Op art A mediados de los años 60, el mundo mundo del arte de Nueva York, pendiente de la moda, anunciaba anunciaba el declive del Pop Art, por por lo que se inició la búsqueda de un sustituto. sustituto.
Aunque todo el arte descansa, en cierta medida, medida, en la ilusión óptica, el Op Art es aquel que se sirve específicamente específicamente de los fenómenos ópticos para alterar el proceso normal de la percepción visual. Compuestos por por patrones geométricos geométricos en blanco o negro, o por yuxtaposiciones de colores brillantes, los cuadros del del Op Art vibran, brillan y parpadean, creando creando un efecto de moaré, moaré, ilusión de movimientos o imágenes ocultas. En 1965, una exposición titulada “ The Resposive Eye” (“el ojo sensible”), organizada por William
C. Seitz en el Museum Museum of Modern Art de Nueva York, dió la respuesta. Aunque incluía también obras del arte abstracto postpictórico, postpictórico, el “GRAV” y el arte concreto, fue la obra de Seitz, denominada “abstracta perceptual”, la que dominó la exposición.
Op-art es la abreviatura de "Optical-Art", se empleó por primera vez en 1964 en la revista Times.
Este movimiento aparece tras la Segunda Guerra Mundial, comienza con una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras, el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. En esta época el centro del ar te es, definitivamente, Nueva York.
Artistas como Josef Albers y Víctor Vasarely empezaron a explorar en sus obras distintas formas de confundir al ojo. En los 60´s se inventó el término Arte Óptico para nombrar ese tipo de trabajo, ya que cada vez más artistas abstractos escogían ese estilo.
Los artistas ópticos no estaban interesados en pintar los objetos de l a vida cotidiana como los artistas Pop, que eran sus contemporáneos.
Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real. Fue rápidamente aceptado por el público por sus estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.
Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento, brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación. El Op Art es uno de los movimientos artísticos que más se relacionan con la investigación científica, al estudiar el color, la influencia de la luz y el movimiento en los cambios cromáticos y su percepción en la retina humana. El Op Art es una modalidad de arte cinético en la que el movimiento no es real sino producto de ilusiones ópticas.
Características
+ Es una evolución matemática del arte abstracto. + Se usa la repetición de las formas simples. + Los colores crean efectos vibrantes. + Gran efecto de profundidad. + Confusión entre fondo y primer plano. + Hábil uso de las luces y las sombras. + El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve. + Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo. + En la retina se sienten vibraciones y altibajos. + Ausencia de figuración o de referencias subjetivas de carácter emocional. + Diseños de formas geométrico-cromáticas simples, lineales o de masa en combinaciones complejas. + Composiciones estructuradas mediante espacios geométricamente ordenados de diferente tamaño o mediante módulos repetitivos y en variación. + Composiciones abigarradas y meticulosamente realizadas. + Participación del observador: en muchos casos el observador necesita moverse delante de la obra para apreciar toda la gama de efectos ópticos. + Ejecución de trazos definidos delineados con precisión.
Exponentes Victor Vasarely: Pintor húngaro (1908-1997).Instalado desde 1931 en París, donde trabajó en
publicidad, a la vez que pintaba en un estilo de inspiración cubista. A partir de finales de la década de 1940, evolucionó hacia una abstracción que le hizo interesarse en el arte cinético con sus efectos ópticos sugeridos por la superposición de tramas, la organización sistemática de la superficie y los contrastes de blanco, negro y color. En ella el campo cromático se reduce a algunos colores y la línea, elegante y flexible, juega un papel dinámico. En las obras de Vasarely podemos observar que están constituidas por repetición de las formas simples, el uso de colores crea efectos vibrantes, uso de las luces y las sombras que provoca este efecto de dimensionalidad.
Larry Poons: (1937-?) Tokio, Japón. Este destacado exponente del arte óptico estudió en la Escuela
de Bellas Artes de Boston, a partir de 1959. Sus trabajos artísticos tempranamente fueron relacionados con el Arte Óptico. Sus pinturas de el año 1960 fueron caracterizadas por puntos de color colocados según una cuadrícula horizontal, vertical y diagonal contra un rico colorido. Poons comenzó a exhibir sus pinturas en exposiciones importantes de la Galería Verde de Nueva York, específicamente durante el año 1963. Poons crea con el fin de provocar efectos visuales.
Bridget Riley: (Gran Bretaña, 1931). Figura destacada dentro del movimiento artístico del Op Art.
Creó complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos. Los primeros trabajos de Riley, datan de 1961.Deslumbrantes pinturas en blanco y negro de una belleza sorprendente que rápidamente se hicieron famosas por sus extraños efectos ópticos. Después de su primera etapa puntillista, Riley experimentó hacia 1960 con una pintura de grandes superficies de colores planos, antes de realizar numerosas obras en blanco y negro entre 1961 y 1965. En su segunda etapa, se concentró en la creación de series de formas geométricas, sutilmente diferentes en tamaño y forma para conseguir un remarcado sentido de movimiento. A finales de la década de 1960 Riley experimentó con otro tipo de mecanismos ópticos, pintando líneas con colores puros complementarios, cuya yuxtaposición afectaba a la percepción brillante de los colores individuales. Durante la década de 1970 aumentó su gama de colores, incluyendo tanto el negro como el blanco.
Kenneth Nolland: (EEUU, 1924-?). Nolland ha logrado alcanzar en su obra un dominio sereno que
le convierte en un clásico. Trabaja con pintura acrílica aplicada directamente sobre el lienzo, con lo que crea obras en las que los brillantes colores yuxtapuestos producen un sentido de vibración óptica. Sus principales temas son círculos concéntricos, galones, rombos y largas listas paralelas, dejando a menudo grandes espacios de lienzo en blanco como parte integrante de la composición.
En cuanto a los formatos de sus obras, destacan los diagonales y los enormes lienzos rectangulares a base de franjas de color superpuestas.
Josef Albers: Pintor, artista gráfico y diseñador de origen alemán; maestro de gran influencia que
investigó en sus abstracciones geométricas las relaciones cromáticas. Nacido en Bottrop, Alemania, Albers estudió arte en Berlín y más tarde participó en el taller experimental de vanguardia de la Bauhaus desde 1920 hasta 1923. La obra de Albers se caracteriza por sus formas rectilíneas en colores fuertes y planos, cuya interrelación acentúa el efecto abstracto, puramente óptico de la composición. En su famosa serie experimental Homenaje al Cuadrado, que Albers comenzó a principios de la década de 1950, utiliza el cálculo de formas cada vez menores para ilustrar su teoría de que los cambios de lugar, forma y luz producen cambios en el color. La Interacción del color (1963) es un ejemplo de su investigación cromática. Su obra influyó en el Op Art y en el arte minimal de la década de 1960.
Richard Anuszkiewicz: Está considerado como uno de los artistas más fuertes del movimiento OP
ART. En su obra investiga la manera en la que ocurren cambios ópticos cuando colores diferentes de gran intensidad se aplican a configuraciones geométricas similares. Alumno de Josef Albers, comparte con su maestro la fascinación por las formas y sus relaciones con el color. Su obra está incluida en las colecciones de la Corcoran Gallery of Art en Washington, D.C., el Fogg Museum de la Harvard University en Cambridge, el Whitney Museum of American Art y el Museum of Modern Art de Nueva York.
Matilde Pérez: Pintora y escultora chilena.Matilde Pérez supo valorar su encuentro con Víctor
Vasarely como la experiencia más gravitante en su carrera. Fue el ma estro quien la introdujo a los principios del arte cinético. Cautivada por el arte que incorpora el movimiento virtual o real como elemento plástico y que toma como base la psicología de la percepción, Matilde Pérez comenzó a realizar collages y a estudiar las relaciones entre formas geométricas, colores y el fenómeno óptico, con el objeto de crear la ilusión de movimiento. Se sumergió en las ideas del Manifiesto Amarillo que contenía el pensamiento de Vasarely, se contactó con el Groupe de Recherche d’art
Visuel y recibió las enseñanzas de Julio Le Parc. Regresó a Chile en 1961, y desde entonces es la principal exponente de la tendencia cinética en nuestro país. Sus obras, pinturas, collages y esculturas acrílicas y metálicas son una muestra de su incesante experimentación con las posibilidades de la creación de movimiento virtual a través de la ilusión óptica. En 1970 incorporó la electricidad a sus obras, es decir el movimiento real, por medio de piezas movibles y focos luminosos.
