TECNICA DE STELLA ADLER: . El Actor tiene que ser, en gran medida, un interpretador de textos. La maldición del actor es que ha elegido una profesión que requiere estudio interminable. Su tarea es saber en qué consisten las CC políticas de la obra que le toca interpretar, a qué clase social pertenece su personaje, en qué estilo está escrita la obra, cuáles son las ideas universales que el autor quiere transmitir. Esto significa que debe leer, pensar y observar, para que cuando ponga su imaginación a funcionar, esta tenga el suficiente material y combustible para hacer su trabajo. . “La Actuación es comportamiento humano ensamblado de maneras nuevas e interesantes.” interesantes.” . Lo que ocurra en el escenario debe ser más preciso, más intenso y más interesante que lo que ocurre fuera de él. . Todo personaje moderno está en problemas. No sería parte de una obra si no lo estuviera. El Actor está obligado a desarrollar y entender sus personajes independientemente de lo que dicen. dicen . El Actor está obligado a entender el texto tanto como ser capaz de ejecutarlo. Una Obra Teatral no está en las líneas más que en un diez por ciento. El trabajo está en la obra y sus CC. Hay que resistir la tentación de ir de frente a los textos, que solo son una expresión final de lo que está pasando. . La primera parte del trabajo en un personaje, es mejor hacerla solo: encontrar en la obra las grandes ideas que ideas que tratan de comunicarse, c omunicarse, el tema, la forma, el estilo. Aquello que es importante y aquello que no lo es. Solo después de esto, puede pasarse a la segunda etapa, que implica ya el ensayo, la lectura en voz alta (solo o en la mesa de trabajo), la interacción con el compañero. Debes comunicar el valor real de cada palabra que dices y cada movimiento que haces, pero nunca de manera automática; debes dejar sitio para la improvisación y la espontaneidad, espontaneidad, que es la la tercera parte. . “¡Sal de ti! ¡Trata de alcanzar! Si no tienes nada más que hacer, Mira de Verdad. Nunca metas tu voz, cuerpo o sentimiento; siempre sácalos. HAZLO, no lo digas. La tendencia de una obra es siempre hacia temas grandes. Acostúmbrate a usar tu energía, cuerpo y voz a plenitud.” . “La utilidad, por otro lado, de “mantener adentro”, usada sabiamente. Actores como Marlon Brando, cuya ira estaba siete octavos bajo la piel y no en la superficie, sabían que es mejor la ira contra Dios que una ira débil y pasajera.”
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. “Grandes cosas se derivan del texto, pero no todo. El actor debe pensar, tanto o más que el autor. La obra y las palabras proveen solo las pistas. No debemos ir, como actores, a las palabras. Estas deben ser el resultado de la acción. No hay que anteponer nunca las palabras a la acción. Deja que la acción te lleve a la palabra.” . El Parafraseo es una técnica que debemos aplicar en todos los textos. Nos permite entender mejor las ideas y hacerlas más nuestras. Poniendo el texto en nuestras propias palabras, creamos una mejor relación con él. Si lo entendemos también con el corazón, y no solo con el cerebro, podremos comunicarlo mejor a los demás, al público. . “En toda gran obra habrá al menos una idea que es universal. La lucha del hombre contra Dios, la familia, su sociedad, la moral. Es la responsabilidad del actor encontrar estas grandes ideas en el conflicto de valores y en la época de la obra. Gran parte del trabajo de análisis es encontrar Qué es lo que Quiere el Autor.” * Adler se centró en las Circunstancias Dadas, Personaje, Imaginación y Acciones Físicas. Es imposible hablar de una sin referirse a las otras tres. Circunstancias . La manera de acercarse a las Circunstancias es el DONDE. El LUGAR tiene un profundo impacto en nuestra conducta. Y todo lo que ocurre, ocurre en algún lugar. . Adler prioriza, en cuanto a CC, el LUGAR donde estás. País, ciudad, época, lugar de la casa, decoración, etc. Debe haber gran detalle en todo, y lo que no podamos detallar con vestuario y utilería, debemos detallarlo o personalizarlo con la imaginación. El LUGAR debe significar y tener valores por oposición. Por ejemplo, ¿estoy en la cocina o en la sala? . La relajación viene de qué tanto las circunstancias que rodean al actor tienen realidad para él. Así, lo primero que debe preguntarse es ¿Dónde estoy? Solo cuando ha respondido a esta pregunta con cuidado y profundidad, está listo para trabajar. Esto lo librará de la tensión. Y puesto que ya pertenece a ese mundo, puede recién HACER . Una razón por la que muchos actores se sienten incómodos en escena es porque no han trabajado en las circunstancias. Empiezan con las palabras. Pero es el LUGAR el que te dirá como actuar. Cuando te preocupa el público es que no estás realmente absorbido por el mundo de la obra. ¡La obra no está en las palabras, sino detrás de ellas! No anteponer nunca las palabras a la acción. Deja que la acción te lleve a la palabra. 2
. Los autores modernos te dan mucho más que palabras. Te dan Circunstancias. Toda obra teatral está ubicada dentro de una situación social. Si el actor no entiende esta situación social, estará actuando a ciegas. El personaje debe obtenerse de una clara comprensión del contexto social de la obra: toda persona vive en su propia época, proviene de una situación económica específica, vive en una atmósfera religiosa, etc. Todo ser humano es resultado de una situación política. Lo primero que te salvará de tener “solo” las palabras de la escena, es la Situación Social. . Solo cuando no conocemos las CC es que nos vemos obligados a actuar, a fingir. Pero debemos acostumbrarnos a “actuar” lo menos posible. Cuando dejamos que las CC nos digan qué hacer, todo tendrá una razón. Todo lo que pasa y todo lo que hacemos no sucede en el vacío abstracto, sino en CC muy específicas. Si es un jardín, ¿qué jardín es? ¿Te comportarías igual en el jardín de la embajada francesa o en el de tu casa? Hay que entender la diferencia entre estar en una biblioteca, un jardín, un restaurante. ¿Cómo se comporta uno en cada uno de estos lugares? Lo que hagas, lo harás diferente dependiendo de donde estés. . La importancia de encontrar, en la geografía del lugar donde ocurre la obra, cosas grandes e inspiradoras, que nos comuniquen el sentido y espíritu de la obra. . La primera pregunta es, ¿Dónde estoy? ¿Una cocina? ¿Cómo es? Las líneas que digo y las cosas que hago, ¿Dónde las digo y hago? Es la palanca. Hay que desarrollar el lugar. Las CC inmediatas son el lugar pequeño, el cuarto, etc. Las CC mayores son la geografía, estación y clima, tiempo y país. La imaginación debe ayudarnos a desarrollar lo más posible lo que no se menciona de las CC. El texto no te dará siempre los detalles sobre clima, CC, vestuario, momento, etc, que son determinantes de formas, acciones y conductas. Personaje . Un elemento esencial de este arte es el delinear las diferencias entre las personas: el trabajo de personaje, o caracterización. Un pintor italiano, un diplomático chino y un campesino ruso se comportan de maneras distintas entre sí. Caminan, hablan, piensan y se ríen de maneras diferentes. Su pasado, educación, maneras físicas, moral, etc, son distintas. Es el trabajo del actor reproducir estas características propias de sus profesiones y nacionalidades, y no solo eso, también poder discernir las diferencias individuales entre, por ejemplo, dos pintores italianos. Podremos empezar desde afuera, pero debemos movernos hacia adentro. Hay que crear al personaje. 3
. El Actor está obligado a desarrollar y entender sus personajes independientemente de lo que dicen. . El primer paso hacia la Creación del Personaje, decía Adler, es el profundo entendimiento de las CC de la obra. Luego, concentrarnos en las CC del personaje. Su profesión, nivel de educación, clase social, vida familiar, relaciones, etc. Ahondar en los temas capitales. La biografía detallada del personaje, y el diseño (siempre dentro de los límites del texto) de su pasado y los incidentes anteriores inmediatos, deben ayudar a iluminar al personaje y su presente. El actor no puede utilizar cualquier detalle imaginativo. El pasado del personaje, construido por ambos, autor y actor, debe iluminar la conducta subsecuente del personaje. El pasado te dará el personaje. La creación de este pasado le corresponde en buena medida al Actor. . ¿Cómo piensa el personaje? Hay que aprender a determinar los asuntos capitales que determinan como piensa el personaje, y las acciones que revelan al personaje. . De inmediato empieza a crear cada rasgo de tu personaje que lo diferencia de ti: tu voz, tu forma de caminar, pensamiento. Para empezar, no te atrevas a hablar como lo haces tú. Los personajes de Ibsen, por ejemplo, tenían un inmenso amor y respeto por el habla. . ¿Dónde está tu personaje? En lo que dices, en cómo te mueves, en cómo te sientas y lo que haces con la silla. ¿En qué lugar de la mesa se sienta Petra? Propón al director que debe sentarse cerca de los libros de su padre. Propón acciones que se deriven de tu estudio del personaje. . Al leer una obra, selecciona aquellas frases que revelan tu personaje, que son importantes para él, o que lo definen (las frases capitales.) Personaliza, desarrolla, entiende y define tus Puntos de Vista. Lidia con las CC a través de la acción. Encuentra los sentimientos que experimenta tu personaje, y encuentra las acciones que despierten en ti esos sentimientos. . Un actor debe desarrollar su sentido de la Verdad, para que su diseño y construcción de personaje no entre en el terreno de la falsedad. El diseño de todo lo físico debe pasar por un exhaustivo trabajo físico, hasta que se conviertan en nuestra “Segunda Naturaleza.” Las formas de caminar, gestos, etc, tienen razones físicas y culturales que debemos encontrar. Los adjetivos deben ser reducidos a “controles”, esto es, acciones físicas (también psicológicas) que delaten la forma de ser del personaje, en lugar de indicarla. Estas acciones deben ser hechas de verdad, diseñadas y complicadas para que delaten las características del personaje. . Así como el actor debe entender a plenitud y profundidad la diferencia entre tomar agua de un vaso de plástico y tomarla de una 4
taza de porcelana, el actor no puede entrar a escena sin haber estudiado a profundidad el Pasado de su personaje. Imaginar en detalle los primeros años de su personaje, su historia familiar, su educación, experiencia profesional y relaciones personales. Es lo primero en lo que hay que trabajar al aceptar un personaje. El pasado de un personaje justifica por qué haces lo que haces. . Varios factores juegan un rol crucial en la caracterización. Pero hay dos vitales: clase social y profesión. El actor debe ser capaz de saber cuáles son sus ideas y valores, basados en su profesión. La técnica para interpretar una profesión empieza por la construcción de un pasado creíble en esa profesión, y mediante la imaginación, determinar cómo llegaste a pertenecer a esa profesión y quién eres hoy dentro de ella. Observar esa profesión en la vida real es una gran ayuda. Tener en cuenta el vestuario y utilería necesarias en ella. Esta profesión, y la ejecución de sus haceres, marcará el ritmo de tu personaje y te alejará del tuyo. Esto requiere el ensayo de lo que implica tu profesión, una y otra vez. Y observemos a un profesional en ese trabajo en diversos lugares, un bar, una biblioteca, una iglesia. Observemos como su profesión afecta su conducta en instancias familiares o entre amigos. . El vestuario no solo retrata una convención visual; es parte fundamental de la conducta: una corona hace que un actor se mantenga erecto, aún después de que se la quite. Siente la sensación que el vestuario te da y recuérdala. Una falda larga ayuda a la mujer a moverse con más elegancia y gracia. Acciones Físicas . “El Actor debe experimentar la Acción en las Circunstancias.” Aunque siempre se trate de HACER algo HACIBLE, que delate nuestro estado de ser, en lugar de querer indicar dicho estado. Nuestras Acciones (físicas o psicológicas) deben ser elegidas cuidadosamente para que ilustren, cuenten la historia, iluminen las circunstancias, nos hablen del lugar, etc. El mundo de estos autores no es el nuestro ni el del público. La Acción nos debe apoyar para hacerlo nuestro. . Nuestras Acciones deben ilustrar quiénes somos y cómo es nuestra psicología, debe revelar de dónde venimos y hacia dónde vamos (un ejercicio es proponer entradas y salidas de escena que contengan información, a través de la Acción, sobre el lugar del que venimos, el lugar al que venimos, y el lugar al que vamos después.) Los objetos no bastan; debe haber acción, y que sea interesante y registre. De la misma forma, la manera como el personaje se viste es vital, pero no se compara con lo que el personaje Hace. 5
. El actor tiene el deber tener una profunda relación con todos los objetos en escena. Todos estos objetos deben influir en su acción. Las actividades, lo cual incluye la forma en que el personaje manipula los objetos, mantienen ocupado al actor y le hablan al público del periodo histórico y del personaje. Los detalles y las acciones físicas revelan a nuestros personajes y hacen avanzar la obra. . El actor debe analizar exhaustivamente las CC de la escena. Debe crear el mundo que lo rodea, dando Valores por Oposición. Esto se manifestará no solo en sus reacciones instintivas (al saber, reaccionará) sino también en el pre diseño de una serie de Acciones. Por ejemplo, cada objeto que traes a escena y que manipulas en ella debe hablarnos del mundo en que vives y las CC. Debes entender y personalizar cada objeto con el que trabajas. Tratar a cada objeto con imaginación. Por ejemplo, la manera como manipulas un libro debe hablarnos de ese libro. ¿Es una Biblia o el volumen de una enciclopedia? . Los obstáculos ayudan a la acción, sobre todo a la Acción Física. El actor debe ponerlos allí, si es que no los hay. El elemento del Obstáculo facilita el crecimiento de la acción. “Haz que haya cosas que se opongan a tu acción; acostúmbrate a usar sorpresas creativas en la acción; siembra accidentes planeados. Y complementa con urgencia en tu acción.” El Actor debe complicar sus acciones, y estas complicaciones deben tener efectos en él. . Objetos Físicos y Controles: Todo lo físico debe ser practicado hasta que se convierta en nuestra “segunda naturaleza” y podamos olvidarnos de él. Movimientos, gestos, expresiones, dialectos, defectos físicos, en fin, todos los controles físicos, deberán ser incorporados antes de que podamos actuar. Ensayados exhaustivamente, hasta que no sea necesario “actuarlos.” . La concentración en el hacer de la acción disminuirá la distracción y liberará la tensión y ansiedad propias del actor. “Pero ten espontaneidad. Si algo te gusta, responde inmediatamente a eso. Actuar es Hacer. Llénate de material (imágenes, sobre todo) pero Particularízalo y Economízalo. No permitas que cosas innecesarias debiliten tus imágenes. ¡No seas general!” . “Siempre sé capaz de terminar lo que estés haciendo; conocer el Final de una acción te dará la seguridad para hacerla. Cada vez nueva, Hazla, no la repitas. Las cosas, en cada función, deben ser hechas de verdad.” . “¡Justifica todas tus acciones!” . Una Acción es algo que Haces. El Como de la Acción está dictado por las CC. Tocar una puerta es una Acción. Tocarla suave, fuerte o 6
rápido depende de las CC. Las acciones ocurren en CC específicas, y toman su forma de ellas. Imaginación . No hemos hablado de otra cosa. Todo debe ser más vívido, emocional e interesante que en la vida real. “Hasta que un objeto o un asunto no haya pasado por el tamiz de tu imaginación, es mentira.” Esto tiene que ver con la Personalización, o la generación de información. No basta la experiencia real de algo; siempre la imaginación nos provee de significados y colores más vívidos. Esto tiene que ver con lo que tenemos en nuestra mente y nuestro corazón. Lo que imaginamos nosotros, significa para nosotros. Es, casi siempre, un ejercicio de Asociación Libre: generar información sobre algo, hacer que crezca nuestra memoria. Debemos general información visceral sobre ese algo. “Haz que cada rincón, que cada objeto sea significativo para ti.” Debemos tener un punto de vista visceral sobre todas las cosas. . Adler propone el pasar todos los asuntos del personaje por la Imaginación y el Trabajo Físico. De la misma forma otros proponen la Exploración Sensorial y mediante la Acción de todo lo físico en escena, toda el mobiliario y la utilería. Es parte del proceso de “hacer nuestro el lugar.” . El detalle es vital. Hay que Personalizar todo. Crear y especificar por OPOSICION. El nivel de detalle es importante. Cuanto más detalle mejor. Todo es más real e interesante si diseñamos, al mínimo detalle, un mundo visceral, específico y significativo alrededor nuestro, con ayuda de nuestra Imaginación y permaneciendo fiel a las CC de la obra. . La Personalización de Stella Adler, implica pasar todos los asuntos y todos los objetos en escena por el tamiz de la imaginación. Recomendaba también el Trabajo Sensorial con Objetos y los Ejercicios de Asociación Libre. . Solo si no hemos preparado nuestro trabajo es que estaremos nerviosos sobre el escenario, si por ejemplo, tomamos un objeto y es solo eso, un objeto, y no algo que hayas pasado por tu imaginación, que has personalizado, con el cuál tienes una relación. O si no has trabajado en la escenografía y en el lugar con tu imaginación.
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