Estetica Historia Arte 1

Jurema Luzia de Freitas Sampaio e Luciana Finco Mendonça

Estética e História da Arte

Sumário CAPÍTULO 1 – O que é estética? ....................................................................................01 Introdução ....................................................................................................................01 1.1 Parâmetros de Estética ..............................................................................................01 1.1.1 Polivalência da Estética ....................................................................................01 1.1.2 Parâmetros clássicos de composição estética ......................................................03 1.1.3 Parâmetros básicos de composição estética ........................................................05 1.1.4 Princípios de organização da composição ..........................................................06 1.2 O Belo ....................................................................................................................07 1.2.1 Beleza na Filosofia da Arte ..............................................................................07 1.2.2 Beleza e Sensação ..........................................................................................08 1.2.3 Beleza e Forma ..............................................................................................09 1.2.4 Beleza e atitude estética ...................................................................................10 1.3 O Feio ....................................................................................................................11 1.3.1 O Mal e a Fealdade .......................................................................................11 1.4 Relações entre Arte, Beleza e Estética .........................................................................14 1.4.1 O que é Arte? .................................................................................................14 1.4.2 O Poder da Arte ..............................................................................................14 Síntese ..........................................................................................................................17 Referências Bibliográficas ................................................................................................18

Capítulo 1 O que é estética?

Introdução Nesse primeiro capítulo vamos discutir alguns conceitos de Estética, a partir de conceitos filosóficos e conhecer os principais parâmetros de distinção artística. Mas, você saberia definir exatamente o que é Estética? A propósito, existe uma utilidade para a Estética? Para responder a essas questões vamos percorrer p elas principais obras da Filosofia ocidental que se dedicam à compreensão da Estética e, consequentemente, da Arte. Primeiro, vamos verificar os significados mais comuns de estética que, frequentemente, são empregados no cotidiano. Dessa maneira, poderemos identificar os pontos em comum entre a perspectiva filosófica e a comum e, assim, compreender os diferentes significados que o termo adota, de acordo com o contexto. Em seguida, vamos conhecer os parâmetros estéticos a partir da noção de equilíbrio, escala, dominância e harmonia. A partir do entendimento desses elementos vamos discutir a construção dos conceitos de beleza e feiura e como suas diferentes formas de concepção interferem no gosto e nas preferências das pessoas. Entendendo que bonito ou feio admitem diferentes concepções, devemos questionar sobre as variáveis que determinam o que é bonito ou feio em nossa sociedade. E, finalizando o capítulo, vamos analisar as intersecções entre a beleza, a estética e a arte e como esses elementos influenciam – e são influenciados – na sociedade contemporânea. Vamos começar?

1.1 Parâmetros de Estética Em muitos lugares e em diferentes situações utilizamos o termo estética, em geral, para nos referirmos à beleza de alguém ou de alguma coisa. Mas, será que o uso do termo como sinônimo de belo está correto? Nesse tópico vamos analisar as diferentes concepções sobre a estética e conhecer os principais significados que ela admite em diversas esferas que compõem o cotidiano, principalmente, a arte. A qualificação das coisas e das pessoas pela sua beleza, feiura ou estranhamento é bastante recorrente. Entretanto, quais são os elementos de composição estética que permitem qualificar algo como bonito ou feio? Ainda, esses critérios são objetivos fixos e imutáveis? Esses são os principais questionamentos que nortearão a discussão desse tópico.

1.1.1 Polivalência da Estética Você já deve ter ouvido o termo estética ser empregado em diferentes situações. Mas, afinal, esse termo possui apenas uma definição? Se consultarmos um dicionário, encontraremos três definições para estética: a primeira refere-se ao campo da Filosofia que se dedica ao estudo do belo e da beleza artística. Já a segunda, trata da estética como um sinônimo de beleza, relacionando a harmonia das formas e/ou das cores. A terceira definição relaciona estética à atividade profissional que trata da beleza física de uma pessoa (HOUAISS, 2004, p. 315).


Dessa maneira, temos três diferentes concepções e empregos para a estética. A terceira concepção de estética é, sem dúvida, a mais recorrente no nosso cotidiano. Os profissionais de estética, comumente chamados de esteticistas, são frequentemente requisitados quando as pessoas estão preocupadas com a própria aparência e querem “melhorá-la”. A segunda concepção relaciona a estética à harmonia das formas e das cores de algo, como quando nos referimos a uma linguagem, uma escola ou um movimento artístico, por exemplo, a estética soviética, estética cinematográfica e etc. E, por último, a concepção de estética como um campo de estudo específico da Filosofia, que agrega a compreensão da beleza e da arte. Apesar da provável distinção, essas definições se interseccionam em um ponto: todas se referem à aparência de algo. Tanto na concepção filosófica quanto nas concepções populares, a estética revela a forma como percebemos alguma coisa. Dessa maneira, podemos compreender que a estética é a maneira como interpretamos e sentimos algo com que entramos em contato. Esse contato ocorre por meio dos nossos sentidos, seja pela visão, audição, paladar, tato ou olfato.

VOCÊ SABIA? Estética é um derivado do termo grego aisthésis, que significa percepção e sensibilidade. Portanto, desde a sua origem, a estética se dedica a compreender tudo aquilo que decorre a partir do contato com o mundo exterior pelo aspecto sensível, como as artes. Dessa maneira, a Estética se constitui em um campo de estudo da Filosofia que abrange, entre outros fenômenos, as artes em suas diferentes dimensões, como a produção, a fruição e a recepção da obra artística. Entretanto, ao contrário das concepções populares, a estética filosófica (ou apenas Estética), não se detém, exclusivamente, à compreensão da aparência das coisas ou na definição dos critérios do que é ou não bonito. Pelo contrário, a Estética é um campo que abarca uma série de teorias que busca entender algumas questões como: a) o que é a beleza?; b) como foram construídos os critérios de beleza em voga em determinados contextos?; c) porque algo nos parece agradável e, portanto, bonito?; d) qual a mensagem transmitida quando algo é qualificado como belo? Perceba como cada um desses questionamentos são extremamente difíceis de serem respondidos com exatidão justamente por mobilizarem critérios subjetivos. Portanto, de maneira geral, a Estética discute e busca sistematizar os critérios pelos quais julgamos a aparência das coisas. E é importante esclarecer que ela se dedica ao estudo dos critérios de julgamento das aparências e não ao mero julgamento pela aparência. Pode não parecer evidente à primeira vista, mas existe uma enorme diferença entre as duas afirmações. Em vez de julgar pela aparência das coisas, a Estética pretende compreender o porquê da aparência de algumas coisas despertarem sensações específicas nas pessoas, desencadeando os diferentes julgamentos.

VOCÊ O CONHECE? Alexander Gottlieb Baumgarten (1714 – 1762) foi um filósofo alemão a quem se credita a “paternidade” da Estética como campo de estudos da Filosofia. Em seu trabalho “Meditações Filosóficas Sobre as Questões da Poética”, publicado em 1735, Baumgarten introduziu e desenvolveu o termo estética e, posteriormente, desenvolveu uma obra totalmente dedicada ao tema, intitulada Estética (1750).

De maneira geral, a discussão proposta pela Estética, sobre os critérios de julgamento da aparência das coisas, remete a dois conceitos evocados com frequência no nosso cotidiano: a beleza e a feiura. Mas o que é o belo e o que é o feio? Antes de adentrarmos nessa discussão, vamos tentar compreender os principais pontos que nos levam a julgar alguma coisa como bonita ou feia. A seguir, vamos conhecer e discutir alguns desses elementos que podem legitimar um julgamento sobre a aparência de algo e recorrentemente utilizados em diferentes composições estéticas, sejam de natureza artística ou arquitetônica.

1.1.2 Parâmetros clássicos de composição estética Como dito anteriormente, existem alguns elementos que possuem a capacidade de legitimar um julgamento sobre a aparência de algo e que, consequentemente, influenciam fortemente na composição artística e arquitetônica. Entretanto, os critérios de legitimação da beleza (Estética) também se empregam à arte, como é o caso da chamada “arte Kitsch” ou quando nos referimos à distinção entre arte erudita e arte popular. Logo, para compreendermos o processo de qualificação dos critérios de beleza, pensemos nos diferentes processos de validação da arte, segundo Ocvirk et al. (2014). Comecemos, então, conhecendo os três componentes básicos de uma obra de arte: tema, forma e conteúdo. Entende-se por tema como o “o quê”, ou melhor dizendo, o tópico, o foco ou a imagem que compõe a obra. Por exemplo, nas artes visuais os temas se referem a objetos, pessoas ou ideias. A representação do visível e do material, como objetos e pessoas, compõe o rol das imagens objetivas ou figurativas, que costumam ser facilmente identificáveis e possuem estreita relação com o mundo real. Em contrapartida, as ideias e sentimentos são frequentemente representadas nas artes por abstrações. Nesse caso, o tema pode se revelar à primeira vista com facilidade para o apreciador, uma vez que a obra não é composta, necessariamente, de representações realísticas (OCVIRK et al., 2014, p. 8). Há autores que trabalham com uma linha evolutiva da abstração, como apresentado na figura a seguir: A Evolução da Abstração Abstração Objeto fisíco como referência

Naturalismo

Realismo

Estilo totalmente representativo com detalhes específicos (muito objetivo).

Estilo representativo mas com ênfase na essência emocional, não em detalhes específicos (mais subjetivo).

SemiAbstração

Estilo parcialmente representativo, mas simplificado e com ajustes.

Abstração figurativa

Estilo baseado em um objeto físico, mas simplificado e com ajustes para parecer não figurativo.

Figura 1 – A evolução da abstração. Fonte: Ocvirk et al, 2014.

Abstração não figurativa

Estilo não representativo, iniciado sem qualquer referência a um objeto físico. Baseado puramente no desenho. A forma e o conteúdo atuam como tema.


VOCÊ SABIA? As diferentes concepções de beleza motivaram diversos estudos sobre o tema, que podem ser divididos em duas grandes correntes teóricas. Uma delas o objetivismo estético, que compreende que os próprios objetos são dotados de propriedades (formas) que lhes caracterizam como belos. Em contrapartida, os adeptos do subjetivismo estético acreditam que a beleza não está nas coisas, mas nos sujeitos que a apreciam.

Já o conteúdo se refere ao “porquê”, ou seja, a intenção do artista, a comunicação ou o significado por trás da obra. Isso equivale à mensagem ou o estado de espírito do artista ao elaborar a obra e a sua interpretação pelo apreciador. Em geral, o conteúdo é o elemento da arte mais difícil de apreender, uma vez que ele depende combinação da experiência do apreciador à sua percepção do tema e das formas que compõem a obra. O ideal é que a interpretação do apreciador esteja alinhada aos propósitos do artista, porém, isso nem sempre acontece devido às variáveis contextuais que podem interferir no processo de apreciação (OCVIRK et al., 2014, p. 9). Contudo, dos três componentes básicos da arte, o que mais nos interessa é a forma. Com isso não estamos desvalorizando os outros elementos, pelo contrário, a partir da análise e da compreensão da forma, conseguimos ter indícios sobre o tema e o conteúdo da obra. Portanto, a forma pode ser compreendida como “o como”, ou seja, o desenvolvimento da obra, sua composição ou materialização. Muitas informações e mensagens podem ser transmitidas a partir da análise de cores, linha, texturas e etc. bem como da disposição dessas informações na obra como um todo (OCVIRK et al., 2014, p. 9). Dessa maneira, podemos concluir que forma, tema e conteúdo possuem uma estreita relação. Porém, quando o artista alcança o equilíbrio entre os três componentes de maneira que eles se tornem inseparáveis e reciprocamente interativos, pode-se dizer que a obra tem unidade orgânica. Veja o exemplo da Figura 2.

TEMA “o que”

CONTEÚDO “por que”

FORMA “como”

Figura 2 – Gráfico de representação da combinação equitativa dos elementos em uma unidade orgânica. Fonte: Ocvirk et al., 2014. CASO

Apesar da unidade orgânica ser o objetivo final da maioria das composições artísticas, ela nem sempre segue uma ordem ou hierarquia entre os elementos. Por exemplo, um artista pode pintar uma tela motivado pelo sentimento (conteúdo) despertado pelo contato com um objeto (tema), representado de maneira abstrata, enfatizando as cores e linhas (forma). Nesse caso, o ponto de

partida foi figurativo, o produto abstrato e há o predomínio da forma na composição, e ainda assim, a obra final pode constituir uma unidade orgânica. Dessa maneira, ao analisar uma obra artística, é preciso considerar dois grupos de fatores que a compõem: os elementos da arte e os princípios de organização visual, que conheceremos a seguir.

1.1.3 Parâmetros básicos de composição estética Como vimos anteriormente, analisar a forma é a maneira mais eficaz para apreender o tema e o conteúdo de uma composição, pois ela revela as escolhas feitas pelo artista e que expressam, da melhor maneira possível, a sua mensagem ou sentimento. Ainda, essas escolhas também podem informar sobre as condições de criação artística de um determinado contexto, como as técnicas e tecnologias disponíveis. Mas, quais são os elementos que compõem a forma? Segundo Ocvirk et al. (2014), esses elementos são todos aqueles que “dão forma” à obra, que incluem linha, textura, cor, figura e valor tonal. De maneira geral, os artistas e os críticos especializados em artes caracterizam cada um desses elementos da seguinte maneira: •

Linha: é um elemento visível resultante do percurso do ponto em movimento que cruza

uma área. As características físicas da linha se relacionam intimamente com os demais elementos da arte e dependem deles. Podem ser retas, curvas e etc; •

Textura: refere-se a superfície de um objeto, que pode ser sentida ou simular a sensação

ao toque (áspero, macio e etc.). A textura pode ser produzida por forças naturais ou por meio da manipulação que o artista faz dos elementos da arte; •

Figuras: são áreas que se destacam de seu entorno por causa dos limites, definidos ou

sugeridos, seja pela diferença de valor, cor ou textura; •

Valor tonal: é a percepção da luz para além das cores, ou seja, a reflexão da luminosidade,

o que comumente chamamos de brilho, ou seja, o grau relativo de clareamento ou de escurecimento;

•

Cor: é a resposta visual aos diferentes comprimentos de onda de luz solar, pois tudo

acima do violeta (ultravioleta) e abaixo do vermelho (infravermelho) é imperceptível aos olhos humanos.

Figura 3 – Espectro de cores vis íveis. Fonte: Shutterstock, 2015.


Esses são os elementos básicos que dão forma à uma obra visual. Porém, a disposição aleatória desses elementos não constitui, necessariamente, uma composição. Isso porque a ela pressupõe a organização equilibrada, harmônica e rítmica dos elementos visuais, como veremos no item a seguir.

1.1.4 Princípios de organização da composição Como discutido anteriormente, a composição de uma obra visual, seja uma tela, uma escultura ou um projeto arquitetônico, deve obedecer aos princípios básicos de organização, ou seja, a ordenação equilibrada, harmônica e rítmica dos elementos visuais, considerando o espaço disponível. A composição, portanto, deve seguir os sete princípios de organização: harmonia, variação, equilíbrio, proporção, dominância, movimento e economia. Segundo Ocvirk et al. (2014, p. 9), podemos caracterizar cada um desses princípios da seguinte maneira: •

harmonia: pode ser compreendida como a combinação de todos os elementos, baseada

no contraste ou nos padrões da disposição individual de cada elemento que compõe a obra, com o objetivo de criar uma unidade coerente e agradável (OCVIRK, 2014, p.85); •

variação: é o princípio que busca a harmonia da composição mobilizando a diferença

e o desequilíbrio. A variedade é o princípio que combina os elementos com o objetivo de complexificar a obra. Tanto nas artes visuais quanto na música a variedade é utilizada de maneira a tornar a obra mais interesse para o apreciador, introduzindo elementos distintos em cada parte/fase da composição evitando assim a padronização previsível ou monótona (OCVIRK, 2014, p.62);

•

equilíbrio: pode ser definido pela graduação e distribuição dos pesos visuais dos

elementos que compõem a obra. O equilíbrio interfere no dinamismo visual, incorrendo em composições estáticas e simétricas (padronizadas, frias, relaxantes e cheias de semelhanças) ou dinâmicas e assimétricas (variadas, quentes, excitantes e cheias de contrastes) (OCVIRK, 2014, p. 64); •

proporção: é o uso de formas e tamanhos que contrastam entre si. Esse princípio refere-

se à relação comparativa entre duas partes ou de uma parte em relação ao todo, a partir da concepção de quantidade, grau ou escala. Geralmente, a proporção determina a sensação de profundidade (OCVIRK, 2014, p. 73); •

dominância: é a parte da composição que se refere à ênfase e ao peso visual de um

elemento na obra. A dominância pode ser revelada na escolha da cor, da linha, da textura e etc., e se relaciona ao contraste e ao ponto focal (OCVIRK, 2014, p. 80); •

movimento: é o princípio que cria a sensação de dinâmica e de velocidade. Na linguagem

visual, o movimento pode ser literal (arte cinética, por exemplo) ou representativo (uso de linhas diagonais, por exemplo) (OCVIRK, 2014, p. 80); •

economia: é o princípio de simplificação da obra, não necessariamente no sentido da

abstração, mas de eliminação dos excessos da composição. Isso significa compor com eficiência, sem rebuscamento, de maneira que o conteúdo seja expresso de forma simples e objetiva (OCVIRK, 2014, p. 82). Sabemos que a análise da disposição dos elementos possibilita a apreensão da mensagem transmitida pela obra. Entretanto, como os elementos e princípios da composição podem nos ajudar a compreender os parâmetros de beleza? Primeiro, lembremos que a Estética é o campo de estudo da Filosofia que nos permite compreender os parâmetros de julgamento de beleza. Considerando que a arte costuma estar vinculada à beleza (observemos o termo “ belas artes” para termos ideia desse vínculo) podemos inferir que a partir da concepção dos parâmetros de composição visual

pode-se distingui-la das outras coisas. Ainda, assim como os parâmetros de legitimação da arte foram se transformando no decorrer da história, a Estética também se modificou, abarcando novas teorias e concepções sobre o belo. Adiante, conheceremos um pouco mais sobre essas transformações conceituais.

1.2 O Belo Conhecidas as diferentes concepções e empregos da estética, nesse tópico vamos nos aprofundar nos conceitos básicos que compõe a estética filosófica, ou melhor, a Estética. Já sabemos que a Estética se dedica, entre outros temas, ao estudo dos parâmetros de julgamento da aparência, em especial da beleza e das artes. Dessa forma, faz-se necessária a compreensão da construção desses conceitos ao longo da história para então compreendermos as relações que ela estabelece com as outras áreas do conhecimento. Nesse tópico serão apresentadas, em linhas gerais, os principais conceitos de beleza elaborados pelos filósofos para compreender como eles interferem nos julgamentos das pessoas e na produção artística. Primeiro, vamos compreender a experiência da beleza, ou seja, as sensações que ela nos desperta. Em seguida, trataremos das formas que nos remetem às sensações agradáveis vinculadas à beleza.

1.2.1 Beleza na Filosofia da Arte As primeiras discussões sobre o belo foram desenvolvidas pela Filosofia da Arte (um campo de estudo anterior à Estética), especialmente por três autores: Platão (428-348 a.C.), Aristóteles (384-322 a.C.) e Horácio (65-8 a.C.). A partir da obra desses autores foram desenvolvidas duas tendências que nortearam as discussões sobre o belo e as artes ao longo da história: a beleza clássica (objetiva, universal e imutável) e a beleza romântica (subjetiva, variável e relativa). Essas concepções predominaram e influenciaram as obras de alguns movimentos e, apesar de bastante distintas, também foram combinadas por alguns artistas e suas obras. A partir da obra de Platão (428-348 a.C.) é inaugurada a dicotomia entre a essência e a aparência ou entre o sensível e o inteligível. De maneira geral, Platão postula que a essência, ou seja, a verdadeira razão para existência, não está nas coisas, mas no mundo inteligível, pois são ideais. O mundo sensível é incerto e está em constante transformação e o que percebemos são apenas aparências, ou imitações imperfeitas das essências. Dessa forma, as artes como representação do mundo sensível (aparente) se revelam imitação da imitação. Segundo Platão, a beleza é uma ideia, uma abstração. Interessante observar que a etimologia do termo “ideia” se refere à “forma” ou “imagem”. Portanto, aquilo que se julga belo assim o faz devido à sua semelhança com a ideia racional de beleza. Além disso, o Belo, na concepção de Platão, está diretamente vinculado à noção do bom e do verdadeiro. Isso significa que, para o filósofo, a aparência parte do mundo sensível, passando pela moral revelada na busca incessante pelo bem, atingindo a esfera intelectual, quando se alcança o mundo inteligível com a apreensão da essência das coisas. Portanto, a concepção de beleza de Platão possui estreita relação com as esferas moral e política. Assim, a arte (expressão da beleza) que não estivesse comprometida com esses preceitos deveria ser subjugada em benefício do equilíbrio da sociedade. Podemos inferir, dessa maneira, que para Platão a arte possui utilidade prática de servir ao conhecimento verdadeiro (essência) e, portanto, deve mobilizar os recursos abstratos da Matemática, lançando mão das formas ideais (geométricas, por exemplo).


VOCÊ QUER LER? A obra O Banquete, também conhecida como Simpósio, de Platão, aborda temas como amor a partir da relação estabelecida entre beleza e prazer sensível. Sócrates narra os ensinamentos que teria recebido de uma mulher misteriosa e concluem que o amor nada mais do que a busca pelo belo. O texto se encontra em domínio público e pode ser encontrado em: . Aristóteles, discípulo de Platão, se contrapõe às ideias de seu mestre em relação à beleza e às artes. Contudo, Aristóteles se opõe à ideia de que a essência das coisas habita, exclusivamente o mundo ideal (platônico), mas que estão contidas no mundo sensível. Assim, Aristóteles admite que a observação e o empirismo, combinados à atenção às coisas sensíveis, são componentes do conhecimento. A arte, na concepção aristotélica é produto da imitação ( mimesis) da natureza pelo homem, que ao copiar a natureza acaba por produzir algo novo. Lembrando que arte e beleza estão intrinsecamente ligadas na Filosofia, na concepção aristotélica, o belo não constitui um exemplo moral a ser seguido, pois a beleza pode representar exageradamente tanto um ser de caráter elevando quanto um inferior. Isso significa que para Aristóteles o belo incorpora o feio e o repulsivo, ainda que essas sensações não sejam prazerosas ou agradáveis. Entretanto, apesar do predomínio da discordância entre Platão e Aristóteles, ambos concordam com o uso da Matemática como alternativa segura de representação do belo. Horácio rompe com boa parte dos preceitos de Platão e Aristóteles. A começar pela sua concepção sobre o belo, que se opõe à verdade com a finalidade de promover o bem. Outro ponto em que o filósofo se distingue de seus antecessores é na questão de aparência e essência. Para Horácio, as formas de representação de objetos (palavras, por exemplo) em nada se assemelham ao objeto a que se refere, pois elas se referem a significados construídos. Portanto, para decodificar o significado dessas representações é necessário conhecer previamente a estrutura e os símbolos que representam os objetos. Por exemplo, em um quadro a cor vermelha causa ao apreciador um efeito distinto da cor azul. Para compreender esse fato, segundo Horácio, é preciso saber dessas convenções previamente, pois elas são produto de uma faculdade superior, capaz de controlar o valor de verdade atribuído a cada uma delas, de acordo com as reações do apreciador. Portanto, a arte implica em instrução e ensinamento, pois a sua produção mobiliza saberes complexos.

1.2.2 Beleza e Sensação Assim como estética, a beleza não é um termo facilmente definível. Compreendemos que o termo “estética” assume diferentes concepções quando empregado no sentido popular e filosófico, por exemplo. O mesmo ocorre com o termo beleza. De maneira geral, podemos compreender a beleza como algo que nos agrada, ou seja, algo prazeroso. Mas, será que qualquer coisa prazerosa pode ser considerada bela, no sentido filosófico? Vejamos: o prazer de saciar a fome com uma refeição bem preparada pode nos ser agradável ao ponto de ser prazerosa, certo? Mas podemos caracterizar esse ato como belo? Portanto, podemos inferir que o belo é um tipo específico de prazer, ou seja, a beleza nos desperta uma sensação agradável, peculiar. E qual seria essa sensação? Segundo os filósofos da antiguidade greco-romana, é possível compreender a sensação como o efeito que tudo ao nosso redor exerce sobre nosso corpo e que sentimos, diretamente. Porém, já distinguimos as sensações fisiológicas prazerosas – como saciar a fome com uma boa refeição ou ao praticar uma atividade física como correr ou dançar – das sensações prazerosas de fruição da beleza. Mas, como elas se distinguem?

Em primeiro lugar, vamos nos ater à análise da sensação prazerosa fisiológica. Podemos dizer que uma flor é bela, nos referindo à sua forma, mas não podemos dizer o mesmo de seu aroma, por mais que ele nos agrade. Portanto, um mesmo objeto pode despertar sensações prazerosas, mas nem todas as sensações, por mais agradáveis que sejam, podem ser consideradas belas. Isso acontece porque a sensação despertada pela beleza prescinde de uma série de atividades, que incluem a sua apreensão, ou melhor dizendo, sua compreensão ou discernimento. Voltando ao exemplo da flor, o aroma desperta a sensação agradável de maneira passiva, pois não precisamos entender o cheiro para julgá-lo, apenas captamos a sua presença pelo olfato. A resposta sensorial ao aroma da flor é praticamente automática, pois nos limitamos a ser influenciados pelo objeto. Entretanto, quando compreendemos algo como belo, como a flor, nós captamos a sua forma, prestamos atenção e a analisamos, para então julgarmos. Ou seja, ao contrário da sensação, em que os objetos nos afetam e, portanto, somos passivos diante desse contato, na experiência do belo o que nos causa prazer não são as sensações, mas a atividade de apreensão que exercito a partir delas. Na concepção dos autores da antiguidade greco-romana, na apreensão da beleza a sensação é um dos componentes do julgamento, pois o ponto de partida da atividade está no apreciador: ao entrar em contato com o objeto, o apreciador se interessa por ele e passa a analisar a sua forma e cada um dos elementos, como a cor ou as linhas dos contornos, individualmente ou em relação à composição. Portanto, segundo os filósofos greco-romanos clássicos, o prazer provocado pelas sensações se distingue do prazer provocado pela experiência da beleza pela natureza desses fenômenos, passiva e ativa, respectivamente. Assim, quando nos referimos à beleza de uma música, de uma tela, de uma obra arquitetônica ou de um jardim, estamos expressando o nosso interesse e a nossa compreensão sobre esses objetos. A experiência do belo trata-se de um prazer decorrente da atenção e da análise objetiva de um objeto, estimulado por sensações que incentivam o pensamento e a compreensão de algo. Usando como referência o provérbio “a beleza está nos olhos de quem a vê”, compreendemos que a apreciação da beleza é uma atividade que se inicia e se desenvolve em nós mesmos, a partir das sensações despertadas pelo objeto.

1.2.3 Beleza e Forma Já vimos que na tradição filosófica existem duas tendências analíticas sobre a beleza: a primeira, aristotélica, considera que as principais formas de beleza são a ordem, a simetria e a definição, determinando, portanto, a objetividade da natureza. A segunda tendência, platônica, admite a determinação da beleza pela experiência do prazer decorrente das sensações. Lembrando que a forma, na linguagem visual, é composta pelos seus elementos básicos (cor, linha, textura, figuras e valor tonal) organizados de acordo com os princípios de composição (harmonia, variação, equilíbrio, proporção, dominância, movimento e economia), percebemos como cada uma das perspectivas de beleza releva a importância da forma. Portanto, é preciso considerar que a beleza não está nos elementos individuais que compõe a forma, mas na própria forma. A chamada bela forma faz parte da experiência da beleza, mas não se encerra em si mesma. Nos parâmetros clássicos, a beleza reside no resultado das relações formais de ordem, simetria e proporção da composição. Desde a Grécia antiga à modernidade, essas relações formais influenciam diretamente nas composições visuais, sobretudo, na arquitetura. A seguir retomaremos as características básicas das relações formais clássicas de composição: •

ordem: pode ser caracterizada pela disposição metódica dos elementos visuais de acordo

com as relações previamente estabelecidas. A geometria é a formalização mais recorrente nas composições clássicas. Considerando as edificações gregas, a ordem pode ser classificada como: • • •

dórica: caracterizada pela simplicidade, imponência e severidade; jônica: caracterizada pela graciosidade, fluidez, leveza e sinuosidade; coríntia: caracterizada pelo rebuscamento, complexidade e ostentação.


Figura 4: Capitéis de diferentes ordens arquitetônicas. Fonte: Creative Commons, Domínio Público, 2015. •

•

•

simetria: é a semelhança entre os objetos dispostos diametralmente em uma composição.

A simetria de uma composição é relacionada frequentemente à harmonia e à beleza; proporção: de maneira geral, é a comparação entre duas medidas e o seu resultado determina uma escala. Uma das medidas mais conhecidas e que perdura desde a Grécia antiga é conhecida como seção áurea; graça: é um conceito mais recente e se refere ao movimento do belo. Trata-se de uma característica da composição visual que revela a fluidez e a harmonia do movimento. A representação visual que mais se aproxima desse conceito é a trajetória da linha curva.

1.2.4 Beleza e atitude estética Para que a beleza seja apreendida esteticamente, é necessário que os elementos da composição estejam conectados de maneira harmoniosa. Lembrando que as sensações estão subordinadas e, ao mesmo tempo, realçam e reforçam a forma, pois os elementos agradáveis despertam o interesse e incentivam a experiência estética. Na experiência estética as sensações desempenham um importante papel na apreciação da composição, auxiliando na distinção de cores, sons e texturas que compõem a obra. Em contrapartida, na atitude comum as sensações apenas informam sobre a presença e as condições do ambiente ao redor do corpo. Apesar das sensações predominarem em nossas vidas, nem todas refletem a experiência estética. Isso porque a experiência do belo age em estado de exclusão e não de regra. É preciso compreender que a rotina e o cotidiano não permitem que as pessoas passem a maior parte de seu tempo contemplando e fruindo a beleza ao seu redor. Pelo contrário, na rotina as pessoas estão preocupadas com questões materiais, ou seja, com as coisas propriamente ditas. A contemplação desinteressada da beleza, pressuposto da experiência estética, torna-se um evento casual e esporádico. Portanto, a ela não pode ser considerada um evento comum, mas um evento extraordinário. Isso porque a atitude comum é dominada pelo senso prático e pela ação, ou seja, tudo com o que entramos em contato nos remete à realidade. As coisas que vemos, ouvimos, tocamos e compreendemos na atitude comum nos informa sobre os objetos reais. Em contrapartida, as aparências e as representações, mesmo quando elaboradas a partir da realidade, não nos remetem, necessariamente, à realidade.

Como vimos, a atitude estética para os filósofos greco-romanos é, portanto, uma postura que o apreciador adota de contemplação distanciada, que consiste no abandono da atitude comum cotidiana para nos determos exclusivamente à apreciação da aparência (forma). Essa postura é alcançada a partir da transição do sujeito prático (aquele que age no mundo, objetivamente) para o sujeito contemplativo, desinteressado pela realidade. É como se a pessoa se elevasse e observasse a aparência do alto, destacado da realidade. Essa analogia de elevação nos remete à ideia de sublime, que na Estética se refere às coisas arrebatadoras, grandiosas e magnânimas. O sublime desperta na pessoa diferentes sensações, porém, intensamente: de medo e de admiração, de atração e de repulsa e etc... O sublime, acima de tudo, desencadeia sensações que nos fazem refletir sobre a condição humana em um contexto superior à nossa existência. O sublime constitui o primeiro limite da beleza: se o belo é aquilo que nos incentiva a apreender, discernir e compreender, o sublime é aquilo que, justamente, desafia nossa capacidade de compreensão. O sublime é o incompreensível e o inconcebível, que pode nos arrebatar e nos amedrontar. Portanto, o sublime admite o mal e o feio e, portanto, admite a livre expressão.

1.3 O Feio Vimos no tópico anterior que na Estética, o belo é a apreensão da forma a partir das sensações e o sublime é o limite da beleza, ou seja, a transcendência da capacidade de apreensão humana das formas e das sensações. A partir do sublime, inaugura-se, no campo da Estética, uma nova forma de expressão artística, que admite o mal e o feio na composição. Dessa maneira, cabe-nos o questionamento sobre o que é o mal e o feio na Estética. Seriam esses conceitos apenas a oposição do bem e do belo? Ou haveriam gradações entre esses extremos? Ainda, como a arte se relaciona com a representação da fealdade e como isso nos afeta? Vamos discutir também conceitos como utilidade do belo e do feio nas composições visuais.

1.3.1 O Mal e a Fealdade Ao longo dos anos, a Filosofia se deteve na concepção do belo que determinou, em certa medida, a evolução histórica e conceitual da Estética. Entretanto, o mesmo não ocorreu com o feio. Relegada em segundo plano, a feiura foi marginalizada tanto pelos filósofos quanto pelos artistas, que a compreendiam, exclusivamente, como a oposição ou a ausência da beleza. Dessa maneira, a evolução conceitual da beleza na história humana revela muito do gosto e das preferências de diferentes contextos. Entretanto, Eco (2007) argumenta de que os indícios de gostos e de preferências das pessoas comuns correspondiam aos gostos de seus artistas de maior evidência de seu tempo não passam de suposições. Isso porque, na hipótese de um viajante, vindo do espaço, adentrar em uma galeria de arte contemporânea e observar os rostos femininos pintados por Picasso e ouvir que os visitantes os julgam belos, poderia causar a impressão equivocada de que na realidade cotidiana os homens de nosso tempo consideram desejáveis mulheres que se assemelhassem àquelas pinturas. Contudo, o suposto viajante espacial, segundo Eco (2007), poderia corrigir sua opinião se visitasse um desfile de moda ou um concurso de Miss, onde outros modelos de beleza feminina são celebrados. Outra consideração do autor sobre a beleza e a feiura é de que o registro histórico desses dois valores está limitado à civilização ocidental, pois para as civilizações arcaicas existem registros de achados arqueológicos e artísticos, mas não de textos teóricos que informem os parâmetros de beleza ou de feiura. Para um ocidental, uma máscara ritual africana pode parecer pavorosa, enquanto para o nativo poderia representar uma entidade benévola. Ainda, em outras culturas que dispões de um extenso aparato filosófico e poético (como a indiana ou a chinesa), podemos


experimentar traduzir esses registros de maneira a tentar compreender os parâmetros estéticos vigentes em determinados contextos, mas é preciso admitir as possíveis falhas de tradução.

Figura 5 – Máscara ritual africana. Fonte: Shutterstock, 2015.

Mas, afinal, o que podemos compreender como belo ou feio, já que esses conceitos estão em constante transformação? Quando comparamos teorias a um quadro ou uma construção arquitetônica da mesma época, podemos perceber que aquilo que é proporcional em um contexto, não o é em outro. Usando como exemplo a proporção, um filósofo remetia às dimensões e à forma de uma catedral gótica, enquanto um teórico renascentista pensaria em um templo quinhentista, cujas partes era reguladas pela seção áurea. Dessa maneira, os conceitos de beleza e de feiura estão estritamente ligados ao seu contexto, porém, isso não significa que não existiram tentativas de estabelecer seus parâmetros. A cultura grega, por exemplo, não considerava que o mundo era necessariamente todo belo. Sua mitologia narrava feiuras e erros, e para Platão, a realidade sensível era uma imitação da perfeição do mundo das ideias. Entretanto, a arte grega via nos deuses os seus modelos de beleza suprema, como pode-se observar nas estátuas representando os habitantes do Olimpo.

Figura 6 – Representação grega clássica. Fonte: Shutterstock, 2015.

Entretanto, essa relação se inverte com a ascensão do cristianismo, cuja concepção se referia à beleza do universo como a representação da beleza do seu criador, logo, todas as coisas seriam belas (inclusive as feias). Porém, se belo e bom são conceitos indissociáveis, ao afirmar que todo o universo é belo significa dizer também que todo o universo é bom. Santo Agostinho (354 – 430) justifica a contradição do mal na criação divina como parte da ordem das coisas. Em “A Ordem” argumenta que haveria desarmonia em um edifício cuja disposição das partes estivesse incorreta, porém, o erro faria parte da ordem geral da composição. Posteriormente, ao analisar as capacidades da matéria, Santo Agostinho retoma a questão do feio, sob o ponto de vista de que toda matéria, por mais inadequada que seja, é dotada da capacidade de conformar (moldar-se) o bem. Em “A Estética do Feio” (1853), de Karl Rosenkrantz, existe a primeira tentativa de conceituar o feio, que estaria, segundo esse autor, alinhada ao mal moral. Compreendendo o mal e o pecado como o oposto do bem, ou seja, o feio seria definido como o “inferno do belo”. Porém, quando Rosenkrantz transcende as abstrações e passa a se dedicar à fenomenologia das várias encarnações do feio, admite-se uma relativa autonomia do feio. I sso porque a partir da análise minuciosa do feio da natureza, do espiritual e, especialmente, o feio das artes (e as incorreções artísticas), a ausência de formas, a assimetria, a desarmonia, o desfiguramento, a deformação e o repugnante, o feio ultrapassa o belo em suas categorias e, portanto, sua existência não poderia ser explicada como a simples oposição ao belo, entendido como harmonia, proporção ou integridade (ROSENKRANTZ, 1984 apud ECO, 2007, p. 16). Um dos sinônimos de feio é o grotesco, termo derivado do italiano que se refere à gruta ou cova. Porém, o grotesco é um estilo ornamental inspirado em formas encontradas em algumas ruinas da Roma antiga. Os monumentos, conhecidos como grottes, são ornados com linhas entrelaçadas por flores, frutas, máscaras e animais incomuns. Veja Figura 7:

Figura 7 – Ornamento do pátio do Palazzo Vecchio, Florência, Itália. Fonte: Shutterstock, 2015.

Dessa maneira, o ornamento grotesco pode ser caracterizado, de maneira geral, pela representação do fantástico e do extravagante. Descoberto na Itália no século XVI, o grotesco se difunde por toda a Europa e transforma-se em adjetivo para designar aquilo que é bizarro e extravagante, além de ser um estilo recorrentemente utilizado por artistas de diferentes movimentos ao longo da história.


1.4 Relações entre Arte, Beleza e Estética A partir das transformações sofridas pelos parâmetros de julgamento estético, podemos inferir que a beleza e, consequentemente, a arte são fortemente influenciadas pelos contextos em que se inserem. Entretanto, essa influência seria unidirecional ou haveria uma relação de reciprocidade entre esses conceitos? Ainda, as formas de concepção de arte estão diretamente relacionadas ao objeto ou à postura adotada diante dos objetos? Esses questionamentos nortearão o item a seguir.

1.4.1 O que é Arte? Vimos que a experiência estética é decorrente de uma postura ativa do apreciador diante das sensações causadas pelos objetos. Vimos também que a atitude estética se distingue da atitude comum, e a partir dessa primeira atitude que podemos contemplar a forma ou a aparência do objeto e, finalmente, desfrutar da experiência do belo e da arte. Entretanto, a sensação de estranham ento a uma obra pode indicar uma composição visual inovadora ou revela uma atitude comum diante de uma nova proposta, como a admissão do feio e do grotesco como expressão artística? A preocupação da arte moderna, especialmente, transcende as formas e a composição que legitimam a arte e sugerem alternativas de produção artística, rompendo com as tradições. Os movimentos artísticos revelam a estética de seu tempo e, considerando as substanciais transformações pelas quis passaram a sociedade, não caberia a repetição e a manutenção de regras fixas e engessadas da arte. Era preciso, portanto, reinventar os conceitos e as formas de produção artística. Dessa maneira, a arte passou a incorporar a liberdade na sua criação, pois não havia sentido na reprodução de padrões e normas pré-estabelecidas. Entretanto, a autonomia da arte não revela um acontecimento, mas um processo que se desenvolveu ao longo de toda a história humana, desde as pinturas rupestres às performances contemporâneas. Apesar de toda a ruptura com os padrões anteriores e da busca pela inovação, a arte preservou uma característica intrínseca à sua natureza: a revelação da experiência humana em um dado contexto. Isso significa que a arte é também um registro histórico sobre a cultura dos grupos sociais.

1.4.2 O Poder da Arte Já sabemos da estreita relação estabelecida entre arte e história, em que a arte registra e documenta a história humana e suas formas de viver. Portanto, a arte é uma prática social e, como tal, está submetida às relações de poder. Aliás, as próprias regras e convenções que interferem na produção artística conforma a relação conflituosa da sociedade. A arte pressupõe a comunicação e a interação entre a pessoas e isso nos remete ao fato de que os artistas são pessoas que estão inseridas nesse contexto conflituoso. Lembremos que a experiência estética é despertada pelas sensações, ou seja, pelos estímulos do ambiente externo. Logo, a experiência humana, invariavelmente, será impressa na arte e revelará os conflitos do seu tempo. Pode-se dizer que a arte, apesar de sempre ter refletido a sua época, nem sempre o fez de maneira inteiramente consciente. Porém, a certa altura da história da humanidade, alguns grupos sociais, especialmente os detentores de poder, serviram-se da arte para propagar ideologias e consolidar o poder. Esse foi o caso de diversos regimes autoritários que se faziam valer de uma estética/arte próprias para disseminar e fortalecer suas visões distorcidas e equivocadas sobre o mundo.

VOCÊ QUER VER? O filme Arquitetura da Destruição , de Peter Cohen, trata dos intentos de Adolf Hitler durante seu governo na Alemanha, desde a sua chegada ao poder à derrocada alemã na Segunda Guerra, passando pela tese da “solução final” para os judeus. A produção busca acompanhar a ambição artística do Führer, que se considerava um “artista na política”. Como um arquiteto disposto a “embelezar” o mundo, Hitler ambicionava reconstruir a sociedade alemã através da arte. O filme procura ainda mostrar como a arte, a propaganda e a mídia podem ser facetas importantes de uma ideologia política. Disponível em: . Apesar da aparente distinção entre o nazismo e o regime soviético, ambos se assemelham consideravelmente no que se refere à utilização da arte como ferramenta de propaganda de ideologias e de reforço de poder, conhecidos como estética totalitária. A estética soviética, conhecida como realismo soviético, desempenhou um importante papel durante os anos 1930 e 1960, a partir de uma pretensa política de Estado para estética, imposta em diferentes expressões, desde a literatura ao design. O realismo soviético se alinha aos pressupostos autoritários de orientação stalinista, mas se disseminou entre outros países. Apesar das motivações questionáveis da arte soviética (e das outras artes totalitárias), bem como das suas formas de censura e de eliminação dos artistas que se opunham à essa política, a estética soviética deixou o cartazismo (Figura 8) como importante legado para as artes gráficas, as obras de Serguei Eisenstein na constituição de uma nova linguagem cinematográfica, entre outros.

Figura 8 – Cartaz na estética soviética. Fonte: Shutterstock, 2015.


VOCÊ QUER VER? Para conhecer mais sobre o legado da estética soviética nas artes, especialmente na arquitetura, veja esse pequeno vídeo sobre a exposição “Uma Modernidade Paralela: Arquitetura Soviética”, elaborado a partir de uma exposição realizada sobre as principais construções da ex-URSS, construídas entre 1956 a 1991. Veja em Arte 1, no link: .

Síntese Síntese Chegamos ao final do primeiro capítulo da disciplina Estética e História da Arte. Nesse capítulo discutimos os principais conceitos sobre a Estética e as relações estabelecidas entre Arte e Estética na sociedade. Também tivemos a oportunidade de: •

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Conhecer as diferentes concepções e empregos do termo estética; Verificar que a estética filosófica, ou Estética, se dedica ao estudo da beleza e das artes; Conhecer os principais elementos de composição visual, bem como os seus princípios de organização;

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Discutir as diferentes concepções sobre o belo e o feio;

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Compreender qual é a relação entre beleza e sensação, forma e atitude estética;

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Verificar as relações entre estética, arte e política.

Referências Bibliográfcas AGOSTINHO, Santo. A Ordem . Tradução e introdução de Augustinho Belmonte. São Paulo: Paulus, 2008 (Coleção patrística, n. 24). ARISTÓTELES. Poética . Tradução de Eudoro de Sousa. Coleção Os Pensadores. São Paulo: Abril Cultural, 1973. ARTE1. Uma modernidade paralela: Arquitetura Soviética. Disponível em: . Acesso em: 5 jan 2016. CREATIVE COMMONS/Domínio Público. Capitéis. Disponível em: < https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Classical_orders_from_the_Encyclopedie.png#/media/File:Classical_orders_ from_the_Encyclopedie.png >. Acesso em: 5. jan 2016. DOCSFILMES. Arqu itetura da Dest ruição (Architecture of Doom Nazism). Disponível em: . Acesso em: 5 jan 2016. OCVIRK, Otto G. et al. Fundamentos da Arte: teoria e prática. Tradução Alexandre Salvaterra. 12 ed. Porto Alegre: AMGH, 2014, p. 11-15. ECO, Umberto. História da Feiúra. Rio de Janeiro: Record, 2007. PLATÃO. A Repúb lica . Tradução de Anna Lia Amaral de Almeida Prado. São Paulo: Martins Fontes, 2006. BOLD>O Banquete. Disponível em: . Acesso em: 5 jan 2016. ROSENKRATZ, J.K.F. Estetica del brutto. Bolonha, 1984. HORÁCIO (Quinto Horácio Flaco). Arte Editora, 1993. HOUAISS, Antonio.

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Dicionário da Língua Portuguesa.

Rio de Janeiro: Objetiva, 2004.

Estetica Historia Arte 1

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