de caça ou combate, utensílios materiais de argila (barro) ou esculturas de madeira, osso ou ferro, mímicas, teatro ou dança entre outros.

Módulo I HISTÓRIA DA ARTE Para uma melhor compreensão dos conteúdos de artes você estudará sobre o homem e seu desenvolvimento artístico através dos tempos. A história da arte está dividida em cinco períodos diferentes: Pré-

História, Idade Antiga, Idade Média, Idade Moderna, e Contemporânea o que pode variar de acordo com a região ou com o passar do tempo. Você ira entrar na fascinante história do homem, vai descobrir como o homem se desenvolveu no decorrer do tempo e como foi o seu desenvolvimento artístico. “De tudo que o homem tem ele deve adquirir o conhecimento”, e para ampliar os seus horizontes você devera ler livros de acordo com os conteúdos estudados, ver vídeos sobre o assunto, pesquisar na internet, comentar com os colegas, professores ou pessoas com conhecimento e experiência para melhor organizar suas idéias e com isso entender a matéria. “Só adquire o conhecimento àquele que a busca como o ouro ou como a pedras preciosas”. É preciso querer para conquistar.

PRÉ-HISTÓRIA

O que é pré-história? A Pré–história é o período que se estende desde o surgimento do homem até a invenção da escrita, cerca de 3.600 anos antes de Cristo. O que aconteceu nesse vastíssimo período pode ser conhecido pelo estudo dos fosseis, utensílios, desenhos, ruínas, habitações e outros vestígios da vida humana naquela época. Tem início com os nossos antepassados mais remotos que viviam em cavernas naturais onde encontramos uma das primeiras formas de expressão através da arte RUPESTRE (é o nome dado a toda pintura feita nas paredes das cavernas). Podemos estudar a Pré-história em três períodos distintos: o período Paleolítico, o período Neolítico e a Idade dos Metais.

A Pré-história e seus períodos

A Pré-história foi dividida em duas idades: Idade da Pedra (Paleolítico e Neolítico) e Idade dos Metais. Chegou-se a essa divisão de acordo com o material utilizado pelos primeiros homens na fabricação de suas ferramentas.

Essa arte era realista (inspirada no mundo que o cercava), ritualista (mágica) e simbólica (representada por desenhos ou figuras geométricas). São registradas nas cavernas as cenas de caça e combate que são as mais marcantes pinturas dessa época. O homem começa a construir seus primeiros utensílios com materiais encontrados na natureza como pedras, ossos e madeira. Com o passar dos anos ele começa a aperfeiçoar estes instrumentos, descobre a utilização do barro e da cerâmica, começam a construir suas casas e monumentos. A partir desse momento, o homem começou a fabricar vasos, pratos e potes de barro, e passou a decorá-los com sinais geométricos. As imagens feitas na pré-história significavam algum poder. As cenas, quase sempre de caça e combate ou de animais como: mamutes, bisões, cavalos e cenas místicas. Usavam corantes naturais: terra, carvão vegetal, oxida de ferro, sangue entre outros, e obtinham cores ocres, vermelhas e pretas. Temos como exemplos de pinturas rupestres as cenas da gruta de Lascaux na França e da gruta de Altamira na Espanha. As imagens nas cavernas passam a ser menos realistas. O homem já desenhava símbolos e ideogramas, os primeiros passos para a escrita. Com a descoberta e utilização dos metais, com o comercio e com o artesanato, floresceram as primeiras civilizações. O primeiro material a ser usado foi o bronze, depois o ferro, e por fim, o ouro. Começam a construir suas casas e monumentos. Com a união da arquitetura, da escultura e da pintura temos as chamadas artes plásticas ou belas artes.

As pinturas nas cavernas provavelmente devem ter sido feitas com pincéis, de pêlos de animais, preso a um pequeno osso. As tintas eram preparadas com cascas de arvores e peles de animais, trituradas de moídas. Dessa forma, o homem obtinha pigmentos avermelhados, castanhos e amarelos. Esses materiais eram triturados e misturados com sangue, gordura animal, clara de ovo e suco de plantas. As tintas eram guardadas, nos ossos ocos dos animais, revestidos, de gordura animal nas extremidades. Provavelmente o homem das cavernas começou a fazer musicas por meio de gritos, batendo os pés, palmas, objetos e até fazendo apitos de chifres de rena para imitar o cântico dos pássaros. É provável que os primeiros instrumentos tenham sido apenas galhos de árvore e pedaços de pau, utilizados para desenterrar raízes, derrubar frutos, fisgar peixes, matar animais e para se defender. Mas pouco restou desses instrumentos. As ferramentas mais antigas encontradas em escavações são de pedra, chifres ou marfim. As imagens feitas na pré-história significavam algum poder. Outro material muito utilizado naquela época era à argila (barro), com o qual modelavam vasos, panelas e recipientes para guardar água e alimentos, ornamentando estes objetos. O tema preferido eram as mulheres.

PALEOLÍTICA - Idade da Pedra Lascada Neste período a maior parte dos utensílios era constituída de pedras, das quais eram tiradas algumas lascas para formar uma borda cortante. Nesta época o homem vivia em cavernas naturais. Sua vida dependia principalmente da caça e da pesca.

A descoberta do fogo representou um grande progresso o homem passa a cozer seus alimentos, aquecer seu ambiente e se proteger de animais perigosos. O fogo representava poder. A procura de alimentos obrigava o homem a mudar de região em região e por isso ele era chamado de nômade. È nesta época que surgem as primeiras manifestações artísticas. Na escultura paleolítica os homens trabalhavam com osso, madeira e pedra. Todo o realce era dado ao corpo: o ventre, os seios e as nádegas são exageradamente volumosos, ao passo que a cabeça e as pernas são apenas prolongamentos disformes do tronco.

Na arquitetura, apareceram os primeiros monumentos sacro (megalíticos, templos e santuários) e muitas habitações, semelhantes a verdadeiras fortalezas.

NEOLÍTICA – Idade da Pedra Polida Neolítico significa Nova Idade da Pedra ou Idade da Pedra Polida

abrange aproximadamente o período entre 18.000 e 5.000 a.C. instrumentos de pedra se apresentam mais aperfeiçoados, mediante o polimento, o corte afiado, o material de melhor qualidade. O significado da palavra Neolítico é pedra nova. Nesta época o homem torna-se um produtor de alimentos, aprende a criar animais e a construir suas casas passando a ter uma vida sedentária. Surgem os primeiros objetos de cerâmicas e passam a viver em comunidade. Surgem os primeiros arquitetos. Na escultura neolítica, não há nenhuma preocupação naturalista. As figuras são mais símbolos que representação de modelos.

A Arte A característica fundamental do Neolítico está nas novas formas de relação do homem com o meio ambiente. No Neolítico o homem passou a interferir decisivamente no meio ambiente. Cultivando plantas e domesticando animais, conseguiu controlar as fontes de sua alimentação. Assim, a sobrevivência humana foi se libertando das mãos coletoras, passando a depender cada vez mais das mãos produtoras.

Essa mudança de comportamento representou uma das ma extraordinárias revoluções culturais da história, pois influencio decisivamente o modo de vida do homem. No decorrer de um longo processo, à medida que as atividades agrícolas e pastoris se consolidavam, o homem foi abandonando a vida nômade e adotando sistematicamente o modo de vida sedentária.

Inovações do Período Neolítico Entre as principais transformações que marcaram o período Neolítico, podemos destacar: Aperfeiçoamento dos instrumentos de pedra - facas, machados, foices e enxadas, pilão para transformar o grão em farinha etc. passaram a ser feitos de pedra polida. Cerâmica - a necessidade de cozinhar e armazenar os alimentos levou o homem a criar recipientes que suportassem o calor do fogo e pudessem conter líquidos. Assim, ele desenvolveu a técnica de moldar argila, dando-lhe forma, e produziu os primeiros utensílios cerâmicos. Tecelagem - o homem neolítico desenvolveu técnicas de fiar e tecer, acrescentando às suas vestimentas de couro roupas feitas de linho, algodão e lã.

Cerâmica A cerâmica se caracteriza, basicamente, pelo uso do barro como matéria-prima. Geralmente as peças, após a modelagem, são cozidas em fornos especiais a temperaturas elevadas variáveis, de acordo com a função a que se destinam. Elas podem ser figurativas ou utilitárias.Além de cerâmica, podemos empregar o barro de muitas outras madeiras, fazendo objetos, placas com baixo relevo e alto relevo.

MODELAGEM A argila é uma substância terrosa que se desfaz na água, formando uma pasta untuosa. È um material muito bom para modelagem, mas requer certos cuidados ao se trabalhar com ele. À medida que vai sendo trabalhada, a argila costuma ressecar. A água é o elemento de ligação desse material. Se as peças são finas deve-se Ter o cuidado, pois podem quebrar. Para modelar, procure sempre trabalhar sobre madeira ou fórmica. Quando terminar deixe sempre a tábua de trabalho limpa. Geralmente, modela-se com os dedos, porém, muitas vezes, necessário fazer sulcos, nervuras na peça em que se esta trabalhando. Nesse caso, os dedos não dão bons resultados e é necessário usar desbastadores. Os desbastadores são peças toscas de madeira que servem para modelar a peça que estamos trabalhando. Convém sempre limpá-los após o uso. Você pode modelar em argila formas de corpos geométricos ou figuras. Para cortar a argila, o ideal é usar arame fino ou cordão resistente que você mesmo pode preparar. Depois que a argila secar, você poderá pintar com guache ou tinta acrílica.

IDADE DOS METAIS A Idade dos Metais caracterizou-se pelo desenvolvimento e difusão do processo de fundição de metais (cobre, bronze e ferro). A metalurgia representou um enorme progresso tecnológico, possibilitou a produção de instrumentos e objetos resistentes e das mais variadas formas. Embora os metais, em geral, sejam tão duros, quanto certas pedras, eles podem ser modelados através do processo de fusão. Com metal fundido, o homem passou a confeccionar panelas, vasos, enxadas, machados, pregos, agulhas, facas e lanças de metal, entre outros objetos.

Etapas da idade dos Metais Costuma-se dividir a Idade dos Metais em três grandes fases:

Metalurgia do cobre - o primeiro metal a ser fundido em larga escala

foi o cobre. Sua utilização não significou um fim abrupto instrumentos de pedra, mas sua gradativa substituição.

Metalurgia do bronze - misturando-se cobre e estanho, obteve-se o bronze. Mais duro que o cobre, o bronze era empregado na confecção de instrumentos como espadas, lanças, martelos etc. A fundição do bronze desenvolveu-se nas primeiras cidades, onde crescia a divisão social do trabalho (funções especializadas na produção).

Metalurgia do ferro - por volta de 1500 a.C., teve início, em grande escala, a metalurgia do ferro, difundindo-se em cidades onde a vida social tornava-se mais complexa, com o desenvolvimento da civilização.

A Escrita A Escrita, como um sistema de signos que serve para

graficamente a linguagem, constitui uma das grandes conquistas Humanidade. Desde os primeiros

Evolução do Alfabeto A grande conquista da escrita foi a criação do Alfabeto. A palavra alfabeto é de origem latina (alfabetum), sendo constituída pelas duas primeiras letras do alfabeto grego, alfha e beta. O alfabeto fenício, que parece baseado na escrita do proto-Sinai (anterior ao séc. XV a.C.), foi o mais perfeito e mais difundido alfabeto antigo, com uma antiguidade de três mil anos. Constituído por cerca e vinte e dois signos, que permitiam escrever qualquer palavra, a sua simplicidade foi a chave da sua rápida expansão. Foi adotado, a partir do séc. X a.C., pelos Arameus, que o transmitiram aos Nabateus, Sírios, Persas e Hebreus. O alfabeto árabe parece derivar também dele, embora seja difícil determinar como e quando se deu essa transformação.

Alfabeto Latino Na história da arte podemos notar uma mudança nos signos conhecidos até chegar aos sistemas alfabéticos atualmente em uso, a escrita passou por inúmeras mudanças e transformações. Nesta evolução distinguem-se claramente duas fases essenciais: a escrita ideográfica e a escrita fonética. No primeiro estádio, a escrita compunha-se por signos pictóricos que representavam objetos ou idéias, com um simples valor ideográfico. Por isso, eram necessários tantos signos quantos os objetos e idéias a exprimir. Numa segunda fase, os signos começaram a representar não já objetos ou idéias, mas os sons com que tais objetos ou idéias eram nomeados no respectivo idioma. Os signos além do valor ideográfico passaram a ter também um valor fonético, conforme o texto em que surgiam. Os mais antigos vestígios de escrita provêm de Sumer (baixa Mesopotâmia), cuja antiguidade atinge 5 500 anos aproximadamente. Tanto a escrita suméria

como a escrita egípcia (hieroglífica) são, ao mesmo tempo, es ideográficas e fonéticas, que repousam no uso muito elevado de signos. A escrita Suméria, por exemplo, dispunha quase de 20 000 ideogramas simples e compostos. A escrita, inicialmente figurativa, chegou, após um lento processo de evolução, aos vários tipos de caracteres hieroglíficos e cuneiformes.

Escrita pictográfica: neste tipo de escrita os desenhos são bastante simplificados, representam coisas, condição ou ações.

Escrita grega

Escrita hieroglifica

ESTUDO DAS CORES

COR: ORIGEM E EVOLUÇÃO Observamos uma grande evolução quanto aos meios de obtenção e uso da cor. No principio era usado o preto do carvão, o branco do gesso e os tons amarelos, esverdeados e marrons da terra. Com o passar do tempo, surgiram às cores roxas, vermelhas, amarelas, azuis e outras que foram obtidas a partir de estudos e combinações diversas resultantes de misturas e com o emprego de técnicas constantemente aperfeiçoadas. A evolução das cores gerou a necessidade do desenvolvimento dos suportes para a pintura. Depois de utilizar as paredes rochosas das

cavernas, o homem passou a pintar em peles de animais, placas de madeiras e argila, telas e papeis diversos.

CORES PRIMÁRIAS São encontradas na natureza e são chamadas de primárias porque a partir da mistura delas podemos criar novas cores. São elas: o amarelo, o vermelho e o azul . CORES SECUNDÁRIAS: são obtidas pela mistura de duas cores primárias: Amarelo + azul = Amarelo + vermelho = Vermelho + azul =

verde laranja violeta ou roxo

Para a mistura correta com tinta guache, coloque no godê primeiro a cor mais clara. MONOCROMIA: são os diversos tons de uma mesma cor. Quando eu tenho diversas cores reunidas eu chamo de policromia Quando eu tenho diferentes tons eu chamo de tonalidades que podem ir do mais claro para o mais escuro ou vice-versa. Para compreendermos melhor, faremos um exercício com o lápis que consiste em colorir três quadros segurando em posições diferentes no lápis. Exemplo: para o primeiro quadro, segurar no final do lápis bem

de leve, para o segundo quadro segurar o lápis ao meio com um pouco de esforço e para o terceiro quadro segurar na ponta do lápis com firmeza.

01

02

03

Com as cores primárias e secundárias temos as chamadas cores quentes e cores frias que estão relacionadas com os elementos da natureza como o sol, as nuvens, a água, o fogo ou a natureza. As cores quentes são: amarelo, vermelho e laranja. As cores frias são: azul, violeta e verde. Temos também as cores neutras melhor representadas pelo preto, branco e cinza. Para obtermos a cor cinza basta misturarmos as cores: branco e preto conforme o exercício abaixo:

Branco

+ preto =

As cores terciárias são o resultado da mistura de uma cor primária e uma secundária. Elas são: Amarelo x laranja = amarelo-alaranjado Vermelho x laranja = vermelho-alaranjado

Vermelho x violeta = vermelho-violeta Azul x violeta = azul-violeta Azul x verde = azul-esverdeado Amarelo x verde = amarelo esverdeado

PRÉ-HISTÓRIA 01 – Qual é o período considerado pré-histórico? 02 – Que elementos nos permite estudar o que aconteceu naquele período? 03 – Qual é a divisão da pré-história? 04 – O que é arte rupestre? Como ela era?

05 – Que fatos ocorreram e contribuíram para o surgimento das p civilizações? 06 – Que metais foram utilizados por elas? 07 – Como eram feitas as pinturas por aquelas civilizações? 08 – Como era o ritmo musical do homem pré-histórico? 09 – Quais são os três períodos da pré-história? 10 – Por que o período Paleolítico é chamado de Idade da Pedra Lascada? 11 – Como era a escultura paleolítica? 12 – Como era chamado o período o período Aleolítico? Por que? 13 – Quais são as principais transformações do período Neolítico? 14 – Qual era a característica da Idade dos Metais? 15 – Qual a importância da metalurgia na Idade dos Metais? 16 – Na evolução da escrita, temos duas fases essenciais. Quais são elas e côo eram representadas? ESTUDO DAS CORES

01 – Quais foram as primeiras cores? 02 – Que são cores primárias? Quais são elas? 03 – que são cores secundárias? 04 – As cores primárias são chamadas de:_________________________________ As cores secundárias são chamadas de: _______________________________ 05 – Quais são os usos das peças de cerâmica? 06 – O que é monocromia e Policromia? 07 – O que são cores terciárias?

AVALIAÇÃO PRÉ-HISTÓRIA 1. QUAIS SÃO OS PERÍODOS DA HISTÓRIA DA ARTE? ( A ) PRÉ-HISTÓRIA, IDADE ANTIGA, ID. MÉDIA, ID. MODERNA E ID. CONTEMPORÂNEA ( B ) PRÉ-HISTÓRIA, NEOLÍTICA, PALEOLÍTICA, IDADE DOS METAIS E ESCRITA ( C ) IDADE DOS METAIS, CLÁSSICA, RENASCIMENTO E IDADE MODERNA 2. COMO ESTA DIVIDIDA A PRÉ-HISTÓRIA? ( A ) PALEOLÍTICA NEOLÍTICA IDADE DOS METAIS ( B ) PRÉ-HISTÓRIA, IDADE DOS METAIS E ESCRITA ( C ) APARECIMENTO DO HOMEM, CIDADES-ESTADOS E ESCRITA 3. SABEMOS QUE GRÉCIA, EGITO E ROMA SÃO AS GRANDES CIVILIZAÇÕES QUE MARCAM O PERÍODO DA: ( A ) PRÉ-HISTÓRIA

( C ) IDADE DOS METAIS

( B ) IDADE ANTIGA

( D ) IDADE MÉDIA

4. LIGUE O CORRESPONDENTE: ( A ) PALEOLÍTICO

(

) METAL

( B ) NEOLÍTICO

(

) PEDRA

( C ) IDADE DOS METAIS

( ) BARRO

5. LIGUE O CORRESPONDENTE:

( A ) NOMADE

(

) IDADE DOS METAIS

( B ) SEDENTARIO

(

) PALEOLÍTICO

( C ) CIDADES-ESTADO

(

) NEOLÍTICO

6. ASSINALE QUAIS SÃO OS MATERIAIS USADOS PELO HOMEM DA PRÉ-HISTÓRIA: ( )ALUMIMIO METAL

( )BARRO (

( )GESSO

)OSSO

(

)PEDRA

(

( )PAPEL

)CIMENTO

7. QUAIS SÃO OS MATERIAIS MAIS USADOS PELOS ESCULTORES MODERNOS: ( )OSSO

( )METAL

( )PEDRA

( )BARRO

( )PAPEL

8. SABENDO QUE OS HOMENS DA PRÉ-HISTÓRIA FAZIAM PINTURAS DO MUNDO QUE O CERCAVAM PODEMOS DIZER QUE SUA ARTE ERA: ( )SURREAL ( )IMAGINATIVA

( )REALISTA ( )ABSTRATA

9. PODEMOS DIZER QUE A ARTE RUPESTRE É: ( A ) PINTURA NO PAPEL

( C ) PINTURA NAS PAREDES DAS CAVERNAS

( B ) PINTURA NO METAL

( D )PINTURA NA MADEIRA

10. A DESCOBERTA DA ESCRITA É UM MARCO QUE SEPARA DOIS PERÍODOS DA HISTÓRIA. QUAIS SÃO ELES: ( A ) 4.000 A.C.

( C ) ANO DOMINE

( B ) SÉCULO V

( D ) SÉCULO


ARTE Ensino Médio

2º Módulo Idade Antiga

IDADE ANTIGA Podemos definir Idade Antiga como o período Histó compreendido entre a Invenção da escrita como o aparecimento das primeiras civilizações no Oriente até a queda do Império Romano do Ocidente no século V. Veremos os povos da Antigüidade Oriental, a Mesopotâmia, o Egito, a Grécia e a Roma,

Arte na Antiguidade As manifestações artísticas mais importantes desse período desenvolveram-se principalmente no Egito, na Grécia e em Roma. Além da civilização egípcia, outros povos se desenvolveram na região do Oriente Médio. Os principais foram: os sumérios, os assírios e os babilônios, na Mesopotâmia, região formada pelas bacias dos rios Tigres e Eufrates. Os hebreus, na Palestina, região cortada pelo rio Jordão. Os fenícios numa estreita faixa de terra no Mediterrâneo Oriental, onde se localizava o Líbano. Os medos e os persas, no planalto do Irã. E os hititas, no Planalto da Anatólia, hoje Turquia. MESOPOTÂMIA

Principais civilizações: sumérios, assírios, babilônios, caldeu, hebreus, fenícios, medos, persas e hititas. Aspectos Geográficos: A mesopotâmia situava-se na Ásia Ocidental, delimitada, ao norte, pelo maciço da Armênia, • hoje Turquia, e pelo deserto da Arábia, ao sul. Ficava entre os rios Tigre, a leste, e Eufrates, a oeste; daí o nome Mesopotâmia (“Entre Rios”, em gre mesopotâmia hoje é a República do Iraque. Devido a sua localização geográfica, a mesopotâmia era uma passagem natural para os povos em constantes deslocamentos à procura de melhores condições de vida e para caravanas de mercadores. Daí a grande mistura de povos que compunha seus habitantes, Na mesopotâmia era comum encontrar cenas pintadas como em histórias em quadrinhos. Eles faziam monumentos sobre suas vitórias e nas pinturas sobre guerras os assírios apareciam sempre vencendo e o inimigo caindo. Acabavam propagando suas vitórias como um povo mais forte, superior.

SUMÉRIOS Os Sumérios ali se fixaram. Criaram as primeiras cidades- estado, como Ur, Uruk, Lagash e iniciaram uma época de grande progresso. Atraidos por estas melhorias, os acádios conquistaram a região, ali se fixaram e dedicam-se à agricultura; dominaram as cidades sumérias e fundaram Babilônia. Os sumários e acadios ocupavam a região sul (baixa mesopotâmia) que depois ‘se chamou caldéiã, onde fundaram numero cidades com vida política independente. A não ser quando o rei de uma delas conseguia dominar as outras. Sabe-se que os sumários eram um povo adiantado quatro mil anos antes de Cristo sendo, portanto, a sua civilização anterior a dos egípcios.

Ruínas da Babilônia O PRIMIRO IMPÉRIO BABILÔRIO (sumérios e acádios) O domínio desta região foi alternando entre sumários e acádios, , também chamado babilônios, até que Hamurábi, rei acádio, conseguiu a unificação da Mesopotâmia, fundando o Primeiro Império Babilônio. Hamurábi foi um conquistador. Foi também obra sua um código de leis e princípios morais, chamados por isso de Código de Hamurábi.

Código de Hamurabi Os babilônios foram célebres na história da arte, especialmente Arquitetura e Escultura. Na falta de pedra, os arquitetos usaram tijolos de barro. Por isso quase nada resta dessas obras. IMPÉRIO ASSÍRIO

Seus sucessores não conseguiram deter os assírios que aí estabeleceram e fundaram um grande império. Fixaram sua capital em Assur e mais tarde em Nínive, tornando-se logo senhores de toda a mesopotâmia.

Os assírios realizaram grandes conquistas, graças a s organização militar e às armas por eles usadas, como cavalos, carros de combate, aríete, catapulta e escada-sobre-rodas. Enfraquecidos pelas guerras e odiados por seus vizinhos devido aos maus tratos infligidos aos vencidos, foram derrotados pelos medos, aliados aos caldeus, terminando assim o império assírio. Não havia na Mesopotâmia o papiro, planta nativa do vale do Nilo e, por isso, seus habitantes escreviam em pequenos tijolos. Essa escrita chamou-se cuneiforme porque imprimiam os sinais, em forma de cunha, no barro ainda mole Mais de vinte mil desses tijolos foram encontrados nas ruínas do palácio de Assurbanipal constituindo a biblioteca desse soberano. A decifração da escrita cuneiforme, mais difícil que a dos dois hieroglifos egípcios, foi feita pelo inglês Rawlinson e, por haver sido encontrada na Assíria a maioria dos monumentos, chamouAssiriologia o estudo dos povos da Mesopotâmia feito pela leitura das inscrições.

O SEGUNDO IMPÉRIO BABILÔNIO

O mais celebre rei deste período foi Nabucodonor que construiu os Jardins Suspensos e conquistou o reino de Judá. Seus sucessores não foram tão hábeis administradores e, em 539 a.C. o rei persa, Ciro, conquistou a babilônia, libertou os hebreus, e pôs fim ao Segundo Império Babilônico ou Caldeu. Na caldeia foram construídos muitos monumentos, mas, como não havia pedras na região, que é plana e pantanosa, os empregaram o tijolo e, por isso, suas construções não resistiram ao tempo Os sacerdotes caldeus dedicaram-se ao estudo de várias ciências principalmente à astronomia, pois eram favorecidos por um céu sempre límpido e estrelado. Como, porém, pretendessem ler o futuro dos homens nos astros, confundiram a astronomia com a astrolo superstição que chegou até nossos dias. Daí certas expressões que atualmente se usam e tiveram origem na Caldeia, como a de se dizer, quando alguém tem muita sorte, que «possui uma boa estrela”. Os sacerdotes caldeus fizeram também grandes progressos na matemática criaram um sistema de pesos e medidas, o sistema sexagesimal, porque era baseado no número sessenta. HEBREUS

Situada na palestina, em uma estreita faixa de terra. Sua história começou nas proximidades da cidade de Ur, na mesopotâmia, onde viviam em clãs comandados pelos patriarcas (chefe de família, ao mesmo tempo sacerdote, juiz e chefe de uma pequena tribo); A história política dos hebreus apresenta três períodos: Dos Patriarcas quando o povo era ainda nômade e teve como chefes Abraão, Moisés e Josué; Dos Juizes quando já estavam fixados na Palestina e lutavam contra os povos lá estabelecidos, chefiados por líderes militares como Jefté, Sansão, Samuel; Dos reis quando foram unificados num reino, cujos soberanos principais foram Saul, Davi e Salomão. A Torre de Babel, da qual fala a bíblia, foi construída na cidade de Babilônia e durante longo tempo fascinou a imaginação de homens como Alexandre Magno, da Macedônia, que pretendia reconstruí-la. Monoteísmo: os hebreus tinham a crença em um único Deus, por isso eram proibidos de representar Deus (livro do Êxodo) por isso a inexistência de imagens (esculturas, e pinturas) a religião era revelada: resultante da aliança entre Deus e seu povo. A religião dos hebreus, povos semitas que viviam na Palestina, compreendia três festas importantes: Da Páscoa em comemoração á saída dos hebreus do Egito; Do Pentecostes comemorando a entrega das tábuas da lei a Moisés, no Monte Sinai; Dos Tabernáculos celebrando a permanência dos hebreus no deserto. A Bíblia, originalmente livro sagrado do judaísmo e que, acrescido do Novo Testamento, nos primeiros anos da era cristã, é também obra básica do cristianismo e do islamismo, a religião dos árabes. Além de seu inestimável interesse religioso e histórico, ela apresenta importante conteúdo artístico: dos Salmos e do Cântico dos Cânticos. EGITO

Os egípcios eram um povo muito religioso. Acreditavam que depois da morte os homens podiam voltar à vida e por este motivo, deviam preparar-se para enfrentar a perigosa viagem ao além e o julgamento no temível tribunal de Osíris o deus da morte. Os corpos deviam ser embalsamados e colocados em locais devidamente preparados. O povo egípcio era culto e trabalhador, grande conhecedor das ciências exatas e da Medicina. Havia os homens que cultivavam a terra, os artesãos e os sábios. A escrita A escrita egípcia é denominada pictográfica; os gregos chamam de hieroglífica. Os hieroglíficos ou inscrições sagradas egípcias foram decifrados pelo sábio francês Chapollion, em 1799, escritos na famosa Pedra de Rosetta. Com o tempo foram sofrendo modificações. Os egípcios costumavam decorar os espaços, paredes e colunas com os hieróglifos. Os escribas eram responsáveis pela escrita. Graças a eles, muitas informações sobre este passado tão distante chegaram até nós.

Amenofis Para os egípcios mais que a beleza era a plenitude e a maior clareza possível, desenhavam de memória perfeitamente.

Representavam o corpo humano com a cabeça de perfil (lateralmente), e olhos,ombros e tronco de frente, os braços e pernas de lado (em movimento) e os dois pés visto do lado de dentro (os dois pés esquerdos), chamada de LEI DA FRONTALIDADE . A arte egípcia não se baseava no que pode ser visto mas sim no que ele sabia fazer parte de uma pessoa ou cena.Os homens sempre eram pintados com a pele mais escura (ocre) e a mu vermelho.Também faziam diferentes tamanhos pare representar as pessoas conforme a posição social. Os egípcios desenhavam o que conheciam e os gregos o que viam.

Tutankhamon

GRÉCIA

Teatro

Período Homérico - século XII ao VIII a.C. Período Arcaico - século VIII ao VI a.C. Período Clássico - século VI ao IV a.C. Período Helenístico século

VI

ao

I

a.C.

Os gregos usaram métodos de pintura egípcia mas nem tudo o que sabiam estar ali deveria ser mostrado. Com o passar do tempo eles começam a mostrar as cenas tal como ela é. Além de desenvolverem o teatro, a filosofia e a arquitetura foram hábeis escultores. Em duzentos anos a escultura teve o seu aperfeiçoamento devido à busca do ideal de beleza, houve uma valorização do corpo humano.

Histórico Dois grupos formaram o povo grego: os dórios e os jônicos Os gregos eram amantes da beleza e grandes artistas. Suas manifestaç artísticas; ao contrário dos egípcios, não se limitavam a uma função religiosa. A história da Grécia e a história de sua arte dividem-se nos seguintes períodos: Homérico - é a fase da aprendizagem, de estruturação da arte. Desenvolvem-se em Creta, Micenas e Chipre. Arcaico - é a fase de definição da arte. Clássica - é a fase de perfeição em todos os sentidos, da cultura e da arte. Fídias foi o artista de destaque. Helenístico - é a fase de expansão Egito, Ásia Menor, Síria e Roma. •

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Arte

Foi um momento que a arte perde a vinculação com a magia e religião. A princípio os artistas eram olhados como artífices. Na escultura clássica durante o período helenístico os artistas passam a se interessar sobre a arte pela arte, da se início a coleções de obras de arte onde as cópias começam a existir quando não se podia ter o original devido a preços fabulosos. A arte oriental era usada em molduras. No movimento de Laocoonte vemos uma arte tumultuos impressionante, com muito movimento. oi um momento que a arte perde a vinculação com a magia e religião. A civilização grega: Pintura e escultura

A preocupação pela beleza fez dos gregos grandes escultores.As esculturas eram colocadas nas praças, nos templos, no interior dos edifícios, etc. Os principais escultores foram Miron, Fidias, Policleto e Praxíteles. Também na pintura os gregos se destacam. Infelizmente, a ação do tempo e dos homens destruiu quase que totalmente suas obras. A GRÉCIA

Helenística: é a mistura da cultura grega com a de povos orientais. Figuras vermelhas sobre fundo preto, Figuras vermelhas sobre fundo branco. A estatuária grega representa os mais altos padrões já atingidos pelo homem. Na ___ escultura, o antropomorfismo - esculturas de formas humanas - foi insuperável. As estátuas adquiriram, além do equilíbrio e perfeição’ das formas, o movimento.

No Período Arcaico os gregos começaram a esculpir, em mármores, grandes figuras de homens. Primeiramente aparecem esculturas simétricas, em rigorosa posição frontal, com o peso do corpo igualmente distribuído sobre as dtias.. pernas. Esse tipo de estátua é chamado Kouros (palavra grega: homem jovem). No Período Clássico passou-se a procurar movimento nas estátuas, para isto, se começou a usar o bronze que era mais resistente do que o mármore podendo fixar o movimento sem se quebrar. Surge o nu feminino pois no período arcaico, as figuras de mulher eram esculpidas sempre vestidas. da arte para o No Período Helenístico podemos observar o crescente naturalismo: os seres humanos não eram representados apenas de acordo com a idade e a personalidade, mas também segundo as emoções e o estado de espírito de um momento. O grande desafio e a grande conquista das esculturas do período helenístico foi a representação não de uma figura apenas, mas de grupos de figuras que mantivessem á sugestão de mobilidade e fossem bonitos de todos os ângulos que pudessem ser observados. Os principais mestres da escultura clássica grega são:

- Praxíteles celebrado pela graça das suas esculturas, pela lânguida pose em “S” (Hermes com Dionisio menino), foi o primeiro artista que esculpiu o nu feminino. Policleto, autor de Doríforo - condutor da lança, criou padrões de beleza e equilíbrio através do tamanho das estatuas que deveriam ter sete vezes e meia o tamanho da cabeça - Fidias, talvez o mais famoso de todos, autor de Zeus Olímpico, sua obra-prima, e Atenéia.

Partenon Realizou toda a decoração em baixos-relevos do templo Partenon: as esculturas dos frontões, métopas e frisos. - Lisipo, representava os homens “tal como se vêem” e “não como são” (verdadeiros retratos). Foi Lisipo que introduziu a proporção ideal do corpo humano com a medida de oito vezes a cabeças. - Miron, autor do Discóbolo - homem arremessando o disco. A arquitetura grega, que tinha como característica marcante o uso da linha reta e da coluna, estava bastante ligada à escultura. Os frisos e os frontões dos templos eram primorosamente trabalhados em baixorelevo; a estátua da divindade à qual o templo era dedicado ocupava lugar de destaque no interior; ao ar livre, na parte exterior do templo, e muitas outras estátuas compunham um magnífico conjunto artístico. Os templos constituíram a principal realização arquitetônica dos gregos. A princípio, voltava-se, principalmente, para a construção de templos em madeira e pedra, bastante rústicos e de reduzidas dimensões. Aos poucos, os templos e outros edifícios vão se tornando mais amplos e cuidados, passando a contar com o mármore em seu acabamento. No período clássico, as construções primam pelo equilíbrio e harmonia geral, bem como pela perfeição dos detalhes. Por essa época, já se encontravam d os três estilos arquitetônicos fundamentais da Grécia, o dórico, o jônico e o Corinto, reconhecíveis pelas característ particulares das colunas. No mundo grego, os estilos eram identificados de acordo com as ordens arquitetônicas que regulamentas toda a obra dos artistas. A ordem

dórica é expressa por uma coluna simples, com caneluras profundas, sem base e encimada por um capitel. A jônica é mais fina e graciosa, tem coluna canelada e capitel com volutas. A ordem de Corinto, por sua vez, tem coluna bem canelada e capitel profusamente decorado com folhagens, o que o faz bastante diferente dos outros. A coluna dórica, de concepção mais antiga, apresenta-se com capitel simples e sem base saliente. A coluna jônica apresenta capitel com volutas, anéis circundando a base e elegância no conjunto, pelo equilíbrio d proporções entre largura e a a1tura. a coluna de Corinto, em seus elementos gerais, é semelhante à jônica, tendo, contudo, o capitel revestido com folhas estilizadas. Foi este o tipo mais utilizado na fase helenística e o que mais Influenciou os romanos.

Os gregos usaram métodos de pintura egípcia mas nem tudo o que sabiam estar ali deveria ser mostrado. Com o passar do tempo eles começam a mostrar as cenas tal como ela é. Além de desenvolverem o teatro, a filosofia e a arquitetura foram hábeis escultores. Em duzentos anos a escultura teve o seu aperfeiçoamento devido à busca do ideal de beleza, houve uma valorização do corpo humano.

Arte Helenística: é a mistura da cultura grega com a de povos orientais. Foi um momento que a arte perde a vinculação com a magia e religião. A princípio os artistas eram olhados como ártifes. Na escultura clássica durante o período helenístico os artistas passam a se interessar sobre a arte pela arte, da se início a coleções de obras de arte onde as cópias começam a existir quando não se podia ter o original devido a preços fabulosos. A arte oriental era usada em molduras No movimento de Laocoonte vemos uma arte tumultuos impressionante, com muito movimento.

O império Romano se levantou sobre ruínas dos re helenísticos, muitos artistas gregos trabalharam em Roma.Buscavam sempre a praticidade em suas construções desenvolvendo a engenharia civil com a construção de estradas, aquedutos, monumentos, basílicas, banhos públicos e monumentos com enormes pilares com estruturas

utilitárias usados nos estilos,dórico, jônico e coríntio.A construção do Coliseu utilizou os três tipos. As mais importantes características da arquitetura romanas são os arcos que não tiveram importância nas edificações gregas. Os gregos foram inventores do retrato que eram feitos em cera a imagem dos ancestrais que eram usados em procissões fúnebres. A ARTE ROMANA

Os romanos acreditavam na história de Rômulo e Remo, ainda hoje é possível ver uma loba é mantida viva numa jaula perto do lapitólio. Os desenhos nessa época já apresentavam posições relativas: desenhavam o rosto usando traços diferentes para olhos, nariz e boca mas mantinham as posições da cada parte relativas, cada qual no seu lugar.Mesmo não tendo um resultado de vida real havia uma certa unidade e harmonia de padrão. Para os egípcios mais que a beleza era a plenitude e a maior clareza possível, desenhavam de memória perfeitamente. Representavam o corpo humano com a cabeça de perfil (lateralmente), e olhos,ombros e tronco de frente, os braços e pernas de lado (em movimento) e os dois pés visto do lado de dentro (os dois pés esquerdos), chamada de LEI DA FRONTALIDADE. A arte egípcia não se baseava no que pode ser visto mas sim no que ele sabia fazer parte de uma pessoa ou cena.Os homens sempre eram pintados com a pele mais escura (ocre) e a mul vermelho.Também faziam diferentes tamanhos pare representar as pessoas conforme a posição social. Os egípcios desenhavam o que conheciam e os gregos o que viam. Os gregos usaram métodos de pintura egípcia mas nem tudo o que sabiam estar ali deveria ser mostrado. Com o passar do tempo eles começam a mostrar as cenas tal como ela é. Além de desenvolverem o teatro, a filosofia e a arquitetura foram hábeis escultores. Em duzentos anos a escultura teve o seu aperfeiçoamento devido à busca do ideal de beleza, houve uma valorização do corpo humano. Arte Helenística: é a mistura da cultura grega com a de povos orientais.

Foi um momento que a arte perde a vinculação com a magia e religião. A princípio os artistas eram olhados como ártifes. Na escultura clássica durante o período helenístico os artistas passam a se interessar sobre a arte pela arte, da se início a coleções de obras de arte onde as cópias começam a existir quando não se podia ter o original devido a preços fabulosos. A arte oriental era usada em molduras No movimento de Laocoonte vemos uma arte tumultuos impressionante, com muito movimento.

O império Romano se levantou sobre ruínas dos re helenísticos, muitos artistas gregos trabalharam em Roma.Buscavam sempre a praticidade em suas construções desenvolvendo a engenharia civil com a construção de estradas, aquedutos, monumentos, basílicas, banhos públicos e monumentos com enormes pilares com estruturas utilitárias usados nos estilos: dórico, jônico e coríntio.A construção do Coliseu utilizou os três tipos. As mais importantes características da arquitetura romanas são os arcos que não tiveram importância nas edificações gregas. Foram inventores do retrato que eram feitos em cera a imagem dos ancestrais que eram usados em procissões fúnebres.

Foram os inventores do retrato, que eram feitos em cera, a imagem dos ancestrais e que eram usados em procissões fúnebres. A arte romana é uma imitação das artes gregas e etruscas. Os arquitetos romanos foram mais engenheiros do que artistas. Suas construções são monumentais e nelas a massa domina a linha. Os edificios, tanto civis como religiosos, apresentam construções abdbadas e são revestidos com elementos de inspiraç helênica. Os templos seguem os modelos etruscos, com influências gregas. O Pânteon, templo dedicado a todos os deuses é a obra que mais se destaca na arquitetura romana. Outras construções romanas sã basílicas, termas, foros, teatros, anfiteatros, circo vias, muralhas, pontes e aquedutos Fórum Geral e Monte Palatino JA escultura o estilo que predominou foi o helenístico. Artistas gregos, instalados em Roma, fizeram réplicas e imitações fiéis das obras gregas mais apreciadas. Possibilitando a escultura romana desenvolver um estilo próprio. A aversão dos romanos à nudez atlética da escultura grega explica, em parte, a ausência de estudos de anatomia nessa arte.

O rosto é à parte Mais importante das peças e são desenvolvidas ao máximo as tendências realistas e psicológicas da época Helenística. A escultura floresceu nos séculos 1 e II, sob forte influência grega, predominavam na arte romana os bustos, retratos de corpo inteiro e estátuas eqüestres de imperadores e patrícios. Um segundo período áureo iniciou-se no ano 193. Entretanto, as condições políticas a partir do século III e a mediocridade dos artistas trouxeram a decadência de todas as artes e da escultura em particular. Pintura A pintura romana sempre esteve estreitamente ligada à arquitetura, e sua finalidade era quase exclusivamente deco A maior parte das pinturas romanas que conhecemos das cidades de Pompéia e Herculano, que foram soterradas pela erupção do Vesúvio em 79 a.C. - O estudiosos da pintura existente Pompéia classificam a decoração das paredes internas dos edifícios em quadro estilos.

Primeiro estilo: Incrustação: recobriam as paredes de uma sala com uma camada de gesso pintado; que dava a impressão de placas de mármore. Segundo estilo: Monumental: criaram a ilusão do bloco saliente, surgindo à profundidade. Os artistas começaram então a pintar painéis que criavam a ilusão de janelas abertas por onde eram vistas. Paisagens com animais, aves e pessoas, formando um grande mural. Terceiro estilo: Decorado: representações fiéis da realidade valorização da delicadeza dos pequenos detalhes (por volta do final do séc. I a. C.). Quarto estilo: Fantástico: ampliação do espaço com a delicadeza de pequenos detalhes. O Mosaico foi muito utilizado na de coração dos muros e pisos da arquitetura em geral. •

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As cores secundárias são o resultado da mistura de duas cores primárias: Amarelo x vermelho = laranja Vermelho x azul = violeta Amarelo x azul = verde Com as cores primárias e secundárias temos as chamadas cores quentes e cores frias que estão relacionadas com os elementos da natureza como o sol , as nuvens, a água, o fogo ou a natureza. As cores quentes são: amarelo, vermelho e laranja. As cores frias são: azul, violeta e verde. ESTRELA DAS CORES Você deverá colorir com as pontas da estrela com as cores primárias intercaladas com as CORES secundárias correspondente a sua mistura. (Esta atividade poderá ser feita com lápis de cor).As cores secundárias são o resultado da mistura de duas cores primárias: Amarelo x vermelho = laranja

Vermelho x azul = violeta Amarelo x azul = verde Com as cores primárias e secundárias temos as chamadas cores quentes e cores frias que estão relacionadas com os elementos da natureza como o sol , as nuvens, a água, o fogo ou a natureza. As cores quentes são: amarelo, vermelho e laranja. As cores frias são: azul, violeta e verde.

IDADE ANTIGA 01 – Qual o período da Idade Antiga? 02 – Que povos viveram neste tempo? 03 – Quais os lugares onde a arte mais se desenvolveu nesta época? 04 – Os babilônicos se desenvolveram em que aspecto da arte? E porque não resta nada de suas obras? 05 – Como os assírios escreviam? 06 – Fale sobre a Bíblia como obra de arte. 07 – Como se chama a escrita egípcia e a grega? 08 – O que é a lei da frontalidade? 09 – Como os egípcios pintavam o homem e a mulher? 10 – Como se divide a arte grega?

11 – Os gregos se destacaram mais na: ( ) pintura ( ) arquitetura escultura 12 – Com base na resposta acima, faça um comentário. 13 – A principal característica da arquitetura romana é os: _________________________

Arte antiga

É na Antigüidade que surgem os primeiros conceitos teóricos a respeito da sistematização e estudo das artes. Ainda que qu e cubra um período bastante longo, destaca-se aí a formulação da estética clássica clássica,, reunindo as culturas grega e romana romana.. Durante praticamente toda a Antigüidade, a arte esteve bastante associada às necessidades formais dos rituais religiosos: as várias formas de produção artística (pintura (pintura,, escultura escultura,, arquitetura arquitetura), ), buscavam de alguma forma trazer para o mundo mortal os valores do mundo divino. Esta visão de arte é especialmente esp ecialmente encontrada nos egípcios e babilônios. Os gregos e romanos romanos,, porém, ainda que cultivem esta necessidade, caminharão para uma arte com novos significados. A arte, para eles, tornar-se-á uma forma de humanismo humanismo.. Não existia a noção de perspectiva perspectiva,, que só foi (brevemente) desenvolvida pelos gregos, em um conceito chamado escorço escorço,, mas ainda não sistematizado (algo que será feito apenas no Renascimento Renascimento). ). Desta forma, a pintura egípcia, egípcia, por exemplo, caracterizou-se por propor uma realidade em suas pinturas que se mostrava não apenas bidimensional como simbólica: os personagens de maior importância, como os faraós faraós,, eram representados em uma escala bem maior que as demais figuras. Arte clássica: Grécia e Roma

Arte clássica

Estatuária clássica

Os gregos são responsáveis pelo conceito conce ito de arte que permeará praticamente toda a produção ocidental durante mais de 2000 anos. A palavra grega para a arte é tekné, que também significa técnica ou ofício. Este conceito está associado à idéia de mímese mímese,, que considera que no mundo real, a manifestação artística deve representar a busca do ideal. O ideal, para os gregos, é representado pela Perfeição da Natureza,, desta forma, a arte deve ser perfeita. Natureza p erfeita. Portanto, segundo o ponto de vista clássico, a arte é imitação da Natureza, mas não se resume a um simples retrato dela, mas à busca de uma Natureza ideal e universal. A busca deste ideal universal de Natureza é, para a arte clássica, a busca da Beleza universal, pois a Natureza, sendo perfeita, é bela. Não existe separação, segundo este ponto de vista, entre arte arte,, ciência,, matemática e filosofia ciência filosofia:: todo o conhecimento humano está voltado à busca da perfeição. Os gregos são responsáveis também por uma série de avanços do ponto de vista técnico da produção artística. A arte grega por excelência foi a escultura escultura:: os gregos desenvolveram-na de forma impressionante, considerados os exemplares de outras culturas do mesmo período. A busca pelas relações naturais perfeitas levou também a que a estatuária grega estabelecesse determinados padrões de beleza que a tornavam, ainda que absolutamente naturalista, distante da realidade cotidiana. As proporções dos corpos humanos ideais seguiam normas rígidas, de forma que a produção escultórica fosse uma busca e uma conseqüência destes padrões: como exemplo, a altura do corpo masculino deveria possuir aproximadamente sete vezes e meia a altura da cabeça. Esta canonização chegou até os dias atuais principalmente pela preservação dos textos vitruvianos durante a Idade Média, Média, mas é possível que tratados diversos possuíssem regras diferentes. d iferentes.


ARTE Ensino Médio

3º Módulo Idade Média

IDADE MÉDIA

ARTE CLÁSSICA / ARTE ROMÂNICA / ARTE GÓTICA ARTE DO RENASCIMENTO

IDADE MÉDIA Período compreendido entre 476 a 1453 com a tomada de Constantinopla pêlos turcos otomanos. Na idade média há uma mistura de processos primitivos com refinados deixando o poder de observação da natureza adormecer. Deixaram de fazer descobertas. A pintura clássica era diferente na idade média cristã, a finalidade

passou a ser importante e a igreja foi a principal prod consumidora de obras de arte. Com a invasão dos bárbaros, desaparece a cultura clássica, eles

tinham valores radicalmente diferentes. Desenvolveram uma arte decorativa, com ausência total da figura humana, Destaca-se a produção de jóias e de objetos de grande valor artístico. Neste período surgem grandes ateliês, sendo a pintura e a escultura baseadas nas passagens do evangelho, empregava-se pintura mural, sendo o afresco a técnica mais utilizada. Regiões orientais de fala grega do império romano onde a capital era Bizâncio (Constantinopla) começaram a recusaram a liderança do papa latino e uma das controvérsias era a idéia contrária a toda e qualquer imagem de natureza religiosa (dos chamados iconoclastas ou destruidores de imagens).Em 754 a igreja oriental proibiu toda a arte religiosa. Para Gregório as imagens eram não só didáticas mas sagradas. Foi nessa época que começou a levantar o império islâmico

liderado por Maomé que conseguiu unir o mundo árabe c islamismo. Eram mais rigorosos que o cristianismo e chegaram a proibir a música.

Destacam-se os estilos:

Clássico Os artistas inspiravam-se na arte grega, tanto na pintura, na estatuária e na arquitetura, tendo como princípios básicos à natureza, a razão, a beleza com extrema perícia retratando a realidade nos mínimos detalhes.

Estilo românico - A revalorização da estética clássica caracteriza o estilo românico, no século XI. Caracterizava-se pela idéia de liberdade que passava a ser maior fonte da inspiração artística. Na arquitetura, há um retorno à grandiosidade. Com noção de beleza simples, que se manifesta nos arcos de forma arredondada, o estilo românico surge na arquitetura da Borgonha (abadia de Cluny) e Normandia (catedral de Rouen), é levado para a Inglaterra e estende sua influência sobre a Espanha e a Itália, presente na fachada da igreja de San Miniato, em Florença.

Românico Com a revalorização da estética clássica, caracterizava-se pela idéia de liberdade que passava a ser maior fonte da inspiração artística e pela volta da grandiosidade na arquitetura com noção de beleza simples, que se manifesta nos arcos de forma arredondada.

Estilo gótico Na metade do século XII, surge a arte gótica. Inicialmente uma variante do estilo românico, ganha particularidade cada vez maior. A arquitetura gótica se caracteriza por arcos de forma ogival, vitrais multicoloridos com cenas bíblicas e amplas naves (como na basílica de Saint-Denis e nas catedrais de Chartres e Notre-Dame). Na pintura e na

escultura, as figuras são esguias e delicadas e a comp hierarquizada, com rígida simetria - o santo homenageado ocupa a posição central, enquanto anjos e santos secundários são colocados lateralmente. No século XIV, desenvolve-se uma radicalização do gótico, o estilo flamboyant (flamejante), de decoração rebuscada, formas leves e elegantes (catedral de Colônia, na Alemanha).

Gótico

Um estilo caracterizado por arcos de forma ogival, vi multicoloridos com cenas bíblicas e amplas naves nas catedrais. Na pintura e na escultura as figuras eram esguias e delicadas e a composição hierarquizada, com rígida simetria.

Renascentista A arte passa a caminhar com a ciência, o artista passa a ser intelectual e humanista, Os objetos de arte passam a fazer parte de palácios e residências e não mais somente da igreja tornando a arte mais voltada a família. Período compreendido entre 476 a 1453 com a tomada de Constantinopla pêlos turcos otomanos. Na idade média há uma mistura de processos primitivos com refinados deixando o poder de observação da natureza adormecer. Deixaram de fazer descobertas. A pintura clássica era diferente na idade média cristã, a finalidade

passou a ser importante e a igreja foi a principal prod consumidora de obras de arte.

Com a invasão dos bárbaros, desaparece a cultura clássica, eles


liderado por Maomé que conseguiu unir o mundo árabe c islamismo. Eram mais rigorosos que o cristianismo e chegaram a proibir a música. Destacam-se os estilos:

A arte na Idade Média A pintura medieval refere-se à maior parte da arte produzida na Europa durante um período de cerca de mil anos; começou com a queda do Império Romano no século V D.C e terminou com o começo do século V D.C e terminou com o começo do Renascimento, no século XIV. A sociedade européia medieval girava em torno do cristianismo. Assim a pintura medieval refletia esta atitude. E era a fonte principal de

seus temas. Estes artistas não estavam interessados em técnicas, ignoravam a perspectiva, seus trabalhos eram sem relevo a faziam grande uso de símbolos para narrar histórias. Em fins do século XII um artista italiano chamado Giotto criou um estilo realista que marcou o fim do período medieval na história da arte e o começo do Renascimento.

O Séc. V foi marcado por invasões germânicas (bárba visigodos, vândalos, ostrogodos e francos (Império Carolíngio) de Carlos Magno (768 – 814). Assim pode-se dizer que juntamente Migrações Bárbaras (Séc. V).

Unidade do Império Romano

Cristianismo

CULTURA OCIDENTAL

com

migrações bárbaras, a unidade do Império Romano e o Cristianismo foram os fatores essenciais da cultura ocidental, cujo nascimento e

infância se deram na Idade Média. Durante toda a Idade Média a igreja foi a principal produtora e consumidora de obras de arte. Neste período surgem grandes ateliês, sendo a pintura e as esculturas baseadas nas passagens dos evangelhos. Empregava-se a pintura mural, sendo o afresco a técnica mais utilizada. Na idade média há uma mistura de processos primitivos com refinados deixando o poder de observação de a natureza adormecer. Deixaram de fazer descobertas. Destacam-se os estilos:

as

CLÁSSICO – Os artistas inspiravam-se na arte grega, tanto na pintura, na estatuária, e na arquitetura, tendo como princípios básicos à natureza, a razão, a beleza com extrema perícia retratando a realidade nos mínimos detalhes. A pintura clássica era diferente na idade média cristã, a finalidade

passou a ser importante e a igreja foi a principal prod consumidora de obras de arte. Com a invasão dos bárbaros, desaparece a cultura clássica, eles


liderado por Maomé que conseguiu unir o mundo árabe c islamismo. Eram mais rigorosos que o cristianismo e chegaram a proibir a música.

O Império Bizantino e o Ocidente

Entre os séculos VIII e X, a arte se manifesta

em

novas atividades, como a iluminura (ilustração manual de livros), a tapeçaria, a ourivesaria,

as

fundições em bronze e os esmaltes. Com as invasões bárbaras, a arte cristã adquire certa descontração e colorido.

Arte Bizantina A fórmula da arte romana se estende por todo

o

período Paleocristã, quando ganha maior sacralização das figuras, em

detrimento de sua perfeição física. Essa arte só vai passa transformações significativas por volta do século VIII, com a influência da arte bizantina, sobretudo nos entalhes em marfim e mosaicos - veja foto

ao lado. A estilização é retomada, à maneira oriental, e as figuras ganham delicadeza, tornando-se mais espirituais. Um rosto é geralmente retratado de perfil, com alguns traços e a composição bastante sintética. Finda o espírito ático; agora as figuras humanas perdem peso e aparência.

Arte Islâmica Ocorre no Islã, depois da fundação da religião muçulmana por Maomé (570?-632?), uma produção artística que toma o norte da África. Na sucessão de impérios islâmicos, até o século XV, a arte bizantina experimenta variações, em que se destaca a arquitetura surgida entre os

séculos VIII e X, notável pela ausência de monumentalidade suntuosidade dos materiais, os excessos ornamentais e o uso de elementos curvos (ogivas, arcos, arabescos) conferem grandeza à construção. Essas características influenciam a arte ocidental no início da Alta Idade Média.

Estilo românico - A revalorização da estética clássica caracteriza o estilo românico, no século XI. Caracterizava-se pela idéia de liberdade que passava a ser maior fonte da inspiração artística. Na arquitetura, há um retorno à grandiosidade. Com noção de beleza simples, que se manifesta nos arcos de forma arredondada, o estilo românico surge na arquitetura da Borgonha (abadia de Cluny) e Normandia (catedral de Rouen), é levado para a Inglaterra e estende sua influência sobre a Espanha e a Itália, presente na fachada da igreja de San Miniato, em Florença.

Estilo gótico Na metade do século XII, surge a arte gótica. Inicialmente uma variante do estilo românico, ganha particularidade cada vez maior. A arquitetura gótica se caracteriza por arcos de forma ogival, vitrais multicoloridos com cenas bíblicas e amplas naves (como na basílica de Saint-Denis e nas catedrais de Chartres e Notre-Dame). Na pintura e na

escultura, as figuras são esguias e delicadas e a comp hierarquizada, com rígida simetria - o santo homenageado ocupa a posição central, enquanto anjos e santos secundários são colocados lateralmente. No século XIV, desenvolve-se uma radicalização do gótico, o estilo flamboyant (flamejante), de decoração rebuscada, formas leves e elegantes (catedral de Colônia, na Alemanha).

Renascentista A arte passa a caminhar com a ciência, o artista passa a ser intelectual e humanista, Os objetos de arte passam a fazer parte de palácios e residências e não mais somente da igreja tornando a arte mais voltada à família.

Alguns artistas consagrados na Idade Média: Boccacio, Albert, Leonardo, Rafael, Michelangelo, Poussin, Cornielli, Racine, David, Buonaroti, etc.

Renascimento O pensamento medieval, dominado pela religião, cede lugar a uma cultura voltada para os valores do indivíduo. Os artistas, inspirando-se uma vez mais no legado clássico grego, buscam as dimensões ideais da figura humana e a representação fiel da realidade. Esse período corresponde à Baixa Idade Média e início da Idade Moderna (do século XIII ao XVI) e pode ser dividido em Duocento (1200 a 1299), Trecento (1300 a 1399), Quattrocento (1400 a 1499) e Cinquecento (1500 a 1599).

Duocento e Trecento - No século XIII, o gótico começa a dar lugar para uma arte que resgata a escala humana. São as primeiras manifestações do que, mais tarde, se chamaria Renascimento. A principal característica dessa mudança é o surgimento da ilusão de profundidade nas obras. Em Siena, Duccio da Buoninsegna e, em Florença, Cimabue e sobretudo seu aluno Giotto são os pioneiros desse novo mundo. Nos afrescos de Giotto, na igreja de Santa Croce, em Florença, por exemplo, podem-se ver figuras mais sólidas do que as góticas, situadas em ambientes arquitetonicamente precisos, dando impressão de existência concreta: é

o nascimento do naturalismo. No século XIV, escultores como Donatello (o "Michelangelo" do Trecento) aprimoram a técnica.

Giotto da Bondone (1266?-1337?), pintor e arquiteto italiano. Nasce em Florença, estuda com o pintor Cimabue, com quem trabalha também em Roma, e se torna um dos principais artistas de sua época. Os afrescos de Santa Croce e a torre do Duomo são suas principais obras em sua

cidade natal. Revoluciona a arte ao conseguir dar expressã profundidade às figuras humanas.

Quattrocento - No século XV, Piero della Francesca (afrescos na

catedral de Arezzo) desenvolve uma pintura impessoal e sol misturando figuras geométricas e cores intensas. O arquiteto e escultor Filippo Brunelleschi, criador da cúpula do Duomo de Florença, concebe

a perspectiva, artifício geométrico que cria a ilusão tridimensionalidade numa superfície plana. Defende a técnica e seus princípios matemáticos em tratados. A ela aderem artistas como Paolo Uccello (Batalha de São Romano ), Sandro Botticelli ( Nascimento de Vênus), Leonardo da Vinci (Mona Lisa), Rafael Sanzio (Madona com menino) e Michelangelo (Davi , Moisés e Pietá - ver foto ao lado -; teto e

parede da Capela Sistina, no Vaticano; cúpula da Basílica de São Pedro). Michelangelo chega a um grau de sofisticação representativa que prenuncia o barroco em suas figuras. Na Bélgica e Holanda, nesse período, surgem os representantes do renascimento flamengo como Jan van Eyck, Hans Memling e Rogier van der Weyden, que desenvolvem a pintura a óleo.

Donatello (1386?-1466), escultor italiano. Donatto di Bardi nasce em Florença, começa como ourives e aos 17 anos aprende a esculpir em

mármore. Inicia-se, como assistente, nas portas do batistério

Florença e realiza uma obra imensa. Esculturas como Davi, Madalena e São Jorge estão entre as mais marcantes, por seu poder de produzir tensão emocional.

Leonardo da Vinci (1452-1519), artista, arquiteto, inventor e escritor italiano. Nasce em Florença, se torna aprendiz de Andrea Verrocchio e recebe a proteção de Lorenzo de Medici. Entre 1482 e 1499 vive em Milão, onde pinta o afresco da Última ceia. Em Florença, entre 1503 e 1506, pinta a Mona Lisa - ver foto ao lado. Vive em Roma, entre 1513 e 1517, onde se envolve em intrigas do Vaticano, e decide ir se juntar à corte do rei francês Francisco I. Nos estudos científicos, prenuncia a invenção de peças modernas como o escafandro, o helicóptero e o páraquedas. Seu Tratado sobre a pintura é um dos livros mais influentes da história da arte. O maior representante do Renascimento, Da Vinci inaugura o antropomorfismo em sua arte e pensamento: "O homem é a medida de todas as coisas".

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) escultor, pintor, poeta e arquiteto italiano. Nasce em Caprese, estuda em Florença e ganha a proteção de Lorenzo Medici. Em Roma, aos 23 anos, inicia a Pietá. De volta a Florença, esculpe Davi e pinta A Sagrada Família . Em 1508 começa a pintar sozinho os afrescos do teto da Capela Sistina, trabalho que dura quatro anos. Em 1538 pinta a parede do Juízo Final , na mesma capela. Oito anos depois, projeta a cúpula da Basílica de São Pedro. Ao mesmo tempo, retoma a Pietá e esculpe também a Pietá Palestrina e a Pietá Rondanini .

Cinquecento - Em Veneza, no século XVI, com pintores c Tintoretto, com sua grandiosidade, Ticiano, com seu uso de cores,

Veronèse, com seu senso espacial, e Giorgione, com expressividade, começa a última fase do Renascimento. Abandonam a primazia da forma sobre a cor e a perspectiva rigorosa. Na Espanha,

influenciado por Tintoretto, El Greco (pseudônimo de Domeni Theotokopoulos) alonga as figuras, usa cores mais expressivas e contrastes dramáticos de luz e sombra (O enterro do conde de Orgaz ). Na França, além do maneirismo (o naturalismo levado ao máximo de detalhes e efeitos) da Escola de Fontainebleau, destacam-se os retratos alegóricos de François Clouet (Diana). Na Holanda, Pieter Bruegel cria

uma rica pintura narrativa, documentando costumes de épo (Caçadores na neve), e Hieronymus Bosch pinta figuras oníricas, em cenários fantásticos, repletos de simbolismo (O jardim das delícias terrenas). Na Alemanha, surge uma pintura mais clássica, próxima do

renascimento romano-florentino. O grande mestre é Albrecht Dürer, que influencia Lucas Cranach, Albrecht Altdorfer, Matthias Grünewald e os dois Hans Holbein, pai e filho.

Jacopo Robusti Tintoretto (1515-1594), pintor italiano. Nasce em Veneza. Pouco se sabe de sua vida. Em 1564, pinta cenas do Velho Testamento no teto da irmandade de San Rocco, da qual é membro. Influenciado por Michelangelo e Ticiano, experimenta composições grandiosas e efeitos de luz que influenciam a arte posterior. Revoluciona

a forma narrativa, modificando a hierarquia clássica das histó religiosas. As cores terciárias são o resultado da mistura de uma cor primária e uma secundária. Elas são: Amarelo x laranja = amarelo-alaranjado Vermelho x laranja = vermelho-alaranjado

Vermelho x violeta = vermelho-violeta Azul x violeta = azul-violeta Azul x verde = azul-esverdeado Amarelo x verde = amarelo esverdeado EXERCÍCIOS 1 – Qual era o tema da pintura medieval? 2 – Comente a atuação da Igreja nas atividades artísticas na Idade média. 3 – Quais são os estilos de arte na Idade média? 4 – Qual é o princípio do estilo clássico?

5 – Complete – No estilo clássico, a arte ______________________com ausência de __________________, destacando a produção de ________________________. 6 – Qual a característica do estilo romântico? 7 – Como se caracteriza, no estilo Gótico, a arquitetura? 8 – Os objetos de arte passam a fazer parte das residências e não mais somente das Igrejas. Esta mudança acontece no estilo: ( ) Gótico ( ) Renascentista ( ) Clássico ( ) Romântico 9 – Marque o item que completa: No _______________, o pensamento dominado pela religião, cede lugar a uma cultura voltada para os valores da pessoa. ( ) Renascimento ( ) Gótico

( ) Romântico ( ) Clássico 10 – O mais importante pintor do Renascimento que pintou Mona Lisa é: ( ) Michelangelo ( ) Leonardo da Vinci ( ) Tintoretto ( ) Botticelli 11 – Quais as características da Arte Islâmica?


ARTES Ensino Médio

4º Módulo

Idade Moderna

Idade Moderna Ocorreram nesse período muitos progressos e incontáveis realizações no campo das artes. Num sentido amplo, esse ideal pode ser entendido como a valorização do homem e da natureza, contestando o divino e o sobrenatural, conceitos que haviam impregnado a cultura da Idade Média. As marcantes características desse período abrangem a racionalidade, a dignidade do ser humano, o ideal humanista, o rigor científico e a reutilização das artes greco-romana (clássica), foi um período artístico caracterizado pela liberdade de criação. A Moderna compreende o período histórico que, na Europa, se estende da queda do Império Romano do Oriente para os

turcos (1453) até a Revolução Francesa (1789), além de ser a época de transição do feudalismo para o capitalismo. Este período artístico se caracteriza por valorizar o homem e a natureza e ir contra o divino e o sobrenatural (conceitos que foram o marco da cultura na Idade Média). Os movimentos de arte que podemos reconhecer neste período são: Barroco, Rococó, Neoclassicismo (1780 a 1830), Romantismo (1830 a 1850)e Realismo (1850 á 1874).

MANEIRISMO O movimento artístico conhecido como maneirismo, uma tendência exagerada para a estilização, considerada por alguns historiadores a fase intermediária entre o renascimento e o barroco; A arte renascentista, que retratava claramente o equilíbrio entre o sentimento e a razão;

Paralelamente ao renascimento clássico, desenvolve-se em Roma, do ano de 1520 até por volta de 1610, um movimento artístico afastado conscientemente do modelo da antiguidade clássica: o maneirismo (maniera, em italiano, significa maneira). Uma evidente tendência para a estilização exagerada e um capricho nos detalhes começa a ser sua marca, extrapolando assim as rígidas linhas dos cânones clássicos Alguns historiadores o consideram uma transição entre renascimento e o barroco, enquanto outros preferem vê-lo como um estilo, propriamente dito. O certo, porém, é que o maneirismo é uma conseqüência de um renascimento clássico que entra em decadência. Os artistas se vêem obrigados a partir em busca de elementos que lhes permitam renovar e desenvolver todas as habilidades e técnicas adquiridas durante o renascimento. Uma de suas fontes principais de inspiração é o espírito religioso reinante na Europa nesse momento. Não só a Igreja, mas toda a Europa estava dividida após a Reforma de Lutero. Carlos V, depois de derrotar as tropas do sumo pontífice, saqueia e destrói Roma. Reinam a desolação e a incerteza. Os grandes impérios começam a se formar, e o homem já não é a

principal e única medida do universo Pintores, arquitetos e escultores são impelidos a deixar Roma com destino

a outras cidades. Valendo-se dos mesmos elementos renascimento, mas agora com um espírito totalmente diferente, criam uma arte de labirintos, espirais e proporções estranhas, que são, sem dúvida, a marca inconfundível do maneirista. Mais adiante, essa arte acabaria cultivada em todas as grandes cidades européias.

ARQUITETURA A arquitetura maneirista dá prioridade à construção de igrejas de plano longitudinal, com espaços mais longos do que largos, com a cúpula principal sobre o transepto, deixando de lado as de plano centralizado, típicas do renascimento clássico. No entanto, pode-se dizer que as verdadeiras mudanças que este novo estilo introduz refletem-se não somente na construção em si, mas também na distribuição da luz e na decoração.

Principais características: Nas igrejas: Naves escuras, iluminadas apenas de ângulos diferentes, coros com escadas em espiral, que na maior parte das vezes não levam a lugar nenhum, produzem uma atmosfera de rara singularidade. Guirlandas de frutas e flores, balaustradas povoadas de figuras caprichosas são a decoração mais característica desse estilo. Caracóis, conchas e volutas cobrem muros e alta lembrando uma exuberante selva de pedra que confunde a vista. Nos ricos palácios e casas de cam Formas convexas que permitem o contraste entre luz e sombra prevalecem sobre o quadrado disciplinado do renascimento. A decoração de interiores ricamente adornada e os afrescos das abóbadas coroam esse caprichoso e refinado estilo, que, mais do que marcar a transição entre duas épocas, expressa a

necessidade

Principais

de

renovação. Artistas:

BARTOLOMEO AMMANATI, (1511-1592), GIORGIO VASARI, (1511-1574), PALLADIO, (1508-1580).

PINTURA É na pintura que o espírito maneirista se manifesta em primeiro lugar. São os pintores da segunda década do século XV que, afastados dos cânones renascentistas, criam esse novo estilo, procurando deformar uma realidade que já não os satisfaz e tentando revalorizar a arte pela própria ar

Principais

características:

Composição em que uma multidão de figuras se comprime em espaços arquitetônicos reduzidos. O resultado é a formação de planos paralelos, completamente irreais, e uma atmosfera de tensão permanente. Nos corpos, as formas esguias e alongadas substituem os membros bem-torneados do renascimento. Os músculos fazem agora contorções absolutamente impróprias para os seres humanos. Rostos melancólicos e misteriosos surgem entre as vestes, de um drapeado minucioso e cores brilhantes. A luz se detém sobre objetos e figuras, produzindo sombras inadmissíveis. Os verdadeiros protagonistas do quadro já não se posicionam no centro da perspectiva, mas em algum ponto da arquitetura, onde o olho atento deve, não sem certa dificuldade, encontrá-lo. Principal

Artista:

EL GRECO, (1541-1614), Ao fundir as formas iconográficas bizantinas com o desenho e o colorido da pintura veneziana e a religiosidade espanhola. Na verdade, sua obra não totalmente compreendida por seus contemporâneos. Nascido em Creta, acredita-se que começou como pintor de ícones no convento de Santa Catarina, em Cândia. De acordo com documentos existentes, no ano de 1567 emigrou para Veneza, onde começou a trabalhar no ateliê de Ticiano, com quem realizou algumas obras. Depois de alguns anos de permanência em Madri ele se estabeleceu na cidade de Toledo, onde trabalhou praticamente com exclusividade para a corte de Filipe II, para os conventos locais e para a nobreza toledana Entre suas obras mais importantes estão O Enterro do Conde de Orgaz, a meio caminho entre o retrato e a espiritualidade mística. Homem com a Mão no Peito, O Sonho de Filipe II e O Martírio de São Maurício. Esta última lhe custou a expulsão da corte.

ESCULTURA Na escultura, o maneirismo segue o caminho traçado por Michelangelo: às formas clássicas soma-se o novo conceito intelectual da arte pela arte e o distanciamento da realidade. Em resumo, repetem-se as características da arquitetura e da pintura. Não faltam as formas caprichosas, as proporções estranhas, as superposições de planos, ou ainda o exagero nos detalhes, elementos que criam essa atmosfera de tensão tão característica do espírito maneirista. Principais

características:

A composição típica desse estilo apresenta um grupo de figuras dispostas umas sobre as outras, num equilíbrio aparentemente frágil, as figuras são unidas por contorções extremadas e exagerado alongamento dos músculos. O modo de enlaçar as figuras, atribuindo-lhes uma infinidade de posturas impossíveis, permite que elas compartilhem

reduzida base que têm como cenário isso sempre respeitando a composição geral da peça e a graciosidade de todo o conjunto. Principais

Artistas:

BARTOLOMEO AMMANATI, (1511-1592), Realizou trabalhos em várias cidades italianas. Decorou também o palácio dos Mantova e o túmulo do conde da cidade. Conheceu a poetisa Laura Battiferi, com quem se casou, e juntos se mudaram para Roma a pedido do papa Júlio II, que o incumbiu da construção de sua villa na Porta del Popolo. Começou assim primeiros passos como arquiteto. No ano de 1555, com a morte do papa, voltou para Florença, onde venceu um concurso para a construção da fonte da Piazza della Signoria. Seu interesse pela arquitetura o levou a estudar os tratados de Alberti e Brunelleschi, com base nos quais planejou uma cidade ideal. De acordo com os preceitos dos jesuítas, que proibiam o nu nas obras de arte, legou a eles todos os seus bens.

GIAMBOLOGNA, (1529-1608), De origem flamenga, Giambologna deu seus primeiros passos como escultor na oficina do francês Jacques Dubroecq. Poucos anos depois mudou-se para Roma, onde se supõe que teria colaborado com Michelangelo em muitas de suas obras Estabeleceu-se finalmente em Florença, na corte dos Medici. O Rapto das Sabinas, Mercúrio, Baco e Os Pescadores estão entre as obras mais importantes desse períod Participou também de um concurso na cidade de Bolonha, para o qual realizou uma de suas mais célebres esculturas, A Fonte de Netuno.Trabalhou com igual maestria a pedra calcária e o mármore e foi grande conhecedor da técnica de despejar os metais, como demonstram suas esculturas de bronz Giambologna está para o maneirismo como Michelangelo está para o renascimento.

BARROCO

O Barroco foi um movimento mais relacionado com a emoção do que a razão, com um espírito decorativo exuberante. Suas principa características foram: linhas curvas, contorcendo-se sucessivamente em espiral, equilíbrio assimétrico, dinamismo na composição, formas não obedecendo a leis lógicas, total liberdade de criação do artista,e arquitetura e escultura inteiramente inter-relacionadas. Uma das causas deste movimento foi a Contra-Reforma (atuação da igreja católica contra a Reforma Protestante), que fez a sociedade reagir contra as tendências pagãs do renascimento através da arte. A escultura teve expressão reduzida servindo mais com decoração. Está intimamente relacionada com a arquitetura

A pintura teve como principais características à aplicação de contrastes fortes de luz e sombra movendo o espaço pictórico (a figura vem para frente, contrastando com o fundo escuro do quadro);cores fortes; linhas em espiral, retorcidas criando um ritmo dinâmico, através de um movimento em cadeia sempre contínua, expressando emoções humanas . .A arte barroca que rompeu com o equilíbrio entre o sentimento e a

razão, predominando as emoções, refletindo uma época de muitos conflitos espirituais e religiosos;

A arte barroca originou-se na Itália (séc. XVII), mas não tardou a irradiar-se por outros países da Europa e a chegar também ao continente americano, trazida pelos colonizadores portugueses e espanhóis. As obras barrocas romperam o equilíbrio entre o sentimento e a razão ou entre a arte e a ciência, que os artistas renascentistas procuram realizar de forma muito consciente; na arte barroca predominam as emoções e não o racionalismo da renascentista. É uma época de conflitos espirituais e religiosos. O estilo barroco traduz a tentativa angustiante de conciliar for antagônicas: bem e mal; Deus e Diabo; céu e terra; pureza e pecado; alegria e tristeza; paganismo e cristianismo; espírito e matéria. Suas características gerais são: emocional sobre o racional; seu propósito é impressionar os sentidos do observador, baseando-se no princípio segundo o

qual a fé deveria ser atingida através dos sentidos e da emoção e não apenas pelo raciocínio. busca de efeitos decorativos e visuais, através de curvas, contracurvas, colunas retorcidas; entrelaçamento entre a arquitetura e escultura; violentos contrastes de luz e sombra; pintura com efeitos ilusionistas, dando-nos às vezes impressão de ver o céu, tal a aparência de profundidade conseguida.

PINTURA A pintura teve como principais características à aplicação de contrastes fortes de luz e sombra movendo o espaço pictórico (a figura vem para frente, contrastando com o fundo escuro do quadro); cores fortes; linhas em espiral, retorcidas criando um ritmo dinâmico, através de um movimento em cadeia sempre contínua, expressando as emoções humanas. Características da pintura barroca:

Composição assimétrica, em diagonal - que se revela num estilo grandioso, monumental, retorcido, substituindo a unidade geométrica e o equilíbrio da arte renascentista. Acentuado contraste de claro-escuro (expressão dos sentimentos) - era um recurso que visava a intensificar a sensação de profundidade. Realista, abrangendo todas as camadas sociais. Escolha de cenas no seu momento de maior intensidade dramática. Dentre os pintores barrocos italianos: Caravaggio - o que melhor caracteriza a sua pintura é o modo revolucionário como ele usa a luz. Ela não aparece como reflexo da luz solar, mas é criada intencionalmente pelo artista,

para dirigir a atenção do observador. Obra destacada: Vocação de São Mateus. Andrea Pozzo - realizou grandes composições de perspectiva nas pinturas dos tetos das igrejas barrocas, causando a ilusão de que as paredes e colunas da igreja continuam no teto, e de que este se abre para o céu, de onde santos e anjos convidam os homens para a santidade. Obra destacada: A Glória de Santo Inácio. A Itália foi o centro irradiador do estilo barroco. Dentre os pintores mais representativos, de outros países da Europa, temos: Velázquez - além de retratar as pessoas da corte espanhola do século XVII procurou registrar em seus quadros também os tipos populares do seu país, documentando o dia-a-dia do povo espanhol num dado momento da história. Obra destacada: O Conde Duque de Olivares. Rubens (espanhol) - além de um colorista vibrante, notabilizou por criar cenas que sugerem, a partir das linhas contorcidas dos corpos e das pregas das roupas, um intenso movimento. Em seus quadros, é geralmente, no vestuário que se localizam as cores quentes - o vermelho, o verde e o amarelo - que contrabalançam a luminosidade da pele clara das figuras humanas. Obra destacada: O Jardim do Amor.

Rembrandt (holandês) - o que dirige nossa atenção quadros deste pintor não é propriamente o contraste entre luz e sombra, mas a gradação da claridade, os meios-tons, as penumbras que envolvem áreas de luminosidade mais intensa. Obra destacada: Aula de Anatomia.

O movimento Rococó teve origem na França. Caracteriza-se por expressar apenas sentimentos agradáveis e pela procura da perfeição técnica. O rococó aplica cores suaves, tons pastel e linhas mais suaves e delicadas.

O movimento Neoclássico também conhecido como academismo retorna os princípios da arte clássica: valorização das ações humanas e expressão da beleza ideal, uma volta à imitação dos movimentos clássicos, isto é, da cultura greco-romana. O ARTISTA CLÁSSICO TRABALHA CORRIGINDO AS IMPERFEIÇÕES DA NATUREZA (NOBREZA, HIERARQUIA, MITOLOGIA COMO TEMA PREFERIDOS).

O movimento Romântico foi uma reação ao movimento neoclássico surgido na Alemanha com as seguintes características: a natureza e o nacionalismo passaram a ser os temas preferidos pelos artistas, substituindo os da antiguidade, as composições revela liberdade técnica e sentimento; as pinturas apresentam grande riqueza cromática; as imagens não tinham contornos precisos. O ARTISTA ROMÂNTICO TRANSMITE: DOR, ANGÚSTIA, CÓLERA (DRAMATICIDADE) ALEGRIA, TRISTEZA E SUBJETIVISMO. A arquitetura denomina de neogótico com mistura de elementos dos mais diferentes estilos. Na arquitetura romântica, distinguiram-se duas correntes: a dos que pretendiam atribuir vida, movimento e gesticulação às figuras esculpidas e a dos que procuravam a beleza na perfeição anatômica dos corpos. Temos o inicio da escola paisagística.

O movimento realista surge em plena revolução industrial, tendo na pintura a veracidade da cena retratada, aderindo como tema “O BELO É O VERDADEIRO”. Na arquitetura passou a utilizar novos materiais como por exemplo à torre Eiffel em Paris. O ARTISTA REALISTA NÃO É DESENHISTA COMO NEOCLÁSSICO E NEM COLORISTA COMO O ROMÂNTICO , ELE PINTA O QUE VÊ (JAMAIS PINTA UM ANJO) A REALIDADE QUE O CERCA.

Ocorreram nesse período muitos progressos e incontáveis realizações no campo das artes. Num sentido amplo, esse ideal pode ser entendido como a valorização do homem e da natureza, contestando o divino e o sobrenatural, conceitos que haviam impregnado a cultura da Idade Média. As marcantes características desse período abrangem a racionalidade, a dignidade do ser humano, o ideal humanista, o rigor científico e a reutilização das artes greco-romana (clássica), foi um período artístico caracterizado pela liberdade de criação. A Idade Moderna compreende o período histórico que, na Europa, se estende da queda do Império Romano do Oriente para os turcos (1453) até a Revolução Francesa (1789), além de ser a época de transição do feudalismo para o capitalismo. Este período artístico se caracteriza por valorizar o homem e a natureza e ir contra o divino e o sobrenatural (conceitos que foram o marco da cultura na Idade Média). Os movimentos de arte que podemos reconhecer neste período são: Maneirismo, Barroco e Rococó. Outros movimentos pós-modernos: Neoclassicismo (1780 a 1830), Romantismo (1830 a 1850) e Realismo (1850 á 1874).

MANEIRISMO Paralelamente ao renascimento clássico, desenvolve-se em Roma, do ano de 1520 até por volta de 1610, um movimento artístico afastado conscientemente do modelo da antiguidade clássica: o maneirismo (maniera, em italiano, significa maneira). Uma evidente tendência para a estilização exagerada e um capricho nos detalhes começa a ser sua marca, extrapolando assim as rígidas linhas dos cânones clássicos. Alguns historiadores o consideram uma transição entre o renascimento e o barroco, enquanto outros preferem vê-lo como um estilo, propriamente dito. O certo, porém, é que o maneirismo é uma conseqüência de um renascimento clássico que entra em decadência. Os artistas se vêem obrigados a partir em busca de elementos que lhes permitam renovar e desenvolver todas as habilidades e técnicas adquiridas durante o renascimento. Uma de suas fontes principais de inspiração é o espírito religioso reinante na Europa nesse momento. Não só a Igreja, mas toda a Europa estava dividida após a Reforma de Lutero. Carlos V, depois de derrotar as tropas do sumo pontífice, saqueia e destrói Roma. Reinam a desolação e a incerteza. Os grandes impérios começam a se formar, e o homem já não é a principal e única medida do universo. Pintores, arquitetos e escultores são impelidos a deixar Roma com destino a outras cidades. Valendo-se dos mesmos elementos do renascimento, mas agora com um espírito totalmente diferente, criam uma arte de labirintos, espirais e proporções estranhas, que são, sem dúvida, a marca inconfundível do estilo maneirista. Mais adiante, essa arte acabaria cultivada em todas as grandes cidades européias.

ARQUITETURA A arquitetura maneirista dá prioridade à construção de igrejas de plano longitudinal, com espaços mais longos do que largos, com a cúpula principal sobre o transepto, deixando de lado as de plano centralizado, típicas do renascimento clássico. No

entanto, pode-se dizer que as verdadeiras mudanças que este novo estilo introduz refletem-se não somente na construção em si, mas também na distribuição da luz e na decoração. Principais características: Nas igrejas: Naves escuras, iluminadas apenas de ângulos diferentes, coros com escadas em espiral, que na maior parte das vezes não levam a lugar nenhum, produzem uma atmosfera de rara singularidade. Guirlandas de frutas e flores, balaustradas povoadas de figuras caprichosas são a decoração mais característica desse estilo. Caracóis, conchas e volutas cobrem muros e altares, lembrando uma exuberante selva de pedra que confunde a vista. Nos ricos palácios e casas de campo: Formas convexas que permitem o contraste entre luz e sombra prevalecem sobre o quadrado disciplinado do renascimento. A decoração de interiores ricamente adornada e os afrescos das abóbadas coroam esse caprichoso e refinado estilo, que, mais do que marcar a transição entre duas épocas, expressa a necessidade de renovação. Principais Artistas: BARTOLOMEO AMMANATI, (1511-1592), GIORGIO VASARI, (1511-1574), PALLADIO, (1508-1580).

PINTURA É na pintura que o espírito maneirista se manifesta em primeiro lugar. São os pintores da segunda década do século XV que, afastados dos cânones renascentistas, criam esse novo estilo, procurando deformar uma realidade que já não os satisfaz e tentando revalorizar a arte pela própria arte.

Principais características: Composição em que uma multidão de figuras se comprime em espaços arquitetônicos reduzidos. O resultado é a formação de planos paralelos, completamente irreais, e uma atmosfera de tensão permanente. Nos corpos, as formas esguias e alongadas substituem os membros bem-torneados do renascimento. Os músculos fazem agora contorções absolutamente impróprias para os seres humanos. Rostos melancólicos e misteriosos surgem entre as vestes, de um drapeado minucioso e cores brilhantes. A luz se detém sobre objetos e figuras, produzindo sombras inadmissíveis. Os verdadeiros protagonistas do quadro já não se posicionam no centro da perspectiva, mas em algum ponto da arquitetura, onde o olho atento deve, não sem certa dificuldade, encontrá-lo. Principal Artista:

EL GRECO, (1541-1614), Ao fundir as formas iconográficas bizantinas com o desenho e o colorido da pintura veneziana e a religiosidade espanhola. Na verdade, sua obra não foi totalmente compreendida por seus contemporâneos. Nascido em Creta, acredita-se que começou como pintor de ícones no convento de Santa Catarina, em Cândia. De acordo com documentos existentes, no ano de 1567 emigrou para Veneza, onde começou a trabalhar no ateliê de Ticiano, com quem realizou algumas obras. Depois de alguns anos de permanência em Madri ele se estabeleceu na cidade de Toledo, onde trabalhou praticamente com exclusividade para a corte de Filipe II, para os conventos locais e para a nobreza toledana. Entre suas obras mais importantes estão O Enterro do Conde de Orgaz, a meio caminho entre o retrato e a espiritualidade mística. Homem com a Mão no Peito, O Sonho de Filipe II e O Martírio de São Maurício. Esta última lhe custou a expulsão da corte.

ESCULTURA Na escultura, o maneirismo segue o caminho traçado por Michelangelo: às formas clássicas soma-se o novo conceito intelectual da arte pela arte e o distanciamento da realidade. Em resumo, repetem-se as características da arquitetura e da pintura. Não faltam as formas caprichosas, as proporções estranhas, as superposições de planos, ou ainda o exagero nos detalhes, elementos que criam essa atmosfera de tensão tão característica do espírito maneirista. Principais características: A composição típica desse estilo apresenta um grupo de figuras dispostas umas sobre as outras, num equilíbrio aparentemente frágil, as figuras são unidas por contorções extremadas e exagerado alongamento dos músculos. O modo de enlaçar as figuras, atribuindo-lhes uma infinidade de posturas impossíveis, permite que elas compartilhem a reduzida base que têm como cenário isso sempre respeitando a composição geral da peça e a graciosidade de todo o conjunto. Principais Artistas: BARTOLOMEO AMMANATI, (1511-1592), Realizou trabalhos em várias cidades italianas. Decorou também o palácio dos Mantova e o túmulo do conde da cidade. Conheceu a poetisa Laura Battiferi, com quem se casou, e juntos se mudaram para Roma a pedido do papa Júlio II, que incumbiu-o da construção de sua villa na Porta del Popolo. Começaram assim seus primeiros passos como arquiteto. No ano de 1555, com a morte do papa, voltou para Florença, onde venceu um concurso para a construção da fonte da Piazza della Signoria. Seu interesse pela arquitetura o levou a estudar os tratados de Alberti e Brunelleschi, com base nos quais planejou uma cidade ideal. De acordo com os preceitos dos jesuítas, que proibiam o nu nas obras de arte, legou a eles todos os seus bens. GIAMBOLOGNA, (1529-1608), De origem flamenga, Giambologna deu seus primeiros passos como escultor na oficina do francês Jacques Dubroecq. Poucos

anos depois mudou-se para Roma, onde se supõe que teria colaborado com Michelangelo em muitas de suas obras. Estabeleceu-se finalmente em Florença, na corte dos Medici. O Rapto das Sabinas, Mercúrio, Baco e Os Pescadores estão entre as obras mais importantes desse período. Participou também de um concurso na cidade de Bolonha, para o qual realizou uma de suas mais célebres esculturas, A Fonte de Netuno.Trabalhou com igual maestria a pedra calcária e o mármore e foi grande conhecedor da técnica de despejar os metais, como demonstram suas esculturas de bronze. Giambologna está para o maneirismo como Michelangelo está para o renascimento.

BARROCO O Barroco foi um movimento mais relacionado com a emoção do que a razão, com um espírito decorativo exuberante. Suas principais características foram: linhas curvas, contorcendo-se sucessivamente em espiral, equilíbrio assimétrico, dinamismo na composição, formas não obedecendo a leis lógicas, total liberdade de criação do artista e arquitetura e escultura inteiramente inter-relacionadas. Uma das causas deste movimento foi a Contra-Reforma (atuação da igreja católica contra a Reforma Protestante), que fez a sociedade reagir contra as tendências pagãs do renascimento através da arte. A escultura teve expressão reduzida servindo mais como decoração. intimamente relacionada com a arquitetura A pintura teve como principais características à aplicação de contrastes fortes de luz e sombra movendo o espaço pictórico (a figura vem para frente, contrastando com o fundo escuro do quadro); cores fortes; linhas em espiral, retorcidas criando um ritmo dinâmico, através de um movimento em cadeia sempre contínua, expressando as emoções humanas. A arte barroca originou-se na Itália (séc. XVII), mas não tardou a irradiar-se por outros países da Europa e a chegar também ao continente americano, trazida pelos colonizadores portugueses e espanhóis. As obras barrocas romperam o equilíbrio entre o sentimento e a razão ou entre a arte e a ciência, que os artistas renascentistas procuram realizar de forma muito consciente; na arte barroca predominam as emoções e não o racionalismo da arte renascentista. É uma época de conflitos espirituais e religiosos. O estilo barroco traduz a tentativa angustiante de conciliar forças antagônicas: bem e mal; Deus e Diabo; céu e terra; pureza e pecado; alegria e tristeza; paganismo e cristianismo; espírito e matéria. Suas características gerais são: emocional sobre o racional; seu propósito é impressionar os sentidos do observador, baseando-se no princípio segundo o qual a fé deveria ser atingida através dos sentidos e da emoção e não apenas pelo raciocínio busca de efeitos decorativos e visuais, através de curvas, contracurvas, colunas retorcidas; entrelaçamento entre a arquitetura e escultura; violentos contrastes de luz e sombra; pintura com efeitos ilusionistas, dando-nos às vezes a impressão de ver o céu, tal a

aparência

de

profundidade

conseguida.

PINTURA Características da pintura barroca: Composição assimétrica, em diagonal - que se revela num estilo grandioso, monumental, retorcido, substituindo a unidade geométrica e o equilíbrio da arte renascentista. Acentuado contraste de claro-escuro (expressão dos sentimentos) - era um recurso que visava a intensificar a sensação de profundidade. Realista, abrangendo todas as camadas sociais. Escolha de cenas no seu momento de maior intensidade dramática. Dentre os pintores barrocos italianos: Caravaggio - o que melhor caracteriza a sua pintura é o modo revolucionário como ele usa a luz. Ela não aparece como reflexo da luz solar, mas intencionalmente pelo artista, para dirigir a atenção do observador Obra destacada: Vocação de São Mateus. Andrea Pozzo - realizou grandes composições de perspectiva nas pinturas dos tetos das igrejas barrocas, causando a ilusão de que as paredes e colunas da igreja continuam no teto, e de que este se abre para o céu, de onde santos e anjos convidam os homens para a santidade. Obra destacada: A Glória de Santo Inácio.

A Itália foi o centro irradiador do estilo barroco. Dentre os pintore representativos, de outros países da Europa, temos: Velázquez - além de retratar as pessoas da corte espanhola do século XVII procurou registrar em seus quadros também os tipos populares do seu país, documentando o dia-a-dia do povo espanhol num dado momento da história. Obra destacada: O Conde Duque de Olivares. Rubens (espanhol) - além de um colorista vibrante, se notabilizou por criar cenas que sugerem, a partir das linhas contorcidas dos corpos e das pregas das roupas, um intenso movimento. Em seus quadros, é geralmente, no vestuário que se localizam as cores quentes - o vermelho, o verde e o amarelo - que contrabalançam a luminosidade da pele clara das figuras humanas. Obra destacada: O Jardim do Amor. Rembrandt (holandês) - o que dirige nossa atenção nos quadros deste pintor não é propriamente o contraste entre luz e sombra, mas a gradação da claridade, os meios-tons, as penumbras que envolvem áreas de luminosidade mais intensa. Obra destacada: Aula de Anatomia.

ESCULTURA Suas características são: o predomío das linhas curvas, dos drapeados das vestes e do uso do dourado; e os gestos e os rostos das personagens revelam emoções violentas e atingem uma dramaticidade desconhecida no Renascimento. Bernini - arquiteto, urbanista, decorador e escultor, algumas de suas obras serviram de elementos decorativos das igrejas, como, por exemplo, o baldaquino e a cadeira de São Pedro, ambos na Basílica de São Pedro, no Vatic Obra destacada: A Praça de São Pedro, Vaticano e o Êxtase de Santa Teresa. Para seu conhecimento Barroco: termo de origem espanhola ‘Barrueco’, aplicado para designar pérolas de forma irregular.

ROCOCÓ

Rococó, um estilo artístico mais leve e intimista que se desdobrou do barroco, utilizando cenas eróticas ou galantes da vida cortesã e da mitologia, pastorais, alusões ao teatro italiano da época, mot religiosos e farta estilização naturalista do mundo vegetal.

Rococó é o estilo artístico que surgiu na França como desdobramento do barroco, mais leve e intimista que aquele e usado inicialmente em decoração de interiores. Desenvolveu-se na Europa do século XVIII, e da arquitetura disseminou-se para todas as artes. Vigoroso até o advento da reação neoclássica, por volta de 1770, difundiu-se principalmente na parte católica da Alemanha, na Prússia e em Portugal. Os temas utilizados eram cenas eróticas ou galantes da vida cortesã (as fêtes galantes) e da mitologia, pastorais, alusões ao teatro italiano da época, motivos religiosos e farta estilização naturalista do mundo vegetal em ornatos e molduras. O termo deriva do francês rocaille, que significa "embrechado", técnica incrustação de conchas e fragmentos de vidro utilizados originariamente decoração de grutas artificiais. Na França, o rococó é também chamado estilo Luís XV e Caracteriza-se por expressar apenas sentimentos agradáveis e pela procura da perfeição técnica. O rococó aplica cores suaves, tons pastel e linhas mais suaves e delicadas. Características gerais: Uso abundante de formas curvas e pela profusão de elementos decorativos, tais como conchas, laços e flores. Possui leveza, caráter intimista, elegância, alegria, bizarro, frivolidade e exuberante.

ARQUITETURA Durante o Iluminismo, entre 1700 e 1780, o rococó foi a principal corrente da arte e da arquitetura pós-barroca. Nos primeiros anos do século XVIII, o centro artístico da Europa transferiu-se de Roma para Paris. Surgido na França com a obra do decorador Pierre Lepautre, o rococó era a princípio apenas um novo estilo decorativo. Principais características: · Cores vivas foram substituídas por tons pastéis, a luz difusa inundou os interiores por meio de numerosas janelas e o relevo abrupto das superfícies deu lugar a texturas suaves. · A estrutura das construções ganhou leveza e o espaço interno foi unificado, com maior graça e intimidade. Principal Artista: Johann Michael Fischer, (1692-1766), responsável pela abadia beneditina de Ottobeuren, marco do rococó bávaro. Grande mestre do estilo rococó, responsável por vários edifícios na Baviera. Restaurou dezenas de igrejas, mosteiros e palácios.

ESCULTURA Na escultura e na pintura da Europa oriental e central, ao contrário do que ocorreu na arquitetura, não é possível traçar uma clara linha divisória entre o barroco e o rococó, quer cronológica, quer estilisticamente. Mais do que nas peças esculpidas, é em sua disposição dentro da arquitetura que se manifesta o espírito rococó. Os grandes grupos coordenados dão lugar a figuras isoladas, cada uma com existência própria e individual, que dessa maneira contribuem para o equilíbrio geral da decoração interior das igrejas. Principais Artistas: Johann Michael Feichtmayr, (1709-1772), escultor alemão, membro de um grupo de famílias de mestres da moldagem no estuque, distinguiu-se pela criação de santos e anjos de grande tamanho, obras-primas dos interiores rococós. Ignaz Günther, (1725-1775), escultor alemão, um dos maiores representantes do estilo rococó na Alemanha. Suas esculturas eram em geral feitas em madeira e a seguir policromadas. "Anunciação", "Anjo da guarda", "Pietà".

PINTURA Durante muito tempo, o rococó francês ficou restrito às artes decorativas e teve pequeno impacto na escultura e pintura francesas. No final do reinado de Luís XIV, em que se afirmou o predomínio político e cultural da França sobre o resto da

Europa, apareceram as primeiras pinturas rococós sob influência da técnica de Rubens. Principais Artistas: Antoine Watteau, (1684-1721), as figuras e cenas de Watteau se converteram em modelos de um estilo bastante copiado, que durante muito tempo obscureceu a verdadeira contribuição do artista para a pintura do século XIX. François Boucher, (1703-1770), as expressões ingênuas e maliciosas de suas numerosas figuras de deusas e ninfas em trajes sugestivos e atitudes graciosas e sensuais não evocavam a solenidade clássica, mas a alegre descontração do estilo rococó. Além dos quadros de caráter mitológico, pintou, sempre com grande perfeição no desenho, alguns retratos, paisagens ("O casario de Issei") e cenas de interior ("O pintor em seu estúdio").

Jean-Honoré Fragonard , (1732-1806), desenhista e retratista de talento, Fragonard destacou-se principalmente como pintor do amor e da natureza, de cenas galantes em paisagens idílicas. Foi um dos últimos expoentes do período r caracterizado por uma arte alegre e sensual, e um dos mais antigos precursores do impressionismo. Outros movimentos de artes:

Neoclassicismo, romantismo, realismo O movimento Neoclássico também conhecido como academismo retorna os princípios da arte clássica: valorização das ações humanas e expressão da beleza ideal, uma volta à imitação dos movimentos clássicos, isto é, da cultura grecoromana. O ARTISTA NEOCLÁSSICO TRABALHA CORRIGINDO AS IMPERFEIÇÕES DA NATUREZA (NOBREZA, HIERARQUIA, MITOLOGIA COMO TEMA PREFERIDOS).

David é o neoclássico paradigmático À medida que o tempo passava, muitos artistas colocaram-se contrários ao ornamentalismo dos estilos anteriores e buscaram a arte anterior, mais simples, do Renascimento, formando o que ficou conhecido por neoclassicismo. O neoclássico foi o componente artístico do movimento intelectual conhecido por Iluminismo, o qual era igualmente idealista. Ingles, Canova e Jaquew-Louis David estão entre os mais conhecidos neoclássicos.

Romantismo O movimento Romântico foi uma reação ao movimento neoclássico surgido na Alemanha com as seguintes características: a natureza e o nacionalismo passaram a ser os temas preferidos pelos artistas, substituindo os da antiguidade, as composições revelam liberdade técnica e sentimento; as pinturas apresentam grande riqueza cromática; as imagens não tinham contornos precisos. O ARTISTA ROMÂNTICO TRANSMITE: DOR, ANGÚSTIA, CÓLERA (DRAMATICIDADE) ALEGRIA, TRISTEZA E SUBJETIVISMO. A arquitetura denomina de neogótico com mistura de elementos dos mais diferentes estilos. Na arquitetura romântica, distinguiram-se duas correntes: a dos q pretendiam atribuir vida, movimento e gesticulação às figuras esculpidas e a dos que procuravam a beleza na perfeição anatômica dos corpos. Temos o inicio da escola paisagística.

A reação ao neoclassicismo ocorre na primeira década do século XIX. O movimento romântico exalta a intuição e o instinto. Na Grã- Bretanha, paisagistas como John Constable rompe com a solenidade clássica e utilizam temas e formas mais coloquiais. Na França, há a espontaneidade poética da Escola de Barbizon, cujo maior expoente é Camille Corot. O entendimento da cor como luz começa a brotar em artistas como William Turner. O gosto romântico pelo fantástico e pelo sobrenatural, que rejeita o racionalismo clássico, aparece nos trabalhos do poeta e artista inglês William Blake e do suíço naturalizado Henri Fuseli. Na França, Eugène Delacroix (A morte de Sardanapalo ) e Théodore Géricault (A jangada da Medusa ), usando traços livres e pincelados ágeis, afirmam o dinamismo da arte voltada para o mundo industrial. Ora com temas exóticos, ora com patriotismo (como em A liberdade guiando o povo - ver foto acima, de Delacroix). A Liberdade Guiando o Povo, de Eugène Delacroix, é um dos quadros mais famosos do Romantismo. Muitos artistas deste período tenderam a apresentar uma posição centralizadora que levou-os a adotar simultaneamente características diferentes dos estilos romântico e neoclássico, de forma a sintetizá-los. As várias tentativas tomaram lugar na

Academia Francesa, e coletivamente são reunidas na arte acadêmica. Considera-se que William-Adolphe Bouguereau encabece esta tendência da arte. Da mesma maneira que o maneirismo rejeitava o classicismo, o romantismo rejeitava as idéias iluministas e a estética neoclássica. A arte romântica enfocava o uso da cor e do gesto a fim de retratar a emoção, mas, como o classicismo, usava a mitologia clássica e a tradição como uma importante fonte de simbolismo. Outro importante aspecto do romantismo foi sua ênfase na natureza e no retrato do poder e da beleza do mundo natural, sempre idealizados de acordo com um eu . O romantismo foi também um grande movimento literário, especialmente na poesia. Entre os maiores artistas românticos estão Eugène Delacroix, Francisco Goya, e William Blake.

REALISMO O movimento realista surge em plena revolução industrial, tendo na pintura a veracidade da cena retratada, aderindo como tema “O BELO É O VERDADEIRO”. Na arquitetura passou a utilizar novos materiais como pôr exemplo à torre Eiffel em Paris. O ARTISTA REALISTA NÃO É DESENHISTA COMO O NEOCLÁSSICO E NEM COLORISTA COMO O ROMÂNTICO , ELE PINTA O QUE VÊ (JAMAIS PINTA UM ANJO) A REALIDADE QUE O CERCA.

Entre 1850 e 1900 surge nas artes européias, sobretudo na pintura francesa, esta nova tendência estética chamada Realismo, que se desenvolveu ao lado da crescente industrialização das sociedades, O homem europeu, que tinha aprendido a utilizar o conhecimento científico e a técnica para interpretar e dominar a natureza, convenceu-se de que precisava ser realista, inclusive em suas criações artísticas, deixando de lado as visões subjetivas e emotivas da realidade. Esses novos ideais estéticos manifestaram-se em todas as artes: Pintura: caracteriza-se sobretudo pelo princípio de que o artista deve representar a realidade com a mesma objetividade com que um cientista estuda um fenômeno da natureza. Ao artista não cabe “melhorar” artisticamente a natureza, pois a beleza está na realidade tal qual ela é. Sua função é apenas revelar os aspectos mais característicos e expressivos da realidade. Em vista disso, a pintura realista deixou completamente de lado os mitológicos, bíblicos, históricos e literários, pois o que importa é a criação a partir de uma realidade imediata e não imaginada. A volta do artista para a representação do real teve uma conseqüência: sua politização. Isso porque, se a industrialização trouxe um grande desenvolvimento tecnológico, ela provocou também o surgimento de uma grande massa trabalhadores, vivendo nas cidades em condições precárias e trabalhando em situações desumanas. Surge então a chamada “pintura social”, denunciando as injustiças e as imensas desigualdades entre a miséria dos trabalhadores e a opulência da burguesia. Dentre os representantes da pintura realista podemos apontar Gusta

Courbet(1819-1877) "Moças peneirando trigo"(foto23) e Édouard Manet(1832-1883) "Olympia"(foto 24), que desenvolveram tendências diversas.

foto 23 Escultura: não se preocupou com a idealização da realidade, ao contrário, procurou recriar os seres tais como eles são. Além disso, os escultores preferiram os temas contemporâneos, assumindo muitas vezes uma intenção política em suas obras. Dentre os escultores do período realista, o que mais se destaca é Auguste Rodin (1840-1917), cuja produção desperta severas polêmicas. Já seu primeiro trabalho importante, A Idade do Bronze (1877), causou uma grande discussão motivada pelo

seu intenso realismo.

foto25

foto 26

Alguns críticos chegaram a acusar o artista de tê-lo feito a partir de moldes tirados do próprio modelo vivo. Mas é com São João Pregando (1879), que Rodin revela sua característica fundamental: a fixação do momento significativo de um gesto humano. Essa mesma tentativa de surpreender o homem em suas ações aparece em O Pensador (foto 25)seguramente sua obra mais conhecida. Quanto aos retratos, nem sempre Rodin foi fiel à preocupação naturalista de reproduzir os traços fisionômicos do seu modelo. A escultura que fez de Balzac (foto 26), por exemplo, chegou a ser recusada pela Sociedade dos Homens de Letras de Paris que a encomendara, pois não havia semelhança física entre a obra e o retratado. O que o escultor fez foi privilegiar, à sua maneira, o caráter vigoroso que a personalidade do escritor lhe sugeria, o que o envolveu numa grande polêmica. Na verdade, até mesmo a classificação da obra de Rodin como realista é controvertida. Alguns críticos a consideram romântica por causa da forte emoção que traduz. Mas outros enfatizam no trabalho desse escultor o acentuado e predominante caráter naturalista. Há ainda os que vêem na escultura de Rodin características do Impressionismo, movimento do qual também foi contemporâneo e que revolucionou, na época, a pintura européia. Arquitetura: ao adaptar-se ao novo contexto social, tende a tornar-se realista ou científica, os arquitetos e engenheiros procuram responder adequadamente às novas necessidades urbanas, criadas pela industrialização. As cidades não exigem mais ricos palácios e templos. Elas precisam de fábricas, estações ferroviárias, armazéns, lojas, bibliotecas, escolas, hospitais e moradias, tanto para os operários quanto para a nova burguesia. No início do século XIX, porém, a feição da Europa tornou-se radicalmente alterada pela industrialização. A pobreza, miséria e desespero estavam para ser o destino do novo proletariado criado pela "revolução". Em resposta a estas mudanças acontecendo na sociedade, surgiu o movimento realista. O realismo procurou retratar acuradamente as condições e dificuldades das classes populares na esperança de alterar a sociedade. Para o movimento, o artista deve representar o seu tempo, sem no entanto tomar um partido definido: deve retratar os pontos que considerar adequados, denunciando-os à sociedade. Em contraste com os românticos, que eram essencialmente otimistas com o destino humano, o realismo retratou a vida nas profundidades de uma terra urbana sem ordem. Como o romantismo, desenvolveuse também como um movimento literário. Entre os grandes pintores realistas estão Gustave Coubert e Edouard Manet (este abre caminho para o impressionismo). É interessante notar que, embora o neoclassicismo tenha sido deixado para trás quando do advento dos novos estilos, ele continuou a existir pontualmente e, em certos lugares, a arquitetura neoclássica perdurou até o início do século XX. Períodos relevantes •

• •

Neoclassicismo. De meados do século XVIII até o início do século XIX (embora continue se manifestando pontualmente durante todo o século) Romantismo. Fins do século XVIII até meados do século XIX. Realismo. Meados do século XIX.

Temos também as cores neutras melhor representadas pelo preto, branco e cinza.

Para obtermos a cor cinza basta misturarmos as cores: branco e preto conforme o exercício abaixo:

Branco + preto

Exercícios de Arte -Idade Moderna - Módulo IV - Ensino Médio

1. O que foi o movimento Iluminismo? 2. Classifique a obra de Rodin. 3. Quais são as características da pintura realista? 4. Quais são os movimentos de arte do período da Idade Moderna? 5. Qual o significado do termo Rococó? 6. Quais são os movimentos Pós-Modernos? 7. Como agia o artista Realista? 8. O que foi o Maneirismo e quais são as suas marcas? 9. Dê as características da pintura Barroca. 10.Fale sobre o Renascimento. 11.Dê o nome dos movimentos considerados idealistas. 12.Qual a origem do termo Barroco. 13.Fale sobre a pintura considerada social. 14.Que outro nome é dado ao movimento conhecido como Academismo. 15.Classifique a obra de Rodin. 16.Defina a Idade Moderna. 17.Quais são as características da pintura realista? 18.Quais são os movimentos de arte do período da Idade Moderna? 19.Qual o significado do termo Rococó? 20.Quais são os movimentos Pós-Modernos? 21.Como agia o artista Realista? 22.Como foi o período Moderno? 23.O que foi o Maneirismo e quais são as suas marcas? 24.Dê as características da pintura Barroca. 25.Fale sobre o Renascimento. 26.Dê o nome dos movimentos considerados idealistas. 27.Qual a origem do termo Barroco. 28.Fale sobre a pintura considerada social. 29.Que outro nome é dado ao movimento conhecido como Academismo. 30.Qual a origem do movimento Rococó? 31.Quais são as características do movimento rococó? 32.Fale sobre o movimento Neoclássico. 33.O que foi o movimento romântico? 34.O que transmite o artista Romântico? 35.Qual o tema utilizado pelo movimento Realista? Escreva o nome do movimento artístico a que se referem cada afirmativa. a)Movimento mais relacionado com a emoção. _____________________. b)Aplica cores e linhas suaves e tons pastel. ________________.

c) Caracteriza-se por linhas curvas. ___________________. d)Aplica as cores fortes com contraste de luz e sombra> _______________. e)Valoriza as ações humanas e a beleza ideal. _____________________. f) Valoriza a natureza e o nacionalismo. _______________________. g)O artista pinta o que vê. ______________________.


ARTES Ensino Médio

5º Módulo Idade Contemporânea

IDADE CONTEMPORÂNEA É o período compreendido entre 1789 aos dias atuais. A arte nesse período se revoluciona em todos os sentidos, surgem com os avanços tecnológicos, novas formas de pensamentos tendências. A arte passa a estar presente não só na arquitetura, escultura ou pintura, mas, em propagandas, protestos e a ser produzida em escala industrial tornando-se um fenômeno em massa. Para entender uma obra de arte em nossos dias é preciso ter uma atitude de VER, SENTIR E CLASSIFICAR, e para conhecê-la eu preciso fazer duas perguntas: A que escola pertence? A resposta é o conteúdo formal.

Qual é o título? A resposta é o conteúdo subjetivo. Na Europa do século XIX estava acontecendo o desenvolvimento de três diferentes movimentos de arte: O neoclassicismo (1830), O Romantismo (1850) e o Realismo (1874), quando se deu início ao impressionismo que foi considerado mais como uma ruptura do que um movimento de arte, ele não foi aceito a principio e houve uma grande resistência da sociedade e dos artistas clássicos de sua época. A partir do impressionismo vão nascer os primeiros movimentos de arte moderna e entre seus precursores temos: Van gogh com o expressionismo, Paul Gauguim com o fouvismo e Paul Cézanne com o cubismo.

O movimento impressionista foi uma grande ruptura linear onde se perdeu a milenar escravidão da linha, o que estava preso à linha passou a estar preso à cor. Foi um estilo revolucionário que revelava: paisagens luminosas, cenas sociais ao ar livre, onde a nitidez não tinha importância. Os elementos mais importantes são a LUZ, o SOL e a COR. Seus princípios são: desaparecimento da linha, atitude n emotiva do artista, luminosidade, amplas pinceladas que vão diminuindo até se tornarem pontos (pontilhismo), sombras claras, mistura óptica da cor, pintura técnica e ruptura linear. È nesse período que encontramos a mistura óptica da cor que consiste em colocar as cores puras na tela, através de pinceladas justapostas, para dar sensação ótica da cor secundária.

O movimento expressionista representa o drama interior do homem, manifestam as suas mais profundas emoções. expressionistas deformavam a imagem visual e a realidad expressando com força seu pessimismo em relação ao mundo, suas pinturas fogem às regras tradicionais de equilíbrio, regularidade das formas e harmonia das cores. Os expressionistas interpretam angústias do homem do início do século XX, foi o primeiro grande movimento da pintura moderna. Seus princípios são: pinta o que sente e não o que vê, temos uma reação chocante e feia em relação ao academismo, deformação da imagem visual, linhas fortes e escuras, a expressão determina a forma, fortemente dramatizada e sem interferência de elementos intelectuais. O movimento cubista foi uma corrente de vanguarda surgida no início do século XX que mostra na sua pintura visões simultâneas do objeto,

através da sua representação em vários ângulos, como se o artista se movimentasse em torno dele, vendo mais de um de seus lados. Cézanne disse: “Vou procurar devolver o peso, a estrutura e a solidez que os impressionistas tiraram” e com esse pensamento ele vai trazer os elementos necessários para o inicio de um novo movimento o cubismo. Braque e Picasso continuam o que Cézanne iniciou e chegam ao extremo da decomposição. Os princípios são: decomposição não segundo a forma mas segundo a imaginação, formas não sentidas mas pensad decomposição no mesmo plano. O movimento abstracionista é um estilo diferente de arte onde se divide em abstracionismo: Informal, um jogo de cores livres e ritmados. Geométrico, onde são usadas formas geométricas. Tachismo, é o uso de manchas. Orfismo, mais relacionados com a música e sensações. Grafismo, usado com grafias. Suprematismo, formas organizadas e formas sobre formas. Concretismo, onde todos os espaços são preenchidos. As linhas e cores são criadas pelo artista sem a preocupação de retratá-las fotograficamente. Isto significa interpretar.

SURREALISMO

O movimento surrealismo aparece como uma renovação do espírito vanguardista. A corrente artística do surrealismo vem ao lado da literatura, com o Manifest du Surréalisme de André Breton, escrito em 1924. Nesse manifesto, Breton propunha o sonho, a visão alucinada, como uma forma de conceber a realidade, para além da razão. SURREALISMO

O surrealismo surge na França em 1924 liderado pelo poeta e crítico André Breton, sob influência das teorias de Sigmund Freud sobre o inconsciente e a sexualidade. Pintores como o espanhol Salvador Dalí - ver foto ao lado , o

russo Marc Chagall e os belgas René Magritte e Paul Delvaux buscam uma linguagem onírica, repleta de simbologia e da forma narrativa dos sonhos. Rompem o eixo tradicional do figurativismo: as figuras saem da vertical (um casal flutua), perdem a proporcionalidade (um homem pode ser maior que uma casa) e sofrem alterações inverossímeis (relógio derrete). Giorgio de Chirico, Carlo Carrà, Giorgio Morandi e Alberto Giacometti praticam o surrealismo na Itália; Yves Tanguy e Robert Delaunay, na França.

O movimento Op-Art, que significa “arte óptica”, as pinturas apresentam diferentes figuras geométricas, combinadas de tal forma que provocam no espectador sensações de movimentos; se o observador muda de posição, tem a impressão de que a obra se modifica, parecendo movimentar-se. A Op-Art proporcionou a invenção d móbiles. Temos como precursor Victor Vasarely. O movimento Pop-Art, que significa, “Art-Popular” a sua proposta é romper a barreira entre a arte e a vida comum. A fonte de inspiração dos artistas pops é o dia-a-dia das grandes cidades; o que interessa são as imagens, o ambiente, a vida que a tecnologia industrial criou nos grandes centros urbanos. Os recursos da Pop-Art são os mesmos dos meios de comunicação de massas: cinema, televisão, publicidade. Os temas são os símbolos e os produtos industriais dirigidos às massas urbanas: lâmpadas elétricas, automóveis, tampinhas de garrafa, pregos, parafusos etc.

Grafite

A arte da grafite é uma forma de manifestação artística em espaços públicos. A definição mais popular diz que a grafite é um tipo de inscrição feita em paredes, dessa maneira temos relatos e vestígios do mesmo desde o Império Romano. Seu aparecimento na contemporânea se deu na década de 1970, em Nova York, nos Estados Unidos. Alguns jovens começaram a deixar suas marcas nas paredes da cidade, algum tempo depois essas marcas evoluíram com técnicas e desenhos.

A grafite está ligada diretamente a vários movimentos, em especial ao Hip Hop. Para esse movimento, a grafite é a forma de expressar toda a opressão que a humanidade vive principalmente os me favorecidos, ou seja, a grafite reflete a realidade das ruas. A grafite foi introduzida no Brasil no final da década de 1970, em São Paulo. Os brasileiros por sua vez não se contentaram com o grafite norteamericano, então começaram a incrementar a arte com um toque brasileiro, o estilo da grafite brasileiro é reconhecido entre os melhores de todo o mundo.

Muitas polêmicas giram em torno desse movimento artístico, pois de um lado a grafite é desempenhada com qualidade artística, e do outro não passa de poluição visual e vandalismo. A pichação ou vandalismo é caracterizado pelo ato de escrever em muros, edifícios, monumentos e vias públicas. Os materiais utilizados pelos grafiteiros vão de tradicionais latas de spray até o látex.

Principais termos e gírias utilizadas nessa arte; • Grafiteiro/writter: o artista que pinta. • Bite: imitar o estilo de outro grafiteiro. • Crew: é um conjunto de grafiteiros que se reúnem para pintar juntos. • Tag: é assinatura de grafiteiro. • Toy: é o grafiteiro que tem muita experiência. • Spot: lugar onde é praticada a arte do grafitismo.

Arte Conceitual

A arte dos anos 1970 foi marcada por um amplo repert experimentações, que tinham em comum o predomínio da valorização da idéia sobre o objeto artístico. Se, nas décadas anteriores, os artistas já vinham rompendo com os suportes tradicionais, essa déc consagrou como experiências artísticas válidas o corpo em performance e trabalhos produzidos com o auxílio de meios tecnológicos, como o vídeo e o computador. A denominada Arte Conceitual se preocupava em materializar processos decorrentes de uma idéia, utilizando suportes muitas vezes transitórios e reprodutíveis, como fotografias, audiovisuais, xerox, off-sets, postais, entre outros. Diante dessa diversidade de meios, o próprio conceito de arte se amplia, abrangendo, a partir de então, novas linguagens. A Arte Conceitual teve como inspiração principalmente os ready-mades de Marcel Duchamp, objetos retirados do cotidiano das pessoas, e reapresentados como elementos do processo criativo Nesse caso, o artista havia privilegiado a idéia, em detrimento do objeto, já que esse podia ser facilmente encontrado na sociedade. Nos anos 60, alguns artistas revitalizaram o pensamento de Duchamp, enfatizando registrando o processo mental que originava suas próprias obras. Em referência a essa prática, surgiu no interior das vanguardas o termo “arte conceito”, empregado primeiramente pelo músico Henry Flynt, em 1961, ligado às atividades do Grupo Fluxus de Nova Iorque. Em 1969, na Inglaterra, passou a ser publicada a revista Art Language, tendo como subtítulo “revista de arte conceitual”. Essas expressões eram aplicadas aos trabalhos realizados em meios transitórios, de fácil reprodutibilidade, produzidos muitas vezes em grandes quantidades (como foi o caso da arte postal) e que eram distribuídos por um sistema alternativo aos grandes museus e galerias. No entanto, aos poucos, as próprias instituições começaram a se abrir às novas linguagens que multiplicavam. No Brasil, a partir dos anos 70, uma grande variedade de métodos artísticos começou a se espalhar no circuito de exposição, como fotografias (que muitas vezes serviam também para registrar meios transitórios, como as performances), xerox, off-sets, vídeos, filmes, livros de artistas, atos performáticos e muitos outros. Os artistas passaram também a exigir uma maior interação e participação do público, que deixava de ser apenas um expectador para interagir com as obras. Mesmo as instituições como os museus e galerias, tradicionalmente mais conservadores, tiveram que se abrir para as novas linguagens que se multiplicavam. O Museu de Arte Contemporânea da USP, MAC-USP se constituiu, nessa época, como um pólo aberto e incentivador dos artistas conceituais e multimídias, criando um núcleo de produção de

vídeos e organizando exposições de arte postal e outros m

Instalação A Instalação é um fazer artístico dos mais relevantes no panorama das artes no século XX e início do XXI. Embora já bastante discutida, conta ainda com frágil definição e com muitos pontos a serem pesquisados de forma incisiva. Como boa parte da produção artística contemporânea a Instalação não permite rotulação única, por seu princípio experimental. O conceito, a intenção do artista ao formular seu trabalho é em grande parte a essência da própria obra, na medida em que a instalação emerge no contexto da Arte Conceitual .

A Instalação, enquanto poética artística permite uma grande possibilidade de suportes, a gama variada de possibilidades, em sua realização pode integrar recursos de multimeios, por exemplo, videoarte, caracterizando-se em uma videoinstalação Esta abertura de formatos e meios faz com que esta modalidade se situe de forma totalmente confortável na produção artística contemporânea, já que a Contemporânea tem como característica o questionamento do próprio espaço e do tempo. A obra contemporânea é volátil, efêmera, absorve e constrói o espaço a sua volta, ao mesmo tempo, que o desconstrói. A desconstrução de espaços, de conceitos e idéias está dentro da práxis artística da qual a Instalação se apropria para se afirmar enquanto ob

Essencialmente é a construção de uma verdade espacial em lugar e tempo determinado. É passageira, é presença efêmera que materializa de forma definitiva apenas na memória. O sentido de tempo, no caso da fruição estética da Instalação é o não-tempo, onde esta fruição se dá de forma imediata ao apreciar a obra in loco, mas permanece em sua fruição plena como recordação

Essa questão do tempo é crucial na Instalação, fazendo com que a mesma seja um espelho de seu próprio tempo, questionando assim o homem desse tempo e sua interação com a própria obra. Nesta condição pode-se indicar algumas características próprias das instalações da década de 70.

Instalação A transmutação do Objeto em , ou melhor o caminho percorrido pelo Objeto Artístico até a Instalação tem exem precursores com Duchamp e os ambientes surrealistas

APOSTILA DE ARTE CESEC

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