Numero05 Red

Giant Steps: análise de um improviso • A música músic a de Michael Jackson    S    N    I    F    A    & Ano 1 - Número 5 - Setembro 2014 www.teclaseafins.com.br 

Antonio Adolfo O músico plural fala dos projetos, da carreira e do panorama atual da música no mundo

Rick Wakeman O mago dos teclados e sua Viagem ao Centro da Terra

Hércules Gomes O novo representante da musicalidade brasileira

PA300 Testamos o novo teclado arranjador da Korg

   S    N    I    F    A    &

Ano 1 - N° 05 - Setembro 2014 Publisher

Nilton Corazza  publisher@teclaseafins.com.br   publisher@tec laseafins.com.br  Gerente Financeiro

Regina Sobral financeiro@teclaseafins.com.br  Editor e jornalista responsável

Nilton Corazza (MTb 43.958) Colaboraram nesta edição:

Alexandre Porto, Alex Saba, Cristiano Ribeiro, Eloy Fritsch, Hudson Hostins, José Osório de Souza, Maurício Domene, Rosana Giosa, Turi Collura Diagramação

Sergio Coletti arte@teclaseafins.com.br  Foto da capa

Paul Constantinides Publicidade/anúncios comercial@teclaseafins.com.br  Contato contato@teclaseafins.com.br  Sugestões de pauta redacao@teclaseafins.com.br  Desenvolvido por

Blue Note Consultoria e Comunicação www.bluenotecomunicacao.com.br  Os artigos e materiais assinados são de responsabilidade de seus autores. É permitida a reproduação dos conteúdos publicados aqui desde que fonte e autores sejam citados e o material seja enviado para nossos arquivos. A revista não se responsabiliza pelo conteúdo dos anúncios publicados.

Rua Nossa Senhora da Saúde, S aúde, 287/34 Jardim Previdência - São Paulo - SP CEP 04159-000 Telefone: +55 (11) 3807-0626 6 / MAIO 2014

EDITORIAL Setembro é especial para o mercado da música no Brasil: é, tradicionalmente, o mês da Expomusic, evento em que grande parte dos players da área apresentam novidades, fazem contatos com consumidores, realizam vendas, ampliam o networking, avaliam a concorrência, pesquisam tendências e, principalmente, mostram o potencial de um segmento ao mesmo tempo tão promissor e tão pouco explorado. Trabalhar esse mercado de modo profissional, fazendo que ele cresça e se torne pujante tanto entre fabricantes quanto entre impor tadores e distribuidores, é tarefa que exige tempo e dedicação, a fim de tornar o gosto pela música - que a maioria de nosso povo tem - em negócio lucrativo. E para todos. Teclas & Afins não poderia ficar fora desse evento. Durante a feira, que ocorre de 17 a 21 de setembro no Expo Center Norte, em São Paulo, estaremos em nosso estande difundindo nossa proposta: valorizar o trabalho do músico - principalmente aqueles que se dedicam às teclas -, divulgar informações, enriquecer a cultura musical e incentivar o estudo. estudo. Somente assim estaremos fazendo jus ao apoio que todos os leitores e colaboradores têm nos dado durante esses cinco meses de existência da publicação. Durante esse período, atingimos o objetivo de ser a mais completa e dedicada publicação do gênero no País e oferecer a nossos leitores 68 páginas de informação pertinente e relevante, qualificada por profissionais competentes e experientes, organizada de forma a facilitar a leitura e colocar à disposição de todos um grande leque de subsídios para seu desenvolvimento musical e cultural. Leia os textos, clique nos links, veja os vídeos e, principalmente, ouça o que indicamos. Com certeza você vai se surpreender com a quantidade e a variedade de estilos que povoam nosso universo. Boa leitura!  Nilton Corazza

Publisher 

teclas & afins

   S    N    I    F    A    &

Ano 1 - N° 05 - Setembro 2014 Publisher

Nilton Corazza  publisher@teclaseafins.com.br   publisher@tec laseafins.com.br  Gerente Financeiro

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Nilton Corazza (MTb 43.958) Colaboraram nesta edição:

Alexandre Porto, Alex Saba, Cristiano Ribeiro, Eloy Fritsch, Hudson Hostins, José Osório de Souza, Maurício Domene, Rosana Giosa, Turi Collura Diagramação

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EDITORIAL Setembro é especial para o mercado da música no Brasil: é, tradicionalmente, o mês da Expomusic, evento em que grande parte dos players da área apresentam novidades, fazem contatos com consumidores, realizam vendas, ampliam o networking, avaliam a concorrência, pesquisam tendências e, principalmente, mostram o potencial de um segmento ao mesmo tempo tão promissor e tão pouco explorado. Trabalhar esse mercado de modo profissional, fazendo que ele cresça e se torne pujante tanto entre fabricantes quanto entre impor tadores e distribuidores, é tarefa que exige tempo e dedicação, a fim de tornar o gosto pela música - que a maioria de nosso povo tem - em negócio lucrativo. E para todos. Teclas & Afins não poderia ficar fora desse evento. Durante a feira, que ocorre de 17 a 21 de setembro no Expo Center Norte, em São Paulo, estaremos em nosso estande difundindo nossa proposta: valorizar o trabalho do músico - principalmente aqueles que se dedicam às teclas -, divulgar informações, enriquecer a cultura musical e incentivar o estudo. estudo. Somente assim estaremos fazendo jus ao apoio que todos os leitores e colaboradores têm nos dado durante esses cinco meses de existência da publicação. Durante esse período, atingimos o objetivo de ser a mais completa e dedicada publicação do gênero no País e oferecer a nossos leitores 68 páginas de informação pertinente e relevante, qualificada por profissionais competentes e experientes, organizada de forma a facilitar a leitura e colocar à disposição de todos um grande leque de subsídios para seu desenvolvimento musical e cultural. Leia os textos, clique nos links, veja os vídeos e, principalmente, ouça o que indicamos. Com certeza você vai se surpreender com a quantidade e a variedade de estilos que povoam nosso universo. Boa leitura!  Nilton Corazza

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NESTA EDIÇÃO

44 mestres

Rick Wakeman VOCE EM TECLAS E AFINS 4

O mago dos teclados

O espaço exclusivo dos leitores INTERFACE 8

As notícias mais quentes do universo das teclas retrato 12

Hércules Gomes

50 LIVRE PENSAR

Profanação e bandas covers por Alex Saba 54 TRILHA MUSICAL

Relação música - tempo Por Maurício Domene

Representante da musicalidade brasileira Vitrine 18

Novidades do mercado review 24

Pa300 O novo arranjador da Korg materia de capa 30

Antonio Adolfo Síntese da pluralidade musical sintese 40

Museu do Sintetizador por Eloy Fritsch

teclas & afins

56 cultura hammond

A evolução Por José Osório de Souza 58 keynologia

Arranjadores à brasileira por Hudson Hostins 58 harmonia e improvisacao

Giant Steps: análise de um improviso por Turi Collura 60 arranjo comentado

A música pop de Michael Jackson por Rosana Giosa

MAIO 2014 / 7

vOCE em teclas & afins

Vamos nos conectar? A matéria ficou show, excelente! Muito obrigado! (Fabio Ribeiro,  pelo nossa fã-page no Facebook) R.: Teclas & Afins existe para levar informação aos amantes dos instrumentos de teclas. Alguém que, além de excelente músico, entende como poucos os segredos da tecnologia e do mercado fonográfico, tem muito a transmitir a nossos leitores.  A redação que agradece sua disponibilidade.

Muito interessante a entrevista com Valentina Lisitsa. Ela fala com uma naturalidade sobre a música erudita e sobre a sua relação com as pessoas e sentimentos que eu nunca tinha visto. É muito saudável para nós, músicos das teclas, ver alguém com essa postura dela para quebrar o gelo. (Aleciano Júnior, por e-mail). R.: Caro Aleciano, agradecemos sua mensagem. A pianista Valentina Lisitsa realmente encara sua profissão e seu talento com muita naturalidade. A facilidade que possui de executar as mais difíceis obras do repertório pianístico é comparável à que tem de externar suas opiniões sinceras.

Agradeço profundamente a esta revista pela publicação de uma reportagem sobre a minha carreira. Um grande abraço ao pessoal da revista Teclas & Afins  e meus eternos agradecimentos. É muita informação importante à disposição dos músicos e amantes da música. (Luiz Claudio Morato do Canto, pelo nossa fã-page no Facebook) R.: Mais do que um prazer, é nossa obrigação divulgar aqueles que, com seu trabalho, contribuem para o desenvolvimento da música, ainda mais quando são nossos leitores.

Parabéns pela revista e pelos vídeos de música! Sucesso! A Comunidade das teclas estava carente de informações de qualidade assim reunidas em único lugar! (Bruno Lobato Torres,  pelo nosso canal no YouTube)

Parabéns pela revista e sucesso pra vocês. Obrigado por compartilharem coisas boas! (Flávio  Alves, por e-mail)

Adorei a volta de uma revista de músicos das teclas, depois da antiga Teclado e Áudio. Parabéns! Tô curtindo muito! (Luiz Carlos, por e-mail) R.: Caros Bruno, Flávio e Luiz Carlos, agradecemos suas mensagens . Realmente os músicos de instrumentos de teclas estavam carentes de informação. Nosso objetivo é preencher essa lacuna e esperamos atender às expectativas. Forte abraço!  4 / setembro 2014

teclas & afins

vOCE em teclas & afins

Este espaço é seu! Teclas & Afins  quer divulgar

trabalhos, iniciativas, músicos e bandas que apresentem qualidade e sejam diferenciados. Não importa o instrumento: piano, órgão, teclado, sintetizadores, acordeon, cravo e todos os outros têm espaço garantido em nossa revista. Mas tem que ser de teclas! Veja abaixo como participar:

1. Grave um vídeo de sua performance. A qualidade não importa. Pode ser até mesmo de celular, mas o som precisa estar audível. 2. Faça o upload desse vídeo para um canal no Youtube ou para um servidor de transferência de arquivos como Sendspace.com, WeTransfer.com ou WeSend.pt. 3. Envie o link, acompanhado de um release e uma foto para o endereço contato@teclaseafins.com.br  4. A cada edição, escolheremos um ou dois artistas para figurarem nas páginas de Teclas & Afins, com direito a entrevista e publicação de release e contato.

Não fique fora dessa! Mostre todo seu talento!

Teclas & Afins quer conhecer melhor você, saber sua opinião e manter comunicação constante, trocando experiências e informações. E suas mensagens podem ser publicadas aqui! Para isso, acesse, curta, compartilhe e siga nossas páginas nas redes sociais clicando nos ícones acima. Se preferir, envie críticas, comentários e sugestões para o e-mail contato@teclaseafins.com.br

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setembro 2014 / 5

vOCE em teclas & afins

De ouvidos bem abertos Com grande atividade na vida musical de sua região, Giovanni Sagaz destaca-se como professor e instrumentista Pianista, tecladista, violonista, cantor, arranjador e compositor. Mesmo citando todas essas atividades, talvez tenha faltado a principal: professor. Giovanni Sagaz, formado em licenciatura em música e cursando o bacharelado (piano) na Univali, leciona piano e prática instrumental no Conservatório de Música Popular de Itajaí. O interesse pelo assunto começou aos quinze anos de idade, tocando violão, mas, depois de ganhar um teclado do pai, iniciou as aulas de piano. Pouco tempo depois, aos 18, profissionalizou-se atuando em bandas de baile, sem jamais abandonar os estudos

de piano erudito, bossa nova e jazz. Mas a vontade de lecionar sempre falou alto no coração e na mente do jovem músico: “desde criança, quando me perguntavam o que eu ia ser quando crescesse, respondia: professor!”, afirma Sagaz. “Mas não imaginava que seria de música. Sempre admirei a dedicação e o carinho que os professores têm. Por isso, após aprender a tocar teclado, piano e violão, foi natural e inevitável começar a dar aulas desses instrumentos, e logo procurar uma graduação nessa área.” Mas o pianista, hoje com 33 anos, não somente leciona, mas mantém forte atuação

Giovanni Sagaz: longe da surdez generalizada 6 / setembro 2014

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vOCE em teclas & afins

como músico em sua região, participando de vários projetos de diferentes dimensões e formatos. Tendo a música instrumental brasileira e estilos como choro, samba, bossa e baião como prediletos, mantém o Quarteto Sagaz e a banda Armação Instrumental, projeto autoral com composições de Ricardo Capraro, que acaba de gravar um CD a ser lançado ainda este ano. Além disso, acompanha vários artistas como Louise Lucena, Fábio Campos, Giana Cervi e Barbara Damásio, entre outros. Em se tratando de carreira-solo, Sagaz recentemente finalizou seu primeiro trabalho, denominado 150 Anos de Ernesto Nazareth, com a gravação do DVD Giovanni Sagaz Interpreta Ernesto Nazareth,

realizada no Teatro Municipal de Itajaí. “O Festival de Música de Itajaí , que está em sua 17ª edição e acontece em setembro, vem impulsionando cada vez mais a produção musical de qualidade na cidade. Depois de seu surgimento, veio a faculdade de música na Univali, o Conservatório de Música de Itajaí e eventos como Jam Sessions, shows instrumentais no Teatro Municipal e outros”, acredita o músico. Nesse ambiente fértil, Sagaz alerta para o atual estágio do ensino de música no País: “para as novas gerações, eu falo: aprendam música ouvindo! Eduquem os ouvidos, pois é alarmante a surdez proliferada na educação musical brasileira hoje. Até mesmo a educação de música erudita está totalmente surda”, afirma.

NA REDE

Conheça as publicações da SOM & ARTE E D I T O R A

INICIAÇÃO AO PIANO POPULAR Volumes 1 e 2  L  A NÇ    A  Inéditos na   ME    NT   O  área do piano popular, são livros dirigidos a adultos ou crianças que queiram iniciar seus estudos de piano de forma agradável e consistente.

MÉTODO DE ARRANJO PARA PIANO POPULAR  Volumes 1, 2 e 3 Ensinam o aluno a criar seus próprios arranjos.

REPERTÓRIO PARA PIANO POPULAR Volumes 1, 2 e 3 Trazem 14 arranjos prontos em cada volume para desenvolvimento da leitura das duas claves (Sol e Fá) e análise dos arranjos.

Visite nosso site para conhecer melhor os 3 Métodos e os 3 Repertórios

www.editorasomearte.com.br teclas & afins

Contato: [email protected] setembro 2014 / 7

INTERFACE

DREAM THEATER NO BRASIL Com teclados a cargo do virtuose Jordan Rudess, a banda americana Dream Theater desembarca no Brasil para uma série de shows que se inicia em Porto Alegre (Pepsi On Stage, 30 de setembro), segue para Curitiba (Master Hall, 2 de outubro), chega a São Paulo (Espaço das Américas, 4 de outubro) e Rio de Janeiro (Vivo Rio, 5 de outubro), e segue por Brasília (Net Live, 7 de outubro), Olinda (Chevrolet Hall, 10 de outubro) e Fortaleza (Siará Hall, 11 de outubro). A turnê mundial  Along For The Ride Tour  é baseada no mais recente álbum de inéditas da banda, laçado em 2013. Expoentes do

metal progressivo mundial, aclamados pela crítica e pelo público por sua enorme habilidade instrumental, os integrantes do Dream Theater costumam presentear suas plateias com shows inesquecíveis, e por vezes enormes, chegando a tocar por mais de 4 horas ininterruptamente. Às vésperas de sua visita por aqui, a banda anuncia o lançamento de mais um DVD, de nome Breaking The Fourth Wall (Live From The Boston Opera House) . O vídeo deve chegar às lojas em 30 de setembro, data do início da turnê no Brasil, em três formatos (Blu-ray, DVD duplo e Blu-Ray + CD triplo).

Dream Theater: turnê mundial passa pelo Brasil  8 / setembro 2014

teclas & afins

INTERFACE

Projeto conjunto Às vésperas do lançamento de seu mais recente álbum, Infinito, o tecladista e compositor Corciolli percorre o Brasil apresentando pocket shows patrocinados pela Yamaha, tradicional fabricante de instrumentos musicais. O público de São Paulo terá oportunidade de conferir as apresentações durante o período da Expomusic, em setembro, quando a empresa levará o projeto a quatro shoppings da cidade – Shopping D (18), Shopping Light (19), Top Center (20) e Boulevard Tatuapé (21) - como parte dos espaços Play Now , que disponibilizam teclados, Clavinovas, guitarras, contrabaixos e baterias eletrônicas para “degustação” do público.

INSCRIÇÕES ABERTAS Começa no dia 1º de setembro o período de inscrições para o Concurso Nacional de Piano Arnaldo Estrella , que, este ano, chega à sua décima oitava edição. O evento, promovido pelo Centro Cultural Pró-Música/UFJF, acontece entre os dias 24 e 26 de outubro e mantém os objetivos de incentivar e apoiar aqueles que se dedicam ao estudo do instrumento, além de descobrir e premiar novos talentos. No total, serão destinados R$ 6,5 mil em prêmios. Podem concorrer pianistas de todo o Brasil e os candidatos serão divididos por faixa etária em duas categorias, até 21 anos e até 35 anos. Para participar, os músicos deverão seguir o programa estabelecido pela organização do concurso. O desempenho dos candidatos será avaliado por uma comissão julgadora constituída por, no mínimo, três  jurados, e a avaliação será feita em duas etapas, a primeira, eliminatória. Os interessados devem realizar as inscrições, que tem taxa de R$ 50,00, pelo site do Centro Cultural Pró-Música. teclas & afins

setembro 2014 / 9

interface

VII ENCONTRO INTERNACIONAL DE PIANISTAS De 8 a 11 de outubro, o Conservatório de Tatuí sedia a sétima edição do Encontro Internacional de Pianistas. O evento integra a programação especial em comemoração aos 60 anos do Conservatório de Tatuí, celebrados em 2014. Reunindo atividades artísticas e pedagógicas, o evento receberá artistas de destaque internacional. Os concer tos são abertos a qualquer interessado, mas para participar das palestras, workshops e masterclasses é preciso inscrever-se antecipadamente. Para esta edição do evento, estão confirmadas as participações dos artistas Beatrice Berthold (Pontificia Universidad Católica - Santiago Chile), Fábio Luz (Escola Superior “Città della Musica e del Teatro” - Penne /Fondation Franz Liszt), Sergio Gallo (Georgia State University – Atlanta), Nahim Marun (Unesp), Eudóxia de Barros (CBM), André Rangel (Unesp), Antonio Vaz Lemes, Renato Figueiredo (EMSP), Scheilla Glaser (EMSP e Emesp), Mauricy Martin (Unicamp), Luciana Noda (UFPB) e Paulo Henrique Almeida. Também participam Sérgio Molina (palestrante), George Boyd e Míriam Braga (workshops). As inscrições podem ser realizadas até o dia 26 de setembro para a modalidade executante e até 3 de outubro na modalidade ouvinte. Mais informações podem ser obtidas clicando no logo do Conservatório, ao lado.

10 / setembro 2014

teclas & afins

   s    e    õ    ç    a    r    e    t    l    a    a    a    t    i    e    j   u    s    o    ã    ç    a    m    a    r    g    o    r    p

Temporada 2014: o melhor do jazz e da música clássica na Sala São Paulo

 Faça sua assinatura e garanta seus lugares no segundo semestre da temporada!    o   a    l   n   a   o    i   e    l    l   a    M    G    i    D    d   r    l   a    A    h   c    i    R

Próximo espetáculo

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Retrato     o      d     a     r     u     o      D     a     n      A      @

Hércules Gomes: ritmos brasileiros e técnica apurada 12 / setembro 2014

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retrato

Energia e técnica Dono de técnica invejável e sensibilidade transbordante, Hércules Gomes surge como o mais novo representante da musicalidade brasileira nas teclas A descoberta de novos talentos brasileiros foi uma das novidades do Festival MIMO deste ano. O Prêmio Mimo Instrumental tem o objetivo de valorizar jovens instrumentistas de todas as regiões do Brasil, incentivando a inovação no campo da composição, da técnica e da estética musical. Os quatro melhores classificados foram o pianista capixaba Hercules Gomes, o trombonista paulista Jorginho Neto, o grupo carioca Quarteto de Clarinetas Ômega e a Coutto Orchestra, de Sergipe. Além de um prêmio em dinheiro, os ganhadores entraram na programação oficial do festival, que ocorre em diversas cidades simultaneamente. Entre esses talentos, destaca-se o Gomes, que, depois do lançamento do álbum Pianismo,  já figurava entre as grandes novidades da música instrumental brasileira. Em seu primeiro trabalho solo, o pianista capixaba já demonstra suas fortes influências de ritmos brasileiros, jazz e da música erudita, aliadas a uma técnica refinada, traduzindo ao piano seu universo sonoro. Com seis composições próprias e seis arranjos para músicas de compositores como Edu Lobo, Hermeto Pascoal e Ernesto Nazareth, o álbum traz fotografias panorâmicas do piano brasileiro. Natural de Vitória, no Espírito Santo, Gomes, hoje com 34 anos, iniciou seus estudos aos 13 como autodidata e, pouco tempo depois, já tocava em bandas do cenário musical capixaba. Estudou na Escola de Música do Espírito Santeclas & afins

to e, posteriormente, ingressou no curso de Música Popular na Universidade Estadual de Campinas (UNICAMP), onde se formou bacharel, tendo estudado com os professores Paulo Braga, Hilton Valente (Gogô) e Sílvio Baroni. Teclas & Afins conversou com o músico sobre a importância do Prêmio Mimo Instrumental e traz a história e os conceitos do aclamado pianista. Qual a importância do Festival MIMO e de festivais como esse para a carreira de um músico?

São muito importantes. Os concursos, apesar de não serem a melhor forma de avaliação de um músico, são fundamentais para o desenvolvimento do artista, porque ele se prepara para participar, é um incentivo para ele se aperfeiçoar. E sem dúvida alguma isso revela novos talentos. Mas ainda são muito poucos festivais no Brasil. O mais importante dos últimos tempos foi o Prêmio Visa, que revelou músicos como André Mehmari, Monica Salmaso, Yamandu Costa e tantos outros, que talvez hoje não fossem tão conhecidos. Acredito que o Prêmio deu um grande impulso à carreira deles. Atualmente não temos tantos prêmios, e nem tão significativos. Temos alguns menores, mas que não duram tanto. Talvez o que mais tenha durado tenha sido o Prêmio Nabor Pires de Camargo, de que participei e tive a felicidade de ganhar, em 2012. Mas setembro 2014 / 13

retrato

tradicionalmente é um prêmio de choro, mas está indo para a décima-quarta edição. Para música erudita, até existem mais concursos, mas para a música popular, principalmente a música instrumental, existe uma carência muito grande. Sua carreira deslanchou a partir de quando?

A partir de 2013, com o CD Pianismo. Acredito que ter vencido o concurso Nabor me deu esse impulso de que eu falei. Me deu um pouco mais de coragem de fazer o disco. Sempre fiz arranjos para piano e tive ligação com a música instrumental, desde a adolescência. Desde a época da faculdade eu fazia recitais de piano-solo e sempre gostei muito. Mas sempre ficava com o pé atrás...”será que o pessoal está gostando?” Depois que ganhei o prêmio Nabor, percebi

que eu estava fazendo o meu som, original, e as pessoas estão gostando. Aí sim eu decidi gravar. Na verdade era um projeto que eu tinha há dez anos. Eu fiz com muito carinho, muito capricho e acredito que por isso tenha tido uma aceitação tão boa de público e de crítica Você sofreu muitas influências de ritmos brasileiros. Como isso ocorreu e como construiu seu estilo?

Sempre gostei muito de ritmos brasileiros, os tradicionais. Adquiri isso na vida mesmo. Comecei tocando em bandas de baile, de sertanejo, mas sempre tive essa relação com a música instrumental e MPB. Nunca perdi isso. Sempre ouvi muita música brasileira. Jazz também, mas principalmente música brasileira. E eu comecei a agregar essas coisas no meu jeito de tocar piano. Antes de

Pianismo: popular com refinamento

14 / setembro 2014

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Hércules Gomes: CD e Festival alavancam a carreira

entrar na faculdade, eu tocava mais teclado. Fui ter o meu primero piano apenas com 21 anos. Eu entrei no cruso de música popular na UNICAMP e depois de um ano e meio de curso, eu queria aperfeiçoar a tecnica, porque eu nunca tinha estudado piano. Lá eu conheci uma pessoa muito especial, o Silvio Baroni, que foi quem me ensinou a tocar. Mas ele era professor de música erudita. Quand comecei a fazer aulas com ele, descobri um universo fantástico. Me apaixonei tanto pela coisa que tranquei a faculdade de música popular e comecei a fazer só piano clássico, de tão fascinado que fiquei. Foi a época em que eu mais estudei na minha vida. Foi um período muito curto, de apenas três anos, mas muito intenso. Depois disso não consegui enxergar mais o piano da mesma forma. Não é possível tocar do mesmo jeito depois de conhecer Liszt, Chopin, Beethoven, Debussy...O piano foi um instrumento inventado para teclas & afins

a música clássica e adaptado para a música popular e o jazz. É algo que tem muita ciência. Antes dessa concepção de piano que temos hoje, já aconteceu muita coisa. Tecnicamente, não há nada que não tenha sido explorado antes. O jazz é algo que ifluenciou todas as culturas do mundo, mas o ensino atual às vezes dá muita ênfase à improvisação, à criatividade, à harmonia, e se esquece do instrumentista. Não dá para ensinar alguém a improvisar antes de ter um pianista. Muitas vezes o músico tem talento,, mas sem a ferramenta, sem o conhecimento, ele atinge um determinado nível, por mais alto que seja, que poderia ser muito maior. Estudar piano clássico para mim foi um divisor de águas. Eu comecei a aplicar essa ferramenta, que adquiri nessa época, à música popular. E acredito que isso foi fundamental na construção desse meu estilo e fez toda a diferença. Quais

foram

os

pianistas

que

te

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influenciaram?

Sempre gostei muito de Cesar Camargo Mariano e, depois, Egberto Gismonti. Tirava as coisas de ouvido. Isso me ajudou muito em relação à percepção. E é algo importante para o músico popular. Depois que comecei a fazer aulas de erudito, descobri o Horowitz. E foi aí que eu descobri o potencial do piano, o que o piano é capaz de fazer. Acredito que eu encontrei meu jeito de ter um pouco do Cesar, um pouco do Gismonti, um pouco do Keith Jarrett, um pouco do Chick Corea, de Bill Evans e, ao mesmo tempo, um pouco do Horowitz e da Martha Argerich. O Pianismo traz isso?

Sim. Ele tem um pouco das duas coisas. Eu encontrei um meio termo para que eu pudesse me satisfazer, não sendo

exatamente nem uma coisa nem outra. Acredito que o melhor termo para música clássica seria música escrita. E para a música popular, música improvisada. Música escrita no conceito de ter que tocar aquelas notas. Não que não exija criatividade, exige muita. Mas você não vai alterar nada, é uma obra. E música popular, no sentido de improvisada, mas não de ter tema e improviso ou improviso free, mas possibilidade de criação. A música é assim mas você pode mudar muita coisa. O disco tem um pouco das duas coisas, Eu diria que ele é 70 por cento escrito, apesar de ter composições e arranjos. Inclusive alguns solos no disco são escritos. Em algumas músicas, há improviso, nessa concepção do  jazz, de apresentação de tema, improviso, reapresentação etc.

     l     e     g     r      l     u      G     e     g      i     r     n     u     a      G      D      i     n      @     a      D      @

Técnica apurada: ferramenta da musicalidade 16 / setembro 2014

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NA REDE

teclas & afins

setembro 2014 / 17

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VITRINE

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Moog Music Sub 37

Metasonica - www.metasonica.com.br O Sub 37  é um sintetizador de edição limitada, baseado no premiado Sub Phatty. Pode ser utilizado em modo monofônico ou em “Duo-Paraphonic”, em que dois osciladores podem ser executados de forma independente. Conta ainda com arpegiador e Step-Sequencer programáveis e sincronizáveis, mandadas independentes de modulação, 256 presets,geradores de envoltória DAHDSR e 37 teclas sensíveis ao toque e com after touch. A edição limitada vem com a assinatura de Bob Moog no painel e lateral com acabamento em madeira.

Medeli A800

Equipo - www.equipo.com.br O teclado arranjador A800 , da Medeli, possui 61 teclas com touch response (cinco oitavas), 583 vozes, 230 estilos, cinco estilos externos, 120 songs, cinco músicas demo e polifonia de 64 notas. Entre as funções e recursos disponíveis, destacam-se One Touch Setting, Perform, Freeze, Metro, Dual, Sustain, Lower, DSP, Harmony, Synth, Free Solo, Mixer, Modulation e Pitch Bend. O conjunto de conexões oferece Phones, Aux In, Aux Out, Sustain, Volume, MIDI In-Out-Thru, USB Port, USB Device  Terminal. Como bônus, o equipamento ainda traz funções de exercícios e dicionário de acordes. 18 / setembro 2014

teclas & afins

VITRINE

Fritz Dobbert FD110 Fritz Dobbert - www.piano.com.br 

Unindo sonoridade encorpada, toque preciso e dimensões ideais para pequenos ambientes - 110 cm de altura, 148 cm de largura e 57 cm de profundidade - o FD110, da Fritz Dobbert, é um dos mais compactos pianos do mercado. O modelo oferece teclado e mecanismo produzidos e regulados sob rigoroso controle de qualidade, proporcionando toque preciso e balanceado, além de tábua harmônica de madeira de pinho maciço e estrutura reforçada. A presença de console e rodízios facilita a movimentação do FD110, produzido em série nos acabamentos Café, Preto, Imbuia, Nogueira e Branco, e com acabamento personalizado sob encomenda. A Fritz Dobbert oferece 5 anos de garantia para o FD110 e banqueta regulável.

teclas & afins

setembro 2014 / 19

VITRINE

Moog Music Theremini Metasonica - w ww.metasonica.com.br

O Theremini  é o Theremin da Moog. O som é derivado do Animoog, o sintetizador virtual da marca. A quantização de nota permite que o músico ajuste o nível de dificuldade de acordo com sua experiência. Na posição máxima, o Theremini tocará perfeitamente uma escala selecionada, fazendo que se ja impossível tocar uma nota errada. Na medida em que a função é reduzida, maior controle da nota e do vibrato são conseguidas. Com o controle no mínimo, o Theremini se comporta como um Theremin tradicional. O equipamento conta com afinador embutido e oferece altofalante embutido, saídas de headphone e efeito delay.

Música Eletrônica Uma Introdução Ilustrada Eloy F. Frtisch Editora da UFRGS

O livro de Eloy F. Fritsch, professor do Instituto de Artes e Coordenador do Centro de Música Eletrônica da UFRGS (e colaborador de Teclas & Afins)- cuja primeira edição estava esgotada desde 2010 - tem agora a segunda edição, revisada. Esta tiragem conta com a inclusão de textos no capítulo sobre composição de música eletrônica e a disponibiliza um site com os exemplos do livro atualizados para a linguagem Max 6. O leitor pode baixar os exemplos e ouvir os resultados de cada um dos programas musicais. Com esta novidade, os interessados pelo assunto poderão praticar e estudar com os exemplos do livro em seu próprio computador. O livro está disponível no site da Editora da UFRGS. (NC)

20 / setembro 2014

teclas & afins

VITRINE

Workshop De Musica Brasilei ra Antonio Adolfo Irmãos Vitale Preço sugerido: R$ 65,99

No intuito de prover o mercado de métodos e didáticas de ensino que aliassem a linguagem popular ao conhecimento erudito, Antonio Adolfo lançou este livro tendo como foco alguns dos estilos musicais mais representativos da música brasileira, como samba, bossa nova, samba funk, partido alto, choro, samba canção, baião, toada, quadrilha, xote, maracatu, afoxé e frevo. Ampliando o conhecimento do músico mediano, o autor faz uma abordagem desses estilos, discorrendo sobre características gerais, harmonia, ritmo, levadas, fraseado, ornamentação, considerações melódicas e estilísticas, bom como outras dicas para compreender melhor a música brasileira. As explicações são acompanhadas de exemplos gravados em CD. O livro também atende bem aos que gostam de criar seus próprios estilos em teclados arranjadores, trazendo os padrões rítmicos fundamentais de cada instrumento de percussão dentro de cada estilo. (NC)

teclas & afins

setembro 2014 / 21

VITRINE

Projeto Deisy Araújo

Independente O disco de estreia da pianista e compositora Deisy Araujo traz 10 faixas instrumentais, a maioria composta, arranjada e produzida por ela. Trafegando pelo “jazz brasileiro” – com influências claras de choro, bossa nova, samba e até mesmo black music-, o álbum tem bons momentos, como “Navegando”, de Marcelo Góes, e “A-son”, em que o domínio da técnica do instrumento e do estilo proposto fica evidente. Bebendo da fonte em que se saciaram vários de seus contemporâneos, Daisy mostra que está no caminho certo e que sua maturidade como compositora e intérprete não tardará a chegar. Provas disso são as faixas “Pensamento”, “Variações” e “Projeto”. Algumas faixas podem ser ouvidas no SoundCloud e o disco pode ser adquirido aqui. (NC)

Maximalista André Frateschi

Tratore Primeiro trabalho autoral de André Frateschi, Maximalista é um CD duplo com 15 faixas autorais. Produzido no estúdio Doze Dólares, por Fábio Pinczowski e Mauro Motoki, que também se apresentam no teclado e na guitarra respectivamente, Maximalista conta ainda com André Abujamra (Karnak) nas guitarras; Loco Sosa (Agridoce) e Luis Andre Gigante na bateria, Dudinha Lima (Lobão) e Zé Mazzei (Forgotten Boys) no baixo. O álbum traz a participação do pianista Mike Garson (David Bowie, Nine Inch Nails e Smashing Pumpkins) em seis faixas; “Tudo vai dar Tempo”, “Eu Não Tenho Saco”, “Gosto da Raiva”, “Isso é Coisa pra Homem”, “É Tudo Nosso” e “Queda”. Fora isso, compôs e gravou especialmente para André Frateschi “Soul Searching”, que fecha o disco. Alternando boas canções com momentos mais performáticos (herança dos trabalhos baseados em David Bowie?), Frateschi mostra-se um compositor antenado com a metrópole em que vive (São Paulo), misturando referências à sua própria história e ironias à vida na grande cidade. (NC) 22 / setembro 2014

teclas & afins

LP-180 WH

Apresentando um senso de qualidade que excede sua classe, este elegante piano digital apresenta um som rico e belo, tampa protetora, suporte em peça única e unidade de três pedais. LP-180 BK

O teclado Natural Weighted Hammer Action (NH) reproduz fielmente o toque e a pegada de um piano acústico.

Design elegante e estiloso, o LP-180 possui apenas 27 centímetros de profundidade, permitindo que seja posicionado em vários locais.

Dez diferentes sons de alta qualidade, além de efeitos de Chorus e Reverb.

Tampa protetora para as teclas - o primeiro nesta categoria de pianos KORG ® a oferecer esse recurso.

Unidade de três pedais, indispensável para performances de piano clássico.

Dois conectores para fones de ouvido para prática silenciosa ou aulas.

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Para informações técnicas e revendas autorizadas acesse:

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setembro 2014 / 23

REVIEW

Por alexandre porto

KORG Pa300 Novidade no mercado de teclados arranjadores profissionais, o Pa300 da Korg oferece ótimos timbres e estilos, além de uma ampla gama de recursos

24 / setembro 2014

teclas & afins

REVIEW

Os teclados arranjadores gozam de enorme popularidade tanto junto ao público iniciante quanto aos hobistas. Para esses, há uma grande oferta de modelos no mercado, de marcas mais ou menos conhecidas com maior ou menor reputação. Quando se trata, no entanto, de teclados de qualidade profissional, poucas são as opções que reúnem recursos de ponta a preço honesto. Com o lançamento do Pa300, a Korg oferece, tanto aos profissionais quanto aos amadores mais exigentes, um equipamento capaz de oferecer timbres e estilos de qualidade, facilidade de operação e recursos avançados, além de possibilidade de atualização. teclas & afins

Primeiras impressões O layout do Pa300 é sóbrio e simples. Sem muitas firulas, é eficiente. Seguindo o padrão da linha, o painel e o acesso aos recursos estão centralizados à frente do músico, entre os dois alto-falantes. A disposição dos botões, separados por funções, é confortável e de fácil entendimento. O display de 5 polegadas sensível ao toque permite acesso a uma grande variedade de controles na tela. O teclado possui 61 teclas (5 oitavas) do tipo sintetizador com sensibilidade ao toque. Preciso, sem jogo lateral, é silencioso no mecanismo. O joystick posicionado ao lado esquerdo do teclado substitui as tradicionais setembro 2014 / 25

REVIEW

rodas de pitch bend e modulação por um controle único. Além desses dois efeitos, mais um recurso pode ser atribuído a esse controle, a escolha do usuário. A seção PAD oferece quatro botões de acionamento e um de parada. Cada um deles pode disparar a reprodução simultânea de sons ou sequências, sincronizadas com os estilos. Dependendo dos ajustes, cada reprodução pode continuar em loop e ser interrompida mediante o acionamento do botão correspondente ou todas podem ser interrompidas ao mesmo tempo pelo acionamento do botão Stop. Dois knobs rotativos estão posicionados do lado esquerdo do painel: o controle de volume geral e o controle de balanço entre o volume do teclado do instrumento (Keyboard) em relação às pistas de acompanhamento, de songs ou dos pads. Isso permite ação rápida do músico quando necessário alterar essa relação, seja em trocas de timbres ou de estilos ou songs. O equipamento funciona em três modos diferentes: Style Play, Song Play e Sequencer. O primeiro é o modo padrão dos teclados arranjadores, em que um estilo é selecionado e reproduzido. No Pa300, os estilos possuem até oito pistas de acompanhamentos automáticos e podem ser

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executados ainda quatro timbres no teclado além de quatro PADs. No modo Song Play, podem ser reproduzidos arquivos nos formatos SMF (Standard MIDI Files), KAR ou mp3. O músico ainda pode tocar no teclado utilizando até quatro timbres, além dos quatro PADs. No modo Sequencer, o músico pode gravar, editar ou reproduzir músicas no formato SMF. Além disso, a função Backing Sequence permite gravar uma nova Song, baseada nas pistas dos estilos disponíveis no teclado, e salvá-la como SMF. Timbres A quantidade de timbres disponíveis no equipamento é enorme (mais de 950, além de 64 drum kits), mas o que chama a tenção é a qualidade deles. Os timbres reproduzidos pela tecnologia Enhanced RX realmente impressionam pela fidelidade e clareza, principalmente em se tratando de um teclado desse segmento e o irmão caçula da linha. Os timbres acústicos, como piano, violão, cordas, metais etc, respondem com profundidade e uma boa gama de harmônicos. Por conta da utilização de samplers como base para a geração dos sons, é necessário – como em todo equipamento que tem essa tecnologia como fundamento - prestar atenção à tessitura dos instrumentos a fim de explorar o melhor que cada timbre pode oferecer. Independentemente disso, há uma coleção de boas sonoridades, que atendem a diversas aplicações de praticamente todos os estilos musicais. Essa qualidade também garante que o teclado seja utilizado por teclas & afins

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músicos em bandas, sem os ritmos automáticos. Para isso também colabora o recurso de edição de timbres (Sound Edit) com o qual o músico pode alterar os parâmetros oferecidos de modo a criar seus próprios timbres ou customizar os existentes de acordo com seu gosto ou sua necessidade, desde o número de osciladores até os efeitos aplicados. Ajustes de envelope (Attack, Decay, Release), filtros (CutOff e Resonance) e modulação (LFO) estão disponíveis. Também é possível configurar o timbre para monofônico ou polifônico e usar o recurso Legato. Com um pouco de conhecimento sobre síntese sonora, é muito fácil criar sonoridades que vão desde sintetizadores analógicos vintage a naipes de cordas e metais. Para armazenamento dos sons de usuário, 256 alocações de memória estão disponíveis, além de 128 para drum kits. Nos modos Style e Song, o Pa300 permite que até três timbres sejam utilizados em camadas para a região da mão direita, além de outro para a mão esquerda. Junto ao recurso de edição, essa possibilidade eleva a customização de sonoridades a um patamar ainda mais alto. Quatro processadores de efeitos master, com 125 tipos de efeitos disponíveis (incluindo Reverb, Delay, Chorus), equalização de três bandas pra cada pista e equalizador paramétrico master de quatro bandas permitem maior controle sobre a sonoridade. A resposta aos ajustes realizados nesses recursos mostrou-se extremamente eficiente, sendo fácil conseguir alterações significativas com poucas modificações de parâmetros. A qualidade sonora mantém-

se mesmo em exercícios mais criativos. Para armazenamento de todo o conjunto de timbres, efeitos e configurações, estão disponíveis 240 alocações de memória chamadas Performances, divididas em bancos. Estilos Quem busca por um teclado arranjador de qualidade profissional quer ter à disposição acompanhamentos automáticos realistas e com riqueza de detalhes, a fim de tornar o resultado sonoro menos previsível e monótono. O Pa300 atende a esses requisitos no que diz respeito aos estilos. São 310 précarregados de fábrica, cada um com três introduções, três finalizações, quatro variações e quatro Fill In/Break, construídos sobre oito pistas. Cada estilo possui seu próprio conjunto de sons, efeitos e configurações, que podem ser utilizados pelo tecladista acionando os botões STS. O músico também tem a opção de salvar seus próprios ajustes com cada ritmo. Um grupo de quatro PADs distintos também está disponível. Para customização, é possível alterar individualmente o volume de cada elemento do acompanhamento ou desligar pistas. Desse modo, mesmo nos estilos mais simples, é fácil criar variações interessantes de modo a imprimir maior realismo às performances. Esse realismo é ressaltado por frases extremamente fieis de instrumentos de difícil reprodução, como guitarras, por exemplo, existentes nos presets. Criar os próprios estilos também não exige muito esforço, além do conhecimento musical. Para armazenamento, mais de mil alocações estãodisponíveis.Issotambémpermite carregar

Painel traseiro: apenas as conexões fundamentais teclas & afins

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Painel frontal: profusão de controles e boa distribuição

estilos desenvolvidos e disponibilizados por outros músicos e pelo próprio fabricante.

entrada para pedal, uma saída de áudio e duas portas para conexão USB 2.0. Com a utilização do Korg USB MIDI Driver, a porta USB Device pode ser usada para transferir Songs Ampliando as possibilidades de execução dados MIDI de e para um computador. Isso de playbacks para o músico (além do permite utilizar o teclado como gerador de acompanhamento automático), o Pa300 sons multitimbral respondendo a dados MIDI oferece a função Song, que permite a provenientes de um software sequencer ou reprodução de arquivos nos formatos utilizá-lo como controlador MIDI para fontes Standard MIDI File (MID), Karaoke (KAR) e MP3. externas, por exemplo. A instalação do driver, Dependendo do tipo de arquivo, é possível fornecido pelo fabricante, foi simples e rápida, e visualizar a letra, as cifras ou, até mesmo, a seu uso não apresentou qualquer problema de partitura da música na tela do equipamento. funcionamento. O uso de pen drives também Isso facilita a atuação de tecladistas que foi simples, e o equipamento rapidamente teve necessitem de apoio para a memória. A acesso às informações contidas neles. função Songbook permite organizar um show, A entrada de pedal permite a utilização de catalogando músicas e estilos juntamente apenas um acessório com função assinalável com suas configurações. pelo usuário e calibração, além de definição de Aumentando a capacidade de criação do polaridade, como configuração global. A lista Pa300, é possível gravar SMF diretamente de utilizações é extensa e o pedal pode ser um no equipamento, seja usando o sequencer auxiliar precioso durante as performances. A incorporado, seja usando os estilos de saída de áudio serve tanto para amplificação acompanhamento automático. quanto para fones de ouvido. Conexões Nesse aspecto o Pa300 é básico, oferecendo apenas as conexões indispensáveis a seu funcionamento e ao uso dos recursos disponíveis. Além de entrada de alimentação (fonte externa), o equipamento oferece uma 28 / setembro 2014

Conclusão O Pa300 se presta bem ao segmento de mercado a que é destinado, oferecendo vários recursos encontrados somente em teclados de maior valor. Para estudantes, professores, hobbistas e profissionais, alia teclas & afins

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excelente qualidade sonora, tanto de timbres quanto de estilos, e funções que facilitam as performances ao vivo – como Songbook, STS, Performances e PADs – em um equipamento leve, portátil. A profusão de botões facilita o manuseio e, em conjunto à tela sensível ao toque - que exibe grande quantidade de informações -, permite rápida alteração de parâmetros. Os alto-falantes embutidos respondem bem à amplificação de 13W por canal, sem distorções, devendo ser o modo preferível de uso do equipamento. A saída de áudio compartilhada para fones de ouvido e amplificação externa

pode causar certos embaraços, principalmente se houver necessidade de troca entre uma e outra, ou uso conjunto de ambas, como em gravações caseiras, por exemplo. O mesmo pode ocorrer em relação à conexão do pedal. Por apenas uma ser oferecida, o músico precisa escolher entre um footswitch que responde pelo sustain, por exemplo, e um controle contínuo, para volume. Como a maioria opta pelo sustain - e tendo em vista o preço sugerido de venda ao consumidor e a relação custo-benefício do equipamento -, esses são detalhes que não comprometem o uso e a qualidade do mesmo.

KORG Pa300 Preço sugerido: R$ 3.999,00 Importador: Pride Music (www.korg.com.br)

PRÓS • Mecanismo do teclado • Timbres • Realismo dos estilos • Possibilidade de importar estilos • Joystick para pitch bend • Conexões USB • Função Songbook  • Relação custo-benefício

teclas & afins

CONTRAS • Conexão compartilhada para fones de ouvido e saída de áudio no painel traseiro • Uma única entrada para pedal

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materia de capa

    o     r      d     n     a      S     x     e      l      A      @

 Antonio Adolfo:  pluralidade e pioneirismo

30 / SETEMBRO 2014

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NILTON CORAZZA

O mestre das finas misturas Mesclando elementos básicos de sua formação,  Antonio Adolfo  é a síntese da  pluralidade da música brasileira Filho de violinista da Orquestra Sinfônica Municipal do Rio de Janeiro. Parece que o destino do menino, só por essa razão, já havia sido traçado. Música, com certeza, teria parte importante em sua vida. Mas, apesar da forte influência dos clássicos, o garoto queria mais. Antonio Adolfo Maurity Sabóia nasceu no Rio de Janeiro e, aos 6 anos, iniciou seus estudos de violino e teoria musical na Academia de Música Lorenzo Fernandez, seguindo a tradição familiar. Sua professora foi Paulina d’Ambrósio, a mesma de sua mãe. Logo Adolfo percebeu que podia extrair mais de um piano. “Talvez eu sentisse falta de um instrumento mais completo, com possibilidade de fazer solos, acompanhamentos, harmonias, arranjos”, lembra o músico. Os primeiros passos ao piano foram orientados pelo professor Amyrton Vallim, que dava aulas de ouvido, mas chegou o momento em que percebeu que deveria se desenvolver e se aprofundar: “eu queria estudar piano clássico por causa da técnica. E minha mãe me recomendou, achando que já estava na hora”. Já tocando em festas, pequenos shows no colégio e na roda de amigos, Antonio Adolfo se aperfeiçoou com Heitor Alimonda e Wilma Graça. A carreira profissional teve início em 1963, como pianista do conjunto Samba teclas & afins

Cinco, participando das sessões de jazz e bossa nova do Beco das Garrafas. “Ali que me interessei por jazz, com os colegas músicos. Todos ouviam. E se tocava muito jazz”, afirma o pianista. Nesse mesmo ano, escreveu “3-D”, sua primeira composição , e formou o Trio 3-D para encenar o musical Pobre Menina Rica, de Vinicius de Moraes e Carlos Lyra. Ao mesmo tempo, com autorização do juizado de menores, apresentava-se acompanhando Leny Andrade. Essa mistura de influências – do erudito, do  jazz, da bossa nova e da música popular – foi a base da identidade musical de Antonio Adolfo, que como pianista, tecladista, compositor, arranjador e educador, atuou em diversos segmentos, desde teatro infantil e adulto à televisão e ao cinema, em uma trajetória de sucessos como “Teletema”, “Tema Triste”, “Sá Marina”e “BR3”, participando, como arranjador e músico de estúdio, da gravação de discos de Elis Regina, Edu Lobo, Chico Buarque, Caetano Veloso, Nara Leão e Maria Bethania, entre outros. Essa pluralidade também rendeu frutos em outras áreas. Como produtor, é considerado o pioneiro da produção independente no Brasil, por causa do lançamento, em 1977, do LP Feito em Casa, primeiro de uma série SETEMBRO 2014 / 31

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realizada sob o selo Artezanal. Dedicandose à música brasileira, lançou na década de 1980 os discos Os Pianeiros - Antonio  Adolfo Abraça Ernesto Nazareth e Viva Chiquinha Gonzaga , entre outros. Em 1985, montou o Centro Musical Antonio Adolfo, atuando nas funções de diretor, músico, arranjador e professor. Paralelamente a isso, publicou o “Livro do músico”, uma série de três livros sobre piano e teclado, “Composição: o processo criativo brasileiro” e “Arranjo: um enfoque atual”. Para o mercado internacional, produziu o vídeo didático “Secrets of Brazilian Music” e o livro com CD “Brazilian Music Workshop”. Foi convidado então a ministrar cursos por todo o mundo, especialmente nos Estados Unidos onde vive atualmente, sobre nossa música. Diretamente de Nova York, e exclusivamente para Teclas & Afins, o pianista falou sobre música, misturas e carreira. Qual a importância da música erudita e da convivência com os músicos da noite em sua formação?

Nos dá disciplina, algo de que a gente precisa, posição correta e técnica. Penetrase em um repertório mais elaborado. Isso, complementado com a convivência com os músicos da noite que tocam música popular e jazz, que improvisam, me trouxe o que eu realmente precisava. Eu ensino música popular, mas o aluno precisa aprender a técnica correta e ler música. Isso é muito importante, porque senão ele fica um pouco “capenga”. É preciso ter uma formação maior. Eu aplico elementos de música erudita nos próprios métodos que tenho, tanto de piano quanto de harmonia. Como foram seus estudos com Guerra Peixe, Nadia Boulanger e Esther Scliar?

Foram voltados para composição e arranjo. Com a Nadia Boulanger fiz o curso de harmonia e com a assistente dela eu fazia o curso de leitura de partitura de orquestra, a chamada score. Com Guerra peixe fiz composição. A Esther Scliar ensinava elementos dos dois, composição e arranjo. Tive uma formação bem sólida nesse aspecto. Essa mistura de estilos não atrapalha o músico?

O erudito é uma didática que vem da Europa. De jeito algum. Uma coisa complementa a

O Piano de Antonio Adolfo  e Rio, Choro, Jazz... : os mais recentes lançamentos do músico 32 / SETEMBRO 2014

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materia de capa

    s     e      d      i     n      i      t     n     a      t     s     n     o      C      l     u     a      P      @

 Acom panhador, arranja dor, sideman, maes tro: trajetória de sucesso com Zizi Possi   Antonio Ado lfo: mistura fina d e jazz , música popular e erudito

outra. Hoje os músicos são bem ecléticos nesse sentido. Os músicos com mais formação são os mais competentes, os que fazem coisas mais elaboradas, seja em  jazz, música popular ou música erudita. Mesmo que ele se dedique mais à música popular, tendo formação erudita ele sabe o que está fazendo de forma mais eficiente. Ao mesmo tempo, os músicos eruditos tentam se aproximar da música popular. Há muitos pianistas que tem tocado Ernesto Nazareth, que é um músico e compositor popular. Não é erudito. Erudito é o que trata com polifonia, com outras coisas. Ele tinha formação erudita, mas foi um dos pioneiros nisso de misturar o lundu com polca. Muitos dos músicos eruditos, trocam o erudito pelo popular. O Jacques Morelenbaum, por exemplo. O pai dele era regente da orquestra sinfônica em que minha mãe era teclas & afins

violinista. E o Jacques era celista, só tocava música clássica. Há o Paulo Sérgio Santos, no clarinete. E tem quem faça as duas coisas, como o Paulo Moura, que tocava de dia nas orquestras sinfônicas e de noite nas gafieiras e no Beco das Garrafas. Como vê o paralelo entre choro e ragtime, bossa nova e jazz etc?

A música americana, a brasileira e um pouco da caribenha, por exemplo, têm origens muito próximas. A África com seu ritmo muito forte, a Europa com a música erudita. O Brasil e a América Hispânica também têm influência muito forte da Península Ibérica e dos mouros que ficaram por lá por muitos anos. Foi a música europeia daquela época que invadiu o Brasil, seja na música erudita ou na popular. E o Brasil e os Estados Unidos têm muitas semelhanças, como Ernesto Nazareth e Scott Joplin. Há uma música de SETEMBRO 2014 / 33

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 Antonio Ado lfo e o piano: mais possibilidades que o violino

Ernesto Nazareth que gravei no disco Rio, Choro, Jazz..., chamada “Não Caio Noutra”, em que coloquei um estilo ragtime. Ela não é um ragtime, mas a construção, a forma de rondó, A-A-B-A-C-A que vem da polca, o formato europeu, também se usava em ragtime. As influências eram de regiões próximas, não as mesmas, por isso há diferenças. Quem imigrou para os Estados Unidos foram escravos de outros locais, e os europeus também foram outros. Mas há muitas semelhanças no jazz e na bossa nova também. Os músicos brasileiros tiveram muita influência do jazz e fizeram uma nova roupagem para a música brasileira que, assim como o jazz, conquistou o mundo. Como surgiu a ideia do CD O   Piano 34 / SETEMBRO 2014

de

 Antonio Adolfo ?

O Piano de Antonio Adolfo  é um disco que mistura o mestre Tom Jobim, música americana como “All The Things You Are”, choros do K-ximbinho, do Pixinguinha e do Jacob do Bandolim, Guinga. Não coloquei Nazareth porque eu tinha acabado de gravar o Rio, Choro, Jazz... Minhas, tem “Teletema” e “Chora Baião”. É um disco de piano-solo para a Deck (gravadora). Conheço o João Augusto (jornalista e produtor, fundador da Deck) há muito anos. Ele já produziu discos em que fiz arranjos. É um admirador da música que faço e também do piano. Tanto que comprou um piano para o estúdio. O João Augusto me disse: “Antonio, quero que você faça um disco totalmente livre. Grave o que teclas & afins

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quiser, mas acho importante que a palavrachave disso tudo seja ‘emoção’”. Eu achei maravilhoso. É a coisa que mais me cativa quando toco. Quando se faz solo, você pode se soltar mais, porque está conversando consigo mesmo. Nesse CD, eu toquei músicas que geralmente faço em solo. Nos shows, há um momento solo, em que gosto de apresentar algo só de piano. A maioria delas já toquei em shows e é de músicas que remetem à minha carreira, principalmente durante os 15 últimos anos. Ou são músicas que não gravei anteriormente mas que achei que ficariam bem em piano-solo. Há músicas que nunca toquei em show, como “Canção que Morre no Ar” do Carlos Lyra e Ronaldo Bôscoli. Me lembro que, quando tinha 18 anos, aprendi essa música, que é lindíssima. Estava estudando com o Amyrton Vallim. E tem “Radamés y Pelé”, de

Tom Jobim, que eu namorava também, mas nunca tinha gravado. Coloquei um pouco da minha contribuição ali como compositor, mexendo às vezes em uma nota ou outra, não só nessa, mas em outras faixas também. Como a palavra chave era emoção, não quis fazer um disco de músicas muito rítmicas. Tem coisas mais rítmicas, claro, mas o que domina é o lado mais introspectivo. Você como compositor atuou no cinema, na TV, em festivais, no teatro. Como é trabalhar para um determinado objetivo?

Trabalhar para um objetivo específico não deixa de ser uma motivação para criar. E tudo que seja uma motivação para criar é estimulante. Quando pediam para fazer música para cinema, como Sonho Sem Fim , por exemplo, daquela trilha, no fim, houve uma música que consegui gravar depois, o “Trem da Serra”. É preciso entrar

 Antonio Ado lfo, Carol S aboya (sua filh a) e Clau dio Spiewak: jaz z latino e música brasileira teclas & afins

SETEMBRO 2014 / 35

materia de capa

Técnica apurada: herança do erudito

no universo daquele objetivo, seja cinema teatro, o que for. Até mesmo um disco. Às vezes, estou preparando um disco e penso: “está faltando uma música aqui, no estilo tal, para se encaixar”. Fiz isso no O Piano de Antonio Adolfo. Nesse disco também havia um objetivo: fazer um disco com minhas características todas, com piano-solo. Apesar de não ter composto especificamente nenhuma música para esse disco, fiz os arranjos, que é uma forma de composição, de criação. Hoje em dia, é difícil separar o que é arranjo e o que é composição. O próprio Tom Jobim, principalmente na última fase, em que ele regeu, ele compôs muitas músicas que não se sabe onde começa o arranjo e o que é composição. Esses convites para compor me estimulam muito. Gosto muito desses desafios, não só para compor mas para fazer arranjos também.

O fato de ter me dedicado ao ensino foi muito influenciado pela admiração que tive pelos meus mestres. Não vou citar cada um, mas a a partir das aulas com Nadia Boulanger, que me impressionou muito como mestra, comecei a me interessar a passar meus ensinamentos. Outro fato que me estimulou muito foi o não haver ainda, quando comecei a lecionar, em 1975, uma didática competente para música popular, em que fosse possível juntar os elementos de música erudita, de ensino mais tradicional, com elementos do aprendizado do dia a dia que se tem quando é musico, quando atua

NA REDE

Falando em desafios, como decidiu seguir a carreira pedagógica? 36 / SETEMBRO 2014

teclas & afins

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tocando. Isso me estimulou muito a dar aulas. Mas começou a acontecer o seguinte: as pessoas me procuravam e perguntavam: “você tem algum professor de contrabaixo para indicar? Tem algum professor de bateria? Eu queria aprender flauta...” Então pensei: “vou chamar meus colegas músicos para darem aula também, junto comigo”. E foi se criando um núcleo que virou o Centro Musical Antonio Adolfo, que tem sede no Rio de Janeiro. No exterior, nos workshops, o ensino é dedicado à música brasileira.

Jobim. Mas não era uma música conhecida. Estávamos desbravando um terreno, uma cultura, com a música brasileira. Tenho certeza de que se a Elis vivesse hoje, seria um estrondoso sucesso mundial. Naquela época ela não teve muito reconhecimento internacional, como merecia. Desde que foi lançada a bossa nova, a música brasileira que vingou e que acontece aqui até hoje é a bossa nova, por incrível que pareça. Disso, 95% é Tom Jobim. O resto é muito pouco. Os clubes de samba-jazz também Com a internet, os músicos de todo mundo ainda formam um público muito pequeno têm mais acesso à nossa música. Isso se fora do Brasil. É pequeno se comparado aos grandes mercados da música pop, mas traduz em mais facilidade para tocá-la? Sim. Na internet você encontra muitas é grande se comparado ao tipo de música fontes de aprendizado. Quando toquei com que faço, um pouco mais elaborada, com a Elis Regina na Europa, em 1968-1969, o essas características bem nossas, com pessoal só conhecia “Aquarela do Brasil” e sabor de jazz. A mídia emitida por ondas tinha ouvido falar de Sergio Mendes e Tom de frequência, rádio e TV, só abraça o que

 Antonio Ado lfo e Carol Saboya: musicalidade em família teclas & afins

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é muito popular, porque há uma luta muito grande pela audiência. Mas a mídia escrita, sempre deu mais força para músicos com grande qualidade. E isso também ocorre fora do Brasil. Aqui existem rádios que só tocam jazz. E existem as paradas de jazz, como as de outros estilos. Tenho sido muito bem recebido pelas estações de rádio. Meus discos mais recentes, Chora Baião, Finas Misturas e o Rio Choro Jazz, todos entraram entre os mais tocados nas estações de  jazz, que são rádios públicas, a maioria, ou estações de Universidades. Essa é a diferença. No Brasil, há a rádio pública também. Mas aqui a quantidade é muito maior. Mas em comparação ao bolo do mercado, ainda é uma fatia muito pequena. Com o Feito em Casa, você já estava anunciando para o mercado o que iria acontecer com as gravadoras e abriu o caminho da música independente no Brasil. Como vê isso?

É algo que se realizou muito bem. Hoje em dia, 95 por cento dos títulos são lançados por Emoção: combustível e objetivo selos independentes ou de autoprodução. É como faço: só produzo meus discos. A produção independente é uma grande realidade. Em termos numéricos, passou de longe os lançamentos das grandes gravadoras. As majors atualmente têm casts muito pequenos. Por exemplo, o João Augusto (Deck), era independente e se transformou em uma gravadora de médio porte. Não digo grande porte porque de grande porte são as multinacionais. Mas ele tem um casting maior, de vários estilos musicais. A produção independente vingou bastante. Hoje em dia, com a internet, você pode lançar uma música mesmo sem ter um disco físico. Aquilo que existia de que para uma música fazer sucesso tinha que entrar numa novela, não é mais assim. Hoje, às vezes, ela entra na novela porque está fazendo sucesso na internet. Feito em Casa: pioneiro da produção independente 38 / SETEMBRO 2014

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SINTESE

POR ELOY FRITSCH

Museu do Sintetizador Criado em 2010, o Museu do Sintetizador não durou muito tempo fisicamente, mas a energia empregada foi suficiente para que uma equipe de profissionais e estudantes que trabalharam arduamente no projeto produzissem a versão virtual 

O Museu do Sintetizador foi criado para a Exposição Música, Ciência e Tecnologia ocorrida de 9 de agosto a 5 de novembro de 2010 no Museu da Universidade Federal do Rio Grande do Sul em Porto Alegre. Com financiamento do CNPq e da própria Universidade, 6902 visitantes passaram por ele. Um variado acervo de sintetizadores foi reunido e apresentado ao público permitindo aos interessados conhecer e interagir com instrumentos eletrônicos usados por expoentes da música moderna. As informações do acervo do Museu do Sintetizador (MS) são ampliadas através do Museu Virtual do Sintetizador (MVS) – um portal para acesso remoto contendo informações multimídia sobre música eletroacústica e assuntos correlatos. Museu do Sintetizador

O projeto foi desenvolvido para ser uma mostra interativa de instrumentos eletrônicos, com painéis fixados na parede contendo

informações sobre a utilização de cada tipo de instrumento. O contato com os equipamentos possibilitou aos visitantes explorarem os recursos musicais e conhecerem mais a respeito de instrumentos modernos, compositores, músicos e repertório eletrônicos. No espaço, foram disponibilizados desde os primeiros sintetizadores portáteis comerciais, como o Synthi AKS e o Minimoog, até a estação musical de trabalho computadorizada Korg Oasys. Além dos destaques internacionais, foi criada a sessão Made in Brazil para exibir sintetizadores e teclados eletrônicos fabricados por aqui pelas empresas Labolida, Giannini, Gambit e Tokai. Os visitantes foram convidados a explorar os recursos dos sintetizadores para criar e modificar sons. A audição individual foi realizada com fones de ouvido e, para demonstrações, foram utilizadas caixas amplificadas. Os mediadores auxiliaram na utilização dos instrumentos, explicando o funcionamento e quais as principais funções de cada item

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Vista aérea dos instrumentos expostos e visitantes no Museu do Sintetizador  40 / setembro 2014

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sintese

Espaço para audição de música criada com sintetizadores

do Museu. Conforme pode-se observar nas imagens, os sintetizadores foram dispostos em um retângulo sobre mesas e painéis foram fixados informando a ficha técnica de cada um. Textos explicativos sobre o instrumento, imagens de músicos que utilizaram o mesmo modelo de instrumento e uma sugestão de uso orientam o visitante sobre o uso. No centro da sala, cercado por sintetizadores, ficou exposto o Theremin. Esse instrumento foi ligado para que os visitantes interagissem com ele ao aproximar e distanciar as mãos das antenas para produzir os sons. Além dos sintetizadores expostos, foi projetado um espaço para o visitante realizar uma escuta intimista, aconchegante, por meio de fones de ouvido. O espaço para audição de música sintetizada foi constituído de pufes, fones de ouvido, reprodutores mp4 e painel composto por capas de álbuns clássicos do repertório para sintetizadores. Este espaço de audição teve a intenção de ampliar o repertório musical dos visitantes. Os pufes proporcionaram o conforto necessário para uma audição mais prolongada e foram muito disputados pelo público. Os players mp4 foram preparados com mais de 12 horas de música e acionados no início da abertura da exposição para serem desligados somente no final. Estavam acomodados em caixas com os teclas & afins

fones suspensos sobre os pufes. Desse modo, o visitante poderia apanhar o fone, deitar-se no pufe e ouvir a música. As capas dos LPs correspondem a alguns dos álbuns ouvidos pelos visitantes.

Espaço para audição de músi ca composta com sintetizadores.

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SINTESE

o conteúdo para organizá-lo e possibilitar a O MVS é primeiro museu virtual sobre recuperação a partir da base de dados. Essa sintetizadores do Brasil e pode ser acessado divisão em períodos foi realizada levandopelo endereço www.ufrgs.br/mvs . Já que o se em consideração critérios norteados por custo para manter um museu físico aberto ao grandes avanços tecnológicos e musicais. público seria muito elevado - e a possibilidade Foi criada, então, uma linha de tempo, de tornar o projeto itinerante era remota para permitir que o usuário realize a busca -, a solução foi criar o Museu Virtual. O MVS exploratória. Essa linha de tempo é o recurso é um portal para acesso remoto contendo central do MVS e está dividida em sete informações multimídia sobre música períodos, apresentando textos, imagens, eletroacústica, música instrumental para arquivos de áudio e vídeos sobre a evolução sintetizadores, músicos eletrônicos, história, da música eletrônica e da tecnologia, os conceitos, tecnologias, sistemas, compositores, primeiros instrumentos eletrônicos, os cientistas, inventores, instrumentos, exemplos avanços da ciência na música, composições e a produção de composições eletroacústicas. realizadas com tecnologia eletrônica, O sistema possibilita que o usuário navegue contribuições dos inventores, compositores pelas páginas e explore o conteúdo e novos instrumentos. multimídia da base de dados. Por causa do A linha de tempo é equivalente a um grande volume de informação pesquisado, foi índice que inclui o ano, a descrição do preciso desenvolver uma maneira de dividir acontecimento, um breve resumo e, quando Museu Virtual do Sintetizador

 Janela principal do MVS e a linha do tempo (toque ou clique para acessar o site) 42 / setembro 2014

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sintese

for o caso, um link para o conteúdo no MVS. Existe uma linha de tempo para cada período. Quando o usuário clica sobre o evento, o conteúdo correspondente surge na janela abaixo da linha de tempo. O conteúdo do site é volumoso e a busca exploratória pode demorar. Mas, para pesquisas objetivas, o usuário dispõe do recurso de busca por caracteres. Essa busca direta no site pode ser feita digitando a palavra desejada ou os caracteres desejados, no campo de busca. O mecanismo do MVS, desenvolvido em Java Script, lista todos os itens da base de dados que possuam os caracteres pesquisados. Entre os vários recursos do MVS está a Rádio Virtual CME ON-Line, elaborada em 2007 por meio de projetos de ensino à distância. A rádio foi incorporada ao MVS para divulgar a produção de música eletroacústica, experimental e computacional da UFRGS. A inclusão das composições no formato mp3 é realizada pelo Centro de Música Eletrônica da UFRGS (CME). Por meio do Museu do Sintetizador foi possível observar a expressiva quantidade de pessoas interessadas no assunto e que estiveram presentes na exposição, interagindo com recursos e buscando aprender sobre o tema. A continuidade do trabalho está no Museu Virtual, cujo conteúdo multimídia e a informação na língua portuguesa podem ser acessados livremente. Espera-se que essas iniciativas

Imagem do painel do Theremin e seu inventor, Leon Theremin

contribuam para ampliar o conhecimento da comunidade sobre o assunto. A partir dessa experiência local, será possível criar um modelo de exposição iti-nerante, que leve o conhecimento artístico, científico e tecnológico para outras regiões do Brasil.

Catálogo Online da Exposição

 Janela da Radio CME on-line teclas & afins

Eloy F. Fritsch Tecladista do grupo de rock progressivo Apocalypse, compositor e  professor de música doInstituto de Artes da UFRGS onde coordena o Centro de Música Eletrônica. Lançou 10 álbuns de música instrumental tocando  sintetizadores, realizou trilhas sonoras para cinema, teatro e televisão. setembro 2014 / 43

mestres

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Rick Wakeman: as mãos mais ágeis do rock progressivo 44 / setembro 2014

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cristiano ribeiro

O mago dos teclados O auge da carreira-solo de Rick Wakeman pode ser resumido em três álbuns que, juntamente ao seu trabalho coma banda YES, fizeram dele um dos mais conceituados tecladistas da história Ícone das teclas, Rick Wakeman, indiscutivelmente, é um pioneiro no uso de teclados eletrônicos, principalmente no rock progressivo. Domina com maestria vários instrumentos de teclas, como sintetizadores, pianos, órgãos, clavinets etc, e acabou não tendo sua figura vinculada a um ou outro: a imagem que o identifica é daquele cara cercado por pilhas de teclados nos palcos. O Minimoog é o único equipamento que sempre esteve presente no seu set, e que pode ser considerado seu grande parceiro. História

Nascido no dia 18 de maio de 1949 em Londres, Inglaterra, Wakeman iniciou seus estudos musicais com aulas particulares de piano erudito em 1955. Esse período - e os imediatamente posteriores, em que passou por várias escolas - foi decisivo para a construção de sua linguagem musical e sua técnica, ambas baseadas na música clássica. Em 1968, ingressou na Royal College of Music e, no ano seguinte, iniciou sua carreira. A primeira banda que integrou foi a de Ronnie Smith e, no mesmo ano, se juntou à banda The Spinning teclas & afins

Wheel, além de atuar como músico de estúdio, chegando a gravar ao lado de David Bowie. O grande trampolim em sua carreira aconteceu em 1970, quando ingressou na banda The Strawbs. Foi um concerto do grupo no Queen Elizabeth Hall, mais do que qualquer outro evento até aquele ponto, que chamou a atenção da mídia para Wakeman. O Melody Maker   (tradicional publicação sobre música do Reino Unido) resumiu o que viu – e ouviu - em sua manchete: “Superstar do Amanhã”. O The Strawbs cresceu em popularidade e o tecladista despontou como músico tanto nos palcos quantos nos estúdios. Estima-se que  já tenha participado de mais de 2 mil faixas de diferentes artistas e bandas, como Black Sabbath, Cat Stevens (“Morning Has Broken” é a mais lembrada), Mary Hopkins, Cilla Black, Clive Dunn, Elton John, Edison Lighthouse, David Bowie, Lou Reed, Dana, Des O’Connor, Magna Carta, Al Stewart, Ralph McTell, Butterscotch, Biddu e Harry Nilsson, entre outros. Em 1971, Wakeman participou de um segundo álbum com o The Strawbs, intitulado From The Witchwood . No mês de agosto desse ano, deixou a banda para se juntar setembro 2014 / 45

mestres

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 Journey to the Center of the Earth: nova turnê em 2014

ao YES, grupo que deixou e retornou por quatro vezes. Excursionou pela América pela primeira vez e participou do clássico álbum Fragile, considerado por muitos como um compêndio do rock progressivo. No final do ano, assinou contrato com a A & M Records e gravou “Catherine of Aragon”, a primeira faixa de seu álbum de estreia, no Trident Studios, em Londres. A base de “Catherine of Aragon” foi originalmente escrita por ele para o Fragile com o nome de “Handle With Care”. No ano seguinte, o músico grava com o YES o clássico Close to the Edge  e a banda se estabelece no mundo inteiro como líder do rock contemporâneo. Simultâneamente, Wakeman continua as gravações de seu projeto, alternando períodos de estúdio com a banda, até que, em 1973, lança o álbum The Six Wives of Henry VIII . Apesar da crítica um tanto quanto indiferente, e muito receio 46 / setembro 2014

da gravadora em lançar um LP totalmente instrumental, o álbum foi um grande sucesso em todo o mundo. Ao lado do YES, lança Yessongs  e, no fim desse mesmo ano, Tales from Topographic Oceans , saindo em excursão para divulgá-los.  Journey to the Center of the Earth

Provavelmente o ano mais importante na carreira de Wakeman tenha sido 1974. Esse foi o ano do lançamento de  Journey to the Center of the Earth  (Viagem ao Centro da Terra). O álbum foi gravado ao vivo, no segundo de dois concertos realizados no dia 18 de janeiro, no Royal Festival Hall, em Londres. O disco é baseado no romance de ficção científica de Jules Verne que conta a história do Professor Lidenbrok, seu sobrinho Axel e o guia Hans, que descobrem uma passagem para o centro da terra, anteriormente descoberta por teclas & afins

mestres

Arne Saknussemm, um alquimista islandês. A London Symphony Orchestra, o English Chamber Choir e uma seleção de músicos escolhidos que formaram a banda The English Rock Ensemble, além do ator David Hemmings como narrador, acompanham Wakeman na empreitada. O disco todo foi gravado por um estúdio móvel de 16 canais acomodado dentro de um trailer. Wakeman queria que ambas as apresentações fossem gravadas a fim de escolher os melhores trechos, mas a London Symphony Orchestra exigiu pagamento dobrado se isso ocorresse. Wakeman, então, tomou a “assustadora decisão de graver apenas a segunda sessão com a esperança de que não houvesse muitos erros. O álbum recebeu críticas ambíguas. Parte o chamou de “pastiche clássico”, “realmente terrível” e “exagero brutal de sintetizadores”, ao passo que outros consideraram que “a música surge magnificamente”, “um trabalho impressionante que só ocasionalmente cai em pretensão” e “divertido, fresco e despretensioso...esta poderia ser a trilha para um musical de Hollywood: melodioso, mas com tons épicos”. Atualmente, os críticos são mais realistas, como frases como “uma das maiores conquistas do rock progressivo” e “conglomerados interessantes da música orquestral e sintetizadores”. O disco angariou um disco de ouro, uma nomeação para o Grammy e um total de 14 milhões de cópias vendidas em todo o mundo. A sequência do trabalho foi excursionar pelo mundo acompanhado de orquestras e corais locais.

NA REDE

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Outros trabalhos

Durante a turnê, já em 1975, Wakeman passou mal ao final de um show e foi internado após uma suspeita de um pequeno ataque cardíaco. No hospital por algumas semanas, escreveu o The Myths and Legends of King Arthur and the Knights of the Round Table (Mitos e Lendas do Rei

Arthur e os Cavaleiros da Távola Redonda), completando sua trilogia de grandes sucessos. No ano seguinte, lançou No Earthly Connection,  também com o English Rock Ensemble, e a música para o filme White Rock . Ao auge do rock progressivo seguiu-se um período turbulento. Wakeman continuou realizando álbuns ainda de certa repercussão como Rick Wakeman’s Criminal Record , Rhapsodies e MAYBE ‘80. Mas o progressivo não chamava mais a atenção. Apesar da enorme produção fonográfica - participou de centenas de produções, nem mesmo ele sabendo ao certo quantos álbuns produziu entre solo, trilhas e artistas para quem gravou – os tempos de glória se foram e Rick Wakeman é cultuado como “gênio” e “detentor das mãos mais ágeis do cenário musical”. setembro 2014 / 47

mestres

“Journey to the Center of the Earth” Solo Minimoog (4m25s)

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Setup de Rick Wakeman em Journey to the Center of the Earth

Três Mellotrons Dois Minimoogs Grand piano Órgão Hammond Piano Rhodes Piano elétrico RMI Clavinet Hohner Piano honky-tonky 48 / setembro 2014

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O Privia PX Pro-5S é ideal tanto para o palco quanto para estúdios. Com timbres Morphing AiR, sintetizador, teclado de quatro zonas, arpejador e Phrase Sequencer, o PX-5S reúne piano digital de sonoridade incomparável, poderoso teclado controlador e sintetizador em um só equipamento.

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livre pensar

POR ALEX SABA

Profanação! Quem não consegue tocar os timbres exatos, nas formações exatas, da forma exatamente igual aos dos originais, que se  permita tocar sua própria versão daquela música ou daquela banda. Ouse, crie, permita-se... profane! 

Outro dia, em uma loja de CDs (sim, elas ainda existem) de um amigo, o assunto “bandas cover”veio à tona. Ele, aprovando, e eu, com um pé atrás. Por sorte, ninguém estava tentando convencer o outro de nada, mas a conversa cai bem para ser colocada aqui, afinal essa coluna é mesmo um livre pensar. Para estarmos em pé de igualdade, vou logo dizendo que não gosto de cover do tipo “réplica exata”. Sei que há um público para isso, mas, por outro lado, meu gosto pessoal é de não apreciar essas réplicas perfeitas. Vários grupos fazem isso

- tocar igual - e acredito que, por um lado, merece nota zero em criatividade. Na hora de tocar algo de outra banda, o artista deve colocar o talento individual e o coletivo a serviço da música e não da cópia. É legal fazer coisas como um tributo a A, B ou C, mas fazer um tributo criando novas versões também é. Sempre foi assim com grandes músicos, de Charlie Parker aos clássicos ou, ao contrário, dos clássicos a Charlie Parker. Nos clássicos, o que mais chama a atenção são as versões de cada maestro e de cada orquestra. São

Pink Floyd: cover de si mesmo 50 / SETEMBRO junho 20142014

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livre pensar

a mesma música, as mesmas notas, mas a energia é outra. E é em relação à energia que a coisa pega. Quando alguém gravou aquilo, tinha a energia do momento, de tudo o que estava acontecendo na vida dele e no mundo. Então, por mais que se queira se aproximar daquilo, geralmente não se chega nem perto. O Pink Floyd tinha uma ótima banda cover chamada... Pink Floyd! Ao comparar a energia das duas, pode-se perceber que a primeira tinha um “quê” especial que se perdeu. Mesmo com a presença dos quatro membros originais, não era a mesma coisa. O Genesis tem várias bandas covers - inclusive a Genetics que está vindo ao Brasil. A Musical Box, outra banda cover deles, é legal porque deixa claro que querem reproduzir exatamente tudo como era feito ao vivo. É a proposta. A Genetics chega perto disso, mas falha no vocalista, que não é nem sombra do que Peter Gabriel era. Tocar um cover pode ser um tremendo exercício de criatividade. Ser uma banda que só toca músicas de outra banda também pode ser isso. Mas é preciso colocar algo a mais. É preciso “profanar” a imaculada interpretação ou composição e dar-lhe outro toque. O Genesis tem uma banda cover chamada Steve Hackett. É delicioso ouvir o ex-guitarrista “profanando” arranjos que, em alguns casos, ele mesmo fez.“I Know What I Like”(do primeiro álbum, Genesis Revisited ) ficou fantástica por ele. Foi um sopro de vida nova a essa e a várias outras músicas conhecidas. Afinal, se você quer ouvir as músicas conhecidas, por que não pegar o disco e colocar para tocar? Exercício de criatividade

Quando eu tocava em um quarteto de jazzrock nos anos 80, ao encararmos uma música tocada por outros, mesmo que fosse um standard de jazz, era pra desmontá-la e depois remontá-la. Nosso hábito era o de tocar a música da maneira convencional várias vezes teclas & afins

 Steve Hackett: reconstruindo o Genesis

até estarmos confortáveis com ela e depois, aos poucos, nos afastávamos dessa linha. Como era um grupo instrumental, não tínhamos vocalista, era fácil quando a música tinha letra, porque só a ausência de voz já nos deixava fora da zona de conforto. Mas, ao mesmo tempo, tínhamos que ter muito cuidado pra manter as linhas melódicas realmente melódicas. E é possível fazer isso com qualquer música. Imagine um trio de violões com um cantor com a voz do Eddie Vedder. Pois esse trio fazia várias versões de outras músicas e a coisa ia a extremos. O El Kabong teve enorme sucesso pelos bares da vida no final dos anos 90 fazendo exatamente isso. Como não era uma banda de composições próprias, não estava nos planos durar muito, mas enquanto tocaram, aproveitavam sua instrumentação para tirar o máximo de cada música. É um trabalho de retirar aquilo que não faz parte, que não é a música, e ficar com a essência dela. O Roupa Nova era uma banda de bailes que tocava versões e que se tornou um tremendo sucesso, deixando de animar bailes pra ser a atração principal deles. Eis um bom exemplo SETEMBRO junho 2014 / 51

livre pensar

The Piano Gu ys: criatividade

de banda cover que soube aproveitar sua experiência nos palcos e nos estúdios para fazer seu próprio som. Existem inúmeras versões de boas músicas por outros músicos. E quando eles colocam sua criatividade nisso, podem transformá-las em outro sucesso. Quantas versões de “What’s Going On” de Marvin Gaye se conhece? Como esquecer a genial versão de Joe Cocker para “With a Little Help from my Friends”? Ou a suave versão dos 10.000 Maniacs para “Peace Train” de Cat Stevens (hoje, Issuf Islam)? Miles Davis fez o mesmo com Michael Jackson ao regravar “Human Nature”. A lista é longa. Não quero dizer com isso que não se deve fazer versões fiéis às originais, mas que os músicos se permitam “profanar” as obras que amam. Que sua criatividade aja não apenas para reproduzir alguma coisa, mas para ir além, propondo uma nova visão: a sua. Elis Regina era mestre nisso. Suas versões das músicas dos compositores então novos, como 52 / SETEMBRO junho 20142014

Ivan Lins, Gonzaguinha, João Bosco, Aldir Blanc, Belchior, davam um novo olhar sobre aquilo que eles haviam criado. E o público amava ouvir essas coisas na voz dela porque ela realçava em cada verso o sentimento do autor. Hoje em dia existe um grupo de cinco caras (mas só dois são músicos) chamado The Piano Guys. São especialistas em refazer sucessos do rádio de forma instrumental para piano e violoncelo. Com a ajuda de um bom arranjador e, por vezes, com participações especiais geralmente nos vocais, conseguem provar que uma boa versão pode ser completamente diferente do original.  Alex Saba Tecladista, guitarrista, percussionista, compositor, arranjador e produtor com quatro discos instrumentais solo e um disco ao vivo com sua banda Hora do Rush, lançados no exterior pelo selo Brancaleone Records. Produziu e dirigiu programas para o canal TVU no Rio de Janeiro e compôs trilhas para esses programas com o grupo Poly6, formado por 6 tecladistas/compositores. Foi colunista do site Baguete Diário e da revista Teclado e Áudio. www.alexsaba.com.br  teclas & afins

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TRILHA MUSICAL

POR MAURICIO DOMENE

Relação música – tempo “- Mas, mãe, eu não preciso estudar matemática. Eu vou ser músico... - Filho, a gente nunca sabe o que vai vai usar na vida, por isso isso tem que estudar de tudo!”.

Na reunião com o diretor do filme, o compositor fica sabendo que a trilha deve ter 42 segundos de duração e mudar de clima aos 17 segundos. De nada adianta compor melhor que o Hans Zimmer e o John Williams juntos se ele não conseguir seguir essas diretrizes. O andamento de uma música é definido em BPM (beats per minute ou batidas por minuto). Desse modo, 120 BPM significa que em um minuto haverá 120 pulsos - ou batidas, para manter o significado da sigla. Se

a composição for em compasso 4/4 (quatro batidas por compasso), trinta compassos serão reproduzidos em 60 segundos. Se o compositor diminuir o BPM da música, o trigésimo compasso vai acontecer depois dos 60 segundos. Se a fórmula do compasso for alterada para 3/4 (um pulso a menos por compasso do que 4/4), o trigésimo compasso vai acontecer antes dos 60 segundos. Há uma relação entre Andamento  Andame nto, Número de Compassos, Fórmula de Compasso  e Tempo. A fórmula matemática é a seguinte:

 Andamento = Número de Compassos X Compassos X Fórmula de Compasso X Compasso X Tempo  Tempo

(onde Tempo Tempo = 60/x, pois p ois o BPM é medida por minuto, e segundos serão usados no cálculo):  A = N * C * 60 x 

Com essa fórmula, é possível calcular tudo de que se precisa para ter o mapa de andamento da música a ser criada. Para encontrar o Número de Compassos, basta inverter a fórmula: N = Ax 60C 

Por exemplo, se for desejado que o andamento seja 135 BPM e a fórmula de compasso 4/4, quantos compassos o compositor terá aos 42 segundos? N = (135*42) = 23,625 (60*4)

Arredondando, Arredondando, 23,5 compassos. 54 / SETEMBRO 2014

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trilha musical

Lembre-se de que o primeiro compasso é o 1; a contagem não começa do zero. A música tem que acabar no compasso 24 e meio (terceiro tempo do compasso 24). Isso quer dizer que depois dele não pode haver mais som. O último acorde tem que acontecer antes disso, no mínimo, no começo do compasso 24 (e soar por dois tempos, por exemplo). Se quiser que o acorde se sustente por mais tempo, ele tem que ser executado no compasso anterior. anterior. Alterações

Na situação apresentada no início, podese abstrair como a fórmula funciona para a mudança de clima da música (aos 17 segundos): N = (135*17) = 9,5625 (60*4)

Arredondando, 9,5 compassos, ou seja, a mudança tem que ocorrer no terceiro tempo do compasso 10 (9+1). Esta escolha de andamento resultou em número quebrado de compasso, tanto na mudança de clima, quanto no final da música. O que fazer para alterar isso? É possível mudar o andamento, mas isso alteraria o clima da música, deixando-a mais lenta ou mais rápida. Ou se pode alterar a fórmula de compasso de um único compasso, como, por exemplo, usar um compasso 2/4 como introdução. Isso faria que a mudança

no 17º segundo ocorresse no compasso 10 cravado, e o final da música, exatamente no compasso 24. Atualmente, ninguém faz contas assim para escolher andamentos e descobrir pontos de sincronismo. Os sequenciadores facilitam muito essa operação! Mas é importante entender as variáveis contidas na equação para poder manipulá-las e conseguir o resultado desejado. È possível alterar a fórmula de compasso de um ou alguns compassos, o andamento de um trecho ou da música inteira, o número de compassos etc. A sua mãe tinha razão!

 Mauríci  Maur ícioo Domene Dom ene Formado pela Berklee em Music Composition for Film and TV, é compositor de trilha sonora premiado com atuação em cinema, TV, publicidade, teatro e outras plataformas. Tem dois álbuns instrumentais lançados: “Nuvens” e “Nuvens 2”. Foi colunista sobre Trilha Sonora na revista Home Studio. Foi professor de “Trilha Sonora” na grade do curso superior de Produção em Radio, Vídeo, Tv e Cinema da FMU/Fiam. FMU/Fiam. Está à frente do Estúdio Next: www.estudionext.com.br  www.estudionext.com.br  teclas & afins

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cultura hammond

por Jose Osorio de Souza

A evolução Depois de seu surgimento e da consolidação de sua sonoridade, o conjunto Hammond-Leslie abriu novas possibilidades sonoras e permitiu o desenvolvimento de técnicas específicas, em muitos gêneros musicais Depois do lançamento do Hammond e da caixa Leslie, vários foram os estilos que se apropriaram dessa sonoridade e incorporaram elementosàsuatécnica.Organistasalcançaram o máximo do Hammmond “pianístico” ainda usando muito da técnica do piano e do órgão erudito, com notas soltas e harmonia mais convencional. E nessa evolução o estilo Choro Brasileiro foi difundido em todo o mundo. Mas, então, o Hammond ficou “azul”: o timbre produzido tornou-se tão ou mais importante que a técnica e a impressão emocional do som começou a falar alto através dos ricos acordes do jazz e da liberdade de expressão

do blues. A música gospel atual utiliza todo o potencial do instrumento em seus improvisos de glorificação ao divino, com os drawbars no extremo e a Leslie na velocidade máxima, como o reverendo Moses Tyson Jr. Ela tomou de volta aquilo que o mundanismo da música secular deu ao Hammond-Leslie. Mas é difícil dizer quem fez isso primeiro. Normalmente, os que ousam desobedecer às regras são os rebeldes. E quem ganhou notoriedade por tirar do Hammond-Leslie toda a sua potência timbrística foram os músicos de jazz e blues. Jimmy Smith tem toque refinado e timbragem encorpada e fechada - a famosa

Ethel Smith e Rhoda Scott: ícones do instrumento 56 / SETEMBRO 2014

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cultura hammond

 Joey DeFrancesco: nova geração

888000000 com 3º percussivo -, se bem que faz o “squabbling”, uma técnica de arpejos de oitavas, com o timbre característico dela, aberto e bem “podre” (cheio de harmônicos). Jon Lord, um “hammondista” revolucionário, apesar de também ter forte influência da música erudita (como é comum em todos do rock progressivo), abusa de glissandos e distorções. É importante que se note aqui uma característica peculiar dos “hammondistas”: mesmo que a técnica do glissando - o passar a mão ou o polegar rapidamente no teclado na passagem entre notas ou acordes - possa ser usada tanto no piano quanto em órgãos litúrgicos, as teclas “waterfalls” do Hammond (formato sólido, como no piano, mas sem o dente na ponta) são as que melhor se prestam a isso. Desse modo, os organistas de Hammond desenvolveram uma técnica exclusiva desse instrumento, alcançando uma sonoridade única. Mas a lista de “hammondistas”é enorme, assim como os estilos musicais, que utilizaram e

utilizam o Hammond-Leslie. Do chorinho e da bossa nova ao jazz, do blues ao acid rock, do psicodélico ao rock progressivo. Nomes como Ethel Smith, Jimmy Smith, Jimmy McGriff, Jack McDuff, Richard Groove Holmes, Billy Preston, Booker T., Chester Thompson, Lonnie Smith, se perfilam ao lado de damas do Hammond como Trudy Pitts, Rhoda Scott, e uma mais jovem, Barbara Dennerlein, e aos “hammondistas” atuais como Joey DeFrancesco, Tony Monaco, Jim Alfredson e Mike Mangan, deixando muita gente boa de fora por falta de espaço. Isso tudo é prova de que o timbre e a cultura Hammond não vão morrer e têm ressurgido muito fortemente nos últimos anos. Quer seja  jazz, rock, blues, country, gospel ou qualquer outro estilo, se o timbre Hammond-Leslie estiver presente o resultado terá uma característica única, uma identidade marcante expressada pelo potencial desses dois equipamentos que compõem um instrumento musical que já se eternizou tanto quanto o violino, o piano ou a guitarra. O som cheio das flautas, o percussivo quente estalando, o crocante da Leslie em fast, a sujeira boa dos clicks e das válvulas sobrecarregadas, seja fazendo cama para o solo de uma semiacústica em um pequeno clube, ou rasgando durante a adoração em um templo cristão, o Hammond-Leslie oferece o timbre perfeito para expressar alegria e tristeza, um coração quebrado e uma alma elevada. Instrumento tão humano, amado pela carne e enaltecido pelo espírito, viva o Hammond!

 Jose Osorio de Souza Pianista de formação erudita, analista de sistemas de formação acadêmica, foi proprietário de estúdio e escola de música, Suporte Técnico da Roland Brasil, tecladista da noite, é compositor e escritor, ama história e tecnologia dos sintetizadores e samplers, mas é apaixonado por teclados vintages, blues, rock progressivo e música de cinema. Atualmente toca piano instrumental no Grande Hotel Senac em Águas de São Pedro (SP) e atua como músico gospel na cidade de Itu (SP). teclas & afins

SETEMBRO 2014 / 57

keynologia

por hudson hostins

Arranjadores à brasileira Com a inserção de recursos avançados, os teclados arranjadores atuais  permitem executar qualquer ritmo nacional com perfeição

Essa historia se inicia há mais ou menos 20 anos quando, em termos de gravação, o áudio digital engatinhava nos estúdios dominados pelos registros analógicos e pelos sintetizadores híbridos analógicos/digitais. O primeiro teclado digital - e que abriu as portas para o mundo dos teclados arranjadores - foi o Yamaha DX7, com sua síntese FM. Mas os verdadeiros responsáveis pela vontade de querer mais dos instrumentos de teclas são os órgãos eletrônicos, que nos anos 60 e 70 já possuíam arpegiadores e vocação para serem o início dessa nova categoria. A partir daí, a corrida para desenvolver um teclado que comportasse o uso de diversas tecnologias e aplicações onboard se tornou séria: colocar em um único instrumento uma representação de quase todos os timbres existentes, desde pianos até sons de bateria, com o máximo de fidelidade conseguida em cada década de evolução. No começo, logicamente, as amostras de sons e a tecnologia de síntese eram precárias, até porque o áudio evoluiu muito em poucos anos. Atualmente, temos

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teclados arranjadores com uma orquestra inteira de amostras de sons reais, inclusive com ritmos de bateria em loops de áudio captados nos melhores estúdios do mundo! Quem não se lembra dos primeiros Casio Tonebanks e PSRs da Yamaha com sons que mais pareciam toques de celulares monofônicos? Aliás, os primeiros arranjadores da Yamaha foram o PS1 e o PS2, criados em 1980. O primeiro possuía quatro vozes e quatro ritmos com clicks e sons metálicos. Oferecia oito vozes de polifonia e era seu próprio case! O PS2, por sua vez, já era um teclado com 37 teclas e um pequeno alto-falante. Tinha cinco sons e quatro ritmos: Valsa, Swing, Rock e Latin, com volume independente ainda para acompanhamento e ritmos. Em 1984 o Yamaha Portatone PSR -15 era apresentado com 49 teclas, seis timbres (Organ, Flute, Violin, Trumpet, Piano e Harpsichord) e ritmos de 2, 3, 4 ou 6 beats (identificados como Swing, Waltz, Disco e Waltz, respectivamente). Realmente esse universo cresceu muito, não somente na evolução sonora, mas também

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pelos controles, pela adição de novos recursos como sequenciadores, sobreposição de sons, configurações de todo o teclado, implementação MIDI completa, inclusive com entradas USB para reprodução de arquivos MP3 - o que possibilita utilizar bases prégravadas e playbacks e, até mesmo, alterar em tempo real o andamento e o tom desses arquivos. Ainda há recursos como entradas de áudio para outros instrumentos e, em alguns modelos, entrada de microfone para uso com um harmonizador de voz interno e efeitos como Reverbs e Delays. Isso se tornou um certo tipo de clube de apaixonados por teclados arranjadores. O perfil do usuário vai desde crianças que usam os arranjadores para se divertirem e descobrirem o universo musical (aliás, esse tipo de equipamento é perfeito para isso), até empresários que possuem os modelos mais avançados de teclados ou pianos com a tecnologia dos arranjadores. É claro que, entre essa turma, existem os músicos profissionais que usam os arran jadores para tocar na noite, seja em bandas, sozinho, em duplas, quando ele se transforma na principal peça musical no palco. Nesse caso, entra em cena um novo recurso... Estilos sob medida

Talvez o implemento mais importante nesse tipo de equipamento, que cria expectativas a cada lançamento e, com certeza, aquece o mercado e a disputa das marcas, seja o “Criador de Estilos” ou “Criador de Ritmos”. Com esse recurso, o músico pode programar em casa seus próprios ritmos, em memórias de usuário conforme sua necessidade. Mas isso nem sempre é tarefa fácil.

As fabricantes, então, despertaram para o desenvolvimento de seus próprios “Music Styles” distribuindo os estilos em disquetes com 10 ritmos de cada região do Brasil, depois em pen drives e também pelos seus sites. No início, muitos estilos, como Samba, Bossa nova, Baião e Forró, eram desenvolvidos por músicos programadores do exterior (a maioria era chamada de “Samba-de-Japonês”, pela falta de desenvoltura e em comparação ao resultado alcançado futuramente nos estilos programados por músicos brasileiros). Em meados dos anos 90 começaram a surgir os “Kits de Ritmos Brasileiros”. Tive o privilégio de programar muitos estilos nessa época, desde teclados mais simples até os lendários G-800, G-1000, EM-20, VA7 e VA -76 da Roland. Confesso que foi um trabalho árduo, mas realizado com muito cuidado a fim de desenvolver resultados nunca antes alcançados. Com o passar dos anos, tive a oportunidade de programar para Yamaha, Roland, Michael - o primeiro arranjador da marca, o KAM-500, tem o painel em português e 64 ritmos brasileiros de todas as regiões - e Korg. Quem ganha com tudo isso? O tecladista que necessita ter os estilos de cada parte de nosso País - que é gigante e possui cultura musical diversificadíssima - podendo executar as músicas de sua região em seu instrumento, do norte ao sul, do Forró ao Vanerão, passando por toda a infinidade de ritmos criados pelo músico mais criativo e talentoso do mundo: o brasileiro.

Hudson Hostins Produtor musical, tecladista e compositor, tem em seu currículo trabalhos para empresas como Roland, Michael, Korg e Yamaha.É proprietário de estúdio e produtora de áudio onde atende clientes como Beto Carrero World, Massa FM e Transamérica Hits, entre outras grandes empresas. Produziu vários artistas da região Sul do Brasil atuando com artistas expressivos da área. É, atualmente, tecladista do cantor Gabriel Valim. teclas & afins

SETEMBRO 2014 / 59

HARMONIA E IMPROVISACAO

por turi collura

Giant Steps: análise de um improviso Depois da análise das características harmônicas e compositivas de “Giant Steps”, de John Coltrane, é o momento de analisarmos o improviso

Na edição de número 4 de Teclas & Afins , analisamos a composição “Giant Steps”, do saxofonista John Coltrane, observando suas características harmônicas e compositivas. Dissemos que a composição está baseada em três pontos tonais equidistantes: Eb, G e B. Ao analisarmos a harmonia em volta desses três pontos, observamos a presença de acordes de dominante (V7) e de seus segundos cadenciais (II-V7). Veja a tabela a seguir: Área tonal

Acordes da área tonal:

Acordes da área tonal:

Acorde: Eb G B

V-I: Bb7 – Eb D7 – G F#7 – B

II-V-I: Fm7 – Bb7 - Eb Am7 – D7 – G C#m7 – F#7 - B

A música é composta apenas por esses acordes (confira a partitura). A novidade compositiva reside, como dissemos anteriormente, no emprego de três pontos tonais equidistantes, buscando eludir a centralidade de uma tônica como ponto de convergência harmônicomelódica. Essa foi a “novidade” proposta. Já o emprego de dominantes e de II-V é algo comum na linguagem tonal. A improvisação sobre Giant Steps

Como funciona a improvisação que Coltrane cria nessa música? Qual o critério, o pensamento que ele percorre para sua criação extemporânea? O efeito sonoro da improvisação coltraneana nessa música é incrível. Vamos, então, observar sua melodia “ao microscópio”, para descobrir seus “segredos”. Para isso, preparei uma transcrição, ao longo da qual indiquei os graus da melodia em sua relação com seus acordes. Os números em vermelho indicam as notas da melodia que pertencem aos acordes, isto é, as notas dos arpejos (1-3-5-7). Logo observamos a grande quantidade de notas de acorde, que chamo, também, de “notas alvo”*. Na partitura, as notas de passagem, como o 2º ou o 6ºgraus, forma indicados com a cor verde. As áreas indicadas com os quadrados cor-de-rosa indicam notas – ou grupos de notas – de aproximação à nota sucessiva (ou à última nota do grupo)*. *Tenha acesso a esse conceito neste link. 60 / SETEMBRO 2014

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HARMONIA E IMPROVISACAO

A abordagem à improvisação

Podemos catalogar a abordagem à improvisação de Coltrane na música “Giant Steps” como “vertical”, isto é, baseada, de forma geral, na condução dos arpejos e na sua preparação/ligação por meio de cromatismos ou notas de aproximação. Nenhuma novidade, nesse sentido, na improvisação. Todavia, por conta da velocidade da música e dos encadeamentos inusitados dos acordes, é preciso estudar de forma peculiar para obter um bom resultado estético. Hoje em dia, estamos acostumados a essa música e a suas sequências de acordes. Os estudantes de jazz a têm como modelo e desafio a ser enfrentado. Mas, quando a música surgiu, em ocasião de sua gravação, improvisar sobre seus acordes causou sérias dores de cabeça aos outros músicos. As sessões de gravação do disco Giant Steps tiveram a participação de grandes músicos: além de Coltrane ao saxofone, havia Paul Chambers ao contrabaixo, Art Taylor na bateria e Tommy Flanagan ao piano (Wynton Kelly substituiu Flanagan na música “Naima”). Flanagan era um grande pianista, mas observem o solo dele na gravação do disco: ele está perdido, esboça umas ideias ao piano, logo depois desiste, dei-xando um vazio, até Coltrane entrar para “pegar de volta” o solo. Antes de Flanagan, outro grande pianista, Cedar Walton, tinha sido chamado para gravar... mas recusou-se a solar. “Aquela música era muito difícil para mim”, afirmou certa vez Walton, em uma entrevista, lamentando ter declinado o solo. “ Eu era muito jovem, deveria ter feito o que Tommy Flanagan fez”. Referia-se à possibilidade de solar “assim como daria”, mas o solo de Flanagan não foi bom, deixando uma “ferida aberta” no coração do próprio pianista.

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Anos depois, quando a música se tornou cult entre jazzistas, vários músicos, entre os quais Rahsaan Roland Kirk, Pat Metheny, Buddy Rich, Jaco Pastorius, Mike Stern, Greg Howe, McCoy Tyner, Kenny Werner, Kenny Garrett, Woody Herman, New York Voices, Taylor Eigsti e Gary Bartz, gravaram suas versões de “Giant Steps”. O próprio Tommy Flanagan, em 1982, gravou um disco em homenagem ao falecido Coltrane. O titulo do disco? Giant Steps – In memory of John Coltrane . A versão da música no disco de Flanagan é mais lenta, e não me parece deixar nenhuma marca relevante, não obstante os evidentes esforços do pianista para “fazer bonito”. Em 1991, McCoy Tyner – que foi o “pianista oficial” de Coltrane de 1961 até 1965, além de amigo e parceiro musical – gravou sua versão de “Giant Steps” no disco Remembering John . Versão incrível, a de McCoy, nesse disco! Entrevistado a respeito dessa gravação, Flanagan respondeu, bem-humorado: “Bom, ele teve trinta anos para estudar essa música!”.

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HARMONIA E IMPROVISACAO

Sugestão: “roubem” desse solo algumas frases com movimentos V-I ou II-V-I. Vale a pena! 62 / SETEMBRO 2014

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HARMONIA E IMPROVISACAO

Analisaremos apenas o primeiro chorus do improviso, que oferece vários elementos interessantes: O solo começa no compasso 17, em que se encontra o II-V7 de BMaj7, primeiro acorde do chorus da música. Nesse compasso, temos o arpejo de C#m7 (1-3-5-7), cuja última nota (o Si natural), cria uma nota de aproximação cromática superior à nota Lá#, 3º grau de F#7. A última nota do compasso 17, Sol#, é, também, uma nota de aproximação à primeira nota do compasso 18, em que temos um arpejo sobre BMaj7. Sobre o acorde D7 do compasso 18, encontramos a sequência de notas 1-2-3-5. Essa é u ma sequência bastante recorrente ao longo do solo. No trecho que analisamos, observamos, por exemplo, sua presença nos compassos 23, 28, 30, 32. De fato, a adição do 2º grau a uma tríade – maior ou menor – enriquece muito sua sonoridade, possibilitando, a criação de grupos de quatro notas, muito úteis aos improvisos. Compassos 18-19: a frase sobre D7 resolve no acorde GMaj7, assim como a frase sobre o Bb7 resolve no EbMaj7 do compasso 20. Notamos a linda frase em arpejos do compasso 21, que resolve sobre a nota Si do compasso 22. Este último contém dois arpejos ascendentes. Compasso 23: sequência 1-2-3-5 sobre cada acorde. No compasso 26 há uma escala be-bop de Bb7 ** O compasso 26 é bem interessante: a segunda nota (Lá b) constitui uma aproximação à nota Sol, terceiro grau de EbMaj7. Seguindo, as notas Ré e Fá constituem uma dupla aproximação à nota MIb; logo depois, temos mais duas notas de aproximação (novamente Ré e Fá) que preparam a nota Mi, do início do compasso 27. A prática de grupos de notas de aproximação que preparam a chegada da nota de resolução é uma característica marcante do jazz, especialmente a partir da metade da década de 1940, quando se afirma o assim chamado estilo be-bop. Compasso 28: trecho da escala de Sol maior descendente e, logo depois, ascendente. Observe que o compasso 29 apresenta um desenho parecido com o do compasso anterior, agora adaptado aos novos acordes, criando uma espécie de “cromatização”, em relação à frase anterior. Compasso 30: novamente uma sequência 1-2-3-5, seguida por um belo cromatismo que se move em direção à nota Fá do compasso 31. Na segunda parte desse compasso encontramos um grupo de quatro notas que se movem em direção à sua resolução na nota MIb, primeira nota do compasso 32. Aqui temos um arpejo de MIb que fecha o primeiro chorus de improviso. ** Para as escalas be-bop com função de dominante, acesse este link. •

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Turi Collura Pianista, compositor, atua como educador musical e palestrante em instituições e festivais de música pelo Brasil.  Autor dos métodos “Rítmica e Levadas Brasileiras Para o Piano” e “Piano Bossa Nova”, tem se dedicado ao estudo do piano brasileiro. É autor, também, do método “Improvisação: práticas criativas para a composição melódica”,  publicado pela Irmãos Vitale. Em 2012, seu CD autoral “Interferências” foi publicado no Japão. Seu segundo CD faz uma releitura moderna de algumas composições do sambista Noel Rosa. Entre outras atividades, em 2014 Turi está ministrando cursos online em grupo, entre os quais os de “Piano Blues & Boogie”, o de “Improvisação e Composição Melódica” e o de “Bossa Nova”. [email protected] - www.turicollura.com - www.pianobossanova.com teclas & afins

arranjo comentado

por rosana giosa

A música pop de Michael Jackson em piano-solo A música pop tem como características fortes as melodias relativamente curtas com acordes ou harmonias simples. Dessa forma, sua assimilação é mais fácil e, por isso, ela se torna mais popular (ou mais “pop”). Há composições em forma de canção e outras, com ritmos bem marcantes, que convidam para a dança. Esse gênero musical surgiu nos anos 50 e sobrevive até hoje. Na década de 1980, Michael Jackson foi considerado o “rei do pop” por causa de tantas canções e álbuns premiados e milhões de discos vendidos. Nessa época, ele selou uma parceria com Quincy Jones, grande produtor e arranjador, que valorizou e enriqueceu muito suas canções. Suas incríveis performances no palco e em vídeoclipes o consagraram definitivamente na história da música universal. O arranjo

“Black and White” foi escolhida para esta edição por ser uma canção muito representativa desse período. A introdução é muito marcante e a melodia é bem simples, mas bem gostosa e cheia de suingue. Nela, pode-se perceber a simplicidade da harmonia e da melodia, embora na gravação pareçam mais ricas por causa do arranjo, da quantidade de instrumentos e da batida marcante feita pela sessão rítmica. Neste arranjo para piano, a introdução da gravação é mantida e há duas exposições do tema. Mas, na segunda vez, é feita uma variação melódica para dar mais dinâmica ao arranjo. No final, a introdução de “Billie Jean” se encaixa como algo que chamamos de música incidental, ou seja, apenas um trecho de outra música citado ou lembrado. Bom estudo!

“Black or White”

64 / SETEMBRO 2014

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arranjo comentado

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SETEMBRO 2014 / 65

arranjo comentado

66 / SETEMBRO 2014

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arranjo comentado

Rosana Giosa - Pianista de formação popular e erudita, vive uma intensa relação com a música dividindo seu trabalho entre apresentações, composições, aulas e publicações para piano popular. Pela sua Editora Som&Arte lançou três  segmentos de livros: Iniciação para piano 1, 2 e 3 ; Método de Arranjo para Piano Popular 1, 2 e 3 ; e Repertório para Piano Popular 1, 2 e 3. Com seu TriOficial e outros músicos convidados lançou o CD Casa Amarela, com composições autorais. É professora de piano há vários anos e desse trabalho resultou a gravação de nove CDs com seus alunos: três CDs coletivos com a participação de músicos profissionais e seis CDs-solo. Contato: [email protected] teclas & afins

SETEMBRO 2014 / 67