Nº 4. Cinemascomics: La revista. Mayo 2011

Abril 2011. Nº 4. Año 1

www.cinemascomics.com

La revista

ENTREVISTAS

Daniel Stamm Johnny Depp

Especial

Estrenos

El sicario de Dios El último exorcismo Sin Identidad Piratas del caribe IV Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos

UNA DE PIRATAS Series UGLY AMERICANS La animación no es cosa de niños

RSO U C N ¡CO NE! I L Y K S

Especial Súper héroes animados

LOS CAZAFANTASMAS AMICUS PRODUCTIONS DE IVAN REITMAN

La otra Hammer

JERRY BRUCKHEIMER

El rey midas de Hollywood

cinemascomics la revista DIRECTOR Carlos Gallego DIRECTOR DE ARTE Carlos Gallego MAQUETACIÓN & AUTOEDICIÓN Carlos Gallego REDACCIÓN Carlos Gallego Manuel Moros David Larrad Pedro Pinos Diego Sánchez (planta13.blogspot.com) Úrsula Karivdis Javier Calvo José Joaquín González (www.defanafan.com) Gerard Fossas (www.butacapreferente.com) Sergio Reina (critico-de-cine-aficionado.blogspot.com) TIRA CÓMICA Diego Burdio (diegoburdio.blogspot.com) PUBLICIDAD Carlos Gallego Telf. 637 52 01 28 [email protected] Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equipo de Cinemascomics.Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo de la ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohíbida la reproducción,la distribución y la comunicación pública, incluida su puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de Cinemascomics. A si mismo el copyright de los pósters, fotografías e imagenes que se incluyen en esta publicación pertenece a sus respectivos autores.

EDITORIAL Capitán...¡Piratas a la vista!, no, no es una falsa alarma, prepárense porque los piratas han invadido Cinemascomics, y no faltos de motivos, ya que este mes llega a nuestros cines “Piratas del Caribe: En mareas Misteriosas”, cuarta entrega capitaneada por el Pirata Jack Sparrow y que esta vez llega inspirada por la gran obra del escritor Tim Powers “En costas Extrañas”. Y qué mejor manera de dar la bienvenida a esta nueva entrega que comenzando nuestro número hablando de su productor, Jerry Bruckheimer, de la mano de nuestro compañero David Larrad, continuando con un especial Piratas, de Manuel Moros, que nos hablará de la presencia del género de Piratas en el celuloide. Y ya cambiando de tema Gerard Fossas de butacapreferente.com nos descubre un joya del cine Chino, “Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos”. En clásicos del terror, Pedro Pinos recordará a Amicus Productions una productora de cine de terror que contó con grandes títulos protagonizados por los siempre geniales Christopher Lee, Peter Cushing o Vicent Price entre otros. En cine de los 80, Sergio Reina de critico-de-cine-aficionado. blogspot.com, nos habla de “Los Cazafantasmas” de Ivan Reitman. Javier Calvo nos analizará la serie de animación Ugly Americans, mientras que José Joaquín González de www.defanafan.com, nos traerá un especial Súper Héroes animados. Además no os podéis perder las entrevistas a Daniel Stamm director de “El último exorcismo” y la de Johnny Depp que nos contará todos los secretos acerca del rodaje de la cuarta entrega de “Piratas del Caribe” y por supuesto la tira cómica de Diego Burdio, diegoburdio.blogspot.com y la sección “Qué leer” de Úrsula Karivdis. Da comienzo Cinemascomics: La revista, y como diria el El Gran Wyoming, para despedirse, el mes que viene más, pero no mejor, porque es imposible, aquí, en Cinemascomics. Carlos Gallego Director de Cinemascomics

Mayo 2011 Número 4

La tira de diego burdio. pag 7

Entrevista: Johnny Depp

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Actualidad

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9│Capitán América Nuevas imágenes

16│Amanecer Parte I Nuevas imágenes

18│ The Avengers Comienza el rodaje

criticas 92│THOR 93│ El sicario de Dios 94│ Código Fuente 95│Rio

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CAZAFANTASMAS

Entrevi Daniel S

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Jerry Bruckheimer El rey midas de Hollywood 4 │

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contenido 22

estrenos 35 │ El sicario de Dios 6 de mayo 44 │ El último exorcismo 6 de mayo 54 │Arthur y la guerra de los mundos 13 de Mayo 60 │ Sin Identidad

Una de Piratas

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ista: Stamm

70│ Piratas del Caribe: En mareas misteriosas 20 de mayo

98 AMICUS PRODUCCTIONS: El reverso tenebroso de Hammer

06 Ugly Americans


13 de mayo

SÚPER HÉROES ANIMADOS

86│ Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos 20 de mayo

que leer 120 │ Qué leer 122 │ Zona Cómic

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Nuevas imágenes

El próximo mes de agosto se estrena “Capitán América: El primer Vengador” y siguen llegándonos imágenes del rodaje que se encuentra en su fase final. En esta ocasión se trata del rodaje de una de las escenas finales del film donde Steve Rogers (Chris Evans) se encuentra con Nick Fury (Samuel L. Jackson).


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JERRY BRUCKHEIMER EL REY MIDAS DE HOLLYWOOD

Coincidiendo con el estreno de la nueva entrega de “Piratas del Caribe: En mares misteriosos”, vamos a repasar la trayectoria de un componente imprescindible en el equipo de producción de la película, Jerry Bruckheimer. Este productor de cine, nacido en Detroit, Michigan, en 1945, posee una gran cantidad de éxitos a sus espaldas. Como productor, debe encargarse de los aspectos organizativos y técnicos de la elaboración del filme, poniéndose de acuerdo con el director, y complementando su tarea; además Jerry Bruckheimer siempre ha sido un genio a la hora de promocionar sus productos.

Bruckheimer aprendió que una buena historia protagonizada de manera convincente por alguien con carisma, podía seguirse de un gran éxito si se trabajaba adecuadamente con ella. La trilogía de Súper Detective en Hollywood se completó con dos entregas más, estrenadas en 1987 y 1994; sin embargo Bruckheimer intervino solamente en la segunda. Estos largometrajes supusieron un impulso definitivo en la carrera de su protagonista;

Eddie Murphy, quien interpretaba al inolvidable detective Axel Foley. Como no podía dejar de trabajar y de crear éxitos, en 1986 triunfará en las taquillas de todo el mundo, -además de recibir notables críticas- con “Top Gun”, en la que un jovencísimo Tom Cruise surcaba los cielos con su avión de combate F-14. De nuevo la fórmula de Bruckheimer: Un joven actor en ascenso; una historia apreciable para el público, toques precisos

Su primer gran éxito se remonta a los años 80; la película “Flashdance”, estrenada en 1983, donde una joven con pretensiones artísticas que trabaja en la industria del acero durante el día, demuestra sus habilidades como bailarina en un club durante la noche. Su jefe –que no la conocía- acabará enamorándose de ella al contemplar sus magníficas exhibiciones de baile. Su carrera siguió adelante con éxito gracias a “Súper Detective en Hollywood”, estrenada en 1984, recordada por su banda sonora de fácil tarareo. En esos años, Jerry www.cinemascomics.com

Eddie Murphy posando junto a sus compañeros de reparto en “Super detective en Hollywood” Martin Brest. 1984. Cinemascomics │ Mayo 2011 │

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Fotograma de Black Hawk Derribado. Ridley Scott. 2001

de rebeldía y una gran banda sonora. La promoción a nivel mundial resultó sencillamente espectacular. Parecía que todo le salía bien, así que siguió en la misma línea. En 1990 repitió con Tom Cruise, a quien puso en manos del director Tony Scott para rodar “Días de Trueno”. La historia de un joven corredor de carreras de la Nascar, quien tiene que sobreponerse a un accidente que le deja en coma. La afición de Bruckheimer por el cine de policías, le hizo volver a este género en 1995; consiguiendo otro número uno en taquilla con la genial película “Dos policías rebeldes” protagonizadas por dos grandes actores: Will Smith y Martin Lawrence. Fue dirigida por Michel Bay, de gustos similares a Bruckheimer, pues ambos son partidarios de las películas espectaculares, las cuales promocionan “a lo grande”. En 2003 estrenó la segunda parte de “Dos Policías Rebeldes”; pero su calidad era muy inferior; aunque intentaba ser más espectacular, perdió la química tan especial

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entre los dos protagonistas de la primera entrega. “Marea Roja” se estrenó en 1995, reclutando de nuevo a Tony Scott para la dirección; los actores contratados en este caso fueron Gene Hackman y Denzel Washington; quienes se disputaban el control de un submarino. Ese mismo año estrenó también “Mentes Peligrosas”, con Michelle Pfeiffer, que interpretaba a la mentora de un grupo de alumnos problemáticos de un instituto marginal. El filme en sí no era muy espectacular, pero su banda sonora con Coolio y su “Gangsta’s Paradise” a la cabeza, es una de las mejores de la historia. A continuación vendrán tres años de grandes películas, en los que se cosechará éxito tras éxito. En 1996 “La Roca”, con un Nicolas Cage en estado de gracia, acompañado por un Sean Connery magistral; quienes se ven amenazados por un gran Ed Harris. Un grupo de turistas están secuestrados en Alcatraz, solo un antiguo inquilino y un policía científico pueden detener al grupo de militares que se han revelado y

han tomado la roca. ¿Quién no se acuerda de esas persecuciones por la ciudad de San Francisco? Al año siguiente 1997 repitió con Nicolas Cage en “Con Air”; un grupo de presos, liderados por John Malkovich, secuestran un avión supuestamente inexpugnable, pero uno de los ellos esta dispuesto a impedirles su propósito y conseguir que no escapen. 1998 fue el año de “Armaggedon”, uniéndose de nuevo con Michel Bay. El veterano perforador Bruce Willis tendrá que lidiar con el joven e impulsivo aprendiz Ben Affleck para salvar al mundo. Jerry Bruckheimer es de los que piensan que cuando algo funciona… ¿Para qué tocarlo? Así que en 1998, junto a Tony Scot y Will Smith lanzó “Enemigo público”; la historia de un hombre corriente que por una confusión se convierte en el centro de una conspiración, debiendo hacer todo lo posible para salir de ella. En 2000, con Nicolas Cage como protagonista, regresó con una película repleta de adrenalina, www.cinemascomics.com

Jerry Bruckheimer junto a Johnny Depp durante el rodaje de Piratas del Caribe: En mareas misteriosas. Rob Marshall. 2011.

llamada “60 segundos”; cuya calidad no era la que esperaban sus fans, a pesar de lo cual tuvo una gran recaudación. Estaba claro que su productor quedaba satisfecho si “hacía caja”, a pesar de no contar con el beneplácito de la crítica. En ese mismo año estrenó “Bar coyote”, donde un grupo de chicas entretenían a la clientela de su establecimiento con eróticos bailes desbordantes de sensualidad; su banda sonora fue uno de los hits de ese año. En 2001, con un presupuesto desorbitado, estrenó “Pearl Harbor”. Las nefastas críticas no impidieron que recuperara lo invertido. No cabe duda de que esta película supuso un pequeño traspiés en la exitosa carrera de Jerry Bruckheimer. Aquel mismo año triunfó con “Black Hawk derribado”, un rotundo triunfo dirigido por Ridley Scott; donde se narraba la historia de un grupo de marines que caían en territorio enemigo en la ciudad de Mogadisco, en Somalia, durante la guerra civil de aquel país africano.


En 2003 llegó uno de sus mayores éxitos: “Piratas del Caribe”, quedando inaugurada la mítica saga. Se batieron récords de recaudación y fue alabado por crítica y público en general; incluyendo la gran actuación de Johnny Deep. Pronto veremos la cuarta entrega, y los planes para la quinta van “viento en popa” en los despachos del señor Bruckheimer.

donde aparecía una singular máquina del tiempo gracias a la cual podían impedirse atentados.

Mientras el libro “El Código Da Vinci” se vendía en las librerías como rosquillas, Jerry Bruckheimer creaba su particular versión cinematográfica; nos referimos a “La Búsqueda”, donde un cazador de tesoros sigue las indicaciones dejadas en billetes de dólar para recuperar un tesoro legendario. Más tarde llegaría una segunda parte con el mismo protagonista Nicolas Cage; pero su calidad dejaba bastante que desear.

Ahora, en 2011 intentará redimirse con la cuarta entrega de su famosa saga; “Piratas del Caribe: En aguas misteriosas”; además de lanzar la tercera entrega de “La Búsqueda”, donde ha prometido mayores semejanzas con la primera, dejando atrás los graves deslices de la segunda.

No era la primera vez que el nivel de las segundas y terceras partes de las películas de Bruckheimer bajaba tan notablemente.

2010 fue un mal año para Jerry Bruckheimer; “El aprendiz de Brujo” no obtuvo el resultado deseado y fue muy criticado; “El Príncipe de Persia” mejoraba la calidad de la anterior, pero no explotó como se esperaba.

Pero no sólo del cine vive este productor; también ha trabajado en televisión con “Sin Identificar”, “La Hora 11”, “Fiscal Chase”, “Caso Abierto”, “Sin Rastro”, CSI: Las Vegas, New York y Miami” y “Dark Blue”.

En 2006 llegó “Dejavu”, entretenido film de Tony Scott protagonizado por Denzel Washington, Cinemascomics │ Mayo 2011 │

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Nuevas imágenes

El 18 de Noviembre por fin llegará a las pantallas cinematográficas la esperadísima cuarta entrega de La Saga Crepúsculo: Amanecer (parte I). Y ya podemos ver algunas imágenes de lo que nos deparará el sobrenatural triángulo amoroso entre una humana, un vampiro y un hombre lobo. Y aquí os dejamos unas nuevas imágenes para ir abriendo boca. La Saga Crepúsculo: Amanecer (parte I) está dirigida por Bill Condon (Dreamgirls, Kinsey, Dioses y monstruos); de nuevo volveremos a ver a Kristen Stewart, Robert Pattinson y Taylor Lautner encarnando a los protagonistas de la saga: Bella Swan, Edward Cullen y Jacob Black.

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Noticias

Comienza el rodaje de “The Avengers”

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El pasado 26 de abril comenzó en Albuquerque, Nuevo México el rodaje de la esperadísima película “Marvel’s The Avengers”, dirigida por Joss Whedon (“Serenity”) con un guión adaptado de Whedon. El rodaje de la cinta continuará en Cleveland, Ohio y Nueva York. Robert Downey Jr. (“Iron Man”, “Iron Man 2”) regresa para encarnar al icónico Tony Stark/Iron Man junto a Chris Hemsworth (“Thor”) en el papel de Thor, Chris Evans (“Captain America: The First Avenger”) dando vida al Capitán América, Jeremy Renner (“Thor”, “The Hurt Locker” [En tierra hostil]) en el papel de Hawkeye, Mark Ruffalo (“The Kids Are Alright” [Los chicos están bien]) como Hulk, Scarlett Johansson (“Iron Man 2”) encarnando a la Viuda Negra, Clark Gregg (“Iron Man”, “Thor”) en el papel del Agente Phil Coulson, y Samuel L. Jackson (“Iron Man”, “Iron Man 2”) interpretando a Nick Fury. El estreno de “Marvel’s The Avengers” está previsto para el 4 de mayo de 2012. Para Disney, que adquirió Marvel en 2009, esta será la primera película de la que detenta toda la propiedad, además de encargarse de su comercialización y distribución. Continuando las aventuras épicas en la gran pantalla que empezaron con “Iron Man”, “The Incredible Hulk”, “Iron Man 2”, “Thor” y “Captain America: The First Avenger”, “Marvel’s The Avengers” representa la reunión más espectacular jamás vista de Superhéroes. Un enemigo inesperado amenaza con poner en peligro la seguridad mundial, así que Nick Fury, Director de la agencia internacional para el mantenimiento de la paz conocida con el nombre de SHIELD, necesita encontrar urgentemente un equipo que salve al mundo del mayor


de los desastres. Basada en el famosísimo cómic que se publicó por primera vez en 1963, “Marvel’s The Avengers” reúne a los personajes de Superhéroes más emblemáticos y será la primera vez que aparecen todos juntos en la gran pantalla. Al reparto estelar de Superhéroes se unirán Cobie Smulders (“How I Met Your Mother) [Cómo conocí a vuestra madre] en el papel de la Agente Maria Hill de SHIELD, así como Tom Hiddleston (“Wallander”) y Stellan Skarsgård (“Angels & Demons” [Ángeles y demonios], “Mamma Mia!”) que retomarán sus respectivos papeles de Loki y el profesor Erik Selvig en el largometraje “Thor”, el próximo estreno de Marvel Studios. “Marvel’s The Avengers” está producida por Kevin Feige, Presidente de Marvel Studios. Sus productores ejecutivos son Alan Fine, Stan Lee, Louis D’Esposito, Patty Whitcher, y Jon Favreau. Jeremy Latcham y Victoria Alonso de Marvel Studios serán coproductores. El equipo de producción creativa incluye el director de fotografía nominado al Oscar, Seamus McGarvey (“Atonement” [Expiación]), el diseñador de producción James Chinlund (“25th Hour” [La última noche]), la diseñadora de vestuario ganadora de un Oscar, Alexandra Byrne (“Elizabeth: The Golden Age” [Elisabeth: la Edad de Oro]), el supervisor de efectos visuales ganador de un Oscar, Janek Sirrs (“Iron Man 2”, “The Matrix”), la productora de efectos visuales Susan Pickett (“Iron Man”, “Iron Man 2”), el coordinador de especialistas R.A. Rondell (“Superman Returns” [Superman vuelve]), y el supervisor de efectos especiales con cuatro nominaciones

a los Oscar, Dan Sudick (“Iron Man”, “War of the Worlds” [La guerra de los mundos]). Los encargados del montaje son Paul Rubell (“Collateral” [Colateral]), nominado a los Oscar, y Jeffrey Ford (“Crazy Heart” [Corazón rebelde]). Marvel Studios produjo hace poco “Iron Man 2” que se estrenó en los cines el 7 de mayo de 2010. La secuela de “Iron Man”, protagonizada por Robert Downey Jr. y Gwyneth Paltrow así como por Don Cheadle, Scarlett Johansson y Mickey Rourke, fue la película más vista en su primer fin de semana de estreno con una recaudación bruta en Estados Unidos de 128,1 millones de dólares. Hasta la fecha, la película ha recaudado más de 620 millones de dólares en todo el mundo. En el verano de 2008, Marvel produjo los éxitos veraniegos “Iron Man” y “The Incredible Hulk” (El increíble Hulk). En “Iron Man”, Robert Downey Jr. se pone por primera vez la impactante armadura de Superhéroe junto con los coprotagonistas Terrence Howard, Jeff Bridges y Gwyneth Paltrow. La película se estrenó el 2 de mayo de 2008 y fue un éxito de taquilla inmediato. La cinta se colocó en el número uno durante dos semanas seguidas y recaudó más de 100 millones de dólares en su primer fin de semana, con una recaudación bruta mundial de más de 571 millones de dólares. El 13 de junio de 2008, Marvel estrenó “The Incredible Hulk” (El increíble Hulk) que se convirtió en su segunda película más vista de ese verano. El espectacular renacimiento del icónico Goliat verde obtuvo una recaudación bruta de más de 250 millones de dólares en las taquillas de todo el mundo.


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Una de Piratas

Por Manuel Moros

Quince hombres sobre el cofre del muerto Yo-ho-ho, y la botella de ron! El diablo y el ron hicieron el resto Yo-ho-ho, y la botella de ron! Robert Louis Stevenson. La isla del tesoro (1883)

Queridos amiguetes: seamos sinceros, ahora que no nos oye nadie. Todos hemos conseguido tener trabajos respetables, mejor o peor pagados pero respetables, una hipoteca que se nos come por los pies, un coche enorme, miles de facturas, una mujer que no para de dar mal y unos niños que no se callan ni debajo del agua. Pensad por un momento qué pensaría de nosotros aquel niño que fuimos. Y sentid pena por él, porque seguramente se sentiría muy decepcionado. Muchos de nosotros crecimos bajo la sombra imaginaria de un flamear de banderas piratas, desde el poema de Espronceda que nos hacían aprender en la escuela a las novelas de Salgari, desde el capitán Garfio de Peter Pan al Long John Silver de La isla del tesoro, desde Sandokán (¡Ah, esa Perla de Labuán...!) al Temible Burlón. Todos, en un momento u otro, soñamos con embarcarnos como grumetes en alguno de aquellos barcos que surcaban el Caribe y ya de mayores, perforar-

nos las orejas con enormes aros de oro, hacernos trencitas en la barba y asaltar galeones cargados de oro. Sentir la adrenalina correr por nuestras venas cuando el serviola gritara desde la cofa que había velas a la vista, correr para coger los ganchos de abordaje, los sables, cuchillos y pistolones, trepar por jarcias y obenques para saltar intespentivamente sobre sus cubiertas mientras otros compañeros asomaban las negras bocas de los cañones por la banda y, entre carcajadas de burla, izar sus banderas para que nos creyeran de los suyos, y cuando se acercaran como mansas ovejas, cambiar el emblema por la calavera y las tibias cruzadas. Lanzar la primera andanada contra el palo mayor y el trinquete mientras el fuego de la mosquetería barría la cubierta y, una vez derrotado el enemigo, con la cubierta llena de cadáveres destripados y los tiburones dándose un festín, ordenar a los supervivientes que ellos mismos trasladasen a nues-

tro barco las barras doradas o los zurrones de oro. Después sólo habría que rasgarles las velas, regresar al bajel y largar los trapos para que el barlovento nos llevase a isla Tortuga y allí, y gastarnos el botín hasta caer borrachos en una vorágine de alcohol y hermosas mujeres. Un nuevo asalto nos resarciría. Total, teníamos todo el tiempo del mundo y todo el mar para cazar nuevas presas. Y nunca llegaríamos a viejos. Moriríamos en combate y reposaríamos en el fondo del mar, envueltos en una mortaja de agua y arena blanca, junto a grandes como Drake, Morgan, Barbanegra o el Capitán Kidd, al vaivén de las corrientes, junto a los restos carcomidos de los numerosos galeones hundidos por los Hermanos de la Costa y nuestras cuencas vacías mirando para siempre al mar... Pero bueno, soñar es gratis, y esto es lo que hay. Así que dedicaremos este articulete a aquel niño que fuimos, cuyos sueños nunca

siglos XVII y XVIII, con sus naves enarbolando la bandera negra de la calavera y las tibias cruzadas, sus capitanes audaces, sus feroces abordajes a los galeones españoles que volvían de las Indias Occidentales cargados de oro y sus cofres del tesoro escondidos.

Retrato de Francis Drake

se cumplieron y que se hizo viejo demasiado pronto, en el mismo momento en que dejó de soñar. Así que, ¡malditos bribones hijos de perra, soltad amarras y largad velas, que nos vamos al abordaje del cine de piratas! La piratería nació con la navegación, desde el mismo instante en que unos rudimentarios navegantes lograron surcar los mares y otros los atacaron para robarles su cargamento. Tenemos noticias del asalto de los piratas tracios a un carguero fenicio en el año 1448 a. d. C, durante el segundo año del reinado del faraón Amenotep II, y piratas han existido en todas las épocas y en todos los mares del planeta. De hecho, siguen existiendo, solo que ahora llevan

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ametralladoras en lugar de sables y pistolas y cobran sus rescates por medio de banqueros suizos. El imponente Imperio Romano tuvo que echar mano de 500 naves, 120.000 soldados y 24 generales, y su más brillante estratega, Pompeyo, para acabar con el azote de los piratas del Mediterráneo. Durante la Edad Media, de las brumas septentrionales surgían las cabezas de dragón de los temibles drakkars vikingos, que asolaron los litorales del norte de nuestro continente, y durante un milenio luchó Europa contra los piratas musulmanes del norte de África, los berberiscos, como los míticos hermanos Barbarroja. Sin embargo, hablar de piratas remite en el imaginario popular a su edad dorada en el mar Caribe, entre los

Primero fueron los bucaneros del siglo XVI (del francés, boucaniers, “ahumadores”), llamados así por su costumbre de ahumar la carne de cerdo salvaje para llevar esa cecina como principal reserva alimenticia, apoyados y protegidos por Francisco I, rey de Francia. Uno de ellos fue Francois Le Clerc, que había perdido una pierna luchando contra los ingleses y la llevaba de palo, e hizo que esta característica se tomara como un tópico. El mayor botín capturado fue el fabuloso tesoro de Moctezuma, que Cortés enviaba al Emperador y que cayó en manos del capitán Jean Fleury en 1521. Estos pioneros de la Edad de Oro de la piratería en el Caribe mantuvieron su hegemonía en estas aguas hasta bien entrado el siglo XVI, cuando el rey Carlos V decidió instalar cañones en sus galeones, ordenar que navegaran en convoys de no menos de diez naves y que se hicieran tan solo dos travesías masivas anuales, cuya fecha de salida se mantenía en riguroso secreto. Estas medidas fueron tan eficaces que prácticamente pusieron fin al reinado de los bucaneros franceses en el Caribe. Cuando estalló la guerra con Gran Bretaña, en 1585, Inglaterra no disponía de una gran armada, por lo que concedió la llamada “patente de corso” (de ahí el nombre “corsarios”) a aventureros ingleses (contrabandistas y traficantes de esclavos, como el famoso Francis Drake) para que interceptaran a los galeones españoles y les aligeraran de su carga, atacar los puertos forticados y, si llegara el caso, incluso enfrentarse a los buques de guerra enemigos. Hubo www.cinemascomics.com

corsarios terriblemente crueles, como Henry Morgan o Barbanegra, y otros caballerosos y clementes como Jack Rackham o el propio Drake, pero la mayor parte iban de un talante a otro según la ocasión y las circunstancias. Edward Teach, apodado Barbanegra, saltaba al abordaje con sus dos metros de estatura, bramando como una bestia salvaje, llevando mechas de cáñamo encendidas atadas a la negra caballera y entre los rizos de la barba, al tiempo que disparaba sus pistolones con ambas manos. Tan feroz era su aspecto que muchos de sus enemigos se rendían nada más verlo, pero tenía mucho de disfraz teatral, pues no era más cruel que cualquiera de sus colegas, cuya maldad se les suponía por oficio. La guerra terminó oficialmente en 1604, pero la gran aventura de los piratas británicos no había hecho sino comenzar. Con patente de corso o sin ella, sus correrías abarcarían todo ese siglo y buena parte del siguiente. Serían conocidos como “filibusteros”, del francés flibustiers, adoptado a su vez del inglés freeboters (algo así como “libres botinistas”), ya que no recibían financiación de la Corona ni le entregaban parte de sus beneficios. Como dijo Daniel Defoe por intermedio de su personaje, el capitán Bellamy, la diferencia con los corsarios era que estos robaban escudándose en la Ley, mientras que los filibusteros lo hacían escudándose en su coraje. En territorio caribeño se dieron cita numerosos aventureros, delincuentes, antiguos corsarios, esclavos negros fugitivos, apátridas y todo tipo de proscritos; hombres rebeldes que simbolizaban sus ansias de libertad en el mar, cuya filosofía vital se basaba en la fugacidad de la vida y en estrujarle al presente hasta la última gota de placer y adrenalina y que merodeaban los litorales en busca de botín. Tenían sus bases en isla Tortuga y Jamaica, se hacían llawww.cinemascomics.com

El actor Ian McShane da vida al temible Barbanegra en Piratas del caribe: En mareas misteriosas. Rob Marshall (2011).

mar a sí mismos la Cofradía de los Hermanos de la Costa y formarían la ralea más terrible de los malditos del mar, una auténtica pesadilla para los buques y colonias españolas en América. La temeridad fue la característica principal de los grandes capitanes filibusteros de la segunda mitad del siglo XVII, como Juan-David Nau, conocido como El Olonés, que rompió el mito de que los piratas no podían internarse en los territorios del interior o conquistar ciudades españolas fortificadas asaltando las ciudades de Maracaibo y Gibraltar, o Henry Morgan, que saqueó Puerto Príncipe y Panamá. Bartholomew Roberts, conocido

como Black Bart, llegó a capturar 22 barcos de una sola vez, y estableció el record de 456 capturas en tan solo cuatro años (1718-22), muy lejos, por ejemplo, de las 30 del mucho más famoso Barbanegra. Al principio usaban unas banderas rojas en cuyo centro aparecía un jabalí o una calavera, pero después se comenzaron a utilizar las insignias más aterradoras para infundir miedo a sus víctimas, negras y con cráneos y tibias cruzadas, esqueletos enteros, corazones ensangrentados, cañones disparando, brazos portando sables de abordaje...Se dice que el Cinemascomics │ Mayo 2011 │

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Cartel de “La isla del tesoro”. Victor Fleming (1934)

temor que imponía Black Bart era tal que ante la mera visión de su bandera (una representación suya brindando con un esqueleto), las tripulaciones abandonaban los barcos y los dejaban a su merced. El mejor momento de los Hermanos de la Costa era el regreso victorioso a la guarida. El recibimiento era siempre solemne y tras el reparto del botín venía una verdadera bacanal en todas las tabernas del puerto al que habían atracado. Los piratas afortunados se gastaban en tres o cuatro noches en mujeres, juego y ron todo lo que habían robado, y quedaban nuevamente en la miseria, dispuestos para una nueva aventura. Lógicamente, no siempre había un regreso feliz y, a veces, ni regresaban, pues cuando caían en manos de españoles, ingleses y franceses, el castigo común era la pena de muerte. Según la creencia popular, los piratas escondían

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sus botines y elaboraban un mapa difícil de descifrar pero, como hemos visto, esto no era lo usual, pues solían gastarse lo que robaban casi de inmediato. Es cierto, en cambio, que en los abundantes naufragios que sufrían, la tripulación se veía obligada a ocultar el producto del pillaje en alguna isla recóndita. Según la tradición, se hacía un sorteo entre los piratas, y el “afortunado” debía morir para colocar su cadáver sobre el cofre antes de tapar el agujero, de tal forma que si alguien lo excavaba encontraría primero al muerto y lo volvería a tapar creyendo que se trataba de una sepultura. La leyenda del fabuloso tesoro enterrado del Capitán Kidd, cierta o no, inspiró a Robert Louis Stevenson para escribir La isla del tesoro, y se refleja en la tradición pirata que alude al “cofre del hombre muerto”.

Durante 200 años, el acecho a las posesiones españolas de ultramar por parte de los filibusteros fue constante. Lenta y persistentemente fueron asestando zarpazos mortales a los mercantes, a los buques de guerra que transportaban la plata, a los fuertes que sostenían el cinturón defensivo y a los principales enclaves portuarios. Para mediados del siglo XVII, las flotas habían perdido su periodicidad, se habían despoblado algunas regiones costeras antillanas y la plata americana llegaba a Madrid con cuentagotas. A ello se unió el agotamiento de las minas, la disminución del número de trabajadores nativos, la corrupción administrativa y los enormes gastos empleados en fortificaciones frente a los piratas. El Imperio español se tambaleaba. Ello permitió el establecimiento de otras naciones en el Nuevo Mundo. Pronto surgieron florecientes cowww.cinemascomics.com

Errol Flynn en el “Capitán Blood”. Michael Curtiz 1935.

lonias inglesas, francesas, holandesas, y hasta suecas y danesas. Los piratas trataron de hacer con sus mercantes lo mismo que habían hecho con los españoles, y el intento les costó ser perseguidos por todas las armadas nacionales, que acabaron con ellos cuando todas las grandes potencias decidieron poner orden en los mares para salvaguardar el comercio con sus colonias. Incluso el más grande de los filibusteros, Henry Morgan, traicionó a sus antiguos compañeros tras ser nombrado por las autoridades británicas caballero y gobernador de Jamaica. Fueron perseguidos implacablemente, especialmente por la armada británica, cayendo uno a uno y sus capitanes ahorcados en las principales ciudades portuarias. El capitán Kidd subió al cadalso el 23 de mayo de 1701, y Jack Rackham, también conocido como Rackham el Rojo (sí, es el de Tintín) o Cawww.cinemascomics.com

lico Jack, por gustar de vestir coloridas prendas de ese tejido y famoso por contar entre su tripulación con las mujeres piratas Ann Bonny y Mary Read, fue ahorcado frente a numeroso público en Port Royal el 28 de noviembre de 1720. Para la segunda mitad del siglo XVIII, ya no quedaban piratas en el Caribe. Desde sus comienzos, el cine se fijó en el fenómeno histórico de la piratería como fuente argumental. Así, en 1913 se rodó Drake´s Love Story, de Hay Plumb, sobre el célebre corsario inglés, a la que seguirían títulos como The Little Pirate, de Elsie Jane Wilson o The Millonaire Pirate, de Rupert Julian, centrado en las correrías de Jean Laffite. En 1926 se estrenaron tres títulos importantes: El águila del mar (The Eagle of the Sea), de Frank Lloyd, Trípoli (Old Ironsides), de James Cruze y,

sobre todo, El pirata negro (The Black Pirate), de Albert Parker, el primer éxito comercial del género y uno de los títulos que encumbraron a Douglas Fairbanks como el actor ideal para protagonizar películas de acción. La escena en la que baja desde lo alto de un mástil a la cubierta del barco es una de las más famosas del cine mudo, habiendo sido repetida/ homenajeada hasta la saciedad. Con la llegada del sonoro, los piratas siguieron atrayendo al público, y en 1934, dirigida por Victor Fleming, llegó una adaptación de La isla del tesoro que muchos consideran como la mejor de todas las que se han realizado. Al año siguiente llegó a las pantallas El Capitán Blood (Captain Blood), de Michael Curtiz, donde se contaban las aventuras de un médico que después de ser acusado injustamente de conspirar contra la Corona, acaba metiéndose a piraCinemascomics │ Mayo 2011 │

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El Halcón del mar (The Sea Hawk). Michael Curtiz 1940.

ta y enamorándose de la sobrina del gobernador. Se trataba de una adaptación de una famosa novela del escritor italiano de novelas de aventuras Rafael Sabatini, autor también, por ejemplo, de Scaramouche, llevada al cine por George Sidney en 1952, con Stewart Granger, y considerada la mejor de las películas de capa y espada. Curiosamente, por algún extraño motivo Hollywood le dio la espalda al gran Emilio Salgari, el máximo representante en lo que a novelas de piratas se refiere y autor de 130 relatos de aventuras y de 86 novelas, algunas tan maravillosas como El corsario negro o Los piratas de Malasia, y fue tan solo en Italia, su país natal, donde sus obras fueron llevadas tanto a la gran como a la pequeña pantalla). A pesar de su enorme éxito popular, Salgari fue un hombre sin suerte que, agobiado por las deudas y su infame esposa, se suicidó el 24 de abril de 1911 en un claro del bosque clavándose un puñal en el vientre al estilo samurai.

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El enorme éxito de El capitán Blood convirtió a su protagonista, un joven de 27 años llamado Errol Flynn en el sucesor de Fairbanks y un modelo a seguir por todos los astros de Hollywood durante la etapa dorada del cine norteamericano, hasta el final de los años 50. Se rodaron tres secuelas, Aventuras del capitán Blood (Fortunes of Captain Blood, Gordon Douglas, 1950), Bandera negra (Captain Pirate, Ralph Murphy, 1952) y El hijo del capitán Blood (Tulio Demichelli, 1962), donde se narraban las andanzas del hijo del capitán, encarnado precisamente por Sean, el hijo de Errol. En 1938, Cecil B. De Mille rodó Corsarios de Florida (The Buccaneer), basada en el libro Lafitte, el pirata, de Lyle Saxon, y dos años después, Flynn volvió a ponerse en manos de Curtiz para protagonizar otro gran éxito comercial: El halcón del mar (The Sea Hawk). La generalización del color en estos años dio un aspecto muy atractivo a las películas de

piratas, como en la magnífica El cisne negro (The Black Swan, Henry King, 1942), también basada en una novela de Sabatini, que ganó el Oscar a la mejor fotografía o El pirata y la dama (Frenchman´s Creek, Mitchell Leisen, 1945), que ese año se llevó el de la mejor decoración en color. También se llevó un Oscar, esta vez por los efectos especiales, y en 1942, Piratas del mar Caribe (Reap the Wild Wind), del gran Cecil B. De Mille, con Ray Milland, John Wayne y Paulette Godard, cuyo título en español puede causar confusión, ya que estos piratas no eran de parche en el ojo y pata de palo, sino unos facinerosos que en el siglo XIX se dedican a hacer encallar barcos en los arrecifes de Florida para apoderarse de sus cargamentos. De 1945 es El capitán Kidd (Captain Kidd), de Rowland W. Lee, con Charles Laughton interpretando al famoso corsario. El género produjo también preciosas adaptaciones musicales como El pirata (The Pirate, Vincent Minelli, 1948), de Jacques Tourneur, con Judy Garland y Gene Kelly, o divertidas comedias como La princesa y el pirata (The Princess and the Pirate, David Butler, 1945), con Bob Hope y la bellísima Virginia Mayo. Durante los años cincuenta se asistió a una gran eclosión de las películas de acción en general, y también de las de piratas, entre las que destacamos El temible burlón (The Crisom Pirate, Robert Siodmark, 1952), que afianzó la imagen de Burt Lancaster como un héroe atlético, ágil y simpático, y puso de manifiesto el gancho comercial que podían tener las pelis de acción con un toque de humor. En 1950 se estrenó la más popular y recordada de las adaptaciones de La isla del tesoro, la dirigida por Bryan Haskin, con Robert Newton como Long John Silver, que fue la primera película de imagen real de Disney, y a la que se le cambió el final del relato original para comwww.cinemascomics.com

El capitán Garfio de Disney en Peter Pan. Clyde Geronimi, Wilfred Jackson y Hamilton Luske.1953

placer al público. Al año siguiente, Haskin y Newton volvieron a trabajar juntos en Aventuras de John Silver (Long John Silver), y en 1952 Newton encarnó al mismísimo Barbanegra en El pirata Barbanegra (Blackbeard the Pirate, Raoul Walsh). También podemos citar títulos como El capitán pirata (Buccaneer´s Girl, Frederick de Cordova, 1950), Gavilanes del estrecho (Sea Devils, Raoul Walsh, 1953), La isla de los corsarios (Against All Flaggs, George Shermann, 1952), El pirata de los siete mares (Raiders of the Seven Seas, Sidney Salkow, 1953), El secreto del pirata (Caribbean, Edward Ludwing, 1952), Los bucaneros (The Buccaneer, 1958), de Anthony Quinn, y esa pequeña joya por descubrir que es La mujer pirata (Anne of the Indies), dirigida por Jacques Torneur, con una gran Jean Peters. Y aunque no sea realmente una peli de piratas, tenemos que citar también el Peter Pan de Disney (Clyde Geromini, Wilfred Jackson y Hamilton Luske, 1953), cuyo éxito se debió en buena medida al divertido Capitán Garfio, auténtico icono de la villanía ciwww.cinemascomics.com

nematográfica, que ha soportado el paso de los años incluso mejor que el propio Peter Pan y Wendy, y al que Spielberg homenajeó en Hook (1991). En los años 60 y 70 disminuyó la producción de películas de piratas por parte de Hollywood, dando sin embargo interesantes títulos como El niño y los piratas (The Boy and the Pirates, Bert I. Gordon, 1960), Piratas de Isla Tortuga (Pirates of Tortuga, Robert Webb, 1961) o El pirata del rey (The King´s Pirate, Don Weiss, 1967). Sin embargo, la menor producción de pelis de piratas yanquis fue compensada por el cine europeo, sobre todo por el italiano, en ocasiones en forma de coproducción con nuestro país. En Italia se llevaba adaptando a Salgari desde la época del cine mudo. Al director Vitale De Stefano se le deben cinco películas rodadas a principios de los años 20 (Il Corsaro Nero, Jolanda, la figlia del Corsaro Nero, Gli ultimi filibustieri, Il Corsaro Rosso y Il figlio dil Corsaro Rosso), y Amleto Palermi rodó una versión de Il Corsaro Nero en 1936. La primera Edad de Oro de Salgari fue más adelante, durante la Se-

gunda Guerra Mundial, con títulos como La hija del Corsario Verde (La Figlia dil Corsaro Verde) y Los piratas de la Malasia (I Pirati della Malasia), dirigidas por Enrico Guazzoni. La segunda gran época fue durante los años 60, con el auge del peplum. Se inició con El hijo del corsario rojo (Il Figlio del Corsario Rosso, Primo Zeglio, 1958) y arrancó con Sandokán (Sandokan, la Tigre di Mompracem) y Los piratas de la Malasia (I pirati della Malesia), ambas coproducciones hispano-italianas, dirigidas por Umberto Lenzi, protagonizadas por el musculoso Steve Reeves y basadas en el más popular de los héroes de Salgari: Sandokán, el Tigre de Malasia, el audaz, romántico y caballeresco jefe de unos piratas con base en Mompracem, desde donde, ayudado por su lugarteniente Yañez, prepara sus incursiones justicieras. Ambas presentaban una calidad superior a las producciones europeas de la época y tuvieron una aceptable aceptación popular, e incluso llegaron a estrenarse en Estados Unidos. El resto de títulos de la saga, como El leopardo de Sarawak (Sandokan contro il leopardo di Sarawak, Luigi Capuano, Cinemascomics │ Mayo 2011 │

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Polanski junto al reparto de Piratas. 1986

1964) o Los tigres de Mompracem (Le tigri di Mompracem, Mario Sequi, 1970) eran productos de serie B, pero en los 70, por medio del actor indio Kabir Bedi, la televisión italiana encontró al Sandokán ideal en la exitosa serie de seis episodios dirigida por Sergio Solima, que tuvo su continuación con Sandokán, el tigre sigue vivo (La tigre è ancora viva: Sandokan alla riscossa). Todavía hubo un Il ritorno di Sandokan (Enzo G. Castellari, 1966) y Il figlio di Sandokan, una miniserie dirigida por Sergio Sollima, nuevamente con Kabir Bedi. También la Hammer se atrevió con el género con The Pirates of Blood River (John Gilling, 1962) y la interesante Los piratas del diablo (Devil-Ship Pirates, Don Sharp, 1964), ambas con

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Christopher Lee. En 1976, James Goldstone dirigió el canto del cisne del cine de piratas norteamericano: El corsario escarlata (Swashbuckler). Después, prácticamente desapareció, e incluso Roman Polanski fracasó estrepitosamente con su Piratas (Pirates, 1986), como también lo hizo Renny Harlin en 1995 con La isla de las cabezas cortadas (Cutthroat Island), protagonizada por la que entonces era su mujer, Geena Davis, que costó más de 100 millones de dólares y solo recaudó 11, a pesar de su notable calidad. Hubo que esperar hasta 2003 para que una peli revitalizara de forma sorprendente un género que había hecho las delicias de millones

de espectadores y arrancara de las profundidades marinas el maltrecho barco de los piratas. Estamos hablando, claro está, de Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra, dirigida por Gore Verbinski, basada en la atracción de Disneylandia, la última en la que se involucró directamente Walt Disney. Fue un enorme éxito en todos los lugares en los que se exhibió y obtuvo unos ingresos totales en el mundo entero de más de 600 millones de dólares, inaugurando una rentable franquicia que pronto nos dará una cuarta entrega. Piratas del Caribe rinde un cariñoso homenaje a las aventuras cinematográficas que la precedieron, pero se adentra en un territorio nuevo, en mares desconocidos, rompiendo con la tradición al combinar las leyendas del mar con latigazos de humor irreverente gracias a la inspirada y originalísima interpretación que hace Johnny Depp del capitán Jack Sparrow. Así que esperaremos con impaciencia el próximo estreno de Piratas del Caribe: En mareas misteriosas, pues como bien escribió Stevenson en su introducción a La isla del tesoro: Si las historias de piratas y tesoros enterrados contadas a la vieja usanza pueden agradar a los jovenes más sabios de hoy en día como a mí me agradaron en su día...¡que así sea!

Para saber más: Las 100 mejores películas de Piratas de Miguel Juan Payan (Cacitel S.L.) 2005. www.cinemascomics.com

II Certamen e d o d n u g e “S Chomón” de s e j a r t e m o t r Co con Efectos . s e l a i c e p s E

La Asoziazión Cultural Bente d’Abiento, convoca en colaboración con otras entidades públicas y privadas, su II Certamen “Segundo de Chomón” de Cortometrajes con Efectos Especiales. En esta edición, contamos con la colaboración del Festival de Cine de Zaragoza, por lo que, las dos obras seleccionadas por el jurado, se clasificarán directamente para la fase final de concurso del Festival de Cine de Zaragoza del 2011, siempre y cuando cumplan los requisitos que se especifiquen en las bases del mismo.

BASES PRIMERA: La participación en el Certamen de Cortometrajes está abierta a todas aquellas personas físicas, que presenten uno o varios cortometrajes de temática libre en los que se hayan utilizado efectos especiales. No se admitirán ni videoclips ni trailers. SEGUNDA: Las obras se presentarán a concurso en formato en DVDVídeo, PAL, o preferiblemente PAL Widescreen en cualquiera de los siguientes formatos: wmv, avi o mpg. Independientemente del formato de producción, su duración máxima será de 20 minutos. Cada obra deberá presentarse en un soporte DVD independiente. TERCERA: La fecha límite de recepción de las obras será el 30 de mayo del 2011 bajo la referencia y dirección siguiente: II Certamen de Cortometrajes “Segundo de Chomón” Talleres V. Longares C/ Luis Antonio Oro Guiral (antiguo Teniente Catalán) 14 50.005 Zaragoza CUARTA: Las obras deberán ser enviadas en sobre cerrado y el disco DVD etiquetado con el título de la obra y su duración, junto con la correspondiente ficha de inscripción (que será facilitada

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por la organización electrónica a quien así lo solicite a la dirección de correo electrónico del certamen) donde se recogerán todos los datos personales del autor o autores (apellidos y nombre, dirección, teléfono, etc.) y a la que se acompañará fotocopia del DNI o de Residente. El correo de la organización es [email protected] QUINTA: La participación en este concurso implicará la cesión dentro del ámbito del Certamen de los derechos de difusión de las imágenes enviadas, y en ningún caso se devolverán las obras recibidas, que quedarán depositadas en el archivo de la organización. SEXTA: Sólo concursarán cortometrajes y guiones que utilicen el idioma castellano en los diálogos o en los subtítulos. SEPTIMA: No podrán concursar cortometrajes que ya lo hicieron en la primera edición de este certamen. OCTAVA: El Jurado estará compuesto por figuras relevantes de la cultura y el cine, así como por un representante de la organización, siendo su veredicto inapelable. El Jurado elegirá entre los trabajos seleccionados tres premios finales: •Cortometraje aragonés con los mejores efectos especiales: 400 euros y la clasificación directa para el Festival de Cine de Zaragoza, si cumple los requisitos del mismo. •Cortometraje internacional con los mejores efectos especiales: 400 euros y la clasificación directa para el Festival de Cine de Zaragoza, si cumple los requisitos del mismo. •Premio especial del público al mejor cortometraje con efectos especiales: 200 euros. Los premios se declararán desierwww.cinemascomics.com

tos si a juicio del Jurado los trabajos no presentan un mínimo de calidad. NOVENA: El comité de selección, formado por miembros de nuestra Asociación, designara los trabajos que finalmente pasarán a la fase final de concurso. La proyección de dichos cortometrajes, fallo del jurado y entrega de premios tendrá lugar el mismo día de la proyección de los cortos después de la proyección de los mismos. Nuestra Asociación avisará a los participantes de la fase final de concurso, comunicándoles fecha, hora y lugar, unos días antes de dicho acto.

samente el derecho a modificar el contenido de las mismas, con el fin de facilitar el mayor éxito del Certamen y de contribuir a la difusión del espíritu del certamen. Las bases del Certamen y sus posibles modificaciones serán publicadas de forma permanente en la Página Web del Certamen, que es la siguiente: http://certamensegundodechomon.wordpress.com/ DECIMOTERCERA: La participación en este Certamen implica la plena conformidad y aceptación de estas bases.

DÉCIMA: En caso de que los autores de las obras sean menores de edad, deberán acompañar correspondiente ficha de inscripción, la declaración responsable que se acompaña relativa a participación de menores firmada por la/s persona/s que ejerzan su patria potestad o tutela, en la que deberá constar nombre y apellido de la/s persona/s que ejerza/n la patria potestad o tutela sobre el menor, teléfono, domicilio a efecto de notificaciones, correo electrónico, fotocopia legitimada del DNI, y declaración de aceptación del contenido de las presentes bases, así como de que la obra presentada a concurso es original y que no infringe ningún derecho de terceros. La organización facilitará los documentos a quien los solicite a través del correo electrónico del certamen. UNDÉCIMA: Los participantes eximen a la Asoziazión Cultural Bente d’Abiento y sus colaboradores en este Certamen de cualquier responsabilidad derivada del plagio o cualquier otra trasgresión de la legislación vigente por parte de los participantes. DUODÉCIMA: La organización resolverá a su entender cualquier eventualidad no especificada en estas bases, reservándose expreCinemascomics │ Mayo 2011 │

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Estrenos

El Sicario de Dios 6 de mayo

Un rebelde guerrero curtido en la lucha se embarca en una arriesgada cruzada para salvar a su sobrina de una bandada de vampiros asesinos en El sicario de dios, película apocalíptica de terror y acción del director Scott Stewart. Este filme visualmente asombroso en 3D panorámico es un homenaje a las películas de aventuras icónicas donde un solo hombre se interpone entre la humanidad y su destrucción total a manos de un ejército de merodeadores. Después de centenares de años de enfrentamiento, la raza humana ha derrotado a su más terrorífico enemigo, las hordas de vampiros. Los pocos vampiros que quedan han sido recluidos en reservas aisladas, y la mayoría de los humanos se han refugiado en ciudades amuralladas dirigidas por la Iglesia. Los sacerdotes, entrenados como combatientes mortíferos durante las guerras contra los vampiros, ahora realizan trabajos menores, viven en completo aislamiento y marcados por sus distintivos tatuajes, son evitados por los vecinos del lugar.

Cuando la noticia de un ataque vampírico y el secuestro de una joven de 18 años en una zona remota llega a oídos de Sacerdote (Paul Bettany), un veterano de guerra, este solicita a los monseñores reinantes permiso para ir en busca de la rehén, su sobrina. Cuando ellos se niegan, rompe sus votos sagrados, desafía las órdenes de sus superiores y se dispone a encontrar a la chica antes de que los vampiros la esclavicen. A su cruzada se une el novio de su sobrina, Hicks (Cam Gigandet), un joven sheriff e gatillo fácil y una antigua sacerdotisa guerrera (Maggie Q) que posee poderes de lucha sobrenaturales. Pero cuando llegan al desértico pueblo de Jericho, Sacerdote, Hicks y Sacerdotisa se encuentran con una escena de devastación que lleva la marca de los vampiros y con ello una nueva y escalofriante amenaza. El sicario de dios está protagonizada por Paul Bettany (Legión [Legion], El código Da Vinci [The

Da Vinci Code], Una mente maravillosa [A Beautiful Mind]), Karl Urban (Star Trek [Star Trek], El señor de los anillos: El retorno del Rey [The Lord of the Rings: The Return of the King]), Cam Gigandet (Crepúsculo [Twilight], Burlesque), Maggie Q (La jungla 4.0 [Live Free or Die Hard], Misión Imposible 3 [Mission: Impossible III]), Lily Collins (The blind side - Un sueño posible [The Blind Side]), la participación de Stephen Moyer (True Blood (Sangre fresca) [True Blood]) y del legendario actor Christopher Plummer (Una mente maravillosa [A Beautiful Mind], Sonrisas y lágrimas [The Sound of Music]). Basada en la popular serie de novelas gráficas de TokyoPop, escritas por Min-Woo Hyung, El sicario de dios está dirigida por Scott Stewart, cofundador del reconocido estudio de efectos visuales The Orphanage (Iron Man [Iron Man], Piratas del Caribe - El cofre del hombre muerto [Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest], Frank Miller’s Sin City - Ciudad del pecado [Sin City]). El guión es

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de Cory Goodman. Los productores son Michael De Luca (21: Black Jack [21], Ghost Rider. El motorista fantasma [Ghost Rider], La red social [The Social Network]), Joshua Donen (Spider-Man 4, Blindado [Armored]) y Mitchell Peck (Bio-Dome). La producción ejecutiva está a cargo de Glenn S. Gainor (Habitación sin salida [Vacancy], Quarantine), Stephen H. Galloway y Stu Levy. El equipo de producción incluye al director de fotografía nominado al Oscar® Don Burgess, ASC (Forrest Gump, Spider-Man, Náufrago [Cast Away]), el director artístico Richard Bridgland Fitzgerald (Resident Evil, Alien vs. Predator), a la montadora nominada al Oscar®, Lisa Zeno Churgin, A.C.E. (Las normas de la casa de la sidra [The Cider House Rules], Gattaca, La cruda realidad [The Ugly Truth]), la diseñadora de vestuario Ha Nguyen (Shooter: El tirador [Shooter], La máscara [The Mask]) y el compositor Christopher Young.

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN El autor del guión de El sicario de dios, Cory Goodman, está familiarizado tanto con el mundo de la novela gráfica contemporánea como con el cine clásico. Ambientada en un páramo postapocalíptico, la historia combina terror gótico, devastación nuclear y un estilo de lucha “gun fu” que crea un mundo inmediatamente familiar pero a la vez completamente original. La primera inspiración de esta historia surgió del artista y escritor coreano Min-Woo Hyung y su serie manga de 16 volúmenes muy aplaudida por la crítica. Titulada de la misma forma que la película en ingles, “Priest”, fue publicada en Estados Unidos por la editorial líder en novela gráfica TokyoPop. “Priest es una combinación de estilos del cómic asiático y occidental”, apunta Stuart Levy, editor de TokyoPop y uno de los productores de la película. “Dado que Min-Woo Hyung está extremadamente interesado en el cine, su trabajo tiende a ser muy cinemático”. www.cinemascomics.com

Goodman utilizó la ambientación histórica de la serie como punto de partida para una nueva historia situada en un futuro postapocalíptico, explica Levy. “Utilizó bastantes elementos de los que Min-Woo puso en la novela gráfica, pero a partir de ahí creó una idea totalmente original. La película se nutre de lo mejor de estos dos talentosos contadores de historias: el increíble colorido y estilo de Min-Woo y los personajes y el argumento de Cory. Es el caso en que uno más uno da por resultado tres”. La historia de El sicario de dios se pone en movimiento con el secuestro de una joven. “Lucy es una chica de pueblo pequeño que ha crecido en tierras desoladas”, explica Goodman. “Quiere ver más del mundo. Entonces llegan los vampiros que le dan experiencia, pero no lo que ella tenía en mente. Su secuestro lleva a Sacerdote, el protagonista del filme, a abandonar la ciudad en su intento de salvarla”.


La historia de Goodman de un mundo devastado por siglos de guerra entre los hombres y los vampiros atrajo la atención del productor Mitchell Peck. Como en una escena de una película de Hollywood, la primera vez que Peck escuchó hablar del guión fue durante una partida nocturna de póquer. “Hice la pregunta típica que hacemos en el negocio de Hollywood”, recuerda. “¿Habéis leído algo bueno últimamente?’ Y uno de los jugadores me contó acerca de un guión sobre vampiros en una teocracia postapocalíptica”. A pesar de que, según él mismo admite, Peck no es fan de las películas de ciencia ficción o terror, encontró irresistible el extraño nuevo mundo de Goodman. “Cory entretejió varias ideas inusuales que hicieron que leer el guión fuese un verdadero placer”, afirma. “Los personajes estaban escritos maravillosamente y la historia estaba enraizada en un sitio que sería familiar para el público. Tiene una elegancia y comple-

jidad que no se ve con frecuencia. Cada página que leía era mejor y mejor”. Peck rápidamente se hizo con la historia y trabajó con Goodman para desarrollar los temas del guión. Finalmente el guión llegó a manos de Michael De Luca, en Sony Pictures, a quien le interesó esta escalofriante historia de vampiros en el marco de un clásico de acción. “El guión de Cory tiene un poco de todo lo que me gusta”, afirma De Luca. “Tiene la ambientación postapocalíptica de Mad Max 2, el guerrero de la carretera (The Road Warrior) y el tono fronterizo de Infierno de cobardes (High Plains Drifter). Y el de vampiros es un gran género en sí mismo”. Poco tiempo después, una de las grandes productoras de cine de género, Screen Gems, división de Sony Pictures Entertainment dirigida por Clint Culpepper, se comprometió a hacer la película. El sicario de dios es el segundo

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esfuerzo en la dirección de Scott Stewart después de la fantasía apocalíptica de 2010, Legión, también para Screen Gems. “Proveniente de los efectos especiales, Scott ha aportado una gran riqueza de conocimiento en cuanto a la creación del tipo de estilo y look para que este proyecto fuese realmente excitante. Pero también está muy involucrado en la historia y se entiende muy bien con los actores. Lo tiene todo”, asegura DeLuca. Como uno de los cofundadores de la empresa de efectos visuales The Orphanage, Stewart tiene mucho hecho en lo que a crear mundos originales se refiere. “Scott Stewart es un gran visionario”, afirma Glenn S. Gainor, vicepresidente senior y director de producción física de Screen Gems y productor ejecutivo de El sicario de dios. “Conoce el mundo cinemático que quiere. Crear este mundo fue un gran desafío. Cada fotograma de la película transcurre en un universo paralelo que empieza en la cabeza de Scott”. Antes incluso de estar involucrado en esta película, Stewart estaba familiarizado con la novela gráfica de TokyoPop y también había leído el guión de Goodman. “Durante tiempo fui un verdadero admirador del guión”, cuenta Stewart. “Cory creó una mitología realmente interesante junto con irresistibles personajes. Me centré en darle a la historia una línea emocional más poderosa y en focalizarla temáticamente”. Stewart comenzó por enfatizar los aspectos que a él le resultaban más cercanos. “Se me ocurrió que era una historia de sacrificio, y particularmente de soldados que van a pelear por lo que ellos creen es una causa justa y regresan devastados por ella”, elabora el director. “La sociedad los ha dejado atrás. En lugar de ser recibidos como héroes se convierten en verdaderos parias. Y www.cinemascomics.com

eso es lo que les ha pasado a los sacerdotes”. Ve una fuerte analogía post-Vietnam como telón de fondo. “Los sacerdotes han cambiado por completo la situación para la humanidad. Han sacrificado sus familias y su individualidad. Incluso no poseen nombres. Una generación después de su regreso, el mundo no se vislumbra tan maravilloso. ¿Es eso por lo que han luchado? Ese sacrificio se convirtió en un punto central para mí”. Antes de que comenzara la producción de El sicario de dios, los realizadores quisieron contar con la aprobación del creador de la novela gráfica, Min-Woo Hyung. Este último viajó desde Corea a Hollywood para reunirse con el equipo y ver el concepto artístico. “Estaba nervioso porque no sabía cuáles eran sus expectativas”, admite Stewart. “La película se aparta significativamente de la novela gráfica. Por ejemplo, la historia transcurre en el futuro mientras que la suya está situada en el pasado”. “Todos estábamos muy ansiosos por ver su primera reacción”, afirma Levy. “Min-Woo es un tipo muy serio y muy intenso. Observó el concepto artístico y lo entendió inmediatamente. Saber que Scott era uno de los fundadores de The Orphanage le dio confianza. Todos sentimos un gran respeto por lo que ya ha hecho y sabíamos que alguien como Scott le aportaría una extraordinaria visión al proyecto”. De hecho, Min-Woo Hyung y TokyoPop se sintieron inspirados a crear una nueva serie de novela gráfica, “Priest Purgatory”. “Donde se mostrará el origen del mundo del filme”, continúa Levy. “Habrá un montón de historia de fondo. Veremos las guerras con los vampiros y también a Sacerdote y sus pares en sus comienzos. También nos enteraremos de cómo se ori-

ginaron las guerras con los vampiros. No quiero desvelar nada, pero para los fanáticos de la novela gráfica, diré que la clave del original es el ‘Domas Porada’”. EL MUNDO DE EL SICARIO DE DIOS

“Esto es lo que se sabe: Siempre ha habido hombres… y siempre ha habido vampiros.” Para la película El sicario de dios, Cory Goodman y Scott Stewart crearon una elaborada historia de origen para explicar cómo un mundo muy parecido al nuestro, pero básicamente extraño, se convirtió en el lugar de una lucha a muerte entre dos razas antagónicas tratando de coexistir. “Humanos y vampiros han estado fundidos a lo largo de su historia en un combate mortal”, explica el productor Mitchell Peck. “Los humanos en general han llevado ventaja, pero cuando los recursos escasearon se volvieron los unos contra los otros con armas nucleares y diezmaron el planeta. Con la humanidad en su estado más débil, los vampiros ganaron terreno”. Enfrentada a una amenaza aterrorizadora y aparentemente sobrenatural, la gente se recoge en ciudades amuralladas gobernadas por el clero. Los poderes teocráticos responden a la amenaza de los vampiros con una nueva casta de guerreros que son entrenados especialmente para esta lucha. Esta elite elegante y brutalmente efectiva, es conocida como los Sacerdotes. “Los Sacerdotes en la película no son como los de nuestro mundo”, aclara Stewart. “Son más como caballeros Jedi. Son soldados de la iglesia. Están entrenados en el arte de matar vampiros y tienen poderes especiales. Puede parecer fantástico Cinemascomics │ Mayo 2011 │

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eso de convertirse en un sacerdote guerrero, pero de hecho, son alejados de sus familias y se les prohíbe tener relaciones. Se convierten en una especie de monjes”. Elegidos directamente por el clero cuando son aún niños, los Sacerdotes dedican su vida a eliminar a los vampiros del mundo. Su estilo de lucha es una letal combinación de artes marciales del mundo real y un poder especial que los realizadores han denominado “focalizar”, un poder que no es tanto sobrenatural sino más bien “hiperreal”. “Los Sacerdotes pueden extender los límites de lo que los humanos son capaces”, explica el actor Paul Bettany, quien es la estrella que da título a la película. “A través de la plegaria, son

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capaces de ralentizar el tiempo a su alrededor pero seguir moviéndose a la misma velocidad. Todo parece transcurrir a una velocidad increíble, pero en realidad, el mundo que los rodea va a una velocidad mucho menor”. El productor De Luca señala que la idea de “focalizar” es un tributo a películas como La Guerra de las Galaxias (Star Wars) y Matrix (The Matrix). “La cualidad ‘zen’ de controlar la conexión entre la mente y el cuerpo es un sello del género. En nuestra película lo llamamos ‘estar en contacto con la mano de dios’. Es la maestría sobre el espacio físico lo que permite que un individuo haga determinadas cosas que parecen sobrenaturales”.

Los Sacerdotes hicieron su trabajo con una despiadada eficiencia que eliminó la amenaza de los vampiros; los pocos vampiros que quedan están recluidos en “reservas” de alta seguridad. Y luego los Sacerdotes tuvieron que ser reincorporados dentro de la sociedad a la que salvaron. La guerra concluyó años antes del comienzo del filme, pero la destrucción ha sido casi total. La mayor parte del mundo es un vasto páramo. La mayoría de la población humana aún vive dentro de ciudades amuralladas gobernadas por el clero. “Las ciudades son una distopía totalitaria”, explica Goodman. “En este mundo, un Sacerdote sería lo que un boina verde o un agente encubierto es en nuestro mundo. Un tipo duro, con gran talento y entrenamiento en el arte de www.cinemascomics.com

combatir vampiros. Los Sacerdotes han cambiado la situación por completo en la batalla por la humanidad, pero con la guerra concluida, no tienen espacio en la sociedad y han caído entre sus grietas”. Uno de los obstáculos que se interpone a su integración es la que antes fuera la marca de honor de los Sacerdotes. Cada uno de ellos lleva un tatuaje rápidamente identificable, una gran cruz sobre su rostro. “La cruz representa el pecado de la guerra”, continúa Goodman. “Para Sacerdote, es un constante recordatorio del despojo en que se ha convertido desde el final de la guerra. Es una mancha que no puede lavarse, pero también es una señal de orgullo”. www.cinemascomics.com

En una de las primeras escenas de la película, un niño, demasiado joven e inocente como para saber la historia le pregunta a Sacerdote si el tatuaje duele. “Esto fue lo que hizo que quisiera hacer esta película, mucho más que la acción o los efectos especiales”, asegura Stewart. “Paul Bettany y yo hablamos mucho acerca de esa escena. Los Sacerdotes tienen un gran talento, habilidad y espiritualidad, pero la gente no quiere sentarse junto a ellos en el bus. Tienen trabajos que nadie quiere. Han perdido mucho, incluyendo la conexión con los demás. Incluso los niños los observan como rarezas. En esa escena, entendemos lo mucho que Sacerdote ansía conectar con el resto de la gente”. Los enemigos contra los que los

sacerdotes luchaban son tan diferentes a sus homólogos de ficción convencional como los sacerdotes lo son de sus corolarios en el mundo real. El productor Michael De Luca cuenta que en lugar de decantarse por el vampiro gótico o romántico tradicional, desearon volver a la idea del vampiro como ser terrorífico. “Nuestros vampiros son una especie más cercana a los murciélagos que a los humanos”, aclara. Con piel húmeda, blanca y transparente, afiladas garras y colmillos, se parecen más al retrato de Nosferatu de Max Schreck que al Edward Cullen de Robert Pattinson. “Son criaturas a las que nadie en su sano juicio se le ocurriría o desearía besar”, asegura Goodman. Cinemascomics │ Mayo 2011 │

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Más criaturas que humanos, han vivido y se han reproducido en enormes nidos semisubterráneos antes de ser recluidos en las reservas. “Realmente me gustaba la idea de que existieran en ese tipo de refugio que era como de insectos”, agrega el guionista. “Son parte del paisaje natural, pero al mismo tiempo son de otro mundo. Me recuerda a esos paisajes de John Ford que me gustan tanto, pero les hemos dado un lado bellamente escalofriante”. Diseñados por el aplaudido artista visual y diseñador de personajes Chet Zar, los vampiros están principalmente generados por ordenador, lo que permitió a Stewart manipularlos de forma imprede-

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cible. “Una vez que nos liberamos del aspecto práctico, pudimos dejar que hicieran todo lo que queríamos”, afirma Stewart. “Los vampiros se convirtieron en criaturas humanoides que al no haberse expuesto jamás al sol evolucionaron sin ojos. Se pueden mover de forma impredecible y son mucho más veloces que los humanos. También se puede ver su estructura ósea bajo la piel y es muy diferente a nuestro esqueleto. Las proporciones son muy diferentes a las de una persona. Tienen un gran oído y sentido del olfato para compensar su ceguera”. La leyenda detrás del monstruo también fue reinventada para la

película. Por ejemplo, los humanos que son mordidos y no mueren, no se convierten en vampiros. En su lugar, son transformados en los llamados “familiares”: seres pálidos, con aspecto de muertos y sin cabello que hacen lo que los vampiros les mandan mientras duermen. El gran temor de Sacerdote es que Lucy sea convertida en uno de esos esclavos sin alma. No hay cura para ello y antes de abandonarla a esa suerte prefiere acabar con su vida. “Hay algo que es aterrador y estimulante acerca de los vampiros”, afirma Paul Bettany. “La idea de la inmortalidad es bastante fascinante. Pero esos vampiros son algo nuevo”. www.cinemascomics.com



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Estrenos

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Cuando el reverendo Cotton Marcus llega a la granja de la Luisiana rural de Louis Sweetzer espera realizar otro “exorcismo” de rutina al típico fanático religioso perturbado. Sweetzer, un ferviente fundamentalista, se ha puesto en contacto con el carismático predicador como último recurso, convencido de que su hija adolescente, Nell, está poseída por un demonio que es necesario exorcizar antes de que su terrible experiencia acabe convirtiéndose en una tragedia inimaginable. Incapaz de aguantar el cargo de conciencia que soporta tras años de sacar dinero a creyentes desesperados, Cotton pretende filmar junto a su equipo un documental confesional del que quiere que sea su último exorcismo. Sin embargo, al llegar a la granja familiar, completamente bañada en sangre, no tardará en hacerse evidente que nada podría haberlo preparado para el auténtico mal que allí encuentra. Ahora que ya es demasiado tarde para echarse atrás, el reverendo Marcus verá puestas a prueba sus más profundas creencias cuando, junto a su equipo de rodaje, tengan que encontrar una forma de salvar a Nell, y a sí mismos, antes de que sea demasiado tarde. EL ÚLTIMO EXORCISMO está escrita por Huck Botko y Andrew Gurland y dirigida por Daniel Stamm. Está producida por Eric Newman, Eli Roth, Marc Abraham y Thomas A. Bliss. ACERCA DE LA PRODUCCIÓN Ya sea practicado por sacerdotes católicos, pastores evangélicos o cristianos carismáticos, el antiguo rito del exorcismo sigue vivo y goza de buena salud en el nuevo milenio, y, de hecho, muchos académicos y practicantes afirman que su práctica ha aumentado en los últimos años. El resultado de un sondeo de opinión de 2005 arrojó que el 42% de los norteamericanos cree en la posesión por el diablo. El año pasado, la Archidiócesis de Chicago nombró a su primer exorcista a tiempo completo en sus 160 años de

historia; por otro lado, en Nueva York, un grupo de cuatro sacerdotes ha investigado oficialmente unos 40 casos al año de posible posesión desde 1995. El padre James LeBar, antiguo exorcista de la Archidiócesis de Nueva York, afirmó recientemente que uno de cada diez católicos de Estados Unidos ha presenciado o formado parte de un exorcismo. “Hace diez años, no tenía ningún caso”, informa, “y ahora tengo 300”. Esta creciente tendencia ha llegado a las más altas esferas del Vaticano. En medio de las preocupaciones de la Iglesia Católica por el creciente interés en todo el mundo por el satanismo y el ocultismo, el padre Gabriele Amorth, principal exorcista del Vaticano en los últimos 25 años, anunció una iniciativa apoyada por el papa Benedicto XVI para “enfrentarse cara a cara al Diablo” al formar a cientos de sacerdotes como exorcistas. Muchos asisten ahora a la Universidad Pontificia Regina Apostolorum, una universidad católica conservadora a las afueras de Roma que cuenta con el respaldo del Vaticano y ofrece un programa de estudios especializado en exorcismo para sacerdotes. En el terreno evangélico, pastores populares como Bob Larson, “el Auténtico Exorcista”, en Carolina del Sur, o Tom Brown en El Paso, Texas, ejercen de consultores o realizan ellos mismos cientos de exorcismos al año. Michael Cuneo, profesor de Sociología en la Universidad Fordham, declara: “Según estimaciones conservadoras, hay un mínimo de 500 ó 600 ministerios evangélicos de exorcismo en funcionamiento en la actualidad, y es muy probable que la cifra real sea el doble o el triple de la estimada”. Solo en los últimos meses, los medios han informado sobre la muerte de un niño ruso de 4 años provocada por un brutal rito de exorcismo y sobre el preocupante aumento de exorcismos a niños realizados por predicadores por toda África. ¿Son reales estos exorcismos? ¿Es la posesión demoníaca una realidad, o es simplemente un síntoma

de un fanatismo religioso desaforado o de enfermedad mental? El estreno de EL ÚLTIMO EXORCISMO examina estas cuestiones desde el punto de vista de un escéptico mediante la historia del reverendo Cotton Marcus. El reverendo Marcus, criado como fiel creyente en la fe evangélica, ha pasado más de un cuarto de siglo llevando a cabo exorcismos que sabía que eran falsos. Con intención de confesar, confía a un equipo de rodaje de documentales los secretos de su profesión mientras realiza un último exorcismo sobre Nell, una chica de una granja de Luisiana... solo para encontrarse cara a cara por primera vez con el mal encarnado. “A lo largo de la película, la pregunta que se formula es: ¿es algo sobrenatural o se trata de maldad humana? ¿Es Nell esquizofrénica o está poseída?”, explica el director Daniel Stamm. “Esa es para mí la cuestión verdaderamente interesante. La película trata sobre la fe, el papel que desempeña la fe en nuestra vida y lo que ello supone, cómo puede ayudarnos y cómo puede destruirnos”. “La película trata sobre cómo se perciben el bien y el mal”, agrega Patrick Fabian, que interpreta al reverendo Cotton. “Trata sobre cuáles son tus convicciones y si no te fallarán cuando más las necesites”. EL ÚLTIMO EXORCISMO surgió a partir del interés del productor Eric Newman en hacer una película sobre posesiones demoníacas que se ciñera lo más posible a la realidad. Se puso en contacto con los guionistas Andrew Gurland y Huck Botko, cuya cinta anterior, MAIL ORDER WIFE, utilizaba un estilo de falso documental muy efectivo que encajaba a la perfección con la idea de partida que se le había ocurrido a Newman. Mientras elaboraban el guión, Gurland y Botko usaron como inspiración un famoso documental de los años 70 titulado MARJOE. Según explica Gurland: “MARJOE trata de un predicador que permite que hagan un documental sobre él, y te lleva entre bastidores y te permite ver cómo todo

el asunto es una gran estafa. No cree en ello y pretende dejarlo. Nos pareció que sería un buen punto de partida para nuestra historia”. Aunque el principal objetivo de EL ÚLTIMO EXORCISMO es aterrorizar a los espectadores, Gurland y Botko no cejaron en ningún momento en su empeño de crear una historia dramáticamente absorbente. “Queríamos que la película funcionara aunque se tratara simplemente de un documental, incluso antes de meternos en el tema sobrenatural”, explica Gurland. “Pensamos que sería un buen documental para mostrar los entresijos de un tipo que se dedica a realizar falsos exorcismos, de modo que, aunque no fuera más que esa película, sin ningún elemento sobrenatural, seguiría siendo una buena película. Así que decidimos abordar así el proyecto: cómo sería un buen documental y luego cómo nos desviaríamos de ello”. Según los guionistas, el estilo documental de EL ÚLTIMO EXORCISMO también les ofreció más libertad creativa. “La realidad supera

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a la ficción”, asegura Botko. “Podemos permitirnos hacer muchas cosas que no podríamos en una narración normal, que tiene una estructura de tres actos y ciertos puntos que todo el mundo espera. En un documental puedes hacer cosas que en una película normal la gente diría que son demasiado raras o demasiado extrañas”. El productor Eli Roth, que también es actor y director (MALDITOS BASTARDOS (INGLOURIOUS BASTERDS), HOSTEL), aceptó asociarse con Eric Newman nada más leer el guión ya terminado. “Era uno de los guiones más aterradores y originales que he leído nunca”, asegura. “No podía dejar de leerlo y de sentir escalofríos hasta el final. Me encantó la idea de que fuera una película que trataba de desacreditar los exorcismos, mostrar que todo es falso, solo para darse cuenta poco a poco de que hay fuerzas que escapan a tu comprensión y con las que no conviene meterse. Me tuvo en ascuas de principio a fin”. En su búsqueda de un director adecuado, a Newman y Roth les llamó la atención el pujante ta-

lento del director Daniel Stamm, cuyo filme anterior, A NECESSARY DEATH, fue una galardonada cinta narrativa de estilo documental. “La película de Daniel era realmente increíble en lo referente a su realismo y a sus interpretaciones”, afirma Newman. “Es un tipo de película diferente, un ejercicio mucho más psicológico. Pero demostraba que podía trabajar dentro de este estilo tan bien como cualquiera”. Aunque la aptitud de Stamm para trabajar en el terreno del horror psicológico era evidente, el género del cine de terror era algo inexplorado para el director. “Muchas de las escenas de terror eran algo nuevo para mí”, comenta Stamm, “así que eso me resultaba en cierto modo un desafío desde el punto de vista técnico. Las escenas más emocionantes de rodar eran las centradas en los personajes, donde puedes dejar hacer al actor y no sabes muy bien cuál va a ser el resultado final. Cada vez que lo haces, obtienes algo distinto”. Stamm cree que la presencia de la cámara en el mundo de la pewww.cinemascomics.com

lícula, un aspecto característico del cine documental, es una pieza clave para lograr el realismo alcanzado en el filme. Según explica el director: “El cámara existe en la película como un personaje más, y representa al público, algo que me encanta, porque crea en el espectador un forzoso grado de intimidad con lo que está sucediendo que a veces puede resultar incómodo. Y creo que para una película de terror es algo genial, cuando haces que el espectador se sienta más cerca de la acción de lo que él querría”. Agrega: “En una película narrativa normal seguramente no realizarías esos primerísimos planos que haces con el estilo documental. Así que nos acercamos a la gente mucho más de lo que acostumbran, lo que creo que ayuda mucho a transmitir intensidad”. Como preparativo previo al rodaje, los actores Patrick Fabian (“Veronica Mars”, “Big Love”) y Ashley Bell (“United States of Tara”) estudiaron grabaciones de auténticos exorcismos para evitar recurrir a los tópicos de la cultura popular del aspecto que tendría un típico exorcismo. En palabras de Stamm: “No queríamos tratar de imitar películas como EL EXORCISTA. Queríamos dar a los aficionados al género algo nuevo


y diferente, un giro original al tema, en lugar de repetir los mismos clichés de siempre”. “Queríamos que nuestro exorcismo resultara más crudo, real y novedoso, como si realmente estuvieras en el cuarto con una persona que pudiera estar poseída”, agrega Roth. “Lo que se ve es 100% Ashley Bell, no utilizamos maquillaje, infografía o efectos especiales en sus escenas, ella hace todo lo que se ve, hasta las venas hinchadas del cuello y la espalda doblada”. Bell, además de mantener viva la cuestión de si la posesión demoníaca es posible o no, también estudió una serie de trastornos psicológicos como posibles explicaciones de la conducta de Nell. “Me documenté sobre el trastorno de estrés postraumático y distintas manías”, explica. “Pero siempre acababa volviendo a las cintas de exorcismos reales que había oído. Escuchabas a lo que podías reconocer como personas y, entonces, de repente se oía un sonido que no era ni masculino ni femenino, ni humano ni animal. Te helaba la sangre”. Durante el rodaje, Stamm mantuvo el plató estrictamente cerrado para crear una sensación de inti-

midad entre los actores. “No había nadie más presente”, recuerda. “No había más que un monitor en el plató de rodaje. No había un centro de monitores desde donde observaba la gente, de modo que los actores sabían que no tenían 50 ojos mirándolos”. También hizo que los actores realizaran más tomas de las habituales, hasta llegar en ocasiones a agotarlos. “Intento meter a los actores en la escena para que se les ocurran cosas que a mí nunca se me ocurrirían”, explica el director. “Dejo que sean ellos mismos y que simplemente reaccionen. Hacemos muchas tomas, y lo que realmente me funciona es hacer tantas que acaben cansados, disgustados o molestos, porque entonces es cuando verdaderamente consigues auténticas emociones que quedan muy bien en pantalla. Podemos hacer 15 ó 20 tomas hasta llegar a ese punto”. “Daniel sabe perfectamente hasta dónde puede presionar a los actores y cómo sacar lo mejor de ellos”, agrega Roth. “Además, tiene un sentido del humor muy negro y sabe cómo sacar miedo de momentos de humor y humor de momentos de miedo. Tiene un talento increíble”.


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Stamm animaba a improvisar durante el rodaje y permitía a los actores dejarse llevar por sus instintos y desarrollar sus personajes de maneras inesperadas. “Lo más importante para mí”, asegura el director, “es que los actores desarrollen el personaje a su gusto, que es el mismo estilo que utilicé en mi anterior película”. En opinión del productor Marc Abraham, la fortaleza de Stamm como director mantuvo la historia y a los personajes por buen camino incluso cuando se desviaban de lo escrito en el guión. “Tiene un punto de vista muy claro, gracias a lo cual los actores confían plenamente en él”, asegura. “Fue agotador”, recuerda Fabian. “Idear algo nuevo cada vez que fuera necesario resultó muy duro y a veces desconcertante. Pero Daniel logró reducirnos a nuestros verdaderos instintos sin que ni siquiera nos diéramos cuenta. Echando la vista atrás, ahora

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entiendo que tenía muy claro en todo momento durante el rodaje la clase de película que estaba creando”. “Como actriz, disponer de tantas oportunidades para probar distintas cosas fue un regalo”, observa Bell. “Y Daniel se mostró muy receptivo a nuestras ideas y siempre nos pedía nuestras opiniones. Es la clase de experiencia que te pasas toda la vida deseando tener”. “Tanto Patrick Fabian como Ashley Bell son increíblemente simpáticos. Te caen bien inmediatamente”, confiesa Roth. “Patrick es tan gracioso que Cotton nos cae bien sobre la marcha, a pesar de ser un farsante. Ashley parece al principio una especie de conejillo asustado así que, cuando se transforma, resulta mucho más sorprendente, resulta realmente increíble que sea ella. Su registro como actriz, tanto física como emocionalmente, es tan especta-

cular que puede resultar encantadora un instante y horripilante al siguiente”. EL ÚLTIMO EXORCISMO se rodó en exteriores de la Luisiana rural, en una auténtica granja, rodeada de caimanes, serpientes y alimañas. La propia historia de la casa aportaba un grado de verosimilitud que habría resultado complicado de lograr artificialmente. El diseñador de producción Andrew Bofinger descubrió que buena parte de su trabajo ya estaba hecho. “La propia casa ya tenía una atmósfera espeluznante”, explica. “Y ya estaba amueblada con aparadores centenarios y mobiliario antiguo de sobra”. A fin de intensificar el horror de lo que sucede en las habitaciones de la planta superior, Stamm y Bofinger optaron por usar tonos anaranjados de fondo, mientras mantenían tonos frescos en las habitaciones de la planta inferior de la casa. “Queríamos un conwww.cinemascomics.com

traste drástico de colores entre las dos plantas”, señala. Bofinger intentó usar también el diseño y la decoración del plató para transmitir información sobre los personajes que no resulta evidente a primera vista en el guión. “Con Nell, queríamos indicar su sensación de aislamiento de la comunidad”, explica. “Tiene 16 años y hace unos seis años ya que murió su madre, así que intentamos que su cuarto casi pareciera el de una niña de diez años que apenas ha madurado o crecido”. Aunque en la película se muestra al reverendo Cotton como un farsante que gusta de montar su particular espectáculo, Bofinger decidió seguir un enfoque distinto al diseñar la oficina del personaje. Según explica: “Quería dar la sensación de que se trataba de su santuario, donde todavía tiene sus sueños de la infancia”. www.cinemascomics.com

Para Stamm, trabajar con los otros dos responsables principales de la atmósfera de la película, el director de fotografía Zoltan Honti y la montadora Shilpa Khanna, resultó algo totalmente natural. “Zoltan, Shilpa y yo llevamos trabajando juntos desde nuestro primer proyecto estudiantil en el AFI”, señala. “Nos pasamos tres años trabajando juntos en nuestra anterior producción. Conocemos nuestros respectivos gustos. Hay muchas cosas que ni siquiera necesitamos hablarlas, ya sabemos directamente qué hacer”. Stamm agrega: “En un documental, estás construyendo la historia con el montaje y queríamos simular ese aspecto en la medida de lo posible, para que el resultado final no pareciera preestablecido. Queríamos que pareciera como si se hubiera extraído de cientos de horas de grabación, lo que en realidad es cierto”.

“Me quedé anonadada al ver cómo había montado Daniel la película”, admite Bell, “tanto por la forma de construirla como por lo magníficamente que manipula las expectativas del público”. “El contenido de la cinta, en lo que se refiere a los detalles, cambiaba constantemente”, afirma Newman. “Pero, en su aspecto general, no ha cambiado gran cosa desde su concepción inicial. Es básicamente la misma película que ideamos en un principio, lo que dice mucho de la capacidad de Daniel Stamm de llevar a cabo el proyecto. Los actores y el realizador han llevado la película a las cotas que deseábamos, pero no imaginábamos que fueran posibles”. Si os gustan las películas de exorcismos no os podéis perder el número 2 de Cinemascomics: La revista. Cinemascomics │ Mayo 2011 │

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ENTREVISTA

DANIEL STAMM EL DIRECTOR DE “EL ÚLTIMO EXORCISMO” LAS PELÍCULAS SOBRE EL EXORCISMO PUEDEN SER TAN DIFERENTES COMO LO SON LAS PELÍCULAS SOBRE VAMPIROS ENTRE SÍ Hoy en día se hacen muchas películas sobre exorcismos, ¿qué elementos nuevos aporta El Último Exorcismo? Creo que se pueden hacer miles de historias que traten sobre el exorcismo de la misma forma que se pueden hacer distintas películas sobre vampiros. Las películas sobre el exorcismo pueden ser tan diferentes como lo son las películas sobre vampiros entre sí, está Drácula, está Crepúsculo y muchas otras historias de vampiros. Creo que sucede lo mismo con la posesión, se trata de un campo muy amplio. Creo que no hay que abandonarse a los efectos especiales, tienes que crear tu propia historia, que tus personajes sean únicos y que la gente los recuerde, unos personajes que tengan su propio conflicto. Se trata de una historia muy humana que planteé con Eli. Eli siempre cuénta la historia de cuando nos conocimos. Le pregunté y me dijo que El Exorcista era su película de terror preferida. Rápidamente me puse serio y le dije que no había hecho una película de terror, que lo que había hecho era un drama, sólo que había salido realmente oscuro. Creo que gran parte de esa afirmación es cierta, hemos hecho una película sobre personas, sobre su lucha interna, y lo sobrenatural es sólo el catalizador de esa lucha. Podrías hacer www.cinemascomics.com

otras quinientas películas sobre exorcismos, igual que se pueden hacer de vampiros u hombres lobo. La clave está en tener una historia potente y unos personajes con mucha presencia. Nos han impresionado mucho los increíbles movimientos de Ashley Bell, ¿cuál es el truco para que sean tan aterradores? Creo que el truco es que no hay truco. Ashley Bell tiene articulaciones ultraflexibles y puede moverse así. No parece un efecto porque no es un efecto, y también implica que se suscite en el resto de actores nuevas reacciones que no están limitadas a una pantalla verde. Podrás ver cómo reaccionan ante esta chica que es capaz de doblarse de esa forma. Se trata de realismo y autenticidad, hemos hecho un gran esfuerzo para que todo pareciese completamente real, y esa es una de las mayores diferencias con respecto a una obra maestra como El Exorcista, en la que hay muchos efectos especiales. Patric Fabian también parece muy convincente en su papel de reverendo Cotton Marcus, ¿se documentó mucho para alcanzar tal realismo? Sí, investigamos bastante, todos nosotros lo hicimos. Fui muy

afortunado, ya que el reparto ha aportado mucho a la película. Para mí era muy importante que ellos pudieran experimentar cómo es ese mundo, que ellos pudieran escuchar los sermones y leer libros sobre el tema. Investigaron mucho y me lo presentaron después. Se metieron mucho en sus papeles según investigaban el tema, hablaron con gente que sufrió posesiones y también vimos todas las películas sobre posesiones, porque quería asegurarme de que no hacíamos nada parecido a El Exorcista o El Exorcismo de Emily Rose. También contamos con un exorcista real, fue algo genial, porque allí es algo muy normal. Nos enteramos de que el hermano de nuestro conductor era un exorcista de verdad, así que nos lo llevamos como nuestro asesor en la materia durante el rodaje. Lo que fue realmente increíble es que no resultó nada fuera de lo común para él, porque se lo tomaba como si fuera un trabajo cualquiera. Tiene un trabajo real y también hace exorcismos. Patrick Fabian intimó muchísimo con él e incluso calcó algunas de sus expresiones. La escena del sermón es una reinterpretación de uno de los sermones que le oyó pronunciar en la realidad. La película ha sido número uno en la taquilla estadounidense, ¿qué se siente al lograr un éxito Cinemascomics │ Mayo 2011 │

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así con tan poco presupuesto? Te hace sentir muy bien, llegar a los 41 millones de dólares con un presupuesto de 1’8 millones es un gran éxito. Pero también soy consciente de que tiene mucho que ver con el marketing. La apertura de una película de terror en la primera semana depende mucho del marketing. En Estados Unidos se ha hecho un trabajo de promoción increíble. Es auténtico poder ver los pósters de la película por todas partes. Un día estaba en un atasco en Los Ángeles y miré un gran cartel de la película con mi nombre debajo y pensé “voy a mirar a otro lado, nunca he sido narcisista y así no hago más que alimentar mi ego”. Miré al otro lado y había un autobús con el póster de la película en una parada. No podías ir a ninguna parte sin encontrarte con ella. Fue tan surrealista que tardé una o dos semanas en digerirlo, es una locura. La película se rodó en Luisiana, tierra de supersticiones. ¿Hubo alguna anécdota que nos quieras contar? Luisiana es históricamente muy especial, porque fue ocupada por muchos países, creo que hasta seis naciones diferentes ocuparon esas tierras, así que allí están todas esas culturas enfrentándose, así como distintas religiones. Hay protestantes, mormones, sectas, hay vudú, está también la Iglesia Católica… Y todas se enfrentan entre sí, de alguna forma luchan por captar tu atención para que su mensaje llegue a más y más gente para prevalecer sobre otros cultos. Es un entorno en el que la religión es muy extrema, muy fanática, y es algo de lo que no puedes escapar porque están por todas partes y las supersticiones son algo con lo que viven todos los días. Cuando los actores se sentaban para comer con el equipo de Luisiana, era bastante normal que surgiesen historias de terror

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y asuntos sobrenaturales. Sucedieron cosas raras en esa atmósfera, pero no sobrenaturales… Por ejemplo, un día de pronto apareció un caimán en el set de rodaje a un metro de nosotros, mirándonos fijamente. Luisiana es como hacer un viaje en el tiempo, se trata de un mundo completamente distinto en sí mismo y es alucinante que los actores hayan vivido en ese mundo y se hayan sumergido en esa atmósfera. En lo que a lo sobrenatural se refiere, yo siempre estaba esperando que algo ocurriese, por todos esos sucesos que tuvieron lugar en el rodaje de El Exorcista, pero no sucedió nada durante el rodaje. Pero cuando la película se estrenó, hubo un cine en Oklahoma que la estaba proyectando y se quemó hasta los cimientos. Salió en todas las noticias y allí estaba, en un fondo humeante sobre las ruinas se podía ver el cartel de El Último Exorcismo, eso fue bastante inquietante… ¿Qué tal es tu relación con el productor, Eli Roth? Bueno, fue muy íntima y muy intensa, porque si trabajas con alguien en una película durante un año y medio, acabas conociéndolo muy bien. Lo conoces en profundidad porque una película es básicamente cómo ves el mundo, cómo lo retratas. Y si al trabajar con el productor, él también es director y guionista es genial, porque acabas debatiendo mucho sobre asuntos creativos. Fue increíble contar con alguien como él, no siempre opinábamos igual, pero siempre llegábamos a un acuerdo. Había muchas negociaciones, mucha colaboración y eso es genial para alguien como yo que nunca había tocado el género del terror. Estoy muy agradecido por eso.

No me crié en una familia religiosa, por lo que no crecí creyendo en dios. Pero resulta interesante, porque siempre pensé que la gente se hacía más cínica a medida que crece, pero tengo la sensación de que a mí me ha pasado al revés. En mi niñez tenía claro que no existía nada, y ahora no lo tengo tan claro. Creo que incluso me estoy moviendo en otra dirección, y al trabajar con gente como Night Shyamalan, que ha plasmado la espiritualidad y lo sobrenatural en su obra y su vida, he conectado con otra faceta. Es muy interesante y tengo la sensación de que debería ver mi aspecto espiritual mucho más de lo que lo he hecho en el resto de mi vida. Al público español le encantan las buenas historias de terror, ¿quieres enviarles un mensaje? Queridos amantes del terror, por favor, continuad apoyando las películas de terror independiente, únicas y originales, porque es la única forma de que acabemos con todos esos remakes, secuelas y películas que sólo se estrenan para hacer dinero y no tienen nada más que ofrecer. Muchas gracias y un abrazo a todos.

¿Crees en la existencia de dios, el demonio, las posesiones y los exorcismos?


Estrenos

Arthur y la Guerra de los Mundos

13 de mayo

Maltazard ha conseguido colarse en el mundo de los humanos. Su objetivo es sencillo: reclutar un ejército de gigantescos secuaces y dominar el universo. Arthur parece ser el único capaz de frustrar sus planes, pero primero tendrá que volver a su habitación… ¡y recuperar su tamaño normal! Aunque sigue atrapado en un diminuto cuerpo de minimoy, contará con la ayuda de Selenia y Betameche, y, sorprendentemente, también la de Darkos, el hijo de Maltazard, que afirma estar de su lado. A pie, en bici, en coche o

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incluso en una Harley Davidson, Arthur y sus amigos emplearán cualquier medio a su alcance para librar su batalla final contra Maltazard. ¡Que empiece el combate! EL BUENO, EL MALO Y EL HIJO INGRATO Son jóvenes, atractivos y llevan la aventura en los huesos: Arthur, Selenia y Betameche conectaron desde el principio con el público infantil. Son el aventurero, la princesa y el bufón, unidos en la batalla contra la encarnación de

los poderes de la oscuridad, el malvado Maltazard. Hay algo de mí en todos los personajes de la trilogía, pero diría que el 50% de Arthur proviene de recuerdos infantiles personales. Luc Besson, director. Todos los niños desean creer que en algún lugar hay un mundo mágico que es distinto al suyo. Me ha encantado interpretar a un personaje que no es especial, no es un héroe —es como cualquier niño de su edad— pero resulta ser un verdadero héroe cuando empieza la aventura. Freddie Highmore (Arthur). El www.cinemascomics.com

diseño de los protagonistas exigió el 100% del tiempo del equipo de artistas durante los primeros seis meses de preparación de la trilogía. Aunque se los ha hecho crecer un poco en la tercera entrega de la saga de Arthur y los minimoys, las modificaciones de los personajes principales son casi imperceptibles a simple vista. Un personaje cómico, que es por lo tanto una caricatura, resulta más fácil de animar que uno realista. Darkos, en concreto, funcionó a la primera. Pierre Buffin. Darkos siempre ha sido divertido de animar. El www.cinemascomics.com

diseño del personaje, con su aspecto de «monstruo entrañable», proporcionó a sus animadores la oportunidad de divertirse encontrando el equilibrio entre su lado espantoso y su lado estúpido. La idea era jugar con esa contradicción. Yves Avenati, supervisor de animación. Con Maltazard, era importante evitar caer en lo fácil. Su personalidad es ambigua, muy sutil, de modo que requería más precisión y por tanto más esfuerzo. Stéphane Naze, supervisora general.

UN RETO VISUAL Resulta digno de mención, por su carácter excepcional, que todas las imágenes digitales de la trilogía de Arthur y los minimoys han empleado sistemas creados por BUF Compagnie, una factoría de efectos visuales cuya fama internacional se debe a su participación en películas como El club de la lucha (Fight Club, de David Fincher), Matrix (de Andy y Larry Wachowski), Batman Begins (de Christopher Nolan) y 2046 (de Wong Kar-Wai). En la tercera Cinemascomics │ Mayo 2011 │

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parte, los programadores de BUF se centraron en la fase de composición para que el resultado final fuera todavía más realista. El mayor reto de la tercera entrega era el de animar con éxito personajes completamente ficticios en un entorno de imagen real. El público se acostumbra muy rápido a los avances tecnológicos, y por eso siempre quiere más. Cuando ves una película de hace quince años, los efectos se ven desfasados aunque en el momento dejaran a la gente sin aliento. Para la trilogía de Arthur, la gran prioridad siempre ha sido el realismo de los personajes digitales. Por eso, en la tercera película, resulta natural verlos en una ambientación de imágenes reales. Pierre Buffin, efectos e imágenes digitales. En las dos últimas entregas de la trilogía hay más de 3.000 planos de animación. Desde el punto de vista técnico, la parte más difícil era la interacción entre los escenarios digitales y los reales.

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La imagen no es de ningún modo la misma. Una imagen de 35 mm es mucho más suave que una generada por ordenador, por lo que lleva muchísimo trabajo hacer que casen con naturalidad. Eso es lo que hace que la tercera parte de Arthur, más que una película de animación, sea un espectáculo de efectos especiales. Pierre Buffin, efectos e imágenes digitales. Combinar imágenes reales con digitales es especialmente difícil porque el ojo tiene un punto de referencia. Si la iluminación no es buena, se ve al kilómetro. Tenemos el mismo problema cuando Darkos se encuentra frente al abuelo de Arthur: el punto de referencia del ojo es la piel del abuelo, y tenemos que recrear esa textura. Stéphane Naze, supervisora general. Una de las escenas más difíciles de La guerra de los mundos fue la secuencia digital de la colmena. La cuestión era, ¿damos a las abejas un enfoque «dibu» o el realismo propio de un

documental de animales? Al final, intercambiamos ambos enfoques según las necesidades artísticas y narrativas de cada plano. Yann Avenati, supervisor de animación. DIEZ AÑOS, UNA SAGA Luc Besson tuvo la idea que desembocaría en Arthur y los minimoys en 1999, cuando vio una foto que le envió el guionista de cómics Patrice Garcia. Fueron necesarios cinco años de trabajo duro y de innovación tecnológica con BUF Compagnie y su equipo de 120 supervisores y artistas gráficos para hacer realidad la primera entrega de las aventuras de Arthur y sus amigos. Siendo padre yo mismo, sé lo difícil que es tratar temas de respeto y moral con los hijos. Escribir Arthur, y convertirlo después en película, fue una forma de hablarles a mis hijos a través del personaje. Luc Besson. Arthur dio sus primeros pasos cinematográficos en el año www.cinemascomics.com

2001, cuando se rodó un piloto para poner a prueba la combinación de animación digital y acción real prevista para el largometraje. Cuando rodamos el piloto, Arthur tenía un aspecto mucho más «insectoide», y Selenia era más infantil que sexy. El diseño definitivo fue resultado de un largo proceso de trabajo para los equipos de artistas y diseñadores, tanto digitales como tradicionales. Fue un poco como juntar las piezas de un puzle. Patrice Garcia, director artístico. La venganza de Maltazard y La guerra de los mundos es una sola historia dividida en dos episodios. Ambas partes fueron www.cinemascomics.com

rodadas simultáneamente para que no se percibieran cambios físicos en Freddie Highmore (Arthur), al crecer y hacerse mayor. El reto de los equipos de creación digital fue producir dos películas en el mismo tiempo que se tardó en hacer la primera: dos años y medio. ¡Lo más extraordinario de esta trilogía es que hemos conseguido hacerla! Hemos logrado aplicar todo el esfuerzo humano y organizativo necesarios para hacer estas películas y convertirlas en un éxito de público. Hace diez años, no contábamos con ninguna garantía en ese aspecto. Pierre Buffin. Luc Besson trabajó en las

tres entregas con el mismo equipo de leales colaboradores: el diseñador de producción Hugues Tissandier, el director de fotografía Thierry Arbogast y el diseñador de vestuario Olivier Bériot, a los que se unieron los jóvenes artistas de animación formados por Pierre Buffin, de BUF Compagnie. ¿Qué ha sido lo más difícil de toda esta aventura? Cada vez que hacía equipo con Luc Besson para jugar al baloncesto contra los bogo-matassalai. ¡A su lado, nosotros dos nos sentíamos minimoys de verdad! Freddie Highmore (Arthur).


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Estrenos

Sin Identidad El Dr. Martin Harris (Liam Neeson) tiene un accidente de coche en Berlín. Al despertar descubre que, de repente, su mujer (January Jones) no le reconoce y que otro hombre (Aidan Quinn) ha adquirido su identidad. Las autoridades le ignoran porque no le creen y unos asesinos le persiguen. Martin se encuentra solo y cansado y se ve obligado a huir. Sin nadie a quien acudir, en un país desconocido, Martin le pide ayuda a una reticente desconocida (Diana Kruger) al sumergirse en un terrible misterio que le hará dudar de su cordura y de su identidad. ¿Hasta dónde estará dispuesto a llegar para descubrir la verdad? Jaume Collet-Serra (La Huérfana) es el director de Sin Identidad,

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una película basada en la novela de Didier van Cauwelaert y escrita por Oliver Butcher y Stephen Cornwell.

treno en España). Los productores ejecutivos son Susan Downey, Steve Richards, Sarah Meyer y Peter McAleese.

Los protagonistas de este nuevo thriller son el nominado al Óscar® Liam Neeson (La lista de Schindler), Diane Kruger (Malditos bastardos) y January Jones (serie de televisión Mad Men). También aparecen Aidan Quinn (serie de televisión The Book of Daniel), Bruno Ganz (The Reader, El lector) y el nominado al Óscar® Frank Langella (El desafío: Frost contra Nixon).

En el rodaje de Collet-Serra también colaboraron el director de fotografía Flavio Labiano, el diseñador de producción Richard Bridgland, el editor Tim Alverson y Ruth Meyers, la diseñadora de vestuario dos veces nominada al Óscar® por Emma y La familia Addams. La banda sonora de la película corrió a cargo de John Ottman y Alexander Rudd.

Los productores de la película son Joel Silver (Sherlock Holmes), Leonard Goldberg (saga Los ángeles de Charlie) y Andrew Rona (The Apparition, pendiente su es-

SOBRE LA PRODUCCIÓN ¿Qué pasaría si no pudieras demostrar quién eres, aunque tú supieras perfectamente quién eres en realidad? ¿Y qué pasaría si otra www.cinemascomics.com

persona, alguien a quien no conocieras, se hiciera pasar por ti y todo el mundo le creyera? He aquí el dilema del argumento de Sin Identidad. ¿Quién o qué determina quiénes somos? ¿Nuestros amigos? ¿Nuestros recuerdos? ¿De dónde venimos? ¿Un trozo de papel? ¿Hay alguna prueba de nuestra existencia? Basada en la novela de Didier van Cauwelaert, Sin Identidad analiza precisamente eso. El Dr. Martin Harris, interpretado por Liam Neeson, compite, por las frías calles de Berlín, en una carrera por recuperar su vida, perseguido a su vez por unos tipos que intentan matarle y que le van pisando los talones. Sin embargo, él no tiene ni idea de por qué. www.cinemascomics.com

Jaume Collet-Serra comenta: “Mis películas favoritas son los thrillers al estilo de Hitchcock, esos que envuelven al espectador en una atmósfera de misterio, llegando a confundirle tanto como a los propios personajes y uno no sabe adónde le va a llevar en realidad la historia”. El productor Joel Silver afirma: “A mí me encanta el suspense. Estar en el cine mordiéndose las uñas y acabar sentado al borde de la butaca. Eso es lo que más me gustó de la película. Uno no sabe si Martin Harris es el bueno de la película o si se ha vuelto un poco loco y la historia no es más que el fruto de uno de sus delirios.” El productor Leonard Goldberg fue quien le recomendó a Silver

la novela del autor francés van Cauwelaert. “Cuando me terminé la novela, pensé que sería perfecta para que Joel y yo hiciéramos una producción juntos, porque se trataba de un thriller único cuyo final me dejó totalmente perplejo”, cuenta Goldberg. “Me alegro de que a Joel le intrigara la historia tanto como a mí”. “Leonard tenía razón, me enganchó tanto que no podía dejar de leer”, confirma Silver. “Desarrollamos el guión con dos fantásticos escritores, Oliver Butcher y Stephen Cornwell.” Para dirigir la película, Silver eligió a Jaume Collet-Serra, con quien había trabajado anteriormente en dos películas. “Jaume tiene mucho estilo y sabe cómo Cinemascomics │ Mayo 2011 │

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revelar un misterio. Tenía muchas ganas de volver a trabajar con él”. “Me encantó la idea del hombre que se despierta un día y descubre que alguien le ha sustituido en el mundo”, afirma Collet-Serra. “Y lo que añadía más dramatismo a la historia: otra persona podía demostrar que era él, pero el protagonista no. Aquel era sólo el primero de algunos de los ingeniosos giros de la historia. Me gustó el hecho de que a pesar de todas las pistas buenas que hay a lo largo de la trama, no fui capaz de desentrañarla.” El protagonista de Sin Identidad fue el elegido para su papel desde el principio. “Para mí, lo importante es el guión, y este era increíblemente adictivo”, confiesa Neeson. “Antes de aceptar hago la prueba de fuego: si llego a la página 50 sin haber hecho una parada para tomarme un té, es buena señal. Era un material tan bueno que tuve que leérmelo entero de una sentada”. El productor Andrew Rona está

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de acuerdo. “Era un guión que no podía rechazar. Era una lectura tan estimulante que me moría de ganas de ver cómo quedaría la versión cinematográfica”. “Sin Identidad es como un tren de mercancías, simplemente te coge y te lleva”, afirma Joel Silver. “Y puede que pienses que sabes adónde va, pero no creo que lo averigües”. Liam Neeson interpreta al Dr. Martin Harris, un botanista que llega con su esposa Liz al Hotel Adlon de Berlín para asistir a una conferencia de biotecnología. Cuando Martin se da cuenta de que se ha dejado el maletín en el aeropuerto, coge un taxi inmediatamente para ir a recuperarlo. Pero por el camino, sufre un terrible accidente. La taxista, Gina, le salva la vida a Martin con valentía, pero después desaparece misteriosamente. Tras haber estado en coma cuatro días, se despierta y sin ningún tipo de identificación, Martin lucha por recordar quién es. “Cuando consigue recordar su

identidad, lo primero que hace es intentar localizar a su esposa, suponiendo que estará muy preocupada”, relata Neeson. Pero cuando encuentra a Liz de nuevo en el hotel, ella no le conoce, y lo que es peor, hay otro hombre que afirma ser él, y Liz cree a este “otro” Martin. “Es como la amnesia, pero al revés”, revela Collet-Serra. “Es como si el mundo tuviera amnesia y no se acordara de él, él sabe perfectamente quién es, pero el resto del mundo lo ha olvidado”. Todos los realizadores estuvieron de acuerdo en que Neeson era el actor ideal para el papel por su buena presencia en pantalla. “Siempre he admirado el trabajo de Liam”, dice Collet-Serra, “y para un director, es un actor generoso, siempre lo da todo, tanto en el plató, como en la pantalla. Puede llegar a ser muy apasionado y muy sutil a la vez”. Necesitábamos ambas cualidades, era imprescindible que el persowww.cinemascomics.com

naje lograra transmitir al espectador su estado de ánimo, para que éste intentara descubrir a la vez que él por qué le ocurría todo aquello. El director continúa, “una de mis preocupaciones era que el espectador tiene muy poco tiempo para conocer a Martin antes de que todo se tuerza. Pero con Liam, hay una conexión inmediata. Te gusta y le crees”. “Queríamos a alguien a que inspirara confianza”, añade Silver. “Liam tiene un carisma increíble y además es totalmente accesible. Ésas son precisamente las características que necesitábamos para Martin Harris.” “Para los espectadores, Martin Harris parece tener el matrimonio perfecto y una vida interesante”, explica Neeson, “pero en un instante lo pierde todo. No solo está solo y abandonado, sino que además, todos aquellos a quienes piensa que conoce lo rechazan. Cada uno de sus impulsos aumen-


ta su determinación para descubrir la verdad, y lo que es más importante, demostrar que es quien dice ser”. A Neeson le atrajo la idea de la identidad perdida. “Interioricé por completo todo por lo que Martin estaba pasando”, dice. “Cuando era pequeño era boxeador aficionado y me noquearon unas cuantas veces. Recuerdo perfectamente esa sensación de no acordarse de nada, aunque fuera momentánea. Interpretar este papel ha sido una experiencia interesante”. A Martin le rechazan en casi todos los sitios a los que acude en busca de ayuda, aunque la primera vez es la más dura: cuando va a ver su mujer. Esperaba que se alegrara de verle y que corriera a abrazarle, pero se queda de piedra cuando ella se limita a saludarlo con la indiferente mirada de una desconocida. El papel de Elizabeth Harris lo interpreta January Jones, a quien, como Neeson, le sedujeron las cualidades únicas

de la historia. “Nunca antes había leído algo así, era muy interesante e intrincado”, dice la actriz. “Me recordó a esas películas antiguas de espías, llenas de peligro e intriga, pero también con un toque de glamour”. A Jones también le gustó el modo enigmático en que fue creado su personaje. “Liz no sigue un patrón fijo; es muy inteligente, pero también inescrutable y me encantó lo impredecible que es. Sabemos que Martin la quiere, pero su parte de la historia no está tan clara, así que podía jugar con muchas cosas”, comenta. “January es una actriz inteligente y muy perfeccionista en su trabajo”, afirma Collet-Serra. “Además, su belleza recuerda a las mujeres fatales de los años 50, así que tenía exactamente todas las cualidades que queríamos para el papel de esta indefinible figura”. “Liz Harris es la rubia sexy de ciudad que está siempre metida en


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todo”, explica Silver. “January no tuvo problema para dejar entrever lo justo para que se supiera que había algo más detrás de su historia, pero sin revelar nada.” Cuando ni siquiera su propia esposa le reconoce, Martin tiene que encontrar a la única persona de todo Berlín que le vio antes del accidente, la taxista, Gina. Tras el accidente, ella le salva de una muerte segura en el fondo del río, pero luego desaparece inexplicablemente. Diane Kruger interpreta a Gina, quien, según revela la actriz, tiene sus razones para evitar a las autoridades. “Gina es de Bosnia y vive en Alemania ilegalmente. No quiere que la policía la interrogue en el lugar del accidente porque tiene miedo de que averigüen que está sin papeles. Así que huye en cuanto ve que Martin está en buenas manos.” Cuando Martin la busca con la esperanza de encontrar respuestas, ella no quiere tener nada que ver

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con él. “No quiere saber nada de él ni de su disparatada historia”, afirma Kruger. “A Gina le da miedo la tierra de donde viene y las malas experiencias que ha tenido en la vida. Teme que el hecho de ayudar a Martin pueda afectar a la pequeña coraza que por fin ha logrado construirse para protegerse.” Igual que Martin intenta contar su verdad al mundo, Gina lucha por ocultar su propia existencia y vivir en el anonimato. Las circunstancias les unen, aunque por motivos diametralmente opuestos. “A pesar de que quiere esconderse, ella le ve desesperado y sabe lo que es pensar que el todo el mundo está contra ti”, continúa Kruger. “Además, Gina necesita dinero para conseguir los papeles y comenzar una nueva vida y Martin promete conseguírselos.” “Gina huye de su pasado, busca una nueva identidad, lo cual, en cierto modo, es algo que tiene en común con Martin. Para ellos lo

más importante es sobrevivir, y harán lo que sea para conseguirlo”, señala Collet-Serra. Parte de esa lucha por la supervivencia se ve reflejada en algunas desafiantes secuencias de acción. “Para interpretar este papel, Diane también tuvo que realizar mucho trabajo físico. Tenía que estar a la altura de Liam durante toda la acción, las peleas, las persecuciones en coche... Hizo un trabajo increíble, llegó a formar parte de la verdadera acción”. Goldberg dice: “Tenemos suerte de tener a Diane Kruger y a January Jones junto a Liam Neeson. Ambas son actrices hermosas y con talento que aportan a sus personajes cualidades personales que contrastan”. El hombre que parece haber usurpado la vida de Martin robándole a su esposa, amigos e incluso su trabajo, es el personaje al que, para no complicarnos, llamaremos Martin B, el actor Aidan Quinn. “Martin B es la otra cara www.cinemascomics.com

de la moneda”, dice Collet-Serra, “y Aidan bordó su interpretación. Se puso de verdad en la situación de qué ocurriría si otro tipo de repente dijera que es él. Principalmente se enfrenta al mismo problema que Martin, excepto por una cosa: Martin B puede demostrar que él es el verdadero Dr. Martin Harris. Así que lo único que tiene que hacer es sentarse y dejar que el otro tipo actúe como un loco”. A Quinn le encantó interpretar al doble de Neeson, quien además es un buen amigo suyo. “Para mí era una historia absorbente con una premisa muy interesante que incita a pensar de forma constante. El hecho de que Liam estuviera también en la película era el novamás, fue muy divertido tener que actuar como enemigos”, sonríe. Neeson añade: “Hay una escena donde tenemos una pelea que dura bastante. Tuvimos que entrenar y ensayar mucho, algo www.cinemascomics.com

que puede llegar a ser duro, pero cuando lo haces con un amigo, te sientes mucho más relajado y disfrutas con ello.” Desesperado por demostrar que Martin B es un impostor, Martin pide ayuda a Ernst Jürgen, un ex miembro de la Stasi, la policía secreta de la Alemania del Este. Jügern es como una reliquia, el mundo ha avanzado, pero él se ha quedado en el pasado, atrapado por lo que hizo hace casi una eternidad. El aclamado actor suizo Bruno Ganz retrata al personaje que describe como “un hombre cuya vida ya no tiene sentido porque él era un verdadero creyente. Creía en algo que ya no existe, por eso también él ha dejado de existir. Protegía a su país, su ministerio, su estado... ha perdido lo que hacía que la vida valiese la pena. Sin embargo, es increíblemente listo y está dispuesto a ayudar a otra persona que, como él, se siente perdida”.

“Bruno le dio un toque inesperado de apacible dignidad al papel”, comenta Silver. “Fue un verdadero placer verle trabajar”. Otro respetado actor veterano que se unió al reparto fue Frank Langella en el papel del buen amigo y compatriota de Martin, Rodney Cole. El director Collet-Serra estaba emocionadísimo por poder trabajar con Langella y Ganz en una misma película. “Tienen una de mis escenas favoritas de la película”, declara. “Acababan de conocerse aquella misma mañana y yo había estado probablemente solo una hora con ellos antes de que llegara el equipo de rodaje y paralizara la escena. Los dos hicieron una actuación con mucha fuerza y estilo. Estaba tan contento que no podía dejar de sonreír. No podía creer que estuviera dirigiendo a Bruno Ganz y Frank Langella”. “Busco papeles en los que pueda causar impresión y éste era uno Cinemascomics │ Mayo 2011 │

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de ellos”, dice Langella. “Bruno y yo estuvimos hablándolo el día que grabamos nuestra escena juntos. De de vez en cuando uno da con este tipo de papeles, que a pesar de ser breves, tienen momentos muy significativos y vale la pena aceptarlos. Estoy realmente convencido de que todo thriller internacional debería ser como esta película, del estilo de las películas entre las que crecí. Compras la bebida, las palomitas y comienzas el viaje”. El toque final del reparto internacional lo dan el aclamado actor alemán Sebastian Koch, como el científico de investigación Profesor Bressler y Olivier Schneider y Stipe Erceg como Smith y Jones, los incansables asesinos que persiguen a Martin Harris por las calles de Berlín. Schneider tuvo dos funciones en la película, además de actuar, trabajó como coordinador de escenas de riesgo junto a Collet-Serra y el resto del reparto para coreografiar las intrigantes secuencias de acción de la película.

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Los hechos transcurren en la capital de Alemania, Berlín, donde también se rodó la película. Collet-Serra dice que la ciudad era perfecta para la temática de la historia. “El núcleo de la historia es una crisis de identidad y Berlín la tiene, habiendo estado dividida durante tantos años. Ahora, incluso después de su reunificación, con los nuevos edificios irguiéndose entre los antiguos, todavía se pueden ver las cicatrices. Hay dos mundos diferentes que coexisten en la ciudad, así que para mí, Berlín era una extensión del personaje principal de la película”. Una de las ventajas de rodar en Berlín era que, según Silver, “de verdad han invertido y se han tomado el tiempo necesario para construir una infraestructura. Grandes equipos, grandes instalaciones. Se ha convertido en una de mis ciudades favoritas para rodar”. Collet-Serra describió la misión de Martin Harris al diseñador de producción Richard Bridgland como

un viaje a través de un laberinto, donde a menudo topa con un callejón sin salida, tiene que volver sobre sus pasos y probar otro camino para descubrir quién es. Bridgland trató de usar los distintos emplazamientos de la cuidad para ilustrar las dos caras del dilema de Martin, el mundo al que cree que pertenece y el mundo en el que se encuentra cuando le arrebatan su identidad. Esta dicotomía se observa de forma natural porque, después de que el Muro de Berlín cayera y los comunistas empezaran a dispersarse hace 20 años, Berlín experimentó un crecimiento masivo cuando las dos mitades de la ciudad volvieron a unirse. La producción utilizó los antiguos Berlín Oriental y Occidental con distintos barrios, desde los suburbios del distrito Friedrichshain-Kreuzberg hasta otros lugares más emblemáticos, como la Puerta de Brandemburgo y la Isla de los Museos. “Nuestro personaje principal no tiene casa, así que le seguimos por la ciudad en www.cinemascomics.com

taxi, a pie y en U-Bahn (metro de Berlín)”, indica el director. “Rodamos en 40 sitios diferentes en 48 días”. Al principio, Cuando Martin y Liz Harris llegan a la ciudad, van directamente a su hotel, el famoso hotel de cinco estrellas Hotel Adlon. Está situado cerca de la representativa Puerta de Brandemburgo, en la avenida Unter den Linden. El hotel sobrevivió a los bombardeos de la guerra, pero se quemó por culpa de un incendio 10 años más tarde. Entonces lo restauraron para dejarlo en el lujoso estado en el que estaba antes. Rodar en un hotel funcionando, con más de 100 miembros del rodaje, toneladas de equipo y numerosos extras fue un desafío para la producción, que tuvo que tener mucho cuidado para no molestar a los demás huéspedes del hotel. Bridgland afirma: “Teníamos que grabar las escenas sin interferir en la vida normal del hotel y nos construimos nuestro propio mostrador de recepción


para no molestar a los verdaderos clientes. Pero nos permitieron grabar en el espacioso vestíbulo, en el comedor, los pasillos y en la cocina, bajo las escaleras. Nos permitieron acceder a muchas zonas, para ser un hotel con tantos clientes”. Sin embargo, hay una secuencia con escenas de riesgo y efectos pirotécnicos que no podíamos rodar allí. En lugar de eso, el equipo de diseño de producción construyó una réplica del salón de baile del hotel en un plató del Studio Babelsberg, uno de los estudios de grabación más importantes y el más antiguo del mundo, creado hace casi 100 años. Lo que sí rodaron fuera del emplazamiento real fueron las secuelas de una explosión. El equipo artístico creó cráteres de escombros y destrucción por todo el exterior del Adlon. A los creadores de la película les hizo gracia cuando se enteraron de que, debido al próspero vanguardismo de la ciudad, mucha gente que pasaba por allí se paraba a preguntar si aquello

era algún tipo de obra de arte y se interesaba por saber quién era el artista. Mientras trata de localizar a Gina, Martin recuerda el logotipo de su taxi, la Torre de Televisión, un punto de referencia del Berlín Oriental construido intencionadamente para que destacara sobre la ciudad. Para reproducir el garaje de taxis, la producción utilizó una fábrica de cerveza del siglo XIX. La centralita de taxis la construyeron a partir de una de las vistas favoritas de la ciudad de Bridgland, una cabaña de metal como las que usaban en la ciudad los trabajadores de la construcción para hacerse el té. Otro lugar que a Bridgland le encantó recrear fue el apartamento de Gina. “Vive en Kreuzberg, donde se establecieron los primeros trabajadores inmigrantes turcos”, dice. “El edificio de su apartamento es el hogar de muchos trabajadores temporales, legales e ilegales y nos imaginamos que ella escogería el ático


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se encuentran con Jürgen le recuerda a sus días en la Stasi: un encuentro clandestino en un puente de la Isla de los Museos, sobre el río Spree. El agua está empezando a descongelarse y enormes bloques de hielo pasan flotando por el fondo. El clima helado espanta a los muchos turistas que normalmente habrían abarrotado la zona. De hecho, rodar principalmente en exteriores durante el invierno más frío de la ciudad de los últimos 20 años, dio bastantes problemas a los actores y al equipo de rodaje y causó dificultades en algunas escenas debido a la falta de luz y el mal tiempo, pero también sirvió para enfatizar la sensación de aislamiento del personaje principal. En colaboración con Collet-Serra, el director de fotografía Flavio Labiano comenta: “grabé la película pensando en la perspectiva de aislamiento de Martin como un hombre que busca la verdad”.

para intentar convertir este ambiente frío y deprimente en su hogar. Tiene las paredes forradas con tela y algunos objetos personales como fotos y ese tipo de cosas, para que le recuerden a su vida anterior. Lo que ella se está haciendo es un nidito en un ambiente inhóspito.” Una casa muy diferente que visita Martin es la de Herr Jürgen, ex miembro de la Stasi, la policía secreta que infundió a amigos y vecinos la idea de espiarse entre ellos. Bridgland quiso plasmar la anterior vida de Jürgen en aquello que le rodeaba. “Está claro que Jürgen disfrutaba de su trabajo y de la vida privilegiada que llevaba y reflejamos esto decorando su apartamento tal y como habría sido antes de la caída del Muro. Se pueden ver sus medallas

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y menciones de honor y su mobiliario es de mucha mejor calidad que la que los ciudadanos de a pie de la Alemania Oriental podrían permitirse. Es casi el museo de una vida de poca monta de la Stasi del siglo XX, una vida que disfrutó y que ahora echa de menos”. Los exteriores del apartamento de Jürgen se rodaron en Friedrichshain, en la calle Karl-Marx Strasse, fuera de uno de los edificios más antiguos, construido por el régimen soviético para albergar al personal que enviaban de Moscú para vigilar a los berlineses del Este. Irónicamente, hoy en día, la demanda de estos luminosos y espaciosos apartamentos es muy alta. La escena en la que Martin y Gina

“Tuvimos la suerte y la desgracia de que hubo varias fuertes nevadas en diciembre, que duraron hasta mediados de febrero”, recuerda Collet-Serra, “y nos permitieron mostrar la ciudad como quizá no habríamos podido de otro modo, toda cubierta de nieve. Por supuesto, luego desapareció y eso supuso otro reto. Teníamos que continuar, así que tuvimos que fabricar nuestra propia nieve”. Uno de los acontecimientos más importantes de la película lo rodamos por completo en el exterior, por las calles de Berlín. Una larga persecución de coches en la que Martin y Gina intentan escapar de los asesinos que les siguen. Tardamos 10 noches en terminar la secuencia y, después de un rodaje exterior tan largo pasando frío, el reparto y el equipo se morían de ganas por volver a rodar interiores. En cambio, la escena del club www.cinemascomics.com

nocturno se rodó en uno de los garitos más conocidos de Berlín. Para quitarse a los asesinos de encima, Gina lleva a Martin a una discoteca, con la esperanza de estar a salvo ocultos entre la multitud. La secuencia se rodó en The Tresor, un local internacionalmente conocido por los apasionados de las discotecas como el lugar de nacimiento de la música tecno. Está situado en una enorme estación abandonada, en la calle Köpenicker Strasse, en Mitte. El equipo artístico inundó la zona del sótano industrial con un estridente espectáculo de luces de neón, que junto a la ruidosa y repetitiva música, contribuyó a aumentar la alienación de Martin del mundo en el que se encuentra. Otro lugar interesante que la producción pudo utilizar fue el espléndido y austero exterior de la nueva galería nacional Neue Nationalgalerie, construida alrededor de 1960 por el arquitecto Ludwig Mies van der Rohe. Para los interiores de la escena, sin www.cinemascomics.com

embargo, cambiaron al Museo de Fotografía del distrito de Charlottenburg, donde, por intereses de la película, Bridgland reprodujo una exposición real. “Sin Identidad trata sobre la identidad y la pérdida de la misma, así que intentamos reflejar esto en la fotografía”, dice. “Encontramos a una estudiante que había hecho algunos retratos enormes y decidí utilizar su obra. El resultado fueron retratos a gran escala y primeros planos muy interesantes, cada uno parecía contar su propia historia”. La historia de Martin también es uno de diferentes rostros y entre ellos, en alguna parte, se encuentra la verdad. “Es realmente impredecible”, afirma Liam Neeson. “Tiene algunos momentos que de verdad creo que pillarán al espectador por sorpresa”.

al perro y el gato con los directores de cine”. “Esta película te da lo mejor de ambos mundos”, dice Joel Silver. “Es un viaje que te mantiene en tensión en la butaca y hace que trates de averiguar lo que ocurre en todo momento”. Jaume Collet-Serra concluye: “Desde el momento en que Martin Harris se despierta y le dicen que ya no es el hombre que piensa que es, no dejamos de intentar averiguar lo que pasa. Ninguno de nosotros se imagina cómo sería que alguien nos robara no sólo nuestra identidad, sino todo lo que nos hace ser quienes somos, incluso nuestra familia y amigos. ¿Qué haríamos? ¿Cómo recupera-

ríamos nuestra vida?”

Leonard Goldberg señala: “La razón por la que las películas de este género han existido durante tanto tiempo es porque las buenas permiten a los cinéfilos jugar Cinemascomics │ Mayo 2011 │

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Estrenos

20 de mayo De Walt Disney Pictures y Jerry Bruckheimer Films llega PIRATAS DEL CARIBE: EN MAREAS MISTERIOSAS, producida por Jerry Bruckheimer y dirigida por Rob Marshall.

Negra (Ian McShane), Jack se encuentra en una inesperada aventura en la que no sabe a quién temerle más: si a Barba Negra o a Angélica, con quien comparte un misterioso pasado.

La cuarta entrega de la saga de PIRATAS DEL CARIBE presenta un elenco internacional que incluye a Johnny Depp, Penélope Cruz, Ian McShane, Kevin R. McNally, Astrid Bergés-Frisbey, Sam Claflin y Geoffrey Rush. Los productores ejecutivos son Mike Stenson, Chad Oman, John DeLuca, Barry Waldman, Ted Elliot y Terry Rossio. La historia y el guión pertenecen a Ted Elliot y Terry Rossio, basados en personajes creados por Ted Elliot, Terry Rossio, Stuart Beattie y Jay Wolpert, inspirados en la novela de Tim Powers.

MÁS ALLÁ DE LA TRILOGÍA

PIRATAS DEL CARIBE: EN MAREAS MISTERIOSAS captura la diversión, la aventura y el humor que encendió la exitosa saga, ¡esta vez en Disney Digital 3D™! En una aventura llena de acción, Johnny Depp regresa a su icónico papel del Capitán Jack Sparrow. Cuando se cruza con Angélica (Penélope Cruz), una enigmática mujer de su pasado, él no está seguro de que sea amor lo que ocurre entre ellos, o si ella es una despiadada impostora que lo está usando para hallar la famosa Fuente de la Juventud. Cuando lo obliga a abordar el Queen Anne’s Revenge, el barco del terrible pirata Barba

PIRATAS DEL CARIBE: EN MAREAS MISTERIOSAS es la continuación de las tres anteriores películas, exitosas en taquilla y aclamadas por la audiencia: PIRATAS DEL CARIBE: LA MALDICIÓN DE LA PERLA NEGRA (2003), EL COFRE DEL HOMBRE MUERTO (2005) y EN EL FIN DEL MUNDO (2007). “Los números son maravillosos”, dice el productor Jerry Bruckheimer, “pero lo que es aún mejor es que son indicadores de lo que estos films han significado para los espectadores. La audiencia se enamoró otra vez del género de piratas después de que este estilo estuviera ausente de la gran pantalla durante casi tres décadas. Por supuesto, ¡ni qué hablar de Johnny Depp interpretando al Capitán Jack! En esta nueva película hay más aventuras en las que Jack deberá involucrarse. Nuestros guionistas, Ted Elliot y Terry Rossio, han creado todo un mundo para explorar”. Johnny Depp, quien se enamoró perdidamente del personaje del Capitán Jack Sparrow durante el curso de los tres primeros films, estaba listo para otra aventura. “La idea de una cuarta película,

luego de que termináramos la tercera, era algo que resonaba en mi cabeza con la frase ‘espero que sí’”, apunta Depp. “Cuando termino de interpretar al Capitán Jack hay una especie de descompresión para salir de ese papel, porque realmente me gusta meterme en su piel. Me siento muy cómodo interpretándolo porque tengo licencia para ser completamente irreverente, subversivo; absolutamente abstracto en todas las situaciones. Conozco tan bien a ese personaje, que me sale naturalmente”. Tanto Jerry Bruckheimer como Johnny Depp estuvieron completamente de acuerdo con quién debía dirigir EN MAREAS MISTERIOSAS: Rob Marshall, realizador de Chicago, ganador del premio Oscar® a la Mejor Película por dicho film y director también de las ambiciosas Memorias de una geisha y Nine: una vida de pasión. “Rob no tiene miedo de asumir grandes desafíos y de tomar fuertes riesgos”, explica Bruckheimer. “Más aún, sus antecedentes en teatro con varios musicales y los films con coreografías fueron un gran beneficio a la hora de dirigir nuestra película. Rob es también un gran narrador; su gusto es impecable”. Rob Marshall es una de las reales fortalezas del cine estadounidense contemporáneo. No en vano su estilo ha sido descripto como ‘un

hierro envuelto en terciopelo’. El caballeroso pero contundente primer film de Marshall, Chicago, fue nominado a 13 premios de la Academia® ® de Hollywood y se hizo acreedor de seis, incluido el de Mejor Película, en 2002. Sus dos siguientes trabajos, Memorias de una geisha y Nine: una vida de película fueron nominados a 10 premios Oscar® ® en conjunto, y se convirtieron en receptores de tres de ellos. El director se sintió atraído por NAVEGANDO AGUAS MISTERIOSAS debido a su profundo cariño por las tres películas anteriores de la saga PIRATAS DEL CARIBE, su amor por el juego de piratas del parque temático de Disney y por la posibilidad de trabajar junto con Johnny Depp y Jerry Bruckheimer. “Como la mayoría de la gente, siempre adoré ese juego de Disneyland. Para mí, la idea de hacer un film de acción y aventuras –algo que nunca antes he hechoresultaba increíble. He sido el primero en la fila para ver las pe-

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lículas anteriores de la saga; así que, como realizador, pasar de Chicago, Memorias de una geisha y Nine: una vida de película a ésta fue realmente excitante”. Ted Elliot y Terry Rossio, el aclamado equipo que antes de la primera PIRATAS DEL CARIBE ya había escrito clásicos como Aladdín y Shrek, buscó aún más profundo dentro del cofre del tesoro para encontrar más historias de piratas y de mares, apelando a la tradición y a la mitología para EN MAREAS MISTERIOSAS y con el aporte de la novela homónima escrita por Tim Powers. “La directiva era crear una historia con personalidad individual en lugar de una continuación de la trilogía”, apunta Rossio. Con las historias de Will Turner (Orlando Bloom) y Elizabeth Swann (Keira Knightley) resueltas en EN EL FIN DEL MUNDO, Elliot y Rossio buscaron crear nuevos personajes, reteniendo a la vez algunos de los personajes favoritos de la saga, en particular el

Capitán Héctor Barbossa (Geoffrey Rush), Joshamee Gibbs (Kevin R. McNally) y, por supuesto, el Capitán Jack Sparrow. La novela de Tim Power incluía al legendario Barba Negra, el más temido de todos los piratas, como uno de los personajes centrales. Difícilmente podría haberse inventado un mejor villano para esta película. A la vez, una nueva protagonista femenina fue recreada en Angélica, una mujer que puede igualar al Capitán Jack en cada detalle. Elliott y Rossio escribieron con la cercana colaboración de Jerry Bruckheimer, Rob Marshall, John DeLuca y Johnny Depp. También con Mike Stenson y Chad Oman, líderes del equipo de producción de Bruckheimer. “Johnny fue clave en el diseño de EN MAREAS MISTERIOSAS”, afirma Terry Rossio. “Desde la historia central hasta el diseño de los personajes, la ambientación, los decorados y, por supuesto, las líneas de diálogo. No hubiéramos tenido el guión que logramos de no haber contado con él. Johnny conoce el www.cinemascomics.com

personaje de Jack Sparrow tan profundamente que uno quiere escuchar cada instinto e idea que tiene, sea grande o pequeño. Todos podemos imaginar el personaje de Jack Sparrow, pero Johnny realmente lo vive”. LA REUNIÓN DEL ELENCO Jerry Bruckheimer, Rob Marshall, Ted Elliot y Terry Rossio conocían las grandiosas ventajas de desarrollar nuevos personajes y de continuar las historias de los preexistentes, pero lo que tenían más claro desde el punto inicial de este proyecto era que el Capitán Jack Sparrow permanecería, como siempre, como el eterno Capitán Jack Sparrow, ahora y siempre. “Esta cuestión del desarrollo de los personajes, de cómo se encuentran a sí mismos y esto y aquello…”, dice Johnny Depp. “Yo, honestamente, creo que el viejo y querido Capitán Jack se encontró a sí mismo hace un largo tiempo”.


Rossio comenta: “Jack Sparrow es uno de esos personajes que no cambian; la audiencia no quiere que cambie y yo tampoco. En lugar de ello, él genera cambios en los personajes que lo rodean. Fue especialmente divertido oponer a Jack y Angélica, puesto que Jack nunca se había enfrentado con una mujer que es completamente igual a él en términos de egoísmo y astucia”. Por cierto, ese aspecto de la película fue sólo uno de los atractivos para Penélope Cruz, ganadora del premio Oscar® ® y estrella de renombre internacional, tanto como la idea de reunirse con Johnny Depp, con quien ya había trabajado anteriormente en Blow. También ayudó que Cruz haya sido ya una admiradora de la saga. “Soy muy fanática de las tres primeras películas”, confiesa, “y de lo que Johnny hizo en ellas. Esta es una gran aventura para cualquier actor. Es un acontecimiento nuevo cada día; nunca puedes aburrirte”.

Para Cruz significó también volver a reunirse con Rob Marshall, quien la dirigió en Nine: una vida de película, un trabajo por el cual fue nominada al Oscar® . “Dos de las mejores experiencias que tuve trabajando con gente en esta industria ocurrieron gracias a Johnny y Rob”, asegura Cruz. “Rob puede manejar un enorme caudal de presión y siempre ser un caballero con todo el mundo. Es un ser humano muy especial y creo que cualquier persona a quien se le pregunte al respecto responderá lo mismo. Con Johnny nos encantó trabajar juntos hace diez años, así que me pone muy feliz poder hacerlo nuevamente. Es tan humilde y listo, y además es una de las personas más divertidas que conozco. Su talento es increíble; es otro caballero tal como Rob”. “No hay muchos actores que puedan realmente encajar a la perfección con su personaje como Johnny con Jack Sparrow”, comenta Rob Marshall. “Entonces, para acompañarlo, necesitábamos a una actriz que personificara muCinemascomics │ Mayo 2011 │

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chos aspectos diferentes: humor, sensualidad, poder, fortaleza, belleza y pasión. Habiendo trabajado con Penélope, sabía que ella posee esta única combinación de todas las cualidades”.

ñar a la gente, aunque en el fondo es un alma bastante pura y tiene un buen corazón. Para llegar a la Fuente de la Juventud necesita a Jack Sparrow tanto como Jack la necesita a ella”.

“Angélica tuvo una relación en el pasado con Jack Sparrow, pero él la traicionó y le rompió el corazón”, explica Cruz. “Ahora ella disfruta buscando su venganza. Angélica tiene la mente de un pirata y es una gran manipuladora, muy mentirosa y una genial actriz. Realmente sabe cómo enga-

Para el desafiante rol del pirata más famoso del mundo, Bruckheimer y Marshall convocaron al actor Ian McShane, cuya remarcable carrera en cine y televisión –que ya ha sobrepasado los 50 añostomó aún más fuerza desde su impresionante y aclamada interpretación de Al Swearengen en la

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serie de HBO “Deadwood”. “Barba Negra es probablemente el pirata más infame que jamás haya vivido”, apunta McShane. “Hay una cantidad enorme de historias acerca suyo y, sean éstas ciertas o no, él es parte de la mitología pirata”. “La belleza del personaje de Barba Negra”, reflexiona Johnny Depp acerca de su rival EN MAREAS MISTERIOSAS, “es que, superficialmente, parece ser un hombre racional. Pero cuanto www.cinemascomics.com

más se lo conoce, más se advierte que es en realidad un asesino frío y calculador, sin un ápice de sentimiento. Pisaría cualquier cabeza con tal de lograr su objetivo; esto es lo que lo hace tan peligroso. No creo que haya una mejor elección para darle vida en esta película que Ian McShane, ciertamente”. Encarnando por cuarta vez a Héctor Barbossa está Geoffrey Rush, quien en los films previos de la saga creó a uno de los más perversamente amados personajes de la franquicia. “Estaba muy www.cinemascomics.com

entusiasmado cuando supe que habría una cuarta película, porque me encanta trabajar con Johnny”, dice Rush. “Considero que la relación Jack Sparrow/Barbossa es un constante y delicioso conflicto con el cual me encanta involucrarme”.

sas ya ancianas en algún club de bridge, poniendo en evidencia los más pequeños e insignificantes detalles de cada una. Así es como Geoffrey y yo encaramos los personajes desde el primer día y él es, definitivamente, un oponente muy valioso”.

“Aún cuando el Capitán Jack y Barbossa están del mismo lado”, apunta Johnny Depp, “siempre son, de alguna manera, un poco rivales. Siempre sentí que estos dos personajes discuten como lo haría una pareja de amas de ca-

También de regreso a la saga como el clásico Joshamee Gibbs está Kevin R. McNally, ahora todo un veterano de los cuatro films de PIRATAS DEL CARIBE. “Cuando me preguntaron si quería hacer otra película de ‘Piratas’”, confiesa Cinemascomics │ Mayo 2011 │

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McNally, “me quedé sorprendido porque durante todos esos años atrás, cuando comenzamos, jamás pensé que ¡aún hoy estaríamos haciéndolas! Es fantástico porque muy raramente en el cine tienes la oportunidad de regresar a tu personaje y de volver a revisarlo una y otra vez”. Para dar vida a los dos protagonistas jóvenes de la historia –la hermosa y seductora Syrenia y el incondicional misionero Philip Swift- Bruckheimer y Marshall, junto con el director estadounidense de casting Francine Mais-

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ler y con las directoras de casting británicas Lucy Bevan y Susie Figgis, se embarcaron en una clásica búsqueda de talento internacional. Seleccionados de entre miles de candidatos quedaron Astrid Bergès-Frisbey, de Francia, y Sam Claflin, de Inglaterra, ambos veinteañeros y con algo de experiencia actoral en sus respectivos países pero aún sin reconocimiento internacional. “Astrid y Sam hicieron pruebas de cámara que nos gustaron enormemente. Supimos que ambos tenían lo que se necesita para

causar una buena impresión en la pantalla grande”, explica Jerry Bruckheimer. “Yo interpreto a un misionero llamado Philip Swift, que defiende las causas en las que cree y trata de corregir los vicios de Barba Negra”, apunta Claflin. “En el transcurso de la historia, Philip atraviesa una sorpresiva travesía, especialmente cuando conoce a Syrenia. Él nunca antes había tenido contacto con mujeres, así que es todo un ‘evento’ para él, por llamarlo de algún modo”.


quien ya había trabajado con Depp en Enemigo público; Richard Griffiths, Roger Allam, Greg Ellis y Damian O’Hare (los dos últimos repitiendo sus personajes de Groves y Gillette). También está Robbie Kay, de 13 años de edad, el primer niño que interpreta a un pirata en la saga; los españoles Oscar Jaenada y Juan Carlos Vellido; Yuki Matsuzaki, de Japón; la supermodelo australiana Gemma Ward (como la sirena Tamara) y la belleza argentina Jorgelina Airaldi, también como una de las sirenas. Además, nuevamente de regreso luciendo el sombrero pirata está Keith Richards, el legendario guitarrista de The Rolling Stones, en su rol del Capitán Teague. LOCACIONES Y ESCENARIOS: UN FESTÍN VISUAL “Definitivamente queremos llevar a la audiencia a una travesía diferente de todo lo que han visto en las películas anteriores de la saga”, comenta Jerry Bruckheimer. “EN MAREAS MISTERIOSAS tenemos un brillante ganador del premio Oscar®: el diseñador de producción John Myhre, quien fue convocado por Rob Marshall. Con él filmamos en nuevas locaciones, desde Hawái hasta el Caribe y Londres”. Al describir su personaje, BergèsFrisbey dice: “Syrenia es diferente de las otras criaturas marinas porque, en la historia, se conecta con los personajes humanos y esto la modifica profundamente. Philip influye en Syrenia y Syrenia influye en Philip porque, desde el primer momento en que se ven, descubren que ambos tienen algo en común”. El resto del elenco se completó con un grupo de figuras internacionales de renombre y reconocido talento, que incluye a Stephen Graham, de Gran Bretaña, www.cinemascomics.com

Los realizadores y Myhre (quien ganó varios Oscar® s® por su dinámica recreación de la era del jazz en Chicago y por su poderosa evocación de Kyoto en Memorias de una geisha) armaron un equipo para explorar ideas, conceptos y sueños para la película. En este grupo estaba el decorador Gordon Sim (quien compartió el premio Oscar® con Myhre por Chicago), el supervisor de dirección de arte Tomas Voth, el supervisor de director de arte Gary Freeman y un amplio conjunto de diseñadores, dibujantes y artistas, que trabajaron a ambos lados del Pacífico y el Atlántico.

“Pese a que filmamos las primeras tres películas mayormente en el Caribe”, explica Jerry Bruckheimer, “para EN MAREAS MISTERIOSAS requeríamos paisajes tan hermosos que representaran prácticamente una belleza de otro mundo”. Tras muchas búsquedas de locaciones, los realizadores eligieron las islas hawaianas de Kauai y Oahu, cada una con sus particulares atributos de tierra y mar. “Ambas islas, especialmente Kauai, tienen extraordinarias selvas, montañas y costas”, agrega Rob Marshall. “Son tan exuberantes, grandes y sorprendentes. Oahu también tiene preciosos paisajes, así que filmamos allí todas las escenas del mar, incluidas las que suceden a bordo del barco de Barba Negra”. Tal como lo imaginó John Myhre, el navío de Barba Negra es una imponente, aterradoramente hermosa y brutal bestia del mar; una prolongación de la visión oscura de la vida (¡y de la muerte!) que el propio Barba Negra posee. Con los huesos de sus víctimas expuestos en él –moldes de huesos de brazos y piernas, paredes hechas de calaveras- y la noción de que Barba Negra quema a sus víctimas en una caldera gigante ubicada en la popa del barco, el set –una nave completamente funcional- es uno de los escenarios para tener muy en cuenta. Su mascarón de proa está inspirado en la bandera del real Barba Negra; un esqueleto con grandes cuernos sosteniendo una copa de vino en una mano y una lanza en la otra, como si estuviera brindando con sus víctimas. “La Venganza de la Reina Ana” no sólo fue el escenario de numerosas escenas de acción y choques sobrenaturales, sino también de un baile a la luz de la luna entre el Capitán Jack y Angélica, con toques de romance, decepción y enfrentamiento, coreografiado Cinemascomics │Mayo 2011 │ 77

Las sirenas se han juntado durante cientos de años, implantando el terror en los corazones de marineros y piratas.

por el productor ejecutivo John DeLuca y basado en la música que, con la mandolina, interpretó Stephen Graham como Scrum. Dejando atrás las celestas costas de Hawái, el elenco y equipo de EN MAREAS MISTERIOSAS voló a Los Ángeles, donde filmaron por unos pocos días en la costa de Long Beach a bordo del crucero ‘HMS Surprise’, una hermosa réplica de la fragata británica de 1757 ‘HMS Rose’, que sirvió como sustituto del Providence, bajo el comando del Capitán Barbossa. Después trabajaron en el extraordinario set de White Cap Bay, de 105 metros de largo y casi 7 de profundidad, diseñado por John Myhre y erigido con gran pericia por el supervisor de construcciones Greg Callas y su equipo de los estudios Universal en Los Ángeles. Perfecto para las complicadas escenas de agua, el escenario de White Cap Bay –una serie de tanques de concreto interconectados- era un ambiente comple-

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tamente controlado que permitió construir un set por encima o arriba de éste y luego hundirlo. “White Cap Bay es el comienzo del viaje en busca de la Fuente de la Juventud”, comenta Myhre. “Es donde, se sabe, las sirenas se han juntado durante cientos de años, implantando el terror en los corazones de marineros y piratas”. Junto con Syrenia, la criatura que encarna Astrid Bergès-Frisbey, otras sirenas se encarnaron en siete estupendas modelos y actrices, y en un talentoso equipo de 22 nadadoras sincronizadas (algunas de ellas competidoras en los Juegos Olímpicos de Pekín, en 2008), organizado y coreografiado por Candace Hipp. Este grupo fue registrado con trajes de captura de la interpretación para ser luego convertido en un conjunto de verdaderas sirenas gracias a los efectos especiales de Charles Gibson y Ben Snow, de Industrial Light & Magic.

Por último, la cuadrilla de EN MAREAS MISTERIOSAS se mudó, finalmente, al Caribe auténtico, para filmar en Puerto Rico el Castillo San Cristóbal (ubicado en el Viejo San Juan), que sirvió como el exterior del castillo español, y en una isla desierta llamada Palominito, al este de la ciudad costera de Fajardo. La última parte de la travesía llevó al equipo y elenco a Inglaterra, una locación muy especial para la saga PIRATAS DEL CARIBE. “Uno de los aspectos más emocionantes de este film”, cuenta Bruckheimer, “es que, por primera vez, tuvimos a Londres como escenario para una parte de la historia, en lugar de quedarnos únicamente con las junglas, los océanos y los escenarios coloniales del Caribe. Realmente, eso da al film una apariencia y una sensación completamente diferentes”. A pesar de que los respetados estudios Pinewood, en las afueras de Londres, proveyeron a John www.cinemascomics.com

Myhre, al supervisor de dirección de arte Gary Freeman y a su gigantesco departamento de arte de un enorme espacio donde construir los sets, algunos de los más históricos edificios de la zona también estuvieron presentes en el film. El Old Royal Naval College (antigua universidad naval) en Greenwich, Inglaterra, un extraordinario conjunto de edificios históricos que datan de finales del siglo XVII y mediados del XVIII, se convirtieron en el lugar de rodaje por más de tres semanas. Una gran porción de ese lugar, incluidos los exteriores de la Capilla de San Pedro y San Pablo, Grand Square, Queen Mary Court y construcciones que actualmente sirven a la Universidad de Greenwich y Trinity College of Music también se utilizaron para la emocionante secuencia de la persecución de carruajes que se ve en el film. Pero el fuerte del trabajo de John Myhre fue, sin dudas, el coloso www.cinemascomics.com

set de la Fuente de la Juventud. Su concepto final fue diseñado por Myhre y su equipo de directores artísticos, y brillantemente ejecutado por el departamento de construcción liderado por Andy Evans, en el célebre set 007 de los estudios Pinewood, los más grandes de Europa. Ocupando prácticamente cada rincón de sus casi 20 mil metros cuadrados –el único espacio lo suficientemente amplio como para dar vida a la visión de Myhre- el set tomó tres meses en construirse. Otros exteriores en Inglaterra se filmaron en el palacio Hampton Court Palace de Londres -que fuera antiguamente el hogar de Henry VIII-, para la escena del sorpresivo arresto del Capitán Jack por los guardias reales, y en el histórico Knole House en Sevenoaks, Kent, una extraordinaria mansión campestre del siglo XV construida por el arzobispo de Canterbury, que sirviera de hogar a la familia Sackville desde 1604.

LA APARIENCIA DE LOS PERSONAJES El Capitán Jack Sparrow, Angélica, Héctor Barbossa, Barba Negra, Gibbs, Philip, Syrenia y cerca de mil otros personajes de EN MAREAS MISTERIOSAS representan una colaboración sinérgica entre los actores que les dan vida, los realizadores y decenas de profesionales que contribuyeron con el vestuario, peinado, maquillaje y accesorios. La muy valorada Penny Rose, por cuarta vez, recorrió el mundo entero para vestir apropiadamente no sólo a los protagonistas y a los actores de reparto, sino a los cientos de extras que formaron parte del film. “Los trajes se armaron con absoluta autenticidad”, insiste Rose. “No hay trucos modernos en ellos. ¡No hay ni cierres ni velcro!”. Aprovechando que, tal como señaló Johnny Depp, “… el viejo Capitán Jack se encontró a sí mismo hace mucho tiempo”, hubo muy poca necesidad de forzar demasiado el ahora icónico look del Cinemascomics │Mayo 2011 │

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era realmente un mal bicho pero, obviamente, para la película quisimos darle un toque de glamour también”. Rose diseñó entonces un estilo de motociclista de los Hell Angels que envolvió a Ian McShane en un montón de cuero gastado. Una vez que la icónica y larguísima barba fue puesta en su sitio, el actor se transformó en un formidable pirata. Uno de los personajes presentes en los previos films que experimentó un profundo cambio en EN MAREAS MISTERIOSAS es Héctor Barbossa. En esta película, Barbossa se ha convertido en un comisionado, por lo tanto debe vestir un uniforme de comodoro naval que es muy diferente del atuendo de pirata que lucía en el pasado. PIRATAS EN TERCERA DIMENSIÓN “La única manera en la que podíamos estrenar PIRATAS DEL CARIBE: EN MAREAS MISTERIOSAS en 3D”, asegura Jerry Bruckheimer “era filmando la película entera en 3D. Esta fue una de las primeras grandes aventuras de acción en realizarse con esa tecnología y en locaciones exteriores, en lugar de hacerse utilizando la pantalla verde y únicamente en estudios”. personaje. Sí, sus rastas han crecido un poco; algunas se han vuelto canas y otras se han aclarado por el implacable sol del Caribe. Y también, en algún momento ha adquirido una misteriosa cicatriz roja en su mejilla izquierda y un diente de oro con una incrustación de una perla negra (en reemplazo de un diente que ahora cuelga de su bandana). Pero el look fundamental del Capitán Jack establecido en LA MALDICIÓN DEL PERLA NEGRA sigue esencialmente intacto. Para Penélope Cruz en el rol de Angélica, Rose quería la román-

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tica apariencia de un pirata bandido. Así, creó para ella una chaqueta con corte de hombre, que completó con pantalones y botas altas. Para completar el vestuario le dio a Cruz un sombrero con una pluma, que le agregó un toque muy acorde con su personaje. En tanto, para el Barba Negra que interpreta Ian McShane, a pesar de que había mucha documentación histórica del verdadero pirata, el equipo creativo del film se preparó para darle su propia personalidad. “Sabíamos todo acerca de Barba Negra”, cuenta Rose. “No era muy glamouroso;

PIRATAS DEL CARIBE: EN MAREAS MISTERIOSAS fue filmada en junglas, playas y en las calles del Londres del siglo XVIII, así que manejar todos estos elementos fue más difícil con dos cámaras en lugar de sólo una, algo que implicó más tiempo y más presupuesto. Pero, tal como agrega Bruckheimer, “filmar en 3D digital aporta una dimensión y un tamaño real a la película”. Rob Marshall agrega: “Esta tecnología es tan emocionante porque sientes que estás realmente dentro del film. Es toda una nueva forma de mirar la saga PIRATAS www.cinemascomics.com

DEL CARIBE, porque ahora eres parte de la experiencia”. EN MAREAS MISTERIOSAS es también el primer largometraje en ser filmado en 3D digital con las revolucionarias cámaras digitales RED. CUANDO TODO ESTÁ DICHO Y HECHO… PIRATAS DEL CARIBE: EN MAREAS MISTERIOSAS promete estar a la altura de la legendaria saga con esta nueva aventura épica llena de acción, que incluye tanto a los clásicos personajes como a algunos nuevos, mucho humor y alboroto, sorprendentes sets y locaciones mágicas. EN MAREAS MISTERIOSAS engendrará muchos recuerdos en los espectadores de todo el mundo; sin embargo, algunos de los mejores recuerdos permanecerán en el corazón de los realizadores, cuya travesía para filmar esta película los llevó a explorar nuevos territorios creativos y a forjar nuevas amistades. Como sintetiza Jerry Bruckheimer: “Los mejores recuerdos de esta filmación son las relaciones entre el elenco y el equipo. Johnny está de regreso, Geoffrey y Kevin también, y ahora encontraron nuevos amigos en Rob, John (DeLuca), Penélope, Ian, Sam y Astrid. La diversión de todo esto pasa por hacer nuevos amigos y trabajar con ellos”. Con la original música del ganador del premio Oscar® Hans Zimmer – que incluye una colaboración con el dúo mexicano Rodrigo y Gabriela-, PIRATAS DEL CARIBE: EN MAREAS MISTERIOSAS llegará a los cines de todo el mundo en mayo próximo, también disponible en Disney Digital 3D™.



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ENTREVISTA

JOHNNY DEPP JACK SPARROW DESVELA LOS SECRETOS DE PIRATAS EN EL CARIBE: EN MAREAS MISTERIOSAS Para Johnny Depp hacer “Piratas del Caribe: En mareas misteriosas” ha sido un acto de amor. Esta es la cuarta vez que el actor encarna al Capitán Jack Sparrow y le encantó la oportunidad de volver a calzarse las botas de su viejo amigo Jack. Johnny Depp. Tras terminar ‘Piratas del Caribe: En el fin del mundo’, me dije que ojalá tuviera la suerte de volver a encarnar a Jack. Esperaba que un par de años después alguien viniera a verme y me dijera: ‘Hey, hemos dado con una idea genial...’ Y para alegría de Depp, eso es exactamente lo que pasó. El productor Jerry Bruckheimer -que ha llevado a la gran pantalla todas las entregas de “Piratas”- y los guionistas Terry Rossio y Ted Elliott escribieron una historia basada en una novela de Tim Powers y le presentaron la idea a Depp. El actor accedió y “En mareas misteriosas” levó anclas. J.D. “En mareas misteriosas” es una aventura independiente de las anteriores. Esta vez, Jack emprende una travesía épica para buscar la enigmática Fuente de la Juventud con una pandilla de enemigos. Algunos son viejos, otros nuevos, pero lo que está claro es que todos van a por Jack. El máximo objetivo es encontrar la Fuente de la Juventud, pero Jack no es el único interesado en encontrarla; también está el Rey Jorge II de Inglaterra, los españoles, sin olvidar otros piratas como él como Barbanegra. www.cinemascomics.com

Los guionistas crearon para Depp una historia apasionante, espectacular, divertida y también romántica. Su estilo y su ritmo es un homenaje a “La maldición de la Perla Negra”, que hace ocho años inauguró una de las sagas de mayor éxito del cine contemporáneo. J.D. Creo que la historia se ha simplificado. “En ‘Piratas 4’ las cosas están más definidas y eso está más próximo del espíritu de la primera película. Hemos incorporado estos personajes que van del punto A al D y luego al Z sin demasiados argumentos secundarios o complicaciones excesivas. Me siento muy cómodo y seguro interpretando al Capitán Jack. Porque tienes libertad para ser lo que quieras. Puedes ser completamente irreverente, totalmente subversivo, absolutamente abstractos en cualquier situación. Y eso es una auténtica red de seguridad. Me gusta muchísimo interpretar a Jack y después de todo este tiempo lo conozco también que me viene con toda naturalidad. El agotador rodaje de 107 días llevó al equipo de producción por todo el mundo: desde Hawai a Puerto Rico, de Los Ángeles a Londres, donde se acabó la película, antes de que el director Rob Marshall (“Chicago”, “Nine”) se metiera en la sala de montaje para dar los últimos toques a la película. Gore Verbinski dirigió las tres pri-

meras películas pero el realizador deseaba implicarse en otros proyectos, así que había llegado la hora de que otro realizador aportara su propia magia al mundo de los piratas. Para Depp, y también para el resto de los miembros del reparto, Rob Marshall fue una elección perfecta para tomar las riendas del proyecto. J.D. Se habló de algunos nombres, y cuando salió el nombre de Rob pensé: ‘Seguro que va a ser él, así que espero que sea un tipo legal’. He visto todas sus películas y tienen una enorme sensibilidad. Tiene un estilo muy personal de abordar los personajes. Su estética es espléndida y domina a la perfección el ritmo. Así que nos sentamos a hablar y desde el primer segundo comprendí que era la elección perfecta. Lo supe inmediatamente. No creo que nadie hubiera podido continuar mejor el trabajo de Gore. Rob respetó al máximo lo que había hecho Gore en las tres primeras películas pero también imprimió su propio sello. Lo vio desde un ángulo totalmente nuevo y aportó una visión fresca y renovadora. El impresionante currículum de Marshall incluye teatro y musicales y como dice Depp, esa formación tuvo un valor incalculable a la hora de coreografiar las escenas de acción de “En mareas misteriosas”. J.D. Marshall tenía una visión muy clara y esperaba que esas secuencias tan complejas tuvieran Cinemascomics │Mayo 2011 │

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un ritmo perfecto. Fue increíblemente eficaz. Prescindía de todo lo superfluo. Su filosofía se basaba en ceñirse a la historia y pasárselo bien mientras lo hacíamos. Tiene un sentido increíble del tiempo y del ritmo. Y su ritmo, su sentido del tiempo provienen de sus conocimientos de coreógrafo. Era increíble, lo controlaba todo al segundo. La película empieza con una persecución espectacular a través de un laberinto de calles empedradas del Londres del siglo XVIII, que Jack recorre a duras penas en un carruaje tirado por caballos mientras intenta escapar de los hombres del Rey. Depp trabajó estrechamente con un doble pero rodó el mismo muchas de las escenas de persecución. J.D. Es importante porque el personaje desprende un lenguaje físico muy potente. Y aunque el doble lo hacía muy bien, hay veces que es absolutamente necesario ver la cabeza del Capitán Jack. La comedia física es una parte esencial de una película de “Pi-

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ratas” y a Depp le encanta este aspecto. J.D. Desde luego. Me encanta porque todos los grandes héroes que he interpretado apenas hablaban. Pero aquí contamos con el lujo de las palabras además del lenguaje del cuerpo. Y la belleza de los trozos específicamente físicos de ‘En mareas misteriosas’ se debe sobre todo a Rob Marshall. El proviene del mundo de la danza y la coreografía así que no podía equivocarse. Se entregó en cuerpo y alma al trabajo y estuvo genial en casa momento. No falló en ninguno de los números especiales. En “Mareas misteriosas”, Depp se reunió con algunos miembros del reparto de las entregas de “Piratas”. Está Kevin McNally interpreta a Joshamee Gibbs, la mano derecha de Jack y también Geoffrey Rush que da vida al Capitán Héctor Barbossa, el archienemigo de Depp. J.D. Kevin está genial interpretando a la mano de derecha de Jack. Y sigue estando el gran dilema entre Jack y Barbossa. En el pasado, Jack y Barbossa

eran enemigos mortales pero en “Mareas misteriosas” forjan una extraña alianza para buscar la Fuente de la Juventud. A Depp le encanta ese duelo verbal con Rush. J.D. Entre Jack y Barbossa hay una relación de amor-odio. Se parece a la rivalidad entre Abbott y Costello. Siempre me he creído que a Geoffrey y a mí nos pusieron en las películas de ‘Piratas’ para hacer de dos amas de casa que se pelean jugando al bridge en su club, o algo parecido. Estamos siempre criticándonos porque nos conocemos al dedillo. Y por eso es un rival tan peligroso. En esta ocasión Barbossa ha cambiado bastante y no para mejor. La verdad es que todo el mundo va a lo suyo. Geoffrey es un actor fantástico que está siempre investigando las posibilidades de una escena, la excepcionalidad de algunos momentos. Siempre tiene algo nuevo que ofrecer, eso es lo interesante de Geoffrey. Otro veterano de “Piratas” es Keith Richards, la leyenda del rock. El guitarrista de los Rolling www.cinemascomics.com

Stones apareció por primera vez interpretando al Capitán Teague, el díscolo padre de Jack. Fue en 2007 en la tercera entrega “Piratas del Caribe: En el fin del mundo” y ha vuelto en la cuarta para hace las delicias de Depp. J.D. Keith estaba deseando volver. Pero siempre que tuviese algún sentido para la historia. Y la forma en la que Terry [Rossio, guionista] se las arregló para incorporarle a la película fue maravillosa. Llega en el momento justo y se ocupa de su niño, se ocupa de Jack. Conocí a Keith en 1994 o 1995 y desde entonces somos amigos. Fue genial volver a contar con el en “Mareas misteriosas” porque ha estado genial y divertidísimo. Es un hombre fascinante. Le conozco hace mucho. Así que es genial poder estar con él. Pasamos muy buenos ratos charlando solos en la caravana de música, de cine y de muchísimas cosas. A esta aventura de “Piratas” se incorpora un bueno número de personajes nuevos. Penélope Cruz interpreta a Angélica, una mujer del accidentado pasado de Jack. Ella tiene sus propios planes y www.cinemascomics.com

es su igual en todos los sentidos. Hacía diez años que Depp y Cruz trabajaron juntos por última vez. Fue en el thriller “Blow” y son amigos desde entonces. J.D. Penélope es un prodigio de la naturaleza. Hace años hicimos una película juntos llamada ‘Blow’. Fue genial trabajar con ella y me encanta que esté en ‘Piratas’. Es una maravilla. Penélope es un bateadora de primera clase. Le puedes enviar cualquier cosa por los aires y ella se las arregla para devolverte una bola bien bombeada. Así que es tremendamente estimulante. La adoro. Es una de mis mejores amigas y es genial tenerla aquí. Otro personaje nuevo es Barbanegra, uno de los piratas más temibles de la historia que interpreta con maestría Ian McShane. J.D. La belleza del personaje de Barbanegra es que por fuera parece un hombre racional. Pero cuanto más le conoces más comprendes que es una piedra, un frío asesino sin una pizca de corazón. Nada ni nadie se interpone en su camino. Históricamente, Barbanegra era

el más temible de todos. Era un hombre que no se detenía ante nada y totalmente impredecible. Y no creo que hubiera mejor actor que Ian McShane para interpretarlo. Ian es tipo absolutamente genial Creo que la denominación que mejor le corresponde es la de ‘actor avezado’ porque lleva mucho tiempo en este negocio. Pero le sigue gustado y le encanta su trabajo y lo hace impecablemente y con absoluta naturalidad. La película se rodó en algunos de los lugares más emblemáticos de Inglaterra como Greenwich, Londres, incluyendo la Real Escuela Naval, para una secuencia que enlazan con las escenas de persecución rodadas en una muelle enorme construido en los Estudios Pinewood. J.D. Creo que resulta muy interesante ver a Jack recorriendo las calles de Londres. Le vemos en un pub de Londres o muy cerca del Rey de Inglaterra. Así que me pareció una gran idea rodar en la Real Escuela Naval. El escenario era espléndido. Para Cinemascomics │ Mayo 2011 │

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mí era viajar por el tiempo. Era perfecto. Durante el rodaje en Greenwich se presentó vestido de Capitán Jack Sparrow para sorpresa y alegría de los niños de un colegio de Londres. Una de las alumnas de la escuela primaria Meridian de Greenwich, Beatrice Delap de 9 años, se enteró de que Depp estaba rodando cerca y escribió al Capitán Jack para pedirle ayuda. “Somos un grupo de piratas en ciernes”, le escribió. “Tenemos algunos problemas para amotinarnos contra los profesores y nos encantaría que vinieras a ayudarnos”. Y es exactamente lo que hicieron Depp y un grupo de extras de la película. Se presentaron por sorpresa en una asamblea escolar organizada a toda prisa. J.D. Fue genial. Todo fue muy inocente y por eso fue tan maravilloso. La carta llegó del colegio y fue al equipo de producción; ellos se la pasaron a uno de los chicos que trabaja conmigo. La leí y me dije: ‘tengo que hacerlo’. La escuela estaba apenas a 300 metros. Así que un grupo de extras y yo nos disfrazamos de piratas e

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improvisamos ante ellos durante 15 o 20 minutos. Fue maravilloso ver las caras de felicidad de los niños. Además de la novedad de rodar algunas escenas en Londres, otra fue que “Mareas misteriosas” está totalmente filmada en 3D. J.D. Es la primera vez que rodaba en 3D, aunque ‘Alicia en el País de las Maravillosas’ tenía formato 3D. Pero es diferente. Se trata de un proceso muy interesante. En los últimos 25 años cuando recargaban la cámara con aquellos rollos gigantes que estaban detrás. Y ahora se recarga con un chip informático. Es fascinante porque tu relación con las lentes es diferente. Depp indica que las cuatro películas de Piratas no se hubieran hecho nunca sin el concurso del productor Jerry Bruckheimer. J.D. Se conoce al dedillo las películas. He estado en miles de reuniones con él y siempre da en el clavo, siempre tiene grandes ideas. Es un hombre que siempre te dice: ‘Tú no te preocupes de eso,

ya lo arreglaremos nosotros’. La mejor forma de definirle es diciendo que sabe producir y que sabe crear un ambiente propicio para que todos hagamos algo interesante, algo diferente. Para Depp, regresar al maravilloso mundo de los “Piratas del Caribe” es una alegría inmensa y no descarta volver a interpretar al Capitán Jack en el futuro. De hecho, confiesa que cuando terminó “En mareas misteriosas”, experimentó cierto sentido de pérdida al abandonar a Jack. J.D. Cuando dejo de interpretar a Jack se produce una verdadera descompresión. En cierto sentido te ocurre con todos los personajes que interpretas. Pero con Jack es aún mayor porque cuando dejo de estar en su piel siento cierta tristeza porque me gustar estar en su piel. Me encanta. Y no me disgusta nada la idea de volver a calzarme las botas de Jack. Me encanta el personaje y no veo ninguna razón para que le falten nuevas situaciones, historias nuevas que contar. Así que dependerá de cómo sea el guión y de lo que podamos hacer. Pero no lo descarto.


Estreno 20 de mayo

Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos Por Gerard Fossas

El cine negro se vuelve de colores Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos (A woman, a gun and a noodle shop, Zhang Yimou, 2009) llegará a los cines españoles este mayo, con casi dos años de retraso, y seguramente no será un taquillazo, pero la película de Zhang Yimou resulta muy interesante porque es una nueva vuelta de tuerca al cine negro y un ejercicio de estilo espectacular por parte del director chino, ya que en Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos abandona el barroquismo característico de filmes anteriores suyos como Hero (id., 2002) o La Casa de las Dagas Voladoras (id., 2004) y se desmarca con una adaptación libre, austera y muy plástica de Sangre Fácil (Blood Simple, Joel Coen, 1980). El filme de Zhang Yimou es un ejemplo más de la inventiva oriental en contraposición al estancamiento abundante de EEUU. Grandes cineastas como Seijun Suzuki, Park Chan-wook, Kinji Fukasaku, Takashi Miike, Johnnie www.cinemascomics.com

To o Takeshi Kitano han exportado un género de tradición norteamericana a oriente y han ofrecido grandes obras de yakuzas con todos los ingredientes del cine noir de gángsters (policías corruptos, hombres honestos, principios fuertes, venganza, crímenes, mujeres fatales, etc.) pero aliñados con guiones extravagantes, personajes histriónicos y una mayor “estatización” visual con toques posmodernos como el homenaje o la mezcla de géneros, así como la presencia de cualidades propias del cine asiático, entre los cuales destaca la profunda reverencia al ritualismo o la iconización de valores como el respeto y la justicia. Como veremos a continuación Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos bebe de la misma fuente, la película de Yimou se distingue del noir oriental porque es un remake manierista de una obra manierista - aunque no precisamente la más afortunada - del género. El anticipo de un estilo La ópera prima de los hermanos

Coen es una película de cine negro poco convencional. En ella se empiezan a vislumbrar algunos de los rasgos que caracterizarán al cine de los Coen en un futuro, pero a pesar del modélico guión, adolece de una cierta vacuidad, que se intenta ocultar con formalismos estilísticos. Sangre Fácil es la historia de un crimen pasional que toma unos derroteros inesperados a raíz de una traición, y de las acciones de unos personajes emocionalmente disfuncionales. Dentro de unos escenarios reconocibles, la película habla del fracaso del sueño americano de una forma tangencial y, a pesar de durar sólo hora y media, llega a aburrir. Tras el ritmo lento del filme no se escuda un buen desarrollo de los personajes, ni unos sucesos especialmente inquietantes; de modo que lo más destacable es el preludio de un estilo que consolidaría a los dos hermanos como unos de los grandes cineastas de la actualidad. En lo que sí destaca Sangre Fácil es, como hemos dicho, en los aspectos formales. El trato viCinemascomics │Mayo 2011 │

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sual que los Coen le dan a la película no es el habitual del cine negro, que vivió su apogeo entre los 40 y los 60, muy influenciado por el Neorrealismo italiano, la Nouvelle Vague y los nuevos cines europeos. El cine negro clásico hereda la iluminación de la escuela expresionista, con un uso abundante del claroscuro y la creación de focos dramáticos, resaltando las figuras de los personajes o sus facciones. La distinción con la que se iluminaban buenos y malos, así como los espacios, aportaba una gran riqueza descriptiva de las películas a nivel visual. La nueva tendencia, a raíz de la influencia europea, sobre todo a partir de los 70, se orientó más hacia la iluminación del ambiente que de la escena, buscando aproximarse más al realismo, utilizando la luz rebotada y apagando los colores. En Sangre Fácil, no obstante, lo

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que vemos es una de las primeras muestras de fotografía manierista, que marcaría tendencia en los 80. Sin abandonar la técnica de la luz rebotada, la extrema estilización de los 70 toma unos derroteros neobarrocos, donde se remarcan focos dramáticos y se recurre habitualmente a la “siluetización” de los personajes a través del contraluz. La opera prima de los Coen destaca por este sublime embellecimiento estético. Se trata de una cinta de cine negro con una cuidadísima fotografía, la cual mantendrán en sus futuras películas, así como la selección de planos abiertos, la cámara en movimiento con lentos travellings y el poderoso uso del fuera de campo como parte primordial de la acción. Por otro lado, esta película también es un anticipo del gusto de estos hermanos por lo absurdo, por rodar el silencio, donde des-

tacan personajes surrealistas con graves problemas de comunicación; puesto que la catarsis fruto del malentendido es una constante en la mayor parte de su filmografía. La llegada del color Zhang Yimou tenía ganas de hacer Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos. El director chino es un fan confeso de Sangre Fácil por su desarrollo hipnótico y por las cualidades formales que ya hemos comentado. Por esto, el remake del filme de los Coen ha sido su primera película después de estar dos años trabajando en la ceremonia inaugural de los JJOO de Pekín 2008; y se lo ha tomado como un ejercicio casi placentero, en el que ha podido trabajar con un diseño de producción muy ajustado, ya que las exigencias a nivel argumental son mínimas.


Sangre Fácil es una película que ha envejecido mal, obsoleta a día de hoy; mientras Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos tampoco supera los lastres del guión original. De todos modos, es un filme mucho más entretenido que el americano, gracias a su apuesta por unos personajes maniqueos, que parecen sacados de Humor Amarillo, circunstancia por la cual no se echa en falta una mayor profundidad descriptiva de todos ellos. Desde el principio tenemos claros sus roles, sus características y sus objetivos, y esto nos ayuda a entrar de lleno en esta historia repleta de recovecos absurdos, lograda con una comicidad mucho mayor que Sangre Fácil. Zhang Yimou no busca una atmósfera ambigua, ni crear misterio ante la sucesión de hechos, por lo que se acerca más a la comedia de situación con tintes de humor negro que al cine noir. Al igual que los hermanos Coen, www.cinemascomics.com

el ejercicio de Yimou es esencialmente estilístico. En esta película no vemos las batallas épicas, las coreografías esplendorosas ni las grandes secuencias de acción tan habituales en la filmografía del realizador; aquí todo se reduce a un solo espacio y a un asesinato que se constituye en el centro de un espiral de locura. La grandeza de Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos está en la belleza de su factura. El homenaje a los Coen, más allá del propio remake, es el intento por romper con las estructuras formales del cine negro del mismo modo que lo hicieron los hermanos en Fargo (Joel Coen, 1996), una maravillosa película que cambió por completo el escenario de un filme de género, tiñendo de blanco todo el espacio y mostrando a la luz del día la violencia y las miserias que en muchos filmes sólo ocurren al am-

paro de la noche. Zhang Yimou le da una vuelta de tuerca a este esfuerzo manierista, y hace lo propio a su manera, dándole un colorido precioso al filme, con un desierto rojo intenso, la noche azul y un extravagante vestuario de colores vistosos. Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos es un regalo para los sentidos, un desfile de colorido que choca con la oscuridad de la trama. Transformar una película oscura en una especie de obra de teatro de títeres no es sencillo, pero Zhang Yimou lo consigue trasladando la acción a un territorio prácticamente onírico que se convierte en el principal protagonista de esta película hipnótica, de desarrollo lento y ritmo intenso que, ante todo, constituye una verdadera delicia para los ojos.


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Thor

Por David Larrad

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Fantástico. Comics / EEUU / 2011 / 130 minutos / Marvel Studios / Paramount Pictures Director: Kenneth Branagh. Actores: Chris Hemsworth, Natalie Portman, Anthony Hopkins, Idris Elba, Colm Feore, Stellan Skarsgard, Rene Russo, Ray Stevenson, Jamie Alexander, Kat Dennings, Tom Hiddleston, Tadanobu Asano, Josh Dallas, Clark Gregg, Dakota Goyo, Guión: Ashley Edward Miller & Zack Stentz y Don Payne. Música: Patrick Doyle.

“Thor” es una espectacular película que combina a la perfección los mundos en los que se desarrolla la acción. Asgard es de una belleza increíble, esta muy bien rematado hasta el ultimo detalle. Contrastando mucho con la parte de la Tierra ya que se nos muestra un pequeño pueblo en mitad del desierto que parece prefabricado. Los efectos especiales ayudan mucho a la historia ya que si fueran cantosos perdería todo su gran impacto visual. El acierto a la hora de elegir a los protagonistas es rotundo, Chris Hemsworth cumple haciendo un gran trabajo y cuando se quita la camiseta se escuchan algunos murmuros de las feminas que habia en la sala de cine. Anthony Hopkins está muy convincente como el gran Odin ya que le queda muy

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bien el look de dios nórdico. La película combina acción y escenas más cómicas haciendo que no nos resulte ni lenta ni perdamos la atención en ningún momento. Si algo se puede reprochar algo al film, es el personaje de Loki, ya que aunque está perfectamente interpretado por Tom Hiddleston, tiene poca fuerza como villano, ya que todo le resulta muy sencillo, tal vez deberían haber hecho que fuera más cruel o más grandes sus artimañas. Aunque el enfrentamiento final sea muy potente. Quizás no llegue al nivel de películas que rozan la perfección como “Batman: The Dark Knight” o “Iron Man” pero sin duda es todo lo que se le puede pedir a una película sobre superheroes. Consiguiendo que te entretengas

mucho y deseando que saquen una segunda parte y de ver reunidos al grupo de “Los Vengadores” formado por: Iron Man, Thor, El Capitán América, Hulk, Avispa, Ant-Man y Ojo de Halcón. Hay que estar muy atentos a las referencias constantes a todo el Universo Marvel, sobre todo al cameo de Stan Lee, que no consigue levantar el martillo, es decir que no es digno y la intervención de Ojo de Halcón. Como suele ocurrir en todas las películas de superheroes hay que quedarse después de los créditos, para ver la escena final que hará que intuyamos por donde van los tiros en la nueva película de “Los Vengadores”.el cine y dejándonos como en 300 con un nuevo grito de guerra. Retirada ¡Y un cuerno!


El Sicario de Dios

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Por Carlos Gallego

Fantástico. Terror / EEUU/ 2011 / 87 minutos / Sony Pictures / Screen Gems Director: Scott Stewart. Actores: Paul Bettany, Cam Gigandet, Maggie Q, Karl Urban, Lily Collins, Stephen Moyer, Mädchen Amick, Christopher Plummer, Brad Dourif. Guión: Cory Goodman. Música: Christopher Young.

El Sicario de Dios es el segundo largometraje de Scott Stewart, realizador que viene del mundo de los efectos especiales y que ha trabajo en películas como Mars Attack o Jurassic Park entre otras, que debutó con la desastrosa “Legión”, debo admitir que tras este trabajo no tenía mucha fe en El Sicario de Dios, pero finalmente me ha sorprendido para bien, tras una magnífica introducción con un corto de animación obra de Genndy Tartakovsky, que para aquellos que no lo conozcan es el responsable de la estupenda serie de animación “Star Wars: Clon Wars” de Cartoon Networks. La película es entretenida de principio a fin y la mezcla Western con un mundo futurista post apocalíptico resulta interesante www.cinemascomics.com

al igual que la vuelta de tuerca a un género el de vampiros en el que parecía que todo estaba inventado, ofreciendo una versión muy distinta de los vampiros a los que estamos acostumbrados, sobre todo al de tipazos dedicados para adolescentes tipo “Crepúsculo” o “Crónicas Vampíricas” , mostrándonos unas bestias más parecidas a topos gigantes que viven en colmenas. La elección de los protagonistas es muy acertada que cumplen sin problemas, salvo el papel de Cam Gigandet, este chaval cada vez que salía a escena, la estropeaba no aportando nada a la historia y siendo el típico personaje al que te cargarías a mitad de película, también habría que destacar el papel de Karl Urban, como villano esta genial.

En cuanto a la adaptación del cómic es evidente que no resulta fiel al mismo existiendo muchas diferencias, la película sustituye a los caballos por motocicletas, y los orígenes de Priest son muy distintos a los que el cómic describe al igual que sus aventuras, aún así creo que gustará tanto a los fans del cómic como a los que no lo conocen. También se puede apreciar en el film una influencia clara de Star Wars, tanto en el atuendo de los sacerdotes, que recuerdan al de Luke Skywalker en “El Retorno del Jedi”, como la forma de reclutarlos por así decirlo.


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Código Fuente

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Por David Larrad

Ciencia Ficción / EEUU / 2010 / 93 minutos / The Mark Gordon Company / Vendome Pictures / Vendome Director: Duncan Jones. Actores: Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga, Jeffrey Wright, Russell Peters. Guión: Billy Ray, Ben Ripley. Música: Chris Bacon.

La película trata sobre un soldado americano que es introducido en una maquina con un programa informático que recrea los 8 últimos minutos de vida de una persona. Así después de un atentado en un tren le meten en la mente de un profesor que murió en ese vagón para que vea como se produjo y sobre todo quien es el culpable. Pero el soldado con su afán de protección intenta salvar a todos los pasajeros especialmente a la amiga del profesor, aun sabiendo que se trata solo de un programa de ordenador que recrea un momento especifico y limitado. En “Código Fuente” Duncan Jones ha intentado crear un mundo diferente a través de la física

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cuántica y los programa de ordenador, el problema es que eso esta muy visto ya, por ejemplo tiene similitudes con “Matrix”, “Tron” o “Deja Vu”, es decir, la realidad es un mundo y la ficción informática otro aunque parezca muy real. Y es ahí lo que más falla en este film, no innova en nada y sobretodo esperas que el final tenga un giro inesperado, pero te quedas con las ganas. Lo mejor sin duda son los actores, ya que Jake Gyllenhaal siempre esta soberbio y el director también cumple. Por tanto si la película no es todo lo redonda que se esperaba sin duda es culpa del guión, que hace que al final solo pienses que han intentado

complicarlo pero no han sabido dar con la tecla adecuada. Deja una puerta abierta a más secuelas ya que el propio programa de ordenador tiene más poder del que sueñan los propios científicos que lo han creado, así que podrían verse secuelas aunque como el éxito ha sido más bien moderado, por ahora se dejara en el cajón de los posibles. Al director esta claro que le gustan los espacios cerrados, el tren a pesar de ser de dos pisos se hace angosto al igual que la cápsula donde está metido el soldado. Incluso al final se muestra una imagen bastante interesante de un mundo distorsionado.


RIO

Por David Larrad

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Animación / USA / 2010 / 96 minutos / Blue Sky Studios / Twentieth Century Fox Animation Director: Carlos Saldanha. Reparto VO :Anne Hathaway, Jesse Eisenberg, Jamie Foxx, Jemaine Clement, Leslie Mann,George López. Guión: Don Rhymer. Música: John Powell.

Divertida película que copia la formula que tanto éxito le dio a “Madagascar”, es decir un animal que es llevado a la civilización de pequeño y que se acostumbra a la vida humana, así que cuando vuelve a la naturaleza debe adaptarse a la nueva condición. En este caso cambiamos guacamayo por león. Lo más destacable es su banda sonora, repleta de samba y bossa nova brasileña, muy bien introducida por los alocados pájaros que cantan en la película, ya que en algunos films puede hacerse pesado los numeritos musicales, en “Rio” al ser tan animados y marchosos quedan muy bien integrawww.cinemascomics.com

dos y no se hacen nada pesados. En estos films suele destacar mucho los personajes secundarios, pero también funciona que haya gran variedad de pájaros que tengan pequeñas intervenciones, así el film resulta más vistoso y exótico. La película parece diseñada por los publicistas que quieren animar a los turistas a que viajen a Brasil, sobre todo ahora que se acercan grandes acontecimientos como el Mundial de Fútbol de 2014 y las Olimpiadas de 2016. Se nos muestran el esplendor de la ciudad de Rio de Janeiro y el espectáculo visual que es su famoso carnaval.

La película merece mucho la pena porque a parte de ser muy vistosa debido a su gran colorido, también es muy entrañable y ensalza valores tan importantes como la naturaleza o el respeto a los animales. En definitiva, muy recomendable para los pequeños de la casa, pero que sin ninguna duda hará las delicias de los mayores. Dan ganas de viajar a Rio y volverse loco en carnaval (tu-tu-tú---tu-tu-turú).


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¡Gran Concurso Cinemascomics!

Con motivo del lanzamiento en DVD / Blu-Ray el pasado 11 de mayo de Skyline, os traemos un nuevo concurso en el que Sorteamos 2 DVD y 1 Blu-ray de la película de los hermanos Strause. Para participar tan solo debes responder a la siguiente pregunta a [email protected], e indicar en el asunto concurso SKYLINE y el formato en el que quieres la película.

¿Qué harias en caso de que la tierra fuera invadida por alienígenas? En el ‘thriller’ de ciencia ficción Skyline, unas extrañas luces descienden sobre la ciudad de Los Ángeles, que atraen a la gente al exterior, como polillas a la luz. Una vez fuera, una aterradora fuerza extraterrestre empieza a llevarse a toda la población humana de la faz de la Tierra. En cuestión de horas, no quedará nadie. Se suponía que el viaje de Jarrod (ERIC BALFOUR, de La matanza de Texas) y Elaine (SCOTTIE THOMPSON, de Star Trek (Star Trek XI)) al sur de California iba a ser una simple escapada de fin de semana para ir a ver al mejor amigo de Jarrod, Terry (DONALD FAISON, de la serie de culto de televisión Scrubs), y a su novia, Candice (BRITTANY DANIEL, de Club desmadre (Club Dread)), por el cumpleaños de éste.

Los dos formatos contienen esta lista de extras: • Escenas eliminadas y extendidas*. • Escenas alternativas*. • Audiocomentario con los directores Greg y Colin Strause. • Audiocomentario con el co-guionista y productor Liam O’Donnell y con el co-guionista Joshua Cordess. • Previsualización*. • Trailers*. * Con audiocomentario opcional con los directores Greg y Colin Strause, co-guionista y productor Liam O’Donnell y coguionista Joshua Cordes.

Pero, cuando el amanecer parece llegar dos horas antes, provocado por una intensa e inquietante luz procedente de una fuente desconocida, su vida tal y como la conocen ha llegado a su fin. Desde las ventanas del ático de Terry, observan aterrados mientras por toda la ciudad la gente se ve atraída al exterior y desaparecen en inmensas naves alienígenas que cubren el cielo de Los Ángeles. Con Skyline, LOS HERMANOS STRAUSE (Aliens vs. Predator 2), maestros de los efectos especiales, cuya compañía, Hydraulx, ha creado efectos visuales para Avatar, 2012, Iron Man 2, El curioso caso de Benjamin Button y 300, han dirigido, producido y financiado una película independiente de proporciones épicas. El DVD y el BD cuentan con extras muy interesantes como escenas alternativas y eliminadas con el audiocomentario de los dos directores.

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Clásicos del Terror

AMICUS PRODUCTIONS EL REVERSO TENEBROSO DE HAMMER… por Pedro Pinós.

El nacimiento de Amicus Films a mediados de los años cincuenta fue consecuencia de la enorme ilusión por el cine de terror y de misterio del montador amateur norteamericano Milton Subotsky (Nueva York, 1921 – Londres, 1991). La fuerte amistad que le unía al productor Max Rosenberg (Nueva York, 1914 – Los Ángeles, California, 2004) -quien debía de encargarse de los asuntos financieros- alumbró el nuevo proyecto y dio nombre a los estudios. El amor de Subotsky por el cine de terror, las historias de fantasmas y los relatos de ultratumba le condujo hasta Gran Bretaña, donde la productora Hammer Films comenzaba a despuntar con sus producciones de horror, misterio y ciencia ficción de bajo presupuesto. Allí comenzó su ingente labor creativa, la cual le hizo contactar con James Carreras, a la sazón máximo responsable de Hammer Films, quien desestimó la colaboración con Subotsky por considerar sus obras carentes de fuerza. Mientras tanto, Rosenberg permanecía en EE. UU. tratando de de abrir caminos para la distribución de los filmes de la nueva empresa cinematográfica en aquel país. La primera producción de terror fue City of the Dead (John Llewellyn Moxey, 1960), más conocida

por su título norteamericano Horror Hotel, ambientada en una neblinosa población estadounidense donde se esconde una comunidad de brujos comandada por el ubicuo Christopher Lee. Impregnada del verdadero espíritu del cine de serie B, se convirtió en una pequeña joya del terror; a lo cual contribuyeron la convincente interpretación de los actores y la excelente fotografía en blanco y negro. Curiosamente en los cinco años siguientes, Amicus no produjo ningún otro filme de terror, dedicando su energía a melodramas simplones y comedias juveniles de poca monta. Subotsky estaba midiendo sus fuerzas y completando sus conocimientos técnicos y artísticos para lanzarse posteriormente de modo absoluto al ruedo del horror. En 1965 ya se consideraba con la capacidad suficiente para competir con garantías contra el terror de Hammer Films; así que hizo un esfuerzo económico para contratar a directores y actores que desarrollaban su trabajo habitualmente en la competencia. Aquel mismo año estrenó Doctor Terror (Doctor Terror´s House of Horrors, Freddie Francis, 1965), con guión del propio Milton Subotsky, y la estelar participación de Christopher Lee y Peter Cushing. La estructura de la pelí-

cula a base de episodios permitía la introducción de varios golpes de efecto y desenlaces inesperados, muy al gusto de Subotsky. La moda de las películas a base de episodios aislados o interconectados entre sí imperaba en aquellos años en el cine europeo, pero nunca resultó tan exitosa como sus defensores creían. En este estado de confrontación artística, las producciones Hammer resultaron claramente superiores en cuanto a creación de ambientes y profundidad argumental. Amicus Productions basó sus creaciones en la “sorpresa final”, renunciando claramente a la estética gótica, la abundancia de sangre y las referencias sexuales, tan numerosas en las producciones Hammer, y tan celebradas por los seguidores del cine de terror. El estilo impuesto por Milton Subotsky podría haber resultado exitoso si no hubiera sido por la fría resolución de sus obras, así como por la carencia de pulso tenso y las contundentes dosis de agresividad –bien sea explícita o implícita- en el desarrollo argumental que el cine de terror precisa. El señor Subotsky se enrocó en la creencia de que una resolución imprevista y espectacular podía compensar por completo un guión flojo. Al mismo tiempo dejó que sus convicciones morales en

acierto ambientes cotidianos y temores contemporáneos en las hojas que entregó a Subotsky; sin embargo otorgó demasiados toques humorísticos a sus composiciones, lo cual mermó a todas luces el verdadero espíritu del cine de horror. Pero no sólo este reconocido autor colaboró con Amicus Productions, el dramaturgo británico Harold Pinter -que obtendría el Premio Nobel de Literatura en el año 2005- escribió el guión de la película “The Birthday Party”, una rareza basada en su propia obra teatral del mismo título y dirigida en 1968 por un primerizo William Friedkin, que más tarde se encargaría de la traslación al cine de la novela de William Peter Blatty El Exorcista.

cuanto al tratamiento del sexo y la violencia en la pantalla, imperasen por encima de la crueldad y el sadismo más o menos patente que el público adicto al terror siempre ha demandado. La ambientación de la mayoría de las películas en la época moderna abarató costes, pues no eran necesarios los suntuosos vestuarios de épocas pasadas ni la recreación arquitectónica de castillos medievales o recargadas abadías románticas; pero contribuyó a dejar la producción en “tierra de nadie”, pues no presentaban el inquietante aire decadente de las producciones Hammer, ni el si-

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niestro espíritu de las fortalezas y mansiones de siglos pretéritos que tanto refuerzan al cine de terror. Y si bien podían haber sido salvadas con la impronta del auténtico cine negro, tampoco gozaron de los aterciopelados contrastes del blanco y negro, la exquisitez de los cigarrillos a medio encender, la turbadora presencia de mujeres fatales o las andanzas de detectives decadentes y corruptos. Robert Bloch, el afamado autor de la novela “Psicosis (Psycho, 1959)” aceptó la oferta de Subotsky, convirtiéndose en guionista de lujo para Amicus Productions. Este prolífico escritor recreó con

La tozudez de Subotsky por engrandecer la leyenda de su productora le llevó a contratar al mítico Vincent Price, quien gozaba de gran reputación en el círculo del terror por sus interpretaciones de hombres torturados y enfermizos en las producciones de Roger Corman basadas en los relatos del magistral Edgar Allan Poe. No solo se buscaba prestigio cinematográfico, sino una mayor penetración en el mercado norteamericano, que tan de soslayo miraba a la producción europea en los circuitos comerciales. En el filme de 1969 “Scream and Scream Again”, Vincent Price daba vida a un científico émulo de Víctor Frankenstein, obsesionado en esta ocasión con la creación de seres humanos invulnerables. Aunque contaba con la colaboración de otros dos grandes actores como Peter Cushing y Christopher Lee, la realización del mediocre director Gordon Hessler actuó en franco detrimento de la obra. Vincent Price repetiría en Madhouse (Jim Clarke, 1974), que tampoco pasaría a la posteridad por su calidad. Durante estos años, Subotsky permitió que salieran a la luz asesinos sin entrañas, catastróficas invasiones alienígenas, rocambolescas paradojas científicas propias de la www.cinemascomics.com

ciencia-ficción, sanguinarios vampiros, horrendos hombres lobo, incontrolables criaturas creadas por mad doctors, o los terrores propios de la naturaleza desbocada, como las abejas asesinas de “The Deadly Bees” (Freddie Francis, 1966). Una de las grandes apuestas de Amicus, fue llevar a la pantalla grande al mítico doctor Who, personaje creado por Terry Nation para BBC Televisión, y de cuya encarnación se ocuparía el no menos mítico actor Peter Cushing en “Doctor Who and the Daleks” (Gordon Flemyng, 1965) y “Daleks, Invasión of the Earth 2150 A.D.” (Gordon Flemyng, 1966). Este Doctor Who, a veces llamado Doctor Misterio en Hispanoamérica, era un misterioso viajero y explorador del tiempo, que se desplazaba en su nave TARDIS para solventar problemas y enmendar errores allá donde se le requería. El programa televisivo aparece en el Libro Guiness de los Récords como la serie de ciencia-ficción de mayor duración de la historia del medio, y ha impregnado profundamente la cultura popular británica. Mundialmente reconocida por sus historias imaginativas y sus singulares y originales efectos especiales de bajo presupuesto, ganó un premio BAFTA como la mejor serie dramática de 2006. Las incursiones cinematográficas no formaron parte de la continuidad de la serie televisiva, aunque la versión del carismático personaje interpretado por Cushing reapareció en comics intentando reconciliar el medio televisivo con el cinematográfico. Entre tanto, aparecerían otros títulos como “La maldición de la calavera (The Skull, Freddie Francis, 1965)”, “El Psicópata (The Psychopath, Freddie Francis, 1966)”, “The Terrornauts (Montgomery Tully, 1966)”, “They came from beyond Space (Freddie Francis, 1966)”, “El monstruo (I, Monster, Stephen Weeks, 1970)” -libre adaptación de El Extraño Caso del Doctor Jekyll y Mister www.cinemascomics.com

Peter Cushing como Dr. Who

Hyde de Robert Louis Stevenson (1886)-, “What become of Jack and Jill? (Bill Bain, 1972)” o “La bestia debe morir (The beast must die, Paul Annet, 1974)”. Por supuesto no deben olvidarse las películas de episodios, tan del gusto de Milton Subotsky, entre las que destacan: “Torture Garden (Freddie Francis, 1967)”, “La mansión de los Crímenes (The house that dripped Blood, Peter Duffel, 1970)”, “Refugio Macabro (Asylum, Roy Ward Baker, 1972)”, “Condenados de Ultratumba (Tales from the Crypt, Freddie Francis, 1972)”, “Vault of Horror (Roy Ward Baker, 1973)” o “From beyond the Grave (Kevin Connor, 1974)”. Una singularidad muy del gusto de Subotsky para sus filmes de sket-

ches consistía en la aparición de un presentador, que habitualmente era un doctor o un científico, quien conducía el hilo de unión entre las diferentes historias; el doctor Terror (Peter Cushing) en la película homónima, el doctor Diavolo (Burgess Meredith) en la película Torture Garden, el doctor Martin (Robert Powell) en Refugio Macabro, o el inspector de policía Hollowoy –ideado por el escritor Bloch-, encarnado por Patrick Wymark en El Psicópata, y por John Bennett en La Mansión de los Crímenes. Y así quedaba constancia de que el señor Subotsky, a pesar de su manifiesta anglofilia, disfrutaba adoptando modos de series televisivas norteamericanas de los años cincuenta y sesenta como Alfred Hitchcock presents o The Twilight Zone.


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Drew Barrymore en “Cat´s eye”, Lewis Teague, 1983 En 1973, el director Roy Ward Baker, que había colaborado en numerosas ocasiones con Hammer Films se embarcó en un proyecto más ambicioso para Amicus, puesto que And now the Screaming Starts buscó la ambientación de época que tanto éxito le había reportado a Hammer Films, tratando así de remedar ¡por fin! de modo completo la estética de su filmes. No era otra cosa que un desesperado intento por reflotar la compañía que había comenzado a decaer claramente. Una típica historia de fantasmas cuya acción transcurría en 1795, y estaba basada en una novela de David Case, titulada “The Curse of Fengriffen”. Su tono fatalista inspirado en las viejas mansiones y las maldiciones familiares retrotraían al espectador al universo Poe y a las profundidades abismales de inspiración Hammer. Sin embargo su director, uno de los más prolíficos dentro de Hammer, la rodó con unas características técnicas más propias del medio televisivo que del cinematográfico, tales como el abuso del teleobjetivo y el zoom. A pesar de la cadencia mecánica y lánguida, ciertos toques de buen cine de terror salvaron el filme que supuso el canto de cisne de Amicus…

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Los últimos años fueron catastróficos, pues la calidad cinematográfica fue tan ínfima como lamentable. La compañía fue liquidada a mitad de la década de los años setenta. Tras este triste final, Subotsky aún acopió fuerzas para producir dos títulos en solitario: “The Uncanny (Dennis Héroux, 1977)” y “El Club de los Monstruos (The Monster Club, Roy Ward Baker, 1980)”. A principios de los ochenta, Milton Subotsky recuperó el nombre Amicus en los despachos, pero no lo utilizó en ninguna otra obra cinematográfica. Subotsky era un luchador infatigable que atesoraba el espíritu de los idealistas pioneros del cinematógrafo, y como se resistía a morir aún le quedó tiempo para plasmar su nombre en dos títulos norteamericanos basados en relatos de Stephen King: Una producción de episodios –tan de su gusto antaño- titulada “Los ojos del Gato (Cat´s eye, Lewis Teague, 1983)” con una jovencisima Drew Barrymore y “Maximum Overdrive”, dirigida en 1985 por el propio Stephen King.

sará a la posteridad como modelo a imitar dentro de la cinematografía de terror, no debe olvidarse el empeño que puso su creador en convertirla en una productora de postín. Para honrar su memoria no sólo quedan los cinéfilos con interés por las rarezas, también los amantes de la serie B y los que siempre disfrutan con los trabajos de Price, Cushing o Lee. Que estas líneas sirvan de homenaje a esos dos idealistas amantes del Séptimo Arte, los señores Subotsky y Rosenberg, que si bien no lograron un cine de calidad, al menos pusieron todo su empeño en conducirnos por una vida más feliz y excitante; una vida tan siniestramente hermosa como pretendieron que fueran sus películas de terror…

† Descanse en Paz Amicus Productions Los fanaticos del horror cinematografico no te olvidan.

Si bien Amicus Productions no pawww.cinemascomics.com

Cine de los 80

Por Sergio Reina

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El espíritu ochentero que me invade me ha hecho recordar esta magnífica película de 1984. Una película comercial, sin duda, pero como se hacían antes, con mucha más miga que ahora. Puede ser cierto, que los efectos especiales de entonces, hayan envejecido peor que el conjunto de la película; por lo que los jóvenes de hoy no puedan verla con los mismos ojos inocentes y ávidos de fantasía con que yo la vi por primera vez. De todas maneras, se puede decir, que aún hoy en día, la película sigue siendo muy divertida, y disfrutable por cualquier rango de edad. En marcha está la preparación de una tercera entrega, que verá la luz si al final se consigue reunir al equipo completo de la primera entrega. Para quien no conozca aún el argumento; la película nos presenta a tres doctores, especializados en psicología y fenómenos paranormales, a los que la universidad les cierra el grifo de las subvenciones, y deciden crear su propio negocio de cazafantasmas. Cuando las cosas empiezan a irles bien, y la actividad “ectoplásmica” parece ir en aumento se cruza en su camino un agente medioambiental del ayuntamiento de Nueva York, que les cierra el negocio, y libera accidentalmente a todos los fantasmas que han capturado. Esto acelera el proceso que se estaba desarrollando con el aumento de apariciones; entonces emerge el ser paranormal Sumerio para hacerse con el poder del mundo. Menos mal que Los cazafantasmas están ahí para arreglar el entuerto. Pasemos pues a hablar un poco de su producción. Con un guión escrito a cuatro manos por dos de los actores protagonistas (Dan Aykroyd y Harold Ramis), la película fue dirigida por Ivan Reitman, director de enwww.cinemascomics.com

tre otras comedias de Los incorregibles albóndigas, El pelotón chiflado y Poli de guardería. Para Reitman, supuso su gran película, y no ha vuelto ha conseguir un éxito parecido, aunque lo ha intentado unas cuantas veces. El trío protagonista, Ramis, Aykroyd y Bill Murray, vienen directamente del Saturday Night Live. La estupenda química que puede apreciarse entre los protagonistas, se deja ver muy bien a lo largo del metraje. De hecho, los momentos más divertidos, son siempre cuando los tres intervienen en la misma escena. Además de estos actores, tenemos a Sigourney Weaver, que venía de protagonizar películas completamente diferentes como Alien, el Octavo pasajero. A pesar de ser una buena actriz, en esta película, quizá por lo breve de su papel, o tal vez por algún pequeño fallo de guión, no luce como merece. Rick Moranis interpreta al vecino cotilla y pretendiente de Weaver, y su papel como contable, resulta muy divertido. También tenemos a Ernie Hudson, como cuarto cazafantasma, un papel, que originalmente, estaba pensado para Eddie Murphy. La película, se ha convertido en obra de culto, por lo que las curiosidades que aparecen en el film, han trascendido, y pueden consultarse en Wikipedia. Algunas de las más llamativas son por ejemplo que la canción nominada al Oscar y que da ritmo a lo largo de la película, interpretada por Ray Parker Jr., se parece sospechosamente a I Want a New Drug de Huey Lewis & the News. Tiene varias referencias a otras películas, como Fiebre del Sábado Noche; Rick Moranis en la fiesta que monta en su piso, lleva la misma ropa que John Travolta cuando sonaba la canción Disco Inferno en aquella película. Y otra curiosidad de la que podéis disfrutar en los extras del DVD, es el cabreo monumental que coge el actor

William Atherton con el director Ivan Reitman , cuando en las escenas finales, es rociado con una buena cantidad de merengue procedente del muñequito de marshmallow, sin que éste lo supiera. La película cosechó tal éxito, que era necesario una segunda entrega, que aunque perdía la originalidad de la primera, también resultaba muy divertida. Se produjo cinco años más tarde que la primera, y contó con todo el cast de la original. En esta ocasión, se introduce a Peter McNicol, como el Doctor Janosh, que será el catalizador para que la humanidad vuelva a estar en peligro de nuevo, y se vuelva a necesitar a Los cazafantasmas. Y 22 años después, estamos a la espera de que se realice la tercera entrega de la saga. Todo el cast ha aprobado el guión que hay para la película, incluso su director volvería a ser Ivan Reitman. Tan solo se espera a que Bill Murray confirme su aparición, pues además de ser necesario para el buen funcionamiento de la peli, es una exigencia de la productora para que al final se filme la película. Estoy seguro que al final Murray aprobara el guión, aunque seguramente, tendremos que irnos más allá del 2012 (fecha hipotética para el inicio del rodaje) para poder ver la película terminada, pues el actor está comprometido con otros trabajos. Espero os hayan entrado ganas de volver a ver esta divertida película.


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Convivir con “Ugly Americans” Por Javier Calvo

Que la animación es un campo altamente sugestivo es algo que ningún lector de esta revista debería poner en duda. Que, a través de ella, se han creado los productos más irónicos, incisivos y críticos con la sociedad de los últimos años, también es evidente. Y que permite disponer de seres sobrenaturales, humanos, escenarios infernales, contextos oníricos y situaciones surrealistas sin invertir millonadas en producción parece igualmente tangible. ¿Dónde? En Ugly Americans, una sitcom de dibujos animados que parodia la ciencia-ficción, la fantasía, los cuentos, los mitos del terror y el cine social bajo una apariencia totalmente influenciada por el cómic.

La animación no es cosa de niños. Eso quedó claro desde el primer capítulo de Los “Simpsons”, serie pionera en el uso de tramas adultas para una producción de dibujos animados. Los gamberros niñatos de “South Park” dieron el siguiente paso, elevando el insulto políticamente incorrecto a la categoría de arte. Y ese camino fue seguido con fidelidad por “Padre de familia”, el último bastión de la infancia corrupta que queda en todos nosotros. La animación anti-Disney es una vía de exploración de dobles lecturas, intertextualidades, socarronería y mucha, mucha mala leche que suele agradar al público por su carácter liberador. El humor más negro parece haberse apropiado de este campo por su supuesto distanciamiento con la realidad (lo que le hace perder, en teoría, capacidad ofensiva), de modo que parece imposible encontrar una comedia con actores de carne y hueso capaces de ser tan mordaces. Además, reírse de las desgracias ajenas en una época en que el protocolo es más un asunto de imagen que de educación puede tener una vertiente curativa; eso sí, también hay que saber reírse de uno mismo. Por eso, recogiendo la tradición

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de esa animación adulta y con el sano interés de autoparodiar a su cultura, nace en 2010 “Ugly Americans”, una sitcom de dibujos animados hecha por americanos y para americanos. Y para europeos. Bueno, y también para extraterrestres. “Ugly Americans” es un proyecto del guionista Devin Clark desarrollado junto a David M. Stern, que ya había trabajado en Los “Simpsons”. Clark, cuyos intereses discurrían por la ilustración, el cómic y la narrativa, ideó una comedia que parodiara a la América contemporánea y a su habitante estándar: el “ugly american”, es decir, el estadounidense inculto, cotidiano y vulgar, cuya arrogancia es sólo comparable a su etnocentrismo: más allá de los USA, no existe nada de interés. Sería, además, un producto de dibujos animados, algo necesario si se planteaba extender la crítica hacia límites fantásticos. Hasta aquí, podríamos estar hablando de cualquiera de las series mencionadas en el primer párrafo. Lo que hace especial a “Ugly Americans”, sin embargo, es que la fealdad de su epíteto se hace extensible a todo el diseño de la serie. Para empezar, el concepto

artístico utiliza una estética muy cercana al cómic underground, con un esbozo de personajes hiperrealista y grotesco. La paleta de color y el detallismo de los escenarios, ambos excepcionales, resumen un producto muy bien facturado, a pesar de su interés por acercarse a lo indigesto. Pero el toque de gracia lo pone su peculiar y extenso catálogo de personajes. Los americanos de Ugly Americans son humanos retorcidos, egoístas, catastróficos. Pero también son zombies, magos, demonios, alienígenas, hombres-lobo, espíritus, vampiros y todo el repertorio de infra y supra humanidades que uno pueda imaginar. Una belleza terrorífica y espantosa, tan variada como la polícroma población de nuestra aldea global. Pasaporte, por favor En Ugly Americans tenían claro el punto de partida de la referencia: a día de hoy, Estados Unidos es un país multicultural, poblado de inmigrantes, seres descontextualizados que buscan su lugar en la llamada sociedad del Primer Mundo. Por eso, el recurso de base consiste en hacer extensible ese crisol de orígenes a las desconowww.cinemascomics.com

cidas regiones de lo fantástico, a mundos que van más allá de la lógica. De ahí que la serie esté plagada de todo tipo de seres sobrenaturales, desde monstruos clásicos hasta humanoides de nuevo cuño (especialmente adorable el hombre koala). Una idea de la que también partía “Men in Black”, pero que aquí se lleva a un límite surrealista. No hay una explicación coherente de por qué EE UU está lleno de estos personajes; simplemente aparecen ahí, integrados en la estructura social o como objeto de burocráticas cuestiones de inmigración. Precisamente, el protagonista es Mark Lilly, un trabajador social del Departamento de Inmigración de Nueva York, ciudad donde se desarrolla la serie e icono de la multiculturalidad. Mark es un inocente y bienintencionado muchacho que lucha con todas sus fuerzas por ayudar a sus nuevos compatriotas a integrarse en el tejido social y buscarles un trabajo, vivienda digna o cualquier apoyo a sus problemas. El problema es que éste es mundo agresivo y la bondad no suele encontrar su apoyo. Con un jefe déspota y tirano –por algo es un demonio- y un


compañero de trabajo inepto y alcohólico –y mago-, Mark encuentra un sinfín de cortapisas en su devenir, y de paso, va destripando los males endémicos de nuestra sociedad capitalista, aprovechada y excesivamente burócrata. La fantasía, por tanto, se da por sentada en una serie que juega con los clichés de las diferentes monstruosidades populares. En este ámbito, resultan especialmente jugosos los personajes de Randall Skeffington y Callie Maggotbone. Randall es el compañero de piso del protagonista, un zombie post-adolescente obsesionado con las mujeres –se convirtió en zombie por una chica, si eso es posible- y la ingesta de cerebros; sus cualidades como muerto viviente, combinadas con su síndrome de Peter Pan, son el principal foco de su comicidad. Lo mismo ocurre con Callie, la jefa de Mark, con quien mantiene un tórrido y pasional romance. El problema reside en que Callie es un demonio, y la hija de El Diablo, máxima autoridad del submundo infernal (al que se puede ir en metro sin ningún problema). Su maldad congénita y absoluta saldrá a relucir en los momentos más inesperados, para desgracia de su pobre amante.

La historia se complementa en cada episodio con los diferentes clientes de Mark, individuos problemáticos que requieren de supervisión social y que ponen de manifiesto lo duro que es sobrevivir en su –nuestro- extraño planeta. Intente buscarle un trabajo estable a una babosa gigante y sabrá de lo que hablamos. Un recibimiento desigual Ugly Americans debería tener todas las papeletas para convertirse en objeto de culto. Su presentación en Comedy Central en marzo del pasado año obtuvo una audiencia de dos millones de espectadores, favorecida quizá por el hecho de emitirse tras el comienzo de una nueva temporada de “South Park”. Los capítulos siguen una estructura de sitcom: duración escasa (21 minutos), con una trama propia bajo una línea argumental de fondo, y gags directos y surrealistas. Las dos primeras temporadas, de siete capítulos cada una, han sido recibidas con agrado y en junio de 2011 se estrena una tercera hornada. Sin embargo, la recepción crítica ha resultado más desigual. En general, se alaba la originalidad de la propuesta aunque algunas vo-


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ces destacan la imperfección del conjunto total. Otros, por el contrario, se muestran más favorables, y no faltan quienes destacan el diseño de la serie por encima de su guión. Lo cierto es que “Ugly Americans” posee un humor muy particular, a veces agresivo, a veces violento, que recoge la tradición crítica e incorrecta de las series ya comentadas, y esto puede dificultar su accesibilidad al gran público. Lo cual, por otro lado, siempre ha sido un factor para la construcción de un objeto de culto. Otro factor fundamental es su anonimato. “Ugly Americans” es

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una serie poco conocida, cuya fama pulula más por la red que por las revistas especializadas. En España todavía no se emite, y no existe ninguna noticia al respecto. Sin embargo, la versión original es una auténtica delicia, como lo es su apabullante absurdidad, apoyada por un cúmulo de referencias que van desde las películas de terror hasta los espectáculos de magia, pasando por el cine comercial (parodia de Crepúsculo incluida) o la cultura pop. En su hiperbólica variedad, además, está presente el mensaje de la tolerancia y la aceptación, de una forma latente, sin necesidad de edulcorar el resultado. La serie habla sobre la diferencia, y

da por supuesto que esa diferencia puede estar presente en nuestra cotidianeidad sin ningún tipo de problema. La gran influencia del cómic y su facilidad de consumo la convierten en un producto muy loable para un primer testeo. Por lo menos, para todos aquellos que puedan entender que nuestra sociedad nunca fue nuestra, y que los zombies, vampiros y cerebros parlantes, hombres-pájaro y selenitas, bebés gigantes y monstruos del lago, pueden esconderse detrás de cada esquina para alegrarnos el día.


Ilustracion de la Liga de la Justicia de Bruce Timm

Especial Súper Héroes Animados Por Jose Joaquin Gonzalez Haro Tras el exitoso estreno de Thor en cines, las productoras encargadas de las adaptaciones de los comics de Marvel y DC esperan volver a hacer caja con los estrenos de “XMen: Primera Generación”, “Linterna Verde” y “El Capitán América”. El próximo día 3 de junio podremos ver la primera de estas tres películas (nos referimos a X-Men: Primera Generación), por lo que hemos decidido traeros un especial de cine animado de superhéroes en DVD con el que podéis hacer más agradable dicha espera. El articulo está orientado como una pequeña guía de los principales títulos que podéis encontrar en el mercado doméstico naciowww.cinemascomics.com

nal, esperando que os sirva de orientación a la hora de alquilar o comprar dichas cintas para su visionado. Además como extra, os adelantamos algunos de los títulos que llegarán, y resaltamos algunas cintas que aún están inéditas (no a la venta) en nuestro país.

Empezaremos comentando dichos especiales, y posteriormente nos ocuparemos de cintas que no se inspiran en ninguna serie en particular, sino que cuentan historias originales o intentan adaptar a formato animado ciertos cómics o sagas imprescindibles de los universos Marvel y DC.

Comentaros que la animación lleva años mostrando multitud de series de nuestros personajes favoritos; pero ha sido recientemente –ayudada por el boom de los superhéroes en cine- cuando se han producido largometrajes animados destinados a un público más adulto, quienes veían un mercado con exclusivos huecos para DVDs con episodios especiales de las series de televisión.

Especiales de Televisión Primero, aclararos que llamamos especiales de televisión a películas que salieron al mercado DVD/ VHS a cargo de los mismos creadores de las series televisivas. Sin menospreciar su calidad, no dejaban de ser un episodio más largo de lo habitual que intentaba alejarse de la continuidad de la serie. Cinemascomics │ Mayo 2011 │

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Curiosamente no hay ningún especial de televisión protagonizado por personajes de Marvel, aun habiendo tenido series protagonizadas por Spiderman, Hulk, Iron Man, Los 4 Fantásticos y los X-Men. Nunca intentaron una incursión en el mercado domestico fuera de sus emisiones televisivas, dejando la exclusividad de estas producciones a las cintas protagonizadas por Batman, Superman y la Liga de la Justicia. A excepción del primer especial televisivo de la lista, estaban casi todas a cargo del excepcional Bruce Timm. Sin más rodeos vamos a dicha lista. Scooby-Doo y Batman Forman Equipo (1972) Esta cinta que es realmente una verdadera curiosidad nos presenta al sabueso detective ScoobyDoo compartiendo protagonismo junto al señor de Gotham y Robin en una aventura que les lleva a enfrentarse a villanos tan conocidos del universo DC como son el Joker y el Pingüino. La cinta producida por Hanna Barbara fue un cruce que la produc-

tora llevo a cabo mientras estaba en antena la serie de televisión “Los Súper Amigos”, una divertida versión de las aventuras de la Liga de la Justicia protagonizada por Superman, Wonder Woman, Aquaman, Batman y Robin. Sin duda una deliciosa rareza que os hará esbozar una gran sonrisa. Batman: La Máscara del Fantasma (1993) En pleno auge de la nueva serie de animación protagonizada por Batman, recibida de la mano de Bruce Timm, una película de animación sobre el caballero oscuro llegaba a los videoclubs de las ciudades españolas con el título “La Máscara del Fantasma”. Dicho largometraje presentaba, bajo la estética de la serie de televisión, a un villano conocido como “El Fantasma”. Dicho villano está sembrando el terror en Gotham a la vez que elimina uno a uno a los principales gangsters de la ciudad, haciendo creer a la policía que Batman se ha convertido en un justiciero que no duda en matar delincuentes.

La verdad es que la cinta es una autentica maravilla, como lo fue en su momento la serie de televisión, y muestra ciertos aspectos que no debes perderte sobre los orígenes de Batman y el Joker. Superman: El Último Hijo de Krypton (1996) Tras el cierre de la serie de Batman, Bruce Timm se unió a un grupo de directores y animadores para intentar repetir el éxito de la anterior serie animada, pero con la figura de Superman. La serie, aunque no tuvo el mismo éxito que Batman, dio pie a diversos especiales en DVD, entre los cuales se cuenta “El Ultimo Hijo de Krypton” donde podemos ver los orígenes de Superman y sus primeras aventuras en la tierra. Batman del futuro: El regreso del Joker (2000) Tal y como reza su nombre, este especial está basado en la serie de televisión que nos mostraba el futuro de Gotham; en el cual una nueva versión de Batman se dedicaba a repartir justicia en un mundo regido por nuevas reglas.

Imagen de Batman del Futuro

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La cinta, sirvió para recuperar al villano por antonomasia de los cómics del hombre murciélago, y resulta tan curiosa como la serie en la que está basada. Batman contra Dracula (2005) Utilizando el equipo creativo de la serie animada de “The Batman” -la versión televisiva que antecede a la actual “El Intrépido Batman”- el director Michael Goguen nos trae un episodio especial de 80 minutos en el que la identidad secreta de Bruce Wayne se tendrá que enfrentar a un ejército de vampiros que azotan Gotham bajo el liderazgo de Drácula. De esta serie no llegué a ver nada en televisión (no sé si fue emitida en España, pero algo llegaría al mercado, ya que tengo un pijama con licencia oficial, jajá) pero la película realmente resulta entretenida de ver.

Largometrajes Animados Bajo esta definición, os traigo la parte del dossier dedicada a las historias creadas independientemente a las series de televisión, y que podemos encontrar en el mercado español. Aunque en esta ocasión encontramos cintas basadas en los personajes del universo Marvel, hay que admitir que el predominio de DC bajo producción Warner Bros ha generado un número mayor de títulos y con una calidad bastante más elevada que la de la competencia.

sa. A pesar de que entretiene, no goza de la calidad de animación ni de guion de producciones anteriores; algo que provocó la salida exclusiva en DVD de re-ediciones de series televisivas durante bastantes años. Batman: El misterio de Batwoman (2003) La primera aparición de Batwoman en un largometraje deja bastante que desear en lo referente a animación, algo lamentable teniendo en cuenta que la cinta fue realizada diez años después de una obra maestra como es la serie animada de Batman. En esta cinta una nueva Batwo-

man hace aparición en Gotham y tras caer en las garras de Bane, tendrá que ser rescatada por Batman. Lo dicho, un titulo bastante flojo. The Ultimate Avengers (2006) Concebida como una versión para todos los públicos de la serie “Los Ultimates” de Mark Millar, hay que admitir que este título es posiblemente una de las mejores incursiones que Marvel ha hecho en el campo de la animación. La cinta narra la creación de esta nueva versión de los Vengadores y sus primeras aventuras.

Batman y Superman: La película (1996) La primera película animada que unía bajo el mismo título a los dos héroes del universo DC estaba dirigida por Toshihiko Masuda, y nos presentaba a este estupendo dúo enfrentándose a sus dos mayores rivales: Lex Luthor y el Joker. La cinta, con una duración de 58 minutos, resulta bastante insulwww.cinemascomics.com


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Ciertamente muy recomendable, aunque la versión en cómic es muchísimo mejor The Ultimate Avengers II (2006) Continuación de las aventuras de esta versión de los Vengadores. En esta ocasión contaron con el wakandiano Pantera Negra para defender la tierra de una invasión alienígena. Igual de recomendable que la anterior entrega, pero más distanciada del cómic en el que pretendía basarse. La Muerte de Superman (2007) El regreso de Bruce Timm a la animación del universo DC dio pie a la creación de esta película, que si bien interpreta de forma bastante libre la mítica saga de “La Muerte de Superman”, plantea la historia de forma más accesible al público infantil y sobre todo a los seguidores de la serie de Super-

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man dirigida por Timm en los 90. A pesar de las licencias que se toma respecto a la historia original, no desmerece en absoluto al épico relato. El Invencible Iron Man (2007) Con las películas de los Vengadores, la Marvel inauguro el sello “Marvel Animated Features”, con el que pretendía introducirse en el mercado de la animación en DVD. Tras narrar las aventuras del grupo de héroes más poderoso de la tierra, produjo esta cinta en la que Iron Man es el protagonista absoluto. La cinta cuenta los orígenes del personaje, utilizando el mismo equipo creativo que los Vengadores. Doctor Extraño (2007) Perteneciente a la misma colección que Ultimate Avengers y el Invencible Iron Man, esta cinta

protagonizada por el Dr. Extraño actualiza los orígenes de este clásico personaje, dominador de la magia y los elementos esotéricos. No soy gran seguidor del Dr. Stephen Strange, así que no puedo opinar sobre cuánto se distancia la aventura del personaje original, pero lo cierto es que la animación esta genial, y la cinta resulta muy entretenida. Batman: Guardián de Gotham (2008) Aprovechando los buenos resultados de “Batman Begins”, y poco antes de estrenarse su secuela “El Caballero Oscuro”, Warner asignó un proyecto de animación a los responsables de “Animatrix”. La cinta, al igual que aquellas basadas en el universo “Matrix”, mostraría aventuras del protector de Gotham con distintos estilos y dibujantes. Las historias no son gran cosa, pero merece la pena ver tantas www.cinemascomics.com

versiones de un mismo personaje en una sola cinta Superman y Batman: Enemigos Públicos (2009) Basado en el cómic del mismo título que desarrollaron Jeph Loeb y Ed McGuinness, esta cinta cuenta con Bruce Timm como productor ejecutivo, recuperando para la versión original a los actores que ponían la voz a las series animadas de Superman y Batman de los 90. La historia narra como Luthor una vez que llega a presidente de los Estados Unidos, declara a Batman y Superman como proscritos de la justicia tras un intrincado plan para desacreditar y eliminar al hombre de acero. Una buena cinta, con una historia excelente y con una animación a la altura. Wonder Woman - La Mujer Maravilla (2009) Narra los orígenes de Wonder Woman como cualquier seguidor/a del cómic se merece. La trama sitúa la primera salida de Diana al mundo de los hombres tras una www.cinemascomics.com

traición en el seno de la hermandad de Amazonas. Dicha traición provoca la fuga de Ares, el dios de la Guerra, que pretende extender el terror y la destrucción en el mundo por el que hace siglos no camina. Wonder Woman, es un personaje que me llegó a través de su participación en la Liga de la Justicia, por lo que desconozco sus origines más allá de su historia básica: Una amazona que abandona su isla para poner paz en el mundo de los hombres. Aun así, me parece una cinta bastante entretenida, y bien llevada sobre un personaje cuyo funcionamiento en solitario resulta bastante desconcertante. Linterna Verde: Primer Vuelo (2009) La historia de Hal Jordan y cómo consiguió el anillo que lo convertiría en el primer miembro humano de la orden de los Green Lantern. “Primer Vuelo” es prácticamente un anticipo de lo que podremos ver pronto en cines, y aunque en esta cinta el villano (al menos que se sepa de momento) es distinto al que aparecerá en la gran pantalla, sirve a la perfección para orientar a quienes todavía no conocen al personaje y du-

dan acerca de cuál cómic deben elegir para iniciarse. Liga de la Justicia: Crisis en Dos tierras Presentando por primera vez al Sindicato del Crimen (la contrapartida malvada de la Liga en un universo paralelo) en formato animado, Crisis en Dos tierras supone un arriesgado argumento que encantará a los seguidores más avezados de este grupo super heroico, pero que puede generar dudas en quienes no conozcan estas curiosas variables del mundo de Superman y Cía. Aunque toma de forma muy liberal la historia original de este grupo de villanos, resulta muy interesante identificar a las contrapartidas de superhéroes que se crearon expresamente para esta película. Superman /Shazam: El regreso de Black Adam (2010) ¿Hay alguien capaz de rivalizar con Superman? Por supuesto que sí, Shazam, alias el Capitán Marvel es igual de poderoso que el kriptoniano, pero afortunadamente para todos nosotros, forma Cinemascomics │Mayo 2011 │ 117

parte del bando de los buenos. La mala noticia es que Black Adam, una entidad muy antigua que comparte los poderes del Capitán no es precisamente una buena persona, y tras estar encerrado durante muchos años vuelve clamando venganza. Superman y Shazam tendrán que hacerle frente, en un mano a mano que forzara al hombre de acero hasta límites insospechados. Acción a raudales y calidad es lo que ofrece esta película, a pesar de su brevedad (aunque incluye un corto sobre Jonah Hex que tampoco está nada mal). Superman / Batman: Apocalipsis (2010) Una nueva historia protagonizada por Superman y Batman, y que para la ocasión recupera a uno de los villanos más poderosos de su Universo: Darkseid Darkseid trama un plan para utilizar a una joven kriptoniana (que resulta ser Kara, la prima de Superman) para intentar derrotar a

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su archienemigo. Sin lugar a dudas, una cinta épica que hará las delicias de quienes la vean. Batman: Capucha Roja (2010) Una verdadera obra maestra de la animación que nos trae una de las mejores historias de Batman que podrás encontrar en formato animado. Sin duda muchos aficionados ya sabrán quien es Capucha Roja, pero para los que no sigan tan de cerca al personaje, es una oportunidad para descubrir por qué ha habido distintos personajes tras la máscara de Robin. Recomendable al cien por cien, pero orientada sin lugar a dudas a un público más adulto. All Star Superman (Superman viaja al Sol) (2011) Basado en el comic del mismo título “All Star Superman” nos narra la historia final de un Superman que ha sido envenenado por el malvado Luthor. Con los días

contados, Superman intentara poner punto y final a ciertas tareas que tiene pendientes en una cuenta atrás que le conducirá a las regiones más insospechadas de nuestro planeta y el universo. Sinceramente no la he visto aún, pero sí que he leído el cómic en el que se basa, y he de decir que muestra a un Superman bastante distinto al conocido por el gran público; con lo que quizás las reacciones frente al filme sean muy diversas. En cuanto la vea espero contaros qué me parece.

Cintas Inéditas y próximos estrenos Con All Star Superman, cerramos la lista de cintas que están disponibles a día de hoy en el mercado español sobre personajes de las dos principales editoriales de cómics. Con suerte podemos encontrar algunas cintas inéditas en nuestro país, tanto pertenecientes a la categoría que hemos llamado “especiales de Televisión” como a las cintas con historias originales.


Entre dichos títulos encontramos “Batman y Mr. Freeze” (1998), un especial de televisión de la serie de Batman en los 90 y cuyo villano protagonista es el señor helado; “Superman: Brainiac Ataca” (2006), cuyo título como en el caso de Batman nos da pistas sobre el argumento; “La Liga de la Justicia: La Nueva Frontera” (2008), una aventura del grupo de superhéroes pero ambientada en los años 50; “Next Avengers: Héroes del Mañana” (2008) una serie donde los descendientes de los Vengadores tendrán que hacer lo posible por honrar la memoria de sus padres; y finalmente dos nuevas cintas del sello “Marvel Animated Features” con Hulk como protagonista: La primera es una sesión doble titulada “Hulk Vs Lobezno” (2009) y que muestra los enfrentamientos de Hulk con Lobezno (recordad que éste último nació en las páginas del gigante esmeralda), y posteriormente un encuentro contra el Poderoso Thor; la segunda cinta se titula “Planet Hulk”, y está basada en la reciente saga de comics en las que Hulk, una vez desterrado del planeta tierra, viaja a un planeta extraterrestre donde tras luchar www.cinemascomics.com

como gladiador se proclamara Rey. Seguramente habrá mucha gente que haya visto estas cintas, pero lo cierto es que ninguna de los títulos que califico como inéditos, han sido oficialmente doblados al castellano (algunos se pueden localizar por internet en español latino) o directamente no se han editado fuera del mercado americano, algo de lo que me he asegurado buscando en los principales portales de venta de DVD del país. En cuanto a futuros estrenos, los más cercanos son los relativos a Thor y Linterna Verde, que aprovechando sus pases en pantalla grande serán lanzados en DVD (suponiendo que no lo hayan hecho en USA antes) los siguientes títulos “Thor: Relatos de Asgard” y “Linterna Verde: Guerreros Esmeraldas”. El primero de estos títulos contará las aventuras de Thor en Asgard antes de empuñar el martillo Mjolnir, mientras que la cinta de Linterna Verde esta cronológicamente ambientada antes del final del film animado “Primer Vuelo”.

Para finalizar, deciros que Warner está trabajando en la adaptación de las novelas graficas de Frank Miller “El regreso del Caballero Oscuro” y “Batman Año Uno”, dos obras maestras del cómic que estoy deseando ver, y de las cuales ya hay incluso algunas imágenes circulando por internet. Sin duda alguna, los aficionados a los personajes de estas dos editoriales nos podemos considerar privilegiados, y vistos los buenos resultados obtenidos en todos los medios audiovisuales que adaptan aventuras de dichos personajes, podemos estar seguros de que tendremos material que visionar hasta aburrirnos.


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QUÉ LEER Por Úrsula Karivdis Hola amigos. Este mes destacaré una novedad editorial relacionadas con el legendario monstruo de Frankenstein. La editorial T & B lanza al mercado Boris Karloff. En él, el autor Javier Cortijo realiza un retrato vital y fílmico del actor que dio vida al monstruo que James Whale adaptó de la novela de Mary Shelley en 1931. William Henry Pratt (el verdadero nombre de Boris Karloff) nació en 1887 en Camberwell, Londres. Abandonó su carrera diplomática y se marchó a Canadá para realizar su sueño de convertirse en actor con solo 21 años. Una vez instalado en Ontario, compaginaba un trabajo de granjero con los papeles secundarios que le iban dando. En 1916 obtuvo su primer papel en el cine, apareciendo como figurante en “The dumb girl of portici”, una película muda protagonizada por Anna Paulova. En 1931, por fin perdió el anonimato tras aparecer en la película El Código Penal, dirigida por Howard Hawks. Y en ese mismo año, después de que Lugosi rechazara el papel de monstruo en Frankenstein, Whale le ofreció el papel, y gracias al maquillaje de Jack Pierce, Karloff se convirtió en uno de los rostros más populares de los años treinta en el maravilloso mundo del terror. La siguiente década estuvo cargada de éxitos. Apareció en películas como Sed de escándalo (1931, Mervyn Leroy); Scarface (1932, Howard Hawks); La máscara de Fu-Manchú (1932, Charles Brabin); La Momia (1932, Karl Freund); La patrulla perdida (1934, Alfred Werker); El Cuervo (1935, Lew Landers); La novia de Frankenstein (1935, James Whale); Los muertos andan (1936, Michael Curtiz); Son of Frankenstein (1939, Rowland V. Lee); así como muchos otros. Posteriormente, en la década de los 40, 50 y 60, Boris no paró nunca de trabajar. Numerosas fueron sus apariciones tanto en el cine como en la televisión. Y no todas ellas fueron dentro del género del terror. Trabajó junto a la pareja humorística formada por Abbot y Costello parodiándose a sí

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Boris Karloff: El aristócrata del terror De Javier Cortijo TB Editores

ISBN: 9788492626830 Nº Edición:1ª Año de edición:2011 264 páginas│ 20,00 euros

mismo e incluso utilizó su voz en animaciones de la televisión como en How the Grinch stole Christmas en 1965. Desgraciadamente el 2 de febrero de 1969, poco tiempo después de aparecer en la película Invasión siniestra, Karloff se marchaba al mundo de los dioses y monstruos a causa de un enfisema pulmonar. www.cinemascomics.com

APOCALIPSIS DE STEPHEN KING 2: PESADILLAS AMERICANAS Guión: Roberto Aguirre-Sacasas Dibujo: Mike Perkins Edición original: The Stand: American Nightmares HC USA Formato: 144 págs. PVP: 17,95 € Editorial Panini La mortífera gripe que algunos han dado en llamar Capitán Trotamundos ha devastado el país y ahora unos pocos supervivientes deben recoger las piezas y seguir adelante. Larry Underwood quiere escapar de de Nueva York; Lloyd descubre una muy desagradable cena en la prisión, y Stu Redman lleva a cabo un desesperado intento por liberarse de sus captores. Y mientras tanto, un hombre siniestro, Randall Flagg, continúa su terrible viaje a través de una América reducida a cenizas…

ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS: INTEGRAL Guión: Leah Moore y John Reppion Dibujo: Erica Awano Formato: 176 págs. PVP: 19,95 € Editorial Panini

Toma una joven bien educada, pero terca y obstinada. Añade una imaginación hiperactiva. Agítalo en una mezcla surrealista y fabulosa. Reduce todas las lecciones morales hasta que nada tenga sentido y mándalo todo en un viaje a ninguna parte. Con esos ingredientes, Lewis Carroll creó un cuento de hadas como ningún otro. Ahora te ofrecemos la más completa y fiel adaptación de todas las aventuras vividas por Alicia en el País de las Maravillas, a cargo de la autora de Drácula: La adaptación definitiva.

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WONDER WOMAN TPB (NUEVA SERIE) Nº01 Guión/Dibujo: Gail Simone, Geoff Johns, J. Michael Straczynski, Louise Jones Simonson/Adam Hughes, Don Kramer, Eduardo Pansica, Francis Manapul, George Perez, Greg Horn, Guillem March, Ivan Reis, Jim Lee, Jock, Nicola Scott, Scott Kolins, Shane Davis Edición original: Wonder Woman 600 - 606 US Formato: Libro rústica, 200 págs. color. PVP: 16,95 € Editorial Planeta de Agostini ¿Quién es Wonder Woman? Ni siquiera ella misma, Diana de Themyscira, lo sabe ya... pero está más que dispuesta a averiguarlo. En un mundo en el que la superheroína jamás ha existido, Diana es una joven huérfana que sobrevive en Nueva York junto a algunas de las amazonas que quedan tras la destrucción de su isla natal. Privada de su lazo y de su capacidad de vuelo, será su determinación la que la guié en una odisea a través del planeta para proteger a sus hermanas proscritas y descubrir la verdad.

EERIE Nº 01 (DE 2) Guión/Dibujo: VVAA Edición original: Eerie Nº 01 - 05 USA Precio: 30 € Formato: Libro cartoné, 256 págs. Blanco y negro Editorial Planeta de Agostini

Los años 60 fueron una época de gran inspiración e innovación en la forma de narrar de los cómics, y pocos títulos mostraron aquella asombrosa evolución como la revista Creepy. Ésta y la publicación de su incorregible prima, la revista Eerie, reinventaron las historias cortas de terror ilustradas e hicieron que algunas sensibilidades del mundo de la edición underground llegaran a la industria editorial establecida, dejando los inolvidables legados de Alex Toth, Frank Frazetta, Neal Adams, Gray Morrow y muchos otros artistas impresionantes.



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Avalon pondrá a la venta el próximo 30 de mayo el recopilatorio para DVD y BluRay de los 6 capítulos de la serie de TV The Walking Dead. El lanzamiento contará con la colaboración de Planeta DeAgostini Cómics al incluirse en el pack para coleccionistas un libreto de 48 páginas del cómic Los Muertos Vivientes, origen del fenómeno televisivo de la década. Además, la distribuidora también comercializará una versión para Blu-Ray (con el cómic digital de regalo), así como la edición sencilla del DVD. Todo ello con los más completos y exclusivos extras para estar a la altura de la calidad de The Walking Dead.

The Walking Dead is TM and © Robert Kirkman / IMAGE. All Rights Reserved.

La serie, dirigida por Frank Darabont y protagonizada entre otros por Andrew Lincoln, ha batido récords de audiencia en más de 120 países durante su emisión en múltiples canales de televisión. Planeta DeAgostini comenzó a publicar el cómic de Robert Kirkman en 2005. Inicialmente, se proyectó como una entrega única, pero debido al éxito de acogida se convirtió en una colección que cuenta ya con 13 entregas en el mercado. Además, desde este abril, está disponible el primer tomo de la edición de lujo que recopila los 4 primeros ejemplares más materiales inéditos.

Nº 4. Cinemascomics: La revista. Mayo 2011

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