LECCIONES PARA EL ACTOR PROFESIONAL; MICHAEL CHEJOV EL METODO Le técnica de Michael chejov basa sus principios en el cuerpo y la psicología del actor como elementos inseparables que se sostienen el uno en el otro: el movimiento, que contiene una emoción, un sentimiento y un recuerdo. El movimiento y el cuerpo del actor son producto de su psicología, su percepción percepción del mundo y de los seres que lo rodean. Según él, cuerpo y psicología se encuentran en algún lugar de las regiones subconscientes subconscientes de nuestro espíritu creativo. El único elemento perturbador es el intelecto que interfiere en nuestras emociones, en nuestro cuerpo, en nuestro arte. Para conseguir un equilibrio hay que entrenar nuestro cuerpo por un lado y nuestras emociones por otro y excluir al máximo el intelecto, lo que no quiere decir volverse tonto sino confiar en nuestras emociones y en nuestro cuerpo. Cuando consigamos esto el intelecto se volverá útil para comprender mejor cada detalle. Considera el método como algo imprescindible para salvar el teatro. En la actuación de hoy en día hay una tendencia a concentrarlo todo, los actores acercan su personaje a su propia personalidad en lugar de profundizar sobre la personalidad personalidad del personaje. personaje. Esto provoca provoca una cantidad cantidad de actores que se limitan a ser ellos mismos simplemente. No hay mas espacio ni mas temas para este tipo de teatro. El teatro debe ir en sentido contrario, que es el de agrandarlo todo; el punto de vista, el modo de de expresión, los temas de las obras obras y antes que nada, nada, la forma de interpretar. interpretar. " el método es necesario para cultivar el teatro, no solo para nosotros sino para nuestros hijos. Y éste es mi verdadero impulso para insistir en el método allá donde esté, porque tengo mucho miedo de la visión de aquello en lo que se convertirá el teatro, sabiendo lo bello que puede ser" El teatro, la representación es la idea, el "que", el terreno de los sentimientos, la atmósfera y la voluntad. No hay que preguntarse preguntarse el "porqué" de de este "que" eso no nos ayudará ayudará en la interpretación, interpretación, la pregunta adecuada es el "cómo". El método nos acerca a este "cómo". En el metodo de M. Chejov, todo tiende a romper las barreras de nuestro cuerpo, de nuestra voz y de otras habilidades que nos llevan a este "cómo". A la hora de empezar cualquier lectura de una obra, o cualquier improvisación, cualquier actuación, lo primero en que hay que fijarse, lo primero primero que hay que definir definir es la "Atmósfera". Ésta no no nace de los sentimientos del actor sino de los sentimientos latentes en la representación en sí misma, que no pertenecen a nadie nadie sino a la representación. representación. Es muy muy difícil de definir este concepto concepto de atmósfera atmósfera pues forma parte del terreno de los sentimientos, es una sensación, no puede resolverse desde el intelecto, solo se puede experimentar. Como actores tenemos que aprender, que entrenarnos a descubrir en nuestra vida diaria las diferentes atmósferas que nos rodean, y al leer obras de teatro intentar descubrir cual sería la atmósfera más expresiva para cada escena. En el escenario, hemos de imaginarnos i maginarnos aquella atmósfera que queremos crear, imaginar de manera objetiva que está en el propio aire. Una vez consigamos esto hemos de mantenernos en armonía con esta atmósfera imaginaria y podremos hacer lo que queramos, expresar lo que queramos sin forzar las emociones. No hemos de buscar buscar motivos personales personales en nuestro interior para demostrar demostrar emociones. " El actor debe debe ser capaz de llorar sin motivo alguno, simplemente porque es actor; (...) tan pronto como imaginemos la atmósfera y la imaginemos en el aire que nos rodea para luego movernos en ella en armonía, entonces nuestros sentimientos surgirán y podremos actuar con placer."
Michael chejov tiene una profunda fe en el teatro, en su profesión. Considera que todos los problemas sociales y culturales pueden ser resueltos por medio " de nuestra bella y misteriosa gran profesión: el teatro". La atmósfera es el medio por el cual podemos hablar al público acerca de las cosas sin decir palabras ni escucharlas. " a través de nuestra profesión, somos capaces de abrir los corazones de nuestros semejantes" La imaginación es indispensable para el actor. Ha de ser capaz de imaginar, de crear en su mente los diferentes personajes y no alimentarse de clichés porque sino la actuación se vuelve muy pobre. Para conseguir desarrollar esta imaginación lo primero es tener una vida emocional desarrollada y flexible. Si nos alimentamos de recuerdos personales corremos el riesgo de perder el control de nuestra actuación. Hemos de conseguir liberar las emociones y sentimientos de nuestro subconsciente a la hora de interpretar. Este tipo de emociones son las que interesan en el teatro. Aquellos sentimientos que ya han sido asimilados que conscientemente no provocan ninguna emoción en nosotros, y solo conseguiremos liberarlos si tenemos la capacidad para concentrarnos, que es otra cuestión muy importante. Si somos capaces de concentrarnos entonces la capacidad de reír, llorar ( influido por la propia imaginación de cada uno) vendrá mas rápidamente, y de manera mas sencilla. " Es solo una cuestión de perfeccionamiento y preparación" Para ejercitar la concentración, propone una serie de ejercicios. Consiste en ejercitar el proceso de fundirnos con las cosas. Se trata de la única forma de conocer realmente las cosas. "Este proceso de concentración, de fusión, es la única manera de conocer verdaderamente las cosas; Cuando nos acercamos al objeto con nuestro cuerpo físico, lo conocemos de una forma un tanto vaga, cuando lo "asimos", lo conocemos mejor, pero cuando somos tomados por él, conocemos y experimentamos todas las cualidades del objeto en cuestión." Con este tipo de ejercicio no solo conoceremos con exactitud las cosas que nos rodean, también requiere de una gran concentración y nos ayuda a alimentar nuestra imaginación. A través de la concentración la imaginación se vuelve tan concreta que conseguimos que el mundo de la imaginación resulte tan real y preciso que para representar un sentimiento no habrá que recurrir a un recuerdo, ya que nuestro mundo imaginario será igual de concreto. Para ejercitar la imaginación nos propone diferentes propuestas: "1) visualizando algo en mi imaginación que sé que existe, pero que no puedo ver con mis ojos. 2) Imaginando cosas que nunca he visto , pero de las que sí sé algo. 3) Creando algo que es puramente producto de la imaginación. (siendo la tercera la más interesante y enriquecedora) Otro elemento clave en el teatro es la inspiración. Esta viene cuando todo lo demás se olvida: el método, la técnica, el papel, el autor, el publico, todo. " Sucede entonces un milagro: que la obra, el personaje, comienza a existir de forma independiente." A la hora de empezar una escena en una improvisación: primero habrá que definir la atmósfera, la imaginación, la incorporación y a continuación la elaboración y la técnica hasta llegar al momento de inspiración. "Hubo un tiempo en el que era cierto que el proceso creativo y la inspiración surgían por si mismos, pero ahora ya no sucede así. Ahora hemos de ajustar nuestro organismo, física y mentalmente, al proceso de spiración, y, por lo tanto, se hace necesario un método. (...) Uno de nuestros enemigos es el intelecto y el otro, el no saber que se necesita una técnica y un método." Cuando empezamos a considerar este punto que llamamos proceso creativo, la inspiración se convierte, naturalmente, en nuestro último y único objetivo. "Debemos considerar este punto como el centro, en cuya periferia se sitúan muchas puertas a través de las cuales debemos mirar. Si miramos a través de estas
puertas en el momento de inspiración obtendremos el método" Todos los aspectos de la técnica de Michael Chejov son estas puertas. La atmósfera es una de estas puertas que podemos abrir, otra puede ser la de la imaginación y otra la del sentimiento de facilidad. El sentimiento de facilidad es según M.Chejov una de la cualidades indispensables para el actor. Se llama sentimiento de facilidad porque es un sentimiento de ligereza y facilidad que se expresa con fuerza. Esto quiere decir que cualquier cosa que hagamos en el escenario, debe dar la impresión de ser terriblemente intensa, pero el "cómo se hace" debe resultar siempre artísticamente liviano y fácil. La gran finalidad durante el proceso creativo es conseguir convertirnos en seres engrandecidos, enriquecidos, seres que se expanden y que alcanzan todos nuestros deseos creativos y nuestras emociones sobre el escenario. "Sobre el escenario tenemos la posibilidad de descubrir que todos los momentos pueden estar llenos de las cosas más profundas e intimas que se alojan en nosotros, pero que no somos capaces de experimentar o expresar en nuestra vida diaria" Y esta es precisamente una de las razones por las cuales las personas van al teatro. Todos los diferentes aspectos del método se pueden entender desde el punto de vista de transformar lo exterior en la vida interior y de convertir la vida interior en suceso externo. Cada uno debe investigar sobre el método hasta crear una visión de este propia, una visión que se podrá desarrollar de acuerdo con su individualidad. Pero hay cualidades, como el sentimiento de facilidad, que cualquier actor debe tener permanentemente para poder aplicarlas cada vez que su individualidad creativa quiera hacerlo y de la manera que quiera hacerlo. Otra de estas cualidades es el "sentimiento de forma" " El sentimiento de forma que tengo en mente es, naturalmente, la forma exterior, que parte de nuestro cuerpo; debemos reflexionar sobre nuestro cuerpo como una forma, debemos experimentarlo como una forma" Hemos de investigar con nuestro propio cuerpo como si empezáramos de nuevo, dandole la máxima importancia a todas las partes de éste. Cuando despertemos de nuevo a esta sensación de nuestros cuerpos como forma, obtendremos una nueva y clara capacidad para manejar y gobernar nuestros cuerpos de la forma mas expresiva posible y seremos capaces de inspirarnos a través de ellos. Nuestro cuerpo dejará de ser un obstáculo para nosotros para convertirse en un camino hacia la inspiración. M.Chejov separa los tipos de movimientos en dos: Stacatto y Legato. En stacatto los movimientos se ejecutan con precisión y con cierta rigidez. Un actor debe ser capaz de fijar su cuerpo como si se tratase de una piedra. Desarrollar esta habilidad le brindará la posibilidad de expresar mas intensamente. El polo opuesto es el Legato. Todos los movimientos son lentos y fluidos, nada se detiene en el cuerpo, todo es como agua y nada brusco. "En escena resulta fundamental poder cambiar de inmediato de un tipo de existencia a otro, tanto en los movimientos como en el habla. Nuestra habla depende en gran medida de nuestra habilidad para movernos. No podemos hablar bien si nos movemos con torpeza." Para trabajar nuestro cuerpo, hay que tener consciencia de lo que M.Chejov llama el centro. De este centro han de salir todos los movimientos. La energía, la fuerza que nos impulsa sale directamente de este centro que podemos localizar en distintos puntos de nuestro cuerpo. Una vez hemos identificado nuestro centro y trabajado con él y desde él, podemos jugar a cambiarlo de lugar. Según el carácter de cada personaje, tendrá un tipo de cualidad de movimiento y su centro se situará en un lugar u otro. Conseguir identificar la posición del centro de un personaje nos ayudará a la hora de entender como es este personaje, como se mueve, como piensa etc. Otro punto del este método es por lo tanto
la caracterización. Cada tipo de personaje tiene un carácter, gestos con unas calidades especificas, determinadas atmósferas... "Tenemos medios en nuestra alma de intérprete para captar la atmósfera intuitivamente, estos es todo lo que necesitamos. Al mismo tiempo, tenemos que hacer los gestos con calidades y tenemos la caracterización." El camino más fácil sería basarnos en clichés, pero nosotros tratamos de descubrir el camino hacia las cosas intensas, vitales y originales. "Se trata de simplificar las cosas sin perder nada. Para hacer un gesto lo utilizamos todo; nuestra voluntad." "Al aplicar las calidades despertamos los sentimientos, al crear la atmósfera envolvemos la obra con algo que es su alma y a partir de eso, creamos para ella un enfoque nuevo e ingenioso" Los actores se sentirán así muchos más libres para expresarse que si están bajo la presión de los clichés o si se dejan conducir por el intelecto. El actor ha de sacrificar al tiempo que actúa su propia personalidad. "lo personal en escena debe ser eliminado de nuestro arte y la forma de acabar con ello consiste en confiar en la fuente de las cosas transformadas que ya hemos experimentado." Cuando estamos en escena, cuando sentimos se trata de nuestros propios sentimientos pero son aquellos que provienen de cierta parte de nuestro subconsciente de nuestra vida y que aparecen totalmente transformados. La utilización de estos sentimientos transformados no puede ser negativa para nuestra actuación, ya que estos han sido sometidos a un complicado proceso y estos sentimientos están en nosotros y son "nosotros". Este proceso ha hecho que seamos capaces de volvernos objetivos respecto a estos sentimientos, conseguir liberarnos de ellos. Gracias a ello, podremos disponer de ellos en nuestra actuación sin el riesgo de perder el control. Hay que tener presente que todo se puede convertir en un gesto con diferentes calidades. El gesto nos muestra mucho más sobre la psicología del personaje que si nos sentamos a pensar en el modo en el que el personaje saca sus conclusiones etc. La atmósfera misma es siempre un gesto. Tenemos gestos en toda la psicología humana. El objetivo también puede ser un gesto, es algo que queremos obtener, y la formar mas sencilla de experimentarlo es haciendo un gesto. El gesto es un campo en el que hay total libertad para expresar y existe una infinita variedad de gestos. "Podemos tomar cualquier aspecto del método y transformarlo en gesto." Si hablamos de la caracterización podemos ver que todo personaje es a su vez un gesto. No se trata de empezar a analizar un personaje, es mucho mas ventajoso sintetizar todo lo que nuestra individualidad creativa es capaz de provocarnos, influenciada por algo que ha sido creado de forma totalmente intuitiva, que es el gesto. "El gesto se hará con nuestra voluntad y se creará por sí solo" Cualquier gesto es la herramienta mas liberadora para el actor, ya que podemos variar los gestos a nuestro antojo. Con la creación del gesto, exploramos el personaje cada vez con mayor profundidad. Cada actor puede utilizar el gesto a voluntad. Michael Chejov nos habla también del "Gesto psicológico". Consiste en pensar un gesto determinado y desarrollarlo interiormente. Este tipo de ejercicio hará surgir en nosotros sentimientos, emociones e impulsos de voluntad. "El gesto exterior y el gesto psicológico no se contradicen, y no deben ser el mismo." M.Chejov nos aconseja utilizar el gesto psicológico como trampolín. Nos ayudará a liberar nuestra psicología y así aparecerán muchos matices. El gesto debe ejercitarse hasta que se convierta en una parte agradable de la psicología. Así aunque nuestro cuerpo físico no podrá hundirse en la tierra ni elevarse por el cielo, nuestro cuerpo imaginario si podrá.
Existe otra cosa en la naturaleza de los actores que M. Chejov llama el "arquetipo". Este es la representación que consideramos modelo de cualquier manifestación de la realidad. Pensar en el arquetipo de un personaje nos puede ayudar a acercarnos a este personaje y a entenderlo mejor. La imaginación participa en esto con mucha fuerza ya que cada uno puede identificar un arquetipo diferente para un mismo personaje. El arquetipo no participa de una manera visible en mi acción, pero me afecta y me brinda ciertos sentimientos que me ayudan a enriquecer al personaje. " El arquetipo lleva al gesto y el gesto lleva al arquetipo". En contraposición a los gestos y al movimiento hay la pausa. Para que un actor sea capaz de mantener una pausa en escena tiene que desarrollar una capacidad de continuidad sin continuar en realidad. Esto se resume según Michael Chejov en una palabra: sostenimiento. Este sostenimiento es algo que la naturaleza del actor necesita. "No puede haber en el escenario una pausa sin esta forma de sostener." El proceso de sostenimiento es algo que sigue a la acción, al discurso etc, pero hay también otro tipo de sostenimiento que le precede y que es igual de importante. Antes de empezar a hablar hay que empezar interiormente, no de golpe. Esto es igual que con el gesto, que hay que empezarlo primero interiormente. La pausa en escena es siempre el resultado de lo que acaba de ocurrir, o de la preparación de un suceso venidero, nunca viene sola. Para conseguir esta sensación de sostenimiento debemos tener primero un impulso interior, luego la palabra o acción y luego el sostenimiento. Las pausas y los contrastes en el movimiento y en general en toda la actuación son lo que mantendrán cautivado al público que no aguanta una línea recta durante mucho tiempo. Michael Chejov propone estos pasos para poner en pie una obra: 1) el escenario debe ser bien conocido por el actor 2) hay que encontrar primero las atmósferas más importantes, en la imaginación, y luego improvisando en concreto cada una de ellas bajo las indicaciones del director. 3)Cuando ya se tenga esa base, el director podrá empezar a dirigir. M.Chejov nos ha mencionado que hay cualidades que el actor debe poseer como capacidades permanentes. Una es el sentimiento de facilidad, otra es el sentimiento de forma y la tercera es el "sentimiento de totalidad". "El actor debe tener la capacidad de la obra como un todo, dentro del cual hay pequeñas " Esta capacidad es importante desde diversos puntos de vista. Si el actor desarrolla esta capacidad, no se sentirá perdido en la multitud de detalles, sino que estos se convertirán en partes orgánicas de la totalidad. Se trata de algo puramente psicológico con lo que se puede captar todo. Este sentimiento de totalidad le indicará el ritmo adecuado al actor que se sentirá totalmente integrado. Se utiliza este sentimiento de totalidad principalmente con los compañeros en escena, por lo tanto, requiere un entendimiento y una sensibilidad mutua y muy sutil entre los compañeros. Michael Chejov nos propone este método ya que considera que aunque el talento es definitivamente necesario, también es indispensable un largo período de entrenamiento y trabajo del actor. Me han interesado mucho estas transcripciones de las clases de M. Chejov. Me parece un buen planteamiento el de este método y he aprendido bastantes cosas que podré utilizar a la hora de ensayar y entrenarme.
