Música después de la Segunda Guerra Mundial
Nombre: Guthemberg Díaz ROL: 2921061-6 Asignatura: Lenguaje Musical Musical del Siglo Siglo XX Profesor: sor: Silvio lvio Ol Olate
Música después de la Segunda Guerra Mundial Después de la Segunda Guerra Mundial, se pudo notar un cambio en la música, evolucionando tecnológicamente. De este modo, se empezó a utilizar las cintas magnetofónicas, sintetizadores y efectos de los mismos, y así revolucionar la música desde la segunda mitad del siglo XIX. Una de las características de esta “nueva” música, fue que ésta ya no estaba regida por reglas, sino que cada artista creaba sus partituras sin una estructura definida.
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Música Concreta
Esta música surge en 1948, en la radiodifusión francesa, específicamente por los experimentos de Pierre Schaeffer en los estudios de grabación. Schaeffer comenzó a probar con los sonidos grabados invirtiéndolos, acelerándolos, ralentizándolos o sobreponiendo sonidos. Así, en 1948 presenta Étude aux chemins de fer (Estudio para locomotoras), hecho de grabaciones de sonidos de trenes. También surgen, en esta música, los objetos sonoros. Estos eran fabricados con ruidos de golpes, cantos de pájaros, ladridos, rugidos, entre otros, los cuales eran grabados en cintas magnetofónicas. Luego, se unían trozos de estas cintas, con otras grabaciones de sonido formando una sola cinta con todos los sonidos que el autor quiera en ella. De esta forma, el compositor trabaja sólo con sonido grabado y la obra final sólo existe como una grabación en cinta. Entonces, la música se reproducía en altavoces y amplificadores desde un reproductor de cintas (magnetófono de cassettes). Acualmente, esta música se hace en computadores y se guardan en archivos de sonidos digitales.
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Música Electrónica
Este tipo de música se caracteriza por ser interpretada por instrumentos y aparatos electrónicos. La música electrónica es un género derivado de la música concreta. Hacia 1897 el estadounidense Thaddeus Cahill creó el primer instrumento electrónico: el telarmonio. Pero no tuvo mucho éxito, ya que el instrumento pesaba 200 toneladas y se necesitaban 30 vagones de tren para su transporte. No obstante, en 1919, el ruso Lev Sergeyevich Termen crea el theremín y en 1928 el francés Maurice Martenot crea el instrumento de ondas Martenot. Este último, fue utilizado por algunos compositores para sus obras como Oliver Messiaen o André Jovilet. Sin embargo, no fue hasta la década del 50’ donde se empezaron a crear obras puramente electrónicas, específicamente en la Radio de Alemania Occidental en Colonia. Ahí, Herbert Eimert ejerció gran influencia por su forma de uso del serialismo total para sus obras electrónicas. Según este método, todos los aspectos de la música, incluidos el tono, el ritmo y el volumen relativo, quedaban bajo el control de unos principios definidos numéricamente.
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Música Electroacústica
Su origen se encuentra a la vez con la de la música concreta y se puede definir como todo aquello que convierte un sonido acústico en un sonido electrónico y viceversa, en esto se encuentran los micrófonos, acelerómetros, altavoces, excitadores de compresión, audífonos, calibradores acústicos, vibradores, etc. Dentro de la música electroacústica se integran diversas tendencias (diferenciadas más por la técnica que por la estética) como el paisaje sonoro. Los micrófonos y altavoces son los máximos representantes de los dispositivos electroacústicos. Estos son denominados genéricamente transductores electroacústicos: dispositivos que transforman electricidad en sonido y viceversa. Esta conversión de energías de naturaleza completamente distinta, se realiza acudiendo a principios físicos tales como el electromagnetismo y la mecánica.
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Música aleatoria o de azar
La música aleatoria es una técnica de composición musical de improvisación de secuencias no estructuradas y sin estar regidas pautas. Tales rasgos improvisadores pueden fijarse en la creación del autor o en el desarrollo de la propia interpretación. Es frecuente, en consecuencia, la composición de piezas aleatorias en las que el ejecutante determina la estructura final de la obra, mediante la reordenación de cada una de las secciones de la misma, o incluso mediante la interpretación simultánea de varias de ellas. Se originó a partir de la década del 50’ con algunos destacados exponentes como el estadounidense John Cage, el alemán Karlheinz Stockhausen o el francés Pierre Boulez, éste último fue alumno del importante compositor Oliver Messiaen.
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Atonalismo
El atonalismo es el sistema musical que prescinde de toda relación de los tonos de una obra con un tono fundamental y de todos los lazos armónicos y funcionales en su melodía y acordes, no estando sujeto a las normas de la tonalidad. El inicio definitivo de la atonalidad se marcó con Arnold Schönberg siendo éste pionero y creador del sistema dodecafónico: técnica de composición en la cual las 12 notas de la escala cromática son tratadas como equivalentes, es decir, sujetas a una relación ordenada que (a diferencia del sistema mayor-menor de la tonalidad) no establece jerarquía entre las notas. Esta técnica se usaba mucho para la década del 50’ por compositores como los italianos Luciano Berio y Luigi Dallapiccola, el francés Pierre Boulez, el argentino Juan Carlos Paz y, después de la muerte de Schoenberg, por el ruso Igor Stravinsky.
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Música repetitiva o minimalismo
La música repetitiva o minimalismo consiste en la repetición de frases musicales cortas, con variaciones mínimas en un período largo de tiempo, éctasis (movimiento lento), a menudo bajo la forma de zumbidos y tonos largos, énfasis en una armonía tonal y un pulso constante. La primera composición que se considera minimalista fue la obra de 1964 In C, de Terry Riley, a la que siguieron, en la década de 1970 las obras de Steve Reich y Philip Glass entre otros.
