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A perda do conceito original de arte Adriana Tabosa
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“A arte ama o acaso, e o acaso ama a arte.” art e.” (Et. Nic., VI, 4, 1140 a)
O termo arte, derivado do latim ars, comporta o sentido originário do grego arte manual, ofício, habilidade (adquirida pelo estudo ou pela prática), trabalho, obra. Em sua acepção mais geral, arte significa todo conjunto de regras capazes de dirigir uma atividade humana qualquer. Era nesse sentido que Platão compreendia a arte e, por essa razão, não fez distinção entre arte e ciência. Arte para Platão é a arte do raciocínio ( Fed. 90 b), como a própria filosofia no mais elevado grau – a dialética ( Fed. 266 d). Segundo Platão, a poesia é uma arte, assim como a política, a guerra, a medicina, a justiça etc. Platão identificava duas artes no domínio global do conhecimento: conhecimento: a judicativa dispositiva ou imperativa
e a das quais a primeira
consiste simplesmente em conhecer e a segunda em dirigir determinada atividade com base no conhecimento ( Pol., 260 a, b; 292 c). Desse modo, para Platão, a arte abrange todas as atividades humanas ordenadas, e diferencia-se, no seu complexo, da natureza ( Rep., 381 a). Aristóteles, assim como Platão, distingue as coisas geradas por obra da natureza das que são geradas por obra da arte. As coisas geradas por obra da arte para Aristóteles não são gerações, mas sim produções. E todas as produções ou ocorrem por obra de uma arte ou por obra de uma faculdade ou por obra do pensamento ( Met., Z 6/7, 1032 a, 15-30). Aristóteles restringiu o conceito de arte. Ele retirou do âmbito da arte a esfera da ciência, que é a do “necessário”, isto é, do que não pode ser diferente do que é, como também dividiu o que não pertence à ciência, isto é, o “possível” (que “pode ser de um modo ou de outro”) no que pertence à ação e no que pertence à produção. Somente o possível que é objeto de produção é objeto da arte. Por essa razão, a arquitetura é uma arte, já que é essencialmente uma disposição di sposição racional da capacidade de produzir e para *Adriana S. Tabosa concluiu o Bacharelado Bacharelado em Filosofia pela Universidade Universidade Federal da Bahia em 2000. Cursa mestrado em Filosofia pela Universidade Estadual de Campinas desde 2002. Atua na área de Filosofia, com ênfase em História da Filosofia Antiga.
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Aristóteles, não há arte alguma que não seja uma disposição relacionada com o produzir, como também, não existe qualquer disposição relacionada com o produzir que não seja uma arte ( Et. Nic., VI, 4, 1140 a, 1 ss). São artes portanto, a retórica e a poética, mas não é arte a analítica (lógica), cujo objeto é necessário. São artes as manuais ou mecânicas, como é arte a medicina, contudo a física ou a matemática não são artes. Estas últimas participam das ciências teóricas cujo objeto é puramente cognitivo e portanto, opõe-se à prática e à produção. Por essa razão, Aristóteles fez uma distinção entre as artes e ciências práticas, poiéticas e teoréticas. Na Idade Média, os estóicos ampliaram novamente a noção de arte, afirmando que “a arte é um conjunto de compreensões” , entendendo por compreensão o assentimento ou uma representação compreensiva ( Sexto Empírico, Pirr. hyp., III, 241, Adv. Dogm., V, 182), não havendo portanto, a partir dessa
definição, distinção entre arte e ciência. Plotino faz uma distinção porque quer conservar o caráter contemplativo da ciência. Distingue as artes com base em sua relação com a natureza. Diferencia, por conseguinte, a arquitetura e as artes análogas, cuja finalidade é a produção de um objeto, das artes que se limitam a ajudar a natureza, como a medicina, e a agricultura, e das artes práticas, como a retórica e a música, que tendem a agir sobre os homens, tornando-os melhores ou piores (Enn., IV, 4, 31). A partir do século I foram denominadas “artes liberais”, isto é, as artes dignas de homem livre, em contraste com as artes manuais, nove disciplinas, algumas das quais Aristóteles teria denominado ciências, e não artes. Essas disciplinas foram enumeradas por Varrão: gramática, retórica, lógica, aritmética, geometria, astronomia, música, arquitetura e medicina. Tomás de Aquino estabeleceu uma distinção entre arte liberali e arte servili com o fundamento de que as primeiras destinam-se ao trabalho da razão, as segundas “aos trabalhos exercidos com o corpo, que são de modo servis, porquanto o corpo está submetido à alma e o homem é livre segundo a alma” (Sum. Th., II, 1, q. 57, a. 3, ad. 3).
Kant resumiu as características tradicionais desse conceito ao fazer a distinção entre arte e natureza, de um lado, e entre arte e ciência, do outro; e diferenciou, na própria arte, a arte mecânica e a arte estética. Para Kant, quando, conformando-se ao conhecimento de um objeto possível, a arte cumpre somente as operações necessárias para realizá-lo, diz-se que ela é arte mecânica, se, porém, 2 Oficina Cinema-História Copyright © 2005. Todos os direitos Reservados.
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tem por fim imediato o sentimento do prazer, é arte estética. Esta é arte aprazível ou bela arte. É aprazível quando sua finalidade é fazer que o prazer acompanhe as representações enquanto simples sensações; é bela quando seu fim é conjugar o prazer às representações como formas de conhecimento ( Crít. do Juízo, 44). De acordo com Kant, a “bela arte” seria uma espécie de representação cujo fim está em si mesma e, portanto, proporciona prazer desinteressado, ao passo que as artes aprazíveis visam somente a fruição. Kant estabeleceu a identidade entre o artístico e o belo, ao afirmar que “a natureza é bela quando tem a aparência da arte” ; e que “a arte só pode ser chamada de bela quando nós, conquanto conscientes de que é arte, a consideramos como natureza” (Crít. do Juízo, 45). Schelling inverteu a
relação tradicional entre arte e natureza, fazendo da arte a norma da natureza e não o contrário. Para Schelling, a arte é a realização necessária e perfeita da beleza a que a natureza só chega de modo parcial e casual ( System des transzendentalen Idealismus, 1800, VI, 2; cf. “As artes figurativas e a natureza”, 1807, em Werke, VII,
pp. 289 ss). A tese romântica da arte como criação compõe-se de duas teses diferentes: a primeira, a arte é originalidade absoluta e os seus produtos não são referíveis à realidade natural; a segunda, como originalidade absoluta, a arte é parte (continuação ou manifestação) da atividade criadora de Deus. Essas foram as teses fundamentais de Hegel em Lições de estética. Para Hegel, pode-se imaginar que o artista recolhe no mundo exterior as melhores formas e as reúne, ou que faz uma escolha de fisionomias, situações etc., para encontrar as formas mais adaptadas ao seu conteúdo. Mas quando assim recolhe e escolhe ainda não fez nada, pois, o artista deve ser criador e, em sua fantasia como o conhecimento das formas verdadeiras, com sentido profundo e sensibilidade viva, deve formar e exprimir o significado que inspira de modo espontâneo e com ímpeto ( Vorlesungen über Ästhetik , ed. Glockner, I, p. 240). Por outro lado, em Hegel, justamente por esse seu
caráter de criação, a arte pertence à esfera do espírito absoluto e, ao lado da religião e da filosofia, é uma das suas manifestações ou realizações no mundo. Foi no século XVIII que surgiu a estética como a ciência (filosófica) da arte e do belo. O substantivo foi introduzido por Baumgarten, por volta de 1750, num livro intitulado Aesthetica, onde defendia a tese de que são objeto da arte as representações “confusas”, mas “claras”, isto é, sensíveis mas “perfeitas”, enquanto 3 Oficina Cinema-História Copyright © 2005. Todos os direitos Reservados.
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são objeto do conhecimento racional as representações “distintas” (os conceitos). O substantivo alemão Ästhetik é oriundo do termo grego
que significa:
que possuiu a capacidade de sentir, perceptível, relativo à sensação. O substantivo alemão designa a doutrina do conhecimento sensível. As investigações em torno dos conceitos de “arte e belo”, estão estreitamente unidos na filosofia moderna e contemporânea. Isso não ocorria, porém, na filosofia antiga, onde as noções de arte e de belo eram consideradas distintas e reciprocamente independentes. A doutrina da arte era chamada pelos antigos gregos com o nome de seu próprio objeto,
(poiética), ou seja, a arte
produtiva (Platão, Sof., 265 a; Aristóteles, Ret., I, 11, 1371 b, 7), enquanto o belo não se incluía na poética e era considerado à parte. O belo para filosofia antiga pode ser definido em cinco conceitos fundamentais: como manifestação do bem, como manifestação do verdadeiro, como simetria, como perfeição sensível e como perfeição expressiva. A noção de belo coincide com a noção de objeto estético só a partir do século XVIII; antes da descoberta da noção de gosto, o belo não era mencionado entre os objetos “produzíveis” e, por isso, a noção correspondente não se incluía naquilo que os antigos gregos denominaram de poética. Foi do mesmo modo, a partir do século XVIII que a palavra arte passou a privilegiar o significado de “Bela Arte”, dissociando-se do sentido original de técnica. A palavra técnica passou a designar unicamente os procedimentos ordenados, isto é, organizados por regras de qualquer atividade humana. Técnica introduziu-se com uma significação mais ampla, designando todos os procedimentos normativos que regulam os comportamentos em todos os campos. Técnica foi o termo que passou a designar o sentido original platônico do termo arte. Não existia para os antigos gregos uma disciplina ou ciência filosófica específica chamada “estética”, no século XVIII é que os problemas relativos às “belas artes” e a seu objeto específico tornaram-se pertencentes ao domínio da Estética. A partir da descrição de uma teoria da percepção, a estética se tornou, no século XVIII e em especial no século XIX, uma forma nova e especializada de descrição da reação à “arte” (em si mesma uma generalização nova, de habilidade para habilidade “imaginativa”). A estética se fundamenta no “gosto” como critério ou cânon para julgar os objetos do sentimento, distanciando a arte cada vez mais do seu conceito original de
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Na Grécia antiga, a arte não era separada da 4
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técnica
,
significava ao mesmo tempo arte e técnica, sendo os dois conceitos
inseparáveis. O que surgiu na Economia burguesa como “consumidor” – a figura abstrata correspondente à abstração da “produção” (de mercado e mercadorias) – surgiu na teoria cultural como a “estética” e a “reação estética”. A arte, seria definida pela sua capacidade de provocar essa reação especial: inicialmente, a percepção da beleza, depois a contemplação pura de um objeto, por si mesmo e sem outras considerações (“externas”); e, ainda, também a percepção e contemplação da “feitura” de um objeto, sua linguagem, a habilidade de sua construção, suas “propriedades estéticas”. Mukarovsky, opondo-se à teoria estética burguesa, afirma que a arte não é um tipo especial de objeto, mas um objeto no qual a função estética, habitualmente combinada com outras funções, é dominante. A arte, com outras coisas (paisagens, roupas, mais evidentemente), dá prazer estético, mas isso não pode ser transliterado como senso de beleza ou um senso da forma percebida, já que embora tais aspectos sejam centrais na função estética, são históricas e socialmente variáveis, e, em todos os casos concretos. Ao mesmo tempo, a função estética “não é um epifenômeno de outras funções” , mas um “co-determinante da reação humana à realidade” . “Arte” como dimensão categoricamente separada, ou conjunto de
objetos; “o estético” como fenômeno extra-social isolável: cada um foi decomposto por um retorno à variabilidade, relatividade e multiplicidade da prática cultural real. Pode-se ver claramente a função ideológica das abstrações especializadas de “arte” e “estético”. O que representam é, de forma abstrata, uma forma particular da divisão do trabalho. “Arte” tornou-se um tipo de produção considerado como separado da norma produtiva burguesa dominante: a feitura de mercadorias. Tem, então, em fantasia, de ser totalmente separada da “produção”; descrita pelo novo termo “criação”; distinguida, finalmente, de outros produtos de seu tipo ou tipos intimamente relacionados – a “arte” de “não-arte”, “literatura” de “literatura popular”, “cultura” de “cultura de massa”. A abstração limitadora é então tão poderosa que, em seu nome, encontramos meios de negligenciar (ou afastar como periféricas) aquela incansável transformação das obras de arte em mercadorias, dentro das formas dominantes da sociedade capitalista. A arte, e a reflexão sobre a arte, têm de se separar, por uma abstração cada vez mais absoluta, dos processos sociais nos 5 Oficina Cinema-História Copyright © 2005. Todos os direitos Reservados.
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quais ainda estão contidas. A teoria estética é o principal instrumento dessa evasão. Em sua concentração nos estados receptivos, em reações psicológicas de um tipo abstratamente diferenciado, ela representa a divisão do trabalho com consumo correspondente à abstração da arte como divisão do trabalho em produção.
Conclusão A conseqüência que se inicia desde a separação dos conceitos, é que a tendência da arte atual, se torne cada vez mais superestrutural, abstraindo-se cada vez mais da produção coletiva, para dela fazer uma questão individual. O que se torna então a arte sob o capitalismo? Este cria primeiramente, a ilusão de promover as “belas artes”, porque as retoma de todo o passado para se tornar o representante de toda sociedade, do passado, do presente e do futuro, no que ela possui de melhor, e submete-as em seguida a uma exploração comercial de um modo geral. A arte torna-se cada vez mais abstrata, etérea, superestrutural. Isso se reflete nas manifestações da arte e do pensamento, pois, se convertem em dependentes da dominação econômica e do dinheiro. A classe que dispõe dos meios de produção material, dispõe ao mesmo tempo dos meios de produção intelectual. A razão deste fato reside em que a arte e o pensamento são atividades sociais, contudo, sob o capitalismo, se convertem num ato pessoal e privado, cerceando todas as relações essenciais para justificar o seu princípio de apropriação privada. Com o capital, a arte e o pensamento degradam-se, se tornando negociáveis por dinheiro. O capitalismo converte o artista num trabalhador produtivo, alugando seus serviços ou vendendo suas obras mais baratas do que pagou a seu autor, de forma que o artista se torna produtivo de capital, de modo que, não deixa de viver do rendimento de outrem, continuando a ser um “servidor” do gosto do comprador. Entretanto, a arte deve ser essencialmente livre. Nem todo artista deve fazer apologia da ideologia dominante. Sob este aspecto, foi que Marcuse viu na arte uma forma de libertação das restrições impostas pela tecnocracia (MARCUSE, One Dimensional Man, 1964, pp. 238 ss). Ou como disse Lênin: “Todo artista, todo aquele que se considera artista, tem o direito de criar livremente de acordo com seu ideal, sem depender de nada” (LÊNIN, O Kultúrie I Kutúrnoi Revoliústsii , 1966, p.176). Para o marxismo, a
arte e o trabalho são a mesma coisa, somente com a abolição da divisão do trabalho haverá a união entre arte, ciência e trabalho físico. 6 Oficina Cinema-História Copyright © 2005. Todos os direitos Reservados.
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Referências Bibliográficas ARISTÓTELES. Éthique de Nicomaque, texte, tradution, préface et notes par Jean Voilquin, Ques Garnier, 1961, Paris. ARISTÓTELES. Metafísica, ensaio introdutório, texto em grego com tradução e comentário de Giovanni Reale, tradução de Marcelo Perine, Edições Loyola, São Paulo, 2002. AQUINO, Tomás. Suma Teológica, tradução de Alexandre Corrêa, Livraria Sulina Editora, Rio Grande do Sul, 1980. KANT, Immanuel. Filosofia, política y estética en la Crítica del Juicio de Kant – Actas del Coloquio de Lima conmemorativo del bicentenário de la tercera crítica; Lima, 1991. LÊNIN, V. I. Cultura e Revolução Cultural, tradução de Lincoln Borges Jr., Civilização Brasileira, Rio de Janeiro, 1968. MARX, Karl e ENGELS, Friedrich. Crítica da Educação e do Ensino, Moraes Editores, Lisboa, 1978. WILLIAMS, Raymond. Marxismo e Literatura, tradução de Waltensir Dutra, Zahar Editores, Rio de Janeiro, 1979.
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