TEORIA DEL DIBUJO SU SOCIOLOGIA Y SU ESTETICA Para conocer a fondo lo que constituye al arte, es necesario dividirlo en partes tal como lo aconsejaba René Descartes: " Dividir cada dificultad en cuantas partes sea posible y en cuantas requiera su mejor solución" Acha comienza diciéndonos que no existe "el arte", sino "las artes" lo que ha llevado a muchos estudiosos a diferenciar lo estético de lo artístico. Así nos dice que cada género artístico posee un sistema productor de imágenes, objetos y acciones, mientras la cultura estética da solidez a un fenómeno sociocultural como un sistema interno de valores valores que las artes artes generan para poder expresarse y retroalimentarse. Varios Varios filosos deseaban deseaban separar separar la filosofía filosofía estética estética de la filosofía filosofía del arte incluso Kant diferencio el gusto del arte. Esta diferenciación tiene un solo punto de partida: "la pluralidad de la obra de arte" pues es integrada por un tema, por lo estético y por lo artístico (3 lecturas). Lo estético puede estar ligado al tema o a formas pictóricas por ejemplo; para poder leer el tema necesitamos conocimientos de la cultura a la que perten pertenece ece,, si queremo queremos s leer leer lo estéti estético co tenemo tenemos s 8 catego categoría rías s (bell (belleza eza,, fealdad, dramaticidad, comicidad, sublime, trivial, típico y nuevo), pues todos los seres humanos lo experimentamos consciente o inconscientemente. La obra obra de arte arte pued puede e cump cumpli lirr 3 func funcio iones nes:: como como cana canall de un prod produc ucto to artístico o no; como medio de producción de otro arte y como producto de arte, es decir "Obra de Arte". Para distinguir lo temático de lo estético y lo artístico es necesario profundizarnos en las actividades manuales o corporales del artista para teorizarlas, sin dejar de lado lo comprensible del arte en nombre de lo misterioso de su creación. Cada Cada género género artíst artístico ico es una activi actividad dad que se encuen encuentra tra compue compuesta sta de reglas, medios y fines de producción llenas de cambios. Estas teorías llevan a Acha a profundizarse y buscar en el trabajo simple del artista un modelo maleable para todos los géneros artísticos. Para la construcción del modelo Acha se guía de los juegos de pelota, pues los deportes también también son un sistema sistema cultural, cultural, cada movimiento movimiento debe seguir las reglas y estrategias dadas; así las artes también utilizan movimientos y actividades corporales pero en cada arte las reglas cambian para cumplir su propósito con efectividad. El autor autor nos menciona menciona el trabaj trabajo o simple simple de un pinto pintor, r, el manejo manejo de herrami herramient entas as y materi materiale ales s según según la técnic técnica; a; esto esto consti constituy tuye e una técnic técnica a lingüística a fin de representar la realidad para comunicar. También distingue 5 orientaciones continuas del trabajo del pintor: Genérica y Tendencial: Viene de los principios de cada arte que, con el tiempo llega a tener problemas específicos junto con lo estético, el tema y lo creativo.
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Tropológica: Medios propios de la pintura de fines estéticos.
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Temática: Sobre las figuras.
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Estética: En los trazos de cada categoría estética que se aspire lograr como efectos de la obra (mimesis, ornamental, expresión, emblemático, heurísticas).
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Creativa, Personal: Cada una de las orientaciones de las técnicas que puede llegar a la creación o no. Este modelo se puede aplicar a cualquier género o sistema artístico, pero las técnicas varían, aunque los lenguajes corporales no sean escritos están determinados por condiciones culturales y limitaciones del cuerpo. Es fácil señalar los principios, medios y fines en las actividades del artista ya sean ajenos o propios; asimismo Acha nos dice que toda obra de arte puede ser canal de otra y/o medio de producción y establece que el trabajo simple es ordenado por postulados pictóricos, tropos, tema, estético y aspiraciones creativas. Este sistema propuesto es útil para 3 tareas importantes: La definición histórica de cada género artístico.
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El diseño de una educación artística realista y actualizada.
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El estudio de nuevos sistemas icónicos en busca de ser sistemas artísticos.
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En la definicion historica de cada genero artistico Acha hace referencia a la evolución de producción de géneros artísticos tradicionales que fue gradual en Occidente: de las magias prehistóricas a la techne griega, a las ars medievales y así sucesivamente. Con ello se considera que la pintura pudo comenzar a ser un sistema cultural en comparación con las Ars que fueron sistemas tecnológicos con fines religiosos (entre otros), similares al techne de Grecia. Por ello se entiende que la actividad es la misma pero cambia sus principios, medios y fines a través de la historia. Estos sucesos evolutivos ayudan a relacionar la estructura de los valores de cada género artístico que son diferentes de los temáticos y estéticos, cuyo propósito es representar y comunicar realidades visibles. La actividad de dibujar comenzó su proceso formativo en el siglo XI a.c. dentro de las cavernas y radicaba en representar gráficamente una realidad visible, como el bisonte y el caballo. El hecho de que el hombre pasara de dibujar a escribir correspondió entonces a ir de una actividad mágica al desarrollo de un sistema de signos ahorrador, pues sus combinaciones permiten nombrar cualquier realidad, visible o no, concreta o abstracta. Esta evolución necesito diversas etapas, combinaciones, proporciones y numero de símbolos fonéticos. Por ello el dibujo aparece como un sistema técnico de fines estéticos que fue utilizado como medio de producción pictórica y que podría llegar a imitar la pintura por medio del sombreado. El dibujo comenzó a verse como un sistema artístico de figuras de líneas activas que buscaba sus propios principios, medios y fines; sus ramas fueron: el dibujo técnico, de precisión, ilustración, comunicación y diagramático. Acha menciona que en un mundo como el nuestro las imagenes audiovisuales están sustituyendo la
escritura y las imágenes tradicionales; decide tomar el dibujo como el mejor ejemplo de estudio de los sistemas icónicos que desean convertirse en un sistema artístico. Así el dibujo compone una técnica manual de producción de imágenes que posee 3 funciones: como canal de imágenes artísticas, como medio de producción artística, y como producto artístico. Sus principios giran en base a lo grafico (línea activa) que tienen grandes diferencias con lo pictórico. Los medios del dibujo artístico son los tropos gráficos con sus dimensiones caligráficas, graficas, grafológicas. En el siguiente capítulo del libro nos dice que el dibujo es apto para varias definiciones y que al mismo tiempo es un producto, una actividad manual, una técnica y sistema artístico todavía en un filtro para considerarlo "arte". El dibujo como producto es un grupo de imágenes y/o signos sobre un soporte; su forma es amplia, por tanto existen clases de dibujo: Científico: Formas determinadas recién descubiertas.
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Diseñistico: Utilizado por el diseñador grafico.
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Diagramático: Esquemático.
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Escritura: Con trazos manuales.
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Apunte: Boceto.
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Artístico: Porta un mensaje y carga estética con la que aspira a la autosuficiencia.
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Para Acha la realidad dibujada se refiere al conjunto de imágenes que la sugieren y que destinan un espacio vital para ella. Cuando se habla de la actividad manual del dibujo se establece como un trabajo simple, consta de acciones evidentes en el manejo de herramientas, procedimientos y materiales dados, así en esencia continua siendo el mismo trabajo ya que las manos tienen la misma anatomía, solo cambian los materiales y las herramientas, igual que sus motivaciones y finalidades. La técnica del dibujo consiste en un conjunto de reglas y convenciones en forma de métodos, uso de herramientas y soportes materiales, que presta servicios a toda clase de propósitos humanos. Entre los procesos del dibujo Acha distingue el histórico, es decir el proceso de modos de ejecutar trazos a través del tiempo; el psicológico con ejecuciones visuales, sensitivas, mentales y de fantasía en las actividades manuales del dibujante; el sociológico que nos habla de la sociabilidad que desempeña el dibujo en nuestros días; el cultural: comprende la interacción del dibujo con otras creaciones humanas que son distintas en cada sociedad. Posteriormente describe distintos medios concentrándose en el proceso sociocultural.
culturales
del
dibujo
Comienza con el proceso estético: que demuestra las variaciones de los efectos del dibujo en la sensibilidad humana; el idiomático: cambiara las imágenes en signos de la escritura; el lingüístico: es un proceso distinto y original que acontece con las variantes humanas a las que el dibujo les sirva en su calidad de medio o instrumento; el proceso de divinización: se refiere a la utilización del dibujo como un medio mágico, mágico-religioso y religioso progresivamente; el artístico: que a su vez se divide en pictorización donde el dibujo se colorea hasta hacer del color un nuevo genero artístico (la pintura), y la artización del dibujo mismo y en camino de ser un nuevo género de las artes plásticas. También nos dice que el dibujo se afirmara como arte cuando se haya aprendido a valorar sus virtudes graficas que son su componente especifico, cuando termine su proceso de artización, el dibujo devendrá en uno de los sistemas culturales, iniciará a ser un arte o genero artístico. Se especifican las interioridades de las definiciones o identidades del dibujo y sus diferentes procesos, sin tomarlo necesariamente como arte pues el ser humano tiende a tomar por arte toda producción de imágenes, por tanto Acha manifiesta que el dibujo también integra la escritura y lo grafico de las curvas esquematizadas de ventas o producción usadas por los comerciantes o industriales como la del sastre o el hojalatero, o bien el croquis y por otro lado seguirá el proceso de artización hacia la pintura, mientras el proceso de divinización del dibujo será un lenguaje que seguirá siendo molde de todos los lenguajes visuales. Al tomar al dibujo como fenómeno sociocultural, se está valorando como un sistema con actividades productoras, distributivas y extenuantes, envolviendo así su integridad total. Todo dibujo es multifuncional y por ello registra varias lecturas, interpretaciones y valoraciones. Acha considera lenguaje a todo dibujo, pues el lenguaje es: el "conjunto de señales que dan a entender una cosa" y al principio estas señales fueron puros trazos lineales y luego figuras dibujadas. Durante el proceso lingüístico del dibujo ocurren diversas adaptaciones de sus señales a los cambios tecnológicos y científicos; por ello distingue varias clases de dibujo: lingüístico de uso general, idiomático de la escritura, el coloreado que va hacia la pintura, el sagrado, el de su artización y su estetización incluidas las escrituras. El dibujo es una actividad humana que viene de la facultad manual de estampar o separar trazos sobre una superficie para representar, conservar, recordar y comunicar algo. También es una actividad lingüística porque está guiada por el deseo de registrar algo con signos visuales. El dibujo artístico proviene del dibujo lingüístico. Nos dice el autor que las imágenes de los dibujos icónicos son reconocidas por cualquier persona y esta le asigna significados establecidos en su generalidad, por el contrario los dibujos aniconos necesitan un aprendizaje en su decodificación, por ello nos dice que el dibujo es una facultad humana definida en imágenes y signos de distinta finalidad y que constituye la base
de todos los lenguajes visuales. Cuando el dibujo apareció por primera vez debía estar al servicio de algo por ser lingüístico sin poder diferenciarse de otras actividades y productos, siendo primero un trazo y después una figura cuya importancia radicaba en la acción de dibujar o en su proceso, su función principal cambio dentro de la sociedad; de mágico a mágico-religiosa, de religiosa a laica o profana. La evolución de la capacidad de dibujar tuvo que aparecer junto con las demás partes lingüísticas del habla y su relación con la percepción de las diferentes realidades; al reconocer cada una el antropoide la nombro con un determinado sonido o trazo o un conjunto de ellos. Ligado a lo anterior Acha nos dice que el dibujo apareció como un trazo y después en una figura que se convierte en un núcleo del que brotan diversos productos de larga trayectoria, como la imagen con sus cambios icónicos en cantidad y calidad de información; y las distintas clases de dibujos, escrituras, pinturas e idiomas unidas con una comunicabilidad o sociabilidad determinada. La historia del dibujo nos debe interesar porque así establecemos las diferentes funciones sociales que este tuvo y que son distintas a las nuestras. Cuando nos acerquemos al dibujo prehistórico encontraremos las dimensiones de las imágenes y los ritos y las relaciones de lo mágico y lo real, lo divino y lo profano menciona Acha. En el dibujo en su calidad de núcleo de los lenguajes visuales podemos ver al dibujante que retoma algo de la realidad con el fin de trazar un grupo de imágenes que representen ese algo mediante un determinado balance de sus planos comunicativos. La imagen dibujada entra en relación con uno o más destinatarios con determinados intereses. Con esto podemos entender dos enfoques del dibujo que menciona el autor: El dibujo en la historia, con sus fases evolutivas.
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El actual para concentrarnos en sus problemas y posibilidades de comunicación, estética y artística a partir de nuestra contemporaneidad.
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Las dos observaciones nos llevan a enfocar los procesos evolutivos de la estetización del dibujo y de la escritura a través del tiempo, comenzando por poner al dibujo en calidad de núcleo tanto de la escritura como de otras derivaciones prácticas de las estéticas. Indagar el origen del dibujo implica tener una idea o definición determinada de lo que vamos a buscar sin importar si es lejana o errónea. En cuanto a la pintura Acha la menciona como tecnología para producir imágenes que apareció en el neolítico junto con las religiones a cuyo servicio estaba. En resumen nos dice que el hombre aprendió primero a reír, llorar, temer y admirar su entorno y después aparecieron los recursos para expresar sus sentimientos así como para representar las realidades visibles de interés. Desde entonces es ventaja del hombre señalar virtudes estéticas en los
productos naturales y culturales, sin que los autores hayan pensado en lo estético ni sepan de su existencia. El trabajo del dibujo siempre ha radicado en la misma tecnología manual o trabajo simple, es por ello que constituye una técnica manual y lingüística, es un lenguaje señala Acha; se fue conformando de acuerdo a los requerimientos de nuevas actividades profesionales a las que serviría. Así el dibujo técnico seria el mayor exponente del idiomático, y su versión optima es el dibujo arquitectónico, que por su calidad algunos historiadores lo han consideran artístico, cualquier dibujo técnico o arquitectónico pude lograr altas calidades estéticas, pero nunca un genero-artístico; tanto el dibujo a mano alzada como el técnico son los antecedentes a cargo de todos los quehaceres humanos, cuyos productos posen una imagen dibujable, sin importar si lo hacemos con calidades estéticas. El uso sistémico de las imágenes comenzó primero con pictogramas, que se convirtieron en ideogramas y concluyeron siendo signos. Estos también se dividían en simbólicos, silábicos y fonéticos. De igual forma se desarrollaron progresivamente escrituras fonográficas, íntimamente unidas al habla y de reducido número de signos, cuya economía de medios, energía y tiempo permitió un uso generalizado de ella. En seguida Acha se cuestiona el por qué el hombre comenzó a dibujar, comienza haciendo referencia al cavernícola, pues considera que su sensibilidad empezó a estar acompañada de la racionalidad de su propia humanización obligándolo a producir dibujos de distinta naturaleza en piedras o huesos. El dibujo nace de la relación ojo-cerebro y no de la relación ojos-manos, sea como haya sido el origen del dibujo el hombre paleolítico dejo imágenes de animales cuya realización debió haber sido más importante que sus figuras, ya que el cavernario superpuso unas sobre otras, predominando así el ritual mágico. Cuando producía imágenes sin importar las causas este representaba una realidad visible: la de los animales de caza, pero nunca las imágenes constituyeron un espectáculo, como las de siglo XX. Sintetiza diciendo que el rito mágico busca por excelencia el predominio del plano practico de su mensaje y no el semántico o el parecido del bisonte dibujado con el bisonte real, ni el plano ordenado o composición de las partes sucesivas del rito. La estética estaba muy unida a las necesidades vitales del ser humano. El cavernícola fue separando el dibujo en su vida práctica para dar comienzo a su condición de núcleo de la escritura y la pintura, cuyos procesos formativos tomaron milenios. En el neolítico la magia acelero el paso del dibujo hacia la religión, así se produjeron imágenes de seres sobrenaturales o deidades que regían el funcionamiento de la naturaleza y el destino humano. Junto con la evolución cultural al dibujo se le reconoció su importancia en el planteamiento de algún proyecto de todo oficio o profesión, el dibujo siempre fue utilizado para hacer visible cualquier proyecto, es decir es un lenguaje y medio de producción de imágenes al servicio de cualquier actividad humana. El autor se interesa en el paleolítico y mesolítico por sus diferenciaciones con
el fin de precisar sus posibles relaciones y estas aclaren aspectos con los problemas conceptuales que provoca el dibujo en particular y el arte en general; las principales son: •
Entre el rito mágico y el dibujo: en lo ritos mágicos participaban humanos que utilizaban la palabra hablada, la cantada y lenguajes corporales, sus adornos y tatuajes, además dibujaban con un tipo de pre escritura; la magia abordaba lo más destacado de la tribu. en los ritos mágicos intrayace la mimesis, parte pre artístico que estuvo indiferenciado en el paleolítico pero gozo de un desarrollo distinto a partir del neolítico. Ante los dibujos prehistóricos se supone que ellos siguieron su propio curso: de ser núcleo de la escritura, la pintura y el dibujo (3 versiones) mágico-practico hasta el mesolítico, el practico en el neolítico y el artístico que surge en el siglo XIX. La magia por su parte evoluciono de ser una pre tecnología empírica y relacionada con la naturaleza a relacionarse con seres sobrenaturales imaginados que servían como mediadores entre el ser humano y la naturaleza, así la magia llego a ser mágico-religiosa y posteriormente se transformo en religión.
Entre la magia y lo estético lo inesperado por la sensibilidad prehistórica que lo produce. El camino hacia la divinización del dibujo.
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Junto con el dibujo apareció la imagen, esta tuvo una historia a través de sus variados cambios de naturaleza y de funciones sociales, en comparación con el dibujo que consta del mismo trabajo simple y siempre se registran en el las alteraciones en sus herramientas, materiales y soportes usados. El camino hacia la divinización del dibujo pasa por la magia, que se entiende como la tecnología temprana, muy primitiva y empírica que se ve en los cavernícolas; de ellos nos han quedado las imágenes de animales y la superposición de estas dan paso a tomar la actividad de dibujar como acciones, primero mágicas y luego teúrgias, después religiosas y hoy artísticas y sobrevaloradas. En el mesolítico, las figuras ya no representaban la caza, sino los cazadores en plena acción, eran representados con siluetas en vez de líneas, se favorecía así la acción de los cazadores y lo la apropiación paleolítica de la presa, por ello l magia residía en el hecho de dibujar cazadores. En el neolítico llegaron los ritos teológicos o mitológicos pues el ser humano había buscado influir en los dioses, tal vez el hombre había perdido la confianza en su poder y se la atribuyo a seres sobrenaturales llegando incluso a la idolatría y rendirle culto a la imagen religiosa. Con el tiempo la divinidad se le prohibió al productor de imágenes transformando su trabajo en un oficio que requería la bendición de un sacerdote para sus productos y así adquirir el aura divina. El producir imágenes perdió la prioridad que tuvo durante el
paleolítico aunque el rito religioso la conservo completamente en plazas ceremoniales y templos. El monoteísmo no requería necesariamente imágenes, sin embargo el culto católico no era dirigido a Dios únicamente, sino que extendieron sus prácticas a los santos y algunos a la virgen maría para buscar protección o milagros. Posiblemente en la mimesis de los ritos mágicos, hayan intervenido sentimientos trágicos, cómicos, tribales y nuevos provenientes de la vida cotidiana; venían de las relaciones que entablaba día con día el cavernícola con su entorno y cuya proporción constituía su cultura estética. En la prehistoria los sentimientos tenían prioridad sobre las ideas, siendo obvia la ausencia de las ciencias y artes. Con el tiempo las ciencias concluirán en la facultad humana de razonar con lógica y las artes culminaran la facultad de sentir estéticamente; pues no había religión como tal; esta apareció hasta el neolítico, en la sentimentalización estaba comprendida la estetización. Cuando se oriento el sistema de valores de la cultura estética, y gracias a los adelantos sociales y tecnológicos, el ser humano se vio en la necesidad de elaborar distintos sistemas denominados "artes". De esa forma inicio un milenario proceso de artización en que cada arte se formo en épocas propicias, mientras alguno perdía vigencias en las adversas como la caligrafía que hoy es un arte extinto. Entre el rito mágico de la caza y las prácticas profanas de la misma. Los ritos mágicos de la caza imitaban la realidad de la caza real y por ello usaban símbolos e invocaciones secretas, el ritual era una imitación o simulacro de la caza; el hombre se desplazaba entre la realidad vista por su memoria y lo inexistente, que llegaba a ser posible consolidando su fantasía. Para Acha esto explica porque en la era moderna el arte se volvió en religión e incluso la remplazo.
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Describe a las mimesis como el vínculo sustancial de todo arte, entrando en la relación realidad-ficción, teoría-practica, arte-artefacto, posteriormente ella generaría las discusiones artísticas al rededor del simulacro, simulación y copia, lo virtual y la alegoría, el símbolo y el emblema. Entre lo lingüístico y lo estético del dibujo como manifestación lingüística. La diferenciación entre la naturaleza lingüística y su contexto estético. Acha distingue 2 procesos paralelos y diferentes entre si, cuyas correspondientes fases se pueden estudiar en cada momento histórico, estos empiezan por ser formativos, madurar y al final se consolidan en un patrimonio humano considerado estable, por no ser apto a los cambios radicales.
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Los procesos del dibujo que comenzaron en el neolítico son:
1.Idiomático: es interno comienza con la pictografía como una vía hacia la escritura alfabética que tomo 11 000 años en evolucionar. Este proceso dependió, en parte, de herramientas y soportes: muros, piedras, huesos, arcilla, papiro y papel. 2.Estetización del dibujo: Comenzó cuando la actividad de dibujar y el dibujo miso se convirtieron en elemento mágico. Durante el neolítico, y cuando las ciudades sedentarias funcionaron, el dibujo pasa por 2 procesos más: 3.Primera Artización: También llamado pictorización del dibujo; este proceso dependió de los pigmentos, su vehículo y soporte: muro, piedra, muebles, hasta llegar a la pintura de caballete, con la que gano autonomía y gano comunicabilidad y por ello sociabilidad. 4.Socialización: Puso al dibujo al servicio de nuevas actividades culturales que iban apareciendo, así se sigue utilizando como medio informativo y medio de producción de cualquier oficio; así tenemos el dibujo tecnológico y científico, el diagramático y el de apunte o cualquier otro proyecto. Acha menciona que a fines del siglo XIX el dibujo pasó por otro proceso: 5.Segunda Artización: Que actualmente eta en marcha. En los imperios agrícolas de Asia menor se inicio la artización de lo estético donde aparecieron las artes tradicionales: cerámica y textilería, cestería y orfebrería, arquitectura y escultura. Aquí se afirma que el paleolítico y el mesolítico se ocuparon de echar a andar la cultura estética, la consolidaron junto con los lenguajes y el dibujo; mientras que las artes esperaron la formación de ciudades y regiones para aparecer. Con el fin de encontrar el proceso de divinización del dibujo Acha se enfoca en la edad media (inicio del Occidente cristiano) encontrando así, la constante ventaja del rito o reunión de cultos dentro de un ámbito arquitectónico. El culto religioso no se centraba en las imágenes, pues un solo Dios reducía la iconografía cristiana en la Santa Trinidad, como signos o emblemas, mas la cruz sola o con la figura de Cristo crucificado. La evolución de la imagen cristiana se dio primero con la biblia, con los ritos y las reliquias, pues estas eran más valiosas por ser considerados lazos directos con Cristo, la Virgen y con los apóstoles. El culto religioso a las imágenes venia del culto a los muertos que acostumbraban los romanos al rendirse culto mediante sus respectivos retratos. En un principio el cristianismo se concentraba en la biblia, así como los musulmanes se concentraban en el Corán, por definiciones iconoclastas. Posteriormente los feligreses y la iglesia comenzaron a sentir la necesidad de imágenes para difundir el cristianismo por el mundo: palacios, monedas, incluso las páginas de los misales fueron adornadas con diversos temas religiosos.
Siglo XII: Paso del símbolo al icono y a la imagen expresiva en sentimientos. Siglo XIII: Se retoman ideales grecorromanos de belleza; este cambio fue titulado "Renacimiento", empezó el culto artístico a la imagen en vez del religioso. Las imágenes católicas de pintura de caballete se vuelven laicas, el dibujo coloreado entra a una artización que culmina en pintura. Barroco: Comienza con las imágenes que fueron tomadas de la vida profana. Reforma: Se aboga por las iglesias aniconas. Las imágenes profanas se impusieron en la vida diaria, sus temas y estilos variaban pero siempre fueron académicas. Impresionismo: El tema deja de ser lo más importante, ahora importaba el estilo de las imágenes o el nuevo modo de hacerlo. Siglo XIX: Aparece la fotografía, después el movimiento, color y sonido en el cine. 1950: Las imágenes artísticas tienen como espacio esencial los museos y salas de colecciones privadas, sus receptores pasan de feligreses a individuos, masas y sociedades consumistas. Surge la televisión. Actualmente la música rock tiene prioridad, seguida de imágenes audiovisuales del cine y la televisión, y en tercer lugar se encuentra el dibujo junto con la fotografía fija y aislada. Lejos está la importancia de la literatura y después la pintura; esta refugiada en museos y colecciones privadas ha perdido popularidad menciona Acha. En seguida Acha se pregunta cuando y como el dibujo de volvió pintura o si ambos nacieron simultáneamente. La pintura y el dibujo son actividades manuales con diferentes técnicas; ambos pueden ser estatizados e inclusive artizados. A fines del siglo XIX el dibujo comenzó a volverse un arte, actualmente se encuentra en su consolidación como un sistema artístico con derecho propio. La pintura es un arte consolidado, comenzó como la técnica de aplicar colores sin tener que estar unida al dibujo, y se encontraba al servicio de la magia. La pintura comenzó a ser arte en el renacimiento. Todo arte comenzó siendo un derivado de la tecnología manual al servicio de las religiones, en el que a lo largo de su historia entran y salen algunos. Después del naturalismo renacentista llego el cambio del concepto de la realidad: de la naturaleza naturalizada paso a naturaleza naturalizante, así surgió el impresionismo que inicia los nuevos modos de pintar como valor artístico y finalidad propia; seguido de los vanguardismos. Así la pintura se torno, en un bien de la humanidad, utilizada por todos y cada uno de los fines humanos. En cuanto al dibujo siempre existió como técnica lingüística generando la escritura, la imagen divina y la pintura, pero no era considerado arte. El
dibujo es capaz de producir obras que imiten la pintura o que sean graficas nos dice Acha. El objetivo principal del dibujo es enriquecer al ser humano con otro placer artístico: el grafico al lado del pictórico y así poder orientarlo mejor en ámbitos icónicos inmediatos. La separación entre lo estético y lo artístico permite captar lo que las realidades le provocan continuamente experiencias estéticas sin tener que ser artísticas. La cultura estética precedió a la artística, dibujar por ejemplo, después de ser un ritual mágico se sistematizo en el neolítico, cuando el hombre comenzó a ser sedentario; entonces el dibujo se refugió en la cerámica, la cestería y la textilería, las cuales al producir en grandes cantidades obligaron al dibujo a hacer lo mismo, convirtiéndose en una técnica, al servicio siempre de algo. El dibujo trae consigo iconicidad cíclica y sus vacios incitan a fantasear, como si se buscase llenarlos, participando en su lectura con vivencias propias. Esto llevo a Acha a preguntarse ¿Que es el dibujante? pues ningún dibujante se nos presenta como un ser humano aparte por el hecho de dibujar: se convierte en dibujante por realizar una actividad manual característica. Lo determinante de su trabajo simple radica en trazar imágenes que incluyen conjunto de trazos aniconos. Los trazaba con un dedo o con una herramienta provista de determinado material que fija en una superficie o soporte, de esta forma todo ser humano ha sido y es dibujante a ratos. Para hacer la producción de imágenes como una profesión se requiere de un previo aprendizaje especial lo que lleva a realizar dibujos autosuficientes; por ejemplo los caricaturistas, dibujantes técnicos y artísticos; que desempeñan una importante función en la evolución del dibujo. Al profesionalizar el dibujo lo básico de este pasa a ser de servicio. Carece de importancia si solo el dibujante profesional llega a materializar una principalidad, sea artística o técnica. Entre los dibujantes profesionales Acha considera a los de dibujo técnico, después los de dibujo artístico y menciona también que abundan más los profesionales. Diferencia los profesionales que dibujan de los profesionales del dibujo pues si el dibujo para los primeros es un fin, para los segundos se convierten en un simple medio. El dibujo persigue distintos y múltiples objetivos, que para Acha son básicos 2: Proyectar.
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Representar.
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El humano comenzó a dibujar con el propósito de proyectar y representar al mismo tiempo, aparecieron simultáneamente. Primero aparecieron representaciones táctiles mediante el moldeado manual, seguramente vinieron acompañados de algunas representaciones auditivas u orales de otras realidades. La creación de patrones visuales fue posterior y posibilitaron la producción de las imágenes.
Tal vez en un inicio broto la representación de cada animal del entorno, como una unidad o numero, por una raya; luego vino el rito de dibujar bisontes o presas de caza, sean rayas o figuras, estas no solo representaban sino que también inventaban. Según Acha toda representación hecha por el hombre implica una invención, utilizando el dibujo para copiar una realidad, lo que equivale a repetir una imagen establecida, se trata de copiar una imagen dad y no la misma realidad. La copia no junta la realidad con la imagen. En la copia subsiste la invención entre realidad e imagen, naturaleza y cultura; existe otra invención que es la práctica cuando producimos una imagen diferente a las imágenes conocidas. La relación dibujante-dibujo no va de la realidad visible a los ojos y de estos a las manos, a veces el dibujo constituye una realidad que se produce en el interior mismo del dibujante, es decir, e s imaginaria o virtual. En cambio el dibujo profesional opera con reglas que van cambiando con el tiempo y el espacio. En el dibujo proyectar y representar también son susceptibles de embellecimiento y de emotividades expresables. El dibujante además posee la capacidad de estetiza y divinizar las imágenes que dibuja. Hoy el dibujante ha perdido el sentido de proyectar y prefiere acentuar la representación de realidades expresivas; raras veces lo vemos construir o inventar. Si el producto caracteriza al dibujante Acha distingue 4 modalidades: Un proyecto o dibujo previo a un trabajo
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Parte de un trabajo profesional, tal como el dibujo de un arquitecto o de un escultor.
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Parte de un producto, como una pintura artística.
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Un producto autosuficiente.
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Las diferentes clases de dibujante que describa Acha son: El dibujante espontaneo
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El profesional que dibuja
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El dibujante técnico
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El dibujante que es diseñador grafico.
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El dibujante artístico.
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Cada día el dibujo adquiere más importancia, nunca se dibujo tanto como en nuestros días, aunque hoy no sea tan vital como en el paleolítico. En el panorama estético del mundo actual, encontramos que el dibujo y la fotografía fija se disputan el tercer lugar en cantidad e importancia comunicativa y estética.
El dibujo también es importante como un sistema manual de producir imágenes que, desde el siglo XIX aspira a tornarse un sistema o genero artístico con sus propios fines y por ser núcleo de la escritura y de la misma pintura; el dibujo siempre fue estimado como medio de producción pictórica, escultórica y arquitectónica, así como científica y tecnológica, didáctica y de ilustración. Actualmente es decisiva para los entretenimientos en comics y dibujos animados. El dibujo tiene posibilidades de ser estetizado y también artizado, todo depende de cómo se defina lo estético y lo artístico. Existe también como productor de imágenes de fines comunicativos y así puede tener virtudes estéticas, si las vemos distintas a las artísticas. Originalmente el dibujo es un lenguaje o tecnología lingüística de la cual, el ser humano puede derivar un sistema de fines estéticos y artísticos; todo arte es derivado de un lenguaje determinado, nos dice el autor. Las diferencias entre el dibujo comunicativo o lingüístico, el estetizado y el artizado son que los 3 poseen un tema y una técnica del dibujo pero en la carga estética tiene problemas tanto ajenos como propios. Acha enfrenta el hecho de que el dibujo es muchas cosas a la vez, y por tanto se debe tener una idea clara de la pluralidad de sus mecanismos, estructuras y funciones, aparte de las distintas maneras de enfocarla. El dibujo como conjunto de imágenes que porta un mensaje en uno de sus tres planos comunicativos:
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6.Semántico: El parecido de la figura con la r ealidad figurada. 7.Sintáctico: Relación entre los signos con sus ritmos y simetrías. 8.Pragmático: Efectos de los signos en el receptor. Las imágenes del dibujo estilísticamente:
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9.Graficas: Predomina la línea activa 10.Pictóricas: Impera el sombreado y volúmenes. Entre los dos extremos, el grafico y el pictórico existen diversas degradaciones. En lo iconográfico el hombre es rodeado por lo grafico de los hoy abundantes dibujos; y en lo pictórico por las fotografías, ya que la fotografía materializo el naturalismo pictórico y renacentista. El dibujo como producto lingüístico asume 3 funciones:
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11.Servir de canal a cualquier clase de imágenes, incluso las de las otras artes. 12.Fungir de medio de producción artística. 13.Desempeñarse como producto artístico.
El dibujo con sus dimensiones comunicativas:
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14.Miméticas 15.Ornamentales 16.Expresivas 17.Emblemáticas 18.Heurísticas. El tema es decisivo para el dibujo comunicativo, en cambio el dibujo artizado tiene problemas gráficos, a partir de los temáticos y creativos. El dibujo como fenómeno sociocultural, consta de 3 actividades básicas:
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19.Producción: Con sus condiciones sociales y psíquicas. 20.Distribución: De los productos o medios intelectuales de producción y consumo. 21.Consumo: Apreciación de sus factores sociales y psíquicos. Con el análisis sociológico y psicológico del dibujo grafico Acha cumple su objetivo principal: diferenciar el dibujo de la pintura, señalando sus respectivas particularidades. El toma en cuenta 3 h echos reales: La obligada cantidad de sistemas de comunicación.
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La variedad de grados de iconicidad de imágenes.
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Las diferencias que las imágenes fijas y aisladas muestran en relación con la sucesión de las mismas.
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El dibujo a mano alzada estetizado genero las tiras cómicas, las caricaturas en los diarios, los carteles y demás productos del diseño grafico, la artización fue parcial durante mucho tiempo: se limitaba al dibujo como medio de producción artística; como una parte del grabado y de la pintura al lado del color, con el cual peleo muchas veces por el dominio en la superficie pictórica. Hace un siglo, el dibujo llego a ser producto artístico y busco un nuevo espacio vital en las paredes de los museos y de los hogares burgueses al igual que la pintura. De esta manera Acha se cuestiona si el dibujo constituye un sistema artístico distinto y separado de la pintura y si evoluciona el dibujo artístico, así como cuales son los límites de su artización. Surgen varios problemas en este estudio de Acha, los más importantes corresponden a la percepción humana y son: •
Establecer las diferencias entre dibujo, pintura y fotografía, en cuanto identifica al dibujo como esquema referido a una realidad que se debe
imaginar en buena parte,: la pintura la toma por sus trampas que acercan a la realidad , sin ser iguales a esta, y ve la fotografía como un espejo cuya imagen es idéntica visualmente a la realidad reflejada en el. Se trata de 3 técnicas diferentes de producir imágenes, cuyos productos pueden ser tanto gráficos como pictóricos. Cada una de estas 3 técnicas poseen distinto poder semántico, sintáctico y pragmático. •
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Constantemente es de interés confrontar la imagen, sola o fija con yuxtaposición de varias de ellas y con la sucesión de las mismas a la velocidad generadora de movimientos ilusorios como el cine y la televisión. Estos dos problemas pertenecen al trazo de la teoría de la imagen que se debe emprender, con el fin de tenerla de plataforma para su estudio. Esta teoría desemboca indiscutiblemente en el problema que toca formular y solucionar con respecto a las posibilidades temáticas, estéticas y técnicas o especificas de cada uno de los componentes del dibujo; que se encuentran ligadas íntimamente a la percepción visual.
El estudio de Acha precisa las posibles lecturas de las diferentes dimensiones de cada elemento del dibujo grafico: Las lecturas de la línea activa: su curso y deslizamiento sobre la superficie. Sus accidentes suelen revelar gestos de diferente emocionalidad. Su lectura es muy similar a la grafología, pero la rebasa: estos accidentes no suelen ser solo huellas del estado de espíritu del dibujante, sino que las líneas mismas adquieren vida emocional mediante el animismo, recurso psíquico que nos permite ver lo inanimado como animado. La mancha distendida, el contorno de ella o el croquis puede poseer también expresividad en los accidentes durante su transcurso. •
Las lecturas de la configuración. La línea posee así mismo una capacidad configuradora, en cuanto encierra un espacio para ofrecer un croquis de la imagen de alguna realidad visible, es complementado con diversas líneas del interior de la configuración o intrafigura, en el dibujo grafico las figuras son esquemáticas, resueltas en síntesis. Las figuras son capaces de traernos sentimientos estéticos, no solo de belleza, pues cada figura puede devenir en un microcosmos. En esta situación se tiene que ver las relaciones del dibujo con la realidad dibujada, para establecer que esta tiene demasiados aspectos, igual que los receptores disponen de varios puntos de vista. Acha concluye diciendo que todas las imágenes son correctas y ninguna es verdadera. •
Las lecturas de la organización: Llamada composición con sus ritmos y simetrías, proporciones y direcciones, mas los tropos posibles como la metáfora. Su lectura abarca todas las líneas y figuras en distintas combinaciones y por tanto es decisiva. El dibujo grafico también se caracteriza por enviar mensajes de lectura sumaria y rápida, esta lectura corresponde a lo que Charles Baudelaire señalaba en el •
dibujo cuando lo comparaba con la fotografía: “inde-finición”, pues estas imágenes no se consideran acabadas como las del espejo: pues han sido modificadas por el dibujante. Estas 3 lecturas tiene 3 orientaciones diferentes: la temática, la estética y la grafica del dibujo. La finura del croquis depende del instrumento y su respectivo material y soporte. •
La enseñanza del dibujo artizado: Acha dice que debe partir del conocimiento de condiciones relativas en que el niño actual aprende a leer los diferentes dibujos, lo que implica conocer la comunicación grafica en general, que llevan el diseño grafico y la teoría e historia de la imagen grafica del dibujo en comparación con la pictórica y la fotografía. Este estudio debe averiguar hasta qué punto es conveniente corregir hábitos inculcados a la sociedad y fundamentar las razones para que esta enseñanza ponga primero el concepto de dibujo como sus modos diferentes de ver el mundo y luego como una manera de dibujarlos, pues hasta ahora todo se ha reducido a la mimesis.
Para concluir este estudio Acha cuestiona la importancia del dibujo y su papel en el mundo de las imágenes. El dibujo artístico posee importancia cultural, aunque carezca de interés popular; los dibujos también son capaces de influir sobre un poeta o antropólogo, un político o dibujante y por tanto cambiarle algunos de sus criterios profesionales.
