La Historia del Arte (Resumen) E.H.Gombrich Literatura Dramática Enrique Cervantes Prieto
1. Extraños comienzos. Pueblos prehistóricos y primitivos; América antigua. No sabemos cómo empezó el arte, igual que ignoramos cuál fue el comienzo del lenguaje.
Sería absurdo intentar hallar los orígenes del arte sin antes imaginar cuales fueron los posibles motores que impulsaron a los pueblos primitivos a elaborar sus pinturas. ¿Qué clase c lase de experiencia les llevó a imaginar las imágenes que encontramos en diferentes cuevas? Probablemente la motivación primera no fue tener t ener algo agradable que contemplar, es más lógico pensar que para esos pueblos las pinturas tuviesen un poderoso empleo. Lo importante no es si la pintura es bella o no, sino de si funciona, es decir, si cumple con sus fines mágicos. Para ello se bastaban con plasmar la esencia de la imagen, no necesitaban hacer realismo. De hecho las formas naturales pueden haber sido traducidas t raducidas en una síntesis coherente de lo que quieren representar y de lo que lo representado supone para ellos. En otras o tras civilizaciones la realización de imágenes supone la primera forma de escritura.
2. Arte para la eternidad. Egipto, Mesopotamia, Creta. Uno de los rasgos más estimables del arte egipcio egi pcio es que todas las estatuas, pinturas y formas arquitectónicas se hallan en su lugar correspondiente como si obedecieran una ley. A esta ley, a la cual parecen obedecer todas las creaciones de un pueblo, la llamamos estilo.
Aunque no existen eslabones claros que nos ayuden a conectar los ex extraños traños comienzos con nuestro presente, podemos suponer que el arte siguió su curso de transmisión directa de maestros a alumnos. Después de un periodo bastante incompleto (en el que pocas son las l as referencias directas que se pueden encontrar), llegamos a Egipto. Los fines del arte Egipcio siguen siendo religiosos y están íntimamente ligados al hecho de la muerte y al posterior viaje que realiza el alma. Vemos, V emos, pues, muchas pinturas o esculturas orientadas a salvar la imagen del terrena del difunto.
Los egipcios supieron combinar una aguda observación de la naturaleza con una férrea regularidad geométrica. No fue para ellos lo más importante la belleza, sino la perfección. Por ello intentaron plasmar lo que creyeron más característico de cada cosa, lo más importante debía estar contenido en la obra. Para lograr ese fin establecieron unas reglas de representación; y una vez lograda la codificación, el crecimiento había concluido, no se requería originalidad a nadie. Solo Akenatón se atrevió a romper esas ataduras y reformular los modos de representación. El cambio duró poco y pronto se retomaría la vereda abandonada. En Creta se encuentran obras de la misma época mucho menos conservadoras. Los artistas gustaban de representar el movimiento. En Mesopotamia disfrutaron del gusto de la precisión y simetría en sus obras. Además su funcionalidad era muy parecida a la de Egipto. El hecho de la muerte.
3. El Gran despertar. Grecia, del siglo VII al V a.C. Los egipcios basaron su arte en el conocimiento. Los griegos comenzaron a servirse de sus ojos.
El arte griego toma tom a sus primeras referencias en el de Creta. Aunque A unque este pudiese presentarse bastante rígido y primitivo los griegos no tardarían en desechar lo que no les interesaba en pro de, lo que consideraban, cierta evolución. La finalidad de la obra seguía siendo un factor relevante y lo podemos comprobar al observar templos primitivos dónde todo tiene una utilidad específica. Este carácter funcional aporta una gran simplicidad y armonía al hecho “artístico”. Fue en Atenas, un poco más tarde, donde se produjo la mayor revolución de toda la historia del arte: al artista ya no le bastaba con ejecutar unas fórmulas aprendidas, sino que quiso experimentar por sí mismo. Los artistas fueron sumando descubrimientos entre todos. Fue así como los pintores realizaron un gran hallazgo: el escorzo. El arte llegó a su máximo desarrollo a la vez que la democracia. F ue entonces cuando se reconstruyeron los edificios desolados por los persas. Esta tarea recayó en Icticio y Fidias. Por desgracia la gran parte de obras que conservamos son copias romanas ya que con la cristiandad se consideró deber religioso el destruir todas las esculturas que representasen dioses paganos. Los artistas se centraron en la búsqueda de la belleza y en la importancia de mostrar las estructuras del cuerpo humano para así poder labrar una convincente figura humana. Una vez conseguido esto, la atención se puso en intentar plasmar <> a través de la representación de un cuerpo. Con todo, el arte fue un oficio en el que los artistas trabajaban con las manos y para vivir.
4. El reino de la belleza. Grecia y el mundo griego, del siglo IV al I. El cuerpo y sus movimientos eran utilizados por estos maestros para expresar lo que Sócrates había denominado <>… alma>>…
Entre los años 520 a.C. a 420 a.C. se produjo el gran despertar del arte a la libertad. Cada vez más la gente comenzó a interesarse por las obras en sí mismas y no por su función religiosa. Artistas como Praxíteles consiguieron desterrar toda huella de rigidez. Fue un periodo fructífero, de hecho la mayoría de obras escultóricas del mundo griego que se nos puedan venir en mente fueron creadas en este periodo de tiempo (teniendo en cuenta que lo que nos ha llegado son copias de las esculturas originales). Con Alejandro, el imperio griego se expandió. En las diferentes ciudades recientemente importantes se encargaban obras a los pintores y escultores griegos. También se pidieron diseños de arquitectura, sacrificando la simpleza original por los gusto de los distintos puntos de demanda. Al estilo artístico que predominó en Grecia durante su última época se llama helenístico. Busca la impresión, el impacto. El arte, en efecto, perdió conexión con la religión y la magia, y los artistas empezaron a preocuparse por los problemas intrínsecos al arte.
5. Conquistadores del mundo. Romanos, budistas, judíos y cristianos, del siglo I al IV. El cuadro ha dejado de existir como algo bello en sí mismo. Su propósito principal es evocar en los fieles uno de los ejemplos del poder y la clemencia de Dios. Di os.
El arte permaneció bastante inalterable durante la conquista de territorios por parte de los romanos, no cambió hasta que Roma se convirtió en dueña del mundo. Las obras más notorias las encontramos en la arquitectura civil. En ellas conviven la estructura romana y las formas griegas con sus “órdenes”. Los romanos tomaron lo que quisieron y lo adaptaron a sus propias necesidades; los bustos comenzaron a mostrarse menos halagadores queriendo transmitir la sensación de poder del emperador sobre el ciudadano. La finalidad del arte varió. Ya no era lo más importante la belleza o el logro de la expresión dramática. La función artística pasó a ser meramente práctica. En los primeros siglos el arte helenístico viajó por todo el imperio romano hasta escapar de occidente hasta llegar a lugares como India y representar a personajes como Buda. Las colonias judías de ciudades orientales, por su parte, también decoraron las paredes de sus sinagogas con motivos del Antiguo Testamento (aunque la propia religión lo prohíba por miedo a la idolatría). Aún más, la primera vez que se pidió a artistas cristianos la representación de Cristo, se acudió a la tradición griega.
6. Una división de caminos. Roma y Bizancio, del siglo V al XIII. Las pinturas que adornaban las iglesias no podían ya ser miradas como simples ilustraciones al servicio de los que no sabían leer. Se contemplaban como reflejos misteriosos del mundo sobrenatural.
En el año 311 el emperador Constantino estableció la Iglesia Cristiana como religión del estado. Los lugares de culto nuevos no podían tomar como referencia los templos antiguos, ya que la finalidad era totalmente distinta. Se tomaron como referencia las grandes salas de reunión. Por otro lado se debatió acerca de la utilización de imágenes en los templos; todos llegaron a la conclusión de que no debía haber estatuas. Muchos de los fieles no sabían ni leer ni escribir, así que el objetivo del arte pasó a ser funcional. Para ello el tema tenía que ser tratado con claridad y sencillez, concentrado la atención en lo estrictamente esencial. Nos puede recordar en ciertos aspectos a las ideas de representación egipcias. En el año 754 el partido iconoclasta de la iglesia oriental consiguió el predominio y todo el arte religioso fue prohibido. Es interesante que cuando se pudieron representar pinturas sobre temas bíblicos de nuevo, el arte pareció avanzar un paso más allá, el arte pareció un reflejo del misterioso mundo sobrenatural.
7. Mirando a oriente. Islam, China, del siglo II al XII. Los chinos fueron los primeros que no consideraron el arte de pintar como una tarea servil, sino que situaron al pintor al mismo nivel que al inspirado poeta.
El Islam fue más riguroso aún que el cristianismo, prohibiendo de manera absoluta las imágenes. Esto permitió que la ornamentación de tracería se desarrollase enormemente surgiendo el arabesco. En china la intromisión de la religión en el arte fue aún mayor. Se sabe que en los siglos anteriores y posteriores a cristo se adoptaron costumbres funerarias muy similares a las egipcias. Dominaban el arte de representar el movimiento mediante los trazos curvos. Aunque el impulso más fuerte que recibió el arte chino fue el del budismo. El arte se consagró como ayuda a la meditación.
8. El arte occidental en el crisol. Europa, del siglo VI al XI. Los egipcios plasmaron lo que sabían que existía; los griegos, lo que veían; los artistas del medievo aprendieron a expresar lo que sentían.
Tras la caída del Imperio romano viene el periodo conocido como: edad de las tinieblas. Época convulsa de guerras y enfermedades. En los conventos y monasterios hubo personas que tuvieron la posibilidad de acercarse a las obras del mundo antiguo y trataron de rescatarlo, pero las guerras e invasiones dificultaron mucho la tarea. Las diversas tribus bárbaras que arremetieron contra todo lo asaltable también tenían una idea del arte, aunque bastante cercana a la de los pueblos primitivos de cualquier otro lugar. Los misioneros intentaron adaptar las tradiciones nórdicas a las tareas cristianas. Esta fusión de tradiciones se puede observar en los esquemas geométricos que usan algunos ilustradores en los textos que se conservan de aquella época. En la corte de Carlomagno la tradición del arte romano fue resucitada.
9. La Iglesia militante. El siglo XII. … parecen expresar al misma idea de la Iglesia militante, esto es, la idea de que aquí, en la tierra, la misión de la iglesia es combatir las fuerzas fuerzas oscuras…
Los normandos desembarcan en Inglaterra llevando con ellos un estilo arquitectónico bien definido. A su vez los obispos y nobles comienzan a edificar aprovechando los conocimientos de estos; aparece así el estilo normando o románico (como es conocido en el resto de Europa). Además la iglesia era un edificio de vital importancia en la vida de una ciudad o un pueblo. Son edificios muy sólidos y compactos con escasa ornamentación. Es interesante que para combatir el mal la cristiandad necesitase edificios semejantes a castillos o fortalezas. Más tarde en Francia se comenzaron a añadir esculturas a las iglesias, éstas tenían su función específica de adoctrinamiento. En cierto sentido el estilo románico se aproxima a los ideales orientales: la síntesis de doctrinas en forma de símbolos para ilustrar diferentes misterios de la Biblia. La pintura, por ejemplo, estaba en camino de convertirse en un medio de escribir mediante las imágenes.
10.
La Iglesia Triunfante. El siglo XIII.
Las nuevas catedrales proporcionaban a los creyentes un reflejo del otro mundo.
Occidente siempre se mantuvo inquieto, intentando nuevas soluciones a nuevos problemas. El estilo románico no duró. Poco tardaría en aparecer el estilo gótico en el norte de Francia. Nació de un adelanto técnico que demostró que el método de abovedar por medio de vigas cruzadas era mucho más eficiente, como consecuencia no se necesitaban muros anchos, en su lugar podían utilizarse amplios ventanales. Poco a poco la ambición de los artistas fue creciendo y, con ella, el deseo de admiración hacia sus atrevidas at revidas empresas. Se siguió desarrollando el uso de figuras para ilustrar pasajes bíblicos que ayudasen a los campesinos analfabetos a comprender las sagradas escrituras y sus misterios. No bastó con
diseñar bellas esculturas, los artistas pretendían que sus obras o bras estuviesen llenas de vida, que funcionasen como elementos individuales en el conjunto. Sólo a mitad del siglo XII un escultor italiano comenzó a estudiar los modelos clásicos de escultura. Lo mismo pasó con la pintura, la adhesión al imperio bizantino más que a la tradición del norte, permitió a los artistas italianos iniciar una importante revolución que cambiaría todo el arte de la pintura. El primero en aventurarse fue Giotto, creando la ilusión de que el tema religioso ocurría ante nosotros y, sobre todo, abandonando el uso de la pintura como un modo de escribir en imágenes. En el norte la pintura siguió privilegiando la ilustración de manuscritos aunque ahora la importancia radicaba en mostrarnos el sentimiento de las figuras ahí representadas.
11.
Cortesanos y burgueses. El silgo XIV.
Las ideas y los artistas viajaban de un centro a otro, y nadie rechazaba un producto cualquiera porque fuera <>. <>.
Las ciudades comenzaron a crecer y desarrollarse de una forma muy rápida. Se convirtieron en centro de comercio y los nobles se fueron independizando paulatinamente del poder de la nobleza y clero. En Inglaterra el estilo gótico se bifurcó generando una opción arquitectónica que se conoce como estilo ornamental. Los arquitectos prefirieron demostrar su virtuosismo por medio de la ornamentación y las tracerías complicadas. Probablemente los motivos más llamativos de esta época se encuentren en el interior de las iglesias y no fuera. En pintura cabe destacar la afición por los detalles y los pormenores que encontramos en distintos manuscritos ilustrados. A partir de mediados de siglo empezaron a confluir los dos caminos que había tomado el arte: la observación graciosa y la observación fidedigna (que se estaba produciendo en Italia). Los pintores florentinos iniciaron una ruptura con el arte bizantino; en Siena, al contrario, mantuvieron la tradición bizantina a la vez que se intentó insuflar de vida a las figuras representadas. Las diferentes tendencias se extendieron por Europa y se pusieron en común por las distintas capitales, como resultado surgió el denominado estilo internacional. El interés del artista estaba posado en representar de la manera más clara posible un tema sacro y, a la vez, hacerlo con los nuevos métodos de representar la naturaleza de la manera más fiel posible atendiendo a los detalles. Pero poco a poco el interés de los artistas por la naturaleza y por el análisis pormenorizado del cuerpo humano hizo que el arte medieval sucumbiera ante el imponente Renacimiento.
12.
La conquista de la realidad. reali dad. Primera mitad del siglo XV.
La idea de un renacer estaba íntimamente ligada en el espíritu de los italianos a la de una recuperación de <>.
Fue la ciudad de Florencia la que albergó al revolucionario grupo de artistas que cambiarían la concepción del arte. El líder era un arquitecto: Brunelleschi. Cuando fue requerido para la construcción de algún edificio abandonó el proceder tradicional para indagar en el pasado clásico, generó un nuevo estilo de construcción que duraría cinco siglos. Se le atribuye otro descubrimiento que sería muy usado en pintura: la perspectiva. Si Masaccio fue el gran pintor, Donatello fue el gran escultor del círculo. Se entregó a la observación voraz del natural y al estudio del cuerpo humano como habían hecho sus antepasados clásicos. La conquista de la realidad traspasó fronteras hasta llegar a Bélgica donde encontramos al pintor Jan van Eyck. Además del intento de pintar con científica exactitud a partir de los detalles, Eyck inventó la pintura al óleo.
13. Tradición e innovación, I. Segunda I. Segunda mitad del siglo XV en Italia. Una vez que el arte eligió el camino de rivalizar con la naturaleza, ya no podía retroceder.
El estilo internacional es el último que vio Europa como fenómeno global; a partir de ahora el arte se disgregó en diferentes escuelas. En Italia los pintores quedaron ante un panorama extenso en el que podían elegir fragmentos del mundo real para plasmarlos. Si un chaval decidía que quería ser pintor, se podía enviar a éste como aprendiz al taller de algún maestro. Ghiberti en escultura o Fra Angélico en pintura comparten generación con los maestros Masaccio o Donatello. Junto con pintores como Uccello, Botticelli o Mantegna, todos intentan acercarse a la realidad, intentan abordarla desde diferentes lugares y posiciones. A nuevos problemas, nuevas resoluciones; y así se sucede la continua evolución del arte en el Renacimiento. Lentamente los artistas fueron desplazando la religiosidad de la finalidad de sus obras (aunque los temas utilizados fueran bíblicos o mitológicos) y fueron a la búsqueda de la belleza y de los dones de la vida.
14.
Tradición e innovación, II. El siglo XV en el norte.
Tenemos que retroceder hasta el arte del antiguo Egipto para encontrar pinturas que reflejen la vida cotidiana con tal fidelidad; y ni siquiera los egipcios miraron a su alrededor con tanto humor y atención.
La diferencia más notable entre el Norte e Italia probablemente se encuentre en la arquitectura. Durante todo el siglo XV siguieron utilizando el estilo gótico para edificar, aunque le público exigiría que fuese a más; así nace el estilo gótico flamígero. En pintura y escultura el avance fue prácticamente en paralelo al de la arquitectura. Aunque hubo algún pintor como Lochner o Fouquet que aunque se ven ciertos rasgos del avance italiano en ellos (sobre todo
en Fouquet), son grandes deudores de van Eyck. Weyden, por su parte, procura salvar el espíritu gótico (sobre todo en la disposición de sus personajes y la elección de temas) aunque se apoye en las nuevas técnicas para desarrollar sus figuras. Aparece en escena la imprenta, y con ella los grabados. Los grabados se hicieron, en principio, en madera; después se dio paso al cobre y por último al aguafuerte. Un gran maestro del grabado en madera fue Schongauer.
15. La consecución de la harmonía. Toscana y Roma, primera mitad del siglo XVI. Para esos hombres nada parecía imposible, y ésta puede ser la razón de que, a veces, lograran lo aparentemente inconcebible.
En el capítulo 13, nos introdujimos en el llamado Quattrocento. Ahora vamos a entrar en el afamado Cinquecento (también conocido como alto al to Renacimiento). ¿A qué se debe tanto avance en tan poco tiempo? Las ciudades competían entre sí con la calidad de las obras de sus respectivos maestros y, realmente, esto se convirtió en un gran aliciente para fomentar la superación. Los artistas se volvieron hacia las matemáticas y hacia la anatomía para tener un conocimiento mucho más preciso de la l a realidad que les rodeaba. Se S e convirtieron en maestros por derecho propio. Cada vez más el creador fue ganando terreno a la hora de aceptar encargos, pudiendo escoger la clase de encargo que le gustaba y decidiendo cuándo su obra podía considerarse por terminada. El gran arquitecto de la generación fue Bramante que pretendió dejar de lado la tradición occidental de los últimos mil años. En pintura encontramos a Leonardo da Vinci. Ávido investigador, explorador y observador; anotó todo lo que le interesaba. Inventor del denominado sfumato. Opinaba que siempre hay que dejar un margen abierto a la imaginación del espectador. El siguiente en precederle fue Miguel Ángel. Este se dedicó a estudiar las obras de los grandes maestros del pasado, aunque jamás se contentó con, por ejemplo, investigar las leyes de anatomía directamente de las esculturas; también se tomó su tiempo para investigar. Más que pintor, él siempre se consideró escultor. El más pequeño de la generación es Rafael. Mientras cualquier otro pudo haberse desalentado, él no lo hizo. Además de poder pintar a la altura de los grandes maestros, poseía la paciencia y el carácter adecuado para relacionarse muy bien con sus contemporáneos.
16. Luz y color. Venecia y la Italia septentrional, primera mitad del siglo XVI.
La orgullosa y próspera ciudad de Venecia fue más lenta que otras ciudades italianas en aceptar el estilo del Renacimiento.
Existe otro centro artístico importante en Italia; Venecia. Probablemente debido a la luz radiante que recorre la ciudad, los pintores hacen un empleo del color más atrevido. Algunos pintores importantes fueron: Bellini (Quattrocento), y sus discípulos Giorgione y Ticiano. Apareció en Parma, a su vez, Corregio, maestro de las luces y sombras.
17. El curso del nuevo aprendizaje. Alemania aprendizaje. Alemania y Países Bajos, primera mitad del siglo XVI. Un artista puede ser extraordinario sin ser progresista.
Hubo tres aportaciones tangibles de los maestros italianos que tomaron por norma en el norte: el descubrimiento de la perspectiva, el conocimiento de la anatomía científica y la exhumación de las formas clásicas en arquitectura. El primer ejemplo que tomamos es Durero, que tras una visita a Italia se convertiría en el mayor grabador de su época (además de su dedicación a la pintura), trató de llevar el estudio de la anatomía a sus grabados; contemplar la belleza de la naturaleza y copiarla en sus obras fue su intención. Grünewald, por su parte, rechazó las normas del arte tal y como las concebían los renacentistas y volvió, deliberadamente, a sus principios medievales. Altdorfer se centró en los paisajes, y su investigación se centró en las texturas y formas de la naturaleza, es el primer pintor que decide no incluir presencia humana en sus cuadros. En Holanda los más grandes pintores fueron aquellos que se opusieron a la norma y no se dejaron ser arrastrados. El Bosco es un gran ejemplo, sus cuadros no son nada parecido a algo verosímil.
18. Una crisis en el arte. Europa, segunda mitad del siglo XVI. Los temas sagrados de la Biblia se llenaros de lo que parecían equipos de jóvenes atletas en plena forma.
La situación parecía no poder llegar a más así que muchos jóvenes artistas se dedicaron a copiar a imitar a Miguel Ángel, intentaron pintar “a la manera de”. Los críticos del arte posteriores llamarían manierismo a esta tendencia. Aunque no todos pensaron que no había avance posible, así que la originalidad y las invenciones personales se hicieron con el poder del panorama artístico. Aunque no podemos ni debemos pasar por alto que aunque la originalidad se convirtió en una especie de manía colectiva, había método en ella. Un claro ejemplo es Parmigianino o Tintoretto. Fuera de Italia cabe destacar el nombre de El Greco.
En los países protestantes el problema fue mucho más serio, ya que se prohibieron las representaciones de santos tanto en pintura como en escultura. Todo lo que quedó como fuente de ingreso fueron las ilustraciones y los retratos. Sólo los Países Bajos sobrevivieron a ésta crisis artística. El mayor de los artistas holandeses del momento fue Bruegel.
19. Visión y visiones. La Europa católica, primera mitad del siglo XVII. Resulta sorprendente que muchos de esos rótulos, que para nosotros son simples designaciones de estilos, fueran, en su origen, palabras ofensivas o burlescas.
Llamamos a este periodo el Barroco. En arquitectura los elementos utilizados siguen siendo los mismos, pero la forma de combinarlos es la cual difiere a la del periodo anterior; todo está fundido en un amplio y complejo esquema. En cuanto a la pintura, no es exactamente una continuación del estilo manierista. Se hablaba de dos artistas que marcaron dos veredas bien diferenciadas. El primero es Carracci; Carracc i; que defendió y cultivo la belleza clásica. El segundo Caravaggio que ansiaba la verdad (bella o fea), tal como la veía, sin ninguna preferencia por los modelos clásicos ni ningún respeto por la belleza ideal. Claude Lorrin eligió la senda de Carracci, pero su destino fueron los paisajes. Rubens, sin embargo, no pareció unirse a ningún ideal en concreto, le interesó la vida sin pararse a buscar ni a rechazar la belleza. Anton van Dyck fue discípulo suyo aunque la intensa vitalidad del anterior fue suplida por una profunda melancolía. Velázquez se guío, en un principio, por el ejemplo del maestro Caravaggio y consagró su arte a la observación objetiva de la realidad.
20.
El espejo de la naturaleza. Holanda, siglo XVII.
Un artista cuyo estilo agradase a ese público podía confiar en obtener seguros ingresos. Sin embargo, cuando su estilo dejase de estar de moda se encararía con la ruina.
Las provincias del norte de Bélgica quedaron sometidas a las influencias protestantes, lo que complicó mucho la vida de los artistas que tuvieron que ingeniar estrategias nuevas para no morir de hambre. La más fértil rama de la pintura fue el retrato. Hals, por ejemplo, se vio obligado a llevar una existencia precaria. El modo tradicional de encargos había desaparecido, en su lugar el artista tenía que pintar primero el cuadro y después tratar de venderlo. Podemos decir, sin ningún tipo de duda, que el artista más grande de la Bélgica protestante fue Rembrandt, tuvo la capacidad de contemplarse y contemplar el mundo que le le rodeaba con total y desoladora sinceridad. También fue un extraordinario grabador. No pareció preocuparse jamás por la belleza por lo que, podemos decir, que siguió el camino abierto por Caravaggio.
21. El Poder y la gloria, I. Italia, segunda mitad del siglo XVII y siglo XVIII. Sin embargo, ante estos fuegos artificiales advertimos que poseen valores menos permanentes que las creaciones más soberbias de épocas anteriores.
El barroco adquirió su total su total desenvolvimiento. El fin arquitectónico de las iglesias fue más allá del aleccionamiento, aleccionamiento, ahora su misión principal era persuadir y convencer mediante las formas llamativas. La reacción contra el protestantismo es otro factor a tener en cuenta. Bernini destacó en escultura con su espectacular Santa Teresa. Tras la cima alcanzada, la pintura y escultura sufrieron un importante declive en gran parte de la Europa católica. En Italia se centraron en la decoración de interiores de modo pomposo y suntuoso. Sólo hubo una rama en la que pudieron desarrollarse: la pintura y grabado de panoramas.
22. El poder y la gloria, II. Francia, Alemania y Austria, final del siglo XVII y primera mitad del siglo XVIII. … la moda de los colores exquisitos colores exquisitos y las ornamentaciones delicadas que siguió a la más vigorosa del periodo barroco, y que se manifestó con alegre frivolidad.
Los reyes y príncipes de toda Europa, sin embargo, quisieron hacer gala de todo este estallido de grandeza para que la suya propia quedara reflejada. Un perfecto ejemplo es Luis XIV y su palacio de Versalles. Además cada casa real quiso tener su propio Versalles. Enormes edificios en los que los artistas pudieran dar rienda suelta a sus soberbias decoraciones sin ningún tipo de freno. ¡Cuánto más, mejor! Hildebrandt o Prandtauer son sólo ejemplos de arquitectos de ésta época de desvase. En los interiores también abandonaron toda contención, y es normal que éste desenfreno se extendiese rápidamente por toda Europa y en todas las ramas del arte. A ésta época artística se la conoce como rococó. Cabe destacar a Watteau que recogió todas las tendencias del rococó y las aunó con la mayor delicadeza y cuidado posibles.
23.
La edad de la razón. Inglaterra y Francia, siglo XVIII.
La nor ma ma del “buen gusto” […] fue también la norma de la razón. El carácter del país se oponía a los vuelos de la fantasía de los diseños barrocos y a un arte cuya finalidad era imprimir una impresión abrumadora.
Los arquitectos empezaron a rechazar las extravagancias del estilo barroco. Para ello se pudieron como norma no infringir ninguna regla de lo que consideraban “buen gusto”. Ese grupo de arquitectos se basó en las leyes clásicas y escogieron como biblia los escritos de Palladio. Sin embargo la posición de pintores y escultores ante ésta moda no fue demasiado
envidiable. Los artistas tuvieron que inventar nuevas fórmulas para combatir el snobismo; es el caso de Hogarth. A la contra, hallamos a Reynolds que satisfizo el gusto de los elegantes imitando a los maestros del renacimiento italiano. Tras Reynoslds los pintores y escultores empezaron a centrarse en la vida de las gentes vulgares de su época; es el caso de Chardin.
24. La ruptura de la tradición. Inglaterra, América y Francia, final del siglo XVIII y primera mitad del XIX. Llegamos con ellos a los tiempos verdaderamente modernos, que se inician cuando la Revolución francesa de 1789 puso término a tantas de las premisas que se habían tenido por seguras durante cientos, sino miles, de años.
La gente empezó a darse cuenta del hecho en sí del estilo y los estilos, entonces los artistas quisieron ser distintos, destacarse. Mientras que la mayoría de los arquitectos seguían sumidos en el diseño clásico; que imperaba en gran parte del mundo sobre todo después de la revolución francesa; Walpole (con su finca al estilo gótico) o Chamber (con sus estudios asiáticos) quisieron salirse de la norma. En pintura y escultura la ruptura no se hizo notar tan rápidamente. Esto se debió a que nacieron las academias de arte y lo clásico (neoclasicismo) se estableció como norma general. Por otro lado, los pintores que se encontraban en verdaderas dificultades para vender sus obras, comenzaron a hacer exposiciones con sus obras. Para destacar se centraron en la elección de temas novedosos. En Francia, Fr ancia, con Napoleón, los temas históricos fueron muy abundantes, ya que se creían en posesión de la grandeza del imperio romano. En España Goya fue de los primeros en elegir las temáticas de sus obras (incluyendo (i ncluyendo fantasías y sueños), aunque él se alejó de los cánones clásicos de belleza para plasmar su visión de las cosas con insultante sinceridad. Los artistas comenzaron a sentirse libres de plasmar sus propias visiones, generando esto el comienzo de una nueva ruptura. Otro ejemplo es Blake que rechazó la visión de la naturaleza y se sumergió en el mundo de sus visiones místicas. La pintura de paisajes también se vio beneficiada de esta nueva libertad de artista; Turner nos impactó con el movimiento y su percepción de los fenómenos de la naturaleza.
25.
Revolución permanente. El siglo XIX.
Los críticos y entendidos hicieron cuanto les fue posible por establecer una distinción entre el Arte, con mayúscula, y el mero ejercicio del arte. arte. Se nos antoja más la historia de un grupo de hombres solitarios, que t uvieron el valor y la perseverancia de opinar por por sí mismos…
La revolución industrial embistió la producción manual y favoreció la producción mecánica: el taller a lo fábrica. Los efectos más inmediatos se dieron en arquitectura, las grandes extensiones y extrarradios de la ciudad se presentan sin ningún tipo de estilo propio.
Sólo cuando sobraba dinero el empresario decidía añadir arte a sus edificios. Algunos arquitectos consiguieron encontrar un camino que no eran burdas imitaciones de estilos clásicos ni invenciones caprichosas. En pintura y escultura la ruptura con la tradición acabó por estallar en un inmenso espacio espacio de elección en el que los artistas se sentían sentían libres e inseguros a partes iguales. Pero los compradores tenían aquello que querían comprar muy claro es su mente, por lo tanto, los artistas tuvieron que decidir entre sucumbir a las peticiones del comprante o tomar el camino de la creación más personal y arriesgarse a la ruina. Los artistas empezaron a sentirse una raza aparte. La finalidad del pintor pasó a ser la expresión de su personalidad artística. Así se generaron dos tipos tipo s de pintores: tradicionalistas y “revolucionarios”. Ingres es un claro ejemplo de tradicionalista que ayudaría a delimitar el campo del Arte oficial. Sus adversarios se hallarían en torno al círculo de Delacroix. El paisaje pasó a ser el tema más destacado del siglo XIX. Corot quiso plasmar la realidad de la forma más honesta posible, Millet se centró en plasmar el auténtico espíritu de las figuras del campesinado. Courbet se declararía discípulo de la naturaleza. A su vez, otro grupo profundamente preocupado por la ostentación del arte tomaría otro camino muy distinto; una vuelta a la fe de la que gozaba el arte antes de que Rafael la volviese insincera, son los llamados prerrafaelistas. La tercera oleada o tendencia vino de la mano de Manet que entendió que representar la naturaleza tal y como se la veía era una concepción errónea. Confiar en los ojos y no en las reglas académicas, representar las cosas tal y como las veíamos en su conjunto. A Manet le siguió Monet y más tarde Renoir o Pissarro. Eran los Impresionistas. En escultura impresionista destaca Rodin.
26.
En busca de nuevas concepciones. Final del siglo XIX.
… las soluciones que persiguieron los tres artistas se convirtieron en los ideales de tres movimientos de arte moderno. Cèzanne condujo al cubismo, Van Gogh, al expresionismo y Gauguin al primitivismo.
Algunos críticos y artistas desearon una profunda reforma de las artes abogando por la sustitución de la producción en masa en pro del producto manual y lleno de sentido. Los artistas empezaron a buscar nuevos caminos. La L a arquitectura, por ejemplo, llegó a unos límites que no tenían demasiado sentido. Hubo arquitectos ar quitectos que desearon nuevas formas surgiendo así el art noveau tanteando nuevos diseños y materiales. Sería la arquitectura que se había ido desarrollando en las estaciones de ferrocarriles (acero y cristal), junto con las influencias orientales de las líneas curvas, las que marcaría el paso de esta nueva tendencia. El impresionismo realmente no había roto con los fines clásicos, ya que querían plasmar lo que veían de la forma más veraz posible. Cèzanne (considerado el padre del arte moderno) fue consciente de esto y estudió concienzudamente a los impresionistas. Quería conseguir un sentido de profundidad (perdido en el impresionismo) sin renunciar a logros anteriormente alcanzados, a lo que sí pudo renunciar fue a la pulcritud del trazo. Van Gogh, deseó que sus cuadros poseyeran los efectos de las estampas japonesas (que admiraba),
ambicionó un arte sin límites que llegase a lo más profundo de cada ser humano. Asimiló las lecciones del impresionismo y del puntillismo. Sufrió S ufrió diversas crisis personales que le llevaron al suicidio, agitación que siempre expresó en sus cuadros. No se preocupó de plasmar la realidad fielmente, se desentendió de la idea de pintar la naturaleza tal y como la percibimos. Quiso expresar lo que sentía. Fue el padre del movimiento expresionista que acabaría por desarrollarse más tarde en todo su esplendor. Gauguin ambicionaba un estilo capaz de plasmar las pasiones humanas. Estudió el arte de los nativos de los países del sur hasta tal punto de ir a vivir con ellos. Quiso extraer el espíritu de las tribus con las que convivió y estudio. No se preocupó de las formas.
27.
Arte experimental. Primera mitad del siglo XX.
Cuando se habla de arte moderno podemos imaginar un arte que rompió con todas las conclusiones clásicas. En arquitectura el rompimiento se produjo a comienzos de siglo, pero ahora los nuevos principios están tan establecidos que sería difícil quebrantarlos. Rechazaron la decoración y establecieron un nuevo camino de trabajo. Un claro ejemplo es la Bauhaus, que intentó reconciliar arte y arquitectura. Defendieron el funcionalismo: si un ítem cumple su función será bello. Los artistas han llegado a la conclusión de que el hecho de querer representar lo que se ve es contradictoria en sí. Se consiguieron obras de arte muy sugestivas que conectan, en parte con el arte más primitivo, no podemos representar lo que vemos sin lo que sabemos. El arte primitivo parecía contener todo lo que occidente había perdido. Los deseos de originalidad de los artistas llevaron a la creación de rápidas y continuas tendencias a lo largo de toda Europa; son conocidos como los “ismos”, las vanguardias. El expresionismo altera deliberadamente las formas de las cosas, no necesariamente para satirizarlas, sino para llegar a expresar otro tipo de sentimiento mucho más contundente. Quisieron afrontar los hechos desnudos de nuestra época y retratar lo marginado y denostado. Munch es uno de los máximos exponentes de esta tendencia. El cubismo se engendró en París y supondría una ruptura aún mayor. Pretendió reformar la interpretación y no se pueden comprender sin l profundo sentimiento de crisis en el arte. Se trató de simplificar hasta la esencia aquello que se quería expresar sin perder el esquema y la profundidad de las obras. Picasso es nuestro gran referente de la tendencia cubista; le gustó experimentar y jamás rechazó otros hallazgos anteriores, volviendo a la tradición clásica en varias ocasiones. Quiso llevar a los extremos aquellos objetivos que se propuso como artista, retándose a simplificar al máximo aquello que quiere representar. El surrealismo intenta plasmar aquello que se guarda en nuestro subconsciente, lo que soñamos. Dalí, como gran representante del surrealismo, mezcla formas (algunas inteligibles y otras no) que nos trasladan a la sensación de estar visitando un sueño. La superposición de imágenes y sus conexiones El público ha llegado a la conclusión de que el artista debe y tiene que repetir los grandes hallazgos de creadores anteriores, esperando encontrar aquello que ya conocen. Es complicado, pues, no someterse a las peticiones del espectador. Las búsquedas de originalidad pueden llevar al artista a hallazgos interesantes de gran interés o puede conducirle a una
situación un tanto incómoda de confusión. No es extraño que vuelvan a buscar fórmulas a momentos pasados del arte. Aunque el predominio de una necesidad de expresarse se superpone a todos estas limitaciones, deberíamos considerar que c ada nueva obra es un nuevo estilo, deberíamos poder considerar a las obras o bras en sí misma ya que los cánones han pasado a ser relativos; prima la expresión del artista. El arte, pues, no existe; existen los artistas y con ellos su inconmensurable esfuerzo y dedicación para dar de sí mismos lo mejor: su identidad. En nosotros, espectadores, está darle la finalidad a eso que llamamos arte, en hacerlo real y darle un hueco en nuestro mundo para que exista.
