TÉCNICAS DE CLAROSCURO El claroscuro es una técnica artística (en pintura, dibujo y grabado) consistente en el uso de contrastes fuertes entre los volúmenes iluminados y los ensombrecidos del cuadro para destacar más efectivamente algunos elementos. Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del cinquecento, la técnica alcanzaría su madurez en el barroco, en especial con Caravaggio, dando lugar al estilo llamado tenebrismo. El término italiano chiaroscuro, aunque significa aparentemente lo mismo, es empleado más específicamente para una técnica de grabado en xilografía, que por medio de planchas complementarias da colores a las imágenes, como si fuesen pintadas a la acuarela. El primer uso conocido del término, con este significado, se atribuye al grabador italiano Ugo da Carpi, quien habría tomado la idea de composiciones de origen alemán o flamenco. En los grabados de Da Carpi, el efecto del claroscuro destaca una figura central iluminada por una fuente de luz normalmente ausente del plano del cuadro; sin embargo, las áreas oscuras no están tan acentuadas como llegarían a verse en la obra de los principales difusores del chiaroscuro, Caravaggio y Giovanni Baglione. La técnica se impondría también entre los manieristas, siendo ejemplos de este uso la Última Cena de Tintoretto o su Retrato de dos hombres, que presagia las composiciones de Rembrandt. El pintor holandés ha sido uno de los más conspicuos practicantes del claroscuro, utilizando la luz en su composición para destacar sólo su objeto específico El claro oscuro, se basa en lo bueno y lo malo. En lo bello y lo feo y se representa en colores o en no colores. Lo único q te puedo decir que literalmente es infinita la descripción, lo descubrirás si te pones a observar tu mismo en un día soleado la luz y la sobra que causa, el tratar de entender a tu retina y conectarla a tu paleta. Lo mejor será pintar al aire libre en un día soleado, trabaja con azules y tierras para crear las sombras y amarillos y blancos para las luces. Usa siempre rojo y verde para sazonar cualquiera de las 2 variantes.
En pintura se llama claroscuro el arte de las luces y de las sombras. El claroscuro sirve para dar realce a los objetos, explicando su forma, porque el contorno no viene a ser más que una especie de sección perpendidular. La perspectiva aérea toma mucha parte en el claroscuro. Cuando el cielo está sereno, el ambiente ilumina los objetos que están en la sombra. La luz al aire libre, si el sol está nublado, es la más adecuada, porque entonces todo el paisaje adopta un tono general armonioso, es decir, que casi toda la masa del aire se halla iluminada por igual. Es preciso considerar que las sombras nunca están por completo privadas de luz; al contrario, los objetos del primer plano deben distinguirse perfectamente, aunque sumergidos en la sombra, la cual nunca parecerá empañada como la del último plano, donde se desvance en un tono azulado, mezcla de tinieblas y de luz.
El claroscuro busca la representación de los objetos a partir del desarrollo de las zonas de luz y de sombra como un contraste simultaneo de tonos. El modelado de las formas a partir del estudio de la luz es un ejercicio que requiere un profundo estudio de valoración tonal y del funcionamiento de las graduaciones de los diferentes grises. El trabajo del claroscuro no solo permite un modelado de las formas, es importante también como afecta el cambio de luz en la composición del cuadro. El claroscuro es un sistema de valoración que afecta no solo al elemento principal sino a todos los elementos que figuren en el marco del cuadro. La valoración de cada uno de los diferentes elementos del dibujo va a variar dependiendo siempre de la situación del modelo con respecto al foco de luz. El claroscuro propone un análisis exhaustivo del modelo con respecto a la iluminación que este reciba; por ello la luz se debe tratar de forma radical sobre la superficie de los diferentes objetos que compongan el modelo. El ejercicio de valoración no debe limitarse a repetir la misma fórmula de graduación de grises en todos los planos del dibujo, ya que cada uno de los diferentes planos que componen el cuadro puede recibir luz de manera diferente. Por ejemplo, un primer término puede recibir el foco de luz lateralmente, mientras que el segundo termino puede recibir tan solo parte de la luz que rebote del primero, requiriendo en su elaboración una valoración mucho mas agrisada y menos contrastada que la resolución del primer plano. Claroscuro. En el arte es una técnica de dibujo y pintura que se basa en producir el efecto de contrastes entre la luz y las sombras. El claroscuro busca una conveniente distribución de luces y sombras en una obra, de modo que se opongan y complementen mutuamente. En escultura es un contraste acusado de luz y sombra, y se consigue por medio del trépano. En pintura, es una transición suave entre la claridad y la oscuridad, e implica la presencia de luz y color en toda sombra, y la presencia de sombra y color en toda luz. El claroscuro es una técnica pictórica consistente en el uso de contrastes acusados entre los volúmenes iluminados y los ensombrecidos del cuadro para destacar más efectivamente algunos elementos. Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del cinquecento, la técnica alcanzaría su madurez en el barroco, en especial con Michelangelo Caravaggio, dando lugar al estilo llamado tenebrismo. El claroscuro es un sistema de valoración que afecta no solo al elemento principal sino a todos los elementos que figuren en el marco del cuadro. La valoración de cada uno de los diferentes elementos del dibujo va a variar dependiendo siempre de la situación del modelo con respecto al foco de luz. El claroscuro propone un análisis exhaustivo del modelo con respecto a la iluminación que este reciba; por ello la luz se debe tratar de forma radical sobre la superficie de los diferentes objetos que compongan el modelo. El ejercicio de valoración no debe limitarse a repetir la misma fórmula de graduación de grises en todos los planos del dibujo, ya que cada uno de los diferentes planos que componen el cuadro puede recibir luz de manera diferente. Por ejemplo, un primer término puede recibir el foco de luz lateralmente, mientras que el segundo termino puede recibir tan solo parte de la luz que rebote del primero, requiriendo en su elaboración una valoración mucho mas agrisada y menos contrastada que la resolución del primer plano.
Técnicas básicas del dibujo a lápiz y sombreado Un dibujo no es solamente la transcripción gráfica de la realidad o de algo imaginado, es la forma en que se hace, que tipo de materiales se emplean y en que tipo de superficie. Graduación y clasificación de los lápices Los lápices de dibujo están graduados desde el 6B (muy blando) al 8 o 9 H (muy duros). Muchos lápices en el mundo, se clasifican con el sistema europeo que usa una gradación continua descrita por "H" (para la dureza) y "B" (para el grado de oscuridad). El lápiz estándar para escritura es el HB. Hoy en día, el sistema de clasificación de lápices se extiende desde muy duro con trazo fino y claro, hasta blando de trazo grueso y oscuro, abarcando desde el más duro al más blando.
Principalmente pueden usarse como cuando se escribe, pero la inclinación u horizontalidad de la superficie de trabajo, el material, etc., indicarán las posiciones indicadas para cada trazo en cada situación.
En la primera etapa del dibujo (boceto, croquis, esbozo..) puede hacerse con cualquier graduación si es en borrador, pero cuando es definitivo conviene hacerlo con un lápiz intermedio o semiduro. La técnica de sombreado básica admite dos formas: con trama abierta o cerrada. El lápiz se usa en un ángulo cerrado, aumentando o disminuyendo la presión, dando como resultado sombreados como los del gráfico: zigzag abierto, líneas paralelas cerradas y líneas separadas.
Otra técnica es el "Cross Hatching," que es un tramado cruzado. Dibujas una serie de líneas diagonales y luego
inclinas el papel y dibujas otra serie de líneas que las crucen. Se puede obtener una menor o mayor oscuridad según la separación que le dejes entre las líneas.
Otra técnica es el "Circulismo," que consiste en dibujar una serie de círculos pequeños que se superponen entre sí. No es necesario que los círculos sean perfectos, solamente hacerlos lo suficientemente pequeños y juntos. La oscuridad de la sombra depende del tamaño de los círculos que dibujemos asi como la presión que hagamos con el lápiz. El Circulismo es muy útil para dibujar la piel de las personas, ya que el acabado es irregular. Para este caso es bueno hacer los círculos suavemente.
Finalmente, estas tres técnicas mencionadas se pueden complementar con el Suavizado. Utilizando un trozo de papel normal, alguna tela suave o un esfumino mezclamos el grafito que pintamos en nuestro dibujo. El resultado es un color uniforme, suave.
Claves El predominio de una de estas zonas en una composición determinará la expresión de la misma. A esta selección de los valores la denominaremos claves tonales.
Estas claves pueden ser de acuerdo a su grado de claridad u oscuridad altas, intermedias o bajas y de acuerdo con su extensión, es decir, con la cantidad de grados de valor que incluyen, mayores o menores. En las claves mayores el valor que predomina puede estar acompañado por blanco y negros, permitiéndose así un máximo de contraste. En las claves menores la cantidad reducida de valores impone resultados de contrastes menos violentos. Características formales y expresivas de las claves tonales:
Clave mayor alta: Áreas mayores de grises altos y blanco. Valores muy bajos y negro distribuidos en áreas pequeñas. Es una clave estimulante, expositiva, adecuada para retratos de juventud y efectos exuberantes, luminosos.
Clave mayor intermedia: Las grandes áreas deben corresponder a los grises medios y otras más reducidas a valores altos y bajos o blanco y negro. Es una clave franca, fuerte, pintoresca.
Clave mayor baja: Gris oscuro distribuido en áreas mayores: los valores muy altos, el blanco y el negro en áreas menores. Su efecto es dramático, violento, utilizado para asuntos de notable fuerza expresiva.
Clave menor alta: Las grandes áreas corresponden a valores altos y blancos, con áreas pequeñas de gris medio. Es de fondo, atmosférico, aplicada en escenas de efecto sutil.
Clave menor intermedia: Grises medios con acentos de grises claros y oscuros, sin blanco ni negro puros. Su efecto es delicado y tranquilo, aunque es necesario controlar el contraste para que no resulte monótona.
Clave menor baja: Gran extensión de gris oscuro y negro con acento de gris medio o claro, ausencia de blanco. Es una clave sombría, misteriosa, triste, apropiada para asuntos irreales o efectos melancólicos.
