Impresionismo El impresionismo en el la música fue sin dunda una consecuencia de los movimientos que le precedieron (nacionalismo y posromanticismo) dónde cada vez existían más libertades, la búsqueda de la identidad en la música elevando el valor de la originalidad sobre la disciplina y el pensamiento del artista como un héroe llevo a la práctica recursos completamente frescos para una época en la que se vivía bajo la lenta pero continua evolución de la música occidental. El uso de elementos tales elementos como escalas exóticas o artificiales, mayor variedad y riqueza en los elementos rítmicos, el uso de melodías que parecían cambiar constantemente de centro tonal, el cada vez más frecuente uso de las formas libres o asimétricas así como la experimentación con la orquestación desembocó posteriormente en lo que ahora conocemos como impresionismo donde la experimentación es una de la principales características de este movimiento.
Características de la música impresionista
Un tempo más libre, y con capacidad de un rubato a gusto del intérprete (siempre respetando las indicaciones del autor).
Utilización de los modos, introduciendo numerosas variaciones de cada uno, e incluso inventándolos (como en la obra Syrinx para solo de flauta, de Claude Debussy). No sólo se utilizan modos clásicos, ya que también es muy frecuente encontrar escalas propias de diferentes etnias (Como en el tercer movimiento de Ma mère l'oye de Maurice Ravel, Laideronnette, l'impératrice des Pagodes).
Experimentar con el timbre, convirtiendo a este en el factor más importante de la música impresionista. De esta manera, se conseguían efectos nunca vistos antes en la música. El preludio de Claude Debussy La Cathédrale Engloutie es un claro ejemplo de los diferentes timbres y sensaciones que pueden escucharse en una misma obra, interpretado aquí por Maurizio Pollini.
Autores como Gabriel Fauré o Camille Saint-Saëns se atrevieron a experimentar con la música de su época, y a crear algo diferente a las obras de entonces. Pero fue Claude Debussy el primero en crear una música totalmente diferente a la anterior, y nunca antes escuchada. Principales autores impresionistas Claude Debussy
Sin duda, Claude Debussy es el autor impresionista por excelencia, creador de una de las músicas más poderosas y más originales de la historia, que nos transporta a espacios más propios de la mitología de la Antigua Grecia, o de los sueños, siempre sin olvidar la esencia del París bohemio de finales del siglo XIX. Su música es en cierto modo "brumosa", evocando cantos lejanos y ecos, y constantemente cambiante e impredecible. Otra de las características esenciales en su música, es la creación de un motivo musical sencillo y repetitivo al comienzo, que va variando a lo largo de toda la obra, y aunque no se perciba a simple vista, está presente en todas y cada una de las frases de esta. En muchas ocasiones se le ha considerado Simbolista, en lugar de Impresionista. Se dice también que Debussy prefería a pintores acuarelistas como Constable y Turner antes que a los pintores impresionistas de su época, y que era en sus cuadros en los que encontraba lo que él quería hacer con su propia música. Aun que él lo reprochaba mucho a Debussy se le atribuye como el padre del impresionismo, esencialmente se dice que este movimiento nació a raíz de su obra preludio a la siesta de un fauno. Aquí una breve descripción de la forma:
No pudiendo asignar a la obra una forma tradicional, salvo por alguna analogía arbitraria, es posible al menos definir las líneas esenciales de su estructura: se divide en seis partes de longitud desigual. En la primera parte, el célebre tema es expuesto cuatro veces por la flauta, primero sin acompañamiento, luego con una armonización provisional, una armonización de espera. Hasta la tercera exposición no conquista su armonía verdadera, implícita, ideal. La cuarta modifica ligeramente el ritmo. La segunda parte, aunque recoge el tema inicial también presenta un segundo motivo, expresado por el oboe. La tercera parte se funde sobre un eleménto melódico nuevo, de un prodigioso pero misterioso
lirismo. La cuarta parte vuelve al primer tema, variando la figuración rítimica, por lo que no reaparecerá en su aspecto primitivo hasta la quinta parte, que podríamos calificar <>. La coda constituye la sexta y última parte , concluyendo la obra sobre una suerte de esquematización del tema, es decir, de reducción de éste a sus notas tonalmente esenciales, como si no fuese más que la sombra de sí mismo, ilustrando así el verso que cierra el poema de Mallarmé.
