1- INTRODUCCIÓN La música esta en el hombre y la educación musical despierta y desarrolla las facultades humanas. No esta reservada a un núcleo de personas sino que esta al alcance de todos. Para participar de ella no se exige poseer unas aptitudes especiales. Esta comprobado que las capacidades de percibir, sentir y expresar la música existen en todas las personas y es imprescindible desarrollar estas capacidades desde la edad más temprana. La música además de un lenguaje que sirve para expresar sentimientos, impresiones y estados de ánimo es un importante factor de desarrollo. La expresión musical es un recurso educativo, por ejemplo en la creación de actitudes y hábitos que son básicos e imprescindibles para la educación integral del niño pues ayuda a saber disfrutar y a ser capaz de respetar el sentir y el hacer de los demás. En educación infantil no se trata de aprender música desde un punto de vista técnico sino de desarrollar progresivamente una capacidad para servirse de ella como un medio de expresión y representación al servicio de los objetivos educativos. Lo fundamental será que niños y niñas disfruten, elaboren, se expresen utilizando su propio cuerpo y los materiales que tienen a su alcance. El educador infantil no tiene por qué ser un experto en música pero si debe manejar sin dificultad los conceptos fundamentales en los que se asienta el proceso musical.
2- 3º AREA DEL CURRICULUM DE EDUCACION INFANTIL: COMUNICACIÓN Y REPRESENTACION. Introducción El sentido fundamental del área es el de contribuir a mejorar las relaciones entre el individuo y el medio. Las distintas formas de comunicación y representación sirven de nexo entre el mundo interior y exterior al ser instrumentos que posibilitan las interacciones, la representación y la expresión de pensamientos, sentimientos, vivencias, etcétera. A medida que el niño va accediendo al dominio de las distintas formas de representación, su relación con el medio se enriquece y profundiza. El Centro de Educación Infantil es un lugar en el que se amplían y diversifican las experiencias del niño y las formas de representación que ha ido elaborando en sus experiencias familiares accediendo a nuevos vehículos de expresión. En él se fomentan adquisiciones y se potencian intercambios comunicativos con otros niños y con adultos, dotando a sus comunicaciones de contenidos progresivamente elaborados, y adquiriendo conceptos, destrezas y actitudes que van a favorecer expresiones progresivamente más complejas y afinadas de uno mismo, de sus conocimientos, sentimientos, vivencias, etc. De este modo se estimula no sólo el acceso a representaciones de la realidad, sino también la expresión de estas distintas realidades a través de diversos vehículos. La integración en un único área de las diversas formas de representación y comunicación no impide, en ningún caso, que cada una de ellas tenga un tratamiento específico, teniendo en cuenta las peculiaridades del Centro, las necesidades de los niños y niñas que a él acuden y sus diferentes técnicas, instrumentos y códigos, de manera que la actividad pedagógica se ajuste a la intención educativa que se pretende. Las diferentes formas de representación no se limitan a ser vehículo de expresión, sino que pueden también tener efectos sobre el contenido que tratan de representar. Estas formas incluyen la expresión gestual y corporal, el lenguaje verbal, la expresión plástica en sus diversas formas, la expresión musical, el lenguaje escrito y la forma de representación matemática. Trabajar educativamente la comunicación implica potenciar las capacidades del niño, tanto las relacionadas con la recepción e interpretación de mensajes, como las dirigidas a emitirlos o producirlos, contribuyendo a mejorar la comprensión del mundo que le rodea y su expresión original, imaginativa y creativa. En relación al lenguaje oral y sobre la base de las primeras formas de comunicación, se irá estimulando, a través de interacciones diversas, el acceso a las primeras palabras y al lenguaje hablado progresivamente convencional.
El lenguaje va a ser para el niño no sólo un instrumento de comunicación personal y de regulación de la conducta de otros, sino también un instrumento de regulación y planificación de la propia conducta. Esta función del lenguaje se produce lentamente, como consecuencia de un trabajo educativo que empieza en los niveles preverbales y se prolonga hasta el final de la etapa, y no de manera espontánea. Resulta importante tener presente que el lenguaje oral es el instrumento de representación y comunicación más utilizado. Esta importancia social no debe reproducirse en la escuela. El Centro de Educación Infantil lo tendrá en cuenta y en el tratamiento de esta y otras formas de representación y comunicación aprovechará este factor, de manera que al establecer objetivos, contenidos y actividades se responda a las necesidades educativas del niño en estas edades. El acceso a los códigos convencionales, que como criterio general debe realizarse en el primer ciclo de la Educación Primaria, es un largo proceso en el que las posibilidades evolutivas del niño y la intervención pedagógica del educador han de estar en relación para un tratamiento educativo adecuado. La iniciación a los códigos de la lectura y escritura cobra un valor distinto al que se le ha atribuido tradicionalmente, ya que deja de ser el eje alrededor del cual giran las actividades de enseñanza/aprendizaje, convirtiéndose en una meta supeditada a otros ahora más importantes: La motivación por adquirir los nuevos códigos, el acceso a sus características diferenciales, la comprensión y valoración de su utilidad funcional, etcétera. De este modo, y durante este proceso los niños aprenden las propiedades de significación, información y comunicación inherentes al texto escrito, descubren algunas de sus características de convención y sobre todo, si ello se propicia adecuadamente, se interesan por la lengua escrita y su utilización. Por todo ello, la enseñanza sistemática de la lengua escrita no constituye un objetivo de la Educación Infantil, pero esto no debe impedir el tratamiento de ese sistema, ni la respuesta a los interrogantes que sin duda plantearán los niños, siempre desde un enfoque significativo. En lo que se refiere a la forma de representación matemática, hay que tener en cuenta que el origen del conocimiento lógico-matemático está en la actuación del niño con los objetos y, más concretamente, en las relaciones que a partir de esta actividad establece entre ellos. A través de sus manipulaciones descubre las características de los objetos, pero aprende también las relaciones entre objetos. Estas relaciones, que permiten organizar, agrupar, comparar, etc., no están en los objetos como tales, sino que son una construcción del niño sobre la base de las relaciones que encuentra y detecta. Por esto, la aproximación a los contenidos de la forma de representación matemática debe basarse en esta etapa en un enfoque que conceda prioridad a la
actividad práctica, al descubrimiento de las propiedades y las relaciones que establece entre los objetos a través de su experimentación activa. Los contenidos matemáticos, al igual que todos los de este área, serán tanto más significativos para el niño cuanto más posible le sea incardinarlos en los otros ámbitos de experiencia de la etapa. La expresión dramática y corporal tiene que ver con la utilización del cuerpo, sus gestos, actitudes y movimientos con una intención comunicativa y representativa. Mientras que a través de la expresión dramática los niños juegan sobre todo a representar personas y situaciones, en el caso de la expresión corporal se trata de representar a través de su acción y movimiento determinadas actitudes, estados de ánimo, etc. Ambas hunden sus raíces en la comunicación gestual y se continúan posteriormente en distintas manifestaciones, entre las que destacan los juegos simbólicos en los que el niño se comporta «como si» fuera una persona distinta, o un animal o un objeto, o actúa «como si» estuviera haciendo cosas que sólo está simulando hacer. Se trata de un campo abierto a la imaginación, a la creatividad y a la espontaneidad de cada uno. A través de su expresión dramática y corporal muestra sus emociones y tensiones, y también su conocimiento del mundo y de las personas, así como su percepción de la realidad. Estas manifestaciones expresivas son además un instrumento de relación, comunicación e intercambio. La Educación Infantil debe estimular este tipo de expresión para sacar de ella el máximo rendimiento educativo, aceptando formas de expresiones diversas. Como en el caso del lenguaje dramático, la pintura, el dibujo, el modelado, así como las actividades en las que la manipulación juega un papel importante, son útiles para la estimulación de ciertos aspectos del desarrollo y para la adquisición de nuevas capacidades, pero tienen un sentido educativo que trasciende a un ámbito concreto. A través de ellos el niño explora la realidad y refleja el conocimiento que de ella tiene, se expresa a sí mismo, pero también se descubre al representarse o expresarse. A través de estos aprendizajes el niño y la niña van a contar con una nueva forma de representación de la realidad, con grandes posibilidades comunicativas y expresivas, basada en la utilización y exploración de diferentes instrumentos y técnicas, que conducen a la producción plástica. En la expresión musical se pretende que el niño adquiera una progresiva capacidad para servirse de este procedimiento de comunicación y representación al servicio de los objetivos educativos generales. La expresión musical es un instrumento de apropiación cultural a través del cual le llegan al niño tradiciones y formas de expresión que son propias de su grupo cultural. Ello posibilita que disfrute de la actividad musical al tiempo que fomenta su capacidad de expresión.
Finalmente, en este amplio ámbito de experiencia se pretende fomentar en los niños su vertiente de espectadores y asimiladores de manifestaciones culturales, pero sobre todo su papel de productores activos y originales.
Objetivos generales En relación con el ámbito de experiencias de comunicación y representación, la intervención educativa tendrá como objetivo desarrollar unos procesos de enseñanza/aprendizaje que capaciten al niño para: 1. Expresar sentimientos, deseos e ideas mediante el lenguaje oral, ajustándose progresivamente a los diferentes contextos y situaciones de comunicación habituales y cotidianos y a los diferentes interlocutores. 2. Comprender las intenciones y mensajes que le comunican otros niños y adultos, valorando el lenguaje oral como un medio de relación con los demás. 3. Comprender, reproducir y recrear algunos textos de tradición cultural, mostrando actitudes de valoración, disfrute e interés hacia ellos. 4. Interesarse por el lenguaje escrito y valorarlo como instrumento de información y disfrute y como medio para comunicar deseos, emociones e informaciones. 5. Leer, interpretar y producir imágenes como una forma de comunicación y disfrute, descubriendo e identificando los elementos básicos de su lenguaje. 6. Interesarse y apreciar las producciones propias y de sus compañeros y algunas de las diversas obras artísticas e icónicas que se le presentan, atribuyéndoles progresivamente significado y aproximándose así a la comprensión del mundo cultural al que pertenece. 7. Utilizar las diversas formas de representación y expresión para evocar situaciones, acciones, deseos y sentimientos, sean de tipo real o imaginario. 8. Utilizar técnicas y recursos básicos de las distintas formas de representación y expresión, para aumentar sus posibilidades comunicativas. 9. Utilizar las normas que rigen los intercambios lingüísticos y las señales extralingüísticas en diferentes situaciones de comunicación, para reforzar el significado de sus mensajes y atribuir sentido a los que recibe. 10. Utilizar a un nivel ajustado las posibilidades de la forma de representación matemática para describir algunos objetos y situaciones del entorno, sus características y propiedades, y algunas acciones que pueden realizarse sobre ellos, prestando atención al proceso y los resultados obtenidos. Contenidos Los bloques de contenidos que constituyen este área se han agrupado en el mismo ámbito de experiencias porque comparten un mismo carácter: Ser instrumentos de representación de la realidad, al tiempo que medios de expresión y comunicación.
Los bloques de lenguaje oral y aproximación al lenguaje escrito deben contemplarse estrechamente vinculados en su desarrollo. La aproximación a la lengua escrita debe basarse en la adquisición y dominio del lenguaje oral. La separación de estos dos bloques de contenidos responde solamente al tratamiento específico de cada uno. Los bloques de contenidos que hacen referencia a los lenguajes plástico, musical, corporal y matemáticos resaltan el carácter procedimental adecuado a la etapa, dejando la adquisición de sus códigos concretos para la etapa posterior. I. LENGUAJE ORAL Conceptos 1. El lenguaje oral y las necesidades y situaciones de expresión y comunicación más habituales. Diferentes necesidades de comunicación y vocabulario correspondientes a ellas. Distintas situaciones comunicativas en/con diferentes contextos, interlocutores, contenidos, instrumentos e intenciones. 2. Formas socialmente establecidas para iniciar, mantener y terminar una conversación. 3. Textos orales de tradición cultural (canciones, romanzas, cuentos, coplas, poesías, dichos populares, refranes, etc.). Procedimientos1. Comprensión de las intenciones comunicativas de adultos y de otros niños en situaciones de la vida cotidiana. 2. Producción de mensajes referidos a informaciones, necesidades, emociones y deseos mediante la expresión corporal, la realización de pinturas y dibujos, el lenguaje oral o cualquier otro medio de expresión. 3. Utilización adecuada de frases sencillas de distinto tipo (afirmativas, negativas, interrogativas, admirativas); de las variaciones morfológicas y términos que hacen referencia a género, número, lugar, tiempo, persona, y de una pronunciación y estructuración clara y correcta. 4. Evocación y relato de hechos, cuentos, incidentes y acontecimientos de la vida cotidiana debidamente ordenados en el tiempo. 5. Utilización de las normas que rigen el intercambio lingüístico (prestar atención, aguardar turno...), usos del diálogo y participación en conversaciones colectivas como forma de interactuar con los otros. 6. Utilización de señales extralingüísticas (entonación, gesticulación, expresión facial) para atribuir y reforzar el significado de los mensajes que se reciben y transmiten. 7. Utilización adecuada de las formas socialmente establecidas para relacionarse con los demás. 8. Comprensión y reproducción correcta de algunos textos de tradición cultural (trabalenguas, adivinanzas, refranes, canciones de corro y de comba, canciones para sortear, etc.), individual y colectivamente.
9. Producción de textos orales sencillos según la estructura formal de rimas, canciones, pareados, adivinanzas... Actitudes 1. Reconocimiento y valoración del lenguaje oral como instrumento para comunicar los sentimientos, ideas e intereses propios y conocer los de los otros. 2. Iniciativa e interés por participar en situaciones de comunicación oral de diverso tipo (co-lectivas, diálogos, narraciones, explicaciones, de juego). 3. Interés y esfuerzo por mejorar y enriquecer las propias producciones lingüísticas. 4. Interés por las explicaciones de los otros (adultos, niños) y actitud de curiosidad en relación con las informaciones que recibe. 5. Actitud de escucha y respeto a los otros en diálogos y conversaciones colectivas, respetando las normas y convenciones sociales que regulan el intercambio lingüístico. 6. Atención e interés hacia los textos de tradición cultural.
II. APROXIMACION AL LENGUAJE ESCRITO Conceptos 1. La lengua escrita como medio de comunicación, información y disfrute. 2. Los instrumentos de la lengua escrita: Libro, revista, periódico, cuento, cartel, etiquetas, anuncios y otros. Procedimientos 1. Interpretación de imágenes, carteles, grabados, fotografías, etc., que acompañan a textos escritos, estableciendo relaciones entre ambos. 2. Comprensión y producción de imágenes debidamente secuenciadas (ordenación cronológica de fotografías, historietas gráficas, en soporte magnético, etc.). 3. Atención y comprensión de narraciones, cuentos y otros mensajes leídos por un adulto o un compañero mayor. 4. Diferenciación entre las formas escritas y otras formas de expresión gráfica (dibujos o señales convencionales, por ejemplo). 5. Percepción de diferencias y semejanzas sencillas en palabras escritas. 6. Identificación de algunas palabras escritas muy significativas y muy seleccionadas que hagan referencia al entorno habitual y cotidiano del niño (por ejemplo, el propio nombre). 7. Utilización de algunos conocimientos convencionales del sistema de la lengua escrita (linealidad, orientación izquierda-derecha, posición del libro, función de las ilustraciones, posición y organización del papel, etc.). 8. Producción y utilización de sistemas de símbolos sencillos (cenefa, signos icónicos, diversos garabatos) para transmitir mensajes simples.
Actitudes 1. Valoración de la utilidad del lenguaje escrito como medio de comunicación, información y disfrute. 2. Gusto y placer por oír y mirar un cuento que el adulto lee al niño o al grupo de niños. 3. Cuidado de los libros como un valioso instrumento que tiene interés por sí mismo y deseo de manejarlos de forma autónoma.
III. EXPRESION PLASTICA Conceptos 1. Materiales útiles para la expresión plástica. 2. Diversidad de obras plásticas que es posible producir y que se encuentran presentes en el entorno: Pintura, escultura, programas de televisión, películas, fotografía, dibujo, ilustraciones diversas... Procedimientos 1. Producción de elaboraciones plásticas para expresar hechos, sucesos, vivencias, fantasías y deseos. 2. Utilización de las técnicas básicas del dibujo, pintura, modelado, «collage», de la creación de imágenes, etc. 3. Exploración y utilización de materiales específicos e inespecíficos para la producción plástica (ceras, temperas, barro, agua, harina...). 4. Empleo correcto de los utensilios plásticos básicos y afianzamiento en el movimiento para conseguir precisión en la realización. 5. Identificación y representación de la figura humana en la obra plástica en su conjunto y diferenciación de las distintas partes y segmentos corporales. 6. Percepción diferenciada de los colores primarios y sus complementarios, así como el contraste oscuro/claro. 7. Atribución o identificación del tema de alguna obra plástica. 8. Creación y modificación de imágenes y secuencias animadas utilizando aplicaciones informáticas. 9. Interpretación de diferentes tipos de imágenes presentes en su entorno. Actitudes
1. Disfrute con las propias elaboraciones plásticas y con las de otros. 2. Gusto e interés por las producciones propias. 3. Respeto a las elaboraciones plásticas de los demás. 4. Interés por el conocimiento de las técnicas plásticas básicas y actitud proclive a la buena realización. 5. Cuidado de los materiales e instrumentos que se utilizan en las producciones plásticas. 6. Valoración ajustada de la utilidad de la imagen (televisión, cine, etcétera).
IV. EXPRESION MUSICAL Conceptos 1. Ruido, silencio, música, canción. 2. Las propiedades sonoras del cuerpo, de los objetos de uso cotidiano, de instrumentos musicales. 3. Canciones del folclore, canciones contemporáneas, danzas populares, bailes... Procedimientos 1. Discriminación de los contrastes básicos: Largo-corto, agudo-grave, fuertesuave, subida-bajada; imitación de sonidos habituales. 2. Interpretación de un repertorio de canciones sencillas siguiendo el ritmo y la melodía. 3. Participación en el canto en grupo y respeto a las indicaciones gestuales que lo modulan. 4. Exploración de las propiedades sonoras del propio cuerpo, de objetos cotidianos y de instrumentos musicales y producción de sonidos y ritmos sencillos. 5. Participación en danzas sencillas con iniciativa, gracia y precisión de movimientos. 6. Utilización adecuada de instrumentos musicales sencillos para acompañar el canto, la danza, el movimiento. Actitudes 1. Disfrute con el canto, el baile, la danza y la interpretación musical. 2. Actitud relajada y atenta durante las audiciones seleccionadas y disponibilidad para escuchar piezas nuevas. 3. Valoración e interés por el folclore del ambiente cultural al que pertenece.
V. EXPRESION CORPORAL Conceptos 1. Control del cuerpo: Actividad, movimiento, respiración, reposo, relajación. 2. Posibilidades expresivas del propio cuerpo para expresar y comunicar sentimientos, emociones, necesidades. Procedimientos 1. Descubrimiento y experimentación de los recursos básicos de expresión del propio cuerpo (movimiento, sonidos, ruidos), individualmente y en grupo para expresar los sentimientos y emociones propios y los de los demás. 2. Utilización con intencionalidad comunicativa y expresiva de las posibilidades motrices del propio cuerpo: Interpretación de nociones de direccionalidad con el propio cuerpo. Desplazamientos por el espacio con movimientos diversos. Mantenimiento del equilibrio en diversas situaciones de actividad corporal. 3. Ajuste del propio movimiento al espacio y al movimiento de los otros. 4. Imitación y representación de situaciones, personajes e historias sencillas, reales y evocados, individualmente y en pequeños grupos. 5. Interpretación y representación de algún personaje atendiendo a sus estados emocionales, su vestuario y aspecto físico. Actitudes 1. Disfrute con la dramatización e interés por expresarse con el propio cuerpo. 2. Interés e iniciativa para participar en representaciones. 3. Gusto por la elaboración personal y original en las actividades de expresión corporal. 4. Atención y disfrute en la asistencia a representaciones dramáticas. VI. RELACIONES, MEDIDA Y REPRESENTACION EN EL ESPACIO Conceptos 1. Propiedades y relaciones de objetos y colecciones: Color, forma, tamaño, textura, etc; semejanza y diferencia, pertenencia y no pertenencia. 2. Cuantificadores básicos: Todo/nada, lo mismo/diferente, uno/varios, etc. 3. El número: Unidad: Aspectos cardinales y ordinales del número. La serie numérica. Los primeros números. 4. La medida: Situaciones en que se hace necesario medir: Comparación de magnitudes.
Unidades de medida naturales (mano, pie, brazo, paso...) y arbitrarias (cuerda, tablilla, recipiente...). Introducción a la estimación y medida del tiempo (mucho rato, poco rato; rápido, lento; día, semana...). Instrumentos de medida del tiempo (reloj, reloj de arena, de agua...). 5. Formas, orientación y representación en el espacio. Formas planas: Círculo, cuadrado, rectángulo, triángulo. Cuerpos geométricos: Esfera, cubo. Las formas y cuerpos en el espacio: Arriba, abajo; sobre, bajo; dentro, fuera; delante, detrás; lejos, cerca; derecha, izquierda; cerrado, abierto... Procedimientos Propiedades y relaciones de objetos y colecciones 1. Comparación de distintos objetos en función de sus propiedades. 2. Agrupación de objetos en colecciones atendiendo a sus semejanzas y diferencias. 3. Verbalización del criterio de pertenencia o no pertenencia a una colección. 4. Ordenación de objetos atendiendo al grado de posesión de una determinada cualidad. 5. Utilización de los cuantificadores adecuados para referirse al grado de presencia de una determinada cualidad en objetos y colecciones. El número 6. Comparación de colecciones de objetos: Igual que, menos que, más que. 7. Aplicación del ordinal en pequeñas colecciones ordenadas. 8. Construcción de la serie numérica mediante la adición de la unidad. 9. Utilización de la serie numérica para contar elementos y objetos de la realidad. 10. Representación gráfica de la cuantificación de las colecciones de objetos mediante códigos convencionales y no convencionales. 11. Resolución de problemas que impliquen la aplicación de sencillas operaciones (quitar, añadir, repartir).
La medida 12. Comparaciones (más largo que, más corto que; más grande que, más pequeño que). 13. Exploración del tamaño de objetos mediante la unidad de referencia elegida. 14. Estimación de la duración de ciertas rutinas de la vida cotidiana en relación con las unidades de tiempo (día, semana, hora), y ubicación de actividades de la vida cotidiana en el tiempo (día, noche, mañana, tarde, semana, festivo...). 15. Utilización de los instrumentos de medida del tiempo para estimar la duración de ciertas rutinas de la vida cotidiana.
Formas, orientación y representación en el espacio16. Situación y desplazamiento de objetos en relación a uno mismo, en relación de uno con otro, de uno mismo en relación con los objetos. 17. Utilización de las nociones espaciales básicas para explicar la ubicación propia, de algún objeto, de alguna persona. 18. Exploración sistemática de algunas figuras y cuerpos geométricos para descubrir sus propiedades y establecer relaciones. Actitudes 1. Gusto por explorar objetos, contarlos y compararlos, así como por actividades que impliquen poner en práctica conocimientos sobre las relaciones entre objetos. 2. Apreciación de la utilidad de los números y de las operaciones en los juegos y problemas que se presentan en la vida cotidiana. 3. Curiosidad por descubrir la medida de algunos objetos de interés en la medición del tiempo. 4. Interés por mejorar y precisar la descripción de situaciones, orientaciones y relaciones.
3- PRINCIPIOS BÁSICOS DE LAS CORRIENTES PEDAGOGICOMUSICALES DEL SIGLO XX El siglo XX se ha distinguido por la presencia de eminentes pedagogos musicales que han revolucionado la enseñanza de la música en todos sus aspectos. La pedagogía musical pretende establecer la libre expresión del educando en el trinomio orffiano compuesto por la palabra, la música y el movimiento. La música es una acción educativa que ejercida sobre el hombre colabora a su desarrollo general de esta forma: 1- Ayuda considerablemente al desarrollo auditivo. 2- Colabora a ordenar el sistema motriz. 3- Favorece el desarrollo de la capacidad de expresión. En el proceso de educación musical se pueden distinguir dos facetas: Una receptiva y otra creativa. Sin duda hacer música lleva consigo el más íntimo contacto con el arte de los sonidos: la interpretación y la creación. Cada investigador ha dispuesto y ordenado su método, condicionándolo al alumnado con el que él ha trabajado y de acuerdo con sus peculiaridades. 1- METODO JACQUES DALCROZE
I
INTRODUCCION ¿Cómo se gestó este método? Los elementos que motivaron el nacimiento de la RITMICA DALCROZE debemos buscarlos en las observaciones que el maestro EMILE JAQUES-DALCROZE hacía a sus alumnos en sus clases de solfeo en el Conservatorio de Ginebra, tales como: Ciertos alumnos desde el punto de vista auditivo progresaban de una manera normal, pero les faltaba la sensación de duración, la capacidad de medir los sonidos y de ritmar las sucesiones de igual duración. A la acción de la música, a menudo, reaccionaban con movimientos involuntarios de ciertas partes del cuerpo (cabeza, pies, manos,...) de donde se podía deducir que "debía existir alguna relación entre la acústica y los centros nerviosos superiores". No reaccionaban de la misma manera. Muchos no llegaban a coordinar. "La inteligencia percibía el sonido en el tiempo, pero el aparato vocal no podía realizarlos". Arribó a las siguientes conclusiones: o
Que la musicalidad puramente auditiva es una musicalidad incompleta.
o o
Que la arritmia musical es la consecuencia de una arritmia de carácter general. Que para crear armonías verdaderamente musicales es necesario poseer un estado musical armónico interior.
Investigó las relaciones entre: La movilidad y el instinto auditivo. La armonía de los sonidos y de las duraciones. La música y el carácter. El arte musical y el de la danza. Estas conclusiones son las que motivaron la necesidad de crear un sistema educativo capaz de: • Regularizar las reacciones nerviosas. • Desarrollar sus reflejos. • Establecer automatismos temporales. • Luchar contra las inhibiciones. • Afinar su sensibilidad. • Reforzar sus dinamismos. • Establecer la claridad en las armonías de las corrientes nerviosas y de los registros nerviosos cerebrales. ORÍGENES DEL MÉTODO DALCROZE Emile Jaques-Dalcroze nació en 1865 en Viena, hijo de padres suizos. Sus padres se mudaron a Ginebra, Suiza en 1873 en donde estudió en el Conservatorio y en la Universidad. Posteriormente regresó a Viena y estudió con Fuchs y Bruckner; en el Conservatorio de París tuvo como maestro de orquestación a Delibes. En 1892 Dalcroze aceptó el puesto de profesor de Solfeo, Armonía y Composición en el Conservatorio de Ginebra. A medida que pasó el tiempo, se percataba que sus alumnos carecían de sentido rítmico. Por tal razón comenzó a investigar el ritmo en sus alumnos inventando una serie de ejercicios que causaron gran indignación en su tiempo ya que los alumnos debían caminar descalzos en las clases. Debido al rechazo de su metodología por parte de la administración del Conservatorio, se vio obligado a experimentar extraoficialmente con voluntarios junto con el psicólogo Edouard Claparide. Después de arduos años de trabajo, su sistema de enseñanza evolucionó en un enfoque específico al que él llamo "Euritmia" (buen ritmo). Además de movimientos corporales, su método incorpora dos áreas relacionadas en el entrenamiento musical que son: el desarrollo de un agudo oído musical (Solfeo) y la estimulación de la expresión original (Improvisación). Dalcroze renunció a su posición en el Conservatorio de Ginebra al prohibírsele que incorporara su enfoque de enseñanza a sus clases regulares. Por tal motivo fundó su propio estudio en Dresden seguido de sus alumnos. Gradualmente surgieron las primeras escuelas de Euritmia en Londres, Hamburgo y Viena. Los empresarios alemanes Wolf y Heráld. Dhorn financiaron un enorme proyecto en la villa de Hellerau en el que se combinaron todas las artes y Dalcroze pudo llevar a cabo un extenso programa de entrenamiento musical. Al estallar la Primera Guerra
Mundial el proyecto de Hellerau se terminó y Dalcroze se mudó a Ginebra estableciendo el Instituto Jaques-Dalcroze en 1915 en donde trabajó hasta su muerte en 1950. Además de su labor como pedagogo, Dalcroze fue un prolífico compositor de música de cámara, música orquestal y ópera. Sus composiciones reflejan el folclor suizo. Actualmente su Enfoque de enseñanza musical es ampliamente reconocido en Europa, Asia, Estados Unidos, Australia y Sudamérica. ¿CUÁL ES LA FILOSOFÍA DEL MÉTODO DALCROZE? El Método Dalcroze está basado en la idea de que el alumno debe experimentar la música física, mental y espiritualmente. Tiene como metas principales el desarrollo del oído interno, así como el establecimiento de una relación consciente entre mente y cuerpo para ejercer control durante la actividad musical. Para alcanzar estas metas, el Método Dalcroze divide la formación musical en tres aspectos que están íntimamente relacionados entre sí: Euritmia, solfeo e improvisación. El trabajo abarca la ejercitación de diferentes aspectos: - relajación - control de la energía muscular - acentuación métrica ( regular e irregular ) - memorización rítmico - motriz - inhibición del movimiento y reacciones rápidas - disociación entre los diferentes miembros del cuerpo - audición interior - improvisación ( libre o a partir de elementos dados ) - equilibrio corporal - fraseo ( a partir del "discurso corporal"y la respiración ) - concertación ( actividades grupales) - velocidad - polirritmias ( entre distintos miembros del cuerpo) - expresión El logro de estos aspectos nos llevará a la conquista de la relación tiempo - espacio - energía. Una vez adquirida la vivencia corporal y lograda la toma de conciencia de los contenidos trabajados, se aborda la lectura y escritura musical en forma simultánea con el trabajo corporal, que se va complejizando paulatinamente. Algunos recursos utilizados son: el uso del pentagrama en el suelo - sobre el que se camina por las diferentes notas - y del endecagrama móvil, el solfeo corporal (a través de diferentes posturas), la aplicación de tarjetas con diversas figuras, etcétera. Conjunta e integradamente con el aspecto rítmico, se trabajan también el melódico y el armónico, siguiendo siempre el mismo criterio. Las clases de rítmica se componen de diferentes momentos, incluyendo cada una ejercicios de ritmo, melodía, audición, eutonía y técnica corporal, así como el uso de diferentes elementos (por ejemplo: aros, pelotas, cintas, pompones, etcétera).
El método es aplicable a un espectro de edades que abarca desde los 3 - 4 años hasta la edad adulta. No es necesario tener ningún conocimiento previo. Este método de origen suizo se aplica en otros países de Europa y América, Japón y Australia, como parte integrante de la educación elemental. Actualmente, la Rítmica Dalcroze se desarrolla con muy buenos resultados en las instituciones más destacadas en la enseñanza del arte musical y del movimiento Los aportes del método son sumamente importantes tanto en lo personal desarrollo de la creatividad, desinhibición, socialización... - , como en lo profesional - para actores, músicos instrumentistas, bailarines, etc. - y se puede realizar como aprendizaje previo o paralelo al de estas disciplinas. En el caso específico de los músicos, es importante destacar el trabajo auditivo a través de la discriminación de los diferentes parámetros del sonido (altura, duración, intensidad, timbre), así como de las diferentes tonalidades y modos, mediante una metodología propia. En el aspecto artístico, desde lo expresivo se pone en juego la improvisación corporal (individual y grupal), como así también la creación de coreografías y puestas en escena a través de la “plástica animada”: este tipo de trabajo significa plasmar una obra musical en el espacio - desde lo corporal - , a partir de una profunda comprensión de la misma. DESCRIPCIÓN DE LAS TRES ÁREAS DE TRABAJO DEL MÉTODO EURITMIA. (Eu= buen; ritmia=ritmo ) La Euritmia entrena el cuerpo del alumno para sentir conscientemente las sensaciones musculares de tiempo y energía en sus manifestaciones en el espacio. El cuerpo se convierte en instrumento y ejecuta o transforma en movimiento algún aspecto de la música. La experiencia eurítmica difiere de otros enfoques en que ésta implica la absorción total de mente, cuerpo y emociones en la experiencia del sonido musical. La euritmia activa: los sentidos, el sistema nervioso, el intelecto, los músculos, las emociones y el ser creativo/expresivo. SOLFEO El solfeo dalcroziano desarrolla el oído interno en el alumno para escuchar musicalmente y cantar afinadamente. Los conceptos se refuerzan a través de la interacción entre experiencias físicas y auditivas. El Método Dalcroze utiliza el sistema de Do fijo para propósitos de entonación incorporando las sílabas do-remi...etc. Los ejercicios de entrenamiento auditivo siempre van acompañados de movimiento, gestos o dirección (solfege-rytmique ). El movimiento hace que la mente, los ojos y los oídos estén más atentos a la tarea. IMPROVISACIÓN Ayuda a sintetizar lo aprendido a través de la experiencia Demuestra que el alumno ha aprendido o entiende conceptos Motiva al alumno a expresar sus ideas musicales propias Estimula los poderes de concentración, capacidad de escuchar e imaginación Crea sentimientos de satisfacción y logro. OBJETIVOS DE LAS CLASES
*Convertir al cuerpo humano en instrumento musical. *Desarrollar el oído interno y el sentido rítmico *Lograr una coordinación entre mente y cuerpo. *Cantar afinadamente *Hacer música en ensamble *Transferir los conocimientos anteriores a la ejecución de cualquier instrumento METODOLOGÍA Todos los alumnos deberán participar activamente (cantando y/o realizando los movimientos corporales indicados por la maestra) en todos los ejercicios. Cada ejercicio será ilustrativo de un tema específico dentro de la Educación Musical. 2- METODO ORFF Las bases de la obra pedagógica orffiana fueron el estudio profundo del niño unido al trinomio compuesto por “palabra, música y movimiento” Más que un método es un sistema muy amplio para la educación. Mas que elaborar un sistema rígido, trato de dar ideas al educador para colaborar con la natural evolución de sus alumnos. Un objetivo importante de este método es lograr la participación activa del niño mediante la utilización de los elementos musicales, audición activa, para adquirir y desarrollar gradualmente la capacidad de apreciar y comprender. Parte del recitado y entonación de los nombres, pregones, rimas, adivinanzas y dichos populares, haciendo ver al niño las características rítmicas del lenguaje, a la vez que recita o canta se asocian movimientos corporales alusivos al texto o se marca el ritmo empezando con la rítmica corporal, en la que el cuerpo del niño se transforma en elemento percusivo pasando progresivamente a la pequeña percusión y a los instrumentos de sonidos determinados. La instrumentación de Orff responde a las necesidades del niño, no solo de tocar un instrumento, expresión instrumental, sino también de participar en grupo, en la improvisación y creación. Los esquemas rítmicos están formados de dos en dos y de cuatro en cuatro compases, con el fin de que vayan adquiriendo el sentido de la cuadratura. Utiliza los ejercicios de “eco” en los cánones melódicos, los obstinatos, etc. Para el desarrollo de la improvisación utiliza la forma rondó En el comienzo evita la escritura con silencios. En cuanto a la entonación los mismos ejercicios del lenguaje pueden introducir al niño en el mundo de los sonidos, así se introducirá la melodía, partiendo en principio de dos sonidos que se realizaran en el intervalo considerado mas asequible, la 3ªmenor y poco a poco se irán ampliando los sonidos hasta formarse la escala pentatonica. En resumen podemos decir que este método para el desarrollo de su actividad musical utiliza como medio la practica de recitativos, cantos, ejecuciones instrumentales, ejercicios rítmicos y desplazamientos corporales.
METODOLOGÍA DE ORFF
Bases: - Actividad musical que origina contacto desde el principio con ritmo, melodía, armonía y timbre. - Música sencilla, original y elemental. - Ritmos del lenguaje: palabra, ritmo, movimiento. - Juego e improvisación. - Instrumentos de pequeña percusión, indeterminados y determinados. Objetivos: - Desarrollar la inteligencia. - Ejercitar las posibilidades motrices del cuerpo. - Participar activamente. - Desarrollar las capacidades de apreciación y comprensión. Contenidos: - Ritmos del lenguaje (trabalenguas, refranes, etc.) - Adaptación del ritmo y movimiento corporal a un texto. - Audiciones y su aplicación al movimiento. - Canciones y danzas populares. - Creación e improvisación. - Asimilación del ritmo a través de la percusión. - Lenguaje y canto en eco, ostinatos y canciones melódicas Actividades: - Prosodia rítmica - Juegos de percusión corporal - Juegos de eco, diálogos, ostinatos, cánones y danzas - Audiciones activas - Juegos de coordinación rítmico-motriz. - Prácticas con instrumentos de percusión de sonido determinado. - Entonar canciones, partiendo de la tercera menos, escala pentáfona y diatónica.
3- METODO MARTENOT El método creado por Maurice Martenot intenta aunar todos los elementos didácticos para poner la formación musical al servicio de la educación general. Martenot considera que la educación musical es parte esencial de la formación global de la persona, atribuyendo esta idea a despertar las facultades musicales del niño en la educación escolar. El método en sí se fundamenta en la investigación del autor acerca de los materiales acústicos, en la psicopedagogía y en la observación directa del niño.
Para trabajar el solfeo, se parte primero de todo lo vivido a través de una iniciación musical que pretende despertar la musicalidad de las personas. Esta etapa se realiza mediante diversos juegos y propuestas musicales lúdicas, en los que se presentan de manera separada el ritmo, la melodía y la armonía. Una vez superada esta etapa, se pasa al estudio del solfeo, de forma que la escritura y la lectura musicales supongan la memoria de una vivencia musical que integre los conocimientos para expresarse, improvisar, interpretar y componer. En conjunto, la educación musical constará de: Sentido rítmico Relajación Atención auditiva Entonación Equilibrio tonal Iniciación al solfeo Armonía y transporte Fundamentación pedagógica Hay una serie de principios en los que se sustenta el método entre los cuales deberían ser los siguientes: • Entender la música como liberadora de energías, capaz de arrojar complejos y dulcificar sentimientos tristes. La música es un poderoso factor de equilibrio y de armonía, ya que permite al niño expresarse con libertad. • Conceder gran importancia a la influencia del ambiente musical en el que se desarrolla la educación, especialmente en lo referido al maestro, tanto con respecto a la personalidad como al método usado. Entre las cualidades del docente, Martenot señala la capacidad para la dirección afectiva de la clase, de forma que reine una flexible disciplina.El profesor debe ser firme y suave, activo, acogedor, inspirado de confianza y respeto. El método debe favorecer los conocimientos que fomentan el desarrollo de las capacidades musicales. • El factor Tempo. En sus investigaciones, observó que la participación activa de los niños durante la lección debe desarrollarse a un tiempo cercano al movimiento del metrónomo colocado en 100. También descubrió que un tiempo superior a 100 produce agitación y sobreexcitación; y que a la inversa, un tiempo inferior produce falta de atención y baja actividad. • La relajación, la respiración tranquila y el equilibrio gestual son necesarios para la salud y para la interpretación musical. El método contiene una serie de ejercicios destinados a lograr el dominio de los movimientos y a realizar estos de forma habitual y armoniosa con la justa proporción de esfuerzo, con los músculos necesarios para cada acto. • El silencio que debe ser tanto interior como exterior. Al silencio tan necesario en la práctica musical, se llega en el método a través de la relajación.
Alternancia entre la actividad y la relajación .En sesiones de clase deben programarse momentos de concentración y otros de relajación, intercalados en los anteriores. Al principio sesiones activas con juegos, y después ejercicios de atención auditiva. • Importancia del principio de la progresión, realizando mediante distintos niveles de complejidad los juegos y ejercicios. Desarrollo del sentido rítmico Es la primera función de la educación musical, porque se trata de manifestar el ritmo viviente propio de todo ser humano. Según las orientaciones de Martenot, para favorecer el estado rítmico de actividad es necesario mantenerse en pie, mientras el cuerpo reposa con naturalidad sobre la planta del pie derecho hacia delante, y el busto se mantiene libre; o bien sentado sobre el borde de una silla con el busto erguido y la cabeza alta. El desarrollo del sentido rítmico se conseguirá a través del trabajo de las siguientes capacidades: La facultad de exteriorizar con precisión sílabas rítmicas a través de una sílaba labial. La capacidad de percibir las pulsaciones del tiempo con rigurosa precisión. La habilidad para expresar simultáneamente con independencia y perfecta precisión los ritmos y las pulsaciones del tiempo. La relajación La relajación tiene como objetivo dar a los alumnos paz y energía interior. La actividad propuesta es segmentária, es decir, por partes separadas del cuerpo. Martenot le da mucha importancia a la relajación, y describe la actitud del profesor al respecto, quien debe crear el clima de paz y silencio. Los diversos ejercicios de la relajación de los miembros persiguen el reposo físico y mental, la flexibilidad de todas las articulaciones y el dominio sobre los grupos musculares que las gobiernan. Las actividades de audición van precedidas en ocasiones de uno o dos ejercicios de relajación para favorecer la atención auditiva. La audición El alumno debe partir del carácter inmaterial de la música, y no de las alturas de su colocación en el pentagrama. Debe tenerse en cuenta que el instrumento de ondas Martenot está indicado para la audición de timbres y alturas diferentes. La base de la audición estará en crear la atención auditiva desde el silencio. Para ello deberemos: Escuchar el silencio del aula y, a continuación y a modo de contraste mostrar el sonido de un instrumento. Concienciarnos de que, para apreciar el verdadero sonido, es necesario que todo esté bien tranquilo a nuestro alrededor y en nuestra propia persona. Algunas orientaciones metodológicas que favorecen el clima preciso para la audición: Partir del reconocimiento de melodías y timbres previamente conocidos. Escuchar distintos ruidos en el juego de la colección de ruidos de la semana, donde los alumnos anotarán todos los que escuchan. •
en la discriminación de alturas, asegúrese previamente de que los sonidos propuestos estén perfectamente afinados. Entonar los sonidos en pianísimo, no de forma brusca. Ofrecer un clima de confianza, destacando más los aciertos de los alumnos que sus errores. La entonación La voz es una cualidad que permite al alumno expresar sus estados de ánimo. En la entonación es necesaria una atmósfera de benevolencia, de acogida cordial, de confianza, de animación creada por el maestro .La calidad del maestro ha de ser buena, ya que los alumnos intentarán imitarla. • Los ejercicios serán realizados en la extensión media de la voz de los alumnos sin exagerar nunca la fuerza, y con la respiración fluyendo hacia delante, como un don generoso. • La entonación justa depende de la audición justa. De ahí, que incluso en las actividades de canto, debe partirse primero de la correcta audición antes que la emisión del sonido. El canto por imitación es un aspecto elemental para la educación del oído y e la voz, y, además, favorece la asociación del gesto con el movimiento melódico Facilita la entonación correcta y el dictado musical. Con las fórmulas rítmicas se entonan distintas llamadas o ecos: Variando ritmos y / o sonidos Variando con la boca abierta Variando las entonaciones expresivas La preparación del solfeo entonando lo plantea Martenot con el Juego de las palabra melódicas. Este juego parte de la impresión global del movimiento sonoro y aprende ayudar al alumno a escuchar mejor el sonido y a encontrar la entonación correcta. • La lectura cantada. Para entrenar a los niños en la asociación entre el movimiento sonoro de las melodías y el sentido melódico de los intervalos se presentan partituras formadas por neumas. • El fraseo en la entonación Al igual que las frases habladas, la frase musical desarrolla en el tiempo una corriente de pensamientos que finalizan en forma femenina o masculina, que corresponden a la acentuación grave o aguda de las palabras. En cambio Martenot emplea ejercicios que parten de la acentuación grave o aguda de las palabras, de la terminación masculina o femenina. El objeto de los mismos es practicar el fraseo sobre la sílaba “la”, buscando no sólo la pulsación y los acentos, sino también la calidad de expresión. Creación y desarrollo del equilibrio tonal Si bien se inicia el método con la pentafonía, pronto se trabaja el sentido tonal. La metodología parte, pues, de improvisaciones melódicas en las que, poco a poco, van descubriendo las leyes del equilibrio y la atracción de la tonalidad. Iniciación al solfeo: lectura rítmica y de notas • Lectura de formas rítmicas
Para Martenot , la duración de una nota es un elemento más de un todo . Representa uno de los miembros del cuerpo rítmico (formula); Y, separada pierde su sentido. Consecuencia de esto es la concepción global de su lectura rítmica, en la que presenta a los elementos dentro de una célula rítmica y no por separado, como otros métodos(Kodaly, Willems...) Considera que las dificultades rítmicas y de entonación pueden solucionarse por si misma trabajando a fondo el sentido rítmico y tonal. Es indispensable la despreocupación en un comienzo por los nombres de las notas y por la notación musical de las figuras (blanca, negra, corchea...) La fórmula rítmica debe ser presentada globalmente sin un análisis de valores, relacionada directamente con el dibujo. Posteriormente, una vez experimentado el rítmico con numerosas fórmulas rítmicas, se relacionan los sonidos con sus valores correspondientes diciendo “la” para negras, “la...a” para blancas, “shit” para silencios. • Lectura melódica La lectura de notas se inicia en la primera fase del desarrollo musical que, como viene presentado aquí, se centra en el desarrollo del sentido rítmico, la audición y la relajación. Para solventar la lectura, Martenot se vale de la carrera de notas, para conseguir velocidad y regularidad y el llegar sano a la meta .Se gana una carrera cuando se lee una línea sin ningún titubeo y en el tiempo indicado por el metrónomo. Martenot sustituye las consonantes de las notas al principio y las nombra así O, E, I, A, OL...con el fin de que se registre bien la información. Sin embargo, para la repetición de los sonidos, las consonantes resultan indispensables a fin de evitar el golpe con la glotis. Para diferenciar las notas naturales de las alteradas, adopta una nomenclatura más simple que la de otro métodos como el de Kodály .A las notas alteradas se cantan añadiendo B o S al sonido natural que es bemol o sostenido respectivamente Armonía El estudio de la armonía se realiza a partir del conocimiento de la escala y acorde mayor o menor. Se realizan diversos ejercicios, según un orden bastante melódico, que tienen como fin el desarrollo de la entonación y el sentido tonal para el estudio de los acordes. Se inicia el estudio de los acordes y sus inversiones desde el comienzo de la lectura musical y se insiste mucho en los de 3ª, 5ª, 7ª y de 9ª mayores y menores. Materiales Repertorio de canciones infantiles Material de psicomotricidad Medios audiovisuales para el desarrollo de la imaginación creadora Juegos didácticos: cartas y palabras melódicas Juegos didácticos: carrera de notas, el auto Dominó: fichas de dominó con valores rítmicos y métricos Diapasón y metrónomo Teclado móvil con los nombres de las notas que se colocan sobre las teclas del piano
El fin de estos juegos, como se ha indicado es llegar al conocimiento de los elementos musicales, facilitando su teoría y su grafía. El instrumento de ondas está formado por: El instrumento, que consta de un teclado de 7 octavas; una cinta, que colocada en el dedo índice de la mano derecha permite producir sonidos semejantes a los humanos, glisandos, etc... ; un rodillo con las teclas de mano, un cajón a la izquierda con la caja de control que permite regular las dinámicas, timbres, difusores, etc... Los difusores (principal, metálico y otro llamado de “Palma”).
METODOLOGÍA DE MARTENOT
Bases: - Observación del niño, controlando la relajación y control muscular. - Audición interior y su evolución. - El juego. - Partir de la pentafonía para pasar más tarde a la tonalidad. Objetivos: - Unificar todos los elementos didácticos para poner la formación musical al servicio de la educación. - Transmitir contenidos teóricos en forma de juegos. Contenidos: - Educación de automatismo y lenguaje de signos. - Memorización de signos y significados a través de dictados. - Práctica del ritmo. - Destreza en la lectura de notas y gestos manuales. - Canto de canciones. - Medios audiovisuales para el desarrollo de la imaginación creadora y la expresión corporal. Actividades: - Ecos rítmicos. - Lectura rítmica sin altura. - Ejercicios de ecos, preguntas y respuestas. - Realización de gestos. - Entonación a partir de fa, acompañamiento gestual. - Audiciones comentadas por los alumnos. - Canciones con texto, con acompañamiento gestual y percusión corporal.
4- METODO KODALY En la estructuración de su método esta muy influido por los temas folklóricos de su país. Por influencia de Kodaly se crearon las Escuelas de música. Estas escuelas poseen un programa detallado de la tarea que han de realizar, y se exige al profesor una actualización continua aceptada por él. El método kodaly pretende llevar a la práctica los siguientes principios: 1- La música es tan necesaria como el aire. 2- Sólo lo auténticamente artístico es valido para los niños. 3- La autentica música debe ser la base de la expresión musical nacional en todos los niveles de la educación. 4- El conocimiento de los elementos de la música a través de la practica vocal (a una, dos y tres voces) y de los instrumentos. 5- Educación musical para todos en igualdad de importancia de la música con otras materias del currículo. La pedagogía Kodaly se basa en facilitar al niño el lenguaje de la música en los primeros años, utiliza fonemas rítmicos y emplea las iniciales de las notas, así como los gestos manuales representativos de los sonidos en sus distintas alturas. Se practica en forma de juego hasta lograr el canto a dos voces con dos grupos. Es un método global e intuitivo en la primera etapa del niño. Mediante los gestos realizaran ejercicios de entonación, dictados, preguntas y respuestas, propuestas por el profesor o los alumnos. Kodaly comienza su trabajo con la escala pentatonica y progresivamente va incorporando a “sol” “mi” iniciales el “la”, el “do” y finalmente el “re” siempre asociado al gesto. A este método húngaro han sido incorporados algunos elementos básicos del Método Dalcroze “la educación del ritmo y para el ritmo”, por ejemplo cuando cantan una canción introduciendo el elemento rítmico por medio de palmas, o pasos (sin desplazamientos). El elemento rítmico también lo va introduciendo por medio de canciones. Para el estudio del ritmo utilizan los fonemas rítmicos que aunque perteneciendo al sistema Chevé, en Hungría han sido bastante simplificados utilizándose solo para la etapa inicial. Para educar a los niños en el sentido de la forma utiliza las canciones populares e infantiles. La primera etapa consiste en reconocer su estructura fundamental a través de preguntas y respuestas. Junto con la lectura se inicia al niño en la escritura y en el dictado por considerar de igual importancia estas tres partes que integran la enseñanza de la música. En una primera etapa se basan siempre en el intervalo “so”, “mi”. Primero lo escuchan en el piano o flauta, luego lo escriben con la silaba de solfeo y así sucesivamente van ampliando su desarrollo. Se da gran importancia al desarrollo del oído interno. Esto y el sistema de práctica musical confiada en el canto forman la base de los principios educativos de este método.
METODOLOGÍA DE KODALY
Bases: - Voz humana a través de la práctica del canto popular. - La música es necesaria para cualquier ser humano. - Método para las masas, no con el objeto de crear músicos profesionales. - Folclore de su país, Hungría. La música popular es la base para la enseñanza musical. Objetivos: - Llegar a las obras de los grandes compositores a través de la música popular. - Conocer los elementos musicales mediante el canto e interpretación instrumental a dos, tres o cuatro voces. - La educación musical ha de tener la misma importancia que las demás materias del currículo. Contenidos: - La música folclórica como base de formación. - Solfeo relativo con Do móvil, sin clave. - Fononimia, marcando los intervalos correspondientes con la mano según sean ascendentes o descendentes. - Se comienza con la escala pentatónica, para seguir con las tonalidades mayores y menores. - Trabaja con sílabas para el nombre de las notas. - Relación del pulso con el movimiento. Actividades: - Solfeo relativo, empezando con tercera menor. - Actividades con gesto y fononimia para entonación y altura. - Aplicación de sílabas rítmicas (TA, TITI, etc.) - Prácticas de canto con dictados. - Prácticas de lectura y escritura. - Canto a dos o tres voces, canto coral. - Audición de pequeños fragmentos para pasar progresivamente a partes de obras y obras completas.
5- METODO WILLEMS Edgar Willems (1890-1978). Tras formarse musicalmente en el conservatorio de París, en 1925 viajaría a Ginebra donde estudió el método de Dalcroze, del que sería seguidor. En 1949 fundó la editorial Pro Música en Fribourg (Suiza), donde publicaría toda su obra en francés. Los principales planteamientos de su método se exponen en las Bases psicológicas de la educación musical. Willems pretendía despertar y armonizar las facultades de todo ser humano: su vida fisiológica (motriz y sensorial), intuitiva y mental.
La difusión de su método se debe a su discípulo Facques Chapuis, presidente de la Sociedad Internacional de Educación Musical Edgar Willems, cuyas principales sedes se encuentran en Lyón y Paris. En España comenzó a difundirse en 1983 en Santander, en un curso organizado por ESME ESPAÑA. Su método, conectado con la Psicología del desarrollo, parte de Dalcroze, al que dedica su libro El oído musical, llamándolo “pionero de la cultura auditiva”. Da una gran importancia a la iniciación musical en los más pequeños. Defiende la sensibilización musical desde la cuna (canciones de cuna) y la educación sensorial en casa (al ser mecidos o al dar saltos en las rodillas del adulto). Parte de las relaciones entre música y ser humano, de sus principios vitales, como la voz o el movimiento. Considera que el sonido y el ritmo son anteriores a la música misma. Relaciona a los tres elementos musicales fundamentales (ritmo, melodía y armonía) con tres facetas vitales: la fisiológica, la afectiva y la mental, respectivamente. De esta forma el ritmo ayudará al niño y al adulto a encontrar sus energías vitales, instintivas e innatas; la melodía, y la canción como su manifestación mas natural, le facilitará el poder de expresar sus estados de ánimo; y finalmente, la práctica coral, la polifonía y la armonía desarrollarán la inteligencia. Sus objetivos son: • Dotar a la enseñanza musical de raíces profundamente humanas. • Contribuir a la apertura general y artística e la persona. • Despertar el amor a la música. • Desarrollar la sensibilidad auditiva y el sentido rítmico. • Desarrollar la memoria, la imaginación y la expresión. • Desarrollar el canto, el solfeo, la práctica instrumental o la armonía. Sus contenidos son: • Desarrollo de la sensibilidad auditiva. Para Willems el cultivo de la agudeza auditiva precede al de la musicalidad y el del estudio de solfeo. La educación auditiva comprende la sensorialidad (reacción ante el sonido), la sensibilidad afectiva y emotiva (melodía), la conciencia mental (armonía). Se basará en el objeto sonoro (juegos de audición, descubrimiento de sonidos). Se estudian alturas de sonidos, el espacio intratonal, subidas y bajadas de la línea melódica, la sensibilidad a los intervalos, escalas y acordes. • Sentido rítmico. Aunque la melodía tiene la primacía, el ritmo es fundamental por su relación con la vida fisiológica. Willems considera que el ritmo es innato y lo estudia a través del movimiento corporal (choques sonoros, marcha, carrera, saltos, balanceos, galopes, etc...). • Notación musical (usando desde un principio el nombre de las notas y figuras). • Canciones, con las que trabaja la melodía, el ritmo, la armonía, las escalas (mayores y menores), los intervalos, los acordes. • Improvisaciones rítmicas y melódicas.
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La audición interior. METODOLOGÍA DE WILEMS
Wilems basa su método en la vida psicológica del niño.
Bases: - Maestro vivo y creador. - Las formas no constituyen la música en sí, sino que es la vida la creadora de las formas. - La actividad docente se centra en las canciones, la audición y el desarrollo rítmico. - Método global para lo concerniente a la vida y método analítico para la toma de conciencia. Tipos de educación musical: - La que enseña a escuchar y a apreciar la música. - La que enseña a practicar la música. Objetivos: - Dar a todos una preparación musical básica. - Participar activamente en forma metódica con medios naturales y vivos, que van desde lo concreto sonoro a lo abstracto. - Desarrollar la creatividad y la expresividad. - Desarrollar la sensibilidad auditiva y el sentido rítmico. Contenidos: - Desarrollo de la percepción auditiva y emisión de la voz con ayuda del material auditivo. - Desarrollo del instinto rítmico con movimientos corporales naturales. - Canciones. - Dictados melódicos, para el desarrollo de la memoria musical. - Entonación de intervalos. - Improvisaciones rítmicas y melódicas. - Movimiento corporal. Actividades: - Reconocimiento de sonidos: altura, intensidad y duración. - Juegos de retención de pequeños fragmentos melódicos y su entonación. - Juegos de marchas. - Materiales e instrumentos escolares.
6- METODO SUZUKI La idea principal del método Suzuki es que: Basa su filosofía en la creencia de que todos los niños tienen talento para hacer
aquello que se propongan. Si todos los niños son capaces de aprender correctamente su lengua materna, también son capaces de aprender el lenguaje musical. Con este método, los niños empiezan a hacer música con 2-3 años. Se les pone música para escuchar, se les da un instrumento para investigar, para descubrir y cuando consiguen hacer un pequeño paso para imitar un sonido, se les motiva a continuar por ese camino. Características: El método Suzuki concede una gran importancia al papel de los padres en el aprendizaje de su hijo. De hecho, se pide que cuando el niño es muy pequeño, el padre o la madre estén en clase con su hijo y el profesor, formando de esta manera el llamado "Triángulo Suzuki". Este método nos pide una dedicación continua y sistemática. Un alumno que empieza debería tocar cada día acompañado de uno de sus padres durante 10 minutos aproximadamente. El niño sigue dos tipos de lecciones: una individual y otra en grupo. En la lección individual se trabajan los elementos técnicos como la postura del cuerpo, el movimiento del arco (en los instrumentos de cuerda, como el violín o el violonchelo), la colocación de las manos (sobre el piano, sobre el violín,...). En las clases de grupo, el niño comparte la música con los otros niños, reforzando todo aquello que ha aprendido en la clase individual. Las canciones y obras que los niños aprenden con el método Suzuki son muy atractivas, de forma que motivan al niño a aprender otras nuevas y así avanzar hacia obras más difíciles. 7- METODO DE IRENE SEGARRA La idea principal del método Ireneu Segarra es que: Está pensado principalmente para ser aplicado en escuelas de música especializadas, aunque también puede darse en escuelas normales, siempre y cuando le dediquen a la música un tiempo diario. Consta de 8 cursos. Características: La canción es la base del método, como en el método Kodály. Se empieza por canciones populares sencillas, pero se llega a canciones extranjeras más complicadas o de otras épocas de la historia de la música. Se da mucha importancia a la educación sensorial: experimentar antes que asimilar. Se trabaja, pues, la educación rítmico-motora y del oído para desarrollar el sentido musical de los niños y preparar el camino para futuros aprendizajes. El aspecto rítmico se basa en el trabajo motor que permite obtener una buena coordinación y una independencia de movimientos, tanto individuales como en grupo. En el aspecto
melódico se prepara el oído para captar el sentido ascendente o descendente, la relación de las frases, etc. También se concede gran importancia a las audiciones, que amplían el horizonte de conocimiento de la música y ayudan a adquirir el hábito de escuchar. 8- METODO DE CHEVAIS Este método es eminentemente activo. Basa la progresión de sonidos en el acorde perfecto mayor, y los valores de las duraciones en uno, dos, tres o cuatro tiempos, y después submúltiplos del tiempo. Un dedo representa un sonido de un tiempo. Varios dedos separados representan varios sonidos de un tiempo. Varios dedos juntos representan un sonido de varios tiempos. Para los silencios se cierra el dedo correspondiente. Cuando la mano permanece cerrada, el silencio es de un compás. Es un método vocal, como única fuente de sonido. Sus objetivos son: • Educación musical para todos sin excepción. • Aprender a gozar de la música para después pasar a la técnica. Sus fundamentos son: • Aplicación del test sobre agudeza y memoria auditiva, sensibilidad y actividad musical. • Actividad auditiva, vocal, corporal y lúdica. Su desarrollo es: • Iniciación al solfeo de 6 a 10 años. • Notación y progresión de 10 a 12 años. • Polifonía de 12 a16 años. • Educación de la voz y empleo de la fonomimia. Su empleo del lenguaje musical: • Canto por imitación de 0 a 6 años. Lectura, ritmo y canto reconociendo sonidos convencionales, hacia los 10 años. 9- METODO MONTESORI Suele emplearse para la educación musical de niños con disminuciones físicas, especialmente ciegos. Sus propósitos musicales no prestan grandes innovaciones. La principal es su aplicación a los niños disminuidos visualmente. Sus principales objetivos son: - Fomentar el uso del oído reemplazando la vista - Desarrollar el sentido del ritmo, a menudo ausente, en los niños ciegos. - Desarrollar su autoestima. Realiza actividades relacionadas con el pulso, el acento y el ritmo.
En lo referente a la educación vocal, emplea métodos y actividades convencionales. Trabaja la lecto-escritura musical mediante el sistema Braille. 4- EL LENGUAJE MUSICAL Música La música es el arte que se expresa por medio de la combinación de los sonidos y el ritmo. Es decir, el sonido organizado en el tiempo por medio de esquemas rítmicos, y según su altura en secuencias melódicas y armónicas. Lenguaje musical Grafías del lenguaje musical La música como todo lenguaje utiliza una serie de signos para su representación grafica: - Pentagrama: renglón formado por cinco líneas y cuatro espacios, que se cuenta de abajo arriba. Dentro del pentagrama se colocan la mayor parte de los signos musicales, principalmente figura, silencios y notas. - Líneas adicionales: son unas líneas cortas suplementarias paralelas al pentagrama que se colocan bien por su parte superior, bien por la inferior. Se utilizan para representar sonidos más graves o más agudos. No solamente cuentan las líneas adicionales en si, sino también los espacios adicionales. - Notas: nombre que se le da al sonido. En nuestro sistema musical los sonidos naturales son siete: DO, RE, MI, FA, SOL, LA, SI. Además de estos existen otros sonidos que se obtienen mediante alteraciones de los mismos. En algunos países se utilizan la notación alfabética, representando cada sonido con una letra. - Figuras: Es la representación grafica de la diferente duración que pueden tener los sonidos. Los más usados son los siguientes: Redonda (dura cuatro tiempos en el compás Blanca (dura dos tiempos en el compás) Negra (dura un tiempo en el compás) Corchea (dura medio tiempo en el compás) Semicorchea (dura un cuarto de tiempo en el compás) La figura está compuesta de cabeza, plica y corchete. Cabeza: es el círculo de la redonda, blanca y punto negro de las demás figuras. Plica: es la barrita que parte de la cabeza de la figura. Corchete: es el gancho unido a la plica y su número ira en función de la figura y su valor. La figura que representa la unidad musical es la redonda. La relación de valores que tienen las figuras entre si es binaria. Cada figura vale el doble que la siguiente; por lo tanto, la mitad de la anterior.
- Silencios: son signos que representan duración sin sonido. Cada figura tiene su correspondiente silencio. Silencio de redonda Silencio de blanca Silencio de negra Silencio de corchea Silencio de semicorchea - Claves: son signos colocados al principio del pentagrama para indicar la colocación de los sonidos. Hay tres signos de claves: - Clave de sol - Clave de fa Se colocan en las líneas del pentagrama, no en los espacios. Dan su nombre a las notas colocadas en dicha línea y por extensión, a todas las demás. Según las líneas en que se colocan las claves, éstas pueden formar las siguientes posiciones. El fin del uso de las claves es el de evitar la utilización de un gran numero de líneas adicionales, para representar todos los sonidos utilizados. - Compás: es la medida que se toma como unidad para dividir una composición musical en fragmentos de igual duración. No debemos confundir los términos ritmo y compás. El compás es la invención humana usada para facilitar la lectura y comprensión del ritmo. - Análisis de los compases: cada compás se divide en partes llamadas tiempos. Existen tres tipos de compases: Binarios: constan de dos tiempos. Se marca el primero abajo y el segundo arriba. Ternarios: constan de tres tiempos. Se marcan el primero abajo, segundo a la derecha y el tercero arriba. Cuaternarios: constan de cuatro tiempos. Se marcan el primero abajo, el segundo a la izquierda, el tercero a la derecha y el cuarto arriba. - Alteraciones: son unos signos que modifican el sonido de las notas. Estos se colocan delante de la nota que modifican. Los más usados son los siguientes: Sostenido: (#) eleva un semitono el sonido. Bemol: (b) baja un semitono el sonido. - Escala: es la sucesión de ocho sonidos correlativos en el que el octavo es la repetición del primero en una octava más alta. A los sonidos de la escala se les denomina grados. Entre los sonidos que componen la escala median un tono de distancia excepto del MI al FA y del SI al DO que hay medio tono o semitono. Al primer grado se le llama también tónica, al quinto dominante y al séptimo sensible cuando esta a distancia de semitono de la octava. - Matiz: para el matiz se utilizan también términos italianos que se colocaran encima o debajo del pentagrama y pueden afectar a toda la obra musical, a un
movimiento, a un fragmento o a una o varias notas. (pp, mp, p, f, mf, ff,)(pianissimo, medio piano, piano, forte, medio forte, fortísimo)
5- PEQUEÑA HISTORIA DE LA NOTACION MUSICAL Es obvio que no siempre se pudo escribir música, lo que hoy conocemos como la música de los tiempos del Imperio Romano, o de los egipcios, no son más que suposiciones basadas en los instrumentos musicales que se conservan de la época y las notas que podían emitir y teorías sobre la evolución de la música popular en esos países. Los sistemas para plasmar la música en papel comienzan a desarrollarse de forma notable durante la Edad Media, aunque ya existían precedentes de escritura musical de la época de la Grecia clásica. Así aparece el sistema neumático, que se basaba en dibujar los signos a mayor altura cuanto más agudos y a menor cuanto más graves, la inexactitud de este método forzó la aparición de una línea de referencia que representaba una determinada nota y las demás se situaban a mayor o menor distancia en relación a esta. El principal valedor de este sistema fue el monje italiano Guido de Arezzo, que vivió en el siglo XI e introdujo cuatro líneas en lugar de una, además, fue quien dio nombre a las notas musicales, tomando las primeras sílabas de la letra de un himno religioso muy popular en la época: UT REsonare MIra FAmuli SOLve LAbii reatum En el siglo XVI se añadió la sílaba "si" para dicha nota y en a partir del XVIII se sustituirá "UT" por "do" y se añade una quinta línea, quedando fijada de esta forma la notación musical (pentagrama significa cinco líneas en griego). La nomenclatura de las notas que convive con esta en la actualidad y que se usa principalmente en los países anglosajones es el sistema alfabético, en el que: A=La, B=Si, C=Do, D=Re, E=Mi, F=Fa y G=Sol Apareció igualmente durante la Edad Media y se añadían pares de letras para ir marcando las diferentes octavas (algo ya en desuso).
PARTE PRÁCTICA DEL TRABAJO A) ENSEÑANZA DE LAS FIGURAS MUSICALES
La iniciación a la lectura y escritura rítmicas. En la educación musical se parte siempre de la imitación de la propuesta. Las actividades que hagan los niños previamente han sido realizadas por el maestro. Se pretende que jugando a través de determinados grafismos, dibujos, gestos, fonemas, etc., se puedan iniciar en la lecto-escritura rítmica y posteriormente, cuando sea oportuno, puedan con facilidad comprender los códigos convencionales de la música. Son muchos los objetos de uso cotidiano, dibujos, grafismos que proponen determinadas acciones, sonidos, movimientos, etc. Si un niño observa una figura que camina, o un objeto que sirve para golpear, comprende su significado y realiza la acción correspondiente. De igual forma si observa un reloj, lo oye y repite el fonema escuchado. Estas acciones están asociadas a determinadas figuras musicales, ritmos básicos y los niños al vivir la acción que en ellos se describe, llegaran posteriormente a la compresión de esos signos que son la base de los grafismos de la música convencional.
Al observar el primer dibujo los niños harán palmas, o dirán “plas”, que se corresponde con el tiempo de la figura negra ( ) En el segundo caso, realizaran el gesto de enseñar las manos, ausencia de sonido, silencio de negra ( ), y reconocerán que han necesitado el mismo tiempo para palmear que para enseñar las manos, igual duración pero sin sonido. El tercer dibujo implica decir ti-qui, y corresponde al valor de dos corcheas (
).
El último, descorchar una botella de champán, se asocia con el vocablo “blummmmm”, equivalente a una blanca ( ) Haciendo la lectura de estos dibujos, llega el momento de reconocer que cuando se hace una palma (plas), se necesita el mismo tiempo que para decir tiqui, y se
percibe la equivalencia de dos corcheas con la figura negra. También al imitar el descorche de la botella, prolongando la última consonante, se necesita más tiempo, se tarda más, el doble que en las imitaciones anteriores y así sucesivamente. El siguiente dibujo indica que se han de realizar cuatro palmadas, o entonar cuatro veces el correspondiente fonema (plas) y corresponde a la figura ( ) que la tomamos como representante para palmear, o del paso al andar (el pulso). Para reconocer el silencio de negra ( ):
Ante el dibujo de un reloj surge el fonema ti-qui, que se corresponde con dos corcheas ( ):
Para la figura blanca utilizaremos el siguiente dibujo:
Ahora leemos plas, plas, blummmmmm, que corresponde al esquema ritmico:
El siguiente dibujo representa el esquema ritmico plas, plas, ti-qui, plas. Que corresponde:
Partiendo de esto, cuando toque el punto 4 que corresponde al lenguaje musical propondré a mis compañeras unos ejercicios en la pizarra que consistirán en que yo escribiré una secuencia de figuras (en el pentagrama, con la clave de sol, etc.) y ellas tendrán que solfear esas figuras con ayuda del metrónomo. A la blanca la llamaremos “ta-a” a la negra “ta”, y a la corchea “ti-ti”. Esto será lo que tienen que decir cuando vayan solfeando. Estas secuencias serán:
Una vez logrado que solfeen esto, les mostraré una secuencia de los dibujos que expliqué anteriormente para solfeo con niños pequeños para que ellas lo solfeen en un compás de dos por cuatro...
A)
B)
C)
D)
E)
F)
G)
B) EJERCICIOS PROPUESTOS EN LOS METODOS PEDAGOGICOMUSICALES: *PARTE PRÁCTICA DEL METODO DALCROZE La rítmica Dalcroze se basa en la improvisación. - Los niños caminan libremente, y entonces el piano comienza a tocar una marcha suave y lenta, sin advertirles nada poco a poco los alumnos adaptan su marcha al compás de la música. Así va introduciendo las negras para marchar, las corcheas para correr y semicorchea para saltar. Este ejercicio lo realizaré en clase pero lo tendré que hacer con la ayuda de la audición de una obra musical ya que no disponemos de un piano en el colegio con el que poder realizar la actividad tal cual la desarrolla Dalcroze. - Para hacer sentir los matices el profesor tocará una música suave y los niños andan de puntillas (siempre en círculos) cuando la música es fuerte y marcada los alumnos marchan marcando fuertemente el paso. - El silencio se hará sentir relacionándolo con la interrupción de las marchas, con ausencia de sonido. Este ejercicio también formará parte de mi propuesta de ejercicios prácticos y lo realizaré con ayuda del pandero. En este ejercicio también trabajaré los silencios conjuntamente relacionándolos con la interrupción de las marchas. - Para la iniciación de los sonidos se agrupa la clase primero en 5 grupos. El profesor canta el Do y lo repite el 1º grupo, Re el 2º, etc. Cuando el profesor canta el Do los alumnos del primer grupo se sientan, etc. Así se continúa con una serie de ejercicios de este tipo. Este ejercicio también estará incluido en mi clase práctica de la siguiente manera: el profesor cantara las notas musicales hasta el sol y los distintos grupos irán repitiendo estos sonidos. Cuando el profesor cante el Do los alumnos del primer grupo se sentarán, cuando cante el Re, los alumnos del 2º grupo saltarán, cuando cante el Mi, los alumnos del 3º grupo saldrán corriendo dando una vuelta por toda la clase, cuando sea el Fa el que el profesor cante, los alumnos del 4º grupo marcharan dando una vuelta por toda la clase y por ultimo cuando el profesor cante el sol, los alumnos del 5º grupo darán una vuelta por toda la clase de rodillas. - En cuanto a la representación grafica, Dalcroze utiliza un juego de cartones para comunicar la grafía musical del movimiento, en los cuales estarán representados los valores de las notas Los cartones deben ser iguales y del mismo color. Antes de empezar el ejercicio debe explicarse al niño el significado del contenido de cada cartón: que el primero significa caminar o marchar y la nota se llama negra, el
segundo correr y la nota se llama corchea y el tercero es el de saltar y la nota se llama semicorchea. Cuando los alumnos han reconocido los cartones y la duración de los valores que contienen, el maestro toca en el piano las figuras y el alumno debe reconocerlas y tocar el cartón correspondiente. Se intentará que los niños caminen a ritmo de negra y mientras den palmadas a ritmo de blancas. Este ejercicio también formará parte de mi clase práctica pero en lugar de cartones utilizaré trozos de cartulina a tamaño cuartilla más o menos y en lugar del piano utilizare la flauta. Respecto al material auxiliar, la rítmica Dalcroze utiliza diversos tipos de material como son: aros, pelotas, cintas, cuerdas, panderetas, triángulos, etc. *EJERCICIOS PRACTICOS DEL METODO ORFF - Un ejercicio para mostrar a mis compañeras en lo que se basa la práctica de orff será el decir sus nombres con una melodía y un ritmo a base de percusión corporal, es decir, primero tendrán que decir sus nombres con una melodía determinada (la que quieran) y después dirán sus nombres ayudándose de su propio cuerpo: palmas, golpes en el suelo con los pies, etc. (la profesora habrá realizado el ejercicio antes para mostrárselo a los alumnos) - Otra actividad será repetir un trabalenguas para que los niños descubran el ritmo que tienen que llevar para no equivocarse. Trabalenguas: Luengas lenguas hacen falta para no trabalenguarse, el que no tenga una lengua luenga bien podrá desesperarse. *EJERCICIOS PRACTICOS DEL METODO MARTENOT - Un ejercicio será realizar la canción “el ciervo en su casita” con sus gestos y con la percusión corporal, es decir, cada niño pondrá su toque personal interpretándola con su cuerpo, ayudándose de palmas, golpes en las piernas, en el suelo, etc. *EJERCICIOS PRACTICOS DEL METODO WILLEMS. - Un ejercicio será que el profesor interprete ayudándose de la flauta dulce sonidos agudos y graves y los niños tendrán que reconocerlos. Cuando escuchen un sonido grave, se agacharan y al escuchar un sonido agudo saltaran todo lo alto que puedan. - Un ejercicio para trabajar la retención de fragmentos melódicos y su entonación será que la profesora les pondrá un fragmento de una pieza musical
y los niños tendrán que una vez escuchado y en ausencia de música, recordar y entonar el fragmento escuchado. - Un ejercicio para trabajar las marchas será que el profesor con ayuda de un pandero introducirá diferentes ritmos y los niños tendrán que ir en circulo por la clase al mismo ritmo que el profesor toque el pandero. (También se puede realiza con el triangulo o las claves)
OPINION PERSONAL Pues la verdad que este trabajo es el que más me ha gustado de todos los que he hecho ya que es un tema que para mi es muy bonito y aparte forma parte de mi vida, ya que pertenezco a una banda de música y dos veces en semana practico solfeo y toco un instrumento. La verdad que me ha resultado difícil de realizar ya que estaba un poco perdida porque yo se los conceptos del lenguaje musical, se solfear pero a lo mejor no se llevarlo a la practica en el sentido de enseñar solfeo y mucho menos para niños pequeños, creo que es algo complicado que hay que ir poco a poco introduciendo en la vida de los niños y que es muy importante que el niño se familiarice con la música desde muy pequeño. Yo por ejemplo, aprendí solfeo con 6 o 7 años y hoy en día sigo practicándolo y como ya he dicho antes es algo familiar para mi porque cada vez que ensayo al interpretar las piezas musicales solfeo. Sobre los métodos pedagógicos no tenia ni idea antes de realizar este trabajo la verdad, también el trabajo me a ayudado para conocerlos y comprender el tipo de aprendizaje que cada uno quería realizar, el método que mas me gusta es el de Willems, porque creo que es lo que mas se parece a lo que yo he estudiado y es el que mejor entiendo. La verdad que no sabia que tipos de ejercicios programar para llevar a cabo la parte practica y finalmente me he basado en lo que es una clase de solfeo y los ejercicios que se proponen desde algunos métodos para que así mis compañeras sepan que tipos de ejercicios proponen algunos de los métodos. También me resulto muy curiosa la pequeña historia de la notación musical que he encontrado y por eso me pareció bien incluirla en mi trabajo como una curiosidad. En resumen el trabajo me ha gustado aunque me ha costado un poco de trabajo enfocarlo, pero creo que he aprendido mas de lo que sabia, y espero que mis compañeras también lo hagan gracias a mi exposición.
BIBLIOGRAFIA - Didactica de la Musica Vazquez Bernal, Julia / Niño Calvo, MªLuisa, Ediciones Aljibe, año 2000
-Actividades musicales preescolares. Garcia de Nuñez Rivas, M. y otros. Editorial Klapelusz, año 1984 - La iniciación musical del niño De Gainza Hemsy, V. Editorial Ricordi, año 1964 - El area de educación musical Alsina, P Editorial Graó, año 1997 - Juguemos con la musica Bronstein, R y otros. Editorial Trillas, año 1991. -La musica en la educación infantil Garretson, R.L Editorial Diana, año 1980
INDICE •
Introducción
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3ª Área del currículo de educación infantil: comunicación y representación
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Principios básicos de las corrientes pedagógicas musicales del siglo XX.
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Método Dalcroze o Método Orff o Método Martenot o Método Kodaly o Método Willems o Método Suzuki o Método Irene Segarra o Método Chevais o Método Montesori. El lenguaje musical
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Pequeña historia de la notación musical
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PARTE PRÁCTICA DEL TRABAJO
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A) Enseñanza de las figuras musicales o B ) Ejercicios propuestos en los métodos pedagógico-musicales o Láminas Opinión personal Bibliografía o
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