uarelle
N°34
L’A RT DE
A Z I N E
Nou veau
D’ART DES AQUARELLISTES
C H NIQ U E EC E R T E CA HI E hoo, ycc h ière, p s y Carr iè ion, t io compo s i t ion… spp i irra t io i inn s 16 pages
EUGENIU GOREAN Ses dernières peintures DYLAN SCOTT PIERCE Les couleurs de l’Afrique DOS OSS SIER : ÊT ÊTR RE p. 76 FEMM FE MME E ET ETAR ARTI TIST STE E 7 FEMM FEMMES ES TÉMO TÉMOIGNEN IGNENTT
PORTFOLIO p.48 RIC ICK K HUANG, JEUNE PROD PR ODIG IGE E DU PO PORT RTRA RAIT IT
RESTER CRÉATIF DANS LA DURÉE p. 88 KEN THRIFT LA FORCE DE L’IMPROVISATION p. 32
RUHYIE YALGIN p. 72 VISAGES, NATURE MORTE : LA PASSION DU DÉTAIL
DÉMO FLEURS JASMINE HUANG VOUS LIVRE SE SESS SECRETS p. 68
COMM MMEN ENTT DO DONN NNER ER DE L’ L’IM IMPA PACT CT À VO VOS S ŒU ŒUVR VRES ES p.p. 90 KATHL KAT HLEE EEN N MA MALI LING NG : CO
" D R -
E 0 0 , 8 : F 4 3 -
3 3 4 9 0 M
’
IMPRIMÉ
PRÈS DE 2 000 PRODUITS À -50% 4,95
€TTC
carton à dessins format raisin 52 x 72 cm
€TTC
7,45
14,95
réf. 5-44707
lotde 3 châ châssi ssiss
réf.5-25305
À PARTIR DE €TTC
0,99
€TTC
4,90
9,95
Gesso 1 l
carnet format format A6
réf. 5-31335
5,45
€TTC
boîte 8 1/2 godets
réf.5-44378
€TTC
4,99
12,95
lot de 6 châssis 20 x 20 cm
réf. 5-25560
0,50
€TTC
€TTC
1,95
3,95
gomme mie de pain
réf. 5-23728
€TTC
2,20
4,45
12 crayons
réf. 5-44939
€TTC
4,75
10,45
aérosol 400 ml
réf. 5-31919
€TTC
4,20
14,95
réf. 5-25747/…
réf. 5-44374
8,45
huile 200 ml
€TTC
coffret 24 godets godets 1/1
taille-crayon
réf. 5-33616
OFFRES VALABLES DU 1 er S E P T E M B R E A U 2 3 O C T O B R E 2 0 1 7
www.geant-beaux-arts.fr
BORDEAUX LILLE LYON MONTPELLIER MULHOUSE NANCY NANTES
NICE PARIS 11 PARIS 13 RENNES STRASBOURG STRASBOURG GARE TOULOUSE
PRÈS DE 2 000 PRODUITS À -50% 4,95
€TTC
carton à dessins format raisin 52 x 72 cm
€TTC
7,45
14,95
réf. 5-44707
lotde 3 châ châssi ssiss
réf.5-25305
À PARTIR DE €TTC
0,99
€TTC
4,90
9,95
Gesso 1 l
carnet format format A6
réf. 5-31335
5,45
€TTC
boîte 8 1/2 godets
réf.5-44378
€TTC
4,99
12,95
lot de 6 châssis 20 x 20 cm
réf. 5-25560
0,50
€TTC
€TTC
1,95
3,95
gomme mie de pain
réf. 5-23728
€TTC
2,20
4,45
12 crayons
réf. 5-44939
€TTC
4,75
10,45
aérosol 400 ml
réf. 5-31919
€TTC
4,20
14,95
réf. 5-25747/…
réf. 5-44374
8,45
huile 200 ml
€TTC
coffret 24 godets godets 1/1
taille-crayon
réf. 5-33616
OFFRES VALABLES DU 1 er S E P T E M B R E A U 2 3 O C T O B R E 2 0 1 7
www.geant-beaux-arts.fr
BORDEAUX LILLE LYON MONTPELLIER MULHOUSE NANCY NANTES
NICE PARIS 11 PARIS 13 RENNES STRASBOURG STRASBOURG GARE TOULOUSE
éd Aborder l’l’aquar Aborder aquarelle elle sous toutes ses facettes La rentrée est déjà là et nous espéron e spéronss que vous avez mis à profit la période estivale pour faire le plein de Salons, d ’e ’expositions xpositions et surtout que vous avez pu vous adonner à la peinture autant que vous le souhaitiez. Si vous rêvez rêvez encore de dépaysement, nous vous donnons dans ce numéro la possibilité de vous évader dans l’île de Patmos, en compagnie de Pedro Cano, grâce au compte rendu d’un de ses stages sous le soleil de la Grèce. Envolez-vous également pour l’Afrique avec Dylan Scott Pierce, jeune prodige américain dont les portraits sont empreints d’une délicatesse rarement atteinte. Ce numéro de l’Art de l’Aquarelle fait également la part belle aux conseils pratiques, avec notamment notre cahier technique, où vous trouverez les recommandations avisées de Joseph Zbukvic sur la manièr manière e de mener une carrière carrièr e artistique, ar tistique, des astuces as tuces pour savoir si votre peinture est terminée, ainsi que 7 clés pour réussir votre composition. Deux aquarelles des artistes américains Ken Thrift et Denny Bond sont également analysées en profondeur par Janine Gallizia, vous permettant permett ant ainsi de mieux comprendre leurs ressorts en matière de création visuelle. Enfin, n’oublions n’oublions pas notre important dossier sur ce ce que signifie aujourd’hui le fait d’être femme et artiste. L’aquarelle est sans doute l’une des rares techniques où les artistes ar tistes féminines sont aussi nombreuses (voire (voire plus nombreuses ?) que leurs homologues masculins. masculins. Pour preuve, dans ce numéro, numéro, des reportages consacrés à des artistes femmes du monde entier entier : Olga Litvinenko, Martine Martine Humbert, Xi Guo, Ruhyie Yalgin Yalgin et Jasmine Huang. Nous avons pourtant posé la question afin de tenter d’en d’en savoir plus : est-il plus difficile d’être d’ être artiste quand on est une femme ?
Ken Thrift, Blue Mountain.
76,2 x 56 cm.
Notre couverture : Eugeniu Goran, Parlement en
l’Aquarelle elle cherche à aborder De quoi donner matière à réflexion, car l’Art de l’Aquar la création sous tous les angles et l ’aquarelle sous toutes ses facettes.
bleu. 37 x 53 cm
Bonne lecture et bonne rentrée ! La rédaction
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
3
Sommaire 22
32
40
92
48
32 KEN THRIFT
6 CONCOURS LECTEURS
12 ACTUS FRANCE & MONDE
Peignant dans un style expressionniste abstrait, l’artiste exprime ses émotions intérieures à travers la couleur, sur un mode opératoire tout aussi intuitif qu’organique.
16 LE TOUR DU MONDE DES SOCIÉTÉS
38 MARTINE HUMBERT
Plus de lauréats, plus de conseils !
La Société française de l’aquarelle
18 RETOUR SUR…
Tout en cherchant à créer une atmosphère, l’artiste cherche à traduire l’a spect esthétique des paysages du Nord.
La biennale d’aquarelle de Brioude.
40 DYLAN SCOTT PIERCE
20 RÉVÉLATIONS
L’artiste américain saisit la beauté et la diversité du continent africain, pour lequel il ressent un sentiment profond.
Pierre Mach et Ken Karlic.
46 TABLEAU À LALOUPE
22 ON Y ÉTAIT
En stage avec Pedro Cano à Patmos.
48 PORTFOLIO RICK HUANG
24 OLGA LITVINENKO
Ses œuvres saisissent avec poésie la vie quotidienne à Saint-Pétersbourg, entre tradition et modernité. Soleil couchant sur les quais de Paris, par Éric Laurent.
l’Aquarelle www.lartdelaquarelle.com
Édité par DIVERTI Éditions - S.A.S. au capital de 250 000 € - 490 317 369 RCS Poitiers - 17, avenue du Cerisier Noir 86530 Naintré, France Tél. : 05 49 90 37 64.
Ce jeune peintre s’a ttache à représenter les peuples de Chine au travers de portraits empreints de délicatesse et d’humanité..
58 TABLEAU À LA LOUPE
30 MA PEINTURE PRÉFÉRÉE
L’ART DE
L’Attente, par Bertrand Martin.
E-mail :
[email protected] Imprimé en France/Printed in France Directrice de publication : Édith Cyr-Chagnon RÉDACTION Directeur de la rédaction : Jean-Philippe Moine Directrice artistique : Janine Gallizia Rédacteur en chef adjoint : Laurent Benoist Secrétaire générale de la rédaction : Élodie Blain Secrétaire de rédaction : Caroline Duchesnes Première rédactrice graphiste : Audrey Salé Rédacteurs graphistes : H. Magnin Scannériste : Franck Sellier.
Once upon a time, par Denny Bond.
DIFFUSION : Frédérik Favier, 05 49 90 09 19. Messagerie : Presstalis RÉGLAGES ET CONTACTS DÉPOSITAIRES : Christelle Czornyj, tél. : 05 49 90 37 52. RESPONSABLE E-COMMERCE : Sonia Seince ABONNEMENTS : Nathalie Réveillon PUBLICITÉ : régie Tahoma, Cédric Célestin, 06 24 38 66 21 -
[email protected] ADMINISTRATION : Fabien Richard Principal actionnaire : Capelitis Groupe
Président : Jean-Paul Cyr Présidente Diverti Éditions : Édith Cyr-Chagnon Imprimerie : MEGATOP, 13, avenue du Cerisier Noir 86530 Naintré L’envoi des textes ou photos implique l’accord des auteurs pour une reproduction libre de tous droits et suppose que l’auteur se soit muni de toutes les autorisations éventuelles nécessaires à la parution. Tous droits réservés pour les documents et textes publiés dans l’Art de l’Aquarelle. La reproduction totale ou partielle des articles publiés dans l’Art de l’Aquarelle. sans accord écrit de la société Diverti Éditions est interdite, conformément à
NOUVEAU
N° 34 Au sommaire de ADA 35
psycho/astuces/carrière/inspiration
(sortie le 5 déc. 2017)
• Être femmeet artiste : le challenged’une vie ? • Composition : 7 clés pour la réussir • Joseph Zbukvic : ses conseilspourrestercréatif • K. Maling : donner de l’impact à ses œuvres
Toutes les réponses aux questions que vous vous posez réunies en un seul cahier. p 76 et suivantes
ALISA SHEA
Des œuvres hyperréalistes et rafraîchissantes qui combinent l’art et l’humain.
90
60
60 XI GUO Teintée de mélancolie, la peinture de Xi Guo est une réflexion sur le cycle de la vie, reflet de la nature.
68 LEÇON DE PEINTURE Alliant expressivité et délicatesse, élégance et modernité, les peintures florales de Jasmine Huang sont des jeux de forme où l’ensemble prime sur le détail.
ET AUSSI 66 LIBRAIRIE 76 VOTRE CAHIER TECHNIQUE
JUDY SALTZMAN
Une approche mêlant support photographique et multiples couches d’aquarelle.
98 VOS PETITES ANNONCES
72 RUHIYE YALGIN La passion du détail anime cette artiste turque, qu’e lle jette son dévolu sur des personnages, des objets ou des textures.
92 NOTRE LAURÉAT, EUGENIU GOREAN Le gagnant de notre précédent concours lecteurs nous parle de son amour pour la peinture de plein-air.
MARIE-FRANÇOISE INGELS Comment et pourquoi libérer sa créativité.
96 APPELS À CANDIDATURES La liste des prochains concours internationaux et tout ce qu’il faut savoir pour y candidater.
www.lartdelaquarelle.com la loi du 11 mars1957 sur la propriété littéraire et artistique. Les articles et photos non retenus ne sont pas renvoyés. La rédaction n’est pas responsable des textes, illustrations et photos qui lui sont communiqués. Commission paritaire : 0917 K 90149. ISSN : 2103-2653. Dépôt légal à la date de parution. Trimestriel – N° 34 – Septembre-Novembre 2017. Abonnement France 1 an (4 n os ) : 27 €. Abonnement Belgique : Service Abonnements Partner Press, 451, Route de Lennik,
1070 Bruxelles. Tél. : 02 556 41 40/Fax : 02 556 41 46. Web : www.viapresse.be. Compte bancaire : IBAN : BE 93 2100 9808 7967 - BIC : GEBABEBB. Important ! Nous prions nos abonnés belges d’indiquer lisiblement sur le talon de versement leurs noms et adresses et de spécifier que l’abonnement est destiné à l’Art de l’Aquarelle . Ce numéro comporte 3 encarts brochés p. 18, 66 et 82. L’Art de l’Aquarelle ISSN : 2103-2653 is published quarterly, 4 times a year (March, June, September,
December) by Diverti Éditions c/o Distribution Grid . at 900 CastleRd Secaucus, NJ 07094, USA. Periodicals Postage paid at Secaucus, NJ. POSTMASTER: send address changes to L’Art de l’Aquarelle c/oExpress Mag,P.O box 2769, Plattsburgh, NY 12901-0239. Origine du papier : France Taux de fibres recyclées : 0% Certification : PEFC Eutrophisation : Ptot 0.01 Kg/tonne
DENNY BOND
Ce maître de la composition nous explique ce qui marche… et ce qui ne marche pas.
Concours
lecteurs
Encore un excellent concours! Nous avons reçu une vaste sélection de peintures de très bonne qualité. Bravo à tous ceux qui ont participé. N’oubliez pas que, même si vous ne voyez pas votre œuvre dans ces pages, cela ne signifie pas qu’elle est mauvaise. Pour réussir dans quelque concours que ce soit, il faut surtout comprendre les raisons qui ont poussé les organisateurs à le mettre sur pied. En analysant simplement leurs intentions, vous allez augmenter vos chances de réussite et, de surcroît, profiter pleinement de l’occasion. Certains concours existent pour attirer de nouveaux artistes, pour favoriser l’émergence de nouveaux styles, pour encourager les artistes à produire des œuvres de très grande qualité ou à être encore plus créatifs. L’Art de l’Aquarelle est le plus prestigieux magazine d’aquarelle du monde. Il est publié en français et en anglais (The Art of Watercolour) et distribué dans 36 pays. Notre concours n’est pas une exposition. Notre motivation est très simple : nous souhaitons inciter les artistes à produire des œuvres de très grande qualité et les publier ensuite pour qu’ils puissent profiter d’une visibilité internationale grâce à notre magazine. Notre action n’est pas seulement profitable aux lauréats, mais devrait inspirer d’autres artistes à viser encore plus haut. C’est pour cette raison qu’il y aura toujours une diversité de styles, de sujets et de techniques parmi les peintures sélectionnées, ainsi que des approches différentes en termes de couleurs et de valeurs. Si nous recevons 10 portraits magnifiques, nous ne pouvons pas tous les publier. Nous nous efforçons d’illustrer la qualité du travail actuel, mais également la diversité. Si vous souhaitez augmenter vos chances de voir votre œuvre dans ces pages ou de gagner un prix, c’est quelque chose à garder à l’esprit.
LES CHOIX DU JURY
Janine Wiget Escargots au repos. 2017. 36 x 24 cm.
Janine Gallizia
6
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE - NOVEMBRE 2017
Un sujet intéressant avec un choix sympa de fond et de palette. Un peu plus d’ombre sur les coquilles donnerait plus de lumière et de profondeur, sinon, très bien !
Alexis Le Borgne Underwater World II. 2017. 61 x 46 cm.
Anne-Marie Alicot Regard de jaguar. 2015. 50 x 70 cm
Un bon por trait animalier. Le résultat est bien, mais attention à ne pas trop séparer le fond du sujet ; cela crée un effet copié/collé. Sinon, belle peinture !
François Durand Méli-vélo. 2012. 48 x 71 cm.
Une bonne illustration de la patience ! Cette peinture est très bien, mais rien ne se détache concrètement de l’ensemble ; il nous manque un point principal qui donnerait beaucoup plus de force à cette peinture.
Un sujet extrêmement difficile! Mais l’effet sous l’eau est très bien rendu, félicitations. Le jeu des bleus est bien maîtrisé et bien pensé, et la composition nous invite et nous tire en avant pour en découvrir davantage.
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE - NOVEMBRE 2017
7
CONCOURS LECTEURS
PREMIER PRIX
Jean-Louis Thibaut Portrait d’Yves. 1990. 95 x 76 cm.
Un portrait superbe qui montre un savoir-faire qui se respecte. L’attention aux détails qui permet de sentir les différents types de tissus vestimentaires, le volume des poches au-dessus des yeux et la rondeur de la cigarette entre les lèvres, l’épaisseur du béret en cuir… La composition est classique, mais même si le personnage est centré sur la feuille, tout est décalé ou coupé pour éviter une symétrie qui le rendrait ordinaire. Son regard est parfait ! Une belle peinture.
8
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE - NOVEMBRE 2017
NOS
COUPS DE CŒUR
Olivier Surin Instant, Carnaval du Roeulx. 2017. 42 x 31 cm
Françoise Tolbiac Labour labeur. 2017. 45 x 60 cm.
Alain Rolland Flânerie nocturne. 2017. 33 x 48 cm.
Anne-Marie Cassière Sylvain. 2011. 30 x 42 cm.
Régis Coulomb Torrent du Pleynet II. 2047. 46 x 28 cm
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE - NOVEMBRE 2017
9
CONCOURS LECTEURS
Patrick Laureys Clairière. 2017. 40 x 50 cm.
Date limite de participation au prochain concours :
5 novembre 2017 à minuit
Robert Scholer Sarada. 2015. 40 x 30 cm.
Théo Cathelinais Chez Huguette. 2017. 29 x 41 cm
Pour finir, et bien que toutes ces peintures soient excellentes, nous constatons une tendance très nette : la plupart des artistes font des efforts délibérés pour être « différents », créatifs » et « originaux ». N’essayez pas d’être extravagant et merveilleux dans le seul but de vous faire remarquer – soyez sincère, car c’est dans la sincérité que nous trouvons la vraie beauté. C’est pour cette raison que nous allons conserver un thème libre pour le prochain concours ; présentez juste le meilleur de vous-même. Bonne peinture à tous ! Janine Gallizia
10
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE - NOVEMBRE 2017
Comment participer VOUS LE SAVEZ, VOTRE MAGAZINE L’ART DE L’ AQUARELLE VOUS OFFRE UN CONCOURS PERMANENT À CHAQUE NUMÉRO AFIN DE VOUS ENCOURAGER À ACCROÎTRE VOTRE TALENT ET À ÊTRE OUVERT À N’IMPORTE QUEL SUJET.
POUR VOUS DONNER ENCORE PLUS ENVIE, NOUS PUBLIERONS DÉSORMAIS PLUS DE LAURÉATS À
Conco rs
lect urs Participera des concours, c’est sympa et ça nous permet d’apprendre beaucoup e c oses si on es a en i . arcon re, on ne sait jamais réellement pourquoi notre travail est sélectionné : est-ce l’ensemble de l’œuvre qui a plu au juge ? Ou certains éléments sont-ils plus réussisqued’autres,etlesquels Vospeinturesont-ellesété séec ionnées carce es es au res étaient moins réussies Et comment savoir i on expiquai tout cela, on pourraitaméliorernospoints faibles, mais dans les concours, vous n’avez jamais les réponses à vos ques ions; c’est-à-dire jamais avant aujourd’hui C’est en travaillant surnos propres faiblesses qu’on progresse le plus, mais la plupart des gens n’ont pas les moyens de les identifier.Attention cependant : ce n’est pas parce que je proposeuncommentaire surune œuvre qu’elle est forcémentplusfaibleque lesautres.J’ensignale jus e queques-une pourvous ai erà mieux
c e
c au x
L’Inconnu, 50x65cm
fonct onnent bien Malgré sont visibles : l compositio un sujet comm me celui ci est veut montrer a surface ondu et la pe nture ui se décole on l’int mité du su et donc il faut un Ci contre j’ai coupé le haut de a pe pour m eux vo r les détails du sujet et j augmenté l’intensité des ombres
Cette peinture est intéressante animée et fa t sourire Il y a une belle harmon e de couleurs et de contrastes Ma sug est on à l’artiste sera uste de fa re attent on à ce que ’appele des for mes malheureuses C’est à dire les formes qui sont créées par la présence d’autres formes L’alignement est trop systématique ci ce qui montre une faib esse de vision au n veau de la compos tion mais e reste est très b en Mon commentaire est un peu dur ma s toujours dans e but d’aider à progresser
Les su ets sont trop li s lle plan ln horizontal
Gré or Dezir
Toujourspu s a u 1 x 4 c m
CHAQUE NUMÉRO, À CONDITION BIEN SÛR QUE VOUS SOYEZ TOUJOURS PLUS NOMBREUX À PARTICIPER.
UN VRAI MOYEN D’ÊTRE ENCORE PLUS MOTIVÉ POUR SE FAIRE CONNAÎTRE DE VOS AMIS, DES AUTRES ARTISTES, MAIS AUSSI DES SALONS ET GALERIES QUI PIOCHENT SANS CESSE DANS LE MAGAZINE POUR LEURS FUTURES EXPOS… N’HÉSITEZ PAS À NOUS ÉCRIRE POUR NOUS FAIRE PART DE VOS RETOMBÉES
FUTURES À
[email protected]
Ce concours est ouvert à tous les lecteurs de l’Art de l’Aquarelle âgés de 18 ans et plus résidant dans n’importe quel pays du monde. Il est limité à une seule participation par personne pour chaque numéro.
Participer à ce concours ne peut s’effectuer que par voie électronique. Pour cela, vous devez vous rendre sur le site www.lartdelaquarelle.com et cliquer sur l’onglet « Concours l’Art de l’Aquarelle ».
Les peintures réalisées 100 % à l’aquarelle sont acceptées, mais aussi celles dont la réalisation a nécessité l’utilisation d’autres techniques, à condition que la technique de l’aquarelle soit dominante dans l’œuvre.
Il n’y a pas de taille minimale pour les œuvres ni de taille maximale. Aucun format n’est imposé.
Pour participer, chaque candidat doit renseigner le formulaire proposé en ligne et joindre les documents listés ci-dessous : • Une photo en format numérique de bonne qualité présentant l’aquarelle choisie pour participer au concours (dimension 10 x 15 cm en 300 DPI minimum, sous le format JPEG exclusivement). Le poids de chacune des images ne doit pas dépasser 10 Mégaoctets. Meilleure sera la qualité des images, meilleures seront vos chances d ’être sélectionné(e)s.
• La photo de l’œuvre doit être accompagnée du nom de son auteur, de son adresse e-mail, du titre de l’œuvre, du format (hauteur x largeur), de l’année de réalisation et de la technique utilisée. • Une photo portrait de l’auteur de bonne qualité (dimensions 10 x 15 cm, en 300 DPI minimum, sous le format JPEG exclusivement). • Les coordonnées complètes du candidat : nom, prénom, âge et date de naissance, adresse, code postal, ville, pays, téléphone et adresse e-mail. • Le candidat doit cocher l’autorisation de reproduction des photos transmises (œuvre et portrait) dans les magazines l’Art de l’Aquarelle et The Art of Watercolour, surles sites www.lartdelaquarelle.com et www.artofwatercolour.com, ainsi que sur les sites web partenaires du concours. • Le candidat doit cocher la déclaration sur l’honneur précisant que la reproduction de la peinture transmise est le fruit de son travail original. Original signifie que l’œuvre n’est pas une copie/contrefaçon d’une autre œuvre, et que si elle a été réalisée d’après photo, cette dernière a été prise par l’artiste-candidat lui-même ou qu’il a obtenu l’autorisation de l’auteur de la photographie pour sa reproduction en peinture.
Un jury procédera à la sélection du lauréat.
Les candidats retenus seront publiés dans le magazine de décembre 2017 (n° 35). Le lauréat bénéficiera d’un article publié dans le numéro de mars 2018 (n° 36).
Le 5 novembre 2017 à minuit. A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE - NOVEMBRE 2017
11
ACTUALITÉS FRANCE AIGUILLON (47)
VINCENNES (94)
FESTIVAL INTERNATIONAL CONFLUENCES
9E SALON DE VINCENNES AQUARELLE V
incennes Aquarelle présentera son 9 e Salon au mois de novembre. Les deux invités d’honneur en sont Reine-Marie Pinchon et David Chauvin, tous deux bien connus de nos lecteurs. Chacun présentera au public une vingtaine d’œuvres et animera par ailleurs un stage, sur le thème « Aller plus loin dans les techniques à l’eau » pour la première, et sur celui « Des rues et des paysages » pour le second. RENSEIGNEMENTS
9e SalonVincenn SalonVincennes es Aquar Aquarelle elle Salle des Fêtes Mairie de Vincennes http://vincennes.aquarelle.free.fr/ Photo des 4 aquarellistes péruviens invités d’honneur du Festival Confluences : Leonel Ever Pamo Quiroga, Dario Percy Callo Anco, David Cesar Villalba Quispe et Guzman Emilio Huanca Ynariko
C
e Sa Salo lon, n, to tour urné né au aussi ssi bie bienn ve vers rs l’l’aq aquauarelle que ve vers rs le car carnet net de vo voya yage, ge, co conti nti-nuee de ras nu asse semb mble lerr à ch chaq aque ue éd édit itio ionn un unee finee sél fin sélecti ection on d’a d’arti rtiste stess d’ho d’horiz rizons ons div divers ers.. Côté Cô té aq aquar uarell elle : Ro Rola land nd Pal alma maert ertss et 4 aq aquauarelli re llist stes es pr profe ofessio ssionnel nnelss pér péruvi uviens ens iss issus us des Beaux-A Beau x-Arts rts d’Arequi Arequipa pa : Leo Leonel nel Ev Ever er Pamo Quirroga Qui oga,, Da Dario rio Pe Perrcy Cal Callo lo Anc Anco, o, Da David vid Cesa Ce sarr Vi Villllab abaa Qu Quis ispe pe et Gu Guzm zman an Em Emililio io Huanca Hua nca Yan anar arik iko, o, qui ser seron ontt le less in invi vité téss d’honne d’h onneur ur de cet cette te édi éditio tion. n. Et cô côtté ca carn rnet etss de vo voya yage ge,, Cé Céliline ne Ro Rous usse sell et Sam Samuel uel Cha Charrdon ser seront ont mis éga égalem lement ent
Les Drapeaux du peuple. 55 x 35 cm
à l’l’ho honn nneu eurr. Au tot otal al,, ce ne so sont nt pa pass mo moin inss de 55 ar arti tist stes es qu quii se serron ontt ex expo posé sés, s, so soit it un tota to tall de 25 250 0 aq aqua uarrel elle less et de pl plus usie ieur urss ce cenntaine ta iness de ca carne rnets ts de vo voya yage.À ge.À not noter er que de nombreuses nombr euses anima animations tions et démo démonstr nstration ationss seront ser ont dis dispens pensées ées.. Re Retr trouv ouvez ez tou toute tess les inform inf ormati ations ons sur le sit sitee de la man manififesta estatio tion. n. RENSEIGNEMENTS
Festival International Confluences Musée Raoul Dastrac (3 salles d’expos d’exposition) ition) www.aquarelleaiguillon.com
POUILLY-LES-NONAINS POUILL Y-LES-NONAINS (42)
UN WEEK-END SOUS LE SIGNE DE L’AQUARELLE ! A
Reine-MariePinchon, Zion, aridités
IgorSava, The Bicycle Bicycle,, 7 5 x 5 5 c m
utour de l’i utour l’inv nvit itéé d’h d’hon onneu neur, r, Igorr Sa Igo Sava va,, ex expos poser eront ont ent entre re autres autr es Didi Didier er Br Brot, ot, Jane Cop Copper pere, e, Violainee Abbatuc Violain Abbatucci, ci, Isabelle Cor Corcket, cket, Magalili Dio Maga Dion-No n-Novak vak,, Fr Franck anck Rol Rollier lier,, Ekate Eka terin rinaa Sav Sava, a, Fr Franc anckk Hér Hérét étéé e t F ra ra nc nc k Pe rr rro t,t, s oi oi t e n t o ut ut 45 arti artist stes. es. Des dém démons onstr trati ations ons gratu gr atuit ites es aur auron ontt lie lieuu to tout ut au lon longg de la ma mani nife fest stati ation on et le ti tira rage ge de la to tombo mbola la le dim dimanc anche he apr aprèsès-mid midi.i.
RENSEIGNEMENTS 12e festival d’aquarelle de Pouilly-lesNonains http://festival.aquarelle.ove http://festival.aquar elle.over-blog.com r-blog.com
12 A
QUARELLE N°
34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
GAILLON (27)
AQUARELL’EURE 2018 V ous sou souhai haite tezz part partici iciper per en t an a n t q u’ u ’ ar ar tit i st st e a u f es es titi va va l Aquare Aqu arell’E ll’Eur uree 2018 2018,, à Gaillon, on, lequ lequel el auralieuau au ralieuau mo moisde isde ma maii pr proc ocha hain? in? Sachezque Sac hezque vo vous us av avez ez jus jusqu’ qu’à la fin du moi moiss de se sept ptemb embre re pou pourr fin finaaliser lis er vo votr tree ins inscri cripti ption. on. Tout outes es les informa inf ormation tionss son sontt dis disponi ponibles bles surle sitee de l’as sit l’associ sociation. ation. Si deux arti artiste stess sont cett cettee année invités tés d’ho d’honneu nneur,r, leur le urss no noms ms n’ n’on ontt pa pass en enco core re ét étéé dévoil dév oilés és à l’h l’heu eure re où nou nouss met metto tons ns sous pre presse. sse.
RENSEIGNEMENTS adagge.fr/ aquarelleure-2018/ Date limite d’inscription :
Par Laurent Benoist. Photos : D. R. (sauf mentions).
ET AUSSI 82E SALON DE LA SOCIÉTÉ DE DESS AQUARELLISTES LYONNAIS
COËX COË X (85)
6E RENDEZ-VOUS DE L’AQUARELLE DE COË OËX X G
roupés autour de l’invitée d’honneur, Martine Vanparijs (Belgique), exposeront les artistes suivants : Carine Minguet (Belgique), Fernand Thienpondt (Belgique), Pierre Valaincourt Valaincourt (parrain de l’association), Corinne Izquierdo, Christine Créhalet, Nadine Dieulefit, Adrien Coppola, David Chauvin, Thierry de Marichalar, ar, Danny Gaboriau Gaboriau,, Annie Chauw Chauwin in ainsi que les adhérents de l’association Palettes RENSEIGNEMENTS et Pinceaux. Des démonsSalles du Parc, trations d’artistes auront lieu Rond-point de l’Atlantique. Atlantique. tout au long du week-end. Un E-mail :
[email protected] rendez-vous sous le soleil de Vendée à ne pas manquer !
Sont invités uniquement les sociétaires. Le Salon est ouvert tous les jours de 10 h à 12 h et de 15 h à 19 h, les week-ends de 10 h à 19 h sans interruption. Espace Berthelot 69007 Lyon www.societe-des-aquarellistes-lyonnais.com
Salon du 11 au 27 novembre 2017
DE POUSSIN À CÉZANNE, CHEFSD’ŒUVRE DU DESSIN
Aquarelle de Mart ine Vanparijs.
PARIS ARIS(75) (75)
PIERRE-JOSEPH REDOUTÉ, LE PO POUV UVO OIR DES FL FLE EUR URS S
P
ourla pr premi emière ère fo fois is en Fr Franc ance, e, une exposition expos ition conséqu conséquente ente au musée de laVie ro roman mantitiqu que, e, à Paris, s, et en co col-llaborat labo ration ion av avec ec le Mus Museum eum d’hi d’hist stoir oiree nature natu relle, lle, dév dévoil oilee com comment ment l’œ l’œuvr uvree de Pie Pierre rre-Jo -Josep sephh Re Redout douté, é, pei peintr ntree botan bo tanis iste te su surno rnommé mmé le « Ra Rapha phaël ël des fleu fleurs rs », a co contr ntrib ibué ué au dév dévelo elopppement peme nt des scie science ncess natur naturelles elles.. Les œuvres œuv res de Pie Pierre rre-Jo -Josep sephh Re Redout doutéé sont so nt si dé déta tailillé lées es qu quee l’l’on on a le se sent ntiimentt que l’o men l’onn pou pourr rrait ait cue cueill illir ir cha chaque que péta pé tale le de se sess fle fleur urs. s. So Sonn in influe fluenc ncee se fait encor encoree sentir aujour aujourd’hui. d’hui. Pein Peintre tre officie offi ciell de Mar Marieie-Ant Antoin oinett ettee et de l’i l’immpératri pér atrice ce Jos Joséphi éphine, ne, sans dout doutee nul autre aut re art artis iste te que lui a ré réus ussi si à re rend ndre re avec av ec un unee te telle lle acu acuititéé la bea beaut utéé éph éphéémèree de mèr dess fle fleur urs. s. À no note terr qu quee l’l’ex expo po-siti si tion on es estt pr prol olon ongé géee ju jusq squ’ u’àà la fin du mois d’octobr d’octobre. e.
Pierre JosephRedouté Pierre (1759-1840), Fritillaire impériale dans Les Liliacées par Augustin Pyrame de Candolle, Pierre-Joseph Redouté, François de Laroche, Alire Raffenea u-Delile, Paris , 1802-1816. Paris,MNHN, s ,MNHN, dire directiondesCollecti ctiondesCollections, o ns, Bibliothèquecentrale© o thèquecentrale© Muséu Muséumnational mnational d’Histoir d’His toirenaturelle/ enaturelle/ Dist.RMN.
RENSEIGNEMENTS Muséee dela Vi Musé Viee romantique Hotel Renan-Scheffer 175009 17500 9 Pa Paris ris http:// museevieromantique. paris.fr/fr
Fondation Bemberg Hôtel d’Assézat 31000 Toulouse Tél. : 05 61 12 06 89 E-mail :
[email protected] [email protected]..
Exposition jusqu’au 1er octobre 2017
12E EXPOSITION
ET SYMPOSIUM DE L’EUROPEAN CONFEDERATION OF WATERCOLOUR SOCIETIES Salamanque, en Espagne. Organisé par l’AEDA (Agrupación Española de Acuarelista Acuar elistas). s).
Symposium du 26 septembre au 1er octobre 2017
REIMS (51)
12E EXPOS XPOSITION ITION INTER INTERNA NATIONA TIONALE LE D’AQUARELLES AQUATUOR Q
FRANÇAIS DE LA COLLECTION PRA RATT
RENSEIGNEMENTS Maison diocésaine Saint Sixte, www. aquarellereimsevenement. com/index.php
uatre arti uatre artist stes es aux tem tempér péramen aments ts e t a u x e xp xp re re ss ss io io n s d ifif f ér ér en en t s ontt ét on étéé in invit vités és par Aq Aquar uarell ellee Re Reims ims Évén Év éneme ement nt à ex expo pose serr dan danss la cap capita itale le champeno cham penoise ise.. Il s’a s’agit git de Dav David id Po Poxo xonn (Angleterre), Diane Boilard (Québec), Naomi Tydeman Tydeman (Pays de Galles) et Pierre Tougas Tougas (Québec). Un des points forts de cette manifestation manifestation sera la démonstration publique de David Poxon Poxon et Pierre Tougas Tougas le vendredi 29 septembre à 14 h 30. L’exposition est quant à elle ouverte tous les jours de 10 à 18 heures. Les aquarelles réalisées durant durant les démonstrations ons seront offertes au public après tirage au sort.
EXPOSITION DE LA SOCIÉTÉ DE DESS AQUARELLISTES DE BRETAGNE
Invités d’honneur : les membres bigoudens de la Société des Aquarellistes de Bretagne Invités : les membres de Montgermont, des antennes de Guidel et de Guipavas. Plusieurs démonstrations d’aquarelle auront lieu le 2 décembre de 14 h 30 à 17 h. Infos pratiques : Ouvert tous les jours de 14 h 30 à 18 h, sauf les jeudis de 10 h à 12 h 30. Sous-sol du Château Place de l’Europe Pont-l’Abbé www.societedesaquarellistesdebretagne.org
Salon du 25 novembre au 10 décembre 2017
David Poxon, It’s my party.
A QUARELLE N° 34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
13
ACTUALITÉS MONDE ITALIE
AQUARELLE EUROPÉENNE
ÉTATS-UNIS
43E EXPO ANNUELLE DE LA WESTERN OHIO SOCIETY
L
’Associazione Italiana Acquerellisti (AIA) organise une expositio expositionn dans le cadre magnifique de Castello Visconteo, à Abbiategrasso, près de Milan. Quatre-v Quatre-vingt-dix ingt-dix peintures des membres de la société italienne, ainsi que 30 aquarelles d’artiste d’artistess de la Société Française de l’Aquarelle, de la Deutsche Aquare Aqu arellll Ges Gesells ellschaft chaft et de la Agrupación de Acuarelistas Vascos voisineront avec les fresques fresqu es de l’ancien palais médiéval. Le but de cette exposition expositi on est de montrer la diversité de styles en aquarelle non seulement en Italie, mais aussi dans les différents pays invités à cette occasion. Des démonstrations démonstrati ons publiques auront lieu le 21 octobre et le 12 novembre.
L
a 43e exposition annuelle annuell e de la Western Ohio Watercolor Watercolor Society présente 76 nouvelles œuvres, toutes créées à l’aquarelle. Cette exposition avec jury présente l’aquarelle dans toute sa diversité technique et couvre un large éventail de thèmes, y compris le paysage, le portrait et la nature morte. Fondée en 1974, la l a Western Western Ohio Watercolor Society s’efforce de promouvoir promouvoir le milieu de l’aquarelle l ’aquarelle et de fournir des opportunités éducatives pour le public. Cette exposition démontre l’ampleur et la pertinence de l’aquarelle comme moyen d’expression artistique.
RENSEIGNEMENTS
Associazione Italiana Acquerellisti Castello Visconteo Abbiategrasso Milan www.acquerello-aia.it
RENSEIGNEMENTS Waterworks: Western Ohio Watercolor Society 2017 Exhibition Springfield Museum of Art Springfield, Ohio.
Premier prix : Rhonda Sloan,
Adkins’ Acres, 35,5 x 48,2 cm.
JAPON
ÉTATS-UNIS
AMERICAN WATERCOLOR SOCIETY
D
epuis plus d’un siècle, l’American Watercolor Society expose le meilleur de l’aquarelle l’aquarelle américaine. Fondée en 1866, elle a compté parmi ses membres certains des meilleurs praticiens. praticiens. Chaque année, la société organise une exposition avec jury ouvertee aux artistes du monde entier. Après une preouvert mière exposition à New York, l’exposition itinérante traverse trav erse les États-Unis. De nombreux prix sont dispensés pens és et cett cettee anné annéee Chie Chienn Chung Chung-W -Wei, ei, Ela Elaine ine Dai DailylyBirnbaum et Dean Mitchell, parmi bien d’autres, ont été récompensés.
THIERRY DUVAL EXPOSE AU JAPON ! L
RENSEIGNEMENTS
EXPOSITIONS Mooresville Moores ville Art Mooresville, Moores ville, NC 28115 www. americanwatercolorsociety .org
Wassenber assenbergg Art Center Van Wert, OH 45891
Un petit matin, toit de Paris, 33 x 41 cm.
’artiste français, épris de Paris, exposera à deux reprises au Japon cet automne, où il se rendra. C’est toujours avec un souci extrême du réalisme et une attention particulière portée à la lumière et ses effets qu’il entreprend ses œuvres. À noter également son compte Instagram très actif où il dispense de nombreuses astuces : tension du papier, bonne utilisation du liquide liqu ide à masq masquer uer,, ses outils, ls, ses pinc pinceaux eaux,, sa pale palette tte,, son papier, er, etc. Comme il le dit lui-même : « Vous pourrez ainsi découvrir l’élabo élabora ratition on de mo monn pr proc oces esss cr créat éatifif deA à Z, de la fe feui uilleblan lleblanch chee jusqu’à l’aqua relle terminé terminéee ! » À ne n e pas pa s manquer ma nquer : www.instagram.com/thierryduvalaqua/ RENSEIGNEMENTS Exposition à Isetan Shizuoka
Exposition à Tobu Funabashi
14 A
QUARELLE N°
34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
Peter Jablokow, Scissor Bridge, 6 6 x 1 04 04 c m. m. Cette année, Peter Jablokow a reçu le prix Joan Ashley Rothermel Memorial d’une valeur valeur de 1 000 dollars.
T AUSSI
HONG KONG
KONSTANTIN STERKHOV L
MASTERS OF WATERCOLOUR 2018, ST PETERSBURG
’aquarelle est véritablement une confrérie internationale ! Pour preuve, Konstantin Sterkhov va avoir l’honneur d’être un des premiers artistes russes à donner un stage en Asie, lors d’une exposition de ses aquarelles à Hong Kong. Et qu’en pense l’artiste ? « Bien que je me considère comme un aquarelliste traditionnel, je suis également d’accord avec l’idée que la fin doit justifier l es moyens . De par ma formatio n acadé mique, je suis toujours en train de chercher de nouvelles approches techniques, surtout lorsque j’enseigne. » Les aquarelles de Konstantin Sterkhov sont ainsi des instantanés, avec des personnages saisis dans toute la banalité et la poésie du quotidien.
RENSEIGNEMENTS Cawaj Arts Gallery 23 Square Street Sheung Wan, Hong Kong
Sunny side of the street. 2016. 21 x 29 cm.
GRANDE-BRETAGNE
SUSSEX WATERCOLOUR SOCIETY
C
e tte a nn ée m arq ue l e 4 0 e anniversaire de la Sussex Watercolour Society. Plusieurs membres de cette société font également partie du Royal Institute o f Pa i nt er s i n Wa te r C ol o ur a i ns i q u e d e la R oy al Watercolour Society. Citons ainsi Nick Osborn, Peter Amos ainsi que ShirleyTrevena (que vous pouvez retrouverpar ailleurs dans notre dossier consacré aux femmes artistes en page 76). Tous les artistes exposeront ainsi leurs œuvres cet automnedans ce qui promet d’être une exposition éclectique!
RENSEIGNEMENTS Sussex Watercolour Society Oxmarket Gallery, Chichester WestSussex PO19 1YH www.sussexwatercoloursociety.com
GRANDE-BRETAGNE
William Henry Hunt, The Gardener.
WILLIAM HENRY HUNT
SOCIETY OF BOTANICAL ARTISTS L’exposition annuelle de la Society of Botanical Artists (SBA) britannique a cette année pour thème le changement des saisons. Si un grand nombre de techniques sont autorisées, un grand nombre d’aquarelles seront exposées à Londres (Grande-Bretagne). Du 13 au 21 novembre 2017. www.soc-botanical-artists.org/
SUNDAY TIMES WATERCOLOUR COMPETITION 2017 Ce concours, qui récompense l’excellence et l’originalité en aquarelle, attire de nombreux artistes. Les lauréats seront exposés aux Mall Galleries de Londres en septembre. Du 19 au 24 septembre 2017 https://sundaytimeswatercolour.org/
AQUARELLES
L
’artiste anglais (1760-1864) fut un des aquarellistes les plus prolifiques et appréciés de la bonne société de l’époque victorienne. Il commença à exposer ses aquarelles dès 1814, en tant que membre de la Old Water-Colour Society. Ses tableaux de nids et d’oiseaux étaient tout particulièrement appréciés. L’exposition du Courtauld Institute s’attache, grâce à une sélection d’œuvres en majeure partie issue de sa collection, à dévoiler une autre facette de son œuvre : la représentation des hommes et des femmes de la campagne, vaquant à leurs tâches quotidiennes. Ces aquarelles de William Henry Hunt, peintes pour la plupart entre 1825 et 1845, sont ainsi un précieux témoignage de la transformation que connaissaient alors la campagne et les villes européennes.
VICTORIENNES L’Art Gallery of New South Wales présente des artistes australiens de tout temps. Pour découvrir des aquarelles de l’époque victorienne, rendez-vous à Sydney. Exposition jusqu’au 3 décembre 2017 www.artgallery.nsw.gov.au
LES AQUARELLES DE JOHN SINGER SARGENT La Dulwich Picture Gallery de Londres présente la première exposition consacrée à Sargent au Royaume-Uni depuis presque 100 ans. Un must-see ! Exposition jusqu’au 8 octobre 2017 www.dulwichpicturegallery.org.uk/
RENSEIGNEMENTS William Henry Hunt : Country People Courtauld Institute Londres WC2R 0RN
La prochaine édition de Masters of Watercolour aura lieu en février prochain, du 1er au 28, toujours à Saint-Pétersbourg, en Russie. La précédente édition avait réuni plus de 15 000 visiteurs et offrait un remarquable aperçu de l’aquarelle contemporaine à travers le monde. Nous y reviendrons plus en détail dans le numéro prochain. Du 1er au 28 février http://watercolormasters.com
Shirley Trevena, Tall Black & White Plant Pot A QUARELLE N ° 3 4 / S EPTEMBRE - NOVEMBRE 2017
15
LE TOUR DU MONDE DES SOCIÉTÉS
La SFA s’expose À L’OCCASION DE LA 18E EXPOSITION NATIONALE DE LA SFA À SANARY-SUR-MER, NOUS AVONS INTERROGÉ DANIÈLE FABRE, VICE-PRÉSIDENTE DE L’ASSOCIATION, POUR EN SAVOIR PLUS. L’Art de l’Aquarelle : Comment s’est effec tué le choix des artistes et des œuvres pour cette exposition?
Danièle Fabre : Ce sont les artistes de la SFA qui décident de participer ou non aux expositions que leur conseil d’administrationpropose. Lesartistes sociétaires choisissent eux-mêmes leurs œuvres, les artistes non sociétaires proposent leurs aquarelles à notre commission de sélection, composée de 6 artistes de la SFA et de 2 personnalités extérieures. La commission de sélection choisit aussi les œuvres des artistes membres des sociétés régionales que nous invitons. ADA : Combien de tempsdemande la préparation d’une telle manifestation?
D.F. : Auminimum un an. Celacommence par les négociations avec les gestionnaires des lieux, puis par l’ information vers nos membres. Dans les quelques mois qui précèdent le vernissage, nous travaillons à la création des supports de communication (affiches, invitations, flyers, etc.). Lorsque nous connaissons le nombre d’artistes participants,nous calculons le métragequenous pouvons allouer à chacun, puis organisons les stages, les conférences et autres animations. Ensuite, nous suivons la procédure pour la sélection des œuvres. Depuis l’année dernière, nous proposons une inscription en ligne à nos membres. Cela demande tout autant de travail, mais il y a moins d’erreurs et les données informatisées nous permettent
16 A
QUARELLE N°
34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
« C’estl’un denos membres quia signalé la possibilité d’exposerà Sanary-sur-Mer. D’abord,il y a l’attrait du sudde la France, passeulement pour sonsoleil, mais aussi parceque l’on saitqu’ily a de nombreux amateurs d’art dans cette région. »
de mieux traiter toute la communication nécessaire à ce type d’évènement. ADA : La SFA existe depuis maintenant presquequinze ans, puisqu’elle a été créée en 2003. En quoi a-t-elle changé ou évolué depuis ses débuts?
Muriel ButhierChartrain, Impressions Stradbroke. 43x43cm.
D. F. : À sa création, elle comptait une dizaine de membres, actuellement nous sommes 77. La sélection des candidats qui postulent pour nous rejoindre est très ADA : Quel regard portez-vous sur l’évolurigoureuse : si une très bonne maîtrise de tion du monde de l’aquarelle ? l’aquarelle est exigée, l’artiste doit aussi et D. F. : De plus en plus d’expositions sont surtout avoir uneécriture très personnelle. proposées chaque année. Il y a un réel engouement pour l ’aquarelle actuelleADA : Quels sont vos critèresde sélection? ment et une volonté des peintres de D.F. : C’est un sujet délicat, qui a beaucoup défendre le choix qu’ils ont fait en utiliévolué depuis 2003. Nous avons par sant ce médium plutôt qu’un autre. Si exemple intégré à notre commission de son image s’est améliorée, l’aquarelle sélection des personnalités extérieures à peine encore à être considérée à l’égale la SFA : cela permet une plus large ouver- d’une peinture à l’huile ou acrylique. Il y a ture et un regard moins spécialisé qui encore beaucoup à faire et nous devons apporte un surcroît d’objectivité. Nous rester vigilants face à cette évolution si en discutons régulièrement, notamment nous voulons qu’elle aille dans le bon sens. lors de nos Rencontres, un rendez-vous Malheureusement, les lieux d’exposition annuel qui aura lieu cette année à Sanary. ne sont pas toujours à la hauteur, les frais
LE RÔLE DE LA SFA AU SEIN DU PAYSAGE NATIONAL ET INTERNATIONAL DE L’AQUARELLE
Annie Chemin, Lumière en coings. 28x18cm.
« La galerie d’expositionest grande, belleet très bien située, à quelques mètresdu port. Cetrèsbeaulieu nousest gracieusementprêté par lamairie deSanaryquiprend aussi à sa charge lesaf fiches, lesinvitations etle vernissage,ce qui nouspermet dene pasexigerde nos membres des fraisd’expositiontrop lourds – cequi estun critèretrèsimportant pournous, car les artistes peintres sontgénéralementtrop sollicités financièrement lorsqu’ils exposent.» Danièle Fabre, Printemps.
SoniaPrivat, Moinillons à Bodnath. 110 x 130 cm.
Marie-HélèneStokkink, L’Amour des moutons. 40x50cm.
d’exposition restent élevés et, surtout, les ventes sont trop rares. La multiplicité des Salons d’aquarelle, tels qu’ils existent actuellement, finit par banaliser ces événements et peut les amener à se scléroser. La SFA réfléchit et échange beaucoup sur ce sujet : nous pensons que l’abondance, voire l’excès de « démos » dans toutes les manifestations ne rend service ni au public ni aux peintres. Les artistes, le plus souvent, se sentent de plus en plus désarmés face à ce diktat des démonstrations et à la faible rémunération de leur travail. Nous pensons que la réussite d’une exposition est d’abord liée à la qualité de ses œuvres. Nous sommes conscients que
« Nous voulons montrer une aquarelle contemporaine de qualité. Nous voulons défendre la diversité des écritures et le respect des artistes. Nous espérons avoir un rôle de plus en plus fédérateur au sein du paysage national, nous avons commencé à inviter les sociétés régionales lors de nos expositions pour les faire connaître et les soutenir. Nous travaillons aussi à montrer une aquarelle française à l’international via différents échanges avec la Confédération des Sociétés Européennes d’Aquarelle (ECWS), mais aussi Mexico, San Diego. La grande Exposition Européenne que nous avons organisée à Avignon en 2016 a eu un très grand succès. Le public très nombreux a été particulièrement intéressé de voir les influences et les orientations artistiques de chaque pays. Il a aussi beaucoup complimenté la diversité et la qualité du travail des artistes français. Une des orientations importantes de notre association depuis trois ans est une plus grande ouverture aussi bien vers les associations régionales (nous invitons désormais l’association la plus proche géographiquement lors de chacune de nos expositions nationales) qu’au niveau international : en 2017, la SFA est présente à Mexico, à Salamanque, à Milan et à San Diego. En 2018, nous avons un projet d’échange avec les aquarellistes du Canada, deux expositions : l’une à Toronto et l’autre à Avignon. Au-delà de la grande convivialité de ce moment et de notre assemblée générale qui s’y déroule, nous y organisons depuis quatre ans des tables rondes qui nous permettent de débattre ensemble de sujets ayant trait à notre métier, de l’avenir de la SFA et de celui de l’aquarelle. Notre site, entièrement géré par deux de nos membres, s’est étoffé de façon significative depuis deux ans et est devenu un véritable outil professionnel. Il nous a permis d’améliorer considérablement notre communication et notre organisation. Il contient un espace réservé et sécurisé pour les artistes de la SFA où ils peuvent s’inscrire aux diverses activités, communiquer, débattre et aussi s’organiser entre eux (covoiturage par exemple). Nous avons démarré l’année dernière un partenariat avec SennelierRaphaël et Canson, prometteur de jolis projets. Nous sommes très fiers d’avoir obtenu en 2016 le statut “d’association reconnue d’intérêt général” auprès de l’État, ce qui nous encourage à aller dans la direction d’une organisation de plus en plus professionnelle. Ajoutons que la SFA est une association d’artistes, tous bénévoles pour la gérer. »
les échanges avec le public sont également importants. Mais notre public ne doit pas être réduit aux seuls amateurs d’aquarelle. Nous devons attirer un public plus large, amateur de peinture, et plus généralement d’art. Nous devons proposer des échanges plus variés, plus originaux, mais aussi défendre la démarche et le travail des artistes.
ADA : Parlez-nous de quelques temps forts dans l’histoire de la SFA… D. F. : L’organisation de l’exposition et du symposium ECWS, l’an dernier à Avignon, a été un tournant : nos membres y ont quasiment tous participé, nous avons reçu
les œuvres de 180 peintres de 14 pays d’Europe, 250 personnes ont participé au symposium. Les membres des sociétés européennes ont ainsi pu découvrir le travail des artistes de la SFA, et les artistes français ont pu découvrir le panorama de l’aquarelle européenne, avec ses tendances très marquées. Avec l’impact important de cet événement, notre association a pu prouver ses compétences artistiques, mais aussi sa capacité de gestion et d’organisation. Nous avons amélioré la communication interne et de nombreuses idées émergent. Il y a beaucoup à faire et à inventer pour faire grandir l’aquarelle dans le paysage artistique. A QUARELLE N° 34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
17
RETOUR SUR…
Brioude au rythme del’aquarelle LA BIENNALE DE BRIOUDE A UNE NOUVELLE FOIS ATTIRÉ UN GRAND NOMBRE DE VISITEURS, SÉDUITS PAR L’ORIGINALITÉ D’UNE EXPOSITION ENTIÈREMENT OUVERTE SUR LA VILLE. La Biennale d’aquarelle de Brioude s’est tenue cette année du 12 au 25 juillet. Fidèles au concept d’une aquarelle ouverte à des approches différentes et à une exposition pensée en une douzaine d’espaces disséminés dans le joli centre ancien de la petite ville auvergnate, les organisateurs ont convié à cette édition 38 aquarellistes, 3 carnettistes et 2 artistes performeurs, auxquels se sont joints des artistes animateurs. Les visiteurs ont ainsi pu découvrir les œuvres de 22 nouveaux exposants, 20 artistes étrangers, soit 12 pays représentés. Proposée depuis 2003, la Biennale de Brioude mobilise près de 150 bénévoles, qui ont une nouvelle fois travaillé avec ferveur à la réussite d’un événement ponctué de nombreuses animations. Démonstrations, stages et initiations, conférences, performances, animations nocturnes, Extrabiennales rayonnant dans tout le département de la HauteLoire… À travers une proposition variée, des entrées vers l’art adaptées à tous (une large place était réservée aux scolaires), le public a pu apprécier des facettes très différentes de l’aquarelle contemporaine, grâce à l ’implication conjointe de l’association organisatrice, de la municipalité et des artistes. La 8e Biennale de Brioude aura une nouvelle fois été un événement taillé sur mesure pour les amoureux de l’aquarelle. Retour en images.
18
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
Les visites décalées en compagnie des Tisseurs de mots ont permis d’évoquer autrement les œuvres des artistes.
Pour aborder cette 8e édition, un spectacle a été proposé afin de permettre le croisement des arts, cher aux organisateurs de la Biennale de Brioude.
Sylvette Jacquet, Nadine Chateauneuf et Éliane Sauvan, coprésidentes de l’association Festival d’aquarelle.
La fresque évolutive de Donna Acheson-Juillet. Plus de 200 festivaliers ont participé à cette œuvre collective, qui a pris la forme de 205 carrés de 10 x 10 cm. Point de départ de la composition géante : une petite aquarelle de Donna représentant un cerf.
Les Extrabiennales sont un projet d’expression artistique proposé à plus de 50 classes d’écoles, collèges et lycées du département de la HauteLoire — soit 1 200 élèves — en lien avec la Biennale de Brioude. Thème de l’expo 2017 : « Ceci est une fenêtre ».
Au cours de l ’une des 55 démos de la Biennale, avec Anne Christo phe.
Au fil de l’exposition : à l’espace 1 aménagé dans l’école JeanPradier, Jean-Luc Decron s’est tenu à la disposition de ses nombreux visiteurs.
Invitée à Brioude en tant qu’artiste performeur, Marie-Gilles Le Bars proposait une installation composée de feuilles de papier artisanal aquarellé suspendues à des arbres, dans la cour de l’école Sainte-Thérèse.
Quatre artistes de la SFA, Dominique Gioan, Donna Acheson Juillet , Joëlle Kru pa et Marie-Hélène Stokkink, ont proposé une « Aventure picturale à quatre m ains » (1 h 30), accompagnée en musique par le pianiste de jazz Paul Gioan. Une première du genre, très appréciée du public.
Lors des Nocturnes de la Biennale, adultes et enfants ont pu expérimenter la pratique de l’aquarelle en compagnie d’artistes exposants tirés au sort. Ici, avec Eth de Melaou, Daniel Hardyns et Emmanuelle Brunet.
Une journée pour croquer les rues de Brioude en compagnie d’artistes carnettistes.
RENSEIGNEMENTS
La boutique de la Biennale : un passage presque obligé pour les visiteurs…
La 8 e Biennale d’aquarelle de Brioude s’est tenue du 13 au 25 juillet 2017. Les dates pour la 9 e édition ne sont pas encore connues ; nous vous invitons à vous rendre régulièrement sur le site de la manifestation : www.biennale-aquarelle.com TEXTE ET PHOTOS : ELSA COLIN A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE - NOVEMBRE 2017
19
RÉVÉLATIONS
Pierre Mach / France DATES CLÉS Naissance
à Perpignan Se consacre à l’aquarelle 1er Prix d’aquarelle de la ville de Cabestany Invité d’honneur au palais des congrès de Perpignan Invité d’honneur au Musée des arts à Thuir Festival animalier « Delta birding Festival », Espagne 32e Festival ornithologique de Ménigoute
CONTACT www.peinture-animaliere.com
Chouette de Tengmalm. Aquarelle, 36 x 51 cm
Spatule blanche. Aquarell e, 60 x 40 cm.
La nature et le monde sauvage sont mes sources d’inspirations ; amoureux des formes vivantes, la peinture est pour moi le moyen d’exprimer l’émerveillement que je ressens devant l’i ngéniosité de la nature. Avec l’aide de ma longue-vue, je peux observer, dessiner, aquareller à bonne distance, et donc sans dérangement, l’animal dans le seul but de reproduire cet instant et enfin de le partager. Il ne suffit pas d’observer la nature pour créer une œuvre d’art à part entière. Pour ma part, je m’inspire plutôt d’un Robert Bateman, qui peint dans l’hyperréalisme, que d’un Monet, dont la peinture est plutôt cérébrale. L’aquarelle en peinture animalière relève d’une grande tradition. Cette technique est plus appropriée pour peindre en milieu naturel, mais l’observation reste au centre des démarches. Ce qui importe, c’est de saisir l’instant furtif. La difficulté est de s’adapter au milieu : contrairement au paysagiste, on ne choisit pas le sujet, c’e st le sujet qui choisit le lieu et le moment, d’où la variation de luminosité et de couleurs qui se succèdent au fil des saisons.
20
A QUARELLE N°34 /
SEPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
Grand Tétras. Aquarell e, 4 0 x 6 0 c m.
Une représentation fidèle de ce qu’on a sous les yeux ne suffit pas à créer une impression de vérité. La vérité se traduit par les formes furtives de l’animal, telles qu’elles se présentent à l’observateur. La technique de l’aquarelle est particulièrement appropriée : le coup de pinceau rapide, la magie de l’eau et des pigments, la transparence du papier contribuent à
créer un éclairage qui figera cette rencontre furtive. Le grand tétras que j ’ai aquarellé il y a de cela quelques années me fascine encore. J’étais dans mon affût quand, vers 21 h, un coq de grand tétras est venu se poster à quelques mètres au-dessus de moi. Je bouge au ralenti, mon souffle se fait discret, tous mes sens sont en éveil. J’ai tout le temps de dessiner mon compagnon d’un soir, il me saluera même de quelques strophes. Nous passerons la nuit ensemble, moi dans mon duvet douillet, lui sur sa branche, sans que l’un dérange l’autre. Le matin, avant que le jour ne pointe, il descendra de son perchoir pour exécuter sa parade nuptiale. Il me gratifiera de sauts battus, de demitours avec ses rectrices en éventail,et au bout de quelques heures de démonstrations il disparaîtra avec beaucoup de discrétion dans la végétation environnante.
DÉCOUVREZ À CHAQUE NUMÉRO NOS COUPS DE CŒUR ARTISTIQUES. SI VOUS SOUHAITEZ VOUS AUSSI PARTAGER VOS DÉCOUVERTES, CONTACTEZ-NOUS :
[email protected]
KenKarlic / États-Unis
Par Élodie Blain / Photos : D. R.
7 th and Chestnut. Aquarelle, 17 x 56 cm.
DATES CLÉS Diplômé
en beaux-arts de l’université de l’Illinois
- Prix de la meilleure aquarelle, Cityscape 2016, Baltimore, USA - Premier prix, 7 th Annual 2016 Juried Art Show, New Hope, USA
- Exposition personnelle : « Watercolor Expressions », McBride Gallery, Annapolis, USA - Exposition personnelle : « Representational Ambiguity », Maryland Hall for the Creative Arts, Annapolis, USA - Prix de la meilleure marine, Paint Annapolis, USA
CONTACT www.kenkarlic.com Sam shipping. Aquarelle, 25 x 56 cm.
GAF on Ponca. Aquarelle, 17 x 56 cm.
Il n’y a pas de meilleur terme pour décrire vie quotidienne. Les caractéristiques des mes aquarelles que la « sophistication du différentes structures et architectures, chaos ». Mon objectif principal est d’expri- c’est-à-dire l’architectonique, sont des mer la sensation de quelque chose, plutôt éléments vitaux dans mon travail. J’aime que son aspect visuel et de saisir la pure explorer ces formes comme moyen d’exphysicalité du sujet dans la pure physica- primer la lumière et les ombres. Je deslité de la peinture. Je ne cherche pas de sine et je construis mes œuvres avec de pré verdoyant à peindre par une journée la géométrie pure, que j’interprète ensuite ensoleillée, dans mon travail j’embrasse de manière picturale. Mes peintures sont les rudes contours du béton, du fer et le fondées dans une représentation figumonde industriel en général. À travers rative, mais sont souvent, et à différents des gestes et des textures spontanés, degrés, gagnées par l’abstraction. Les je révèle la beauté d’un échafaudage ou surprises sont les bienvenues, d’ailleurs d’un gréement, ainsi queles rigueurs de la je les encourage sous forme de marques, griffures, éclaboussures et coulures, qui deviennent toutes une partie intégrale de l’œuvre finie. Sur site ou dans l’atelier, je m’épanouis dans ce manque de maîtrise, dans le fait de ne pas êtreentièrement aux commandes – parfois c’est moi qui mène, parfois je suis et parfois je m’accroche de toutes mes forces pour ne pas êtreéjecté en chemin. J’ai l’habitudede travailler rapidement, mû par un sentiment d’urgence et, au final, je prends plaisir dans le fait de peindre rapidement une œuvre qui s’apprécie dans la lenteur. A QUARELLE N°34 /
SEPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
21
…
T I A T É Y
N
O
En stage avec PedroCanoàPatmos COMME SI VOUS Y ÉTIEZ, ISABEL ALOSETE NOUS FAIT PART DE SA SEMAINE AVEC LE MAÎTRE PEDRO CANO, SUR L ’ÎLE GRECQUE DE PATMOS. LE THÈME ? PEINDRE LE BLANC… Nous avons quitté Madrid le 10 juin pour Athènes, avant de rallier l’île de Rhodes où nous avons retrouvé d’autres stagiaires italiens. Tout le monde était très excité – Pedro Cano compris – à l’idée de retrouver l’île de Patmos, où aurait été écrite l’Apocalypse selon Saint-Jean . Lorsque j’ai rencontré Pedro Cano pour la première fois, il y a vingt ans, mon approche de l’a quarelle a changé. Il m’a donné le goût de partir en voyage. Je l’ai depuis accompagné dans différentes villes, la plupart en Italie : Rome, Fabriano, Matera, Naples, la Toscane, ainsi qu’au Maroc – Marrakech, Fez, Essaouira –, en Grèce et en Espagne. J’ai été conquise par la passion de la peinture en plein air : rendre en un temps rapide l’essence du lieu. Lorsqu’il m’a parlé de ce séjour à Patmos, il m’a prévenue : « Ce stage va être difficile, Patmos est une ville blanche avec un ciel bleu immense, nous utiliserons très peu de couleurs. Les ruelles sont très étroites, avec beaucoup de passages, d’arches. Nous résiderons sur les hauteurs de Chora, où le silence et la spiritualité du lieu sont presque palpables. Nous irons sur des plages difficiles d’accès, par des chemins en pierre, et nous verrons des eaux bleues et émeraude. Nous serons seuls avec la nature. »
Journée de peinture près du monastère où Saint-Jean aurait écrit l’Apocalypse .
Pour ce stage, Pedro Cano a utilisé des carnets Arches de 300 grammes. En peignant sur la double page, il obtient des aquarelles de format 76 x 56 cm.
3 CONSEILS DU MAÎTRE À SES STAGIAIRES
- Prenez le temps de regarder longtemps votre sujet et observez également son atmosphère et ses couleurs. - Le choix des éléments qui composent votre sujet doit être guidé par la lumière et les contrastes. - Dessinez uniquement avec le pinceau, sans crayon. Rien de plus que la lumière et l’eau ! Vous garderez ainsi la pureté des couleurs.
22
« J’ai vu Pedro Cano peindre à de nombreuses reprises : c’est un peu comme s’il priait. Il aime garder le silence, reportant sur la feuille tout ce que son âme ressent. »
Parole de stagiaire : « Quel que soit notre niveau, nous avons tous profité des conseils avisés de Pedro C ano ! »
« Tous les stagiaires ont reçu des commentaires sur leurs travaux. » Les commentaires de Pedro Cano à chaque séance servaient autant à corrigerqu’à faire ressortir ce qui est intéressant et fondamental.
Par groupe de deux, chaque stagiaire a pu voir son travail apprécié et critiqué par un autre stagiaire, avant de donner à son tour son avis.
Sa vie entière, animé par la passion de l’aquarelle, Pedro Cano a peint des paysages en tant que voyageur et amoureux de l’art. C’est cette passion qu’il a avant tout cherché à insuffler à ses stagiaires. Toutes les couleurs peuvent être obtenues par des mélanges de trois primaires.
PAR LAURENT BENOIST. PHOTOS : D. R. Le premier jour, nous avons peint Rhodes, la ville du Colosse, et son mur.
LES RÉSULTATS : MON OPINION
Pedro Cano est très sobre dans son choix de matériel : une boîte à godets Winsor & Newton et deux pinceaux suffisent. Pour ce stage, il préconisait de peindre sur des carnets Arches de 300 grammes.
Ce voyage à Patmos fut pour moi tout à fait positif, à la fois artistiquement et personnellement. Et je pense que tout le monde a pu profiter des conseils du maître. Le thème principal, « Peindre le blanc », est présent dans toutes ses œuvres : respecter le blanc du papier pour obtenir un maximum de lumière et la transparence qui rendent l ’aquarelle aussi unique.
EN TANT QUE STAGIAIRE
A QUARELLE N°34 /
SEPTEMBRE - NOVEMBRE 2017
23
5 uglov. Aquarelle sur papier Saunders Waterford, 42 x 60 cm.
Bankovskiy Most. Aquarelle sur papier Saunders Waterford, 42 x 60 cm.
Olga Litvinenko
«Saint-Pétersbou LA PRINCIPALE SOURCE D’INSPIRATION DE L’AQUARELLISTE RUSSE OLGA LITVINENKO EST SAINT-PÉTERSBOURG, LA « VENISE DU NORD », OÙ ELLE HABITE DEPUIS VINGT ANS. SES ŒUVRES SAISISSENT AVEC POÉSIE LA VIE QUOTIDIENNE D’UNE VILLE ENTRE TRADITION ET MODERNITÉ.
24
g mon amour» Autant que je m’en souvienne, j’ai toujours été at tiée par le dessin. Toute petite, je crayonnais déjà sur toutes les surfaces blanches à ma portée, les murs, les portes… Les illustrations des liv res, les magazines d’art me fascinaient. J’aimais regarder des films sur les artistes. Au fur et à mesure des années, je suis passée à des supports plus classiques, feuilles de papier, carton. Très tôt, j’ai su que je voulais devenir peintre. C’était une évidence. J’ai suivi des cours de peinture et à 16 ans, je suis entrée dans une école spécialisée. Enfin, j’ai réussi le concours de l’Académie des beaux-arts de Saint-Pétersbourg. Mes
parents, qui n’étaient pas artistes, n’ont jamais cherché à m’empêcher de réaliser mon rêve. Même si mon père, qui est quelqu’un de très pratique, pensait qu’il serait compliqué de gagner ma vie, que j’allais vers les difficultés. Ma mère, quant à elle, m’a soutenue sans réserve. Je lui en suis extrêmement reconnaissante. Grâce à elle, je n’ai pas eu de soucis matériels. J’ai pu terminer mes études à l’Académie et d’obtenir mon diplôme avec la mention très bien. Progressivement, j’ai atteint mon objectif : devenir artiste. Les années à l’Académie des beaux-arts comptent parmi les plus heureuses de ma vie. Sans A QUARELLE N°34 /
SEPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
25
O K N E N I V T I
L A G L
O
Vue sur la rue Bolshaya Podyacheskayan. Aquarelle sur papier Saunders Waterford, 42 x 60 cm.
« EN PEIGNANT MA VILLE, C’EST COMME SI JE DRESSAIS LE PORTRAIT hésitation, je peux dire qu’on y professe le meilleur enseignement artistique de toute la Russie. C’est une école classique, célèbre dans le monde entier, qui attire beaucoup d’étudiants étrangers. En outre, d’un point de vue architectural, c’est un bâtiment magni fique, à l’allure sévère et majestueuse. Impossible de ne pas être fière d’y avoir étudié ! J’ai eu aussi l’occasion de rencontrer un professeur remarquable et un grand aquarelliste, Vladimir Starov. Cet homme avait été blessé six fois pendant la Seconde Guerre mondiale. Ce destin incroyable avait renforcé son amour de l’art. C’était un artiste de la vieille école, un grand patriote. Il nous disait qu’un artiste doit éprouver l’amour de sa culture, de son pays, sinon il perd son authenticité. J’ai suivi ses conseils. Dans mes œuvres, j’essaie de transmettre mon amour de la Russie. IMPRÉVISIBLE AQUARELLE L’aquarelle est l’une de mes techniques favorites. J’en pratique beaucoup d’autres : l’encre à la plume, le dessin au crayon, la gravure, la lithographie. Mais l’aquarelle est le médium le plus difficile, le plus subtil. Derrière l’apparente facilité se cache le dur labeur du
26 A
QUARELLE N°34
/
SEPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
peintre, qui a gâché de très nombreuses feuilles de papier avant de réussir ses effets. Mais le spectateur ne doit pas voir cet effort comme, devant un ballet, il ne doit pas ressentir la souffrance des danseurs. À l’aquarelle, j’aime expérimenter, mixer les techniques. Je travaille dans le mouillé, sur fond sec, alla prima ou sur plusieurs séances. J’essaie toujours de limiter les couches de lavis, pour que mon aquarelle soit suffisamment complexe sans être trop chargée. De même, quand je réalise un mélange, je n’utilise que deux ou trois couleurs, pour ne pas salir mes teintes. Pour être réussie, une aquarelle doit montrer une certaine fraîcheur, ne pas être « torturée ». Mais cette technique est tellement imprévisible… Je peux réussir mon dessin en quelques touches ou au contraire peiner pendant plusieurs jours. On ne contrôle pas l’aquarelle. Comment en effet dompter l’eau et le pigment ? C’est une illusion. Mais j’aime cet aléa. Dans mes œuvres, je suis inspirée par la beauté de la nature et mon environnement quotidien. La ville est une de mes principales sources d’inspiration. Chaque ville possède sa personnalité, du fait de son histoire, de son architecture, de sa culture. En la peignant, c’est
DE CHAQUE PERSONNE VIVANT ET TRAVAILLANT ICI.
comme si je dressais le portrait de chaque personne vivant et travaillant ici. Chacun peut se reconnaître dans ces paysages. Si je peins une vue ensoleillée avec des couleurs vives et chaudes, beaucoup de gens se disent : « Oui, c’e st ma ville ». Mais si je peins la même scène dans le brouillard, dans les tons de gris et d’argent, d’autres trouveront que mon œuvre reflète une image fidèle de leur ville bien-aimée. Je peins presque exclusivement Saint-Pétersbourg, « Peter », comme disent ses habitants. J’y habite depuis vingt ans et pour moi, c’est l’une des plus belles villes du monde. Son architecture, très riche, mêle tous les styles : l’austérité néo-classique, l’élégance baroque, l’architecture russe traditionnelle, l’art nouveau… Ses très nombreux canaux captent la lumière, ils sont enjambés par des centaines de ponts qu’on a tous envie de peindre. Partout des monuments magnifiques nous rappellent le passé, les grands hommes qui y ont vécu ici. L’atmosphère y est vraiment unique. Pas étonnant que des générations d’artistes trouvent leur inspiration ici! Texte : Valérie Auriel / Photos : Olga Litvinenko
Les feux de SaintPétersbourg. Aquarelle sur papier Saunders Waterford, 42 x 60 cm.
»
AQUARELLES RUSSES Je peins à la fois avec des aquarelles en godet W insor & Newton et avec des aquarelles russes de la marque Leningrad (l’ancien nom de Saint-Pétersbourg pendant la période soviétique). J’utilise ces aquarelles, car elles font partie de notre patrimoine. Elles sont fabriquées dans notre ville, à la manufacture de Nevskaya Palitra. Leurs couleurs sont plus opaques et plus sourdes que les aquarelles anglaises, qui sont plus nuancées, plus transparentes. Je les utilise quand j’ai besoin de teintes intenses. Leur petit défaut est d’avoir tendance à durcir et à craqueler avec le temps.
MON MATÉRIEL J’utilise des pinceaux en martre Kolinski (n° 12,10, 5),un spalter pour les fonds, des pinceaux synthétiques pour les détails (n° 3 et n° 2). Ma palette varie en fonction des sujets, mais on retrouve souvent cette gamme : jaune cadmium moyen, ocre jaune, jaune d’or, orange de cadmium, terre de Sienne brûlée, rouge écarlate, carmin, laque de garance, violet, bleu outremer, bleu de cobalt, terre d’ombre brûlée, sépia. J’ajoute parfois des rehauts de lumière avec de la gouache blanche. Il m’arrive d’employer de la gomme à masquer pour créer des réserves, mais le plus souvent, je crée mes blancs en les peignant en négatif. Je peins sur du papier Saunders Waterford 300 g. Mes formats sont souvent identiques, car je coupe les feuilles du commerce en deux pour travailler. Mais je compte bientôt passer à des formats plus importants.
A QUARELLE N°34 /
SEPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
27
O K N E N I V T I
Railway station à la loupe
L A G L
O
Railway station. Aquarelle sur papier Saunders Waterford, 40 x 60 cm.
Cette aquarelle représente le hall de la gare de Vitebsk, à Saint-Pétersbourg, S aint-Pétersbourg, la première première construite en Russie, en 1837. 1837. Elle a été é té démolie et rebâtie plusieurs fois. L’édifice actuel date de 1904. Sa façade est de s tyle classique, mais son intérieur est de style Art nouveau, avec une abondance d’éléments métalliques, de détails raffinés. J’ai choisi ce lieu et ce point de vue, car je trouve magnifique cette structure métallique protégeant les quais. J’ai saisi une scène de la vie quotidienne : des voyageurs chargés de valises se pressent pour prendre leur train, des adieux se font sur les quais. Ma composition est axée sur la lumière.
28
La gare de Vitebsk est très claire, car les arches ne recouvrent pas la totalité des quais. La lumière qui vient de l’extérieur crée de beaux effets de contre-jour et détache la silhouette des voyageurs. Les lignes de fuite de mon dessin conduisent vers la fin du quai, située sous la verrière de droite. Sous l’effet du contre-jour, celleci est quasiment transparente.
J’ai laissé le blanc du papier pour évoquer cet éblouissement. La tonalité générale est plutôt froide. La gare est peinte dans des lavis à base de bleu outremer, bleu de cobalt, et vert mélangé de noir. Des notes chaudes intenses de jaune cadmium et de rouge écarlate peintes avec les aquarelles Leningrad ponctuent la scène. Elles donnent l’indication du mouvement des voyageurs et sont comme des balises désignant le bon chemin.
SUR R LE MOTIF ESQUISSES SU
MON INSTALLATION
Même si je peins principalement dans mon atelier, la base de mon travail est l’observation. Quand je suis en extérieur, je réalise de brèves esquisses esquisse s à l’aquarelle : je pose rapidement la couleur dans le mouillé pour saisir l’atmosphère, la luminosité des lieux. Ces esquisses ne sont pas détaillées, c’est un assemblage de taches colorées. En même temps, je prends quelques photographies, phot ographies, celles- ci me permettront permet tront de reproduire précisément les bâtiments. Quand on peint une ville, son architecture, on doit pouvoir la reconnaître. Il est important que le dessin soit juste. Ensuite, à l’atelier, mes esquisses me servent pour déterminer ma palette. Je les étale sur de ma table de travail. Quand j’attaque mon grand format, je sais où je vais, quel résultat je veux obtenir ! J’essaie de reproduire le mieux possible la composition et les effets colorés. Mais souvent l’esquisse et le grand format sont très différ différents. ents. C’e C’est st la magi magiee de l’a l’aquar quarelle elle..
Mon atelier est situé dans mon appartement. Je travaille sur une table installée tout près d’une grande fenêtre orientée vers le soleil, qui m’apporte une belle luminosité. À SaintPétersbourg, les journées sont très courtes pendant l’hiver, nous recherchons toujours la lumière ! Je peins matin et après-midi à la lumière naturelle. Parfois, en fonction de mon humeur, je peux travailler tard dans la soirée et même la nuit. Je pratique tous les jours. La peinture est comme la musique, il faut faire ses gammes régulièrement si l’on ne veut pas perdre sa dextérité. Mon mari est artiste également. J’échange régulièrement avec lui. Il ne peint pas à l’aquarelle, mais à l’huile. Nous nous complétons !
A QUARELLE N°34 /
SEPTEMBRE - NOVEMBRE 2017
Am A mbiance nocturne p pa as à pas LA PERSPECTIVE NEVSKI ES EST T UN PE PEU U À SAINT-PÉTERSBOURG CE QU QUE E SONT LE LES S CHAMPS-ÉLYSÉES À PARIS. NOU OUS S SOMMES IC ICII À LA FI FIN N DE L’AVENUE. LE BÂTIMENT DE L’AMIRAUTÉ, SITUÉ DANS L’AX AXE E DE LA RU RUE E, IMPOSE SA PRÉSENCE MONUMENTALE À L’HORIZON. MON OBJECTIF DANS CETTE AQUARELLE ES EST T DE RENDRE L’ATMOSPHÈRE NOCTURNE, LE TRAFIC INTENSE DE LA VILLE. LE CHALLENGE
1
Je m’inspi re d’une étude à l’aquarelle et au crayon de papier, peinte à la tombée de la nuit, et d’une photo. Le ciel décline des nuances de bleu et de violet. L’éclairage électrique crée des notes chaudes de couleurs vives, complémentaires des tonalités du ciel.
EST ES T DE DONNER LA SENSATION DU MOUVEMENT DANS UNE IMAGE FIXE. LES VOITURES NE DOIVENT PAS ÊTRE IMMOBILES !
3
2
Je fixe les bords de mon papier à la colle blanche sur une planche de bois et dessine ma composition au crayon en veillant à la justesse de la perspective. Après avoir mouillé mouillé ma feuille, je peins le ciel dans un lavis de bleu out remer. L’Amirauté est cachée par des arbres, qui se fondent avec le ciel. L’ambiance est mystérieuse.
Je peins par tie par partie, du fond aux premiers plans. J’ai remouillé mo n papier pour peindre les immeubles longeant la rue. Ils ne doivent pas être trop présents pour ne pas attirer le regard, qui doit glisser vers le bout de l’avenue. Sur fond sec, je trace cer tains dét ails à la gouache comme les fils électriques qui envahissent le ciel.
4
5
Les lumières sur les bâtiments sont peintes dans des lavis d’ocre jaune, de jaune orangé. Le feu tricolore à droite est dessiné sur fond sec avec un pinceau très fin. Je ne cherche pas à détailler. J’ai retiré la gomme à masquer sur certains panneaux de signalisation, qui se détachent désormais du ciel. Mais je suis déçue, l’effet est un peu trop marqué.
6
Quand le papier est sec, je dessine sur le sol des lignes très fines avec un pinceau acrylique. Celles-ci soulignent le mouvement des voitures et les lignes de fuite convergeant vers le bâtiment de l’Amirauté. Il m’aura fallu trois ou quatre séances pour peindre cette aquarelle. Il est important de savoir s’arrêter quand on est fatigué, car il est diffi cile de rattraper ses erreurs à l’aquarelle.
Le tiers inférieur du tableau est peint dans des couleurs très vives, avec de l’orange de cadmium, du jaune d’or. Je prends soin de réserver des zones blanches sur les carrosseries des véhicules pour évoquer les reflets de lumière. Pour rendre l’impression de vitesse, je trace dans l’humide des traînées horizontales avec des lavis de violet, de rouge de cadmium…
Night fires. Aquarelle sur papier Saunders Waterford, 38 x 60 cm.
« IL FAUT BEAUCOUP DE PATIENCE POUR L’AQUARELLE AQUARELLE. AIS S ON MAI PROGRESSE SANS CESSE.
A QUARELLE N°34
» 29
MA PE PEIN INTU TURE RE PRÉFÉRÉE EST T DE DES S ŒUVRES DONT ON ES EST T CHAQUE ARTISTE VOUS LE DIRA, IL ES PARTICULIÈREMENT FIER. VOICI CE QU QUII FAIT LEUR DIFFÉRENCE.
Éric Laurent LE SUJET ABORDÉ Cette aquarelle représente les bords de Seine à Paris, et plus précisément l’île Saint-Louis. J’ai effectué toute une série de vues de Paris, entre mai et juin 2017 et cette aquarelle en fait partie. Le ciel et l’eau représentent les deux tiers de la composition et enveloppent la partie urbaine.
LES RAISONS POUR LESQUELLES J’AIME AIME CETTE AQUARELLE J’aime cette aquarelle car j’ai su réaliser à partir d’un sujet urbain une aquarelle qui comporte un aspect abstrait et inattendu, voire imaginaire d’une part et un aspect figuratif d’autre part. Je suis content de cette alchimie qui fonctionne.
UN TRAVAIL VERTICAL ET HORIZONTAL J’ai tendance à peindre de façon impulsive et spontanée. Pour un sujet tel que celui-ci, il faut savoir garder l’essentiel du lieu tout en apportant une émotion et rendre une atmosphère. Lorsque je démarre, je mets toujours beaucoup de pigments. Ma palette, c’est le papier. Je procède parfois de la façon suivante : je place sur la feuille les trois couleurs primaires, que je mélange ensuite, au gré de l’intonation que je vais vouloir insuffler à l’œuvre. L’atmosphère générale se décide dès ces premiers gestes. Ma feuille n’est jamais tendue. Elle est simplement posée sur une toile en cours, ou tout autre support que j’ai sous la main. Je travaille à plat ; mais je ne m’interdis pas parfois de tenir la planche inclinée, afin d’obtenir des coulures et des effets intéressants.
30
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
MA MÉTHODE DE TRAVAIL Je commence avec un léger croquis et quelques repères. Ensuite, j’applique plusieurs lavis successifs avec quelques réserves de blanc. Je me détache du sujet, je recherche une force et une transparence dans les couleurs. Puis je recompose mon sujet avec les ombres et les détails.
Soleil couchant sur les quais de Paris. Aquarelle Aquarell e sur papier Arches satiné, 61 x 101 cm.
« PARADOXALEMENT, LES PARTIES LES PLUS SIMPLES À RÉALISER ONT ÉTÉ LES DÉTAILS . » LES COULEURS UTILISÉES Cette aquarelle a été réalisée sur la base de trois couleurs primaires. J’ai ainsi utilisé un bleu de phtalo, un jaune gomme-gutteet un rouge de cadmium.
MES PINCEAUX Des petits-gris, des kolinskis, des pinceaux Raphaël.
BIEN UTILISER LES BLANCS J’utilise en aquarelle toutes les techniques et méthodes existantes : sec sur mouillé et mouillé sur mouillé, sans me poser la question de leur légitimité. Il en va de même pour le blanc, auquel j’ai régulièreme nt recours. J ’effectu e ainsi quelques passages de blanc sur sec, afin de « casser » un peula couleur. Le blanc vient déstructurer certaines formes un peu trop rigides. J’utilise aussi le blanc en projection, à l’aide d’un pinceau copieusement chargé en couleurs. Concernant les réserves du blanc de la feuille, il faut les envisager dans leur ensemble et telles qu’elles apparaîtront au final. Toujours les prévoir plus grandes que prévu, puisque lors de la peinture, on mord toujours un peudessus. A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE - NOVEMBRE 2017
31
…
E D R E I L E T A ’ L S N A
KenThrift
D
Abstractions colorées PEIGNANT DANS UN STYLE EXPRESSIONNISTE ABSTRAIT, L’ARTISTE EXPRIME SES ÉMOTIONS INTÉRIEURES À TRAVERS LA COULEUR. EXPLICATIONS SUR UN MODE OPÉRATOIRE TOUT AUSSI INTUITIF QU’ORGANIQUE. L’Art de l’Aquarelle : Quelles sont les raisons qui vous ont poussé vers l’aquarelle ? Ken Thrift : J’aime les effets que procure l’eau dans
une peinture. Même lorsque je peins à l’acrylique, j’ai tendance à m’en servir comme s’il s’agissait d’aquarelle. Lorsque j’ai commencé, je me suis lancé dans le paysage, comme bien d’autres avant moi. Mais j’ai rapidement compris que je pouvais appliquer à la peinture toutes les formes de traitement que je souhaitais. J’ai donc entrepris des contrastes plus forts et j’ai incorporé des formes et des figures. En ajoutant parfois de l’encre de Chine. Cela prend du temps d’apprendre à connaître exactement comment se comporte le pigment en fonction de la quantité d’eau. Il existe avec l’aquarelle une certaine tonalité que l’on ne peut pas exactement obtenir avec les autres techniques. ADA : Quel rôle joue la couleur dans vos œuvres ? K. T. : Elle joue un rôle important dans la mesure où
elle oriente les émotions du spectateur. Certaines juxtapositions de couleurs peuvent ainsi évoquer
32
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
Blue Mountain. 76,2 x 56 cm.
(Voir Tableau à la loupe p. 36)
The Amusement Lark.
56 x 76,2 cm.
« Je me suis naturellement tourné vers l’aquarelle, parce qu’il s’agit d’une technique complexe et que j’ai tendance à être un peu perfectionniste. »
L’UTILISATION DES COULEURS
J’utilise généralement les marques Grumbacher et Van Gogh, car elles possèdent une quantité généreuse de pigments. Cette saturation signifie que même lorsqu’elles sont diluées, les couleurs gardent toutes leur force. Je commence généralement par les couleurs primaires, le noir et le blanc. Je peux aussi partir d’anciennes palettes pleines de couleurs. Ces peintures, parce qu’elles ont séché, sont généralement plus granuleuses et sont donc appropriées pour des effets de texture.
REPÈRES
Ken Thrift possède un diplôme en ar t, délivré par l ’université of Wisconsin Whitewater, et a également suivi des stages en dessin d’après modèle vivant, en composition et en étude des couleurs. Ses œuvres ont été exposées sur tout le territoire américain et notamment au Wisconsin Trade Center. En outre, il a également exposé lors de la manifestation « Art Fair on the Square », à Madison, qui attire chaque année un quart de millions de visiteurs. Il est par ailleurs membre de la Wisconsin Watercolor Society.
des réactions différentes. J’adore la façon dont une palette restreinte peut être contenue dans une seule œuvre. À l’artiste de choisir ce qu’il veut que le spectateur ressente. ADA : Est-ce que vous déterminez votre gamme colorée avant de vous lancer ou es t-ce un aspect intuitif qui se développe en cours de route ? K. T. : La couleur joue sur l’ambiance du tableau, et sur ce que l’on ressent face à lui. Du plus loin que je me souvienne, j’ai toujours adoré la couleur. Ma grand-mère, Esther Thrif t, était une ar tiste et ma grand-tante Frieda, sa sœur, me procurait des livres de coloriage. Elle me demandait : « Est-ce que ces couleurs vont bien ensemble ? », tout en me réprimandant pour n’avoir pas respecté le tracé des lignes. Aujourd’hui, je ne réfléchis pas beaucoup au préalable quand je peins ; je n’ai jamais peur de commettre d’erreurs, car il n’y en a pas. Si le résultat d’une peinture ne me convient pas, je passe tout simplement à la suivante ! A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
33
T F I R H
T N E
K Divine Intermission.
56 x 76,2 cm. « Mon processus intuitif remonte à mon enfance, alors que j ’observais ma grand-mère peindre sur toile et sur céramique dans une petite ferme au pied des collines de San José. Ce fut le catalyseur qui m’a ouvert les yeux sur la nature. »
« QUAND JE PEINS DE MANIÈRE INTUITIVE, J’ACCÈDE À MON MOI PROFOND. » ADA : Jusqu’où votre peinture est-elle le reflet de votre état intérieur et de vos émotions? K. T. : Je cherche à créer quelque chose qui n’a
jamais été vu auparavant. À travers la couleur et la composition, je crée une œuvre unique. Comme j’ai grandi avec des troubles bipolaires, mon humeur change radicalement d’un jour à l’autre. Une peinture es t un ref let de mon humeur le jour où je l’ai peinte. Il n’y a pas deux jours identiques, donc aucune œuvre ne peut être dupliquée. Quand je peins de manière intuitive, j’accède à mon moi profond. ADA : Quelles sont les règles que vous mettez en œuvre – ou que vous choisissez de délaisser – dans la mise en place de votre composition? K. T. : Je démarre généralement par une petite
esquisse figurative au crayon, avant d’appliquer un lavis ou un glacis, généralement un ton clair. Ensuite, je laisse mon intuition prendre le dessus, et la peinture se développer par elle-même. ADA : L’expérience vient avec la pratique… Y a-t-il eu des moments dans votre apprentissage où vous avez vraiment eu le sentiment d’avoir passé une étape? K. T. : Il m’a fallu des années d’apprentissage de la
couleur et de la composition, ainsi que des années
34
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
de pratique du dessin de nature morte et de corps humain pour établir mes bases. À l’aquarelle, vous devez savoir quelles sont les couleurs qui fonctionnent lorsqu’elles sont superposées les unes aux autres. Et aussi connaître la quantité d’eau nécessaire. Qui peut le plus peut le moins : si vous apportez trop d’eau, vous perdez le contrôle de ce que vous tentez d’accomplir.
You should’ve known me better.
56 x 76,2 cm.
Les 5 clés de l’abstraction 1
LE DESSIN PRÉLIMINAIRE Je commence par une petite esquisse préliminaire, sur laquelle je passe ensuit e un lavis léger.
3
CERNER LES FORMES Je continue à poser mes couleurs ; j’en profite également pour cerner à l’encre de Chine certainesdes formes.
2
LES PREMIERS PASSAGES DE COULEUR Je pose ensuite mes premières masses colorées en m’inspirant de mon tracé au crayon pour leur emplacement.
4
ARRIÈRE-PLAN ET TEXTURES Je me lance maintenant dans l’arrière-plan. Grâce à des crayons aquarellables, j’apporte des textures.
5
LES DERNIERS DÉTAILS Je reviens et ajoute des détails sur les formes. Je m’assure également que les couleurs s’équilibrent et créent une belle harmonie.
ADA : Quelle est la proportion de t ableaux qui se déroulent sans problème ? Et est-ce que ne sont pas ceux qui vous donnent précisément du fil à retordre que vous appréciez le plus, au final ? K. T. : Une peinture est toujours une nouvelle expérience. Chaque fois que je peins, j’apprends quelque chose de nouveau, et tel devrait être le cas. Je suis toujours en train de chercher des solutions, quand je peins de l ’art abstrait. La plupart des mes peintures se déroulent bien, mais cela est sans doute dû à des années de pratique. Et souvenez-vous : tous vos tableaux ne sont pas des chefs-d’œuvre. Je suis également compositeur et interprète – et lorsque j’ écris des chansons, vous ne vous dites pas que chacune d’entre elles sera un tube. Il y aura beaucoup de faces B, et même de « faces C ». Et c’est très bien comme ça. Cela fait partie d u processus. Je pense que c’est Lou Reed qui disait : « Vous pouvez dessiner un cercle un millier de fois, mais un seul sera parfait. »
ADA : Existe-t-il un fil rouge ou une thématique générale qui traverse votre production ? K. T. : Pas vraiment, je suis en fait plutôt ouvert à l’interprétation. Il semblerait que je sois inspiré par le contexte du moment – un peu comme s’il se passai t quelque chose et que je devais trouver la réponse adéquate. J’adore le fait que les spectateurs aient chacun leur propre interprétation de ma peinture. C’est cette diversité qui s’appelle « art ».
ADA : Utilisez-vous des outils peu orthodoxes ? K. T. : Absolument ! Je ne suis pas du tout opposé à l’idée d ’employer tout ce qui peut m’aider à laisser une trace sur la feuille. Il ne faut pas en revanche que j’abîme la toile ou la feuille. Je suis une personne tactile… et je n’hésite pas à déplacer la peinture avec mes doigts et mes ongles. J ’utilise également des vieilles clés de voiture, un filet de pêche et un presse-purée. Rien ne m’est interdit. J’habite dans la Silicon Valley, en Californie, terre de nouvelles technologies et d’innovation. La plupart des gadgets et des logiciels que nous utilisons proviennent d’ici. Et toutes ces inventions n’ont pas été créées en répétant les mêmes choses. Il faut toujours avoir l’esprit ouvert.
ADA : Quels conseils donneriez-vous à nos lecteurs qui souhaiteraient se lancer dans l’abstraction ? K. T. : Commencez par expérimenter avec une diversité de techniques. Vous ne saurez jamais quelle sera votre technique de prédilection avant de les avoir toutes essayées. Et n’abandonnez pas sous prétexte que vous êtes frustrés ou que vous avez fait une erreur. Une « erreur » n’est rien de plus qu’un signal qui vous indique que vous empruntez la mauvaise direction. Prenez-en note et passez à autre chose !
TEXTE : LAURENT BENOIST. PHOTOS : D. R. A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
35
T F I R H
T N E
K
“Blue Mountain” à la loupe ON PARLE SOUVENT DE L’IMPORTANCE DE LA CRÉATIVITÉ, MAIS ÊTRE CRÉATIF N’EST PAS QUELQUE CHOSE QUI VIENT NATURELLEMENT À BEAUCOUP D’ENTRE NOUS. L’ARTISTE AMÉRICAIN KEN THRIFT DÉVELOPPE SA CRÉATIVITÉ, SON EXPÉRIENCE ET SA CONFIANCE GRÂCE À UNE MÉTHODE QUI LUI PERMET D’ÊTRE SPONTANÉ ET D’EXPÉRIMENTER SANS PEUR.
PAR JANINE GALLIZIA
UNE APPROCHE TÉMÉRAIRE
La peinture abstraite et la peinture figurative sont souvent vues comme opposées, alors qu’en fait il s’agit de la même chose. Dans certains cas, l’abstraction peut être l’évolution naturelle de la figuration, ou bien elle peut ne pas avoir d’origines figuratives. Dans les deux cas de figure, il n’y a quasiment pas de différence, à part le degré de reconnaissance des formes au sein de la peinture : sont-elles reconnaissables ou non ? Ces deux formes de peinture demandent une composition solide, une bonne palette et gamme de valeurs, une vision cohérente, un équilibre et une harmonie, et enfin une idée menée jusqu’à son terme. Certaines peintures visent à susciter une atmosphère ou une émotion, d’autres cherchent à créer un jeu de couleur, une ambiance apaisante, une danse énergique de couleurs/formes/valeurs… tout est possible et, comme je le dis souvent , « les limites d ’un artiste son t uniquemen t celles qu’i l accepte ». Il n’y a rien de bien ou de mauvais, mais les choix que nous faisons dans notre peinture afin d’en soutenir le message auront plus d’impact et créeront une peinture qui fonctionne. Ken Thrift est un artiste protéiforme, il peint et est aussi acteur. C’est un passionné d’improvisation dans sa peinture, ce qui lui permet d’accroître ses talents d’acteur. J’ai découvert l’improvisation théâtrale grâce à ma sœur il y a environ vingt-cinq ans, lorsqu’elle se rendait au théâtre Last Laugh, à Melbourne, en Australie. C’était très drôle ! Je m’y suis rendue à plusieurs reprises et cette idée d’improvisation m’est restée dans la tête. J’ai très clairement vu les atouts de cette technique et je m’en suis servie depuis dans de nombreux domaines. L’improvisation peut être un grand avantage pour les peintres, car elle leur permet d’essayer de nouvelles choses qu’ils n’auraient pas envisagées et de gagner en confiance. Le génie se trouve dans une liberté créative entretenue. Blue Mountain est une bonne illustration de la manière dont les contrastes fonctionnent afin de créer un tout équilibré. La force de cette peinture réside dans son approche téméraire. Sa moitié inférieure est une masse gris foncé « cassée » par des lignes bleu vif qui créent un mouvement vertical. La partie supérieure du tableau est peinte dans des valeurs claires avec un fond chaud. Les formes, bien qu’abstraites, donnent l’apparence d’être des personnages dans une bande dessinée. Les larges formes aux bords arrondis contrastent agréablement avec la partie inférieure, mate et froide. Quelques touches de couleurs et de valeurs fortes stimulent le regard et retiennent l’attention. Les formes larges à travers la peinture sont équilibrées par d’autres, plus petites, ou simplement des lignes. Un bel équilibre de formes simples et de détails qui nous encourage à contempler à loisir le tableau et à y découvrir constamment de nouvelles choses.
36
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
PLUSIEURS ŒUVRES EN UNE J’apprécie le fait que cette peinture puisse être découpée en plusieurs parties plus petites et que ces parties fonctionnent comme un ensemble. Cela arrive seulement lorsqu’une composition est particulièrement bien réfléchie. Voici ci-dessous les parties qui pourraient fonctionner indépendamment.
LA COMPOSITION
La structure de cette peinture va à l’inverse de ce que certains considèrent comme étant les « bonnes règles », mais il est bon parfois de voir que des œuvres qui s’en affranchissent fonctionnent également. La partie supérieure de la peinture forme clairement un X. La direction des formes est statique, car l’œil n’est pas poussé à circuler dans la composition (voir ci-dessous image de gauche). La par tie inférieure de la peinture est complètement opposée à la partie supérieure. Le gris mat et sombre remplit presque tout l’espace et le bleu saturé crée des lignes qui guident l’œil vers la partie supérieure de l’image (voir ci-dessous image de droite).
Les deux masses sont séparées par une ligne très nette qui coupe le centre de la peinture, là aussi quelque chose qui va à l’encontre des idées reçues. Ce qui permet à la composition de fonctionner, c’est la répétition subtile mais précise des petites formes bleues qui sont parfaitement réparties dans la partie supérieure de la peinture, ainsi que les formes brunes et mates qui se fondent dans la moitié inférieure.
IMPROVISATION = CONFIANCE ET LIBERTÉ
Ken est un peintre intuitif, comme la plupar t d’entre nous ; pourtant, même lorsque notre esprit divague, notre regard cherche toujours à équilibrer inconsciemment les formes qui sont sous nos yeux. Cette capacité d’organisation est innée chez l’être humain et nous l’avons tous à des degrés divers. Elle peut pourtant être développée afin d’améliorer nos aptitudes dans un grand nombre de domaines de la vie courante, y compris la peinture. Ken a, je trouve, développé une méthode d’improvisation qui à mon avis lui donne plus de liberté et de confiance en tant que personne et dans ses idées – et cela se voit dans ses peintures. L’aquarelle est une technique qui exige de réfléchir vite et de trouver des solutions rapidement. Elle requiert aussi une grande faculté d’adaptation et de faire des compromis, d’essayer de nouvelles idées et de suivre toutes les opportunités qui apparaissent. L’aquarelle exige que nous soyons flexibles. La pratique de l’improvisation, sur scène et en peinture, est une méthode qui permet de développer ces aptitudes. Un autre exemple de cette liberté peut être vu dans une autre peinture de Ken, Summerville Savannah (ci-dessous). Ici aussi, il a privilégié un rythme libre, mais cette fois-ci il a créé des contrastes grâce à des formes et des couleurs simples posées avec des lavis alla prima. Il s’est servi de petites lignes et formes pour équilibrer les grandes masses et les espaces vides, créant ainsi une composition légère et aérienne. L’énergie est la même que dans Blue Mountain, mais l’approche est différente, démontrant une liberté par rapport à la technique habituelle. Le rôle d’un artiste consiste vraiment à repousser sa perception des limites afin de voir ce qu’il adviendra. La peinture abstraite offre pour cette raison plus de flexibilité et le fait d’utiliser l ’improvisation afin de développer une plus grande confiance et variation dans son style est une bonne idée qui peut profiter à tous.
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE - NOVEMBRE 2017
37
E T R E V U O C É
Parfum de glycine.
TOUT EN CHERCHANT À CRÉER
28 x 38 cm.
UNE ATMOSPHÈRE DANS SES AQUARELLES, L’ARTISTE S’ATTACHE
D
À TRADUIRE L’ASPECT ESTHÉTIQUE DES PAYSAGES DU NORD.
Martine Humbert
REPÈRES Médaille
d’argent de l’Académie des sciences, arts et lettres, Arras Prix des éditions Hatier , Prix Alpha Cadres Prix de l’université d’Anchin Prix au Salon des Artistes douaisiens Prix toutes catégories, Lys-lezLannoy - Médaille de la ville de Marcq-en-Barœul Salon
International de l’Aquarelle de Belgique à Namur Salon des Artistes Français, Paris, avec prix des paysagistes français 1er prix d’aquarelle au Salon Paul Bellon, Arras. Martine Humbert est par ailleurs sociétaire du groupe Aqua-Sol, des Artistes douaisiens, d’Aquarellistes en Bord et d’APAPCO Le Touquet.
TEXTE : LAURENT BENOIST. PHOTOS : D. R.
38
L’amour de la nature « Je peins et je dessine depuis ma plus tendre enfance. D’abord à la gouache, puis au fusain. À l’époque, je peignais surtout des portraits. En 1990, je découvre l’aquarelle, mais je dois dire que le coup de foudre ne fut pas immédiat ! J’ai même failli arrêter en cours de route. Puis, j’ai eu ma première exposition en 1991, avec le groupe Aquasol de Douai. Je vois mon travail un peu comme celui d’un musicien : vingt-deux ans de gammes… En fait, il n’y a pas de secret : pour avancer, il faut travailler et travailler encore…
UNE PEINTURE DE L’INTIME
Je peins ce que j’aime, comme je l ’aime. Ma réalité est une réalité revisitée, un monde concret où s’insinue la poésie et où j’essaie de dévoiler la beauté du quotidien. Il y a bien sûr une infinité de manières de
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE-N OVEMBRE 2017
MES TROIS RÈGLES EN AQUARELLE 1. Le dessin est primordial. Un dessin bancal mène une peinture droit à l’échec. Cela est encoreplus vrai lorsque l’on dessine des éléments architecturaux, où chaque élément est là pourune raisonprécise. 2. Je réfléchis au placement des ombreset des lumières. J’aime lescontrastesfortset évitele plat et le fade. 3. Enfin,je détermine ma palette de couleurs à l’avance.
MA TECHNIQUE
Je peins avec unetechnique mouillé sursec,à sec essentiellement. Tout découle de l’observation, des matériauxet d’unepratique continueet régulière. J’utilise du papier Arches graintorchon 300 grammes, quicorrespondbienà monstylede travail et avec lequelje peins depuisplus de vingt ans. J’en ai bien sûr essayé d’autres, maisje trouvais que la peinture glissaittrop surla surface.
« J’essaie d’intégrer des trouées pour faire passer l’air et la lumière dans ma composition, ainsi qu’un horizon très lointain qui emmène l’œil. » TROIS GESTES POUR BOOSTER LA TECHNIQUE Parfois, le pinceau ne suffit pas… Aussi, pour rendre certains détails, rien de mieux que des accessoires facilement disponibles. Voici trois conseils pour dynamiser sa technique. 1. préalablement trempée dans mon mélange de couleurs, me permet de dessiner les herbes. 2. Quoi de mieux qu’ pour représenter des branchages sur la feuille ? Chargée en peinture, je la laisse glisser afin d’imprimer une marque irrégulière et plus naturelle.
À travers champs. 2 8 x 4 4 c m . « Un beau paysage n’e striensans émotion. Enregardant untableau, ondoit sentirle vent dans lesfeuillages,les rayonsdu soleil,le bruissement desfeuilles.Unebonnepeinturerésultede plusieurschoses : jedois intériorisermon sujet, exercer l’œil avant la main.En fait, jecogitemon tableau le plus longtemps possible.»
3. à l’aide d’une brosse à poils durs, m’aident à obtenir des textures sur les murs des bâtiments.
peindre. Je suis pour ma part fascinée par la beauté des détails : une jolie branche au bord de l’eau, une vieille masure abandonnée au bout du chemin, une antique grille rouillée dévorée par la verdure. Mes tableaux sont composés de sujets et d’éléments qui m’ont séduite ; à moi ensuite de composer une synthèse harmonieuse.
DES PAYSAGES TOUT EN CONTRASTES Mon inspiration me vient avant tout de la nature. Je ne me lasse pas du spectacle des saisons qui passent, des lumières de l’aube et du crépuscule, des ciels changeants, du jeu de l’eau, des arbres. Peutêtre tout simplement parce que mon enfance s’est déroulée dans un grand jardin. Jamais je ne pourrais vivre en ville. Le plus grand risque qui guette l’aquarelle est la fadeur, que l’on pourrait tout aussi bien nommer platitude ou banalité. J’ai besoin pour ma part de paysages contrastés, baignés d’ombre et de lumière… autrement dit, ce paysage doit constituer une invitation à la balade.
d’un équilibre entre le minéral et le végétal et d’apporter un élément vivant et coloré. Je me demande en vérité si je ne cherche pas à peindre des lieux qui peuvent rappeler l ’enfance.
RETRANSCRIRE L’ÉMOTION
LE RÔLE DE LA LUMIÈRE
Chacun de mes tableaux doit comporter une part de mystère ou de rêve. Je dois arriver à retranscrire l’émotion que j’ai ressentie face au lieu. Mon but est d’emmener le spectateur, qu’il rentre dans mon tableau. Tout fonctionne par équilibre : par exemple, une vieille grille rouillée sera réchauffée par une cascade de rosiers et un vieux volet sera en partie dissimulé par des roses trémières. Il s’agit toujours un peu
La source lumineuse est primordiale dans un paysage. Les plus belles lumières se trouvent le matin à 8 heures et le soir à 20 heures. Il faut tou jours déter miner sa source lumin eus e ava nt de commencer à peindre, définir les zones de soleil et d’ombre qui vont rendre le tableau vivant. En fait, j’aime les lumières f ranches qui vont projeter des ombres. Et toujours avec des contrastes forts.
Douceur du soir. 28 x 38 cm.
« La peinture est pour moi une manière de m’évader, un besoin d’être seule. J’aime la solitude choisie. C’est peut-être pour cela que je ne peins pas de scènes de rue ou de vues urbaines. Si je n’inclus jamais de personnages, en revanche j’aime peindre des portraits, des enfants et des scènes de maternité. »
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE-N OVEMBRE 2017
39
E R T N O C N E
R
Dylan Scott Pierce
Peindre l’Afrique avec passion APRÈS AVOIR PASSÉ DU TEMPS AU BOTSWANA ET AU SWAZILAND, CET ARTISTE AMÉRICAIN A CONTINUÉ À PEINDRE L’AMPLEUR DE LA BEAUTÉ ET DE LA DIVERSITÉ DU CONTINENT AFRICAIN, EN PARTICULIER SES PEUPLES, AVEC LESQUELS IL PARTAGE UN LIEN PROFOND. L’Art de l’Aquarelle : Dylan, pouvez-vous nous parler un peu de vous et de votre éducation artistique? Dylan Pierce : Le dessin a toujours été mon passetemps favori. À l’âge de 12 ans, j’ai découvert l’aquarelle grâce mon professeur Robert Long, et c’est rapidement devenu une passion. Depuis, l’aquarelle est ma technique de prédilection. Adolescent, je peignais probablement 15 à 25 heures par semaine. À l’âge de 19 ans, j’ai commencé à apprendre les principes de l’art classique, sous l’impulsion de Chris DiDomizio, en copiant les maîtres anciens. Dix ans avec DiDomizio m’ont fourni les ou tils nécessaires pour développer mon processus créatif. Mes étudiants en aquarelle m’ont également aidé à apprendre, en me posant le défi de créer des moyens de communiquer sur la réussite d’une aquarelle. ADA:VousavezégalementpassédutempsenAfrique… D. P. : L’Afrique est une terre d’aventure, ce qui signifie que c’est un peu en dehors de ma zone de confort. C’est la beauté et la diversité des merveilles naturelles qui vous touchent profondément si vous êtes capable de garder l’esprit ouvert. J’ai passé le plus clair de mon temps au Swaziland et dans le bush du Botswana. Je suis tombé amoureux des habitants, je me suis vraiment connecté avec eux. Ils sont généralement très proches de la nature, ils ont un sens de la communauté très fort et un sens de l’humour très rafraîchissant – et ils aiment aussi la bonne musique! Dans la brousse, il y a un tel sentiment de paix, de tranquillité et d’émerveillement
40 A
QUARELLE N°34
/
SEPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
REPÈRES
À l’âge de 10 ans, en 1996, Dylan Scott Pierce a remporté le premier prix dans une compétition artistique pour enfants, le Festival des arts d’Atlanta. Après ce succès précoce, il a commencé à voyager à travers le pays pour exposer ses aquarelles, représentant généralementla faune. Depuis 2007, Dylan a également commencé à utiliser des huiles en parallèle de l’aquarelle. Outre l’animalier, il aime également peindre des portraits. Travaillant actuellement dans son atelier en Floride, ces jours-ci, Dylan a exposé dans plus de 40 lieux différents, notamment à l’International Artexpo de New York et le Safari Club International de Reno. Il a remporté de nombreux prix tout au long de sa carrière d’artiste, y compris les Prix Best of Show, les Prix du mérite et le Prix du public. Il a reçu l’attention des médias locaux et nationaux, y compris, entre autres, National Geographic Today, Wildlife Art Magazine, QVC et Teen People Magazine.
Passively Waiting. 81 x 66 cm.
« LORSQUE TROP DE COULEURS ATTIRENT L’ATTENTION, C’EST COMME UN ORCHESTRE OÙ LES MUSICIENS NE JOUENT PAS EN HARMONIE LES UNS AVEC LES AUTRES : CELA CRÉE UNE DISCORDE PLUTÔT QUE DE VENIR EN SOUTIEN À LA MÉLODIE PRINCIPALE. »
A QUARELLE N°34 /
SEPTEMBRE - NOVEMBRE 2017
41
E C R E I
P T T O C
S N A L Y
D
« LA COULEUR POSSÈDE UNE FORTE DIMENSION PSYCHOLOGIQUE ET AFFECTIVE ET, LORSQU’ELLE EST MANIPULÉE DE MANIÈRE CIBLÉE, ELLE PEUT CRÉER UNE AMBIANCE TRÈS EFFICACE. »
Feed My Lambs.
76 x 46 cm. « Lorsque vous appréciez les personnes en Afrique et que vous voyez les nombreuses difficultés qu’elles rencontrent chaque jour, des circonstances de vie auxquelles vous ne serez sans doute jamais confrontés, cela provoque en vous des sentiments très forts et vous fait ressentir des émotions encore plus fortes. Même si nos vies sont différentes, je me connecte à leurs expériences à ma manière et je peins avec ce je ressens dans mon cœur. »
42
A QUARELLE N°34 /
SEPTEMBRE - NOVEMBRE 2017
The Long Stretch.
76 x 102 cm. « J’utilise les différents éléments de l’art : couleur, contraste, motif, texture et forme ; chacun d’entre eux joue un rôle dans la composition d’une manière ou d’une autre, il est utile de garder une dominante. Par exemple, dans The Long Stretch , il y a beaucoup de formes abstraites en arrière-plan qui font circuler l’œil du spectateur d’une manière circulaire, mais la couleur bleue et la texture sur le visage continuent d’interpeller. Les taches au contraste élevé permettent au regard du spectateur de se déplacer afin qu’il soit guidé sans être entravé. »
– qui peut aussi être déconcertant, comme lorsque par exemple un lion et son clan vous croisent ou quand un éléphant charge dans votre direction, en feignant d ’attaquer. Vous devez dans ces cas-là vraiment avoir confiance en votre guide ! Je pense que même notre guide est devenu un peu nerveux, lors de l’une de nos escapades, lorsque nous nous sommes retrouvés face à face avec une mère rhinocéros et son bébé ! Je pense que ces expériences ont renforcé mon sentiment d’émerveillement que je cherche à capturer dans mes peintures. ADA : Quand vous peignez en plein air en Afrique, comment faites-vous pour gérer la chaleur et le soleil ? D. P. : Peindre à l’extérieur au Swaziland ou au Botswana n’est pas si pénible que ça au printemps ou en automne, mais il faut porter des sandales et un chapeau avec un rebord afin de conserver la fraîcheur. Peindre à l ’extérieur est une expérience merveilleuse qui vous donne un sens plus profond de l’endroit où vous êtes. C ’est également une opportunité de prendre de précieuses notes sur la couleur, afin que vous puissiez saisir ce qui rend ce sujet si unique. Je prends également un appareil photo avec moi, afin d’être sûr de ne rien rater. ADA : Si vous deviez décomposer votre processus créatif en plusieurs é tapes, quelles seraient-elles ? D. P. : D’abord, je commence par les mots, en cherchant à répondre à la question : de quoi parle ma peinture ? Ensuite, je prends des notes. Quel est le message ? Puis, je réalise quelques petits croquis
qui me permettent d’élaborer la composition. Je fais ensuite un dessin de recherche avec des traits libres qui me permettent de saisir ce qui a retenu mon regard la première fois. Cela aide à comprendre quelles sont les lignes et les formes les plus importantes tout en me permettant de positionner mes contours perdus et nets, par ordre de préférence. Je réalise également quelques études de couleurs pour choisir une couleur dominante et une palette limitée en fonction de mon message, et en fonction des mots-clés de mon tableau. Après cela, je réalise souvent un dessin plus fini qui aide à appréhender les nuances et les subtilités. Enfin, je me lance alors dans l’aquarelle proprement dite, qui est l’aboutissement de toutes les études. ADA : Avez-vous toujours été adepte de l’approche « qui peut le plus peut le moins » avec la couleur ? D. P. : Je n’ai toujours pas été conscient de mes choix en matière de couleurs, j’avais l’habitude de peindre les choses telles que je les voyais et je laissais le sujet dicter mes choix. La couleur est un outil très puissant, et elle peut apporter beaucoup si elle est bien gérée, ou faire beaucoup de mal si elle n’est pas canalisée. La chose la plus importante est d ’avoir un ton dominant qui donne une présence à la peinture. A QUARELLE N°34 /
SEPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
43
E C R E I
Haitian Girl.
36 x 28 cm.
P
« Une période éclairante pour moi a été d’apprendre à utiliser les contours perdus et nets dans mes dessins. Ce fut une étape majeure pour moi. Cela signifie mettre en avant les contours qui sont importants par contraste ou par couleur et fondre les contours qui ne le sont pas. Les contours importants sont ceux nécessaires à véhiculer l’humeur ou la ressemblance. Parfois, j’aime perdre un contour, à un point tel qu’on ne le voit plus. Des contours nets et perdus aident également l’œil du spectateur à se déplacer et à ne pas rester focalisé sur un seul endroit, et cela aide à éviter les contours raides et artificiels. La clé pour une peinture forte réside souvent dans ce que l’on décide de ne pas inclure. »
T T O C
S N A L Y
D
MES COMBINAISONS DE COULEURS
J’ai apprécié l’utilisation de cette combinaison (gomme-gutte/alizarine/bleu paon) parce que j’aime le bleu paon d ans beaucoup de mes p eintures et il est difficile pour moi de me passer du jaune. En ce qui concerne le schéma tertiaire, il y a beaucoup de combinaisons qui fonctionnent : il suffit en fait de choisir 3 couleurs également espacées sur le cercle chromatique, comme un triangle. Pour décider quelles couleurs utiliser, je choisis d’abord la couleur dominante et décide quelles couleurs devront rester propres. Une combinaison polyvalente est constituée des couleurs suivantes : bleu d’Anvers, jaune auréoline et rose permanent.
ADA : Cherchez-vous à retranscrire une ambiance particulière dans vos œuvres ? D. P. : Oui, capturer une humeur est important pour moi, et cela va de pair avec la narration. Je veux que le spectateur se connecte avec le sujet et s’y rattache de manière émotionnelle. Avec un peu de chance, il pourra en faire l’expérience et ressentir le sujet de la même manière que moi. Je commence un processus de découverte pour révéler et comprendre ce qui me pousse vers un sujet en particulier. Qu’est-ce qui a attiré mon attention ? Et en quoi est-ce que je me sens relié à cet élément ? Ce sont mes dessins de recherche et mes prises de notes qui me donnent les réponses. Par prise de notes, je veux simplement dire écrire une his toire simple pour révéler la peinture. Un message aide à me guider dans la prise de décisions créatives. J’aime écrire un paragraphe avec des mots-clés. Ils représentent mes désirs, par exemple : « connexion, espoir, compréhension, paix ». Ces mots permettent d’améliorer la clarté du message de ma peinture.
ADA : Est-ce que vous avez l’impression que vous réussissez à traduire vos idées en peinture ? D. P. : La plupart du temps, oui. Parfois, un tableau ne fonctionne tout simplement pas parce que je n’ai pas consacré assez d’efforts à mes études. Peu importe votre capacité en tant qu’artiste, il y a tellement de choses à apprendre et tant d ’expériences qui amélioreront votre vision en tant qu’artiste. Et c’est ça qui est excitant ! TEXTE : L AURENT BENOIST. PHOTOS : D. R.
44
A QUARELLE N°34 /
SEPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
« PLUS VOUS ACCORDEZ DE TEMPS ET D’EFFORTS À LA PRÉCISION, MEILLEUR VOTRE ŒIL DEVIENDRA. »
PEINDRE AVEC
UNE PALETTE LIMITÉE Il existe une variété de palettes limitées que j’utilise : - Unepaletteanalogueavec uneseule complémentaire est agréable, elle est « calme » tout en étant stimulante et peut être belle. Par « palette analogue », je désigne simpl ement une pal ette consti tuée de trois couleurs côte à côte sur le cercle chromatique. - Deux ensembles de complémentaires peuvent également être un bon choix, c’est une palette plus stimulante et active, tout en étant très belle selon les couleurs utilisées. Certains ensembles de complémentaires sont magnifiques, mais certaines peuvent être oppressantes. - Une palette tertiaire vous permet d’utiliser plus de couleurs car tout est composé de seulement trois couleurs qui s’harmonisent automatiquement les unes avec les autres. Les semi-neutres peuvent être magnifiques, surtout lorsque vous les mélangez sur la feuille afin de garder les variations subtiles de chaque couleur.
ZOOM SUR…
Token of Honour , 91,3 x 73,6 cm. LES ESQUISSES
LE SUJET Inglesio, garçon du Swaziland, porte une poule qu’il ramène à la maison pour le dîner. Nous avons eu l’honneur d’être gracieusement accueillis dans la maison de sa famille.
J’explore les choix de composition en réalisant de petits croquis. Ensuite, je fais une esquisse un peu plus poussée pour prendre conscience de ce qui est important, afin de trouver les lignes et les formes sur lesquelles je veux attirer l’attention des spectateurs. Le croquis permet aussi d’établir la hiérarchie d’importance des différentes formes. Et je fais souvent un dessin plus fini, qui servira de référence, dans lequel je prête plus d’attention aux subtilités. Commencer par un bon dessin fait toute la différence dans le résultat de la peinture.
LE FOND Je suis souvent davantage intéressé par un personnage ou par un visage qui m’attire. J’aime que mes fonds mettent en valeur le portrait, sans détourner l ’attention. Dernièrement, j’ai passé plus de temps à peindre en plein air et c’est un bon moyen de se sentir à l’aise avec l’utilisation des formes et des textures plus abstraites qui peuvent être utilisées pour créer des fonds plus forts. En ce qui concerne les teintes, je décide en fonction de l’humeur et du message que je veux transme ttre.
LES FORMES Les diverses formes en arrière-plan gardent l’œil en mouvement, comme le fil à linge, les feuilles de bananier incurvées, l’ombre sur l’herbe ; seules, chacune de ces formes serait trop isolée, mais les petits éléments de texture et les formes plus petites qui les relient aident l’œil à passer de l’une à l’autre. Mais le contraste fort sur le garçon le met en avant et le bleu de la poule fait que l’œil y revient. La ligne courbe est également répétée : elle donne du mouvement et répète la forme de la poule.
MA PALETTE Dans la peinture Token of Honour , l’orange devait être dominant pour transmettre la joie de vivre, tout en représen tant l ’Afrique. L’orange chaud et la poussière sont partout en Af rique : sur les vêtements, les pieds nus des garçons, et même leurs maisons (des cabanons, en fait), faites de boue et de branchages. Le bleu de la poule a été changé d’un bleu froid à un bleu chaud pour exprimer la joie et un sentiment de beauté. Ma photo de référence avait beaucoup plus de verts. Les couleurs vives et contrastées s’accordent également avec la spontanéité du garçon.. A QUARELLE N°34 /
SEPTEMBRE - NOVEMBRE 2017
45
E P U O L A L
À
COULEURS UTILISÉES Je monte les valeurs petit à petit sur tout le tableau en faisant en sorte que le sujet principal — ici, la jeune fille qui nous regarde — ressorte, tout en veillant à créer des points d’intérêt à différents endroits du tableau et en reliant les formes entre elles pour permettre au regard de circuler. J’ai mené une recherche sur le rouge des robes. Je me suis d’abord dirigé vers un mélange habituel de rose permanent et d’auréoline ; mais la teinte m’apparaissait soit trop pâle, délavée, soit trop vive, et attirait l’attention au détriment des visages. J’ai donc opté pour un mélange de rose permanent et d’ombre brûlée qui a l’avantage de pouvoir tirer vers des valeurs assez sombres et de produire une belle granulation tout en étant beaucoup moins saturé. Pour les visages, je travaille dans l’humide et j’utilise
46
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE-N OVEMBRE 2017
des couleurs qui ne granulent pas. L a granulation sur des visages, surtout sur des traits d’enfant de petite taille comme dans ce tableau, est plutôt disgracieuse. J’utilise donc des couleurs qui ne granulent pas, telles que l’auréoline mélangée avec le rose permanent ou la terre de Sienne brûlée que je fonce parfois avec une pointe de gris de Payne. J’aime aller jusqu’à des sombres très denses, presque noirs : c’est ce qui va apporter de la lumière. En revanche, je trouve qu’un tableau comportant de très grandes zones très sombres passe relativement mal à l’aquarelle. Je préfère conserver des zones claires pour laisser le tableau respirer. C’est pour cette raison que j’ai laissé une zone de lumière dans la robe de la jeune fille qui se trouve à droite. C’est aussi un moyen d’équilibrer ombres et lumières dans les différentes parties du tableau — avec la zone claire diagonalement opposée.
Bertrand Martin AVEC CETTE ŒUVRE TOUT EN NUANCES DE ROUGES ET EN FUSIONS, L’ARTISTE AVAIT UN DÉFI À RELEVER, DONT IL NOUS FAIT PART ICI.
L’Attente
LE SUJET J’ai remarqué cette scène lors du mariage d’une amie. Les quatre demoiselles d’honneur, tout habillées en rouge avec une couronne de fleurs sur la tête, attendant l’arrivée de la future mariée au pied de l’église, étaient magnifiques. J’ai pris quelques photos en sachant que la scène pourrait m’inspirer une aquarelle… Plutôt habituellement centré sur les visages, j’avais envie de m’attaquer à un portrait de groupe. Le Salon du Dessin et de la Peinture à l’eau, qui s’est déroulée au Grand Palais à Paris en février dernier, préfère les aquarelles de grand format : je me suis dit que c’était l’occasion rêvée de tenter un portrait de groupe de plain-pied.
75 x 85 cm.
MON APPROCHE
REPÈRES
J’aime, à l’aquarelle, ces alternances de flou et de net que l’on obtient si facilement en travaillant soit dans l’humide, soit dans le sec. Et j’apprécie particulièrement ces flous chargés de granulation que l’on obtient avec certains pigments. Je les trouve pleins de douceur, propice à développer l’imaginaire ou une certaine poésie. J’aime aussi l’atmosphère que l’on obtient en travaillant par glacis successifs : en apparence, le fait de remouiller n’affecte pas la couche sèche et pourtant une toute petite partie de la couleur diffuse et les formes se fondent petit à petit les unes dans les autres.
Bertrand Martin a eu, dès l’enfance, une passion pour le dessin, mise entre parenthèses pendant une vingtaine d’années : avant de se consacrer à la peinture, ce Parisien a connu une carrière d’ingénieur dans l’aérospatiale. C’est à l’approche de ses 40 ans, à l’occasion d’une rencontre avec Lélie Abadie, que son penchant a pu renaître, particulièrement marqué par son attirance pour l’aquarelle. Bertrand Martin a pu alors af firmer sa pratique avec Lélie Abadie, Janine Gallizia, Marc Folly ou Marie-Line Montécot…
Le portrait comme thème central Le thème qui m’inspire le plus est le portrait. J’aime les visages pensifs, rêveurs, nostalgiques. J’aime aussi beaucoup ceux des enfants, mais là aussi, au-delà de l’esthétique propre du visage poupin, que j’adore, je pense que ce sont des figures qui nous emportent dans nos souvenirs d’enfance, qui suscitent des émotions.
MON MATÉRIEL SUPPORT. J’utilise exclusivement du papier Arches 640 g. C’est un papier très résistant, qui supporte très bien de nombreux mouillés et reste longtemps humide, ce que j’apprécie particulièrement. PINCEAUX. J’emploie un pinceau en poils de martre de marque Léonard n° 16 pour travailler dans le sec ou dans le mouillé sur mouillé et plusieurs petits pinceaux synthétiques Escoda pour travailler dans le sec sur mouillé. Pour réaliser les retraits, j’ai recours à quelques pinceaux sy nthétiques à poils durs destinés à la peinture à l’huile. PALETTE. Elle comporte peu de teintes et je privilégie les pigments Winsor & Newton : terre d’ombre brûlée, terre de Sienne brûlée, rose permanent, auréoline, outremer, gris de Payne pour l’essentiel. J’ai aussi recours à un peu d’orange et rouge de cadmium tout à la fin de la réalisation, en rehauts.
COMPOSITION Je travaille d’après photo et cela a été une vraie difficulté pour ce sujet, car les quatre jeunes filles étaient toutes habillées de la même couleur, en rouge ; elles étaient également toutes dans le même plan. J’ai donc réalisé de nombreuses études préliminaires pour la composition et les couleurs. Le rouge attire beaucoup le regard mais je voulais que les visages ressortent. J’ai modifié quelques éléments de la photo modèle. Tout d’abord, la jeune fille regardant l’objectif avait une mimique qui ne correspondait pas à ce que je souhaitais retranscrire ; j’ai donc imaginé une autre expression, plus proche d’un air un peu rêveur. J’ai aussi modifié la direction des yeux pour qu’ils regardent l’observateur. J’ai changé la position de la colonne afin qu’elle anime le quart supérieur gauche du tableau qui, sinon, aurait créé un grand vide. J’ai ajouté une ombre à droite du cou de la jeune fille qui fixe l’objectif pour relier l’ombre de la chevelure avec celle de sa robe. La ligne nette à cet endroit attire le regard et le guide vers le visage de la jeune fille accroupie. Enfin, dans le quart inférieur droit du tableau, le regard pouvait se perdre dans l’entrelacs des bras et des jambes… J’ai tout flouté pour ne garder que les formes les plus gracieuses que j’ai accentuées avec du détail ou des bords nets. Pour suggérer les mains du personnage principal, j’ai simplement effectué des retraits avec un pinceau à poils rigides dans la peinture encore humide : les mains semblent ainsi posées sur les cuisses. Je ne voulais pas trop attirer le regard sur cette zone : le visage de profil, juste à côté, est plus important.
UN FORMAT INHABITUEL La taille du support, que je me suis imposée, a rendu plus complexe la réalisation de cette aquarelle. Il ne m’a pas été pas évident de travailler les détails au milieu de la scène, de peindre à l’envers pour parfaire tel point du tableau tout en travaillant dans l’humide afin de réaliser des bords flous… Ce format était pour moi une première. A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE-N OVEMBRE 2017
47
O I L O F T R O
P
Série « Êtres », n° 9
DANS LA LIGNÉE DES MAÎTRES CHINOIS QUE SONT GUAN WEIXING ET LIU YI, CE JEUNE ARTISTE S’ATTACHE À REPRÉSENTER LES PEUPLES DE CHINE AU TRAVERS DE PORTRAITS EMPREINTS DE DÉLICATESSE ET D’HUMANITÉ.
RickHuang
Une éternelle humanité 48 A
QUARELLE N°34
/ S EPTEMBRE-N OVEMBRE 2017
Fille tibétaine 2 70 x 50 cm
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE -N OVEMBRE 2017
49
O I L O F T R O
P
Bouddha
70 x 50 cm.
50
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE -N OVEMBRE 2017
Série « Êtres », n° 1 70 x 50 cm.
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE -N OVEMBRE 2017
51
O I L O F T R O
P
Série « Êtres », n° 8 70 x 50 cm.
52
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE -N OVEMBRE 2017
Série « Être s», n° 10 70 x 50 cm.
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE -N OVEMBRE 2017
53
O I L O F T R O
P
Cow-boy 70 x 50 cm.
54
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE -N OVEMBRE 2017
Ali
70 x 50 cm.
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE -N OVEMBRE 2017
55
O I L O F T R O
P
Série « Êtres », n° 10 70 x 50 cm.
56
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE -N OVEMBRE 2017
« C’est le monde spirituel que nous devons admirer » Rick Huang, quel est votre attrait pour le portrait ? Peindre est quelque chose d’indispensable pour moi, un peu comme si l’aquarelle coulait dans mes veines. La peinture est un langage que je peux exprimer avec mon cœur, et qui me sert à montrer mes émotions ou mes sentiments.
Comment choisissez-vous vos modèles ? Certains sont des amis, des proches, voire parfois de parfaits inconnus. Ce sont toutes des personnes qui possèdent quelque chose qui m’intéresse et qui attire mon regard. Il n’y a pas vraiment de différence pour moi entre peindre des inconnus et des personnes que je connais, car je reste concentré sur ce qui m’a interpellé en premier lieu et ce qui m’a donné envie de les peindre.
Quelles sont les caractéristiques que vous recherchez chez une personne ? J’aime peindre des personnes d’origines différentes, pour leurs particularités historiques, régionales et culturelles. Je cherche avant toute chose leur part d’humanité éternelle, leur gentillesse, leur détermination et leur confiance dans l’avenir de l’homme. Tout comme la beauté des fleurs et le parfum de la terre, c’est le monde spirituel que nous devons admirer. En peignant des êtres humains, je veux rendre compte de l’humanité.
Quels mélanges utilisez-vous pour vos tons de chair ? Un mélange de rouge rose, de bleu de cobalt et de turquoise comme base pour mes tons de chair, et j’utilise de la terre d’ombre brûlée, du violet et du vert pour les ombres. Il me suf fit ensuite d’ajuster les proportions de chaque couleur.
Quelle part laissez-vous à l’improvisation ? L’improvisation est un élément important dans mon processus de peintre. Cela peut donner de la vie à une peinture. Comme elle est aléatoire, ce n’est pas quelque chose que vous pouvez dupliquer. Je serai incapable de refaire une copie d’un de mes tableaux, ce qui démontre l’importance de la part d ’improvisation dans mon travail. Le spectateur peut ainsi mieux ressentir les émotions de l ’artiste lorsqu’il improvise, ainsi que sa touche unique, qui est la partie la plus sensible et la plus merveilleuse d’une œuvre d’art.
Pouvez-vous nous décrire votre processus créatif ? Le processus de création est une vraie source de joie.
Tout débute par une idée ; ces idées viennent de mon inspiration, qui peut aussi bien être une musique que la pluie qui tombe sur la vitre d’une voiture. Je vais alors ressentir le besoin d’exprimer ce que je ressens. Cette émotion va apparaître sous la forme d’une image mentale, que je vais alors rapidement esquisser ou noter avant de trouver les modèles appropriés pour la mettre en scène. Cette phase nécessite beaucoup d’ajustements de position des modèles et des objets. Cela me permet d’exprimer précisément mon idée première, que je vais ensuite retranscrire à l’aquarelle. Au cours de ce processus, je vais laisser de la place à l’improvisation, afin que ma peinture ait l’air plus vivante.
Quelles sont vos influences picturales ? J’adore la peinture d’Andrew Wyeth, non seulement ses aquarelles, mais aussi ses tempéras. Je suis fascinée par la mélancolie qui se dégage de ses scènes rurales et en même temps il possède une excellente technique réaliste. J’ai beaucoup appris en regardant son travail. Et aussi Nicolaï Fechin, qui est un portraitiste à l’huile très connu. Il avait un véritable don.
Qu’en est-il de votre technique à l’aquarelle plus particulièrement ? Ma peinture est une alliance entre l’humilité qu’ impose la peinture à l’huile et la luminosité de l’aquarelle. Certaines zones sont peintes librement, tandis que d’autres sont plus détaillées, avec la surface de la feuille complètement sèche, ou bien humide lorsque je veux donner du rythme. Une peinture est un peu comme une symphonie avec plusieurs mouvements.
Enfin, quels sont vos marques et outils favoris ? J’utilise des couleurs Winsor & Newton parce que leur gamme de couleurs est complète et qu’elles sont très transparentes. Ceci dit, il m’arrive aussi de peindre avec des couleurs Holbein. Je travaille sur des feuilles Arches 300 grammes grain torchon. Ce papier possède une texture magnifique et il suppor te sans problème plusieurs lavis successifs.
TEXTE : LAURENT BENOIST. PHOTOS : D. R.
REPÈRES Huang Huazhao fait partie de l’ethnie Zhuang. Il est né en 1977 à Guangxi. Diplômé de l’université des arts de Guangxi, il est vice-président de l’IWS Chine, professeur d’arts plastiques à l’université normale de Guangxi et rédacteur en chef du magazine Chinese Watercolor.
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE-N OVEMBRE 2017
57
E PAR JANINE GALLIZIA P U O L A L
À LES FORMES Les images ci-dessous illustrent la prépondérance des lignes diagonales au sein du placement des objets. Elles créent du mouvement et de l’intérêt. Ces lignes agissent cependant comme des lignes directionnelles, emportant le regard du spectateur en dehors de la peinture. Afin d’éviter ce problèmeet de s’a ssurer quele regard soit bien attirépar le point focal du tableau (le cadrande la montre), Denny a stratégiquement placé la chaîne dela montreà gousset de telle sorte qu’elle forme deux verticales qui viennent équilibrer ces lignes diagonales.
LES VALEURS On parle souvent d’équilibrer les éléments dans une peinture. Il s’agit d’une manière de pensée trop simple, qui aboutit souvent à des compositions symétriques. Cette peinture, en opposant les éléments, est un très bel exemple d’équilibre.
Ci-dessous, afin de s’assurer que l’œil revienne au point focal, les derniers maillons et la pièce métallique de la chaîne agissent comme des lignes directionnelles qui font remonter l’œil vers le cadran de la montre.
Si nous simplifions la peinture pour n’en garder que les ombres et les lumières, on peut voir l’équilibre délicat entre les grandes masses. Il y a presque la même quantité de valeurs sombres que de valeurs claires. Comme vous pouvez le constater, quelques valeurs claires sont placées dans la grande masse sombre, et vice-versa. Ce lien et cet équilibre entre les formes créées à l’aide de valeurs opposées donne une belle composition unifiée. Nous voyons aussi la grande diagonale qui sépare nettement les deux masses principales, et qui permet de mettre en valeur l’importance des deux chaînes verticales qui viennent l’équilibrer.
LES COULEURS Les peintures de Denny Bond font essentiellement appel aux valeurs plus qu’aux couleurs. Il a recours à une large gamme de valeurs afin de créer de la profondeur, ce qui donne un aspect très réaliste aux objets. Ceci dit, il y a souvent une couleur dominante saturée utilisée pour créer de l ’émotion et susciter de l’intérêt. Si nous regardons la forme générée par le rouge vif, on constate qu’elle crée elle aussi une autre grande forme diagonale, mais dont la direction est inversée, équilibrant ainsi la grande masse sombre. Cette grande masse d’une seule couleur rompt la monotonie du reste de la peinture, pour laquelle une palette terne et assourdie a été utilisée.
58
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE-N OVEMBRE 2017
Denny Bond VOILÀ UN MAGNIFIQUE EXEMPLE DE COMPOSITION RÉUSSIE, OÙ LE CHOIX ET L’ARRANGEMENT DES TROIS ÉLÉMENTS QUI LA CONSTITUENT SONT EXÉCUTÉS DE MANIÈRE INTELLIGENTE AFIN DE CRÉER UN TABLEAU. CEUX-CI ONT ÉTÉ PENSÉS LOGIQUEMENT, À LA FOIS DE MANIÈRE INDIVIDUELLE ET DANS LEUR ENSEMBLE, CE QUI TÉMOIGNE DES FORTES CAPACITÉS MENTALES DE DENNY BOND, L’UN DES MEILLEURS AQUARELLISTES D’AUJOURD’HUI.
Once Upon ATime 2015. 63 x 76 cm.
LES HABITUDES DES PEINTRES AUJOURD’HUI De nos jours, la plupart des gens peignent sur le motif ou d’après photos. Beaucoup d’artistes se servent d’appareils pour leur dessin, afin d’être sûr qu’il soit sans erreur. Pour certains, cela s’appelle le progrès. Ces formes de préparation ne développent cependant pas chez l’artiste de vraies capacités à concevoir une composition, car la composition s’apprend avant tout avec le dessin. L’art ne consiste pas à reproduire les formes que l’on a sous les yeux : il constitue une vision construite par l’artiste afin qu’il puisse s’exprimer. Pour y arriver, les artistes doivent modifier la réalité en termes de formes, de valeurs et de couleurs, afin de raconter leur histoire. La capacité à disséquer n’importe quel sujet s’apprend grâce au langage visuel qu’est la peinture et à la compréhension de la manipulation des trois éléments clés que sont les formes, les valeurs et la couleur. Une ligne verticale peut être utilisée pour guider ou bloquer le regard du spectateur ; elle ne peut pas être reproduite sur la feuille simplement parce qu’elle fait partie du paysage. Nous devons prendre des décisions afin de choisir quelles formes, valeurs et couleurs aideront au mieux notre peinture. Cela revient à maîtriser le dessin. Le dessin est essentiel en peinture. Il est la base de plusieurs éléments comme les valeurs, les formes, la compréhension de l’espace et du volume, la hiérarchie et les relations entre ces différents éléments. Il est la construction qui sous-tend une peinture. Lorsque nous dessinons, nous arrangeons les formes avec leurs valeurs et leurs couleurs de telle sorte qu’elles puissent exprimer le plus simplement possible le message que nous voulons transmettre. Dans cette œuvre de Denny Bond, nous pouvons voir comment la construction délicate de la composition a été créée afin de rendre cet effet particulier. Denny Bond est un des rares artistes à utiliser autant de lignes directionnelles que moi ! Regardons plus attentivement quelles sont les formes, les couleurs et les valeurs qu’il a utilisées.
LE SUJET À mon avis, Denny Bond est aujourd’ hui l’un des meilleurs « designers » en aquarelle. Nous parlons tous de la composition, mais si peu la maîtrisent vraiment. La composition est la structure même d’une peinture et, si elle ne fonctionne pas, toutes les touches sur la feuille, les combinaisons de couleur et les astuces dans notre manche ne feront pas illusion pour un œil averti. C’est le premier élément essentiel de toute peinture, quels que soient la technique et le style, figuratif, suggéré ou abstrait. Afin de bien comprendre, il est important de revenir aux fondamentaux, car avec le temps de petites modifications peuvent avoir lieu à travers les changements linguistiques et des idéaux, qui peuvent à leur tour déformer notre perception du sujet en question. Le terme de composition, selon Le Robert, est la suivante : « Action, manière de former un tout en assemblant plusieurs parties, plusieurs éléments. » Voyons comment cela se traduit en peinture : Les éléments d’une peinture sont : - La couleur - Les valeurs - Les formes Les combinaisons multiples de ces trois éléments créent des peintures ; rien de plus, rien de moins. Vous m’avez sans doute déjà entendu dire au fil des ans : « La composition est simplement l’arrangement des couleurs, des valeurs et des formes sur la surface de la toile. ». Autrement dit, le rôle d’un artiste dans la création de sa composition consiste à choisir l’emplacement de chaque couleur, valeur et forme. Bien que cela paraisse simple, cela demande une compréhension complète des couleurs, des valeurs et des formes, à la fois comme concepts individuels et dans les relations qu’elles entretiennent entre elles. Cette notion est l’art même derrière chaque peinture et elle est rarement optimisée de nos jours. C’est la raison selon moi pour laquelle la plupart des gens ont du mal à maîtriser l’art de la composition. Afin d’avoir plus d’ informat ion et de conseils de la part de Denny Bond, vous retrouverez un article complet sur son style, sa préparation et sa vision en peinture dans le numéro de décembre de l’Art de l’Aquarelle.
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE-N OVEMBRE 2017
59
E R T N O C N E
R
Xi Guo Le cycle de la vie
The Last Sleep N° 1 51 x 76 cm. « Cette peinture s’inspire de fleurs fanée s dans ma chambre. C’était par une fin d’après-midi : j’ai vu l’ombre des pétales en train de mourir dans la lumière chaude. J’ai voulu saisir la beauté et la tristesse de cet instant. Le sol était en fait brun foncé, et je l’ai changé pour un gris rosé clair afin qu’il s’accorde avec la couleur principale. »
60
REPÈRES Xi Guo est née à Shanghai en 1975. Elle est membre signataire de la National Watercolor Society (NWS) et de la Northwest Watercolor Society (NWWS). En 2015, Xi Guo a été sélectionnée pour exposer à la Royal Institute (RI) of Painters in Water Colours, à Londres ; elle a ainsi été la première artiste féminine d’origine chinoise à exposer à la RI depuis sa création en 1831. Elle a exposé à la RI en 2016, puis en 2017. Une de ses œuvres a remporté le prix de la Biennale internationale de l’aquarelle de Shenzhen. Ses œuvres ont également été acceptées dans la 149e exposition internationale de l’American Watercolor Society. Elle a de plus remporté le prix Da Vinci Artist’s Merchandise, lors de la 96 e exposition internationale de la NWS.
EMPREINTE DE MÉLANCOLIE, LA PEINTURE DE XI GUO EST UNE RÉFLEXION SUR LE CYCLE DE LA VIE, REFLÉTÉ DANS LA NATURE. L’AQUARELLE EST POUR ELLE LA TECHNIQUE QUI SE PRÊTE LE MIEUX À SES RECHERCHES ET SES IDÉES. ELLE NOUS EXPLIQUE POURQUOI. Je suis née et j’ai grandi à Shanghai, en Chine. J’ai étudié la peinture chinoise dans mes premières nnées d’enfance et j’ai commencé ma formation cadémique de dessin quand j’avais environ 10 ans. Ensuite, je suis allée à Shanghai Art and Craft School, un lycée associé à l’art et au design, spécialisé dans le design graphique. En raison de l’atmosphère artistique et ouverte, c’était la première fois que j’avais un sens de ce qui était « contemporain, moderne et postmoderne ». Quatre ans plus tard, j’ai intégré l’Université normale de Shanghai, où j’ai étudié la peinture à l’huile. Après avoir obtenu mon diplôme universitaire, j’ai enseigné au Shanghai Art and Craft College. En 2009, après huit ans d ’enseignement, j’ai décidé que je voulais aller ailleurs et apprendre quelque chose de nouveau, alors j’ai décidé de quitter mon emploi et d’étudier à l’étranger. J’ai été acceptée au Savannah College of Art and Design en Georgie aux États-Unis d’Amérique, où j’ai obtenu une maîtrise en photographie.
LE CHOIX DU SUJET Mes études en photographie et en art contemporain influencent ma peinture – je ne produis pas d’aquarelles très réalistes. Je reconnais qu’il y a quelque chose dans ma peinture qui peut mettre mal à l’aise et surprendre… surtout avec les poses de mes modèles. Grâce à des images intenses, je veux parler aux spectateurs de mon obsession pour la beauté du cycle de la vie, qui comprend la vie et la mort. Il est important pour moi que mes sujets correspondent à mon concept. Comme tous les autres artistes, je suis tentée par un grand nombre de sujets intéressants, mais je dois me restreindre aux idées qui fonctionnent avec mes projets.
LE RAPPORT À LA NATURE Fondamentalement, mes peintures de la nature et mes portraits sont comme le Yin et le Yang du Tai Ji. Par leur biais, je raconte mon histoire. Enfant, je me sentais plus à l’aise dans la nature qu’e n compagnie Baby’s breath 76 x 51 cm. « J’ai toujours aimé les gypsophiles pour leur aspect nuageux. Aussi, quand j’ai décidé de me peindre avec cette chemise blanche, j’ai tout de suite pensé à cette fleur. J’ai recadré l’image et flouté les fleurs afin de rendre le regard plus intense. Les détails de la chemise blanche et la texture sur les jambes permettent d’équilibrer la composition. »
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
61
O U
G I X
Dreaming of Butterfly N° 5
48 x 33 cm. « Cette série de peintures est inspirée de Zhuang Zi, un philosophe taoïste chinois qui raconte l’histoire de son rêve, dans lequel il était un papillon. À son réveil, il ne se souvenait plus s’il était un homme qui avait rêvé qu’il était devenu un papillon ou un papillon qui avait rêvé qu’il était devenu humain. En répétant et en dissimulant certaines parties de l’image, j’ai essayé de donner corps au concept d’identité et d’illusion. »
62
Dreaming of Butterfly N° 6
Lilith
76 x 51 cm. « Cette peinture est inspirée de la mythologie juive. Lilith, la première femme d’Adam, vit dans un arbre. Elle est à la fois source de fantastique et d’horreur. Je me suis prise en photo devant des buissons, dans mon jardin. J’ai assombri le fond afin que le buisson donne l’apparence d’une jungle mystérieuse, et ajouté des tons violacés sur les feuilles afin de créer un contexte plus surréaliste. »
48 x 33 cm. « J’avais déménagé aux États-Unis pendant deux ans au moment de cette peinture. Parfois, je rêvais que j’étais encore à mon appartement à Shanghai. Le choc culturel était toujours là. Par conséquent, j’ai combiné les éléments orientaux dans l’environnement occidental pour symboliser les étourdissements et le désordre dans mon esprit. »
des gens. Elle est toujours une source d’inspiration. Mes peintures de nature sont plus calmes et plus pacifiques que mes portraits. Je ne peins pas quelque chose de simplement doux et joli. Vous pouvez voir la beauté dans toute chose, qu’elle soit merveilleuse ou laide, vivante ou morte. La nature est la meilleure illustration du cycle de vie.
UNE ENFANCE SOLITAIRE ET MÉLANCOLIQUE
Ma peinture est mélancolique, car je suis avant tout une personne pessimiste. D’après Freud, tout proviendrait de mon enfance solitaire. J’étais un enfant très maladroit et excentrique. Mes parents étaient très occupés, ils m’ont envoyé dans la maison de ma grand-mère dans un petit village. Les enfants ont senti que j’étais une étrangère, là-bas. Quand je suis retournée à la ville, j’étais encore une étrangère. Il y avait un cimetière près du village, où je me rendais souvent. Donc, pour moi, la mélancolie est probablement une nostalgie. J’ai vraiment apprécié ces après-midi. J’allais au cimetière et j’espérais rencontrer un fantôme pour me donner les réponses à mes questions. Parfois, je prenais un livre avec moi, mais la plupart du temps, je regardais les pierres tombales et méditais sur les histoires et les personnalités de tous ceux qui étaient enterrés. Certaines tombes ont été abandonnées. Le lierre sauvage et les plantes commençaient à prendre la relève. Cela m’a toujours impressionnée. « A Melancholy Poem » est une série de peintures qui traite de mes interrogations. Je souhaite que les spectateurs puissent sortir de leur vie ordinaire et rêver. C’est effrayant de ne pas savoir ce qui est au-delà, mais c’est en même temps attirant, mystérieux.
MON PROCESSUS DE TRAVAIL
Si j’ai une idée, j’écris quelques mots-clés, puis réalise quelques croquis. Une fois ma composition déterminée, j’essaie de trouver le meilleur endroit et d’autres éléments pour prendre des autoportraits, à l’aide de mon appareil photo et de mon trépied. Je me promène partout avec. Si je trouve quelque chose qui attire mon attention, je prends des clichés. Si l’éclairage n’est pas suffisant, je prends des photos du même sujet, jusqu’à obtenir le bon éclairage. J’utilise également Photoshop pour éditer mes images. Le
L’AUTOPORTRAIT, UN CHOIX ÉVIDENT Tous mes tableaux sont mon autoportrait. La raison en est que cela rend mon travail plus personnel. C’est comme si j’étais le narrateur qui raconte sa propre histoire. Je suis à la fois le réalisateur et l’acteur. Je suis narcissique et entière. Le processus de fabrication de l’art est une sorte de jeu pour moi. Je n’ai besoin de personne d’autre. Les avantages sont évidents. Personne ne sait ce que je veux plus que moi et je peux prendre autant de temps que je le souhaite pour obtenir exactement ce que je veux. La difficulté est que je ne peux pas me voir dans l’objectif, ce qui rend le processus très lent.
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
63
O U
G I X
« L’ÉMOTION DE L’ARTISTE DOIT PRIMER, CAR IL S’AGIT DE L’ESSENCE DE L’ART. LA TECHNIQUE N’EST
Tangle N° 5. 76 x 51 cm « Je suis tombée amoureuse de la mousse espagnole après
avoir déménagé pour Savannah, dans le sud des États-Unis. Cette plante légère et délicate, suspendue dans les arbres et sans racines, pousse partout ici, ce qui rend cette ville historique encore plus mystérieuse et étrange. C’est devenu mon sujet préféré.
résultat ne sera jamais le même. C’e st la beauté de la peinture, et en particulier l’aquarelle. Vous ne pouvez pas créer la même peinture deux fois de suite.
AVANTAGES ET INCONVÉNIENTS DE L’AQUARELLE J e s u is u ne a q ua re ll is t e p l ut ôt t r ad i ti o nn el l e. L’aquarelle me fascine par sa transparence. C’est pourquoi j’en ai fait mon principal moyen de travail. Vous pouvez penser que quelques coups mélangés avec de la peinture blanche n’auront pas d’incidence, mais cela vous donne en fait une excuse pour pardonner vos erreurs. En fait, vous verrez l’effet dans votre peinture même si vous ne verrez pas ces erreurs dans les reproductions de vos peintures. J’ajoute seulement dans mes peintures un peu de médium irisé, qui donne un aspect un peu brillant. Si je compare la peinture à l’huile à un homme, alors l’aquarelle m’a pparaît au contraire très féminine. Sa grâce, son incertitude, sa sensibilité et sa fragilité m’attirent. Elle est joueuse et s’accorde parfaitement à mon idée de l’art. On peut la croire inconstante et difficile à maîtriser au départ, mais une fois que vous connaîtrez bien cette technique, vous vous amuserez
64
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
Antique Shop in the Sunset. 48 x 33 cm. « Ce tableau est une œuvre de jeunesse.
J’ai cherché dans cette peinture à comprendre comment peindre les ombres. J’ai aussi cherché à fluidifier les formes tout en gardant le contrôle, et à trouver le bon mélange pour mes tons sombres. »
beaucoup plus qu’avec l’huile. Le seul inconvénient à mes yeux est qu’elle a tendance à s’éclaircir et à être moins brillante une fois sèche. Il est important pour un artiste de trouver le juste milieu entre une œuvre inachevée et une œuvre où on est allé trop loin. J’inspecte généralement ma peinture à une certaine distance lorsque je la pense finie et je fais des ajustements. Je procède ainsi durant quelques jours – ce qui me permet de la voir d’un autre œil. Parfois, je prends des photos de l’œuvre et les regarde sur l’écran de mon ordinateur pour analyser ce qui doit être amélioré. C’est parfois instinctif mais je pense que mes études en photographie et en ar t contemporain m’aident beaucoup.
LE MESSAGE DANS MA PEINTURE Zhuang Zi, un philosophe taoïste influent a dit : « Il n’existe pas de différence fondamentale entre la vie et la mort, vous et moi, puisque tout est physique ; sauf le tao qui est métaphysique et la loi de l ’univers. Le paradis et la Terre partagent les mêmes racines et je suis un avec les myriades de choses. » Les taoïstes pensent que la vie et la mort sont les reflets des saisons. La naissance
QU’UN OUTIL POUR EXPRIMER VOS PENSÉES. »
Tangle n° 2
en 3 gestes clés 1. LE DESSIN ET SON REPORT À l’aide d’un crayon 2B, je réalise un dessin très détaillé sur une feuille de papier-calque, du même format que mon papier aquarelle. Je retourne ensuite mon calque et passe une couche de crayon 6B. Je retourne à nouveau mon calque et le scotche à mon papier aquarelle. Ensuite, avec un feutre à pointe fine, je retrace le dessin sur le papier aquarelle.
ASTUCE Pour protéger votre pinceau de la gomme à masquer, trempez-le au préalable dans de l’eau savonneuse.
Tangle N° 2. 76 x 51 cm. « Une autre représentation de la mousse espagnole. La lumière matinale tombait sur cette plante délicate, la rendant brillante et presque transparente. Malgré son apparence fragile et élégante, elle possède un caractère puissant et résistant. »
et la mort sont comme être issu du Tao et retourner vers le Tao. À travers mes peintures – paysages et portraits – je recherche la beauté des formes dans la vie, dans tout ce qu’elle a de beau et de laid, dans sa jeunesse et son déclin. Mes peintures sont également le reflet du besoin d’avoir quelque chose qui est capable d’emmener le spectateur hors de luimême vers un ailleurs – même si le spectateur sait que tout est évanescent, tout, mis à part le vide, n’est jamais permanent. Le taoïsme, le zen et Sigmund Freud influencent ma vie et mon travail. Il y a également Botticelli. Enfant, je suis tombée amoureuse de la peinture parce que j’avais un livre avec des reproductions de ses tableaux. Il y a un adage qui dit que la peinture est le reflet du peintre. Je pense que c’est vrai. Mes peintures sont le reflet de ma personnalité et de mes croyances. Faire de l’art est un voyage de découverte, de connaissance de soi et d’exploration de la relation entre moi, en tant qu’individu, et l’univers. Texte : Laurent Benoist. Photos : D. R.
2. LA GOMME À MASQUER J’applique de la gomme à masquer au pinceau sur les zones qui resteront blanches. Je peins les valeurs moyennes et foncées de l’arrière-plan avec un grand pinceau rond, d ’un geste rapide, ce qui me permet d ’obtenir des textures et des mélanges de couleur. Je pose ensuite mes zones sombres, avec un pinceau n° 6 ou n° 8, sur la couche de couleur précédente encore mouillée. Avec un pinceau propre mouillé, je fonds mes contours. Je pose du vert clair sur la feuille encore humide afin d ’enrichir mon arrièreplan. Après séchage, j’ajoute des détails aux pinceaux n° 4 et n° 6.
3. ADOUCIR LES CONTOURS Avant d’aller plus loin, j’enlève délicatement toutes la gomme à masquer, puis ajoute des détails dans les branches et dans la mousse, en alternant entre un pinceau très sec chargé en couleur et un pinceau trempé dans de l’eau claire afin d’adoucir les contours. J’ajoute encore des détails avant de prendre de la distance pour apprécier ma peinture et voir les éléments qui doivent encore être travaillés. Cette étape est répétée encore trois ou quatre fois. Je densifie mes valeurs sombres et ramène quelques blancs à l’aide d’une lame de canif. Les couleurs trop saturées sont adoucies et je fonds quelques détails dans les ombres afin d’équilibrer l’ensemble de la composition.
MES COULEURS : AQUARELLES DA VINCI J’aime les couleurs Da Vinci pour leur densité de pigments et leur texture crémeuse. Voici ma palatte : Jaune arylide, jaune arylide foncé, orange benzimide, orange benzimide foncé, terre de Sienne brûlée, terre de Sienne brûlée foncée, rouge de cadmium foncé, rouge de cadmium, jaune de cadmium foncé, bleu de céruléum, bleu de cobalt, bleu de cobalt teinte verte, violet de cobalt, rouge Da Vinci, violet Da Vinci, vert émeraude (permanent), bleu outremer, indigo, vert feuille, violet de manganèse, opus (rose vif). A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
65
LA LIBRAIRIE DE L’AQUARELLISTE NOUVEAU PICTO : Sonia et la rédaction partagent avec vous leurs coups de cœur !
Facile et rapide : commandez sur www.divertistore.com ou par téléphone au 05 49 90 09 16. Si vous préférez commander par courrier, complétez le bon de commande ci-contre et retournez-le à : Commande Divertistore – 17, avenue du Cerisier Noir – 86530 Naintré.
LES ARTISTES À L’HONNEUR Carnet de voyage en Inde
Sonia apprécie particulièrement cette série!
Le livre + le DVD.
La Bretagne par les contours - Tome 9
Jérémie Bonamant
Recommandé par la rédaction : Inclus : le DVD d’1 h 30, pourvivre pleinement l’aventure, les rencontres, et surtout les croquis pris sur le vif.
Réf. 2388 – 28 € TTC.
Croquis urbain à l’aquarelle Dessiner, pe indre et s’exprimer avec la couleur
Aquarelle
DVD R ÉF . 1390 – 19,90 € TTC.
Les secrets d’une bonne composition
Imaginez une ville
Ron Ranson
DVD R ÉF . 1198 – 29,90 € TTC.
Impressions et sensibilité à l’aquarelle
R ÉF . 1718 – 19,90 € TTC.
Janine Gallizia Créer une composition
DVD R ÉF . 1553 – 25 € TTC.
66
9 € TTC
DVD Master class En stage avec 2 aquarellistes
Hors-série n° 42 Spécial aquarelle et mixedmedia 10 € TTC
Réf. 2392 – 22,90 € TTC.
Roland Palmaerts
Spécial CARNET DE VOYAGE n° 43
Yann Lesacher
Réf. 2379 – 45 € TTC. Peindre en 3 coups de pinceau ! Roland Palmaerts
NOS EXCLUSIVITÉS
R ÉF . DVD 20 – 25 € TTC.
DVD Master class Aquarelle sur le motif avec Chien Chung-Wei
R ÉF . DVD 01AR4 – 25 € TTC.
Le Guide essentiel de l’art animalier Dessin, aquarelle, huile, pastel 13,50 € TTC
Joseph Zbukvic
DVD R ÉF . 1387 – 29,90 € TTC.
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE -N OVEMBRE 2017
Le Guide essentiel du PAYSAGE Dessin, aquarelle, huile, pastel 13,50 € TTC
Vous avez manqué les numéros précédents ? IL N’EST PAS TROP TARD POUR LES COMMANDER ! RENDEZ-VOUS SUR www.divertistore.fr OU COMPLÉTEZ LE BON DE COMMANDE CI-CONTRE PUIS RETOURNEZ-LE À : Commande Divertistore – 17, AVENUE DU CERISIER NOIR – 86530 NAINTRÉ POUR COMMANDER PAR TÉLÉPHONE, CONTACTEZ LE SERVICE CLIENTS : 05 49 90 09 16
9 € TTC ADA N° 33 Portfolio :
9 € TTC ADA N° 32 Portfolio :
9 € TTC ADA N° 31 Portfolio :
9 € TTC ADA N° 30 Portfolio :
9 € TTC ADA N° 29 Portfolio :
LE MAGAZINE n° 26 + LE DVD
9,90 € au lieu de 12,50 € TTC
9 € TTC ADA N° 28 Portfolio :
9 € TTC ADA N° 27 Portfolio :
8,50 € TTC ADA N° 24 Dossier : Portfolio :
8,50 € TTC ADA N° 23 Savoir-faire : Portfolio :
LE MAGAZINE VENDU SEUL Dossier : Portfolio :
LE DVD
8,50 € TTC ADA N° 25 Dossier : Portfolio :
8,50 € TTC ADA N° 22 Savoir-faire : Portfolio :
8,50 € TTC ADA N° 21 Savoir-faire : Portfolio :
8,50 € TTC ADA N° 20 Savoir-faire : Portfolio : Terre d’artistes :
8,50
€ TTC
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE-N OVEMBRE 2017
67
E R U T N I E P E D N O Ç E
Peindre les fleurs
L
avec Jasmine Huang
Pas à pas Golden Romance
2
1
« La réussite d’une peinture de fleurs ne dépend pas de la réussite d’une de la position, des couleurs et des contrastes de chacune d’entre elles. »
4
68
5
A QUARELLE N°34 /
SEPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
ALLIANT EXPRESSIVITÉ ET DÉLICATESSE, ÉLÉGANCE ET MODERNITÉ, LES PEINTURES FLORALES DE JASMINE HUANG SONT DES JEUX DE FORME OÙ L’ENSEMBLE PRIME SUR LE DÉTAIL. L’ARTISTE NOUS DÉVOILE LES TENANTS DE SA PRATIQUE. 2017. Aquarelle sur papier Arches 300 grammes grain satin, 35 x 26 cm.
1. L’ESQUISSE PRÉLIMINAIRE
Je commence par une esquisse assez simple qui me permet de poser ma composition principale, mon point focal ainsi que les autres parties qui viennent en renfort.
2. UN DESSIN TOUT EN LIGNES
Ensuite, à l’aide d’un crayon 2B, je pose les lignes de contours en m’assurant de conserver les lignes du dessin dynamiques.
3. LIER LES FORMES ET LE FOND
J’apporte une couleur jaune vif sur les fleurs. Je lie ensuite les formes des fleurs avec les zones grises et chaudes du fond, ainsi qu’avec celles qui sont bleues et froides, avant que l’eau ne s’évapore. Une fois que ma peinture est sèche, j’atténue la luminosité des pétales.
4. DES CONTRASTES DE FORMES
Je me concentre sur les détails des fleurs principales avant de continuer progressivement sur celles qui sont moins importantes. Je peins ensuite les feuillages en couleurs sombres afin d’apporter du contraste avec les formes florales.
3
5. CONSIDÉRER LA PEINTURE
seule fleur, mais de la taille,
Je commence à travailler surles fleursmoins importantes, dans le coin inférieur gauche. Je considère toujours la peinture dans son ensemble,afin de ne pasperdre mon centre d’intérêt. Puis, j’ajoute lesfeuillessombreset lestigesfinesafin de stabiliser ma structure.
DANS SON ENSEMBLE
6. L’ÉTAPE FINALE
Aucoursde cetteultime étape, jene meréfère plusà laphoto de référence ou auxfleursque j’ai sous lesyeux.Je vérifie qu’il n’y a pas d’imperfections dansla composition, et j’ajoutedes détails si cela s’a vère nécessaire. La techniqueexpressive et abstraite n’a pparaît pas seulement dansla composition globale maisaussi dans la représentation de chaque détail.
MES COULEURS
6
J’utilise toujoursdes aquarellesWinsor & Newton Artists. Parfois, je peins aussi avec des couleursWinsor & Newton Cotman. Ma palette de base se compose descouleurs suivantes: carmin d’alizarine, laqueécarlate, jaune de cadmium, orange Winsor, bleu outremer, bleu de cobalt, bleu Winsor, bleu céruléum, viridien,noir de fumée, brun Van Dyck, terrede Sienne brûléeet terred’ombre. Elles me permettentde créerune belle harmoniede teintes.En outre, je peux ajouter en fonction de mes besoins des peintures translucide s et opaques. Ma particularité est de privilégier les couleursqui granulent, tels quele bleu outremer, le bleu de cobalt, le brun Van Dyck et l’ombre naturelle.En utilisant beaucoupd ’eau, on peut obtenir de surprenants effets de texture et de granulation.
A QUARELLE N°34 /
SEPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
69
G N A U
H E N I M S A
J
« Quand il s’agit de trouver un ordre dans une masse désordonnée d’informations, les fleurs sont le meilleur sujet qui soit. »
Early Summer Sunshine 2017.
36 x 27 cm. « Il arrive que l’on aperçoive soudain un rehaut de lumière se faire jour dans un coin, et cela signifie que l’on peut en faire quelque chose d’intéressant. »
En fait, j’ai peint plus de paysages que de tableaux florau x, mais en ce qui me concerne, le sujet n’est qu’un moyen d’arriver à une fin. Et grâce à ce moyen, je peux soit démontrer le genre de composition dans lequel j’excelle ou en expérimenter de nouvelles. Les fleurs sont un des sujets les plus difficiles. Ceci dit, quand il s’agit de trouver un ordre dans une masse désordonnée d’informations, les fleurs sont le meilleur sujet qui soit.
RETRANSCRIRE UNE CERTAINE IDÉE DE LA BEAUTÉ Je cherche avant tout à peindre la beauté, c’est-àdire le genre de beauté qui donne envie aux spectateurs de regarder le tableau encore et encore. Cela ne peut s’obtenir simplement en recopiant le sujet. C’est quelque chose de difficile à atteindre, mais c’est également un grand défi, qui fascine les peintres. Pour mes tableaux floraux, je peins d’après photo ou d’après nature. Mes fleurs préférées sont celles qui ont de grands pétales, comme les roses et les orchidées.
The Prynne Love. 2015.
35 x 26 cm. « Il y a une sorte d’élégance dans la couleur grise ; j’ai donc utilisé ici différents tons de gris pour avoir un beau panel de teintes. »
70
A QUARELLE N°34 /
LE LIEN ENTRE LE FOND ET LES DÉTAILS Comme mon fond est très libre, je n’ai pas besoin d’avoir trop de détails dans la zone de mon point focal. Après avoir déterminé la composition de base de ma peinture, je laisse les pigments couler librement. Au cours de ce processus, je reviens et ajuste constamment les formes et les lignes imparfaites. Une fois que je suis satisfaite de la première couche de ma peinture, je me concentre progressivement sur la représentation détaillée de mon point focal. Il faut garder en tête que lorsque vous travaillez sur les détails, il faut constamment prêter attention à la relation qu’ils entretiennent avec l’ensemble. SEPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
Blossom. 2016.
26 x 35 cm « J’ai fait l’expérience du noir d’ivoire dans l’arrièreplan pour créer une ambiance particulière empreinte de mystère. »
LES CONSEILS DE JASMINE HUANG
REPÈRES
POUR PEINDRE MOUILLÉ SUR MOUILLÉ Peindre mouillé sur mouillé consiste à constamment modifier la surface de la peinture avant qu’elle ne soit complètement sèche. Bien sûr, le plus grand défi est qu’il s’agit d’une course contre la montre. Voici mes conseils : - L’humidité du pinceau doit être moins élevée que celle de la feuille - Les couleurs lourdes doivent être déposées sur les couleurs légères. - Au cours de la peinture, je mouille la feuille à l’aide d’un vaporisateur afin d’augmenter son temps de séchage.
Jasmine Huang est une aquarelliste taïwanaise qui a remporté de nombreux prix. Son aquarelle Enchanted with Venice a remporté la médaille d’argent lors de la 149e exposition annuelle internationale de l’American Watercolor Society, ainsi que le prix Best of Show du concours Watermedia Showcase, en 2015. Son aquarelle Yellow Roses a remporté le prix Jerry Artarama lors de la 95e exposition internationale de la National Watercolor Society. Elle a également gagné le prix Di Di Deglin lors de la 148e exposition annuelle internationale de l’American Watercolor Society, ainsi que le Matt Bruce RI Memorial Award, lors de la 204 e exposition internationale du Royal Institute of Watercolour Artists (RI). Elle réside à Taïwan et elle est régulièrement invitée à participer aux plus grandes expositions d’aquarelle à travers le monde.
LE RÔLE DES VALEURS
Ma peinture Blossom (ci-contre à gauche) est un bon exemple du rôle joué par les valeurs et les couleurs. J’ai utilisé des couleurs avec une saturation faible afin qu’elles s’accordent avec les zones à faible et haute brillance. Pourquoi? Parce que dans les zones dotées d’une luminosité faible ou élevée, les couleurs apparaissent moins intenses. Ce n’est que dans les zones à la luminosité moyenne que les couleurs paraissent pleinement saturées.
PEINDRE EN NÉGATIF
Il s’agit d’une technique expressive très répandue. Sans contraste, il ne peut pas y avoir de formes. Je choisis les couleurs selon la luminosité des fleurs elles-mêmes. Les fleurs dotées d’une haute brillance doivent être équilibrées par un fond sombre, et réciproquement. Mais il faut également prêter attention, lorsque vous peignez des pétales, à ne pas trop dessiner et préciser les formes.
LE SECRET D’UNE PEINTURE FLORALE RÉUSSIE
Une peinture florale réussie n’est en soi pasdifférente d’un portrait ou d’un paysage. Le secret réside dans une imagination vive et une composition parfaite. La plus grande erreur commise par les débutants est qu’ils se concentrent sur les vraies fleurs sans prendre conscience qu’ils sont en train de peindre. Le résultat final n’est pas un tableau de fleurs mais plutôt une masse informe.
L’A NGOISSE DE LA FEUILLE BLANCHE ?
Je ne sais pas si j’ai du talent, mais j’essaye en tout cas de résoudre chaque erreur et chaque problème qui se présente. Une technique évoluée de peinture vient avec l’accumulation de l’expérience. Personne n’est capable de peindre une bonne aquarelle à ses débuts. Lorsque je me retrouve face à une feuille blanche, je ne ressens que de l’excitation, et non de l’angoisse. La véritable angoisse survient lorsque je me rapproche de la fin de ma peinture. À ce stade, j’ai peur qu’une seule petite erreur ne vienne gâcher tout le travail accompli.
2015. 35 x 26 cm. « Des lavis répétés peuvent donner lieu à de riches tex tures. » The Secret Garden.
DES COULEURS FAIBLES EN SATURATION
Mes paysages sont généralement créés avec des couleurs faiblement saturées. Cependant, en ce qui concerne mes sujets floraux, j’essaye de peindre avec des couleurs plus vives, maismême dans ce cas, je ne peins pas avec des coul eurs pures. Quel que soit le cas, c’est toujours une bonne idée d’ajouter des couleurs complémentaires. D’un côté, cela permet de réduire l’intensité des couleurs ; de l’autre, cela rend les teintes plus riches, plus profondes.
71
E R T N O C N E
QU’ELLE JETTE SON DÉVOLU SUR DES PERSONNAGES, DES OBJETS OU DES TEXTURES, CETTE ARTISTE APPROCHE SES SUJETS D’UNE MANIÈRE SENSIBLE, QUI TRADUIT L’ACUITÉ DE SON REGARD ET SA MAÎTRISE INSTINCTIVE DE L’AQUARELLE.
R
RuhyieYalgin
La passion du détail Zoom sur une œuvre primée, Misir (56x76cm)
Une femme anatolienne m’a invité chez elle ; je l’ai prise en photo. Des produits de son jardin étaient en train de sécher dans une pièce, comme ces épis de maïs. Reposant sur le sol en bois, ils ont attiré mon regard. Ils sont devenus le sujet de cette aquarelle, que j’ai peinte avec beaucoup de plaisir. J’ai commencé par prendre des photos, avant de me fixer sur celle qui me convenait le mieux. J’ai ensuite effectué un dessin en apportant quelques modifications : j’ai par exemple diminué le nombre d’épis de maïs afin de donner plus de lisibilité à l’ensemble. J’ai voulu attirer l’attention sur le sol en bois et créer ainsi un équilibre entre l’intensité du premier plan et les interstices dans le sol, en étalant les épis de maïs. J’ai utilisé du sel pour donner un aspect vieux et détérioré au sol en bois.
REPÈRES
Ruhiye Yalgin est née en Turquie en 1964. Elle a suivi des études d’arts graphiques, de peinture ornementale et de dessin de mode à la faculté des beauxarts de l’université de Gazi. Elle a travaillé de nombreuses années comme enseignante en peinture et en arts graphiques. Après avoir pris sa retraite, elle a choisi de se consacrer à temps plein à sa peinture.Elle a exposé aussi bienen Turquie qu’àl’étranger, et a remporté plusieursprix.
TEXTE : LAURENT BENOIST. PHOTOS : D. R.
72 A
QUARELLE N°34
Après
un dessin au trait, je commence par peindre les tons les plus clairs des épis de maïs. Je poursuis en rehaussant les tons jaunes sur les maïs. Je leur donne également du volume en variant mes couleurs, notamment avec un apport de rouge. Je continue à donner du relief aux brins de maïs, toujours en jouant sur dif férents mélanges de jaune et de rouge. Je pose ensuite lesombres portées avec un mélange de violet, de rouge foncéet de vert. J’apporte deseffetsde texture au premier plan endéposant dusel eten jouantavec legrain torchondu papier. Lesdernières ombres surle solsont posées, avec un mélange de brun, de vert et de violet. J’ai peint cett e aquarelle avec des couleur s des marques Talens, Van Gogh, Winsor & Newton, St. Petersburg et Schmincke. J’ai utilisé les teintes suivantes : jaune citron, orange, rouge clair, rouge de cadmium, rouge de cadmium foncé, vert olive, terre d’ombre, brun sépia, violet, terre de Sienne brûlée, terre de Sienne, rouge carmin.
L’Art de l’Aquarelle : Pouvez-nous nous parler de votre découverte de l’aquarelle ? Ruhyie Yalgin : Au cours de ma carrière d’enseignante en art, j’ai utilisé aussi bien le fusain, le crayon, la gouache et l’huile que l’aquarelle, sur différents supp rts. Après avoir pris ma retraite, j’ai décidé de me recentrer sur l’huile et l’aquarelle, avant de me consacrer uniquement à cette dernière, parce que je prends plus de plaisir avec cette technique et qu’elle convient mieux à mon tempérament.
ADA : Êtes-vous plutôt une peintre d’atelier ou de plein air ? R. Y. : La technique que vous utilisez et la façon dont vous l’appliquez sont deux facteurs importants. Bien sûr, l’environnement est également un élément qui jou e. Vous êtes plu s ouver t d’esprit et plus actif avec une technique qui est plus dynamique et plus
gestuelle. Si vous aimez peindre en plein air et si vous êtes un peintre de paysage, cela joue à votre avantage. Ceci dit, avec mes sujets de prédilection, peindre sur le motif n’est pas forcément un avantage. Un contexte trop stimulant peut affecter ma concentration ; j’ai alors du mal à me concentrer sur mon sujet. J’aime rendre les détails dans mes aquarelles, et cela demande à la fois beaucoup de temps et d’attention. C’est pour cela que je préfère travailler dans mon atelier, installée dans mon salon.
ADA : Vous vous êtes récemment mise à l’aquarelle… pouvez-vous néanmoins déjà voir une évolution dans votre manière de l’aborder ? R. Y. : Effectivement, j’ai commencé à peindre à l’aquarelle il y a trois ans, et je suis désormais en mesure de voir les effets causés par le fait que, dans mes premières peintures, je ne connaissais pas bien A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE-N OVEMBRE 2017
73
N I G L A
Y E I Y H U
« TRAVAILLER LES DÉTAILS DES LÉGUMES – NOTAMMENT CEUX DES ÉPIS DE MAÏS - OU UNE CHEVELURE PEUT ÊTRE DÉLICAT. BIEN SÛR, CE SONT CES ÉLÉMENTS QUI ONT MA PRÉFÉRENCE ! »
R
Anadolu (Anatolia).
2017. 76 x 56 cm.
« Les motifs et plis et replis du foulard noué traditionnellement de cette vieille femme anatolienne sont les mêmes que l’original. »
mon matériel. Votre expérience, vos choix de techniques et la manière dont vous appliquez la peinture se voient dans vos peintures. Ces changements n’ont pas été conscients, c’est un processus qui s’est déroulé au fil du temps. ADA : Vous peignez aussi bien mouillé sur mouillé que mouillé sur sec. Comment déterminez-vous la technique à utiliser ? R. Y. : J’aime peindre avec ces deux techniques, et ce quel que soit mon sujet. Je préfère peindre des portraits serrés parce que je considère les détails comme importants : aussi, je travaille ceux-ci sur sec et les zones plus grandes dans l’humide. Tout dépend de ce que je souhaite mettre en avant. ADA : Comment sélectionnez-vous les éléments lors de la composition : est-il par exemple plus facile pour vous de savoir quels éléments garder ou supprimer ? R. Y. : Il est entendu q ue ce que vous voulez dire et la façon dont vous voulez vous exprimer, ainsi que votre maîtrise technique, sont des éléments importants. Il est également important d’avoir des
74
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE-N OVEMBRE 2017
connaissances fondamentales en peinture. Ceci dit, le lien que vous arrivez à créer avec votre modèle est plus important que tout. Toutes vos connaissances se retrouveront sur la feuille, grâce aux émotions que vous ressentez. Je ne choisis pas consciemment les éléments que je souhaite inclure ou non dans une peinture. Je prends mes décisions spontanément et je peins. ADA : Existe-t-il pour vous un sujet idéal ? R. Y. : Je ne pense pas. Le sujet parfait varie d’un artiste à l’autre. Un tout petit objet q ue personne ne remarque peut être un excellent sujet si vous êtes capable de le voir. Il est important de ressentir quelque chose à propos de votre sujet. En fait , tout ce qui m’entoure peut faire l’objet d’une peinture : tissus, fruits, légumes, oiseaux et portraits sont pour moi les sujets les plus intéressants. J’aime rendre la texture des tissus et les détails des drapés, peindre des vieilles femmes qui portent sur elle le poids des ans, et qui sont capables, malgré tout ce qu’elles ont dû endurer, de continuer à sourire. J’aime également peindre les foulards qui enserrent leur visage et qui jouent dans la représentation des émotions. Par
Grandma Saadet Saadet Nine (Grandma Saadet). 2016. 38 x 28 cm. « J’ai peint cette vieille dame dont le sourire heureux m’a touchée. J’ai aimé travail ler les motifs du foulard et ma transparence des lunettes. » Je choisis mes modèles moi-même. Je commence par imaginer le tableau final, puis j’assemble ma composition afin qu’elle ressemble à l’image que j’ai en tête, puis je me lan ce dans mon travail. Il m’arrive parfois de prendre des photos et de m’en servir comme matériau de référence. La plupart de mes portraits sont de personnes que je connais, ou qui m’ont marquée. Certains de mes modèles sont d’ailleurs des proches, membres de ma famille ou amis.
MA PALETTE Portre - Beyaz örtülü kadın(Portrait). 2016. 38 x 56 cm. « Une œuvre réalisée d’après photographie, en utilisant des peintures Winsor & Newton. »
J’utilise une variété de marques, et mes couleurs de base sont les suivantes : terre de Sienne, terre de Sienne br ûlée, terre d ’ombre brûlée, rouge jaune, carmin, rose, brun et sépia.
exemple, la personne représentée dans un de mes portraits, intitulé Hüzün (Tristesse), m’a terriblement impressionnée, même si je ne la connaissais pas. La seule chose que je savais d’elle était qu’elle était très âgée et qu’elle continuait malgré tout à faire de la dentelle à la main. Je ne savais rien de sa vie, ni de ses tristesses ou de ses bonheurs, mais j’ai été extrêmement touchée par l’émotion qui se dégageait de son regard. ADA : Quel est l ’aspect le plus dif ficile du travail à l’aquarelle? R. Y. : Selon moi, c’est le fait de créer des petites zones blanches si vous peignez de manière détaillée. Je n’aime pas utiliser la gomme à masquer. Les
corrections ne sont pas possibles et chaque ton doit être choisi avec soin. Avant de me consacrer à l’aquarelle, j’ai peint avec plusieurs techniques, mais je prends plus de plaisir à l’aquarelle. Il est possible de créer un paysage noyé dans la brume uniquement en se basant sur votre imaginaire, et vous ressentez un grand plaisir à créer quelque chose avec une technique qui ne souffre pas de repentir. Des ef fets incroyables et des images imprévisibles lorsque l’eau rencontre la feuille. C’est à vous de choisir la quantité d ’eau avant de contempler la danse de la peinture sur la feuille. Parfois, seules la peinture et la feuille savent ce que vous voulez et vous devancent da ns vos p rojets. L’aquarelle est une technique rapide, excitante et toujours pleine de surprises. C’est pour ces qualités-là que je privilégie l’aquarelle. ADA : Enfin, dans quelle direction souhaiteriez-vous amener votre aquarelle ? R. Y. : L’environnement social et naturel dans lequel je vis, mes expériences – bonnes et mauvaises – mes émotions et l’âge affectent à la fois mes préférences et mon travail. Je serais bien en peine de dire ce qui se passera à l’avenir. Quand je revois mes premières peintures, je leur trouve bien des erreurs dans la composition, le choix des couleurs et d’autres aspects techniques. Je pense que je m’améliore à chaque nouvelle peinture, et quand une œuvre es t terminée, j’envisage tout de suite la suivante… A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE-N OVEMBRE 2017
75
NOU VELLE RUBRIQUE
CAHIER TECHNIQUE/ Psycho
SOMMAIRE
EST-IL PLUS DIFFICILE D’ÊTRE
ARTISTE QUAND ON EST UNE FEMME QUE QUAND ON EST UN HOMME ? NOUS AVONS POSÉ LA QUESTION À SEPT AQUARELLISTES D’HORIZONS DIVERS AFIN D’AVOIR UN APERÇU GLOBAL DE LA SITUATION ACTUELLE.
DU CAHIER TECHNIQUE
ÊTRE FEMME ET ARTISTE : LE CHALLENGE D’UNE VIE ?.................76
20 QUESTIONS À SE POSER POUR SAVOIR SI VOTRE PEINTURE EST TERMINÉE .............................................82
7 CLÉS POUR RÉUSSIR SA COMPOSITION ......................................86
COMMENT SE RENOUVELER ?............84 JOSEPH ZBUKVIC : SES CONSEILS POUR RESTER CRÉATIF ET DANS L’AIR DU TEMPS ......................88
DONNER DE L’IMPACT À SA PEINTURE, AVEC KATHLEEN MALING....................90 76 A
QUARELLE N°34
/ S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
Amanda Hyatt Je ne me suis jamais considérée comme une artiste femme. Je suis juste une artiste. Pour moi, un artiste est créatif quel que soit son sexe. Mon style est à la fois traditionnel, réaliste et impressionniste ; la lumière est dans ma peinture un élément majeur. Je ne m’intéresse pas aux visages atypiques, à l’expressionnisme abstrait, à la provocation, à la couleur, à la ligne, à essayer d’exprimer quelque chose ou à tenter d’être différente et unique. Je m’intéresse à la lumière et sa capacité incroyable à créer de l’impact. Je peins professionnellement depuis 35 ans, étant constamment stimulée par « Lorsque j’ai des artistes comme Elizabeth Sparhawk Jones débuté ma et le peintre à l’huile finlandais Albert Edelfelt, qui utilisait également une touche spontanée et carrière il y a impressionniste avec une facilité déconcertante. 35 ans, je ne En tant qu’aquarelliste, principalement, je trouve signais qu’avec que la spontanéité de la technique me permet de mes initiales. » peindre alla prima. Je pense qu’une peinture est réussie seulement si elle permet au spectateur de voir la fugacité et l’énergie du sujet. Cela ne peut être atteint que si la peinture est effectuée dans « l’instant présent », avec célérité, précision, confiance et assurance. Chaque coup de pinceau doit être important. Quant au succès des artistes, je pense que c’est une notion très subjective. Plusieurs facteurs entrent en jeu, comme le fait d’avoir une bonne galerie qui vous soutient, ainsi que des collectionneurs, et être populaire, ou excentrique et même faire des peintures qui s’accordent avec vos meubles sont aussi une manière d’atteindre ce succès. Le succès pour moi consiste à
« Je dois admettre qu’il m’arrive constamment de mentir sur mon âge, mais est-ce qu’un artiste homme ferait de même ? »
Shirley Trevena
Geelong Marina. 54 x 74 cm.
Durant les années 80, j’ai pris une décision qui a changé ma vie : quitter mon travail d’urbaniste pour devenir une artiste professionnelle. Cela impliquait bien évidemment de renoncer à un salaire régulier, et gagner ma vie en faisant des bandes dessinées, en illustrant des affiches et en dessinant des vitraux. Cela m’a en revanche donné tout le temps de faire des expériences et de progresser dans ma peinture – qui se bornait jusque-là à quelques croquis durant les vacances. Après toutes ces années, je trouve que le facteur temps est encore un problème pour moi. J’apprécie la vie sociale avec mon partenaire et mes amis, mais je dois parfois me couper du monde pour peindre. Cette pensée reste néanmoins toujours en moi : peut-être que si je consacrais plus de temps à mon travail, je pourrais progresser dans ma créativité. Beaucoup de femmes ressentent sûrement cet antagonisme entre ces deux aspects importants de leur vie. En vieillissant, je déteste le fait que je n’ai plus autant d’énergie – et pire encore, vient également le sentiment que l’image d’une femme plus âgée qui peint des fleurs à l’aquarelle n’est pas très forte. Je pense qu’une des choses les plus importantes pour une femme artiste est d’avoir un partenaire qui l’encourage et qui adore faire la cuisine. Que pourrais-je demander de plus ?
être en compétition avec moi-même afin de créer une peinture meilleure que la précédente. J’ai découvert qu’il n’y a pas d’équilibre dans ce domaine et une femme artiste doit travailler deux fois plus pour obtenir la moitié de la reconnaissance d’un artiste masculin. On a toujours tendance à penser qu’un artiste masculin est meilleur simplement parce qu’il doit forcément l’être. Je n’y crois pas un seul instant.
Lorsque j’a i débuté ma carrière, je ne signais qu’avec mes initiales. J’a i remporté un prix australien important, décerné par Sir William Dargie, portraitiste réputé et peintre de l’armée. Il ne savait pas qui avait peint ce tableau – ni que j’étais une femme. Cela a démontré que ma peinture a remporté le prix pour la simple et bonne raison qu’elle était réussie. Il est intéressant de remarquer qu’au cours de ses cinquante-deux ans d’existence, ce prix n’a été remporté que par 6 femmes seulement. Cela m’a encouragée à abandonner ma carrière scientifique pour me lancer dans la peinture. Le chemin fut parsemé de joies, de désespoirs, d’euphories, de frustrations et de travail. Mais j’ai fait de mon mieux pour que chacune de mes peintures soit meilleure que la précédente – sans doute parce que j’ai dû travailler beaucoup plus que mes comparses masculins…
Flowers & Fruit against a Blue Curtain.
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
77
CAHIER TECHNIQUE/ Psycho Naomi Tydeman Mon point de vue est sans doute plus philosophique que poétique. J’ai toujours plaisanté sur le fait que chaque artiste féminine a besoin d’être une femme. Je gère ma propre entreprise, une galerie, un foyer, un chien et je suis exténuée la plupart du temps. Il y a les contraintes que le monde nous impose et celles que nous nous imposons nous-même, et ce sont souvent les plus dures. J’aurais pu choisir de ne pas m’occuper de mes parents, ou de ma famille, de ne pas avoir un jardin magnifique, ni un chien, mais ma vie n’aurait pas été complète. Je crois que le monde de l’art est toujours dominé par les hommes, mais je ne pense pas que j’en subis les conséquences. Historiquement, les femmes n’étaient pas reconnues – combien de femmes artistes célèbres peut-on citer ? – mais aujourd’hui, elles peuvent se faire une place au soleil plus importante. J’ai la chance de vivre dans un lieu reculé et que je travaille seule et pour moi seule. Aussi longtemps que je ressentirai que je progresse, alors je serai satisfaite. Je travaille dur et j’aime ce que je fais – et il y a peu de personnes aus si chanceuses que moi.
« Je crois que le monde de l’art est toujours dominé par les hommes, mais que je n’en subis pas les conséquences. »
Barbara Nechis
Blue Moon. Aquarelle et feuille d’or, 35 x 35 cm.
78
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
Intuitivement, j’ai toujours su que les femmes devaient être plus proactives pour être sur un pied d’égalité avec les hommes et j’ai suivi mes instincts pour réussir. Lorsque la troisième personne qui a vu mon travail à l’aquarelle m’a demandé si je pouvais donner des « Même si la plupart cours, j’ai dit oui. Ma fille avait 3 mois de mes étudiants et elle avait déjà fait l’expérience étaient des femmes, d’être transportée à l’arrière de ma tous les enseignants voiture avec mes peintures lorsque je me rendais à des cours d’aqua- étaient masculins. » relle en plein air. Désormais, pendant qu’elle faisait la sieste, mes 3 étudiants étaient rassemblés autour de la table de ma salle à manger. Et son réveil marquait la fin du cours. Quand elle était plus âgée, d’autres mères avec de jeunes enfants se sont joint à mes cours et j’ai embauché une baby-sitter pour les divertir pendant que nous peignions sur des tables de pique-nique à la plage. Une fois mes enfants à l’école, je n’ai plus invité les enfants à mes cours. J’ai ensuite dispensé des cours du soir à l’école secondaire locale. Un jour, en me rendant à mon cours avec mon voisin qui enseignait la céramique, il m’a dit qu’il supposait que je gagnais plus que lui parce que j’avais deux fois plus d’étudiants. J’avais demandé une augmentation et elle m’avait été refusée. Quand nous avons réalisé qu’il était mieux payé que moi, ce fut un choc. J’ai démissionné à la fin du semestre. Je souhaitais en fait, avec mes cours, diversifier mes revenus. L’intensité d’un stage de 5 jours donnait de meilleurs résultats
« J’ai eu la chance de recevoir le soutien sans réserve de ma famille, de mon mari et de mes enfants. »
Rouge passion’’ Mars 2017 48 x 48 cm
Concrete Abstract.
Winter Lace. Aquarelle et encre, 56 x 76 cm.
À la parution de mon premier livre, dans les années 80, il y avait déjà beaucoup d’ouvrages sur l’aquarelle mais aucun n’avait été écrit par une femme et la plupart mettaient en avant les règles plutôt que la créativité. Ainsi, la plupart des organisations, dont les jurys étaient exclusivement masculins, ont cherché à équilibrer leur jury et ont commencé à s’intéresser aux femmes artistes dont je parlais dans mon livre. Lorsque je revois les photos de jury de l’époque, j’étais très souvent la seule femme, un peu comme un faire-valoir.
que des cours hebdomadaires. Même si la plupart de mes étudiants étaient des femmes, tous les enseignants étaient masculins. On proposait à certains de mes collègues masculins de donner des stages et j’ai compris que j’aurais besoin de plus de visibilité pour me faire connaître. J’ai donc proposé des articles à la presse spécialisée, sans succès. J’ai ensuite présenté le même contenu à une autre maison d’édition ( North Light Magazine), qui en a fait mon premier livre, Watercolor, the Creative Experience . L’ouvrage est sorti en 1979 et suite à cette parution, je n’ai plus jamais eu à faire ma promotion pour des offres de cours. Même si aujourd’hui, beaucoup de choses ont changé, je pense que les femmes doivent toujours être meilleures que leurs équivalents masculins pour arriver au même succès.
Marie-Line Montécot
J’a i adoré être une artiste en étant une femme. C’était un défi à relever chaque jour pour tout concilier et trouver un équilibre. Si pratiquer un art relève d’une profonde nécessité pour moi, ne pas négliger mon rôle de femme et de mère avait autant d’importance. J’ai apprécié, en me plongeant dans les tâches familiales, de prendre du recul sur un projet artistique qui aurait pu me prendre la tête. Et vice versa, devant la charge que représente une famille au quotidien, même si elle a fait preuve de beaucoup de coopération, c’était du repos pour mon esprit de retourner dans mon univers, de me concentrer sur un projet. Cette alternance m’a toujours convenu, cette dualité qui évite la spécialisation et donc la lassitude, l’a mertume, la frustration ou l’égoïsme. J’ai eu la chance par là même de recevoir sans réserve le soutien de ma famille, mon mari et mes enfants. Les combats des féministes ont bien fait avancer les prises de conscience et je me suis avancée à leur suite. Il m’a fallu d’abord prendre mon destin en main et ensuite passer à l’action. En revendiquant le statut d’artiste professionnelle, j’ai senti que je soulevais le poids du passé et le destin de ces générations de femmes dépendantes, non libres, travailleuses, courageuses, mais oublieuses d‘e lles-mêmes par la force des choses. Quel dommage qu’elles aient dû renoncer, pour beaucoup, à ce qui les animait et donnait sens à leur vie! La pratique d’un art ne tient pas à un genre, elle a toujours été pour moi un assemblage heureux du masculin et du féminin. La génération dont je suis issue m’a permis, par un long processus lié à l’a rt, de devenir moi-même en écoutant mes aspirations profondes pour la culture, mon amour de l’a rt et le désir de partager cette magnifique mais rude expérience. A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
79
CAHIER TECHNIQUE/ Psycho
Nicole B
La femme a toujours joué l’accompagnante dans la vie d’artistes masculins. Rarement, elle tenait le pinceau devant la toile et le couteau devant la sculpture, sauf pour la préparation. La finition restait l’apanage des hommes. Elle fut assistante, modèle, muse, compagne et amante. En deux mots, hors cadre. Loin de moi d’oublier les noms de femmes célèbres, à savoir, les anciennes : Artemisia Gentileschi, Élisabeth Vigée Le Brun ; les impressionnistes : Berthe Morisot, Mary Cassatt ; le XXe siècle : Camille Claudel, Sonia Delaunay, Marie Laurencin, Frida Kahlo, Leonor Fini, Louise Bourgeois, Niki de Saint Phalle, Vieira da Silva, Geneviève Asse, Annette Messager et bien d’autres. Les mentalités et le féminisme après la Seconde Guerre mondiale ont fait progresser l’expression artistique de la femme dans une plus large mesure. Plus de ségrégation au sein des institutions artistiques, sauf au sein de certaines familles, où le fait de faire des études dans les académies « ne mène à rien ». Aujourd’hui, lors de mes stages, combien de femmes me disent leur bonheur de pouvoir enfin peindre ! Beaucoup d ’entre elles ont dû attendre l’âge de la retraite pour s’exprimer enfin, l’art étant mal vu par leur famille et leur entourage, mari et enfants compris. J’ai eu la chance de naître dans un milieu d’artistes. Cela semblait couler de source. Nourrie aux tubes de couleur dans la plus grande décontraction, j’ai grandi. Deux grands-pères peintres, sans compter la sœur de ma mère et le frère de mon père. Une institutrice peintre également. Cela ne s’invente pas.
Études en Art déco et en académie. Engagée dans une grande librairie pour gérer les livres d’art. Ensuite, mariée, j’ai ouvert un magasin de fournitures artistiques. Oui ! J’avais deux enfants. On me posait souvent la question de savoir comment j’organisais tout cela, eh bien, j’organisais ma vie de mère de famille et ma vie de femme d’entreprise. Mon mari était aux manettes. De là à organiser une vie d’artiste, il a fallu du temps.
Sans titre.
80 A
QUARELLE N°34
/ S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
La notion même d’art « au féminin » pose question, pouvant supposer un genre particulier de la création. Le doute, ne pas avoir la possibilité d’exercer une vie artistique à part entière au même titre que l’homme, lui qui dans la plupart des cas laisse à sa compagne le soin des tâches du quotidien. Une de mes stagiaires me posait la question concernant son choix de quitter son job dans une administration pour se lancer dans une formation en art-thérapie. Pour moi, il faut six points forts à prendre en considération. 1. Être dotée d’une motivation sans faille et d’un engagement digne d’un sacerdoce. 2. Réduire aux mieux les tâches ménagères et compter sur des personnes pour la garde éventuelle des enfants. 3. Avoir chez soi un lieu pour l’exercice de sa créativité. 4. Posséder un fichier de relations comprenant adresses et réseaux sociaux, digne d’un élu en campagne. 5. Avoir l’acceptation et l’encouragement de son compagnon de vie. 6. Être consciente que l’apport financier sera là surtout pour couvrir les frais, le matériel, le transport, les cotisations, les vernissages et bien d’autres choses. Le fait de rester constamment en éveil, de voir des expositions, d’aller au musée, de rencontrer des peintres, des sculpteurs, des céramistes, hommes, femmes dans leur atelier… tout cela a été une nourriture de l’esprit et une grande ouverture vers l’art contemporain et ceci sans restriction ni a priori. 1995 a été l’année de mon envol vers une technique mixte sur papier en abstraction après plus de six ans en aquarelle classique, où, j’avais encore bien des choses à apprendre. Grand moment de solitude accompagné d’une incompréhension de mon entourage. L’aspect non commercial de ma démarche en a surpris plus d’un. La réflexion d’un visiteur lors d’un Salon à Namur en voyant mon travail signé Nicole B. : « Ce n’est pas possible que ce soit une femme qui ait peint cela ». J’avais dans mon jeu de cartes des atouts, la connaissance d’artistes de la scène belge, des peintres qui m’ont encouragée à poursuivre mon travail. En 1997, une demande que j’ai honorée depuis vingt ans, le montage des stages « De la figuration à l’abstraction ». L’invitation faite par de nombreux Salons, tant en France qu’en Belgique a conforté mon choix de peintre abstraite. L’aide de mon époux a été précieuse pour tout : transport, montage d’expositions, présence. En 2000, j’ai quitté l’entreprise pour me structurer en tant qu’artiste avec le statut de plasticienne, ce qui en Belgique ne change pas grand-chose : j’étais considérée simplement comme indépendante avec les charges inhérentes à toute profession. Les enfants avaient quitté le nid familial. Je retrouvais du temps libre. Nombreuses sont les femmes qui exercent le métier d’artiste, si c’est un métier ou si c’est l’expression d’un ressenti. Il faut de la curiosité et de l’observation à consommer sans modération.
« Mon mari sait combien il est essentiel pour moi de m’améliorer dans mon art, de passer assez de temps à l’atelier, il me soutient, me comprend et m’aide. »
Railway Station. 40 x 60 cm.
femme, je prends soin de ma famille, je cuisine, je fais le ménage, etc. Bien sûr, cela me prend beaucoup de temps que je pourrais consacrer à la peinture, mais en échange, je ressens l’amour et la gratitude de ma famille, c’est si important ! Cet amour et cette harmonie familiale permettent d’atteindre de grands objectifs dans la carrière. C’est la meilleure incitation à progresser. Mon mari sait combien il est essentiel pour moi de m’améliorer dans mon art, de passer assez de temps à l’atelier, il me soutient, me comprend et m’aide. Mais mon cas est un peu différent. Je peins à l’aquarelle et dans notre milieu, la distinction entre art masculin et féminin n’est pas clairement définie. La chose la plus importante est avant tout le professionnalisme. L’aquarelle se développe et les artistes qui montrent les meilleures œuvres sont très populaires et respectés. Mon statut et le développement de ma carrière artistique dépendent avant tout de mon niveau de professionnalisme. Je ne sais pas s’il est facile ou difficile d’être une artiste femme. Je n’ai rencontré aucune difficulté majeure, on aime mes aquarelles et c’est le plus important! Je peux juste dire que je suis heureuse d’être artiste. Vivre cette vie d’artiste, c’est formidable !
Aujourd’hui, en même temps que les femmes bénéficient d’une plus grande égalité sociale et éducative en Russie, elles s’impliquent davantage dans la sphère professionnelle. Il y a une augmentation significative du nombre de femmes poètes, de femmes artistes. Les frontières entre les concepts de « l’art féminin » et du « grand art » s’atténuent. Bien sûr, l’idée que Olga Litvinenko l’art est un territoire d’expression masculine existe toujours, et pour longtemps encore. On suppose que le génie est tradition nellement masculin, tandis que les pratiques de la décoration et de l ’artisanat appartiennent à la sphère des activités féminines. Oui, malheureusement, en Russie, il existe des différences entre les statuts des femmes et des hommes artistes. Bien sûr, dans Pour les femmes, il est en général ardu de concilier vie famil’idéal, cette distinction entre art masculin et féminin ne devrait liale et carrière. La difficulté est d’autant plus grande pour les pas exister. Soit vous faites de l’art, soit non. Peu importe le femmes artistes. Lorsque vous vivez pour l’art, vous n’avez sexe. Cependant, en aquarelle, on peut distinguer une écriture pas de planning défini, d’emploi du temps. La vie d’un artiste féminine d’une écriture masculine (mais cela ne concerne que consiste en une méditation constante sur son travail; il n’est pas facile alors de passer aux activités domestiques. Comment penl’aspect technique). Je pense souvent au moment où j’ai postulé à l’aspiranture ser à la fois à la meilleure composition pour un tableau et aux [3e cycle, NDLR] à l’Académie des beaux-arts. On m’a tout de problèmes du quotidien ? Mais parce que prendre soin de la suite prévenue que je ne pourrai pas rester enseigner à la famille est dans les gènes des femmes, il ne leur est pas si comfaculté, bien que j’eusse des pliqué (surtout pour les femmes recommandations d’artistes russes) de tout associer. Mais très importants. Tous les enseiles artistes masculins, qui se gnants étaient exclusivement consacrent presque exclusivedes hommes. Pourquoi? Mon ment à leur carrière, peuvent professionnalisme n’est pouratteindre de bien meilleurs En Russie, on emploie les termes d’art « féminin » résultats. Nous, les femmes, tant pas inférieur! Si j’étais un ou « féministe » dans toutes les combinaisons possibles. sommes habituées à combihomme aux cheveux gris, ma La tendance à la discrimination contre les femmes dans carrière aurait progressé plus ner de nombreuses choses. le milieu artistique ne change pas. La rhétorique générale rapidement! Prendre soin de son chéri, d ’une est restée la même que celle des années 90. Bien entendu, famille aimante et développer le statut des femmes artistes est malheureusement sa carrière artistique, c’est une Propos recueillis par : Laurent différent de celui des hommes. La hiérarchie des genres vie parfaite pour une artiste Benoist et Valérie Auriel. dans le milieu de l’art russe existe encore. femme ! Comme toute autre Photos : tous droits réservés
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
81
NOU VELLE RUBRIQUE
CAHIER TECHNIQUE/ Astuces
IL ARRIVE TOUJOURS UN MOMENT DANS UNE PEINTURE OÙ L’ARTISTE S’INTERROGE : MON TABLEAU EST-IL TERMINÉ ? SI CETTE QUESTION PEUT PARAÎTRE SIMPLE ET ANODINE, LA RÉPONSE L’EST EN FAIT BEAUCOUP MOINS. HEUREUSEMENT, L’ART DE L’AQUARELLE EST LÀ POUR VOUS AIDER.
I
l est parfois simple de déterminer si un tableau est fini : vous avez le sentiment qu’il est parfait tel qu’il est, et que la moindre touche supplémentaire n’apportera rien de plus. Voire pire. Tous les tableaux ratés, disait un artiste, ont commencé par cette question innocente : « Et si je rajoutais une touche de peinture ici ? »… Pour toutes les fois où cette prise de décision s’avère compliquée, il peut être utile de se poser des questions qui vous aideront à déterminer si votre aquarelle est bel et bien terminée. Pour cela, il vous faut développer votre œil critique, et cela passe par deux aspects essentiels : la capacité de juger froidement et analytiquement votre travail comme s’il s’agissait de celui de quelqu’un d’autre, et une connaissance visuelle étendue, une manière de répertoire d’images. Ces deux aspects sont, en fait, très simples à développer : il vous suffit de peindre et de voir beaucoup d’œuvres.
1. Le tableau possède-t-il un point focal ? Si oui, attire-t-il naturellement le regard ?
L’œil a besoin de circuler au sein d’une peinture et un point focal vous permettra de hiérarchiser les informations dans votre tableau tout en mettant l’accent sur le sujet principal.
2. Dois-je ajouter plus de détails à certains endroits ? Ou en retirer?
départ. Si ce n’est pas le cas, posez-vous la question de savoir pourquoi : certaines zones sont-elles trop prépondérantes, et d’autres au contraire trop silencieuses ?
6. Le tableau « fonctionne-t-il » ?
Placez votre tableau à l’envers ou regardez-le par l’entremise d’un miroir. Vous serez ainsi en mesure de déceler plus facilement ce qui ne vous convient pas. N’hésitez pas non plus à le prendre en photo.
7. Les couleurs employées aident-elles à transmettre l’ambiance que vous souhaitez ? Les couleurs – et surtout leur température – influent sur l’ambiance d’un tableau. Celles que vous avez employées sont-elles au service de votre message, ou au contraire viennent-elles le perturber ?
8. Les formes dans le tableau possèdent-elles des contours nets et/ou flous ?
Chaque élément au sein d’un tableau possède un impact ou un poids visuel. Répartissez ces différents éléments au sein du tableau afin de trouver un équilibre.
Une peinture, c’est comme une conversation : tout ne doit pas être dit. À moins que vous ne peigniez dans un style photoréaliste, inutile d’inclure tous les détails de votre sujet.
3.Est-ce que les premieretarrière-plans, ainsi que le planintermédiaire,sontsuffisammentdifférenciés? C’e st en étageant les plans que vous donnerez de la profondeur à votre tableau, particulièrement dans le cas d’un paysage.
4.Les proportions sont-ellescorrectes?
L’art figuratif repose en grande partie sur le respect des proportions et des tailles des éléments entre eux.
5.Leregard circule-t-ilbien dans l’ensemble dutableau?
L’œil doit circuler dans le tableau, et revenir à son point de
82 A
QUARELLE N°34
/ S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
« Finir un tableau est un sentiment proche de celui qu’on éprouve après avoir mangé ! C’est à vous qu’il appartient de savoir si vous avez assez mangé et si votre tableau est terminé. C’est quelque chose qui vient avec la pratique, au fil du temps. »
« Il est très important pour l’aquarelle d’avoir dans votre esprit une vision de la peinture finie, avant même de commencer, afin que vous sachiez ce que vous voulez exprimer. Cela vous donne beaucoup de liberté lors de l’exécution de votre peinture (comme savoir où placer les valeurs fortes, les blancs à préserver, etc.). »
« Regarder une peinture finie est comme se souvenir d’un voyage, me donnant une chance d’évaluer ce qui a fonctionné à la fois techniquement et imaginairement et ce qui n’a pas fonctionné, mais une fois que cela est fait, j’ai toujours envie de me lancer dans la peinture suivante. »
13. Les couleurs sont-elles réparties sur l’ensemble du tableau ? C’est en distribuant les couleurs sur l’ensemble de votre tableau que vous at teindrez une harmonie colorée.
14. Le message que je souhaite communiquer est-il clairement exprimé ? Toute œuvre d’art, quelle que soit la technique ou l’écriture choisie, doit communiquer un message ou une interprétation stylistique du sujet.
15. Le tableau est-il cohérent ? Posez votre pinceau et reculez de trois mètres afin de ne plus être influencé par le sujet : les formes sont-elles liées entre elles ? Les valeurs et couleurs sont-elles harm onieuses ?
9. Est-ce que le tableau ressemble (deprès oude loin) à ce que j’avais en tête au départ? Aviez-vous une idée en tête au moment de vous lancer ? Peut-être en avez-vous dérogé au fil de votre peinture… Le tableau final vous plaît-il ou auriez-vous préféré qu’il ressemble plus à l’idée que vous vous en faisiez au départ ?
10. Y a-t-il des éléments qui vous paraissent être en trop dans le tableau ?
16. Chaque élément/forme dans le tableau est-il facilement identifiable ou lisible ? Posez-vous la question de savoir si telle ou telle forme est compréhensible par le spectateur. Avez-vous réussi à représenter de manière convaincante ce que vous vouliez montrer ?
17. Quelle gamme de valeurs ai-je utilisée? Généralement, une œuvre forte fait appel à toute la gamme des valeurs.
Regardez votre tableau rapidement. Sur quel élément votre œil tombe-t-il en premier ? Cet élément est-il indispensable au message que vous souhaitez exprimer? Si ce n’est pas le cas, supprimez-le.
18. Y a-t-il des zones que je peux ou que je souhaite pousser plus loin ?
11. Les ombres sont-elles cohérentes avec la source lumineuse ?
Vous avez le sentiment que certaines zones de votre tableau mériteraient d’être plus abouties ? Dites-vous qu’à l’ époque du romantisme, le non finito, qui consistait à ne pas terminer ses tableaux, étaient très en vogue.
Les ombres portées et propres de chacun des objets de votre tableau doivent être en accord avec la direction choisie pour la lumière.
12. Les formes varient-elles en taille? Pour donner du rythme à votre tableau, variez la taille des différents éléments. Si vous constatez qu’ils sont trop uniformes, essayez d’en augmenter et/ou d’en réduire quelques-uns.
« Je dois admettre que j’ai gâché un certain nombre de peintures en allant trop loin et en franchissant le point de non-retour. La plupart du temps, cela se produit lorsque je perds mon intérêt pour le sujet. Ensuite, je perds aussi l’intuition requise qui aide à connaître le bon moment. Lorsque la peinture se f ait d’un seul souffle, ce n’est généralement pas un problème. »
19. Comment se présente ce tableau par rapport à ma production précédente? En suis-je plus satisfait ou moins satisfait ? Tous les ar tistes s’accordent à le dire : le prochain tableau doit être meilleur que le précédent. C’est ainsi que vous progresserez.
20. Et enfin, la dernière question – primordiale –, et certainement celle à laquelle toutes les précédentes sont subordonnées : le tableau me plaît-il ? Une œuvre d’art est tout s auf une recette de cuisine : il ne suffit pas de mélanger les ingrédients dans les bonnes proportions et de suivre scrupuleusement la recette pour obtenir un chefd’œuvre. Un tableau n’est rien de plus, ni rien de moins, que la résultante de votre expérience, de vos connaissances et de vos exigences. Ainsi, en conclusion, si votre aquarelle vous plaît telle qu’elle est, c’est qu’elle est bel et bien terminée ! A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
83
NOU VELLE RUBRIQUE
CAHIER TECHNIQUE/ Carrière
VOUS ÊTES À COURT D’IDÉES ? VOUS MANQUEZ D’INSPIRATION ? RASSUREZ-VOUS, CELA ARRIVE À TOUS LES ARTISTES ! TOUT LE MONDE A CONNU UN JOUR OU L’AUTRE L’ANGOISSE DE LA FEUILLE BLANCHE… VOICI COMMENT Y REMÉDIER. Essayez de nouvelles techniques
Notez vos idées dans un carnet ou un journal Inutile de le prendre trop volumineux, privilégiez au contraire un carnet de petit format dans lequel vous noterez vos idées. Bien sûr, ces idées peuvent aussi prendre la forme d’esquisses (comme des notes de couleur ou des dessins au trait), mais également de phrases. Ce carnet n’a pas vocation à être exposé ou diffusé, aussi ne vous souciez pas de savoir comment vous le remplissez ou de la qualité d’exécution. Il s’agit avant tout d’un outil de travail. Pour vous. En vous y replongeant, quand vous serez en manque d’inspiration, vous pourrez y puiser de nouvelles idées. Comme l’écrivait Oscar Wilde : « Je ne voyage jamais sans mon journal intime. Il fait toujours avoir quelque chose de sensationnel à lire dans le train. » ! Lors de ses voyages, comme ici à Zanzibar, Sonia Privat remplit ses carnets d’objets hétéroclites qui accompagnent ses prises de notes : « Toutes les “nourritures”
essentielles à mon travail sont une quête de chaque instant : croquis, photos, “poubelles” (bouts de papiers, tissus, capsules et autres petits bonheurs), prise de sons… et écriture bien sûr. Tous ces éléments seront mis en page dans un carnet de voyage en parallèle à mon travail d ’atelier sur de grands formats. »
Fixez-vous des contraintes La contrainte est-elle libératrice ? Vaste débat philosophique… et dont une des réponses peut être la suivante : est véritablement libre celle ou celui qui choisit de se fixer des contraintes. Choisissez de ne peindre qu’avec trois couleurs, lancez-vous dans le daily painting (le fait de peindre une œuvre différente par jour pendant un certain temps), ne peignez que sur des formats carrés si vous avez l’habitude de peindre des formats paysage ou portrait…
84 A
QUARELLE N°34
/ S EPTEMBRE-N OVEMBRE 2017
Peut-être avez-vous l’impression d’a voir fait le tour de l’a quarelle? Essayez de nouvelles techniques qui vous obligeront à trouver de nouveaux repères et de nouveaux réflexes. Cela vous permettra ainsi de reprendre vos aquarelles avec un regard neuf et enrichi. Pourquoi ne pas tenter la tempera ou les crayons aquarellables ? En fait, pas besoin d’aller jusque-là : si vous avez pris l’habitude de peindre toujours avec la même gamme (ou marque) d’aquarelles, pourquoi ne pas – enfin – essayer les tubes que l’o n vous a offerts à Noël ou pour votre anniversaire et que vous n’a vez pas encore eu l’o ccasion de tester?
Richard McKinley est un pastelliste américain extrêmement reconnu. Sa particularité? Il démarre souvent par des premiers lavis à l’aquarelle et à l’alcool, sur lesquels il revient ensuite au pastel. Pourquoi ne pas essayer vous aussi?
De quoi avez-vouspeur? Souvent, l’e nvie de changer peut être inhibée par l’a ngoisse… du changement. Sortir de sa zone de confort permet de se développer. Tentez d’identifier les raisons qui vous empêchent de sortir des sentiers battus et de vous renouveler. Avez-vous peur de commettre des erreurs? Redoutez-vous le jugement des autres? Ou bien, avez-vous tout simplement le sentiment de ne pas être assez « bon » ? Notre conseil ? Postez sur les réseaux sociaux des images de vos aquarelles – oui, même celles dont vous n’êtes pas particulièrement fier(e) ! – en demandant des critiques constructives et des commentaires. Sollicitez l’avis de vos proches, de vos amis et de vos pairs si vous faites partie d’une association ou d’une société d’aquarelle. Il y a fort à parier que tous ces commentaires vous pousseront dans une direction différente de celle que vous avez prise jusqu’ici, ou vous ouvriront de nouveaux horizons et de nouvelles possibilités que vous n’aviez jusqu’alors pas envisagés.
Texte : Laurent Benoist. Photos : D. R.
POUR ELENA BAZANOVA : « La réflexion sur la composition commence à partir du moment où l’on se met en quête d’un nouveau sujet, d’une nouvelle histoire à raconter. Parfois, il arrive que la composition naisse de manière spontanée et parfois il faut plusieurs années pour en accoucher. J’ai des idées qui me trottent dans la tête depuis quatre ans ! »
Vos habitudes de peintre sont-elles efficaces ? Peut-être que le problème vient du fait que votre manière de travailler n’est pas compatible avec votre processus créatif ? Peut-être travaillez-vous trop tôt le matin, trop tard le soir, ou bien trop ou pas assez longtemps ? Si vous êtes un artiste professionnel, peut-être avez-vous le sentiment d’être débordé par les tâches quotidiennes et administratives comme les envois d’e-mails ou votre comptabilité, pa r exemple ? Vous pouvez aussi avoir le sentiment que vous n’arrivez pas à tirer pleinement parti de vos séances de peinture… Notre conseil : prenez du recul afin de comprendre les éléments qui posent problème. Vous êtes trop fatigué pour peindre en semaine ? Essayez de vous ménager une plage horaire le week-end. La seule règle qui vaille est de trouver un programme avec lequel vous êtes satisfait(e). Le temps en peinture diffère d’un artiste à l’autre.
APPRENDRE À DÉPASSER SES ERREURS : LE POINT DE VUE DE IAIN STEWART « Mon style évolue constamment et je travaille dur pour encourager cela. Mon travail est une combinaison de plateaux et d’ascensions. Durant l’ascension, je peux buter quelques semaines contre un problème ou avoir le sentiment de peindre mal. J’ai appris par expérience à naviguer à travers ces périodes, en ajoutant même parfois des difficultés supplémentaires, telles qu’une nouvelle couleur, un nouveau pinceau, un nouveau papier. À un moment donné, les choses se mettent en place d’ellesmêmes : je découvre alors que mon processus a légèrement évolué et que mon travail est quelque peu différent. En fait, je prends plus de plaisir dans l’acte de peindre et je peins plus rapidement avec un plus grand taux de réussite. C’est ce que j’appelle des “plateaux” : je travaille avec un niveau de confiance très satisfaisant. À un moment donné, ce rythme de croisière ne me satisfera plus et je recommencerai mon ascension. Je pense que cela se résume à accepter les échecs et, à travers eux, retenir une expérience. Je dis toujours à mes étudiants que si vous devez échouer, échouez de manière spectaculaire. L’hésitation tue l’inspiration. »
Identifiez les raisons pour lesquelles vous peignez Les raisons qui poussent à peindre sont vastes, et peut-être même uniques à chacun des peintres. Mais quoi qu’il en soit, toute œuvre, quelle que soit sa technique, obéit à une motivation première. Autrement dit, il existe une idée qui a précédé la réalisation de l’œuvre d’art. S’il est difficile de toutes les aborder, la plupart de ces motivations premières appartiennent à l’une ou l’autre (voire plusieurs) de ces catégories principales.
L’art peut aussi bien servir à transmettre des idées et à les enseigner qu’à laisser une trace ou un témoignage d’un événement historique. Les vitraux des cathédrales, par exemple, servaient à diffuser par l’image les enseignements de la Bible à une population qui, dans sa majeure partie, ne savait pas lire. L’art peut être aussi une manière de commenter l’histoire actuelle : pensez par exemple à Guernica, peint par Picasso après le bombardement de la ville basque en 1936 lors de la guerre civile espagnole. Andrew Kish, lui, est un bon exemple d’artiste contemporain dont l’aquarelle est un véhicule qui lui sert à exprimer ses idées politiques.
De Turner à Monet, tous les artistes ont voulu reproduire sur la feuille ou la toile les émotions ressenties face au spectacle qu’ils avaient sous les yeux, et qui peut aussi bien être un lever de soleil sur la campagne que la clameur d’une grande avenue dans un centre-ville.
Une œuvre d’art peut faire partie d’une cérémonie, d’un rituel ou d’une tradition culturelle. Ces œuvres sont alors créées dans un but précis et ne font sens que dans le cadre de ce contexte, et elles sont même parfois éphémères. Le mandala, c’est-à-dire la représentation de l’u nivers bouddhiste, est un exemple de cette forme d’art.
Expérimentez
avec des éléments purement formels, sans vous soucier de représenter la réalité. Un exemple en est Ken Thrift, dans le présent numéro (voir p. 32).
Libertatem Constituentes. Andrew Kish est l’exemple d’un artiste qui peint pour exprimer ses convictions politiques. Et vous, savez-vous pour quelles raisons vous peignez? A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE-N OVEMBRE 2017
85
NOU VELLE RUBRIQUE
CAHIER TECHNIQUE/ Méthode
LA COMPOSITION A CECI DE PARADOXAL QUE SI ELLE EST RÉUSSIE, ELLE NE SE VOIT PAS… ELLE S’EFFACE POUR LAISSER PLACE À L’APPRÉCIATION DE LA PEINTURE. AUTRE PARADOXE : MIEUX VOUS CONNAÎTREZ LES RÈGLES DE COMPOSITION, MOINS VOUS Y PENSEREZ AU MOMENT DE PEINDRE. NOUS AVONS DRESSÉ ICI UNE LISTE DE 7 POINTS CLÉS QUI VOUS AIDERONT À METTRE EN ŒUVRE VOTRE TABLEAU. 1. Privilégiez des nombres impairs plutôt que pairs
2. Prêtezattentionauplacement des formes
Les compositions basées sur des rythmes impairs sont tou jours plus dynamiques que celles basées sur des rythmes pairs. Pourquoi ? L’explication est assez complexe et fait appel à la théorie de la gestalt, qui explique comment nous appréhendons notre environnement d’un point de vue psychologique. Notre cerveau a ainsi tendance à naturellement grouper par paire les formes similaires. Autrement dit, un nombre pair d’objets aura un effet apaisant, tandis qu’un nombre impair créera une « tension » (pour ceux qui désireraient en savoir plus, nous vous recommandons l’ouvrage de l’historien de l’art Ernst Gombrich, L’art et l’Illusion). Ce serait ainsi, par exemple, une des origines de la règle qui veut que l’on n’offre que des fleurs en nombre impair, afin qu’une fois dans un vase, le bouquet soit plus plaisant à l’œil. John Singer Sargent a réalisé cette aquarelle ci-dessous en 1918, alors qu’il voyageait sur le front en Europe en tant que peintre des Armées. Elle représente ce qui est sans doute des fûts de canon sous les arcades en ogive d’un bâtiment en ruines. Remarquez le rythme apporté par la succession des trois roues (qui se répète également dans la courbe des arcatures) Son aquarelle n’aurait-elle pas été moins dynamique – plus « plate » – s’il avait choisi de ne représenter que deux roues au lieu des trois ?
Toutes les formes dans une peinture sont reliées entre elles. En fait, la relation spatiale entre deux formes est nécessairement une des trois suivantes : Elles sont juxta posées Elles se chevauchent Elles sont séparées
En règle générale, évitez de juxtaposer les formes pour Nature morte avec fleurs et fruits. privilégier au contraire celles 1866, huile sur toile, 73 x 60 cm. Achat M. et Mme Richar d J. Bernhard Gi ft, 198 0. qui se chevauchent ou qui Metropolitan Museum of Art, New York. sont séparées (par un espace vide). Regardez par exemple cette nature morte d’Henri-Fantin Latour dont le chevauchement des formes crée de la profondeur et une illusion de tridimensionnalité. Henri Fantin-Latour,
3.Larègledes trois tiers John Singer Sargent, Wheels in Vault.
1918, aquarelle, crayon et cire sur papier vélin, 39,1 x 52,9 cm. Don de Mme Francis Ormond, 1950. MetropolitanMuseum of Art, New York.
86 A
QUARELLE N°34
/ S EPTEMBRE-N OVEMBRE 2017
Divisez votre feuille en trois tiers, aussi bien dans le sens de la hauteur que de la largeur. Vous obtiendrez ainsi une grille avec neuf cases. Afin de créer le maximum d’impact, le point focal ne doit pas se situer dans la case centrale : il doit être au contraire décentré. Vous pouvez par exemple le situer à l’intersection des lignes (voir schéma ci-contre).
De manière générale, une composition
Par Laurent Benoist
5.Apprenezà dessiner(avec) levide symétrique apporte un sentiment de stabilité. Ce procédé traverse toute l’histoire de l’art. Cette symétrie est par exemple couramment employée dans les crucifixions, comme en témoigne ce tableau du peintre de Bruges, Gérard David. Ici, la symétrie est de plus renforcée par l’emploi de la même couleur sur les personnages de part et d’autre du Christ. Gérard David, La Crucifixion. 1495 environ, huile sur bois, 53,3 x 38,1 cm. Fonds Rogers 1909. Metropolitan Museum of Art, New York.
4.Une bonnecomposition fonctionne quellequesoit l’échelle
Les espaces entre les formes sont aussi import ants , voire même plus importants, que les formes elles-mêmes : le vide constitue ainsi lui aussi une forme. Entraînez-vous à l’aide de l’e xercice suivant : recouvrez une feuille de fusain. Puis, avec une gomme, amusez-vous à dessiner des formes en effaçant la matière sur la feuille. Vous pouvez également ef fectuer la même chose à l ’aquarelle, en veillant bien sûr à prendre une surface sur laquelle vous pourrez facilement lever les blancs. Dans cette aquarelle représentant un combat de coq à Oman, le peintre Arthur Melville a parfaitement su jouer avec les vides et les blancs.
Arthur Melville , Combat de coqs. 1900, aquarellesur papier,83, 8 x 58,4 cm.
Regardez les icônes sur l’écran de votre smartphone ou de votre ordinateur : pourquoi sont-elles aussi facilement discernables et instantanément reconnaissables, malgré leur petite taille? Toutes possèdent les points communs suivants : un logo ou une forme simple et des couleurs qui tranchent. Il en va de même avec les panneaux de signalisation routière qui, eux, restent visibles et compréhensibles de loin : là aussi, les formes sont simplifiées. Faites donc l’e xercice suivant pour juger de la réussite de votre composition : prenez une photo de votre tableau (avec votre téléphone, par exemple) et réduisez sa taille au maximum. Même si vous n’a rrivez plus à discerner le sujet, vous devez néanmoins voir un arrangement esthétiquement plaisant de formes et de couleurs.
Donde MmeArthurMelville,1906. MetropolitanMuseumof Art,New York.
Paul Klee, Trois maisons. 1922, aquarellesur papier,montée sur carton, 24,4× 34,3cm. CollectionBerggruen Klee,1984. Metropolitan Museumof Art,New York.
6. Répétez les formes, les couleurs et les motifs Les répétitions donnent un rythme et une dynamique visuelle à votre peinture. Cette aquarelle de Paul Klee, peinte alors qu’il enseignait au Bauhaus, est ainsi exemplaire : bien qu’elle ne soit basée que sur des répétitions de formes géométriques simples (des triangles et des rectangles), chacune d’entre elles est de taille différente. Remarquez en outre comment la seule forme circulaire de la composition (le soleil, dans le quart supérieur gauche) saute aux yeux, précisément parce qu’il s’agit du seul cercle de la composition.
7. Placez desligneshorizontales etdiagonales Servez-vous de lignes diagonales pour entraîner le regard dans le tableau. En règle générale, elles donnent de la nervosité tandis que les lignes horizontales apportent de la stabilité, en « asseyant » votre composition. Comparez cette aquarelle romantique de Paul Huet, peinte sur le vif en Auvergne alors qu’il se rendait dans le sud de la France, à celle de Paul Klee, ci-dessus. Le tracé en diagonale des silhouettes des volcans et des lignes de crête à l’a rrière-plan apporte un sentiment de tension, accentué par le ciel orageux. Pour souligner la fougue des éléments déchaînés et harmoniser sa composition, le peintre a répété la ligne descendante du flanc du volcan principal dans les nuages à droite Paul Huet, Montagne d’Auvergne. 1831-1833, aquarelle avec encre brune, 16 x 28,5 cm. Achat, Don Ch ristie’s e t Wildenstei n, 1996 A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE-N OVEMBRE 2017
87
NOU VELLE RUBRIQUE
CAHIER TECHNIQUE/ Carrière
À MESURE QUE LES ANNÉES PASSENT, IL DEVIENT DE PLUS EN PLUS DIFFICILE DE RESTER FRAIS ET DE PROPOSER DE NOUVELLES IDÉES. FINALEMENT, N’ARRIVE-T-IL PAS UN MOMENT OÙ L’ON PENSE AVOIR PEINT TOUS LES SUJETS POSSIBLES ET IMAGINABLES ? EH BIEN, PAS DU TOUT ! IL Y A TOUJOURS UNE NOUVELLE FAÇON D’ABORDER LE MÊME SUJET, ET PARFOIS ELLE SE TROUVE JUSTE DEVANT NOS YEUX, À CONDITION QUE NOUS SACHIONS REGARDER. RAPPELEZ-VOUS, IL N’Y A PAS DE MAUVAIS SUJET, JUSTE DE MAUVAISES PEINTURES… Il n’y a rien de plus triste qu’un artiste qui continue de répéter le même sujet jusqu’à ce que ces tableaux ne soient plus qu’une triste copie d’eux-mêmes. Mon ami Herman Pekel a dit un jour qu’un artiste ne devrait jamais se copier lui-même. Trop souvent, dès que l’on entre dans une exposition, nous n’avons aucun mal à reconnaître le travail de quelqu’un sans avoir à déchiffrer la signature et l’on se dit : « Tiens, encore un tableau d’untel! » D’autre fois, nous nous précipitons pour découvrir le travail d’un artiste que l’on connaît bien, et qui pourtant nous tient en haleine à chacune de ses peintures. Quelle est la différence ? Est-ce vraiment le sujet, ou bien la vision ? Selon moi, c’est toujours la vision. La façon dont un artiste convertit un sujet en un langage visuel pousse le spectateur à sortir de son quotidien. Tout le monde veut appartenir à quelque chose de plus grand et de plus important que son existence quotidienne. C’est pour cette raison précise que l’a rt attire les gens.
Joseph Zbukvic sur le motif lors d’une démonstration publique en Chine, en 2016.
MAINTENIR L’ENTHOUSIASME DES DÉBUTS Cela m’a toujours fasciné de comprendre pourquoi les gens s’arrêtent et regardent un peintre à l’œuvre. Même lorsqu’ils passent devant en voiture à toute vitesse, ils ne peuvent rien voir, et pourtant ils regardent. Pourquoi? Est-ce qu’ils s’arrêteraient pour regarder quelqu’un faire autre chose, à moins qu’il ne s’agisse d’une situation de vie ou de mort ? Pourquoi de longues queues dans les musées lors d’expositions d’artistes renommés ? Pourquoi payer des millions pour un Picasso ou un Rembrandt ? C’est parce que ces artistes sont restés sincères et ont su exploiter leur énergie. Au début de leur carrière, tout est nouveau et il est facile de maintenir l’enthousiasme qui se reflète dans les peintures : c’est ce qui les rend dynamiques et passionnantes, donc faciles à vendre. Maintenir cette énergie et garder vos peintures spontanées une fois que vous êtes un artiste établi est extrêmement important.
LE TEMPS PASSÉ À OBSERVER LE SUJET EST INESTIMABLE Je pense que dessiner constamment et beaucoup voyager est très utile pour affiner votre sens de l’observation. Je conserve un journal visuel et l’a i fait pendant de nombreuses années.
88 A
QUARELLE N°34
/ S EPTEMBRE-N OVEMBRE 2017
Ces journaux de bord contiennent souvent des dessins de choses que je ne peindrais pas nécessairement. Il s’agit simplement d’un souvenir de personnes et de lieux, mais cela a plus d’une fois été transformé en un travail majeur. Si vous prenez des photos, vous ne voyez jamais le sujet correctement. J’ai un jour observé un homme qui se promenait dans le musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg en regardant les tableaux à travers son iPad ! Il n’a jamais levé les yeux de son écran. Regarder ses photos ne peut jamais remplacer une peinture in situ. Le temps passé à observer le sujet est inestimable. Chaque dessin ou peinture exécutés sur le motif vous entraîne à voir le sujet en termes de langage visuel, jusqu’à ce que cela devienne une seconde nature et que vous finissiez par tout voir comme un sujet potentiel. Si vous dessinez et peignez à l’extérieur de façon régulière, cela vous aidera à découvrir des sujets partout. Alors sortez, peignez et emportez toujours un carnet de croquis avec vous, où que vous soyez. Dessinez tous les jours, n’importe où, n’importe quand et n’importe quoi.
Traduction : Laurent Benoist.
Village Life, China.
Photos : D. R.
37 x 54 cm.
troupeau de cerfs. Ils sont passés devant moi et je me suis arrêté pour les regarder disparaître dans un virage. J’ai su alors que j’avais eu raison de décider de rompre cette routine dans laquelle j’étais tombé. NE
PAS SUCCOMBER AUX CHANGEMENTS
SUPERFICIELS
Je recherche constamment de nouvelles façons de peindre ainsi que de nouveaux sujets, mais je suis également heureux de revenir à mes motifs favoris. Cela entraîne généralement quelque chose de nouveau, une fois que vous rétablissez la confiance. L’un des meilleurs aspects de l’aquarelle est que vous ne pouvez jamais précisément répéter la même peinture. Elles sont toujours différentes. Je pense aussi qu’il n’est pas nécessaire de modifier radicalement son style ou son sujet. Les changements forcés sont superficiels. Se réveiller un matin en se disant que vous allez devenir un peintre abstrait ou décider du jour au lendemain de peindre dans un style totalement différent est tout simplement ridicule. L’art est un jeu à long terme. Les peintres à la mode sont rapidement remplacés par d’autres.
ROMPRE AVEC LA ROUTINE Les voyages ouvrent l’esprit, comme on dit. Si vous pouvez vous le permettre, c’est le moyen le plus simple de trouver de nouveaux sujets. Cependant, un nouveau paysage n’est que le bénéfice évident du voyage. Une autre langue et une expérience étrangère dans un endroit inconnu mettent nos sens en éveil. Mais attention, ne vous méprenez pas : il n’y a rien de plus agréable que le poulet rôti familial du dimanche midi, mais le confort engendre également la paresse. Rester dans sa zone de confort tue la créativité. Les voyages peuvent vous aider à en sortir, mais seulement si vous avez l’esprit ouvert et que vous êtes prêt à emprunter de nouvelles routes. Le nouveau sujet seul ne peut pas réveiller un esprit fatigué. Il y a des années, je me suis levé un matin et j ’ai pris la décision consciente de commencer à voyager autant que possible. Et ce jour-là, j’ai reçu une invitation à enseigner dans le Montana ! Peu de temps après, alors que je faisais du vélo sur une route de montagne dans le parc national de Glacier, je me suis tout à coup retrouvé entouré d’un immense
NE PAS SE POSER DE QUESTIONS QUAND ON PEINT Il n’y a pas de réponse à cette recherche d’inspiration éternelle. C’est plus facile au début en raison de l’énergie et de l’ignorance de la jeunesse, mais cela devient plus gratifiant plus tard dans votre carrière parce que vous avez acquis des compétences et de l’expérience. J’ai depuis longtemps abandonné l’idée de trouver au coin de la rue un sujet incroyable ou une technique inédite, comme je le souhaitais autrefois. Personnellement, je crois simplement au labeur honnête et sincère. Je peins simplement et aussitôt que je m’engage dans le processus, je l’apprécie. Quand je peins, je ne pense pas à mon image publique ni ne m’inquiète de faire de grandes déclarations, de gagner des prix ou de faire une vente. Ces questions se posent dès lors que j’ai posé mes pinceaux. Le processus de peinture doit rester totalement exempt de toutes ces notions.
Cela fonctionne pour moi car cela mène finalement à quelque chose de neuf, sans que je l’aie recherché. Beaucoup de mes meilleures œuvres ont commencé comme une dernière peinture travaillée rapidement en fin de journée ou avant le déjeuner. La pire chose pour l’inspiration est de penser que votre prochain tableau sera forcément votre meilleur. C’est l’échec assuré. Dans le café en bas de chez moi, je vois souvent ce type que je connais et qui depuis dix ans travaille sur un « magnifique roman » – sauf qu’il ne l’a pas encore écrit. Il dit qu’il attend l’inspiration. Le temps passé à chercher ce sujet insaisissable ou ce moment d’inspiration pourrait être consacré à la peinture. Alors laissez l’inspiration venir en travaillant.
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE-N OVEMBRE 2017
89
NOU VELLE RUBRIQUE
CAHIER TECHNIQUE/ Inspiration
BEAUCOUP DES MOTIFS QUE JE PEINS NE SAURAIENT ÊTRE CONSIDÉRÉS COMME BEAUX EN TANT QUE TELS. JE CHERCHE À DÉVOILER LA BEAUTÉ QUE JE TROUVE DANS DES SUJETS À CÔTÉ DESQUELS ON POURRAIT PASSER. UN ÉCLAT DE LUMIÈRE SUR LES ÉCAILLES D’UN ALLIGATOR OU LES REFLETS SUR DES VARANS DE KOMODO SONT AUTANT D’OPPORTUNITÉS DE DÉVOILER MA FASCINATION POUR CES CRÉATURES.
Une fois ma muse trouvée, il est important pour moi d’obtenir le plus rapidement possible, dès les premiers lavis, l’harmonie naturelle. Avoir une feuille de papier blanc, vierge de peinture et avec juste quelques traces de crayon, peut être impressionnant, alors que vous vous apprêtez à vous lancer dans la couleur. J’ai découvert qu’il était pour moi plus simple de « plonger » en quelque sorte, et de mouiller toute ma feuille. Je dépose ensuite ma peinture, manipulant ma feuille alors que j’apporte de la peinture. Je vais par exemple la retourner à 90° ou 180° et l’asperger d’eau jusqu’à ce que les lavis soient mélangés et se fondent sur la feuille. C’est un processus organique qui laisse une part à l’aléatoire. C’est un dialogue avec la peinture où vous débutez avec vos propres idées, mais où vous finissez par aboutir à un compromis avec votre sujet. L’harmonie ne peut être atteinte que si vous écoutez autant que vous vous exprimez.
Regardersonsujet Tandis que j’ajoute de la couleur, je regarde attentivement mon sujet (une photo, généralement) et je me décide sur les zones qui accueilleront des teintes chaudes et des teintes froides. C’est quelque chose de très excitant pour moi parce que si je vois une zone avec une couleur chaude, je vais avoir tendance à l’exagérer, tout en sachant qu’en séchant, elle deviendra beaucoup plus claire, me laissant ainsi la possibilité de jouer avec par la suite. Je sèche ma feuille entre chaque couleur ; cela crée une espèce de « soupe » sur la feuille qui me permet de respirer et de décider de l’étape suivante, après avoir observé comment les couleurs ont séché.
Sur l’usage des couleurs J’ai tendance à fonctionner par complémentaires : je choisis deux couleurs complémentaires sur le cercle chromatique, et quelques autres teintes adjacentes. Garder mes couleurs propres est toujours ma priorité à l’aquarelle et je procède de plusieurs manières : la première consiste à repasser une deuxième couche avec exactement la même couleur (pure ou mélangée) sur une zone déjà sèche afin de saturer mes couleurs. Également, lorsque j’ai deux couleurs complémentaires que je souhaite relier, je vais utiliser pour ce lien une couleur qui se mélange bien avec les deux. Par exemple, si je souhaite relier un bleu froid avec un orange chaud, je vais mouiller la zone intermédiaire et ajouter un pigment rouge ou violet afin de relier ces deux couleurs. Sur ma palette, je sépare toujours mes teintes chaudes et mes teintes froides.
Komodo Dragon 1 et Komodo Dragon 2.
Gator in Water. « Il s’agit d’une de mes peintures préférées. Je me souviens encore du jour où j ’ai vu sa gueule émerger de l’étang boueux pour se retrouver en plein soleil, avec un filet d’eau qui coulait sur sa tête. J’ai utilisé un mélange de bleu phtalo et de rosequinacridone pourpresque tout son visage. »
90 A
QUARELLE N°
34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
« Ces varans ne sont pas en réalité aussi colorés, mais c’est précisément dans l’interprétation de son sujet que réside le plaisir de l’aquarelle. Choisir des animaux dans des zoos, derrière des vitres en verre implique de devoir gérer beaucoup de reflets dans les photos. Ce fut là le plus grand défi de cette peinture. »
L’ajout decouleurs plus denses Mes premiers lavis sont généralement mélangés sur la feuille avec une couleur directement déposée dans un godet à partir du tube. Comme les couleurs chaudes se mélangent entre elles et que les couleurs froides font de même entre elles sur ma palette, je tire parti de ces mélanges en les posant sur ma feuille. Lorsque tout est parfaitement sec, je suis prête à me lancer dans la création de formes, à partir de la « soupe » présente sur la feuille. Je vais commencer par mélanger mes couleurs sur la palette, ajoutant au fur et à mesure des couleurs de plus en plus denses afin de créer des changements de valeur. D’habitude, je peins sur une petite zone de la peinture, en allant du plus clair vers le plus foncé : cette zone me sert de test afin de jauger le reste de la peinture. Alligator Eye. « Dans ce plan rapproché d’un alligator, je me suis concentrée sur ses yeux, mais c’était expérimental sur du papier pressé à froid 300 g. Le papier est lumineux mais je crois que je préfère la simplicité d’utilisation du 640 g. »
L’importance desvaleurs Les couleurs sont seulement un aspect d ’une peinture, c’est le contraste des valeurs qui en construit le squelette. Lorsque je suis en quête de sujets, mon appareil photo à la main, je recherche des lumières fortes et des ombres. J’ai constaté que souvent, les œuvres que je n’ai pas menées à leur terme ne possédaient pas de contrastes de valeurs suffisants. Désormais, je vérifie au préalable mes photos de référence, sous différentes lumières, dans un miroir et à l’envers, afin de pouvoir déceler tous les motifs d’ombres et de lumières. Si la gamme de valeurs est correcte, la couleur est une peau qui s’adapte aisément sur le squelette créé par les contrastes de valeurs.
J’adore ce sentiment quand je regarde dans mon appareil
photo et que je réalise que j’ai une bonne photo. La manière dont nos yeux saisissent la beauté du monde naturel est difficile à rendre dans une photo, mais l’un des avantages de l’aquarelle est qu’il est possible de redonner vie à une image plate. Il est cependant nécessaire de commencer avec un sujet qui vous interpelle vraiment, et c’est comme cela que je débute mes propres peintures. Je suis toujours à la recherche de sujets qui rendront une harmonie naturelle. Le sujet doit également interpeller par lui-même.
1. J’ai appliqué les premiers lavis ; je les ai laissés se mélanger sur la feuille et sécher. Je commence par les petites zones autour des yeux, en testant ma gamme de valeurs, pour la suite.
2. Je continue à ajouter des for mes et des valeurs tout en ajoutant et en renforçant les couleurs posées lors des premiers lavis.
3. Je me lance maintenant dans les déta ils, et j’enlève la gomme à masquer au fur et à mesure que je progresse.
4. Je continue toujours dans les détai ls, en levant les couleurs à certains endroits, et en adoucissant les contours là où la gomme à masquer a été retirée.
Suivre le courant… Généralement, je débute par une série de petites esquisses, chacune avec des couleurs différentes. En fonction de la manière dont ma peinture réagit, j’ajuste mes touches et mes couleurs. Très souvent, je mets mes esquisses de côté. À l’aquarelle, on doit littéralement être capable de « suivre le courant », c’est le mieux selon moi. Les détails peuvent être de petits éléments abstraits qui s’assemblent comme des pièces de puzzle, le fond peut être une série de couches de couleur superposées… mais en tout cas l’incertitude doit demeurer, du début à la fin.
Alligator. 56 x 76 cm.
A QUARELLE N° 34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
91
T A É R U A L E R T O
Eugeniu Gorean BIEN CONNU DE NOS LECTEURS, L’ARTISTE MOLDAVE
N
A REMPORTÉ LE CONCOURS LECTEURS DU DERNIER NUMÉRO DE L’ART DE L’AQUARELLE . IL NOUS DÉVOILE ICI LES CLÉS DE SA PRATIQUE ET NOUS PARLE DE SON AMOUR POUR LA PEINTURE SUR LE MOTIF.
« Je suis un adepte du plein-air » L’Art de l’Aquarelle : Eugeniu, quels sont les bénéfices que vous apporte la peinture sur le motif ? Eugeniu Gorean : Je pratique habituellement les
deux méthodes, le plein-air et le travail en atelier. Je pense que cette combinaison me représente totalement. Ce sont des notions complémentaires, ce qui signifie qu’une méthode ne peut pas exister sans l’autre. Étant un adepte du plein-air, je pense qu’elle peut aider à obtenir les vraies couleurs. Le plus grand défi dans la peinture de plein-air est qu’un artiste joue une sorte de duel. Ayant le papier comme espace bidimensionnel, il doit créer un tableau en trois dimensions. Le côté positif du plein-air est qu’il apprend à capturer très rapidement le mouvement et la composition, raison pour laquelle je ne consacre pas plus de 2 heures par peinture sur le motif. ADA : Vos œuvres incluent à la fois des techniques humides et sèches. Comment choisissez-vous l’une ou l’autre ? E . G . : En ce moment, je pense que la combinaison
de techniques humides et sèches dans la peinture aquarelle est la voie royale. Aucune des deux n’est plus importante que l’autre, et l’artiste doit être en mesure de présenter les deux pour avoir un bon résultat. Je suis plus concentré sur le message que je veux envoyer, et en fonc tion de cela, je choisis la technique, qu’elle soit humide pour créer une impression ou plus sèche pour décrire quelque chose. Cela met le détail en contraste avec les surfaces plus grandes. Parfois, j’aime peindre le même sujet mais de différentes façons. Par exemple, le brouillard est un sujet que j’aime. J’ai essayé dix fois
92 A
QUARELLE N°34
/ S EPTEMBRE-N OVEMBRE 2017
MON PAPIER J’utilise du papier Arches de différents types : grain torchon, grain satin et grain fin… à chaque papier son sujet. Le grain torchon, par exemple, est bien pour des scènes urbaines, et le grain fin pour des scènes plus rurales et des peintures dans l’humide, où l’eau est prédominante. J’utilise moins le grain satin, généralement pour des études d’animaux et des natures mortes.
MES COULEURS Plus de la moitié de ma palette comprend de pigments Winsor & Newton – je les trouve assez bons –, suivis de Sennelier et Daniel Smith. Les couleurs qui la composent sont les suivantes : bleu de cobalt (Winsor & Newton), outremer (Winsor & Newton est une couleur équilibrée avec une belle luminosité), bleu céruléum (Winsor & Newton, une couleur subtile, mais qui mélangée avec d’autres donne des tonalités complexes, semi-saturées), turquoise de cobalt (la teinte Winsor & Newton es t un peu agressive, mais très transparente), rouge vénitien (Daniel Smith, une couleur qui se prête merveilleusement aux mélanges), rose de poterie (Winsor & Newton), terre de Sienne (Sennelier), jaune de Naples (Daniel Smith, semisaturé), teinte neutre (Sennelier, je m’en sers comme couleur de base, mélangée avec d’autres couleurs).
REPÈRES Biennale
de Namur (Belgique), prix du jeune artiste - Salon d ’Uckange (France), 1 er prix Biennale d’aquarelle de Narbonne (France) International Watercolor Exhibition à Shenzhen, Chine - International Watercolor Exhibition à Fabriano, Italie Biennale internationale du Léon, France - Exposition personnelle à Guernesey - Exposition personnelle, Portico Gallery, Londres - Exposition personnelle, Tour Médiévale, Morestel. France IWS Portugal, Torres Vedras - « Interferance », exposition personnelle de la représentation permanente de la République de Moldavie auprès du Conseil de l’Europe, Strasbourg.
Ci-dessus : Moldovan Carpet. 55 x 60 cm. « Une œuvre peinte en plein-air dans un monastère. J’ai ajouté des éléments abstraits à l’arrièreplan. Les couleurs me rappellent celles d’un tapis traditionnel moldave. » Ci-contre : Venice in the fog. 2017.
28 x 38 cm. « Une des œuvres de ma série bleue. L’accent est mis ici sur l’atmosphère et les couleurs. La tour apparaît en silhouette. Je voulais montrer ici un mouvement en forme de vagues perturbant cet endroit tranquille.
de trouver la couleur de ce phénomène éphémère qu’est le brouillard, et même aujourd’hui, je ne peux pas dire que je sois satisfait du résultat.
ADA : Comment arrivez-vous à savoir quels sont les éléments que vous souhaitez garder dans votre composition et ceux que vous souhaitez supprimer ? E. G. : Cela est lié aux goûts esthétiques de chacun, qui dictent ce qu’il faut souligner dans une peinture et ce qu’il faut oublier. Si l’artiste a un peu de talent, son goût peut être façonné en cours de route. L’idée ou le message de l’artiste jouent aussi dans une composition. Par exemple, si l ’accent est au premier plan, le deuxième plan sera pauvre en détails. Habituellement, je peins la lumière en couleur, car c’est un motif récurrent dans ma peinture et elle peut exister dans toutes les couleurs. C’est l’inverse avec les ombres, que je considère comme un concept plus homogène, sans détails, sobre, tonal et mat. A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE-N OVEMBRE 2017
93
T A É R U A L E R T O
Eugeniu Gorean
« L’aspect le plus difficile de l’aquarelle est que l’on ne peut connaître le résultat final de son travail. On peut être parfois déçu et parfois plus impressionné qu’on ne l’imaginait. »
N Guernesey. « Mon séjour sur l’île britannique de Guernesey m’a fait découvrir la couleur verte dans une nouvelle lumière. Et cette impression a marqué ma palette… »
Winter Evening, London. 2017. 25 x 35 cm « Encore une œuvre de ma série bleue, qui montre un ciel d’hiver au crépuscule, dont la couleur donne une atmosphère bien particulière. L’eau reflète les nuances subtiles du ciel, le côté droit est dans le brouillard, et seules quelques lumières au second planmarquent la profondeur. »
ADA : En quoi votre style a-t-il évolué depuis vos débuts ? E. G. : J’ai commencé à exposer mes peintures quand j’étais encore étudiant à l’Académie des beaux-arts. Les tableaux que j’ai présentés à cette époque étaient influencés par ce milieu académique, mes sujets bien équilibrés tant au niveau de la couleur que de la composition, en bref des tableaux réalistes et même classiques, d ’une certaine manière. Chaque artiste suit son propre chemin. Pour moi, il est normal de se métamorphoser et de libérer son style ; cela signifie qu’il y a un processus créatif. De nombreuses tentatives et recherches d’expressions artistiques changent le langage plastique. Ces changements sont proportionnels aux expériences que j’ai accumulées. ADA : Le rythme et l’harmonie sont deux choses importantes pour vous… E. G. : Depuis douze ans que je peins, j’ai compris une chose : la notion d’harmonie n’est pas une formule exacte. Elle possède un statut éphémère. Le ry thme des lignes et le contraste des gestes rendent la peinture plus intégrée. Outre le fait que ma peinture est figurative, j’aime avoir des parties abstraites pour libérer l’œil à un certain moment d ’une construction logique. Très souvent, je trouve l’harmonie et le rythme dans mes voyages, où je peux découvrir des choses incroyables. Un exemple récent est mon séjour sur l’île britannique de Guernesey, où j’ai découver t la couleu r verte dans une nouvelle lumière. Et cette impression a marqué ma palette…
94
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE-N OVEMBRE 2017
ADA : Et comment voyez-vous vos futures pein tures ? Quelle direction aimerez-vous prendre ? E. G. : Malheureusement, ou heureusement, un processus créatif ne peut être prévu dans le temps, mais basé sur la passion pour les expériences techniques et les recherches artistiques. Aussi, je peux dire avec certitude que ma peinture va changer. Je ne pense pas que Malevitch, au début de sa carrière, pensait qu’il ferait des formes absolues comme Le Carré noir sur fond blanc. C’est pourquoi je considère la peinture comme un concept, comme une nouveauté ou une improvisation permanente qui repose sur le goût esthétique développé dans le temps et les capacités techniques. Dans mes fu tures peintures, j’aimerais rapprocher le sujet du spectateur. TEXTE : L AURENT BENOIST. PHOTOS : D. R.
LE TABLEAU GAGNANT DÉCRYPTÉ
LE SUJET peinture, le ciel constitue l’impression principale, les Cette aquarelle provient nuages diffèrent en tonalité de ma nouvelle collection, et en forme, par endroits le appelée la « Série bleue ». L’Angleterre et surtout Londres ciel s’intensifie, et à d’autres il s’agit juste d’ombre. Je n’avais m’ont impressionné par leurs pas l’intention de décrire nuances fraîches, du cobalt l’architecture avec exactitude ; au sombre, en passant par j’ai été plus impressionné par le pourpre foncé. J’y ai vu un la ligne extérieure du bâtiment. étrange contraste de couleurs Je voulais laisser le deuxième froides qui ont rempli et formé plan comme une silhouette un mélange homogène, et architecturale. à partir de là j’ai commencé à créer et développer une nouvelle collection. LA LIGNE D’HORIZON La ligne de l’horizon a été LA COMPOSITION éteinte à gauche de la peinture pour obtenir une profondeur, Le Parlement en bleu est l’une de mes nombreuses tentatives un côté mystérieux. Le contraste entre certains de peinture du Parlement sur bateaux, l’eau créent un rythme la Tamise. Pour cela, j’ai choisi semblable à celui du ciel. Cela une composition relativement me permet de structurer les simple. L’accent est mis sur lignes horizontales avec les la partie supérieure de la
Parlement en bleu, 37 x 53 cm
lignes statiques verticales du Parlement. LA TECHNIQUE Cette peinture est un exemple de peinture humide rapide combinée à la technique sèche. Ses caractéristiques ne sont mises en valeurque par les lumières et les quelques flashs des bateaux. L’idée principale de cette série de paysages londoniens était d’avoir une conversation avec le paysage urbain du XIXe siècle de Turner, contrairement à la réalité d’aujourd’hui. Donc, d’une certaine manière, c’est le XXIe siècle de Londres contre le Londres vu par Turner. J’ai toujours mentionné l’importance de l’aquarelle anglaise dans mon développement.
EXPÉRIMENTER AVEC LE BLEU J’aime beaucoup expérimenter. Dans ma « Série bleue », afin d’obtenir un bleu particulier, j’ai combiné trois cobalts différents de chez Winsor & Newton, Sennelier et Daniel Smith. J’ai ainsi obtenu un autre type de bleu de cobalt, assez saturé, avec peu de transparence, et qui devient mat en séchant.
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE -N OVEMBRE 2017
95
APPELS À CANDIDATURES
NOU VELLE RUBRIQUE
Les prochains concours internationaux LES CONCOURS ET LES EXPOSITIONS AVEC SÉLECTION EFFECTUÉE PAR UN JURY CONSTITUENT UNE EXCELLENTE MANIÈRE DE CONFRONTER SON TRAVAIL AU REGARD D’AUTRUI. S’ILS SONT ESSENTIELS POUR PROGRESSER, ILS SONT ÉGALEMENT L’OCCASION DE DIFFUSER SA PEINTURE. DANS CHAQUE NUMÉRO, NOUS VOUS DRESSONS LA LISTE DES CONCOURS AUXQUELS VOUS POUVEZ PARTICIPER. À VOS PINCEAUX !
PAPERWEST 2017-NATIONAL WORKS ON PAPER JURIED EXHIBITION Dates d’exposition : du 6 au 30 novembre 2017 Lieu d’exposition : Gittins Gallery, University of Utah, Salt Lake City, États-Unis. Frais d’inscription : 22,5 0 USD Prix : plusieurs prix Renseignements : collegeoffineartsuniversityofutah. submittable.com/submit/89984/ paperwest-2017-national-works-on-paper juried-exhibition Date limite d’inscription : 22 septembre 2017
154E EXPOSITION DE LA ROYAL GLASGOW INSTITUTE OF FINE ARTS
Orangeburg, NY 10962, États-Unis. Frais d’inscription : $30 pour 3 œuvres, $5 pour chaque œuvre supplémentaire (maximum 5 œuvres au total) Renseignements : jazztune.wixsite.com/smallworks Date limite d’inscription : 1er octobre 2017
ROI ART PRIZE
Dates d’exposition : du 20 au 24 novembre 2017 Lieu d’exposition : ROI Apartments 4 Bik Lane, Fitzroy North Victoria 3068, Australie. Pas de frais d’inscription Prix : 10 000 AUD Renseignements : www.roiapartments. com.au/roi-art-prize.html Date limite d’inscription : 8 novembre 2017
Dates d’exposition : du 11 au 26 novembre 2017 Lieu d’exposition : RGI Kelly Gallery, 118 Douglas Street, Glasgow G2 4ET, Royaume Uni. Frais d’inscription : £10 par œuvre (gratuit pour les membres de la RGI) Prix : plusieurs prixRenseignements : royalglasgowinstitute.oess.uk/entrydetails. aspx?exhID=39 Date limite d’inscription : 1er octobre 2017
ALTÉRITÉ, EXPOSITION À LA GALERIE 29
SURRENDER TO SMALL SMALL WORKS JURIED ART SHOW
137E EXPOSITION D’HIVER DE LA ROYAL SCOTTISH SOCIETY OF PAINTERS IN WATERCOLOUR
Dates d’exposition : 12 novembre 2017 Lieu d’exposition : Volition Gallery 103 S. Greenbush Road
96 A
QUARELLE N°
34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
Dates d’exposition : plusieurs expositions de janvier 2018 à janvier 2019 Lieu d’exposition : Galerie 29, 29 rue Nationale 74500 Évian, France. Pas de frais d’inscription Renseignements : www.galerie29.org Date limite d’inscription : par e-mail (
[email protected]) avant le dimanche 15 octobre 2017
Dates d’exposition : janvier 2018 Lieu d’exposition : Royal Scottish Academy
Ted Nuttall sera juge de WFWS43 – Southern Arizona Watercolor Guild, qui se tiendra au printemps prochain.
Building The Mound, Edinbourg EH2 2EL, Royaume-Uni. Frais d’inscription : £10 par œuvre (plus £30 de frais d’accrochage par œuvre) Prix : plusieurs prix, dont le City of Glasgow College Purchase Prize, d’une valeur de £8 000 et le Walter Scott Prize, d’une valeur de £5 000. Renseignements : www.rsw.org.uk/index.php Date limite d’inscription : octobre 2017
COLUMBIA THREADNEEDLE PRIZE FIGURATIVE ART TODAY
Dates d’exposition : du 31 janvier au 17 février 2018 Lieu d’exposition : Mall Galleries, The Mall, St. James’s, Londres SW1, Royaume-Uni. Frais d’inscription : £15 par œuvre (£10 pour les artistes de moins de 35 ans) Prix : de nombreux prix dont un premier prix de £20 000 avec une exposition à la Mall Galleries. Renseignements : columbiathreadneedleprize.com Date limite d’inscription : 22 septembre 2017
B. J.E SPOKE GALLERY 37 EXPOSITION ANNUELLE
Dates d’exposition : mars 2018 Lieu d’exposition : 299 Main Street, Huntington NY 11743, États-Unis. Juge : Cara Manas, assistant-conservateur (peinture et sculpture) au Museum of Modern Art. Frais d’inscription : 35 USD.
La prochaine édition d’Aquarell’Eure est prévuedu 5 au 13mai 2018.
Lilias August a remporté en 2017 le Dry Red Press Award de la Royal Institute of Painters in Water Colour.
Eban, ainsi que Roland Palmaerts, sont les deux invités d’honneur de la Biennale internationale d’aquarelle du Bassin d’Arcachon, qui aura lieu l’été prochain.
Renseignements : www.callforentry.org/
festivals_unique_info.php?ID=4592 Date limite d’inscription : 11 novembre 2017
ROYAL WATERCOLOUR SOCIETY CONTEMPORARY WATERCOLOUR EXHIBITION Dates d’exposition : entre mars et avril 2018 Lieu d’exposition :
Royal Watercolour Society Bankside Gallery 48 Hopton Street, Londres SE1 9JH Royaume-Uni Frais d’inscription : . Prix : plusieurs prix dont le David Gluck Memorial Award d’une valeur de £750 Renseignements : https://www. royalwatercoloursociety.co.uk Date limite d’inscription : décembre 2017
PRIX DE DESSIN ADELAIDE PERRY Dates d’exposition : du 2 au 29 mars 2018 Lieu d’exposition :
Adelaide Perry Gallery Croydon Centre for Art, Design & Technology, Corner of Hennessy and College Streets, Croydon NSW 2132, Australie Pas de frais d’inscription Prix : prix acquisitif de 25000 AUD, prix du public de 2000 AUD (non acquisitif). Renseignements : www.plc.nsw.edu.au/ microsites/adelaide-perry-gallery/adelaideperry-prize-for-drawing Date limite d’inscription : 10 janvier 2018
AQUARELL’EURE 2018 Dates d’exposition : du 5 au 13 mai 2018 Lieu d’exposition :
La salle du conseil municipal,
JOHN MOORES PAINTING PRIZE Dates d’exposition : de juillet novembre 2018 Lieu d’exposition :
Sandi Anderson a remporté le Prix House for an Art Lover d’une valeur de £1000 lors de la 136e exposition de la Royal Scottish Society of Painters in Watercolour en 2016.
le centre culturel (rue Verte), le lavoir, 27600 Gaillon, France. Frais d’inscription : aucun. Renseignements : adagge.fr/aquarelleure-2018/ Date limite d’inscription : 30 septembre 2017
WFWS43 – SOUTHERN ARIZONA WATERCOLOR GUILD Dates d’exposition : du 5 mai au 24 juin 2018 Lieu d’exposition :
SAWG Gallery 5420 E Broadway BLVD Ste # 240 Tucson, AZ 85711-3725, États-Unis. Juge : Ted Nuttall, AWS, NWS Frais d’inscription : 40 USD Renseignements :
wfws.org/upcoming-exhibition-wfws42 Date limite d’inscription : 1er décembre 2017
206 EXPOSITION DU ROYAL INSTITUTE OF PAINTERS IN WATER COLOUR E
Dates d’exposition : du 5 au 13 mai 2018 Lieu d’exposition :
Mall Galleries, The Mall, St. James’s, Londres SW1, Royaume-Uni. Frais d’inscription : £15 par œuvre au moment de l’inscription (£10 par œuvre pour les artistes de moins de 35 ans). Prix : de nombreux prix, dont le Prix Leathersellers de £1 000. Renseignements : www.mallgalleries.org. uk/call-for-entries/open-exhibitions/royalinstitute-painters-water-colours Date limite d’inscription : inscription en ligne entre le 2 et le 5 octobre 2017
The Walker Art Gallery, William Brown Street, Liverpool, L3 8EL, Royaume-Uni. Frais d’inscription : £25 par artiste Prix : plusieurs prix dont un premier prix de £25 000, quatre prix de £2 500. Renseignements : www.liverpoolmuseums. org.uk/walker/johnmoores/ Date limite d’inscription : novembre 2017
FONDATION FRANÇOIS SCHNEIDER Dates d’exposition : courant 2018 Lieu d’exposition :
Fondation François Schneider, 7 rue de la Première Armée 68700 Wattwiller, France. Pas de frais d’inscription Prix : 20 000 euros Renseignements :
www.fondationfrancoisschneider.org Date limite d’inscription : 1er novembre 2017
CONTEMPORARY ART AWARDS 2018 Exposition en ligne Lieu d’exposition : en ligne. Frais d’inscription : 40 AUD. Prix : 5 510 AUD de prix, dont un prix
de 3000 AUD. Renseignements :
www.contemporaryartawards.com Date limite d’inscription : 28 novembre 2017
BIENNALE INTERNATIONALE D’AQUARELLE DU BASSIN D’ARCACHON Dates d’exposition : du 4 a u 19 août 2018, vernissage le 4 août 2018 Lieu d’exposition :
Biennale internationale d’aquarelle du Bassin d’Arcachon Salle polyvalente, Place du Souvenir 33470 Le Teich, France. Frais d’inscription : 70 euros. Pas de prix Renseignements :
www.biennaleaquarelleleteich.com/ inscription-exposition/inscription-fr/ Date limite d’inscription : 17 février 2018
Rubrique réalisée par : Laurent Benoist / Photos : D. R. A QUARELLE N° 34 / S EPTEMBRE- NOVEMBRE 2017
97
L ES
PETITES ANNONCES DE L ’A QUARELLE RETROUVEZ DANS CES PAGES UNE SÉLECTION D’EXPOS, DE STAGES ET DE MASTERCLASSES DISPENSÉS AUX QUATRE COINS DE LA FRANCE. POUR ANNONCER VOS ÉVÉNEMENTS, VEUILLEZ NOUS CONTACTER AU 05 49 90 37 52 OU ENVOYER UN E-MAIL SUR
[email protected]
MASSIF DES VOSGES
S
Aquarelle • pastel • huile carnet de voyage • composition paysages • et autres thèmes…
Stages croquis, aquarelle ou pastel avec randonnées en alternance. ACCUEIL GÎTE DE SÉJOUR
Tél. 06 09 03 60 37
VOSGES EN MARCHE 88120 BASSE/LE RUPT Tél : 03.29.24.89.40 www.vosgesenmarche.com
STAGES AQUARELLE Année 2017
Michal JASIEWICZ (Pologne) à Belgodère en Corse du 16 au 20 oct. Joëlle KRUPA à Giens dansle Var du 3 au 5 novembre 2017. EBAN à Toulon dansle Var :
Stage ABSTRAIT Aquarelle/ Acrylique du 1er au 3 décembre 2017.
Année 2018
Eudes CORREIA (Portugal) à Toulouse du 3 au 4 février 2018. Eudes CORREIA (Portugal) à Toulon du 6 au 7 février 2018. Nono GARCIA (Espagne) à Toulon du 9 au 11 février 2018. Sonia PRIVAT à Toulon :
Nouveau : stage PORTRAIT technique mixte du 4 au 6 mai 2018. Stage CARNET DE VOYAGE du 8 au 12 mai 2018.
Jeannie Mc GUIRE (États-Unis) à Toulon du 28/05 au 1 /06/18. Corinne IZQUIERDO à Toulon du 8 au 10 juin 2018. ABEL et EJOUMALE (Inde) à Toulon septembre 2018. Michal JASIEWICZ (Pologne) à Venise octobre 2018.
Murielle Seys -
[email protected]
Tél : +33 (0) 612 280 826
http://miramart.murielleseys.fr/ https://www.facebook.com/at.murielleseys/
98
A QUARELLE N° 34 / S EPTEMBRE - NOVEMBRE 2017
er
Donna ACHESON-JUILLET (France) Patrick BRETAGNE (France) « Cassy » Sylvie CANALE (France) Jean-Pascal DUBOIL (France) Odette FELLER (Belgique) Eugen GOREAN (Moldavie)
Florence HUBERT (France) Pedro OROZCO TRISTAN (Espagne) Roland PALMAERTS (Belgique) George POLITIS (Grèce) Slawa PRISCHEDKO (Allemagne) Viktoria PRISCHEDKO (Allemagne)
Du 29 avril au 6 mai 2018 À La Loupe et à Thiron-Gardais
en Eure-et-Loir
n f o rm at io n � : www.facebook.com/FestivalAquarellePerche
et www.laloupe-tourisme.fr Votre interlocutrice est Camille BOBARD au 02 37 81 24 00 ou
[email protected]
L’AQUARELLE COMME UN PIGMENT LIQUIDE !
• QoR, une véritable aquarelle extra-fine • Un nouveau liant, l’Aquazol, permettant une forte concentration en pigments • 83 couleurs intenses et brillantes même après séchage • Excellente dispersion à l’eau • Applicable sur tous types de supports • Des médiums et apprêts pour créer de nouvelles textures et finitions en aquarelle
POUR TOUT RENSEIGNEMENT: Tél. 01 45 16 78 18
QOR EST DÉJÀ DISPONIBLE CHEZ LES REVENDEURS SUIVANTS : Adam Montparnasse
11 Bd Edgar Quinet 75014 PARIS Tél. 01 43 20 68 53
EN LIGNE Aquarelle & Pinceaux
site de vente internet aquarelleetpinceaux.com
Boesner Champigny
40, ave. du Général De Gaulle 94500 Champigny s/Marne Tél. 01 55 97 17 70
Distribution: OZ International www.oz-international.com
Couleurs du QuaiVoltaire
3 Quai Voltaire 75007 Paris Tel. 01 42 60 72 15
La Cité des Arts
Dalbe Grenoble
Planet Art
Zone Decoparc, 8 rue Edison, 35760 MONTGERMONT Tel. 02 99 23 88 33
5, rue de la liberté 38000 GRENOBLE Tel. 04 76 44 50 31
ZI Voglans rue Pré Meurt, 73420 Voglans Tel. 04 79 88 91 58
www.QoRcolors.com
©2016 Golden Artist Colors, Inc., New Berlin, NY 13411 USA
