Musica Popular en Guatemala

Universidad de San Carlos de Guatemala Música Popular Guatemalteca Lic. Juan Carlos Pérez Díaz Licenciatura en Música

Géneros Populares en Guatemalteca

Edgar Dionisio Quisquinay Pedro Pablo Morales Chavac Luis Pedro Cruz García Rodrigo Maldonado Ortega Heydi Daniela Contreras Barrios Luis Ricardo Barrios Ajcuc Sergio Pablo Aguilar Hernández

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Cristian Polonsky

200919978

Cristian Polonsky

200919978

Índice

Introducción......................................................... Introducción .................................................................. ................. ................. ........... 3 1. CANCIÓNDE PROTESTA...... ............. ............. ............ ............ ............. ............. ............ ........... ......... ........ ....... ... 4 1.1 Historia....... ............... ................ ............... ............... ................ ............... ............... ................ ................ ............... ............. .......... ........ ........ ......4 1.2 En España....... ............... ................ ............... ............... ................ ............... ............... ................ ................ ............... ............... ............ ....... ... 4 1.3 En Latinoamérica....... ............... ............... ............... ................ ................ ............... ............... ................ .............. .......... ........ ........ ......5 2. LA NUEVA CANCIÓN ...... ............ ............. ............. ........... ......... ........ ........ ....... ....... ........ ........ ........ ........ ....... .....5 3. ROCK...... ............. ............. ............ ............ ............. ............. ............ ............ ............ ............. ............. .......... ........ ....... ....... ......6 3.1 La Década de los 60....... ............... ............... ............... ................ ................ ............. ......... ........ ........ ........ ........ ........ ........ ........ .... 7 3.2 La Década de los 70....... ............... ............... ............... ................ ................ ............. ......... ........ ........ ........ ........ ........ ........ ........ .... 7 3.3 La Crisis de los 80....... ............... ................ ............... ............... ................ ................ ............... ............... ............... ........... ........ ....... ... 8 3.4 El Auge de los 90 ....................... .................................................. ............................................................ ..................................... .... 8 3.4.1 Elvis, El Elegido....... ............... ................ ................ ............... ............... ................ ............... ............... ................ ............... .........9 3.4.2 The beatles........ ............... ............... ................ ............... ............... ................ ................ ............... ............... ............... ........... ....... ... 9 3.4.3 The Rolling Stones........ ................ ................ ............... ............... ................ ............... .............. ........... ........ ........ ........ ....... ... 9 3.4.4 AC/DC....... ............... ................ ............... ............... ................ ................ ............... ............... ................ .............. .......... ........ ........ ...... .. 10 3.5 Rock Ácido Ácido....... ............... ................ ............... ............... ................ ................ ............... ............... ................ ............... ........... ........ ........ .... 10 3.6 Heavy metal....................... metal.................................................. ........................................................... ........................................... ........... 10 3.6.1 Deep Purple........ ................ ............... ............... ................ ............... ............... ................ ................ .............. .......... ........ ........ .... 11 3.6.2 Led Zeppelin Zeppelin....... ............... ................ ............... ............... ................ ............... ............... ................ ................ ............. ......... ......11 4. MÚSICA ROCK ROCK EN GUATEMALA GUATEMALA...... ............. ............ ......... ....... ....... ........ ........ ........ ........ ....... ....... ......11 5. El JAZZ...... ............. ............. ............ ............ ............ ............. ............. ............ ............ ............. ........... ........ ........ ....... ...... ... 16 5.1 Las raíces. ........................ ................................................... .................................................. ................................... ..................... ......... 16 5.1.1 Características....... ............... ................ ............... ............... ................ ................ ............... ............... .............. .......... ........ ......17 5.1.2 Instrumentos....... ............... ............... ............... ................ ................ ............... ............ ......... ........ ........ ........ ........ ........ ....... ... 17 5.1.2 Agrupaciones....... ............... ................ ............... ............... ................ ............... ............... ................ ................ ............ ........ ......18 5.2 Evolución y estilos.......................... estilos..................................................... ....................................... ........................ ................... .......18 5.2.1 Cuadro cronológico del Jazz......................... Jazz. ..................................................... ....................................... .......... 18 ................................................... ........................ ...................................................... ...................................................... ...................................... ...........18 6. EL BLUES ....... ............. ............ ............ ............ ............. ............. ............ ............ ............ ............. ............. .......... ........ .... 19 6.1 Etimología....... ............... ................ ............... ............... ................ ............... ............... ................ ................ ............... ............... ............. ..... 19 6.2 Orígenes culturales culturales........ ................ ................ ............... ............... ................ ............... ............... ................ ............ ........ ........ ......20 6.2.1 Gehard Kubik....... ............... ............... ............... ................ ................ ............... ............... ................ ............ ........ ........ ........ ....... ... 20 6.3 Letras....... ............... ................ ............... ............... ................ ............... ............... ................ ................ ............ ........ ........ ........ ........ ........ ...... .. 21 6.4 Del estilo al género....... ............... ................ ................ ............... ............... ................ ............... ............... ............ ........ ........ ...... .. 21 7. GUARIMBA...... ............. ............. ............ ............ ............ ............. ............. ............ ............ ............. ............. ............ ........23 7.1 Víctor Wotzbelí Wotzbelí Aguilar........ ............... ............... ................ ................ ............... ............... ................ ............... ............ ......... .... 23 8. SON DE PROYECCION....... ............. ............ ............ ............ ............. ............. ............ ............ ............. .......... .....23 8.1 Sones....... ............... ................ ............... ............... ................ ................ ............... ............... ................ ............... ............... ................ ............ .... 24 9. EL VALS.......................................................... ................................................................... ................. ................. ...........25 9.1 Origen.......................... ..................................................... .......................................................... .......................................... .................. ....... 25 9.1.1 Vals ¿vienés o francés?........ ................ ............... ............... ................ ............... ............... ............... ........... ........ ...... .. 26 10. LA POLKA...... ............. ............. ............ ............ ............ ............. ............. ........... ........ ....... ........ ........ ........ ........ ....... ... 27 11. MARCHA...... ............ ............. ............. ............ ............ ............ ............. ............. ............ ............ .......... ........ ........ ....... ... 28 12. EL CHOTIS........................................................ ................................................................. ................. ............... ....... 29 13. PASODOBLE...... ............ ............ ............ ............. ............. ............ ............ ............ ............. ............ ......... ....... ....... .... 31 14. LA CUMBIA....... ............. ............ ............ ............ ............. ........... ........ ....... ....... ........ ........ ........ ........ ....... ....... ....... ... 32 14.1 Origen....... ............... ................ ............... ............... ................ ............... ............... ................ ................ ............... ............... ................ ..........32 14.2 Lugar de origen....... ............... ................ ............... ............... ................ .............. .......... ........ ........ ........ ........ ........ ........ ........ ...... .. 33

Bibliografía...... ............ ............ ............ ............. ............. ............ ............ ............ ............. ........... ........ ........ ........ ........ ...... ..37

Introducción En la Colonia, las manifestaciones musicales en Guatemala también estaban asociadas con actos, fiestas y celebraciones decretadas por los gobernantes. Sin embargo, hay que mencionar las llamadas "farsas" de los indígenas como una forma de expresión donde se combina la música y la danza. Los españoles las permitían porque eran un medio de mantener a los indígenas sin que hiciesen revueltas. La participación de los indígenas era inevitable, utilizaban flautas, chirimías, tambores, atabales, caracoles y cantos. En el concepto de los españoles, la música y bailes indígenas no sólo son carentes de belleza y armonía, sino que tienen una función demoníaca. Por otro lado se desarrollaba un tipo de música cortesana, con conjuntos de aspecto medieval, para los conquistadores; conforme avanzaba el tiempo se requirió la creación de gremios. El clero dio al arte religioso todo su apoyo e impulso. En ese medio, la música religiosa circunscrita al templo y el polifonismo es la corriente que encabeza las expresiones musicales de la colonia, se cultiva el canto litúrgico. Guatemala fue uno de los más importantes centros musicales de la colonia. De esta época (1552) se conoce un villancico probablemente escrito por Gaspar de González, el primer músico español que trabajó para la Catedral de Guatemala. También se sabe, que Guatemala contó con uno de los primeros órganos que aparecen en América. Desde aquella época a nuestros días la música en Guatemala, a demostrado grandes desarrollos en ciertas áreas y formas musicales que hoy en día se conocen como géneros musicales ó música popular. A continuación se presentara la música popular de mayor relevancia en Guatemala, donde se abarca desde sus orígenes hasta la utilización dentro de nuestra sociedad:

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1. CANCIÓNDE PROTESTA Era la denominación que recibía la canción de autor de los años 60 y 70.

1.1 Historia De fuerte contenido reivindicativo, se caracterizaba por su compromiso político y social. Se pueden fijar sus precursores en las canciones sindicalistas y partidistas de finales del siglo XIX, e incluso en los himnos de las revoluciones liberales. Uno de sus grandes precursores fue el sindicalista Joe Hill, quien sería condenado a muerte y ejecutado en 1915 por asesinato. Más inmediatas son las canciones populares de la Guerra Civil Española (algunas de las cuales serían luego recuperadas por cantautores y grupos de punk y ska) y las canciones francesasde la Resistencia durante la II Guerra Mundial. Si bien puede hablarse de precursores como Joe Hill, la canción protesta como tal nace entre la década de los 40 y de los 50 en distintos países: en Estados Unidos, con Pete Seeger, Woody Guthrie, Leadbelly o Malvina Reynolds; en Latinoamérica, con Violeta Parra, Víctor Jara, Alfredo Zitarrosa, Anibal Sampayo, Numa Moraes, Los Olimareños, Atahualpa Yupanqui, Alí Primera; y en Francia, con Edith Piaff ,Georges Brassens y Jacques Brel entre otros. Esta canción de protesta tomará como base en muchas ocasiones formas musicales delfolclore tradicional, haciendo algunos de estos artistas, como Violeta Parra, trabajos de investigación, recopilación y difusión de músicas tradicionales y populares. Pero es en los años 60-70 donde alcanza mayor difusión y repercusión.

1.2 En España La canción protesta en España fue particular, aunque guardando en su mayoría más relación con la canción francesa y latinoamericana que con la norteamericana. Sus precursores, desde los últimos 50 y primeros 60, son Chicho Sánchez Ferlosio, con canciones muy comprometidas; Paco Ibáñez desde Francia, poniendo música a los poetas españoles de todas las épocas; Raimon desde Valencia, el primero en musicar a poetas catalanes; o Mikel Laboa, cantando en euskera. En algunos casos se reunieron en movimientos colectivos, como es el caso de Els Setze Jutges en Cataluña, Ez Dok Amairu en País Vasco o el Manifiesto Canción del Sur, en Andalucía con Carlos Cano como miembro más destacado.

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1.3 En Latinoamérica En Latinoamérica los años 60,70 y 80 sería también la época de mayor auge de la canción protesta, con artistas en Argentina como Nacha Guevara, Mercedes Sosa, León Gieco, Manuel Monestel o Ignacio Copani. En Uruguay tambien el famoso Canto Popular con artistas uruguayos como Alfredo Zitarrosa, Daniel Viglietti, Anibal Sampayo, Tabare Etcheverry, Numa Moraes, Los Olimareños, Los Zucará, Pablo Estramín entre otros. En Chile surgirá el movimiento de la Nueva Canción Chilena, con Víctor Jara, Violeta Parra, Isabel Parra, Ángel Parra,Inti Illimani, Quilapayún, Sol y Lluvia, entre otros. Estos movimientos de canción protesta tendrán posteriormente una influencia decisiva en algunos de los intérpretes de canción protesta en España. En la década de los 70 la Canción Protesta tuvo un papel muy importante en Puerto Rico. La mayoría de los cantautores se dedicaban a criticar y a promulgar el disgusto que había en la isla con el gobierno de los Estados Unidos. Esta música fue ligada en esta época a los grupos y partidos que favorecían de la independencia de Puerto Rico. La Canción Protesta en este país había sido influenciada por cantautores, cubanos, españoles y estadounidenses, entre otros. Uno de los precursores de la Canción Protesta en Puerto Rico es Noel Hernández, un músico autodidacta que con su voz y guitarra en mano, logró expresar su disgusto y dolor por la situación colonial que se vive en la isla. Algunas de sus composiciones son, Guerrillero Guerrillero y Cinco Hermanos Presos. En la actualidad la Canción Protesta se ha convertido es un método para expresar el sentir de la juventud en contra del sistema en el que viven, pero no hay la persecución política que había en la década de los 70.

2. LA NUEVA CANCIÓN Fue un movimiento musical de América Latina y España que apareció más o menos al mismo tiempo —a mediados de la década de los años 1960— en varios países del continente. Se trataba de una canción que difería de la producción popular anterior debido a que poseía un fuerte compromiso social nuevo en América Latina. Se relaciona con el Movimiento del Nuevo Cancionero, lanzado en 1963 en Mendoza, Argentina, con el objetivo consiente de promover una nueva canción latinoamericana.1 Entre sus principales exponentes solistas, algunos de los cuales se mantienen activos, figuran: Soledad Bravo, Rubén Blades, Chico Buarque, Facundo Cabral, Jorge Cafrune, José Carbajal el Sabalero, Katia Cardenal, León Gieco, Gilberto Gil, Horacio Guaraní , Víctor Heredia, Eduardo Meana, César Isella, Víctor Jara, José Larralde, Carlos Mejía Godoy, Luis Enrique Mejía Godoy, Pablo Milanés, Milton Nascimento, Manuel Monestel, Piero, Martin Valverde, Alí Primera, Silvio Rodríguez, Nicomedes Santa Cruz, Gabino Palomares,Mercedes Sosa, Armando Tejada Gómez, Geraldo Vandré, Caetano Veloso, Daniel Viglietti, Alfredo Zitarrosa, Rómulo Castro, etc. Por sus vínculos con la canción latinoamericana también suele incluirse en el movimiento al catalán Joan Manuel Serrat.

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Entre los grupos destacados del movimiento se encuentran el Cuarteto Zupay, Los Guaraguao, Illapu, Inti Illimani, Los Jaivas, Los Olimareños, Opus Cuatro, Pedro y Pablo, Quilapayún, Quinteto Tiempo, Savia Nueva, Convite etc. Este movimiento reconoce antecedentes como Violeta Parra en Chile y Atahualpa Yupanqui en Argentina. Entre las obras paradigmáticas de la nueva canción se encuentran "Pra não dizer que não falei das flores (Caminhando) " (1968), "Canción con todos" (1969), la "Cantata Santa María de Iquique" (1970), "El pueblo unido jamás será vencido" (1973), " Todavía cantamos" (1983), etc. La nueva canción latinoamericana se caracteriza por recurrir al folclore musical tal como se presenta en cada región del subcontinente, arraigado a su vez en tradiciones afroamericanas, indígenas e ibéricas, pero con un espíritu abierto hacia la fusión y el desarrollo de nuevas formas. La nueva canción también ha recibido la influencia de la música popular española moderna, principalmente a través de la obra de Joan Manuel Serrat; del folclore "blanco" estadounidense, a través de figuras como Bob Dylan y Pete Seeger2 y Joan Baez; y del jazz y el rock, tomando contacto cercano, en este último sentido con las formas progresivas del rock en español, como en el caso del rock nacional argentino. Con la caída las dictaduras, en la década de 1980, el regreso de los artistas exiliados de la nueva canción dio lugar a grandes recitales históricos, que se convirtieron en acontecimientos culturales en sí mismos, como sucedió con Mercedes Sosa en Argentina, Quilapayún en Chile, Zitarrosa en Uruguay, etc.  También fueron acontecimientos culturales los recitales de Joan Manuel Serrat y Silvio Rodríguez, luego de que cayeran los gobiernos militares que los habían censurado. Aunque esté claramente ligada a las ideologías de izquierda, socialistas logra no ser solamente una canción panfletaria. Victor Jara definió "Nuestra canción no es una canción de protesta. Es una canción de amor.". Este amor tiene un sentido mas amplio que el romántico. Dijo que era el amor del hombre con su mujer, por sus hijos, por la vida, por su hogar. Así que es una canción con un amplio sentido.

3. ROCK  Rock, término que agrupa de un modo general el conjunto de corrientes musicales que surgieron a mediados del siglo XX en Estados Unidos. Con los años ha perdido el marcado carácter anglosajón que tuvo en sus orígenes para transformarse en un lenguaje universal, sometido a continuo cambio. Al surgir de un modo espectacular y desarrollarse en principio como un fenómeno de masas que trastornó la vida y los ideales de América, no puede considerarse como un movimiento musical en sentido estricto. Sus raíces son tan plurales que sintetizan las principales ramas de la llamada música popular

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estadounidense, sobre todo el blues, el rhythm and blues, el gospel y el country and western. No obstante el rock es en realidad el resultado de la adaptación de estas fuentes a una concepción y una estética “blanca”, lo que generó las primeras actitudes públicas de rechazo, algunas de ellas muy conflictivas. Si el compositor y bluesman negro Muddy Waters lo consideraba como "un hijo del rhythm and blues al que llamaron rock", numerosas organizaciones racistas estadounidenses afirmaban con desprecio y energía, según sus panfletos y los abundantes testimonios de sus líderes de entonces, que representaba la música que "rebajaba al hombre blanco a la categoría del negro".

3.1 La Década de los 60 Entre el 17 de agosto de 1960, día en que The Beatles actuaron por primera vez en el Indra Club de Hamburgo (Alemania), y el 15 de agosto de 1969, cuando se inició en Bethel, estado de Nueva York, el festival de Woodstock, median apenas nueve años. La gran diferencia es que en el Indra apenas había medio centenar de asistentes y a Woodstock acudieron 400.000 personas a ver a Jimi Hendrix,  The Band, Creedence Clearwater Revival o Janis Joplin. El rock había empezado la década como una curiosidad y la terminó como el movimiento más importante del momento. Un aglutinante de la juventud, que lo mismo servía para hacer más llevadera la vida de los soldados en la guerra de Vietnam que para protestar contra esa guerra. Es el momento de la apertura del rock a multitud de corrientes. El rock se vincula con ámbitos geográficos que imprimen un estilo a sus músicos. En Gran Bretaña era Londres el centro de creación y en él crecieron grupos como The Who, The Kinks o Small Faces, que pretendían cambiar el gris país que habían heredado de sus mayores. En Nueva York, alrededor de la Factory, el estudio del artista pop Andy Warhol, se formó The Velvet Underground, el grupo de Lou Reed y John Cale, que imprimió el término underground para referirse a un rock alejado de los circuitos comerciales. A los hippies, divididos en infinidad de grupúsculos, les unía su desprecio a lo establecido y la búsqueda de un nuevo estilo de vida. Su meca era el área de Los Ángeles y la bahía de San Francisco. Jefferson Airplane, Grateful Dead, Frank Zappa o The Doors fueron algunos de sus máximos exponentes y su obra maestra es Pet Sounds un disco de 1966 firmado por The Beach Boys, un grupo que se había hecho famoso gracias a melodías que glosaban la vida de los surferos en las soleadas playas californianas.

3.2 La Década de los 70 En la década de 1970, el rock ya era una industria y un negocio. Y los músicos querían ser lo que se denominó rock stars. Las estrellas del rock vivían en un mundo aparte, una especie de versión juvenil de Hollywood bajo la máxima ‘sexo, drogas y rock’n´roll’. El modelo era The Rolling Stones, que convirtieron en mito su azaroso y escandaloso estilo de vida. La heroína se convirtió en la

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droga del rock. Así, el rock ácido mutó en rock duro, gracias a Led Zeppelin, y a rock progresivo o sinfónico, con Pink Floyd o Emerson Lake and Palmer. Pero el rock se separó de la juventud. Las canciones de tres minutos, sencillas y de mensajes directos, se fueron alargando gracias al virtuosismo de sus músicos que buscaban estructuras cada vez más complejas. El rock de estadio se convertía en una música para ‘mayores’ y los adolescentes buscaban sonidos más divertidos. Por ejemplo el glam rock, un movimiento en el que sus músicos buscaban una imagen ambigua y provocadora gracias a escandalosos vestidos de lentejuelas y maquillajes desmedidos y canciones de rock, convencional en ocasiones, Alice Cooper o Gary Glitter, o sonidos más arriesgados como los de TRex, Roxy Music y sobre todo David Bowie. La respuesta de la industria fue Kiss. Un cuarteto que fue definido como muñecas salidas del infierno que en 1977 eran la banda más popular del mundo. Kiss, que combinaban el rock duro con el glam, fueron los introductores en el rock del concepto mercadotecnia y se publicaron cómics con ellos como protagonistas, se rodaron películas, se vendieron pegatinas, chapas y muñecos.

3.3 La Crisis de los 80 La década de 1980 quedará vinculada a la historia del rock por dos sucesos ajenos a la música. El primero, el asesinato de John Lennon, a manos de un fan desequilibrado, el 8 de diciembre de 1980. Pero sobre todo por el nacimiento, el 1 de agosto de 1981, de la cadena MTV, el primer canal musical de televisión con una programación de 24 horas. La emisora, basada en la emisión de videoclips, necesita 200 mensuales para renovar la programación y eso dará alas a la creación de estos spots de tres minutos que sustituirán al single radiofónico. Musicalmente el videoclip significó el predominio de lo visual sobre lo musical. Los grupos que marcarán la década serán U2, R.E.M. y The Smiths. El final de la década es semejante a la situación anterior al movimiento punk. Bandas estancadas, falta de creatividad y las listas copadas por dinosaurios y grupos prefabricados. Sin embargo, en las discotecas de Estados Unidos se estaba gestando la música electrónica de baile. A mediados de la década de 1980, el disc-jockey Franckie Knuckles del club Warehouse sienta las bases del house, que desembarcaría en Gran Bretaña, vía Ibiza, dando lugar al acid house. Son los clubes los nuevos centros de agitación de una escena que reventaría en la década de 1990.

3.4 El Auge de los 90 El disco compacto es el formato que sustituye al vinilo. Su importancia va mucho más allá del de un simple cambio técnico. Aunque fue creado en la década de 1980, es más tarde cuando se implanta dentro de los hogares. En el compacto caben 74 minutos de música sin interrupciones. Consecuentemente, los discos se alargan y necesariamente pierden calidad. Por otro lado, la cultura de clubes fue para muchos la proclamación del fin del rock. Los jóvenes acudían a raves, fiestas ilegales al aire libre o en almacenes

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abandonados, en las que la música era pinchada por Djs. El rock es un fenómeno en continuo cambio y nunca se puede saber que pasará el mes siguiente . Esa es su grandeza.

3.4.1 Elvis, El Elegido Elvis Presley, nació en Tupelo, Mississippi, en enero de 1935. Pertenecía a una familia humilde del sur de Estados Unidos que se estableció en Memphis en 1948, pero en 1954 ya cantaba y grababa temas de Arthur Crudup y Bill Monroe, oscilando entre el blues, el gospel y el country rural. Por aquella época, el propósito de algunas compañías discográficas, ante la decadencia del country, consistía en descubrir a cantantes que expresaran "sentimientos blancos" con fuerza, voces y corazones negros. Elvis, debido a la poca comunicación entre Europa y América plagió canciones de otros cantantes llevándole a la fama. Casi el 90% de las canciones que tocaba no eran suyas.  También cogió otras canciones de negros americanos, y como en aquella época estaba muy mal visto que un negro se subiese a un escenario a cantar, un blanco, guapo y bien vestido era la bomba. Elvis interpretó canciones de cantantes negros como: Jerry Lee Lewis, Carl Perkins, Johnny Cash, Roy Orbison y Chuck Berry. Salvo Berry, apoyado por Muddy Waters y una discográfica independiente de Chicago, los demás coincidirían en sus primeros trabajos al grabar en 1955 con el sello Sun Records, y de ahí nació la primera leyenda de "los cinco grandes creadores del rock and roll. Algunos lo consideraban el Rey del Rock.

3.4.2 The beatles Desde principios de la década de 1960 el factor más destacado en el panorama del rock estriba en lo que ha venido en denominarse la “respuesta británica”, expresión que engloba las numerosas formas en que los músicos ingleses asumieron las rutilantes novedades procedentes de Estados Unidos. La aparición de The Beatles en 1962, tras diversas intentonas previas para formar una banda estable, estimuladas por el inquieto John Winston Lennon (quien le puso muchos y diversos nombres a la banda) a quien secundaban de una forma regular Paul McCartney y George Harrison y con menor frecuencia el bajista Stu Sutcliffe y el batería Pete Best, supuso el germen de la “revolución británica del Pop Rock”. Tuvieron muchos problemas hasta hallar en Brian Epstein al productor idóneo e idílico que llevará su carrera al estrellato. A partir de ese momento, guiados por Epstein, con un nuevo y potente batería llamado Ringo Starr, graban en los dos años siguientes más de 60 temas.

3.4.3 The Rolling Stones El ansia por imprimir un cambio radical a las formas de vida, a través del rock and roll, quedó de manifiesto con la aparición en escena de The Rolling Stones,

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nombre tomado de un tema de Muddy Waters. Se presentaron en público el 12 de julio de 1962 en el famoso local Marquee de Londres, cuando todavía sus componentes eran una formación insegura. Representaban, entre los reducidos círculos en que se desenvolvían en sus principios, la esperanza británica del rhythm and blues anglosajón y blanco, y en poco tiempo lograron celebridad como réplica a la beatlemanía.

3.4.4 AC/DC AC/DC, grupo de rock británico de origen australiano. Lo fundaron en 1973 en Sydney los hermanos Malcolm y Angus Young, junto con Bon Scott, Mark Evans y Phil Rudd. Han desarrollaron un sonido que se encuadra dentro del heavy metal influido por la música de The Rolling Stones. Sus explosivas actuaciones en directo se hicieron famosas desde un principio gracias, en gran medida, al extravagante estilo de su guitarrista principal, Angus Young, que siempre vestía con uniforme de colegial en los conciertos. En 1976 se trasladaron a Gran Bretaña, e inmediatamente ocuparon los primeros puestos de ventas del. En febrero de 1980, el vocalista Bon Scott falleció por consumo excesivo de alcohol y fue sustituido por Brian Jonson. Llegaron a Gran Bretaña en pleno auge del punk rock, en poco tiempo obtuvieron una enorme aceptación del gran público. El álbum Back in Black  (1980) alcanzó el primer lugar en la lista de los discos más vendidos del país y les catapultó a Estados Unidos.

3.5 Rock Ácido Rock ácido, género musical que prosperó a finales de la década de 1960. Surgió en el área de San Francisco, Estados Unidos, en 1966, estrechamente vinculado a los festivales de rock. A menudo bajo la influencia de drogas psicodélicas como el LSD (dietilamida del ácido lisérgico), sus actuaciones se caracterizaban por las improvisaciones largas y libres, la experimentación con avanzados equipos electrónicos y los espectáculos de sonido destinados a potenciar los cambios en la percepción que las drogas producen. Algunas de las bandas más conocidas de esta rama del rock son Grateful Dead, The Doors y Pink Floyd, aunque otros tan diferentes como Status Quo y The Beatles también experimentaron con este estilo. Algunas bandas de música independiente de las décadas de 1980 y 1990 retomaron los riffs y las guitarras del rock ácido, así como el uso del láser y de otros efectos especiales en las actuaciones.

3.6 Heavy metal Corriente del rock que en su sentido literal se define como metal duro o pesado.

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La expresión heavy metal tiene un origen literario: un personaje creado por el narrador estadounidense William Seward Burroughs en su peculiar código metafórico, al que da vida en La máquina blanda (1961), llamado Chico Heavy Metal. Estos términos fueron utilizados por el crítico de la revista Rolling Stone y más tarde novelista y editor Barry Gifford para aludir pocos años después al movimiento de recuperación del rock and roll en su línea más radical, que encabezaron bandas británicas y estadounidenses como Hawkind, Cream, MC5,  Yardbirds, Iron Butterfly, Steppenwoolf, Blue Öyster Cult y, para algunos analistas, hasta Kinks, The Who o The Stooges. No obstante serán sobre todo grupos como Deep Purple (1968) y Led Zeppelin los que inauguran la era de las superbandas de rock y marcan las líneas maestras del heavy metal, al extremar aún más la postura enérgica adoptada por el hardcore y el glam en las postrimerías de la década de 1960.

3.6.1 Deep Purple En sus primeros tiempos integran músicos de rhythm and blues como Jon Lord, Nicky Simper o el solista Rod Evans, un guitarra tan duro como Ritchie Blackmore, y un batería tan caracterizado y energético como Ian Paice. Sus primeros temas son versiones y dan lugar a una primera época donde Lord imprime un carácter sintético entre el blues, el rock sinfónico más denso y algunas resonancias tomadas de The Beatles, con álbumes como The Book of  Taliesyn y el que lleva el nombre del grupo y les sirve de tarjeta de presentación.

3.6.2 Led Zeppelin Surge en 1968 a raíz de la dispersión de los componentes de Yardbirds, entre los que destacaban las guitarras de Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page. Este último, ansioso por formar su propia banda, llamará en su ayuda al bajo John Paul Jones, y trabará gran amistad con el cantante Robert Plant, quien a su vez convocará al obsesivo batería John Bonham. Con las bendiciones de Keith Moon, el belicoso batería de The Who, y el respaldo de Atlantic Records graban su primer álbum Led Zeppelin en enero de 1969.

4. MÚSICA ROCK EN GUATEMALA La música rock como expresión en la ciudad de Guatemala empieza entre 1960 1976 a grandes rasgos, y sin pretensiones de una clasificación exhaustiva, la historia del Rock en Guatemala, hasta el momento puede dividirse en tres etapas principales. La primera alcanza su apogeo durante los años 70 (aunque su origen -ahora remoto- se pierde en la década anterior), con bandas como Apple Pie, S.O.S, Caballo Loco, Plástico Pesado, entre algunas otras, y desemboca en las que, como Siglo XX, Azúcar y Santa Fe, desaparecerían absorbidas por el hoyo negro de las discotecas rodantes y el monopolio del disco dance. Una segunda fase la constituye la aparición y florecimiento de Alux Nahual durante los 80's, que aún cuando no subsistió en forma aislada (Rocks, Pirámide, Panivers), si superó materialmente lo alcanzado por cualquier agrupación de su época, al punto de trascender en forma solitaria los anales rockeros de Centroamérica. Y una tercera etapa se marca durante el presente

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decenio, cuando logra notoriedad toda una serie de grupos, encabezados por Bohemia Suburbana, Radio Viejo, Fábulas, Legión, La Tona, SURASH, Piedras Negras, Estrés, Ricardo Andrade (RIP) y Los Últimos Adictos, Viernes Verde -et al. Naturalmente, una categorización tipológica de los conjuntos guatemaltecos dedicados al rock tendría que abarcar corrientes de acción muy diversas: la de los rocanroleros de night club que siguen activos, pero repitiendo las primeras canciones de Jagger y de Morrison; la de los mosheros que centran su operación en sus thrash attacks; la de los grupos cristianos que poseen un público cautivo dentro de la amplia red de iglesias protestantes adentro y fuera del país; la de los alternativos que actualmente cuentan con el movimiento más inmediato de seguidores; y, hasta la de los pseudo-rockeros que, como muchos músicos enlatados de México, Puerto Rico y otras partes, duran lo que duran las modas, para pasar de estilo juvenil.. a baladista... a techno... a rock-pop... Con aquellas, y varias otras agrupaciones, podría hacerse la biografía del rock guatemalteco. Sin embargo, más allá de lo puramente descriptivo, un escudriñamiento más analítico abre una pregunta interesante - ¿Qué conexión ha habido, con el paso de los años, entre los grupos de rock de Guatemala? La respuesta, que como involucrado directo en ese proceso me aventuro a ofrecer, resulta poco reconfortante: casi ninguna. Y es que, lamentablemente, el arte musical no se ha escapado a ese triste atributo de la cultura guatemalense, que consiste en que cada generación empieza desde cero, como si antes hubiera habido poco o nada con qué establecer un vínculo y, aún peor, como si lo que viene más adelante, tampoco tuviera nada qué ver con lo actual. Por esto, se presenta poco creíble que, según algunos comentarios circulantes, se haya desatado una polémica entre grupos de rock como Alux y otros. En primer término, porque para que se entablara una polémica, primero tendría que existir una comunicación entre ellos. Desasafortunadamente, si tal comunicación escasea entre grupos musicales coetáneos, menos aún ocurre entre representantes distanciados generacionalmente. A nadie tiene que sorprender que los practicantes de un estílo no acudan a los conciertos de otro; es de dominio que -con pocas excepciones- los músicos locales sólo concurren a los recitales en los que participan ellos mismos, por contrato o por compromiso. Y si no lo hacen cuando jóvenes, menos después, cuando manejan excusas formidables, como lo peligroso que es salir de noche, el exceso de trabajo, la falta de plata, la familia... Polémica podrá engendrarse entre gentes de rock que traten el fondo de los asuntos, y que, amparados por el inobjetale nivel de su producción, presenten argumentos para proponer el avance real de lo que llamamos música, en este caso, la que hacen los grupos de rock guatemaltecos. En sus comienzos el rock fue visto como una moda destinada a desaparecer en poco tiempo. Casi cincuenta años después, el género no solo se mantiene sino que sigue revitalizándose y se ha convertido en una forma de vida para miles de personas. Es una pasión que, de ser consecuente, se conservará por toda la vida y resistirá cuanto cambio de rumbo haya en el camino. Al inicio fue asociado con la rebeldía e irreverencia ante las normas que impone la sociedad. Era la combinación de una forma de ser interior muy especial de corazón, y de aspecto exterior que se tradujo en el cabello largo, la vestimenta

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extravagante y el desafío ante toda norma impuesta. Siendo mayores tienen la satisfacción de haber proseguido en el terreno musical y aún mantienen la anarquía e irreverencia que tuvieron cuando jóvenes. “La mayoría del público”, dice “espera del músico una copia de una canción, espera todavía oír Satisfaction” o cualquier canción de copia que les hace recordar algo. Pero tienen que saber también que el músico no es rockola y tampoco no todo el tiempo va a estar tocando lo mismo”. A su juicio, el músico es mejor cuando se deja expresar lo que tiene en su corazón. Lo que empezó como una pasión juvenil se ha convertido, con el paso de los años, en componente vital de la existencia de Jorge Godínez, Raúl Maquín, Marco Antonio Luna y Carlos Cush, quienes pertenecieron a grupos de la escena rockera guatemalteca de la década de los 60 y 70 como Modulo 5, Caballo Loco, Cuerpo y Alma y Siglo XX. Quien ve por primera vez a Raúl Maquín quizá observe a un hombre de apariencia frágil, cabello largo y bigote abundante, pero cuando toma en sus manos una guitarra eléctrica se transforma totalmente. Pocos minutos son suficientes para verlo emular al genial guitarrista norteamericano Jimmy Hendrix: toca la guitarra con los dientes, se la pasa por la espalda y de repente se desplaza entre las mesas, dedicándole un solo a la primera muchacha guapa que encuentre. A sus 50 años y pese a sus limitaciones físicas –padece de problemas de oído-- Maquín sigue manifestando la misma energía que desplegó cuando militó en el legendario grupo Caballo Loco. A la par suya, un hombre de boina, lentes oscuros y espesa barba canosa ejecuta el bajo con precisión. Su físico delata el paso de los 53 años que lleva sobre la tierra, pero a pesar de ello Jorge Godínez, ex integrante de Modulo 5, considera sentirse muy bien, sin mayores achaques ni problemas propios de la edad. “El rock ha llenado mis expectativas sobre la música. Lo considero una forma de vida, la cual sería muy difícil de abandonar, a menos que cambien tus convicciones y tus valores pasen a otro plano”. Llegar a los 50 años sin abandonar el mundo de la música es un auténtico logro. “Muchos empiezan jóvenes a tocar, pero después el sistema los absorbe y se convierten en receptor – pagador de un banco”, dice el vocalista y fundador del grupo Cuerpo y Alma, Marco Antonio Luna. Para el ser músico significa empujar la piedra del arte. “Es una necesidad que obliga a seguir y seguir, a comprometerse con la música”. En un caso, bromea, “llegará el día en que digan ‘suban a Maco al escenario’, porque ya viejito voy a seguir tocando”. A sus 48 años, Carlos Cush es personaje habitual de las noches de descarga que se ofrecen, cada jueves en el café Tzijolaj, en la zona 1. ¿Qué lo hace seguir tocando a su edad? “Si existe, es Dios”. Hace 32 años se hizo la promesa de dedicarse por entero a la música, luego de haber sido expulsado del instituto por haberse negado a cortarse el cabello. Muchos lo recuerdan como el baterista del grupo Siglo XX. El rock también es sinónimo de libertad y energía. “Una de las cosas que me gusto del rock, es que en el escenario vos podes hacer muchas cosas. Vos podes tocar con un gran desparpajo. La música de rock desprende una energía radiante y te permite cosas que no te permite otro género de música”, afirma Godínez.  Tal postura es ratificada por Maquín, “porque con el rock uno puede descargar lo

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que uno tiene adentro, mucho más que cuando uno está tocando otro género de música que no exige demasiada energía”. Permanecer vigente en la música por más de tres décadas no ha sido fácil. En especial si se tiene en cuenta la hostilidad del medio, la responsabilidad que conlleva el sostén de una familia y las presiones de la sociedad. Tampoco sería exagerado afirmar que son sobrevivientes de toda una generación. De proponerse un retorno de las bandas donde militaron, sería difícil tener, por lo menos a tres de los integrantes originales juntos: o han fallecido víctimas del alcohol o la droga, o han emigrado a Estados Unidos o se han unido a una secta religiosa. A esto hoy que añadir a quienes se interesaron pasajeramente en la música por moda y vanidad, y actualmente ejercen profesiones que les han garantizado la estabilidad económica y familiar. Espíritu de rockero Rony de León. (Los SOS de 1969: Armando Fong, Rony de León, Jorge Jiménez y Jaime Chavarri) Sin lugar a dudas, el desaparecido Rony de León (1946-1997), ex vocalista de la mítica agrupación SOS, aún seguirá presente en los escenarios. Quienes lo vieron cantar en cualquiera de las agrupaciones que integro –Xibalbá, Xzot, Liverpool y Por Siempre— lo recuerdan como una persona llena de energía y pasión por el rock, caso como en ningún otro componente de su generación. Los tres sencillos que grabara con SOS se han convertido en auténticos clásicos. Superaban la mera copia de una canción al añadirles arreglos propios y brindarles un tratamiento muy personal. Rony le imprimió la fuerza que lo caracterizaba a canciones como “All my loving” y “Babys in black”, de los Beatles, “See see rider”, de Eric Burdon & The Animals, y su obra maestra: “Medalla”. La versión que grabaran de “Badge”, el éxito compuesto por el todavía llorado George Harrison al lado de Eric Clapton, e interpretada por el trío británico Cream, se ha convertido en un hito de la música local y motivo, según cuenta su hermano Larrimer, una llamada de felicitación por parte del mismo Clapton, quien le aseguró que era mejor a la original. Maco Luna afirma que mientras muchos de sus compañeros de ruta se vieron obligados en un momento a tocar otros géneros musicales para sobrevivir, “Rony fue el rockero no contaminado. Siempre cantó rock. Nunca lo oí cantar una salsa o una bossa nova”. El nuevo aire que tomó con "Por Siempre" se tradujo en la grabación de un CD, aún inédito, que registra las versiones que hiciera traducidas al castellano de clásicos del rock. Supo resumir su pensamiento y filosofía de la siguiente manera: “Nací de treinta, me siento de treinta y moriré de treinta”. Las bandas y artistas más destacados son: Alux Nahual Viernes Verde Bohemia Suburbana La Tona Radio Viejo Extinción Ricardo Andrade y Los Últimos Adictos Surash Razones de Cambio Dharana Eternal Life Anarkia Andrómeda Conciencia Sublime entre otros. En la búsqueda de abrir brecha para la expansión del rock guatemalteco cada año, desde hace una década, se realiza un festival denominado Garra Chapina, que es organizado por Viernes Verde y la radio internet El Circo del Rock

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A mediados de los 90's comienza a adaptarse en Guatemala el Rock o Metal Neoclásico, el cual se destaca por primera vez por la banda llamada Vox Dei en su álbum "Rompiendo el molde", Este sirve de mucha influencia para las bandas Guatemaltecas y a principios del año 2000 este género comienza a ser absorbido de manera grande en Guatemala interpretado por bandas de mucha calidad musical tales como Andrómeda, Sangre Inocente, Nova Epica, Eternal Life, Anarkia entre otros. En el 2009 Eternal Life debuta su primer demo netamente Neoclásico con algunos movimientos de Hard Rock y Progresivo, contando con espléndidos solos de parte del joven guitarrista Julio Valle, tomando la influencia de bandas y músicos como: Yngwie Malmsteen, Greg Howe, Simphony X, Autograph y Rata Blanca, entre otros. Hoy en día el rock en Guatemala es fuerte, contando con bandas de calidad y muchos lugares para disfrutar de esta corriente musical.

Algunas bandas son: Andrómeda Alux Nahual Apple Pie Basilea Bohemia Suburbana Caballo Loco Caravana Sicodelis Colectivo Pata de Conejo El Clubo El Quijote El Tambor de la Tribu Extinción Fábulas Gangster Gerión Golpes Bajos Hedras Ramos La Gran Calabaza La Racha

La Tona Legión Letargo Los Reyes Vagos Radio Viejo Razones de Cambio Ricardo Andrade Stygma S.O.S Tavo Barcenas Two Miles From Shore Vos Tampoco Viento en Contra Viernes Verde Woodser Artífice Fortuna fugaz

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5. El JAZZ  El jazz es un tipo de música difícil de definir, puesto que en la mayor parte de los casos su estudio teórico se ha abordado desde los principios de la música clásica por musicólogos europeos y el jazz se resiste a ser abordado desde fuera de su propio universo. El jazz, como muchas otras artes se explica a sí mismo, y sólo la experiencia de su audición permite comprenderlo.

5.1 Las raíces. El jazz es el fruto del encuentro de la tradición musical africana y la europea, en un escenario preciso, Estados Unidos, a raíz de la llegada de los esclavos negros desde principios del siglo XVII. En el siglo XIX, la religión cristiana (sobre todo las iglesias baptista y metodista) fue impuesta a muchos de estos esclavos, que encontraron en los textos del Antiguo Testamento numerosas analogías aplicables a su propia situación y en las corales una forma de expresión musical. Con el paso del tiempo esos salmos teñidos de tradición africana darían lugar a lo que se conoce como GOSPELL, canto religioso que adopta formas diversas: la prédica del pastor, los grupos vocales y gran número de solistas especialmente femeninas. La música religiosa convivía con la profana: canciones de plantación, baladas, y otras formas de expresión popular, tanto africanas como europeas, que alimentarían uno de los grandes pilares de la música afroamericana, el BLUES. Si nos atenemos a criterios musicales el blues es una estructura de doce compases, que utiliza las llamadas “blue notes” , alteraciones de la tercera y séptima notas de la escala, pero el blues es mucho más, hay quien lo traduce por tristeza, aunque es más acertado la definición de los propios cantantes de blues: “Blues is a feeling” , es una sensación, un sentimiento. Por otro lado surge en Saint Louis hacia 1870 un estilo pianístico, que sin llegar a ser jazz se acerca mucho por su carácter dinámico y saltarín, es el RAGTIME, su característica principal es la superposición de un ritmo regular tocado por la mano izquierda y un ritmo sincopado que va haciendo la mano derecha, a veces también utiliza las “blue notes”. Su origen parece ser que está en las danzas que bailaban los esclavos parodiando a sus amos. Las partituras de ragtime se

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grababan en “rollos de cartón” para piano mecánico o pianola y su músico más representativo fue Scott Joplin. El nacimiento del jazz se pierde en esa confluencia de formas y estilos musicales de la cultura afroamericana que se produce a finales del siglo XIX: el gospell, el blues, el ragtime, las marchas militares, la música de baile europea....Toda esta mezcla creará el transfondo sobre el que Jerry Roll Morton se permitiría autoproclamarse “inventor del jazz”.

5.1.1 Características - Superposición de ritmos regulares e irregulares, con la utilización de notas a contratiempo y síncopas. Ambas consisten en una alteración del ritmo, se trata de acentuar una parte débil del compás, pero mientras que la síncopa continúa en la parte fuerte, las notas a contratiempo terminan antes de comenzar la parte fuerte siguiente. - La improvisación. La forma más común de los temas de jazz clásico (anterior al free jazz, años 60) es la forma canción (AABA). Cada una de las partes suele tener 8 compases. El músico de jazz al improvisar crea nuevas melodías, puede hacerlo adornando las melodías existentes o creando nuevas líneas por encima de las armonías dadas, que están en la base de toda la composición.

5.1.2 Instrumentos El jazz es una música de raíz africana con elementos occidentales, esto se refleja en los instrumentos se utiliza. Fundamentalmente se dividen en dos clases: los que marcan el ritmo (rítmicos) y los que tocan la melodía (melodía). - Rítmicos: Batería. Se empezó a utilizar muy tempranamente pero como un instrumento secundario, que acompañaba a los solistas. Pronto se convirtió en uno de los más importantes de cualquier formación. Contrabajo. Tocado directamente con los dedos. A veces se sustituía por una tuba. - Melódicos: Piano. Utilizado ya en el ragtime, pasó al jazz como instrumento protagonista. Trompeta. Tuvo una importancia enorme hasta los años 40 en que fue remplazada por el saxofón. Antes de la trompeta se empleaba un instrumento parecido, la corneta.

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Saxofón. Se puso de moda con Coleman Hawkins y pasó a convertirse en solista a partir de la revolución de Charlie Parker. Banjo. Era el instrumento más importante de la música popular norteamericana. Se utilizó hasta los años 20, luego cayó en desuso sustituido por la guitarra.

5.1.2 Agrupaciones Las agrupaciones instrumentales en jazz son muy variadas, pueden ir desde un instrumento solista a grandes bandas de hasta 50 músicos. Las más comunes son: - TRIO. Formado generalmente por dos instrumentos rítmicos (batería y contrabajo) y uno melódico, que suele ser el piano o la guitarra. Esta agrupación se puso de moda a partir de los años 40 con el inicio del jazz moderno. - CUARTETO. Es quizás la agrupación más característica, consiste en añadir a la anterior un instrumento de viento, trompeta o saxofón. En un QUINTETO habrá dos instrumentos de viento. - BIG BAND. Las más comunes cuentan con una sección de ritmo (piano, contrabajo, batería y guitarra) y otra de viento de viento (saxofones, trompetas y trombones). La época más importante de este tipo de agrupaciones fue en los años 30 o “era swing”.

5.2 Evolución y estilos. Estilo Nueva Orleans. Esta ciudad fue la cuna del jazz, aquí nació Jerry Roll Morton, que si bien no inventó el jazz, sí fue uno de los primeros músicos que tuvo conciencia de que esa música, en la que se entremezclaban tantas influencias y que partía de una tradición un tanto difuminada, era una “nueva” música. En este primer jazz todavía se aprecian claramente los lazos con la música de pasacalle y con el ragtime. Figuras indiscutibles de este momento son los cornetistas Buddy Bolden y posteriormente King Oliver 

Pronto los grupos de jazz comenzaron a emigrar a otras ciudades de Estados Unidos, como Nueva York o Chicago, y en 1917. Tras la clausura del barrio de Storyville, (en el que a lo largo de veinte años habían encontrado cobijo la prostitución y toda su infraestructura recreativa), esa emigración fue masiva.

5.2.1 Cuadro cronológico del Jazz.

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E.NUEVA ORLEANS ESTILO RAGTIME DIXIELAND CHICAGO

SWING

BE-BOP

COOL

FREE JAZZ

1900

1910

1930

1940

1950

1960

*Scott Joplin

*Jerry R. *King Oliver  Morton *Louis *Budy Bolden Armstrong *Original *Duke Dixieland Ellintong Band *Count Basie *Coleman Hawkins *Bix Beiderbecke

*Benny Goodman *Glenn Miller  *Billie Holliday *Ella Fitzgerald

*Charlie Parker  *Dizzy Gillespie *Thelonius Monk *Sara Vaughan

*Chet Baker  *Modern Jazz Quartet

*Ornette *Miles Coleman Davis *Cecil Taylor  *Charles Mingus

1920

JAZZ CONTEMPOFUSION RÁNEO

1970

1980

*Wynton Marsalis *Lester Bowie *Omar Hakim

6. EL BLUES (cuyo significado es melancolía o tristeza) es un género musical vocal einstrumental, basado en la utilización de notas de blues y de un patrón repetitivo, que suele seguir una estructura de doce compases. Originario de las comunidades afroamericanas deEstados Unidos, se desarrolló a través de los espirituales, canciones de oración, canciones de trabajo, rimas inglesas, baladas escocesas e irlandesas narradas y gritos de campo. La utilización de las notas del blues y la importancia de los patrones de llamada y respuesta, tanto en la música como en las letras, son indicativos de la herencia africana-occidental de este género. Un rasgo característico del blues es el uso extensivo de las técnicas "expresivas" de la guitarra (bend, vibrato, slide), que posteriormente influirían en solos de estilos como el rock. El blues influyó en la música popular estadounidense y occidental en general, llegando a formar parte de géneros musicales como el ragtime, jazz, bluegrass,rhythm and blues, rock and roll, funk, heavy metal, hip-hop, música country y canciones pop

6.1 Etimología La frase the blues hace referencia a los blue devils (diablos azules o espíritus caídos), la depresión y la tristeza. Una de las primeras referencias a the blues puede encontrarse en lafarsa Blue Devils, a farce in one act (1798)1 de George Colman. Posteriormente, durante elsiglo XIX, esta frase fue usada eufemísticamente para hacer referencia al delírium trémens y a la policía. A pesar de que la frase, en la música afroamericana, pueda tener un significado más antiguo se atestiguó que en 1912, en Memphis( Tennessee) el músico W. C. Handy ya utilizaba (en su tema Memphis Blues2 3 ) el término the blues para referirse a un estado de ánimodepresivo.4

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6.2 Orígenes culturales Los géneros asociados al blues comparten un pequeño número de características similares, debido a que este género musical adopta su forma de las características personales de cada artista que lo interpreta.5 Sin embargo, existen una serie de características que estaban presentes mucho antes de la creación del blues moderno. Una de las primeras formas de música conocida que guarda similitud con el blues, se corresponde con los gritos de llamada y respuesta (música), los cuales se definieron como «expresiones funcionales de un estilo con acompañamiento o armonía y alejados de la formalidad de cualquier estructura musical».6 Una forma de este estilo pre-blues se pudo escuchar en los lamentos, o gritos de campo de esclavos, los cuales tomaron la forma de «canciones de un sólo intérprete con contenido emocional». 7 El blues, hoy en día, se puede definir como un género musical basado tanto en una estructura armónica europea como en la tradición de llamada y respuesta del África occidental y transformado en una interacción entre voz y guitarra. Muchos de los elementos del blues, como el patrón de llamada y respuesta y la utilización de las notas de blues, pueden encontrarse en las raíces de la música africana; Sylviane Diouf señala algunas características determinantes del blues, como son el uso de melismas y una entonación nasal, que pueden sugerir la conexión entre la música del África Occidental y el 9 blues. El etnomusicólogo Gerhard Kubik puede que haya sido el primero en afirmar que ciertos elementos del blues tienen sus raíces en la música islámica de la parte central y occidental de África. Los instrumentos de cuerda (los preferidos por los esclavos procedentes de las regiones musulmanas de África), estaban generalmente permitidos ya que los dueños de los esclavos consideraban que dichos instrumentos se asemejaban a otros instrumentos europeos, como el violín. Debido a ello, aquellos esclavos que eran capaces de tocar un banjo, u otro instrumento de cuerda, podían hacerlo con mayor libertad. Este tipo de música solitaria de esclavo muestra elementos de un estilo árabe-islámico basado en la huella que el Islam ha impreso durante siglos en África Occidental

6.2.1 Gehard Kubik  Kubik también apuntó que la técnica Misisipi de tocar la guitarra, mediante una cuchilla afilada (utilizada por W. C. Handy), corresponde a un tipo de técnica musical similar usada en ciertas culturas del África central y occidental. El diddley bow —el cual se piensa que fue muy común en todo el sur del continente americano durante los primeros años del siglo XX—, es una derivación de un instrumento africano, el cual es muy probable que ayudara en la transferencia de técnicas en los primeros comienzos del blues. La música blues adoptó más adelante elementos del ethiopian airs, minstrel shows y espirituales negros, incluyendo instrumentación y acompañamiento armónico.11 El género también está relacionado con el ragtime, el cual se desarrolló por la misma época, aunque el blues «preservó mejor los patrones melódicos de la música africana». 12

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Canciones blues de este período, como las de Leadbelly o las de Henry Thomas muestran una amplia variedad de estructuras, convirtiéndose en las más habituales las formas musicales de doce, ocho o dieciséis compases, basadas en los acordes tónicos, subdominantes y dominantes.13 Las raíces de la que hoy en día se conoce como la estructura blues de doce compases, están documentadas en la historia oral y en las partituras de las comunidades afroamericanas que habitaban las regiones del bajo Misisipi, en la calle Beale de Memphis y en las bandas blancas de Nueva Orleans.

6.3 Letras La forma original de las letras de blues consistió, probablemente, en una única línea repetida tres veces. Más adelante, la estructura actual, basada en una única repetición de una línea seguida por una línea final, se convirtió en estándar.14 Estas líneas solían ser cantadas siguiendo un patrón más cercano a una conversación rítmica que a una melodía. Los primeros blues, con frecuencia, tomaban la forma de una narración la cual solía transmitir mediante la voz del cantante sus penas personales en un mundo de cruda realidad: «un amor perdido, la crueldad de los agentes de policía, la opresión de los blancos y los tiempos difíciles». 15 Gran parte de los blues más antiguos contienen letras más realistas a diferencia de la mayoría de la música popular que se grababa por aquellos tiempos; por ejemplo, la canción Down in the Alley de Memphis Minnie, trata sobre una prostituta que mantiene relaciones sexuales con un hombre en un callejón. Este tipo de música se denominó gut-bucket blues, un término que hacia referencia a un instrumento musical casero (con forma de bajo) fabricado a partir de un cubo de metal el cual era utilizado para limpiar los intestinos de los cerdos para preparar chinchulín (un tipo de comida que se asociaba con la esclavitud). Los blues gut-bucket solían ser depresivos y trataban acerca de las relaciones ásperas y difíciles, de la mala suerte y de los malos tiempos; debido a este tipo de canciones, y a las calles donde se interpretaban, la música blues adquirió mala reputación, llegando a ser criticada por predicadores y feligreses. A pesar de que el blues solía asociarse con miseria y opresión, también puede adquirir tintes cómicos o humorísticos, y en muchos casos, connotaciones sexuales. El autor Ed Morales afirma que la mitología yorubá jugó un papel importante en los primeros blues, citando el tema Cross Road Blues del músico Robert  Johnson como una «referencia finamente velada a Eleguá, el orishá encargado de los caminos».16 Sin embargo, algunos artistas prolíficos de blues, como Son House o Skip James tuvieron en su repertorio varias canciones religiosas cristianas o de estilo espirituales. Reverend Gary Davis y Blind Willie Johnson son algunos ejemplos de artistas que suelen categorizarse por su música como músicos de blues, a pesar de que las letras de sus canciones corresponden claramente a espirituales.

6.4 Del estilo al género

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Durante las primeras décadas del siglo XX, la música blues no estaba claramente definida en términos de progresión de acordes. Había una gran cantidad de temas blues que utilizaban una estructura de ocho compases, como How Long Blues, Trouble in Mind, y Key to the Highway del músico Big Bill Broonzy.  También se podían encontrar temas blues con estructura de dieciséis compases, como en el tema instrumental de Ray Charles Sweet 16 Bars y en el de Herbie Hancock Watermelon Man. También podían encontrarse estructuras de compases menos frecuentes, como la progresión de nueve compases del tema de Howlin' Wolf Sitting on Top of the World. El desarrollo básico de una composición blues de doce compases se refleja en el estándar de progresión armónica de doce compases, en un compás de4/4 o (raramente) en un compás de 2/4. Los temas blues lentos suelen tocarse en un compás de 12/8 (4 pulsos por compás, con 3 subdivisiones por cada pulso). Hacia los años treinta, el blues con una estructura de doce compases se estandarizó. Los acordes blues asociados a una estructura blues de doce compases suelen estar compuestos normalmente por tres acordes distintos, los cuales son tocados a través de un esquema de doce compases: I7 I7 o IV7 IV IV7 7

I I7 7 I I7 7 o V7 IV7 7I I7 V7 En el gráfico superior, los números romanos indican los grados de progresión; en el caso de que se interprete en una tonalidad de fa, los acordes serían los siguientes: o F F7 F7 F7 Bb7 7 Bb Bb7 F F7 7 7 F F7 C7 Bb7 7 C7

o

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7. GUARIMBA 7.1 Víctor Wotzbelí Aguilar Wotzbelí Aguilar fue discípulo de  Jesús Castillo en Quetzaltenango, donde participó en el desarrollo del repertorio para marimba que caracterizó la música de Guatemala desde principios del siglo XX. Escribió numerosas composiciones para piano que después adaptó a la marimba, obteniendo una amplia divulgación de su música. Sus composiciones estaban y todavía están entre las favoritas de los conjuntos de marimbas de Guatemala. Aguilar estableció un género nuevo, el género de la guarimba, un ritmo de danza en compás de 6/8 con frecuentes hemiolas que luego fue adoptado por muchos marimbistas autores de música bailable. Entre sus numerosas composiciones, un gran número integra todavía el repertorio.  Tenía especial gusto en transformar el aire del son guatemalteco en un movimiento rápido con acompañamiento similar al de la marcha escrita en compas de 6/8, lo que le dió lugar a la creación del ritmo de "guarimba", el cual con mucho orgullo para los guatemaltecos, se estima actualmente como música representativa de la raza mestiza. Esto se considera asi, porque tiene características del son chapín, con acompañamiento rítmico y adaptaciones tonales de la música europea. Es Wotzbelí Aguilar el compositor de música ligera que más ha penetrado en la conciencia del pueblo guatemalteco, por su estilo específico del uso del compás de seis octavos (comúnmente llamado seis por ocho), ya que en el parece estar cristalizado el espíritu del nativo fusionado con el conquistador. De sus obras son muy conocidas: "Utz pin pin"; "Actualidad"; "La Cruz del Cerrito"; "Añoranza"; "Occidente"; "Tristezas Quetzaltecas"; "La patrona de mi pueblo"; "Los trece", etc., melodías que hasta la fecha se escuchan constantemente en nuestras marimbas.

8. SON DE PROYECCION Se define proyección folklórica como la expresión de fenómenos folklóricos producida fuera de su ambiente natural y cultural, por obra de personas determinadas o determinables que se inspiran en la realidad folklórica, cuyo estilo, formas, tipos o carácter trasuntan y reelaboran en sus obras, destinadas al público general, preferentemente urbano, al cual se transmiten por medios técnicos, mecánicos e institucionalizados, propios de la civilización en vigencia, manifestándose ya en el plano de la creación artística. Por lo anterior decimos que el son de proyección es el ritmo de son tradicional con temáticas culturares y fines folklóricos, para el público general.

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8.1 Sones Las melodías del son chapín involucran diversos tipos. El libro La Marimba en Guatemala, de la Marimba de concierto de Bellas Artes, lo encasilla así:

8.1.1Tradicional. Es anónimo, contiene elementos melódicos antiguos, es repetitivo, carece de una cuadratura rígida y es abierto en cuanto al número de frases melódicas y compases. Se interpreta en marimba de arco y tecomates y marimbas sencillas; grupo de cuerdas con arpa, rabel y guitarrilla; dúos de pito y tamborón, chirimía y tambor, pito y tun o tríos de pito, tamborón y caja.

8.1.2 Mestizo Se da en los centros urbanos del país. Por los regular, se interpreta en marimba doble o cromática y ensambles de marimba e instrumentos de viento. Su ritmo es lento.

8.1.3 Barreño El son barreño tradicional se caracteriza por sus ritmos moderados; el son barreño mestizo, en cambio, tiene ritmos alegres, aunque ocasionan hay acompañamientos lentos y melancólicos.

8.1.4 De Pascua Sus movimientos son rápidos y adapta ritmos navideños.

8.1.5 Chapín Es alegre y se interpreta en los sectores urbanos, en grupos de marimba doble o cromática y en bandas de música militar o religiosa.

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9. EL VALS El refinado estilo del "baile de salón" por excelencia seduce al Viajero Ilustrado y loimpulsa a indagar los orígenes de esta danza que traspasó largamente los límites deViena de la mano del talento de Johann Strauss hijo. Según algunos historiadores, elvals deriva de los landler, rústicas danzas montañesas bailadas en la Edad Media por campesinos del sur de Alemania y Austria. Un lento compás de tres tiempos hacía girar a las parejas varias veces en el sitio. otros sostienen que los precursores del waltzen(que significa "dar vueltas bailando") fue el nachtanz, una danza popular de Bavaria enel siglo XII. El vals vienés, repudiado al principio por la alta sociedad, invadió los más prestigiosos salones europeos tras la Revolución Francesa en 1789. Nobles y burgueses,cautivados por la música de Johann.El cuerpo erguido, la mano derecha del hombre suavemente posada sobre el hombroizquierdo de la mujer, la mano izquierda de ella apoyada sobre el brazo derecho de su pareja y las cabezas de ambos ligeramente giradas hacia la izquierda, Todo el cuadro trasunta elegancia, cada movimiento surge con natural delicadeza. La romántica melodía del vals puede empezar a sonar y los bailarines alternarán giros a derecha e izquierda, según los compases del tradicional tres por cuatro.LA

9.1 Origen Originariamente, el vals, en alemán Walzer, que significa girar, deriva de los landler, danzas montañesas y rústicas del sur de Alemania y de Austria, bailadas, ya en los siglos XII y XIII, en un lento compás de tres tiempos, con las parejas que giraban, toscamente, en el sitio. El landler se extendió por gran parte de Europa durante el siglo XVIII; pero únicamente en ambientes rurales, puesto que como baile "serio" estaba muy mal visto, y, al igual que otras danzas campesinas, era repudiado por la alta sociedad, pero con la revolución ideológica de finales del siglo XVIII, pasa a ser bailado por la burguesía y la nobleza en los salones más prestigiosos de Europa. Con la introducción del landler en el ambiente urbano de Viena y otras ciudades, se produce una transformación, convirtiéndose en el vals que modernamente conocemos como vienés. Mantuvo el tempo ternario y su peculiar forma de bailar dando giros, pero también se introdujo un mayor refinamiento de las formas seguido de una reforma estructural. El nuevo vals, que nace como consecuencia de los cambios producidos en el mundo occidental, ya estaba preparado para conquistar las salas de baile más exquisitas de todo el mundo. En este momento, cuando ya se pone fin a la etapa absolutista y la burguesía pasa a adquirir un papel muy importante a costa de la nobleza, la aparición del vals en la alta sociedad es la mayor revolución de toda la historia de los bailes. Que un hombre abrazara a una mujer por la cintura y bailaran ambos frente a frente, en posición cerrada, era algo jamás visto entre gente educada. Las aprensiones y los prejuicios fueron superados y desde entonces el vals vienés nunca ha dejado de ser el baile de salón por excelencia, a pesar de los innumerables nuevos ritmos bailables, surgidos con posterioridad. Con su ritmo hipnotizador, lleva dos siglos cautivando al público y continúa siendo una tradición en las bodas. Es el número uno entre los bailes románticos, y su tradición se renueva todos los años, desde 1941, con el tradicional concierto de Año Nuevo de la Orquesta Filarmónica de Viena, seguido vía satélite por más

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dedos mil millones de personas. Las primeras melodías de vals vienés datan de 1770. Fue introducido en París en 1775, pero transcurrió un cierto tiempo hasta que llegó a ser popular. En1813, Mr. Byron condenó el vals vienés por ser un baile inmoral. En 1816 el vals vienés fue aceptado de nuevo en Inglaterra, pero aún había cierto rechazo hacia él en algunos sectores. En 1833, un libro de "buena conducta" fue publicado por la señorita Celbart, y, de acuerdo con éste, sólo se permitía a las mujeres casadas practicar este baile. Ella lo llamó "a dance of too loose character for maidens to perform" (un baile demasiado inmoral para ser bailado por señoritas).El vals vienés debe su desarrollo a tres músicos austríacos, Johann Strauss padre, Josef Lanner y Johann Strauss hijo (al que apodaron como Schani, para distinguirlo de su padre), los cuales le dieron su típica forma vienesa, seductora y llena de brío. Con sus creaciones, el vals alcanzó una popularidad sin precedentes en todo el mundo. Pero es quizás "El Danubio Azul", creada en 1867 por Strauss hijo, la obra cumbre del vals vienés. Una impresionante obra de la que, en ese mismo año, se editaron más de un millón de ejemplares y que, en1899, todas las orquestas de Viena tocaron al paso del féretro de Johann Strauss. Una forma más serena del rápido vals vienés se desarrolla en América alrededor de 1870. Originalmente recibe el nombre de Boston y se caracteriza por su lentitud. Eso permitió a los bailarines introducir un nuevo repertorio de figuras y elementos que no eran posibles de ejecutar con los rápidos "vieneses".

9.1.1 Vals ¿vienés o francés? Como siempre, hay quienes cuestionan el origen del vals vienés, para atribuirse su paternidad. Desrat, musicólogo francés, sostiene una interesante e interesada teoría. En su historia de la danza contemporánea nos dice que el vals a tres tiempos (forma como se conoce en los ambientes de danza al vals vienés) es de origen francés. Sostiene que Enrique III Compositor Obras de Francia bailó en París, en 1178, Abularach, Salvador Días de el primer vals, bajo el nombre de Gloria Orquídeas de Volte. Este vals embrionario —según el estudioso— hizo las delicias de la corte de Valois. Posteriormente, los alemanes lo adoptaron con el nombre de Walzer .Esta información se publicó en el periódico La Patrie del 17 de noviembre de 1882, editado en París. Al margen de los cuestionamientos sobre los orígenes, todos coinciden en que la música de vals es seductora y romántica, pero a la vez llena de brío. El compás musical3/4, en que el primer tiempo es fuerte, el segundo, débil y el tercero, no tan débil, es increíblemente adecuado al giro. Al impulso del primer tiempo, sigue un giro en suspensión del segundo, que

Alcántara, Germán

Guatemala

Alvarado, Herculano

La Flor del Café Dime que amas

Álvarez Ovalle, Rafael

Electra Las Abril

Beguerisse, Genoveva Beltranena, Rafael

Tardes

me

de

Adriana Elizabeth Miniaturas Recuerdos  Juveniles  Tus Ojos Esmeralda El Centenario Castellanos Oscar Bella Genoveva Desengaño

Degert,

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nos hace sentir muy ligero y, por último, un final de vuelta que nos prepara para el siguiente impulso, sin interrumpir la rotación.

Compositores Guatemaltecos de Vals

10. LA POLKA Su forma deriva directamente del minueto, con una introducción que prepara la entrada del tema y una coda que sirve de final a la obra, se toca con tuba, contrabajo, clarinete y acordeón pero algunos con batería. En compás de 2/4 (dos por cuatro) y tempo rápido, se baila con pasos laterales del tipo "paso", "cierra", paso, "salto" y evoluciones rápidas, motivo por el que se hizo muy popular en Europa y América. La Palabra polca, cuando significa danza de origen polaco y de movimiento rápido en compas de 2 cuartos, viene de checo polca que ses el nombre del mismo baile popularizado apartir de 1835 desde Praga. Unos dicen que está en checo derivado de la palabra pulka que significa medio o mita porque la danza se baila con un paso corto, de ritomo muy ligero. Otros que viene de polaka en omenaje a los polacos a la sazón oprimidos entre Austria Prusia y Rusia. Pero además polca tiene otro significado en Chile las bolitas o canicas. Lo Curioso es que en España se suele decir la expresión “el año de la polca” para referirse a una época ya pasada, muy anticuada, y todo el que lo dice cree que se refiere a los años 40-50 del siglo XIX en el que el baile de la polca hacía furor en los salones. Sin embargo en México es

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Compositor

Obra

 Juan Aberle

Compositores Guatemaltecos de Polkas

Le

Lucciole

 Jesús María Pieds Mignons Alvarado Mi Muñequita Rafael Álvarez Ovalle  Juan Cáceres

Rafaela J.

Leopoldo Cantilena  Jose Cividanes  Jesús Gálvez  Julián González

Ángela La Vuelta Mundo

al

No soy Fea La Felicidad La hoja mañana

de

la

11. MARCHA La marcha es una obra musical que entra dentro de las composiciones definidas por el movimiento o por el ritmo. Puede ser considerada dentro de las danzas andadas. Una marcha regula el paso de un cierto número de personas. Se estructura en compás binario o cuaternario, aunque el más común es el binario. Su ritmo lleva a la división de los tiempos en dos valores desiguales, siendo el primero más largo que el segundo, para lo que se suele hacer uso del puntillo. De esta manera se consigue una acentuación que ayuda a llevar el paso. Una marcha puede presentar características muy diferentes, según sea la finalidad para la que está compuesta: • • • • •

Marcha fúnebre, con andar lento Marcha procesional Marcha nupcial, con aire solemne Marcha redoblada o pasodoble Marcha circense, de paso apresurado

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En Guatemala se han utilizado las marchas procesionales conocidas como «marchas fúnebres» tanto de corte europeo como propio desde finales del siglo XIX y principios del siglo XX, con una cantidad de autores nacionales, utilizadas en su interpretación con bandas tipo marcial utilizando vientos y percusiones, teniendo un auge y popularidad entre las celebraciones de Cuaresma y Semana Santa. Las marchas procesionales tuvieron su origen, según Urquizú, en tiempos coloniales y se distinguen tres períodos en su desarrollo. El primero abarca los años de la Colonia, hasta 1871, que es cuando da inicio la denominada época liberal. Durante este primer período las marchas procesionales reflejan un sentimiento inspirado por una iglesia católica que entonces era omnipresente, pues se encargaba prácticamente de la educación escolar y supervisaba, al menos en términos morales, casi todas las actividades sociales. Entre los maestros de aquella época cabe mencionar a Miguel Pontaza, José  Tomás Guzmán y a Vicente Sáenz. Por su parte Benedicto Sáenz, hijo, tuvo un papel preponderante en la creación de música sacra de la época. Incluso composiciones suyas, como sus misereres, se tocan anualmente en la Tiniebla del Miércoles de Ceniza. "El Tercer Movimiento de la Sonata en Si bemol Mayor, de Chopin, es la creación musical que más ha impactado la Semana Santa", dice Urquizú. Por otra parte, también la sinfonía Fúnebre y Triunfal, de Héctor Berlioz, y la Heróica, de Beethoven, dejaron una fuerte impronta en los compositores locales de entonces. El segundo período inicia con la Reforma Liberal, de 1871, y llega hasta 1944. A esta época le debemos La Fosa, una marcha que aún forma parte del repertorio de muchos cortejos procesionales, del maestro Santiago Coronado. Otros creadores cuyas composiciones evocan aquella época, son Rafael Álvarez, Manuel Martínez Sobral, Marcial Prem, Víctor González, Fernando Escobar y Nicolás González. Sin embargo, llama la atención que en esta época abundan las marchas fúnebres que tienen por nombre sólo un número, lo que demuestra que conformaban una serie dedicada al tema. La época moderna A partir de 1944, Urquizú considera que se inicia la era actual de las marchas fúnebres procesionales. Con el siglo XX también llegó la tecnología a las marchas fúnebres, pues empezaron las transmisiones por radio, las cuales popularizaron aún más este género musical.

12. EL CHOTIS El chotis es una música y baile con origen en Bohemia. Su nombre deriva del término alemán Schottisch (escocés), una danza social

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centroeuropea a la que se quiso atribuir origen en un baile escocés. Diversas variantes del schottisch perviven en la tradición portuguesa, francesa, italiana, inglesa, austriaca, escandinava, finlandesa y mejicana. El chotis se puso de moda en toda Europa durante el siglo XIX. En Madrid, al son de un organillo se baila en pareja cara a cara, y durante el baile la mujer gira alrededor del hombre, que gira sobre su propio eje. Se dice que el hombre no necesita más espacio que el de una baldosa para bailarlo. Generalmente se baila en las verbenas, fiestas típicas de Madrid. Las mujeres suelen bailarlo ataviadas con un mantón de Manila y los hombres suelen lucir una parpusa en su cabeza. El Chotis llegó a Madrid en 1850 y se bailó por primera vez en el Palacio Real, la noche del 3 de Noviembre de aquel año, bajo el nombre de Polca Alemana. A partir de ese momento, alcanzó gran popularidad y llegó a ser el baile más castizo del pueblo de Madrid, hasta convertirse en un símbolo del Madrid festivo. Según el periodista José Ayala, el chotis, y su organillo acompañante, fue introducido en Madrid por un inmigrante siciliano apellidado Abbruzense, que durante una estancia en Viena aprendió el secreto de las pianolas y fue el primero en traerlas a Madrid, instalando su taller en la Calle de San Francisco. Allí en Madrid se las llamó "organillos", y la música de ritmos austríacos que traían llamada Schotis encandilo a los chulapos madrileños. En una calle de Madrid, en la Cava Baja, aún hay un bar que recuerda esta historia y cuyo nombre es "Schotis". Compositor Rafael Alvares

Obra Los Novios Minerva Primera Vez

Nery Verduo

Anita Rosas de mayo

Rafael Castillo

Compositores Guatemaltecos de Chotis

Olimpia

Mónico de León Manuel Hernández

Mensaje De Amor José Fraternidad Quetzalteca

Letra Chotis Popular de España Madrid, Madrid, Madrid. Cuando llegues a Madrid, chulona mía, voy a hacerte emperatriz de Lavapiés;

 Jose La Fuente

Quejas Del Alma Lonidas Mencos Soñando

Lorenzo Morales

La MAGA Oh Patria

F. Moreno

Cantos al ángel Guatemalteca 30 Lucita

Pedro de J. Paniagua

y alfombrarte con claveles la Gran Vía, y a bañarte con vinillo de Jerez. En Chicote, un agasajo postinero con la crema de la intelectualidad y la gracia de un piropo retrechero más castizo que la calle de Alcalá. Madrid, Madrid, Madrid, pedazo de la España en que nací por algo te hizo Dios la cuna del requiebro y del chotis. Madrid, Madrid, Madrid, en Méjico se piensa mucho en ti por el sabor que tienen tus verbenas por tantas cosas buenas que soñamos desde aquí; y vas a ver lo que es canela fina y armar la tremolina cuando llegues a Madrid.

13. PASODOBLE El pasodoble es un baile de origen español de aire alegre y vivaz, inspirado en los movimientos del torero en la lidia. Su música es una evolución, a partir de una marcha militar, hacia un ritmo más festivo y popular en el que tienen cabida instrumentos de percusión tan originales y característicos como las castañuelas. marcha española en compás de 2/4 y tempo allegro moderato, frecuentemente en tono menor, utilizada indistintamente para desfiles militares y espectáculos taurinos. En la década de 1920 se popularizó como baile y muchos de ellos tenían letra. Forma parte fundamental del repertorio de las bandas de música españolas y son muy típicos los pasodobles toreros, dedicados a prominentes figuras taurinas. Suele constar de un primer periodo, a modo de introducción, sobre el acorde de dominante, al que sigue la sección más importante, en la tonalidad principal. A ésta sucede una segunda parte, que podría considerarse como el tradicional trío de las marchas, siempre en tonalidad mayor. Su preparación en la dominante y modo menor está muy relacionada con el modo frigio típico del cante andaluz, con melodía frecuentemente aflamencada. Algunas veces emplean el compás de 6/8, típico de otras marchas del siglo XIX, como la "quickmarch" anglosajona

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Compositor Abularach, Salvador Álvarez Rafael

Guatemala Inmortal Ovalle,

Compositores Guatemaltecos de Paso doble

El Chapín

Los Cadetes

Coronado, Santiago Cospín, Cornelio Cruz Sáenz, Jorge

14.1 Origen

Carlos

La Tuna

Beteta, Eugenio

14. LA CUMBIA

Obra

Los Voluntarios

Niñez y Juventud El día de la Infancia

González, Ramón

Batallón Infantil

La Fuente, José

Gitana Benemérito de la patria

La Cumbia es el aire musical más Honor representativo de Colombia. Nacional Sobre su origen, la mayoría de ElDesfile los folclorólogos reconocen su carácter triétnico; es decir, producto del aporte de tres culturas: negra africana, indígena y blanca. • •

•

La negra aportó la estructura rítmica y la percusión (tambores) La indígena aportó las flautas (caña de millo y las gaitas) y, por ende, parte de la línea melódica. La blanca, por su parte, las variaciones melódicas y coreográficas, y la vestimenta de los danzantes.

Cabe aclarar que esta relación de aportes es algo arbitraria, porque no se puede asegurar que la melodía e interpretación de los instrumentos sean exclusivas de una u otra cultura —con la excepción de la rítmica negra—, ya que si bien las flautas son de origen aborigen, la ejecución de las mismas fueron de dominio primero de los negros, y, posteriormente, de los mestizos, y muy poco de los

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propios indígenas. La razón se explica en virtud del carácter asincopado de la cumbia, tanto en su ritmo como en su melodía. Lo mismo se podría decir de la coreografía de la cumbia, pues la forma de baile de los hombres es, sin lugar a dudas de impronta negra; mientras que la forma de bailar de las mujeres podría ser indistintamente indígena, negra y, por qué no, blanca; aunque algunos folcloristas hacen notar el movimiento de las caderas de las bailarinas como una característica negra y no indígena. Sea cual fuere el origen primigenio de la cumbia como ritmo y como danza, parece que al principio primero se dio la fusión negro-aborigen, en el marco del esclavismo, y luego se enriqueció con el aporte de los europeos. Hoy por hoy, la cumbia espresa claramente el mestizaje de la cultura colombiana.

14.2 Lugar de origen La otra cuestión que interesa a los estudiosos del folclor es el sitio o lugar de nacimiento de la cumbia. Según el maestro José Barros (compositor de la Piragua, Navidad Negra, etc.) la cumbia nació en el país de la cultura indígena Pocabuy (que habitaba la región del Banco, Magdalena. Otros folclorólogos y músicos plantean que la cumbia debió nacer en Ciénaga, Magdalena (cerca de Santa Marta), o en Soledad, Atlántico (cerca de Barranquilla), o en Cartagena, en razón de la cercanía a los puertos por donde entraron inicialmente los conquistadores y colonizadores españoles, Santa Marta y Cartagena. Si la cumbia es de naturaleza negroide e indígena, la lógica nos plantea que la cumbia debió nacer cerca los asentamientos esclavistas, donde los negros podían exteriorizarse o expresarse libremente, y donde podían relacionarse con los indígenas, y estos sitios debían estar cerca de los puertos por donde ingresaron los negros en razón del tráfico de esclavos. Y, como quiera que es muy difícil señalar el lugar de nacimiento de la cumbia, lo mejor es conformarnos con que ésta nació en algún lugar de la Costa Caribe Colombiana, cerca de Santa Marta o Cartagena, de cara al mar y con el peso del grillo esclavista. Las demás tesis, son proposiciones hipotéticas.

14.3 Instrumentación El conjunto típico o autóctono de la cumbia está conformado por una tambora, un tambor alegre, un llamador, un guache (o maracas), y una flauta de millo (o gaitas). El uso de las maracas y de las gaitas se circunscribe a ciertas regiones geográficas: En el departamento del Altántico, el instrumento melódico es la caña de millo o la gaita corta; mientras que en la región de San Jacinto y Ovejas (Sucre), predominan las gaitas: la «gaita hembra» es la que lleva la melodía; y la «gaita macho», marca el bajo contínuo. En el departamento del Atlántico se utiliza también la «gaita corta», que es una flauta recortada con 6 orificios. •

 Tambora: tambor grande de doble parche, marca el bajo.

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 Tambor alegre: tambor de tamaño mediano que lleva la línea rítmica básica. •

•

Llamador: tambor pequeño que marca en contatiempo el compás.

•

Maraca: totumo relleno de semillas de capacho o de piedrecillas de río.

Guache: cilindro de metal relleno de semillas de capacho o piedras pequeñitas de ríos. •

Gaita: flauta vertical, larga, con cabeza hecha de cera de avispa y carbón vegetal, y pluma de pavo o pato. La «gaita hembra» tiene 5 orificios, y lleva la melodía; y la «gaita macho» tiene un solo orificio y hace las veces de bajo. La «gaita corta» tiene 6 orificios. •

Flauta de millo: flauta pequeña fabricada con caña de millo o sorgo, con lengueta, que se ejecuta de manera transversal. •

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Conclusiones

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La música Popular Guatemalteca surge de las vivencias de cada época , así como la las costumbres cambian, la música con ellas. Se puede notar ampliamente que la influencia europea es basta en todas las tradiciones de nuestro país, la música no es lo contrario, en ella podemos encontrar la utilización de diferentes estructuras musicales propias de Europa que nacen junto al desarrollo de la sociedad y su expresión. A pesar que la música popular puede verse replicada en varios países con los mismos nombres, el contexto es sumamente diferente, cada nación coloca su esencia a la música que produce. Los Compositores guatemaltecos han destacado sus instrumentos en mucha de su música especialmente la marimba. Que hoy se reconoce como instrumento nacional por el uso tan peculiar que le dio esta sociedad. instrumento que sirvió de inspiración a grandes artistas y colocó a la música guatemalteca en alto estima. de no ser por las anomalías que el estado presentaba al país seguramente el legado de esta música sería más amplia. En la Actualidad las vanguardias musicales están relacionadas con la tecnología y la implementación de sonidos, instrumentos, ritmos de diferentes índoles, y así crear diferentes inspiraciones, el

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artista popular busca identidad propia en su música. y por eso utiliza todas las posibilidades.

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Bibliografía Información extraída de las Páginas de internet Fuentes Internet: 1. Sergio Moliner Clemente, El Vals [En Línea] Formato html, Disponible en Internet: http://www.terra.es/personal2/danubio/vals1.htm 2.

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