El surrealismo

2º de Bachillerato E. de Arte

Fundamentos del Arte II

Bloque V: V: El Surrealismo y otras vanguardias Dadaísmo

El dadaísmo es un movimiento cultural y artístico que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza). Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadaístas; posteriormente, posteriormente, se unió el rumano Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del dadaísmo. Una característica fundamental del dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el positivismo. El dadaísmo se caracterizó por rebelars rebelarsee en contra de las las convencione convencioness literarias, literarias, y especialmente artísticas, por burlarse del artista burgués y de su arte. Su actividad se extiende a una gran variedad de manifestaciones artísticas, desde la poesía a la escultura pasando por la pintura o la música. Para los miembros del Dadaísmo, este era un modus Póster del Matinée Dadá, enero de 1923. Theo van Doesburg vivendi que hacían presente al otro a través de los gestos y actos dadaístas: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la negación dadaísta. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, el Dadaísmo crea una especie de antiarte moderno, es una provocación abierta al orden establecido. El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario antilit erario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. anterior. Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente frente a la perfección. Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano. El origen del término Dadaísmo es confuso. La versión más aceptada dice que al abrir un diccionario al azar apareció la palabra dada, que significa caballito de juguete, y fue adoptada por el grupo. El movimiento dada nació en un café cantante de Zurich en 1916, donde se recitaban poemas. Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra. Allí se reunieron representantes de diversas escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés. Esto da al dadaísmo la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra una escuela anterior, sino que cuestiona el concepto del arte antes de la Primera Guerra Mundial. Mundial. Hugo Ball, director de teatro y su mujer, concibieron el proyecto de crear un café literario que acogiera a todos estos artistas exiliados, el Cabaret Voltaire, que abrió sus puertas el 1 de Febrero de 1916. Allí se congregaron Tristan Tzara (poeta, líder y fundador del movimiento), Jean Arp, Marcel Janko, Hans Richter y Richard Huelsen beck entre otros. La difusión del dadaísmo se debió a la l a publicación de la revista Dada, que gracias a ella, sus ideas se extendieron por Berlín, Colonia, París y Nueva Nuev a York. York. Marcel Duchamp

Marcel Duchamp está considerado como uno de los artistas más influyente del siglo XX. Se adelantó al arte conceptual, elevó el objeto cotidiano a categoría de arte y cambió radicalmente la idea de la belleza. En realidad era un irreverente, un gamberro que convirtió una broma en el dogma que hoy sigue gran parte de la aborregada aborregada comucomuRetrato de Tristan Tzara (Robert Delaunay)

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L.H.O.O.Q. Marcel Duchamp, 1918 Duchamp pinta sin respeto alguno sobre esta obra maestra intocable un bigote, una perilla y además le cambia el título. Al leerlo deprisa en francés, obtenemos la frase «Elle a chaud au cul» (Ella tiene el culo caliente).

La novia desnudada por sus solteros, o El gran vidrio Marcel Duchamp realiza esta obra entre 1915 y 1923

nidad artística internacional. Impresionista a los 16 años, fauvista a los 19 y cubista a los 24, al final este iconoclasta encontró su voz como forajido, un terrorista que acabaría encontrando en el dadaísmo su libertad y la forma de reírse de todo y de todos, incluido él mismo. Este movimiento, condenado a su autodestrucción, trataría por todos los medios (sobre todo con ironía, absurdo y mala hostia) acabar con el arte narcotizado de las instituciones. Duchamp pensó que la pintura estaba muerta, pudriéndose en los museos/mausoleos, y descubrió la belleza en lo coyuntural, lo fugaz y lo superficial (algo que desgraciadamente es lo que prima en estos días). Pintando bigotes a la Gioconda descubrió que quizás estaba mejorando al original. Exponiendo un urinario en un museo abrió la caja de Pandora de catástrofes que hoy pueblan los museos de medio mundo, desde latas de mierda a aire de artista. En 1914, Duchamp crea los ready mades, objetos cotidianos separados de su entorno habitual y presentados por el artista como obras de arte. A partir de entonces el arte ya no se veía con los ojos, sino con la mente. Resultó que la belleza podía estar en otros sitios… También creó otras formas de arte hoy institucionalizadas: instalaciones, museos portátiles, performances, happenings… Ajedrecista, asesor de Peggy Guggenheim, alter-ego de Rrose Sélavy, precursor del arte conceptual, el Pop, el situacionismo y la post modernidad al completo, nunca abandonó el mundo del arte de todo (aunque acabó repudiándolo). repudiánd olo). Tampoco se apagó jamás su legendario sentido del humor.… La lápida de su tumba dice: «Por lo demás, siempre mueren los otros».

La fuente. Marcel Duchamp, 1917 El artista se compró un urinario blanco de porcelana, lo tituló «Fuente», lo firmó con el seudónimo de R. Mutt y lo mandó a la Sociedad de Artistas Independientes para que fuese incluido en su exposición anual. Evidentemente, el mingitorio fue rechazado, y eso que todo aquel que pagaba 6 dólares tenía derecho a exponer… Imaginemos la cara que se les pondría al jurado al ver esta «obra de arte». Por cierto… Duchamp formaba parte de dicho jurado. El dadaísta se debió echar unas buenas risas, pero al final resultó que la broma se le fue de las manos. Creó la primera obra de arte conceptual y abrió las puertas a las invasiones bárbaras que descubrieron que cualquier cosa en un museo es arte. Desde luego en muchos casos esa es la sensación que da al entrar en algunas instituciones hoy en día. Hay quien ve en «La fuente» la situación geopolítica de 1917, otros una moderna versión de la lluvia dorada a la Dánae, incluso algunos afirman que es una representación del útero de la madre… Lo cierto es que Duchamp lo explicó bien claro: «Les arrojé a la cabeza un urinario como provocación y ahora resulta que admiran su belleza estética…». La estética era lo de menos. Duchamp quiso transmitir algo tan noble y serio como una idea, probablemente un «Fuck You» a la comunidad artística internacional. Pero resulta que en el 2004 esta «Fuente» fue votada como «la obra de arte más influyente del siglo XX» por 500 reputados profesionales del sector.

Jean Arp

Hans (Jean) Arp (1887- 1966) Nació en Estrasburgo, durante el breve período siguiente a la guerra franco-prusiana, cuando la zona era conocida como Alsacia-Lorena, después de haber sido devuelta a Alemania por parte de Francia. Luego de que el territorio fuera reincorporado a Francia nuevamente, al término de la Primera Guerra Mundial, las leyes francesas determinaron que su nombre sería Jean y no Hans. En 1904, después de asistir a la Escuela de Artes y Oficios en Estrasburgo, fue a París, en donde publicó por primera vez sus poesías. Desde 1905 hasta 1907 estudió en la Kunstschule (Escuela de Arte) de Weimar, Alemania y en 1908 regresó a París en donde asistió a la Académie Julian. En 1915 se mudó a Suiza, para aprovechar la neutralidad. Arp más tarde contó la historia de cómo, cuando le notificaron que debía presentarse a la embajada 2

Torso de los Pirineos. Hans/Jean Arp, 1959



alemana, evitó ser reclutado para el ejército: tomó el papeleo que le dieron y, en el primer espacio, escribió la fecha. Después puso la fecha en todo el resto de espacios en blanco, luego trazó una línea por debajo y cuidadosamente las sumó. Entonces se quitó toda la ropa y marchó con los papeles en la mano. Le dijeron que se marchara a casa. Arp fue miembro fundador del movimiento Dadaísta en Zúrich en 1916. En 1920, como Hans Arp, junto a Max Ernst, y el activista social Alfred Grünwald, se estableció en el grupo del dadaísmo de Colonia. Sin embargo, en 1925 su obra apareció también en la primera exposición del grupo surrealista en la Galerie Pierre de París. De este mismo año es su libro, conjunto con El Lissitzky sobre «Los ismos en el arte». Arp combina las técnicas de automatismo y las oníricas en la misma obra desarrollando una iconografía de formas orgánicas que se ha dado en llamar escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad. Su poesía se incluye dentro del movimiento surrealista. En 1926, Arp se traslada al suburbio de Meudon en París. En 1931, rompe con el movimiento surrealista y funda la Abstracción-creación, trabajando con el grupo parisino Abstracción-creación Abstracción-creación y editando en la revista Transition. A partir de los años 1930 y hasta su muerte, escribió y publicó ensayos y poesía. En 1942, huyó de su casa en Meudon escapando de la ocupación alemana y vivió en Zúrich hasta el final de la guerra. Su herramienta casi siempre fue el yeso, que después se transfería a piedra o bronce. Su arte mezcla mezcla las técnicas técnicas surrealistas del del automatismo y las imágenes imágenes oníricas con el concepto dadaísta de azar, dando lugar a sus características formas orgánicas, conocidas como escultura biomórfica. Con ellas, el dadaísta Arp afirmaba algo muy sensato: lo orgánico es el principio formativo de la realidad. Y si lo pensamos, nada más abstracto que lo orgánico, por lo que sus características formas amorfas fueron de las primeras en deslizarse por los terrenos casi vírgenes del arte abstracto, y después serían imitadas hasta la saciedad incluso por él mismo. Como buen dadaísta, Arp jugueteó con la idea de azar. Suyas fueron técnicas como cortar papeles de colores y lanzarlos al aire dejándolos caer para que la composición resultante fuera del todo arbitraria. Pero Arp, no veía caos en el azar como otros de sus colegas. Más bien consideraba al azar como una especie de ley de la naturaleza.

Collage ordenado segú n las leyes del azar, Hans (Jean) Arp. 1917

Evocación de una forma: espectro lunar humano (1950), Hans (Jean) Arp

Surrealismo

El movimiento artístico surrealista surge hacia la década de los años 20, partiendo de la experiencia dadaísta, pretende ir más allá formulando un proyecto de futuro más en contacto con la realidad y que se presenta como un instrumento instrumento transform transformador ador de la sociedad para vivir y hacer vivir mejor. El término proviene del francés: surréalisme; sur ['sobre o por encima'] más réalisme ['realismo']. También se define como “Una realidad que se supera”. Fue acuñado por el escritor francés Guillaume Apollinaire en 1917. En el programa de mano que escribió para el musical Parade (mayo de 1917) afirma que sus autores han conseguido: “una alianza entre la pintura y la danza, entre las artes plásticas y las miméticas, que es el heraldo de un arte más amplio aún por venir. venir. (...) Esta nueva alianza (...) ha dado dado lugar, lugar, en Parade Parade a una especie de surrealismo, que consideró el punto de partida para toda una serie de manifestaciones manifestaciones del Espíritu Espíritu Nuevo que se está haciendo sentir hoy y que sin duda atraerá a nuestras mejores mentes. Podemos esperar que provoque cambios pro3

Retrato en "Vertumnus " Vertumnus"" (Verano) del emperador Rodolfo II realizado por Giuseppe Arcimboldo. Todos los frutos y flores representados en el cuadro eran propios de la estación del verano en el siglo XVI. Algunos surrealistas vieron vieron en él a un precursor.



fundos en nuestras artes y costumbres a través de la alegría universal, pues es sencillamente natural, después de todo, que éstas lleven el mismo paso que el progreso científico e industrial”. Tiresias (drama surrealista surrealista), en junio de 1917, para referirse La palabra surrealista aparece en el subtítulo de Las tetas de Tiresias a la reproducción creativa de un objeto, que lo transforma y enriquece. Como escribe Apollinaire en el prefacio al drama: “Cuando el hombre quiso imitar la acción de andar, creó la rueda, que no se parece a una pierna. Del mismo modo ha creado, inconscientemente, el surrealismo... Después de todo, el escenario no se parece a la vida que representa más que una rueda a una pierna”. Los surrealistas señalaron como precedentes del movimiento surrealista a varios pensadores y artistas, como el pensador pensador presocrático presocrático Heráclito, el Marqués Marqués de Sade y Charles Fourier, entre otros. Las teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud sobre el sueño y el subconsciente fueron sin duda uno de los pilares en la creación del pensamiento surrealista. Este Este se basa basa en fundamentalme fundamentalmente nte en los descubrimientos descubrimientos que realizó André Breton mientras estudiaba medicina sobre sobre el inconsciente y el psicoanálisis de Freud. Ponen de relieve la importancia del conocimiento del yo profundo, la lectura de los sueños y el automatismo, volviendo la mirada hacia el niño interior. Para ello es necesario escapar de la lógica de la realidad para sumirse en el mundo de lo irracional y lo inconsciente, en el instinto puro que proviene del dictado del pensamiento. Renuncian por tanto al racionalismo para dejar paso a la imaginación como fuente del proceso creativo. Esto provocará en la pintura escenas sacadas de los sueños, en las que los ambientes parecen infinitos y dominados por la soledad. Es frecuente, además, el deleite en las cuestiones eróticas derivadas de la doctrina de Freud que escandalizaron por entonce entonces, s, pues pues los surresurre André Breton en el festival Dada Dada en París alistas encuentran un espacio con un cartel diseñado por Francis Picabia. 1920 abierto a los sentimientos re primidos prim idos para enca encauzar uzar parte de la libido para derribar los obstáculos del recato y redescubrir el erotismo, la sensualidad y la profundidad del amor. En cuanto a las artes, la poesía surrealista bebe de la dialéctica y encuentra precursores en Arthur Rimbaud, Alfred Jarry o Lautréamont. En la pintura, el precedente más notable es Giorgio de Chirico y su pintura metafísica, así como Hieronymus Bosch "el Bosco", que en los siglos XV y XVI creó obras como "El jardín de las delicias" o "El carro de heno". El surrealismo retoma estos elementos y ofrece una formulación sistemática de los mismos. Sin embargo su precedente más inmediato es el dadaísmo, corriente de la que retoma diferentes aspectos. La primera fecha histórica del movimiento es 1916, año en que André Breton, precursor, líder y gran pensador del movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud y Alfred Jarry, además de conocer a Jacques Vaché y a Guillaume Apollinaire. Durante los siguientes años se da un confuso encuentro con el dadaísmo, moUn detalle del Jardin de las delicias. El Bosco vimiento artístico precedido por Tristan Tzara, Tzara, en el cual se decantan las ideas de ambos movimientos. Estos, uno inclinado hacia la destrucción nihilista (dadá) y el otro a la construcción romántica (surrealismo) se sirvieron como catalizadores entre ellos durante su desarrollo. En el año 1924 Breton escribe el primer Manifiesto Surrealista y en este incluye lo siguiente: “Indica muy mala fe discutirnos el derecho a emplear la palabra surrealismo, en el sentido particular que nosotros le damos, ya que nadie puede dudar de que esta palabra no tuvo fortuna, antes de que nosotros nos sirviéramos de ella. Voy a definirla de una vez para siempre: Surrealismo: "sustantivo, masculino. Automatismo Automatismo psíquico puro, por cuyo medio se intenta expresar expresar,, ver balmente, por escrito escrito o de cualquier otro modo, el el funcionamiento real real del pensamiento. Es un dictado del del pensamiento, sin la intervención intervención reguladora de la razón, ajeno ajeno a toda preocupación preocupación estética o moral." Filosofía: "El surrealismo se basa en la creencia de una realidad superior de ciertas formas de asociación 4



desdeñadas hasta la aparición del mismo, y en el libre ejercicio del pensamiento. Tiende a destruir definitivamente todos los restantes mecanismos psíquicos, y a sustituirlos por la resolución de los principales pro blemas de la vida. vida. Han hecho profesión de fe de Surrealismo Absoluto, los siguientes señores: Aragon, Baron, Boiffard, Breton, Carrive, Crevel, Delteil, Desnos, Eluard, Gerard, Limbour, Malkine, Morise, Naville, Noll, Peret, Picon, Soupault, Vitrac." Tal fue la definición del término dada por los propios Breton y Soupault en el primer Manifiesto Surrealista fechado en 1924. Surgió por tanto como un movimiento poético, en el que pintura y escultura se conciben como consecuencias plásticas de la poesía. En El surrealismo surrealismo y la pintura, de 1928, Breton expone la psicología surrealista: el inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte, en esa esfera, no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo. Esa conexión se expresa de forma privilegiada en las casualidades significativas (azar objetivo), en las que el deseo del individuo y el devenir ajeno a él convergen imprevisiblemente, y en el sueño, donde los elementos más dispares se revelan unidos por relaciones secretas. El surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte por medio de una asociación mental libre, sin la intromisión censora de la conciencia. De ahí que elija como método el automatismo, recogiendo en buena medida el testigo de las prácticas mediúmnicas espiritistas, aunque cambiando radicalmente radicalmente su interpretación: lo que habla a través del médium no son los espíritus, sino el inconsciente. Durante unas sesiones febriles de automatismo, Breton y Sou pault escriben Los Campos Magnéticos, primera muestra de las posibilidades de la escritura automática, que publican en 1921. Más adelante Breton publica Pez soluble soluble.. Dice así el final del séptimo cuento: "Heme aquí, en los corredores del palacio en que todos están dormidos. ¿Acaso el verde de la tristeza y de la herrumbre no es la canción de las sirenas?" La traición de las imágenes. René Magritte, 1929. Conocido como Ceci n’est pas une pipe (Esto no es una pipa), este cuadro de René Magritte se podría calificar como precursor del arte conceptual. Magritte nos viene a decir que si no es por la inscripción, el cuadro sería una simple pipa, pero al negarlo con palabras nos hace cuestionarnoss la realidad, la representación y el lenguaje. cuestionarno «La famosa pipa. ¡Cómo me reprochó la gente por ello! Y sin embargo, ¿podría usted rellenarla? No, claro, es una mera representación. representació n. ¡Si hubiera escrito en el cuadro “Esto es una pipa”, habría estado mintiendo!»

Cadáver exquisito realizado por Dali, Gala, Breton y V. Hugo en 1928.

El surrealismo al servicio de la revolución A partir de 1925, a raíz del estallido de la Guerra del Rif, el surrealismo se politiza; se producen entonces los primeros contactos con los comunistas, que culminarían ese mismo año con la adhesión al Partido Comunista por parte de Breton. Entre 1925 y 1930 aparece un nuevo periódico titulado El Surrea Surrealismo lismo al servicio servicio de la Revolución en cuyo primer número Louis Aragón, Buñuel, Dalí, Paul Éluard, Max Ernst, Yves Tanguy y Tristan Tzara, entre otros, se declaran partidarios de Breton. Por su parte Jean Arp y Miró, aunque no compartían la decisión política tomada por Breton, continuaban participando con interés en las exposiciones surrealistas. Poco después se incorporaron Magritte (1930), Masson (1931), Giacometti y Brauner en 1933 y también Matta (que conoce a Breton en 1937 por mediación de Dalí) y Lam; el movimiento se hizo internacional apareciendo gru pos surrealistas en los Estados Unidos, Dinamarca, Londres, Londres, Checoslovaquia Checoslovaquia y Japón. Desde este momento, se abrirá una disputa, a menudo agria, entre aquellos surrealistas que conciben el surrealismo como un movimiento puramente artístico, rechazando la supeditación al comunismo, y los que acompañan a Breton en su

giro a la izquierda. En 1929 Breton publica el Segundo Manifiesto Surrealista, en el que condena entre otros intelectuales a los arti stas Masson y Francis Picabia. En 1936 expulsa a Dalí por querer mantenerse neutral frente a la politización del movimiento y no condenar el nazismo alemán, y a Paul Éluard. En 1938 Breton firma en México junto con León Trotski y Diego Rivera el Manifiesto por un Arte Revolucionario Independiente. 5



El psicoanálisis de Sigmund Freud y su relación con las creaciones surrealistas

El arte y la cultura, siendo procesos que provienen de la imaginación y la creatividad humana, fueron las primera áreas que abrazó el psicoanálisis como un tema sobre el cual producir. Los descubrimientos de Freud fueron tan importantes que, incluso lo que conocemos como surrealismo, se basó casi completamente en el trabajo de Freud –también en el su discípulo Jung–. Se puede decir que el germen de la influencia del psicoanálisis sobre el arte –y el surrealismo– se halla en el libro La interpretación de los sueños. El dadaísmo como contracorriente también fue bastante influenciada por esta teoría psicológica, ya que la acción libre y el automatismo eran algunas de las técnicas que usaban los miembros del movimiento para ir contra lo establecido. Estas acciones, según el psicoanálisis, revelan los verdaderos deseos conservados en el inconsciente. Freud no se preocupó por el arte y la literatura hasta 1906, fecha en que publicó Caracteres de psicópatas en el teatro. Después de este texto, el psicólogo sacó otros ensayos en los que analizaba la obra de grandes artistas y escritores como: Un recuerdo infantil de Leonardo da Vinci (1910), Vinci (1910), El Moisés de Miguel Ángel (1914) y Dostoievski y el parricidio (1928), entre otros. Para Freud, existían varios aspectos del arte que se relacionaban con dos elementos sumamente importantes de su trabajo, el inconsciente y los sueños, ya que a partir de estos el arte podía auxiliarse para crear. Por ejemplo, Freud decía que los poetas emplean los sueños como medio auxiliar de la creación artística y que el arte es “un camino que partiendo de la fantasía lleva a la realidad”. Por lo tanto, para Freud el arte era un medio excelente para que los procesos del inconsciente fueran visibles –aunque siempre bajo un velo de represión–. Ante Ante estas teorías, algunos psicólogos plantean que acceder al inconsciente a través del arte es un proceso casi imposible, pero no por ello menos fascinante. En nuestros días, las teorías del psicoanálisis han sido representadas incontables incontables veces en las obras de artistas como: André Bretón, Luis Buñuel, Salvador Dalí y Alfred Hitchcock, entre muchos otros. Las teorías de Freud, así como la de Lacan –uno de sus representantes contemporáneos–, contemporáneos–, se suelen utilizar como marco teórico para analizar obras de arte, literatura y cine. Salvador Dalí estuvo obsesionado con la fiLa pregunta planteada por Freud sigue presente: ¿podremos alguna vez acceder a los secretos de nuestro gura de Freud, al que llegó a conocer perinconsciente a través del arte? Esto es algo incierto, pero la búsqueda es algo que definitivamente vale la sonalmente y a quien representó en varias pena intentar. ocasiones como la de arriba y esta de 1938

Técnicas surrealistas

El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras obras como Historia Natural, Natural, pintada en París París en 1926. Crearon el cadáver exquisito, en el cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró. En el terreno literario, el surrealismo supuso una gran revolución en el lenguaje y la aportación de nuevas técnicas de composición. Como no asumía tradición cultural alguna, ni desde el punto de vista temático ni formal, prescindió de la métrica y adoptó el tipo de expresión poética denominado como versículo: un verso de extensión indefinida i ndefinida Max Ernst Segundo poema visible 4 , 1933 sin rima que se sostiene únicamente por la cohesión interna de su ritmo. Igualmente, como no se asumía la temática consagrada, se fue a buscar en las fuentes de la re presió pre siónn psi psicol cológi ógica ca (su (sueño eños, s, sex sexual ualida idad) d) y soc social ial,, con lo que la lír lírica ica se re rehum humani anizó zó después de que los ismos intelectualizados de las Vanguardias Vanguardias la deshumanizaran, a excepción del Expresionismo. Para ello utilizaron los recursos Max Ernst, Bosque y sol, frottage con grafito sobre papel, 1931 de la transcripción de sueños y la escritura automática, y engendraron procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria. El lenguaje se renovó también desde el punto pun to de vis vista ta del léx léxico ico dan dando do cabida a campos semánticos nuevos y la retórica se enriqueció con nuevos procedimientos expresivos. 6



La pintura metafísica de Giorgio de Chirico y su influencia sobre los artistas surrealistas

Giorgio de Chirico (1888 – 1978) pintor italiano nacido en Grecia de padres italianos. Estudió arte en Atenas y Florencia, antes de mudarse a Alemania en 1906, donde ingresó a la Academia de Bellas Artes de Múnich. Allí entró en contacto con las obras de los filósofos Nietzsche y Arthur Schopenhauer. Volvió a Italia en el verano de 1909 donde vivió hasta 1911 de allí pasó a Francia. De Chirico vivió en París hasta su alistamiento en el ejército en mayo de 1915, durante la Primera Guerra Mundial. Los cuadros que De Chirico realizó entre 1909 y 1914 son los que le han dado más reconocimiento. Este período se conoce como el período metafísico. Las obras destacan por las imágenes que evocan ambientes sombríos y abrumadores. A principios de este período, los modelos eran paisajes urbanos inspirados en las ciudades mediterráneas. Gradualmente, la atención del pintor se fue desplazando hacia estudios de cuartos atiborrados de objetos, a veces habitados por maniquíes. La canción de amor. Giorgio de Chirico, Casi de inmediato, el escritor Guillaume Apollinaire alabó el trabajo de Chirico y le 1914 ayudó a presentarlo al grupo que más tarde se dedicaría al surrealismo. En 1922, 10 años antes de la aparición del Yves Tanguy escribió que quedó tan impresionado al ver una obra de De Chirico en surrealismo (fecha oficial:1924), Giorgio de Chirico ya da aquí un ejemplo claro de lo un escaparate de una galería, que entonces decidió convertirse en artista, aún sin que es una pintura onírica, con esos haber tocado un pincel en su improbables encuentros entre objetos vida. Otros artistas que han rediferentes, modernos y antiguos. conocido la influencia de Giorgio de Chirico son Max Ernst, Salvador Dalí y René Magritte. Se considera a De Chirico una de las mayores influencias sobre el movimiento surrealista. De Chirico abandonó posteriormente el estilo metafísico y realizó varias obras más realistas, con un éxito modesto. La pintura metafísica de Giorgio de Chirico se considera uno de los mayores antecedentes del movimiento surrealista. En su estancia en Alemania se influenció de autores simbolistas y de la filosofía de Nietzsche y Shopenhauer. Ya Ya en París (1911), comienza a realizar obras de imágenes muy sorprendentes, basadas en representar espacios urbanos, en los que predominan los elementos arquitectónicos Plaza souvenir de Italia. Giorgio de Chirico, 1925 y la proyección de sombras y en las que la presencia humana suele estar ausente. Además Además de esta regla arquitectónica, también hay re presentaciones de interiores, generalmente abiertos al exterior, donde suele situar maniquíes y en algunas ocasiones otras obras (la representación de otras Héctor y Andrómaca, Giorgio de Chirico, 1917 obras dentro de la propia obra, que es una característica propia del surrealismo, ya está presente en el autor). Así logra crear en sus obras un espacio extraño, atemporal, donde parece que se puede encontrar la calma y el silencio. Las imágenes representadas representadas en el espacio pictórico se sacan de contexto y se re presentan con un tamaño t amaño antinatural anti natural y desproporcionado. d esproporcionado. Estas obras, que cuentan con numerosos errores técnicos, tienen como finalidad crear espacios sugerentes en los que el receptor contribuya a crear el sentido definitivo de lo que se representa. Tras su obra Piazza souvenir souvenir de Italia (1925), pese a conservar parte de su estilo, su obra cambia hacia un carácter más convencional, ya que en un contexto de posguerra (I Guerra Mundial) la llamada "vuelta al orden" lleva a los artistas a volver a adoptar un carácter realista. El detallismo de su obra lo aleja cada vez de la metafísica, por lo que recibe la crítica de numerosos artistas surrealistas decepcionados con él. En la obra de más interés de Giorgio de Chirico hay edificios, esculturas clásicas, trenes y maniquíes que parecen habitar en espacios escénicos controlados, donde domina el silencio y la tranquilidad. El sol proyecta sombras en sus obras dotando a su pintura de una mayor irrealidad. Este tipo de escenas daban un poético mensaje. 7



Pintura surrealista

André Masson adoptó enseguida las técnicas del automatismo, hacia 1923-1924, poco después de conocer conocer a Breton. Hacia Hacia 1929 las abandonó para volver volver a un estilo cubista. Por su parte, Dalí utilizaba utili zaba más la fijación de imágenes tomadas de los sueños, según Breton, «...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del surrealismo...»; inventó lo que él mismo llamó método paranoico-crítico, una mezcla entre la técnica de observación de Leonardo da Vinci, por medio de la cual, observando una pared se podía ver cómo surgían formas y técnicas de frottage; fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en una sola configuración. Óscar Domínguez inventó la decalcomanía (aplicar gouache negro sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen). Además de las técnicas ya mencionadas de la decalcomanía y el frottage, los surrealistas desarrollaron otros procedimientos que incluyen igualmente el azar: el raspado, el fumage y la distribución de arena sobre el André And ré Masso Massonn Dibujo Automático lienzo encolado. René Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes am biguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real. Paul Delvaux carga a sus obras de un espeso erotismo basado en su carácter de extrañamiento en los espacios de Giorgio de Chirico. El surrealismo penetró la actividad de muchos artistas europeos y americanos en distintas épocas. Pablo Picasso se alió con el movimiento surrealista en 1925; Breton declaraba este acercamiento de Picasso calificándolo de «...surrealista dentro del cubismo...». Se consideran surrealistas las obras del período Dinard (1928-1930), en que Picasso combina lo monstruoso y lo sublime en la composición de figuras medio máquinas medio monstruos de aspecto giganLos amantes de René Magritte. 1928 tesco y a veces terrorífico. Esta monumentalidad surrealista de Picasso puede ponerse en paralelo con la de Henry Moore. En 1938 tuvo lugar en París la Exposición Internacional del Surrealismo que marcó el apogeo de este movimiento antes de la guerra. Participaron entre otros, Marcel Duchamp, Jean Arp, Dalí, Max Ernst, Masson, Man Ray, Óscar Domínguez y Meret Oppenheim. La exposición ofreció al público sobre todo una excelente muestra de lo que el surrealismo había producido en la fabricación de objetos. Con el estallido de la Segunda Guerra La masía es una pintura al óleo, realizada por el pintor Mundial, los surreJoan Miró entre los años 1921 y 1922, constituye una especie de inventario de la masía que poseía su familia alistas se disperdesde el año 1910 en la población de Montroig. El mismo The Nude and the Model, 1947, Paul Delvaux. san, algunos de Miró consideraba esta obra como una pieza clave en su carrera artística, describiéndola como «un resumen de ellos (Dalí, Bretoda mi vida en el campo». Fue el escritor norteamericano norteamericano ton, Ernst, Masson) abandonan París y se trasladan a los Estados Unidos, Hemingway quien la compró, su familia la donó a la National Gallery of Art de Washington Washington,, donde se conserva. donde siembran el germen para los futuros movimientos americanos de posguerra (expresionismo (expresionismo abstracto y Arte Pop). Joan Miró

Joan Miró nació en Barcelona en una familia acomodada, a la que no le gustó que su hijo se dedicara a cuestiones artísticas, prefiriendo que se empleara en una oficina. Sin embargo, el joven Miró no aguantó mucho la soporífera vida de oficinista y un año después, al caer enfermo se marchó al campo a una finca familiar para recuperarse, y allí se encontró con la naturaleza a la que profesaba tanto amor como a las artes. Al regresar tras su convalecencia a Barcelona ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona en donde fue recopilando influencias para su estilo, en es pecial le interesó interesó las formas formas onduladas y orgánicas orgánicas de la arquitectu arquitectura ra momo8



Signos y constelaciones enamorados de una mujer. Joan Miró, 1941.

Mujer, pájaro y estrella (Homenaje a Pablo Picasso). 1966-1973. Joan Miró

dernista de Gaudí. Las primeras exposiciones, tanto en Barcelona como en París, no cosecharon mucho éxito. Su estilo fue evolucionando poco a poco, hasta incorporarse al surrealismo en los años 20 en París. Para Breton es el pintor más surrealista del grupo, pues sus formas salen El carnaval del arlequín (1924-5), Joan Miró del puro automatism automatismo. o. Sus imágenes más que figuras son símbolos de siluetas orgánicas, ondulantes y extraños apuntes geométricos. Murales del Sol y la Luna en la Unesco, 1955, Joan Miró Utiliza colores planos y brillantes en donde d onde las l as siluetas flotan. Estos detalles podemos observarlos en Carnaval de arlequín, Cabeza de campesino catalán o Mujer Mujer,, pájaro y estrella. estrella. A raíz del posicionamiento político, Miró comienza a alejarse del grupo. Durante los años treinta vive entre Barcelona, Montroig y París donde se refugiará hasta el término de la Guerra Civil. Es verdad que antes habíamos dicho que no había tomado partido por una opción política clara, pero cuando sufrió el disgusto de ver cómo su país estaba envuelto en una lucha encarnizada, no ocultó públicamente su actitud crítica, colaborando con el Pabellón de la república en la Exposición de París. De nuevo regresa a España, otra guerra ha empezado que asola Europa, pero su trabajo sigue incesante. Durante estos años se instaló en Palma de Mallorca hasta que fallece. Son años en los que continua evolucionando, se hace más libre en telas en las que plantea el cielo y las estrellas, es la serie de Las Constelaciones. Exploró también el mundo de la cerámica sobre todo a partir de los años sesenta en colaboración con el ceramista Llorens Artigas. Fruto de esta es el conocido Mural del Sol y la Luna para la sede de la UNESCO en París. Salvador Dalí

«El surrealismo soy yo…» Y lo más surrealista es que es una afirmación probableLas miradas alucinadas de Dalí (izquierda) y mente cierta. Salvador Dalí fue quizás el su camarada en el surrealismo, Man Ray, en surrealista más popular y uno de los l os máxiParís, el 16 de junio de 1934, según fotografía mos exponentes mundiales del arte conde Carl Van Vechten. temporáneo. Ya fuera un genio o un artista estrafalario, su legado no pasa inadvertido incluso hoy en día y no podemos más que maravillarnos con la perfección técnica y el imaginativo contenido de su arte. Salvador Dalí nació en 1904 en Figueras, un enclave costero de la provincia de Gerona y no muy cosmopolita (pueblo que marcaría toda su producción) Dalí nunca fue un niño normal. Tuvo un hermano que murió antes que él y sus padres le pusieron el mismo nombre, Salvador, consintiendo todos sus caprichos. Desde muy pequeño ya dio muestras de genio: dejaba sus excrementos en cualquier lado, como forma de arte. Desde muy joven ya mostraba unas cualidades excepcionales excepcionales para el dibujo, pero tuvo que esperar acabar el bachillerato para que su padre le 9

Naturaleza Muerta Salvador Dalí, 1924 En esta obra se aprecian los vestigios del cubismo con los que Dalí empezó a experimentar antes de sumergirse de lleno en el surrealismo más profundo y que tanto caracteriza su obra. Salvador Dalí se la regaló a su amigo del alma Federico García Lorca, quien la conservó hasta su muerte.



dejara marcharse a Madrid a estudiar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Eso será en 1921, un año importante en su vida al instalarse en la Residencia de Estudiantes y comenzar a rodearse de amigos que llegarán a convertirse en grandes artistas en diferentes disciplinas, es el caso de Luis Buñuel, Federico García Lorca, Pepín Bello, etc. Todos ellos forman un grupo cargado de energía creativa y se irá acercando y empapando de todas las corrientes de vanguardia. Experimenta con el cubismo y el dadaísmo y entabla amistad con genios como Lorca o Buñuel (con él co-dirige Un chien andalou y L’Age d’or ). ). Y es que Dalí no sólo se dedicó a la pintura. Su creatividad abarcó el cine, la escultura, el diseño (el logo de chupa-chups) y la escritura… Mucho se especuló sobre su Retrato de Luis Buñuel. Salvador Dalí, 1924 sexualidad, pero todo indica Salvador Dalí conoció a Luis Buñuel en la Residencia que Salvador era impotente de Estudiantes de estudiantes de Madrid (por ahí pululaban otros creadores como Lorca o Maruja Mallo) (de ahí las formas fláccidas de y desde entonces se hicieron inseparables. Ambos muchas de sus obras) y más colaboraron juntos en numerosas obras de arte, entre bien asexual. Él mismo decía las que debemos destacar «Un perro andaluz», primera película surrealista dirigida por los dos. que sólo llegó al orgasmo un En este retrato, el pintor representa al cineasta, y lo par de veces, y por masturbahace abandonando el cubismo con el que había ción. Su pelo largo, patillas y experimentado esos años. Dalí vuelve al clasicismo bigote no pasaron pasaron desaper desapercibicibicomo hicieron muchos otros pintores de esos años en toda Europa. Aún así podemos observar ciertos dos en el Madrid de la belle rasgos cubistas, sobre todo en el esquemático epoque. Su vida y su obra llepaisaje de fondo y en el rostro carismático del director garon a ser la misma cosa y de cine. Suspiros de sal: Muchacha en la ventana. Salvador acabó siendo un showman obDalí, 1925 sesionado por promocionarse Muchacha en la ventana es uno de los varios estudios a sí mismo. Se podría decir que fue pionero de los happenings y del pop-art. que hizo Salvador Dalí de su hermana, Ana María. El aura meditativo que circunda a la figura frente a la Se creó ese personaje: provocador, provocador, imprevisible, loco… ventana no es casual: refleja las horas que ella tuvo En 1926, tras haber sido expulsado de la Escuela de Bellas Artes Artes definitivaque posar para él, cuando había sido expulsado de la mente, se acerca cada vez más a la corriente Surrealista, creando un mundo Escuela de Bellas Artes de Madrid y con el impulso creativo quemándole las venas. propio de imágenes imágenes provenie provenientes ntes de de los sueños, entre las que que son son recurrente recurrentess los relojes blandos, las figuras humanas con cajones abiertos, elefantes de patas largas y delgadas. Su estilo es autodenominado método paranoico crítico, y en sus propias palabras lo caracteriza como un “método espontáneo de conocimiento irracional basado en la asociación interpretativa crítica de fenómenos demastur bador,, obra en las que ese lirantes”. Quizá puedas entender mejor esta teoría si observas el cuadro de El gran masturbador mundo fuera de la realidad se puede apreciar en la manera tan aleatoria de introducir ideas dispares. Es un mundo de los sueños, aquel que proviene del inconsciente, tal y como la teoría surrealista de Breton avalada por Freud perseguían. Es por ello esas relaciones de personajes y objetos en sus cuadros que no tienen conexión aparente, tan sólo puede darnos la clave el subconsciente del artista. A pesar de ser así, no podemos dejar de admirar su técnica del dibujo magnífica y el dominio de la perspectiva tradicional. 1929 será un año muy significativo en su vida, conoce a Gala, quien se convertirá en su pareja y musa durante toda su vida. Este ideal de Gala Visage du Grand Masturbateur (Rostro del Gran Masturbador. Salvador Dalí. 1929 10



mujer. Durante esta etapa realo podemos ver Monumento imperial a la niña mujer. lizará otras obras de gran calado como El gran masturbador masturbador.. Su encuentro con Gala será crucial para toda su vida, convirtiéndose en su compañera y musa, como podemos observarlo en Monumento imperial a la niña muje r, obra que simboliza la liberación de sus inquietudes de niño. Otras obras significativas del momento son Seis apariciones de Lenin sobre un piano o La persistencia en la memoria. Es posible que hayas visto en más de una ocasión relojes blandos que se derriten, estos son creados por Dalí y podemos verlos en esta tela, insertados en un paisaje onírico, que recuerda a los del Mediterráneo que Dalí frecuentaba de Cadaqués. Es un escenario sin nadie, imperecedero, en él aparecen cuatro relojes sobre un fondo de mar y rocas. De los relojes, tres son blandos y uno duro, sobre el que campan un grupo de hormigas. En el centro destaca una especie de rostro humano de largas pestañas que el artista utiliza en otras obras como el Gran Masturbador y El enigma de Hitler . Esta escena de fantasía difiere con escrupulosa composición y pers pectiva. Esta obra, que recuerda a la pintura metafísica Dalí Monumento imperial a la mujer niña . 1929. de De Chirico, reTras la partida de Cadaqués de Paul Éluard y Gala, en otoño Dalí había vuelto a Figueras para presentando el coacabar los cuadros ya iniciados y empezar otros, mienzo de su entre los cuales se encuentra este lienzo. Se trata método paranoico del primero de los numerosos cuadros y dibujos que tienen a Gala como protagonista; éste tiene la crítico. La persistencia de la memoria. Salvador Dalí. 1931 particularidad de haber sido ideado bajo el influjo En los años treinta el inmediato de la primera fascinación amorosa. Dalí pintor es expulsado dirá a este respecto: “Quería erigir un monumento a la mujer niña, y esta mujer niña era Gala. del grupo SurreaSacrificarle en holocausto todos los terrores lista, de nuevo sus pueriles del 1900 de mi infancia. Quería que este extravagancias le jucuadro fuese como un alba en el estilo de Claudio de Lorena pero con la morfología del Modern garon una mala paStyle, correspondiente al más intenso mal gusto sada en el ámbito barcelonés”. social. Desde ese momento continua su labor de manera independiente. El estallido de la Guerra Civil lo lleva a abandonar España, aunque las cuestiones bélicas del momento convulso que está viviendo Europa queda presente en El enigma de Hitler. Salvador Dalí, 1939 Premonición onición de la Guerra Civil y El enigma enigma de Hiobras como Prem Dalí siempre fue polémico. A los surrealistas nunca les había gustado La imagen de personaje estrambótico y pintoresco se contler. el descaro con el que exhibía públicamente sus obsesiones sexuales, su rechazo a militar en el comunismo y su pasión por el dinero. vierte en algo Pero una representación en que parecía que se glorificaba a Hitler en cada vez más, un año como ese ya sobrepasó el límite de lo aceptable, por lo que dando a conocer decidieron excluirlo del grupo liderado por André Breton. esta faceta suya a todo el mundo. En 1940 se traslada a los Estados Unidos, donde encaja perfectamente perfectamente con el surrealista capitalismo. En Hollywood fue acogido con los brazos abiertos y colaboró con Disney, Hitchcock, los Hermanos Marx… e invitado a todas las fiestas donde hacía la delicia de la gente con sus salidas de tono. Ocho años después regresó a España, que estaba bajo la dictadura de Franco, y abrazó su régimen sin escrúpulos. Dalí se consideraba un anticomunista radical, pero todo indica a que fue un oportunista que consiguió así que el dictador le dejara trabajar en paz. La verdad es que no hay nada Construcción blanda con judías hervidas (Premonición de la Guerra Civil). Salvador Dalí. 1936

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más surrealista que la relación entre estos dos tipos. A finales de los años 40 vuelve pues a España, dando inicio su nueva etapa mística y pseudoclásica, como en La Madonna de Port Lligat . Y es que a su regreso Dalí ha dejado lejos sus inquietudes políticas de izquierdas de época surrealista para proclamarse católico, apostólico y romano. En realidad, jamás, llegó a desligarse de sus obsesiones infantiles infantiles y sexuales, como muesmuesvirgen autosodomizada por los cuernos cuernos de su propia propia castidad. tra en Joven virgen A partir de la década de los 60 sus obras se hacen reincidentes hasta su fallecimiento al final de los ochenta Algo que le achacan sus detractores fue su desmesurado amor por el dinero, que amasó a manos llenas. Cualquier ob jeto daliniano se convirtió en un lucrativo negocio. En sus últimos años llegó a firmar hojas en blanco para favorecer las falsificaciones. Para él, la imitación de su La Madonna de Port Lligat . Lligat . Salvador Dalí, 1949 obra era una prueba de su grandeza. Dejando su vida aparte, Salvador Dalí fue un artista indiscutible. El detallismo minucioso pero mostrando un mundo inconsciente hacen de él el más grande pintor de sueños. Su naturalismo, tomado de sus ídolos Rafael y Velazquez, Velazquez, una enorme pasión por la ciencia y las asociaciones asociaci ones delirantes cuya ambigüedad provoca diversas intrepretaciones son sólo tres rasgos de su arte. Inventó entre otras cosas, el método paranoico critico, con sus dobles imágenes y pintó más de 1500 obras de arte, sin contar decorados, fotografías, fotografías, Joven virgen autosodomizada por su propia castidad. colaboraciones y sus numeritos, que hoy en día no pueden más que consi1954. Salvador Dali derarse como Arte. Expresionismo

El término Expresionismo se debe al historiador Worringer Worringer quien lo utilizó en una revista alemana en 1910 para designar a las pinturas que tenían como denominador común un mayor interés por los sentimientos de los retratados, por plasmar sus emociones, angustias y pensamientos más que por sus rasgos y apariencia externa. Esa es la principal característica del expresionismo. El expresionismo fue un gran movimiento cultural surgido a la par que el Fauvismo por autores de diferentes nacionalidades, entre los que se encuentran el suizo Holder, el belga Ensor Enso r y el noruego Munch. Con una postura totalmente opuesta al Impresionismo, los expresionistas rechazan los matices de luces y colores de la naturaleza, las impresiones, y prefieren los sentimientos, las obsesiones, las angustias y pesadillas del ser humano, es decir, las expresiones emocionales, tanto positivas como especialmente, las negativas. No quieren copiar la realidad, sino que prefieren deformarla y adaptarla a los sentimientos, la subjetividad de las personas. Edvard Munch fue sin duda el verdadero precursor del expresionismo, diciendo de él mismo que al igual que Leonardo da Vinci diseccionaba cuer pos, él diseccionaba almas. Consiguió un gran reconocimiento en vida y hoy día es unos de los pintores más conocidos y cotizados del mundo. Su obra más famosa es El Grito, de 1893, y según el propio Munch fue así como lo concibió: “Iba por la calle con dos amigos cuando el sol se puso. De repente, el cielo se tornó rojo sangre y percibí un estremecimiento de tristeza. Un dolor desgarrador en el pecho. Me detuve; me apoyé en la barandilla, preso de una Edvard Munch. fatiga mortal. Lenguas de fuego como sangre cubrían el fiordo negro y El grito (1893), Galería Nacional de Oslo.

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Ernst Ludwig Kirchner. Desnudo de rodillas ante un biombo rojo, rojo , 1911. Museo Thyssen Bornemisza.

Cubierta del Almanaque Der Blaue Reiter (El Jinete Azul en español). El nombre del grupo deriva de un cuadro del mismo nombre del año 1903 de Kandinsky, que sirvió como ilustración de la portada de 1912 del Almanach (Almanaque). Esta obra programática, entregada por Kandinsky y Marc (Editorial Piper, Piper, Múnich, 1912) recogía, en palabras de Marc, «Los más nuevos movimientos pictóricos en Francia, Alemania y Rusia, y enseña sus finos hílos de conexión con el Gótico y con los primitivos, con África y el gran Oriente, con el arte originario del pueblo tan fuertemente expresivo y con el arte infantil, especialmente con los movimientos musicales y de los escenarios más modernos de la Europa de nuestro tiempo».

Amedeo Modigliani. Desnudo recostado, recostado , 1919, Museum of Modern Art, Nueva York.

azulado y la ciudad. Mis amigos siguieron andando y yo me quedé allí, temblando de miedo. Y oí que un grito interminable atravesaba la naturaleza”. Se distinguen dos etapas dentro del expresionismo. La primera de ellas fue la que tuvo lugar en Dresde, Alemania, en 1905 por el grupo denominado Die Brücke, El Puente, muy influenciado por Munch y con las figuras de Kirchner y Nolde como pintores destacados. Kirchner es el pintor de las figuras alargadas, los colores estridentes, casi siempre fríos como los verdes, rosas y azules, y los planos angulosos. Nolde es más primitivo, con pinceladas secas y figuras muy deformadas como si las hubiera pintado un niño. El Puente se disuelve en 1913 y se funda un nuevo grupo en Múnich, Der blaue Reiter, El Jinete Azul, que tiene como jefe al ruso Kandinsky, dando nombre al grupo uno de sus cuadros así llamado. Junto a Kandinsky están Franz Marc, que muere a los pocos años combatiendo en la I Guerra Mundial, Klee y Kokoscha. Koko scha. Aunque el grupo desapareciera con el estallido de la guerra, los postulados expresionistas se mantuvieron hasta la II Guerra Mundial, cuando los nazis consideraron a los pintores expresionistas unos malditos y degenerad degenerados, os, llegando a quemar muchas de sus obras y a prohibir cualquier exhibición de ese arte en ningún museo de Alemania. Hubo otros artistas que aunque no pertenecieron a ninguno de estos gru pos, trabajaron bajo los mismos postulados creando obras muy expresionistas, como el italiano Modigliani, el pintor de los ojos almendrados vacíos, el austríaco Schiele y el español Gutiérrez Solana, el pintor por excelencia de de la España negra. Y no sólo existió pintura expresionista, sino que también podemos ha blar de un cine, teatro y narrativa expresionistas, en donde se presta atención a la psicología de los personajes, a su mundo interior, destacando la figura del escritor Kafka y su archifamosa novela La Metamorfosis. 13

Emil Nolde, Crucifixión, 1912

El sueño (1912) de Franz Marc, Museo Thyssen Bornemisza

Oskar Kokoschka. La novia del viento o La tempestad Es un autorretrato que expresa su amor no correspondido por Alma Mahler, viuda del compositor Gustav Mahler, 1914

Egon Schiele. Mujeres echadas y entrelazadas (1915)

José Gutiérrez Solana. La visita del obispo. 1926



Käthe Kollwitz. Piedad

En cuanto a las mujeres expresionistas, destacó por encima de las demás la gran Käthe Kollwitz. Feminista y activista de izquierdas, estuvo a punto de ser internada en un campo de concentración al estallar la Segunda Guerra Mundial. Polifacética artista, es conocida sobre todo por sus esculturas, cargadas de gran simbolismo. Gabriele Münter fue durante un largo tiempo la pareja de Kandinsky, y tuvo una labor fundamental durante la Gran guerra pues gracias a ella se salvaron muchísimas obras expresionistas que iban a ser destruidas por los nazis. Marianne Von Werefkin es la pintora de extraños paisajes cargados de simbolismo, donde en numerosas ocasiones representa cortejos fúnebres, y de retratos con poderosa presencia de la línea. Paula Modersohn-Becker fue la artista más prolífica de todas, con un estilo inconfundible en donde se mezclan lo mejor de todos los estilos del primer tercio del siglo.

Abstracción

Con el arte abstracto llegamos por fin a ver cómo la realidad figurativa desaparece. Tras haberla exagerado exagerado en sus aspectos cromáticos, fragmentando fragmentando en múltiples puntos de vista, verla moverse a gran velocidad, deformarla para captar su psicología interior y demás experimentos modernos, se llega a prescindir de ella por completo. Los primeros pintores abstractos tienen muy presentes a los artistas post impresionistas, a esas últimas obras de Van Van Gogh donde apenas hay grandes pinceladas, las formas geoméPortada de la edición alemana del libro Sobre lo espiritual en el arte de tricas de Cezánne, la sucesión de puntos colores de Seurat, y claro, otra o tra vez la fotografía Wassily Kandisky que ya a principios del siglo está plenamente asentada como un medio que capta la realidad y hace que los artistas busquen un nuevo lenguaje plástico. Con la abstracción, ese nuevo lenguaje prescinde por completo de la realidad y utiliza los códigos propios del arte, el color, la línea, las texturas, para dejar hablar al propio arte. Hemos visto a Wassily Kandinsky como pintor expresionista pero su gran aportación al arte fue la invención de las primeras pinturas abstractas allá por 1910. Wassily Wassily Kandinsky (1866-1944) nacido enRusia, viviió en Alemania y después en Francia fue el gran teórico (y práctico) del arte abstracto, es decir, este arte en el que la representación del objeto es secundaria e incluso perjudicial: la belleza del arte reside en la riqueza cromática y la simpliPortada de la edición alemana del libro ficación formal. Es la represenPunto y línea sobre el plano de Wassily Kandisky tación de lo esencial del arte, no una burda imitación de la naturaleza, que es de por si insuperable. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con claWassily Kandinsky, Sin título. P rimera rimera acuarela abstracta 1910 ses de dibujo y pintura. Como buen aficionado al arte de principios del siglo XX, le interesaban las culturas primitivas y las manifestaciones artísticas populares rusas. A los 30 años lo abandonó todo para estudiar pintura en Munich, y viajó por numerosos países para descubrir colores, formas y formas de representación alejadas de la mímesis tradicional. Encabeza el grupo expresionista Der Blaue Reiter (el jinete azul), con el que comienza a obsesionarse con expresar algo más allá de la simple representación de la naturaleza. Poco a poco, su experimentación continuada culmina en torno a 1910, entregándose a la pura abstracción. Tiene un poco de la li bertad cromática cromática de los fauvistas, el impulso personal del del artista tíWassily Kandinsky, Composición VIII 1923 VIII 1923 14



pico de los lo s expresionistas expres ionistas y una u na espiritualidad espi ritualidad que robaba rob aba tanto de las matemáticas como de la música. Entre 1910 y 1914, Kandinsky pintó obras de tres categorías: las impresiones (inspiradas en la naturaleza), las improvisaciones (expresiones de emociones internas) y las composiciones (de gran rigor compositivo aunque basadas en la pura intuición). Líneas negras agrupadas junto a vivos colores, geometrías, motivos decorativos eslavos y formas en armonía. Sería por tanto, uno de los padres del arte abstracto, que se acabaría diversificando y contaminando a otros movimientos, del Surrealismo al Neoplasticismo, pasando por el Constructivismo y el Expresionismo abstracto. Wassily Kandinsky, Composition IV (1911) Kandinsky,, que también era músico, defendía que la pintura Kandinsky se debe a una necesidad interior. int erior. La misma necesidad que ordena las composiciones musicales, es la que ordena las formas y colores en una pintura. Para Kandisnky, el primer gran teórico del arte del siglo XX, la música es la más abstracta de las artes, y existe una profunda relación entre los sonidos y los colores, lo que se denomina como sinestesia. “El color es un medio para ejercer una influencia directa sobre el alma. El color es el teclado. El alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que por esta o aquella tecla, hace vibrar adecuadamente el alma humana”. Con este fragmento de su libro De lo espiritual en en el arte de 1911 nos hacemos una idea de lo que significa la sinestesia para KanWassily Kandinsky, Composition VII (1913) dinsky, la capacidad de tener percepciones múltiples, de mezclarse las sensaciones entre sí. Los sonidos generan colores y viceversa. El rojo suena a trompetas, el azul a flauta, verde es el color del violín, naranja es el color de la viola, el violeta es un fagot, etc. De lo espiritual en al arte y Punto y línea sobre el plano son dos libros de Kandinsky fundamentales para todo el arte creado a partir de 1911. En ellos defiende que el arte se debe a una necesidad interior del artista, que debe escuchar y dotar de vida a estos elementos básicos de la pintura para llegar a la belleza intrínseca de estas formas. Libros cargados de gran espiritualidad y simbolismo, describe a la perfección sus experiencias sinestésicas, a la vez que describe los elementos básicos del lenguaje visual. El punto es el elemento más básico, que al desplazarse se convierte en una línea, que variará su tonalidad según se trate de líneas verticales, de tonalidades claras cercanas al amarillo, u horizontales, con tonos más oscuros y fríos cercanos al azul y negro. Los planos están delimitados por líneas horizontales y verticales y variaran de tonalidad según su distribución en el lienzo y su forma. Neoplasticismo

Piet Mondrian. Composición en rojo, amarillo, azul y negro , 1921

Tras la aportación de Kandisnky y sus primeras obras abstractas, la abstracción deriva hacia la década de 1920 hacia una nueva tendencia denominada Neoplasticismo en la que Mondrian jugó un papel decisivo. Tomando los principios que Kandisnky ex puso en De lo espiritual en el arte, Mondrian Mondrian defiende defiende una concepción analítica del arte, que vaya más allá de las apariencias externas y plasme lo esencial de las formas, su verdad matemática y el espíritu mismo de las cosas, que a diferencia de su apariencia externa cambiante y caprichosa, sigue unas pautas regulares y eternas. En palabras del propio Mondrian: todo artista verdadero ha sido siempre inconscientemente movido por la belleza de la línea, del color y de las relaciones entre ellos y por lo que sean s ean capaces de representar. Las características del Neoplasticismo son: �Uso de líneas rectas horizontales y verticales, planos rectangulares y ángulos rectos. 15



Piet Mondrian. El árbol rojo, rojo , 1909

Piet Mondrian. El árbol gris

Piet Mondrian. Manzano en flor

�Uso de formas geométricas básicas y simples. Se elimina todo lo superfluo y anecdótico para llegar a la �Perfección y armonía en lo sencillo,

esencia.

en lo fundamental. �Colores primarios más el blanco y el negro: rojo, amarillo y azul. �Composiciones regidas por módulos sencillos como el cuadrado, buscando un lenguaje objetivo y universal. �Arte equilibrado, optimista, armónico, en armonía con el universo. El Neoplasticismo es también conocido como De Stijl , El Estilo, o también Constructivismo holandés por ser Holanda el centro de este movimiento movimiento que cambió las artes para siempre siempre y que tuvo una especial incidencia en en la arquitectura. El movimiento se fundó en Leiden, Holanda, en 1917, y tuvo como máximos exponentes a Gerrit Rietveld, Theo Van Doesburg, Klee y Mondrian. En la aparente sencillez de las obras de Piet Mondrian subyace un profundo análisis de lo puro, lo universal, esa estructura básica que rige y ordena todo lo que vemos, eliminando lo superficial para centrarse en la esencia. Por eso utiliza sólo colores primarios y franjas verticales y horizontales de negro. A Piet Mondrian se le conoce popularmente como el «pintor de los cuadraditos», creó su obra en torno a la revista De Stijl, principal órórgano de difusión neoplasticista. Para artistas como Mondrian, el arte debía ser representado a través de líneas rectas y colores puros. En caso de Mondrian, esto se debía a que lo rectilíneo y lo cromáticame cromáticamente nte puro era un símbolo de la expresión del orden cósmico. Esto está vinculado a las teorías teosóficas que estaban de moda en la Europa de la belle epoque y que a la larga no es más que un intento de abstracPortada de la revista De Stijl, Vol. 1, ción diferente al de Kandinsky. Mucho más ornº. 1, Delft, 1917 denado, más matemático… y más frío. Se formó como maestro de dibujo de educación obligatoria y a finales de siglo en Amsterdam se empezó a relacionar con los innovadores grupos artísticos del momento. Ahí pinta sus primeras obras, a años luz de lo que vendría después: paisajes serenos, grises, tierras, tonos oscuros… Pero en 1912 se traslada a París, donde conoció a gente como Leger o Braque que Piet Mondrian. Compositie XIV. 1913. le descubren el nuevo y loco arte del siglo XX. Al principio se hizo cubista como ellos, pero poco a poco se fue interesando más por la abstracción. La Gran Guerra llegó y el artista regresó a los Países Bajos, donde conoció a los que serían sus compañeros de movimiento, Bart van der Leck y Theo van Does burg. Con ellos ellos y otros más (arquitectos, (arquitectos, diseñadores…) diseñadores…) funda la revista revista De Stijl. Con ella este grupo de artistas querían representar las verdades absolutas del universo. A partir de ese mismo momento, Mondrian se expresaría sólo a través de planos de colores primarios primarios y líneas rectas. rectas. Al final Van Doesburg acabaría usando diagonales, aburrido de tanta línea monótona, y un ofendido Mondrian se separaría definitivamente del grupo por semejante sacrilegio. Tras esto viajaría, exportando su visión artística: Londres, Nueva York… York… Ahí perdería la rigidez anterior y ganaría ritmo. Piet Mondrian. Victory Boogie Woogie,1942-4 Woogie, 1942-4

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Van Doesburg. Composición XV

Sonia Delaunay, 1914, Prismas eléctricos

Theo van Doesburg fue además de pintor, un excelente arquitecto que sentó las bases de la arquitectura racionalista que tanta influencia posterior tuvo. Fundador Fundador junto con con Mondrian de la revista De Stijl , su pintiura evolucionó a lo que él denominó Elemen Elementarismo tarismo, con el uso de diagonales y colores disonantes que añadían tensión y movimiento al neoplasticismo. A Gerrit Rietveld le debemos el diseño de asombrosas sillas que son todo un icono de la pasada centuria, centuria, así así como edificios emblemáemblemáticos como el Museo Van Gogh de Ámsterdam. Junto con su marido Robert, Sonia Delaunay Silla roja y azul diseñada por Gerrit Rietveld en 1917 fue una de las grandes figuras del arte con una enorme producción que abarca el diseño, la pintura y la moda, desde el realismo realismo pasando por el cubismo, la abstracción abstracción y el neoplasticismo. Fue la primera mujer en ver su obra expuesta en el Louvre cuando aun estaba viva. Su primera obra abstracta fue una colcha que realizó con retales de diferentes materiales. Desde entonces su vasta producción incluye cuadros, portadas de libros, vestidos, telas, escenografías y un sinfín de piezas clave para entender el siglo XX. Junto a su marido funda en 1913 el Orfismo, que lo definía de este modo: mientras el cubismo tiende al dibujo integral, el orfismo es una búsqueda del color puro. Frente a los cuadros cu bistas, generalmente generalmente de tonos neutros, los cuadros órficos órficos serán serán deslumbrandeslumbrantes de colores. El cine en la época de las vanguardias

Al comienzo de los años 20, una vez finalizada la I Guerra Mundial, aparecerán las vanguardias artísticas, esto es: surrealismo, dadaísmo, expresionismo, futurismo… que, por supuesto, el cine llevará a su terreno como nuevos métodos de expresión. Sin embargo, estamos estamos en los comienzos y el cine aparece, como mínimo, como una nueva técnica que debe encontrar su propio lenguaje. Como en el arte, el cine quiso cambiar los valores estéticos que dominaban en ese momento y desarrollar sus historias al margen de la narrativa convencional. Pretendía dejar de ser un mero entretenimiento y posicionarse como un verdadero objeto artístico. Una polémica que aún se mantiene viva. Claves del surrealismo cinematográfico: la obra de Luis Buñuel

Como ya hemos visto el surrealismo procede del dadaísmo y tuvo su apogeo en Francia a principios de los años veinte causando una verdadera influencia en la literatura donde destacaron personajes como Breton y Apollinaire. El surrealismo es un movimiento que explora explora como realidad significativa significativa tanto lo onírico como lo fantástico; formado por no más de cuarenta cuarenta artistas, entre los que se encontraba Buñuel, se fue desintegrando desintegrando con el tiempo. tiempo. Luis Buñuel, aragonés, fue un director de cine español que estudió en la la residencia de estudiantes donde conoció a otros artistas como Federico García Lorca, Dalí o Alberti. Desde entonces se sintió atraído por las vanguardias y comenzó a trabajar haciendo crítica cinematográfica. Vivió Vivió en París donde consiguió hacer su primera película: Un perro andaluz , que tuvo un éxito notable y fue financiada por su madre. Más tarde llegaría La edad de oro, oro, considerada una obra maestra del cine de vanguardia. En estas dos películas encontramos un lenguaje nuevo que rompe con la linealidad del tiempo. Estuvo en Estados Unidos, pero no se adaptó a los modos de trabajo— quizás porque en EEUU el cine se había convertido ya en una industria en la que el mercado desempeñaba el papel protagonista—; marchó a vivir vi vir a México donde alterna películas comerciales con otras más personales como El ángel exterminador y Simón, del desierto. Las claves de su cine están en el humor absurdo y el análisis crítico de la Fotograma de Un perro andaluz 17



moral burguesa. Sus grandes obsesiones fueron: la religión, el erotismo, las miserias humanas y la desigualdad social; todo esto narrado en un universo universo no exento de poesía tal y como fue formulada por el grupo surrealista. Buñuel quiso acceder el inconsciente colectivo para ver los mecanismos de funcionamiento del ser humano, llegar allí donde la lógica no alcanza, pero también supo denunciar la desigualdad, como lo hacían en literatura sus compañeros de grupo. Caligari Claves del expresionismo cinematográfico alemán: El alemán: El gabinete del doctor Caligari

EL expresionismo cinematográfico cinematográfico está inspirado por el romanticismo, de forma que notaremos ecos góticos y observaremos observaremos unas escenografías escenografías geométricas, pictóricas pictóricas y alucinantes. A esto se une un ambiente sombrío, teatral y literario pues busca representar el interior “rebuscado” (oculto, de acceso indirecto) del ser humano. La obra más representativa del cine expresionista es El gabinete del Doctor Caligari de Robert Wiene, Wiene, hecha en 1919. La película narra la pesadilla de un loco, cuyos protagoprotagonistas son los compañeros de manicomio y el director del mismo, el delincuente. La manipulación (hipnosis: publicidad), el crimen y el ocultamiento de la realidad forman parte inseparable de lo que nos narra la película; pero el lenguaje no se limita al tema, sino que éste se manifiesta también en el estilo: la iluminación en claroscuro, la visión angular, los decorados y los puntos de vista son los puntos más llamativos de esta película. En ella está clara el compromiso con la pintura expresionista alemana y su intento de cambiar el arte y concienciar. concienciar. En la misma línea—con métodos expresivos semejantes—se semejantes—se rodó dos años después (1922) Nosferatu (de Murnau).

Poster de la película El gabinete del doctor Caligari

Ciencia Ficción. F. Lang

Fritz Lang está considerado como uno de los padres del cine pues contribuyó a la formación del lenguaje cinematográfico tal como se desarrolló en las décadas siguientes. Metrópolis lis, considerada una Su película más conocida es Metrópo obra clave del cine expresionista alemán por sus imágenes modernas e impresionantes. Es una película verdaderamente innovadora, la primera de ciencia ficción; pero esto implicaba en la obra de Lang una crítica radical de las condiciones de vida de principios de siglo, básicamente Fotograma de Metrópolis la alienación de los individuos en un sistema social que no deja espacio al verdadero desarrollo individual. Recuérdese la escena de los trabajadores desfilando fúnebremente hacia la fábrica sometidos al anuncio de las sirenas. Parece que Lang tuvo la idea de la película en un viaje a Estados Unidos en 1924, ante la visión, desde el puerto, de la ciudad de Nueva York York iluminada. De hecho en Metrópolis el diseño de la ciudad tendrá que ver con la influencia de las nuevas arquitecturas: Bauhaus, futurismo, art-decó… La historia se desarrolla en 2026 en una ciudad-estado llamada Metrópolis. La sociedad está fragmentada en grupos enfrentados pero también complementarios. Aquí se reflejan los problemas y contradicciones de su tiempo: industrialización, aportación de las máquinas, ciencia, psicoanálisis… Hay una verdadera prolepsis (un tipo de anacronía en que se revelan o anticipan aspectos del futuro que linealmente tendrían que venir después) de la sociedad del futuro, pero siempre fundada en la observación del presente. No hay aquí entretenimiento, sino que Lang buscó provocar un impacto que cambiase cambiase el modo de ver la realidad en quien participa (el espectador espectador,, pero entendido de manera activa). La influencia del expresionismo es palpable, no sólo por los temas, también por la actuación de los personajes de forma exagerada y sim bólica, personajes que a veces se nos antojan máscaras tras la cual nosotros mismos nos movemos. J. V. V. Sternberg. El ángel azul.

Josef von Sternberg comenzó a trabajar en una empresa de cine a los diecisiete, de manera que pasará de ayudante a director; es decir toda 18

Fotograma de El ángel azul



su vida estuvo dedicada al cine, incluso en sus últimos años dedica a la enseñanza enseñanza cinematográfica. cinematográfica. Según sus propias palabras intentaba psicoanalizar a sus espectadores espectadores para que distinguieran entre la compresión y la emoción. emoción. El ángel azul (1930) es su película más conocida y fue el primer film sonoro en Alemania. Está basada en una novela de Heinrich Mann que narra la historia del profesor Inmanuel Rath quien es un pretexto para revelar la decadencia moral de las clases burguesas, sobre todo, en Alemania. Se hace hincapié en los límites de la humillación humana a través de los barrocos y abigarrados interiores. interiores. La película, considerada una de las mejores, mejores, lanzó a la fama a Marlene Dietrich, Dietrich, y en ella se puede apreciar la crisis alemana de posguerra (la Repíblica de Weimar) Weimar) a la vez que se adelanta al espanto de lo que estaba por venir (el idioma alemán usado como un látigo, por ejemplo). Se trata de una mirada lúcida y desesperanzada sobre un mundo que no tenía aún respuestas a lo l o que estaba por venir. Claves del cine soviético: Eisenstein y la narrativa visual de El de El acorazado Potemkin

Cartel de la película El acorazado Potemkin

Tras el triunfo de la Revolución Rusa de 1917. El gobierno soviético es consciente del poder de la imagen para adoctrinar políticamente al pueblo. Desde 1919 toda la producción cinematográfica rusa queda al servicio de los ideales de la revolución y bajo control del Comisariado de la Cultura. Se convirtió en un elemento propagandístico. Uno delos grandes promotores es Kulechov Kulechov.. Se trata de un cine experimental que crea crea un lenguaje basado en en la foto fija, en la asociación asociación de imágenes imágenes simbólicas para transmitir emociones e ideas (el efecto Kulechov). Ej.: mujer desnuda, plato de sopa y un cadáver frente a un rostro inexpressivo transmiten hambre, miseria, deseo y angustia. Las claves: •Cine al servicio de la Revolución. Transmite ideales políticos. •El gran protagonista es el pueblo como colectivo. Desaparece el protagonista-individuo. •El cine se convierte en un recurso didáctico y propagandístico. •Refleja un realismo realismo crudo,casi crudo,casi documental. •Expresionismo simbólico. •La narración cinematográfica se estructura en actos. •Una lección de ritmo, fotografía y montaje.

Acorazado Potemkin (1925) Sergei Eisenstein y El y El Acorazado El Acorazado Acorazado Potemkin Potemkin es una de las obras más perfectas de la historia

del cine mundial y la obra maestra del del director Eisentein. Eisenstein pasa su juventud en San Petersburgo. Allí conoció la vida intelectual de la corte e hizo estudios de Obras Públicas y Arquitectura. Le encantaban las Matemáticas. Siempre dijo que le sirvieron para sintetizar, montar y expresar de manera exacta las ideas. Durante una época se dedicó al teatro pero pronto quiso rodar un ciclo sobre el movimiento obrero y la Revolución. Esta trilogía está formada por La huelga, el acorazado Potemkin y Octubre. Después de su viaje a EEUU (del que vuelve decepcionado) rueda Alexander Nevski e Iván el Terrible. Fotograma de El acorazado Potemkin El Acoraza Acorazado do Potemki Potemkin n fue un encargo del gobierno Soviético para conmemorar el aniversario de la Revolución de 1905: los actos acaecidos en el puerto de Odessa durante los días 12 a 17 de junio de ese año, que se convierten en el preludio de la Revolución de 1917. Con sólo 27 años, una filmación de varias semanas y un montaje de doce días logra una película genial. Prohibida en algunos países de occidente por considerar que hacía apología de la Revolución. La trama transcurre en 48 horas, tras una huelga de los trabajadores del puerto, la tripulación del acorazado se niega a comer la carne podrida del rancho y se levantan contra sus oficiales. El comandante ordena el fusilamiento de 10 de los protagonistas pero los suboficiales su boficiales se niegan a acatar la orden y arrojan por la borda a los oficiales. Es la revolución contra el poder. El héroe, Vakulinchuk Vakulinchuk fallece. Su cadáver se coloca en el muelle y el pueblo comienza a desfilar ante su féretro. Los cosacos disparan contra el pueblo, es el momento culmen (la famosa escalera). Desde el buque se ataca al cuartel de los cosacos en defensa de la muchedumbre muchedumbre.. Inmediatamente llegan los buques de guerra zarista pero los tripulantes se niegan a disparar contra el Potemkin. El acorazado sale del puerto lentamente y se pierde en la niebla densa hasta desaparecer. Algunos de los rasgos más característicos de este film son: 19



•La ausencia de protagonistas individuales que sirvan para seguir todo el relato y la exaltación de los movimientos colectivos. Ello no significa que no haya individuos reconoci bles (Vakulinchuk, (Vakulinchuk, el capitán, el pope,…) pero no articulan Fotogramas de El Acorazado Potemkin con la escena metafórica del león de piedra que despierta toda la narración .El protagonista es el pueblo. Aunque intervienen tres colectivos: los marinos del acorazado, la población de Odessa y los cosacos. •El uso de rótulos que, más que reflejar diálogos, exponen frases y mensajes que acentúan el sentido de la narración. •Estructura dividida en 5 actos (presentación/nudo y desenlace) 1.Exposición (llegada del buque y presentación de los personajes) 2.Drama del puente 3.Desfile funeral en el muelle 4.Masacre escalera de Odessa. Momento álgido del drama 5.Salida del puerto. •Tema al servicio de los ideales políticos. El desarrollo de este episodio revolucionario es, en realidad, una metáfora de la Revolución Rusa con la representación de las clases que sostienen el zarismo en el barco (los militares aristocráticos y los oportunistas, el clero, los intelectuales que se pliegan pl iegan al poder como el médico, los indiferentes y los cobardes) y los grupos revolucionarios (el pueblo movilizado como marineros) y sus aliados (la Fotograma de El acorazado Potemkin pequeña peque ña burgue burguesía sía en el puerto, puerto, las las mujeres, mujeres, los oprimido oprimidos…) s…) •Montaje (Eisenstein ha escrito mucho sobre esto). Ha quedado como modelo. Es lo más impresionante por la multiplicidad de planos, de tomas desde todos los ángulos, La abundancia de planos detalle, muchos de los cuales dan verdadero valor simbólico a los objetos (el piano, la cruz, las gafas, los gusanos en la carne) mientras otras acentúan el dramatismo de la acción (la mano pisada del niño, los ojos de las mujeres, la mano del pope,…). Hay una enorme cantidad y variedad de planos (1.029 planos, algo inaudito en su época) y ángulos (picados y contrapicados) y composiciones oblicuas y triangulares que plasman la tensión de los acontecimientos ex puestos. Logra la unión de fondo (la Revolución) Revolución) y forma (estética (estética experimental) experimental) para lograr el impacto impacto en el el espectador. espectador. •La inserción de metáforas visuales, un rasgo bastante extendido en el cine mudo pero al que Eisenstein dota de una fuerza especial: el plato con el Padrenuestr Padrenuestro, o, los marineros colgados del palo, las sombras de los soldados sobre la madre, el león de piedra que se despierta. •Ritmo: comienza cada acto con un ritmo pausado para avanzar a uno más intenso. Pasa de planos con poca gente a escenas multitudinarias. Fuertes contrastes: interior reducido/ manifestación multitudinaria del pueblo de Odessa/ del navío a una panorámica de la ciudad/ del levantamiento de los marinos a la represión de los cosacos. •Una fotografía muy variada: casi pictórica en las escenas de la bahía con los barcos y los reflejos del sol, fuertemente expresiva en los primeros planos de algunos rostros (los oficiales, el pope) y con numerosos efectos (desenfoques, claroscuro, sombras…). El ballet y su relación con los artistas de vanguardia

La danza había sufrido un declive a principios del siglo XX, las coreografías se habían estancado en movimientos condescendientes y centrados en el las habilidades de los bailarines, pero que estaban reflejando reflejando los cambios cambios que se estaban produciendo en otros ámbitos artísticos que iban más encaminados a la expresión. Sin embargo, los Ballets Rusos llegaron a la capital francesa para renovar todo el lenguaje estético. El París de antes de la Gran Guerra era un hervidero artístico, allí residían por entonces Renoir, Proust, Debussy, Rodin, Picasso, Ravel, D’Annunzio... En el Montmatre extravagante aparece el fauvismo que se extingue al paso del cubismo. Así, cuando los primeros renovadores de la danza comenzaron a contemplar las controver20

Pablo Picasso y otros pintores colaboradores sentados en el decorado para una actuación de los Ballets Rusos en el Théâtre du Châtelet, París, 1917



Isadora Duncan

Isadora Duncan fue una de las bailarinas más revolucionarias de la época que no dejó a nadie indiferente ni por su arte ni por su estilo de vida. Un auténtico espíritu libre que rompió con todas las ataduras de la época descalzándose para bailar y envuelta en únicamente en una túnica. La liberalización de la danza que promovió facilitó el camino de la danza contemporánea. pero no creas que todo fue un camino de rosas en su vida pues tuvo que sobreponerse a situaciones económicas difíciles, desengaños amorosos, incluso a la muerte de sus hijos. Igualmente trágico fue el momento de su muerte en un accidente cuando su pañuelo quedó enganchado a la rueda del descapotable en el que viajaba.

sias artísticas de los talleres y las mostraron a través de sus espectáculos, saltaron a la escena pintores de la talla de Picasso, Miró, Matisse, Brauq, Ernst, derain, Chirico, Rouault, entre otros. Debemos por tanto a Diaghilev la transformación del lenguaje de la danza, ya que a través de su ansiedad por la renovación crea espectáculos acabados que pueden considerarse verdaderamente obras de arte al contar con la colaboración de los artistas coetáneos. Luego hablaremos más largo y tendido sobre este gran personaje. Igor Stravinsky

Igor Stravinsky fue uno de los grandes descubrimientos de Diaghilev, cam bió la música de ballet de siglo XX. XX. Satravinsky había estudiado estudiado con Nikolai Rimski-Korsakov en San Petersburgo, pero poco a poco fue alejándose del estilo ruso para promover un estilo propio de ritmos ásperos, distorsionados e irregulares, así como la politonía y unos músicos provocadores que hicieron que los espectadores no aprobaran sus obras con primavera. agrado. Esto ocurrió por ejemplo con La consagración de la primavera. En El pájaro pájaro de fuego se adivinan influjos de su maestro en el sentido del ritmo penetrante y el color de los instrumentos. Otras de sus creaciones para los Ballets Rusos fue Petrouchka. Todas ellas dieron papeles formidables a Nijinsky, primer bailarín de la compañía del que hablaremos más adelante Serguei Diághilev y Nijinksky

Los Ballets Rusos fue una célebre compañía de ballet creada en 1907 por el empresario ruso Serguéi Diáguilev, Diáguilev, con los mejores integrantes del Ballet Imperial del Teatro Mariinsky de San Petersburgo, dirigidos por el gran coreógrafo Marius Petipa. Desde 1909, la compañía comienza sus giras internacionales y en 1911 se independiza de los Ballets Imperiales. Se convierte en una compañía independiente, residente primero en el ThéIsadora Duncan en 1903 âtre Mogador de París, luego en Montecarlo, París y Londres. Causó sensación en Europa Occidental gracias a la gran vitalidad de la escuela rusa comparada con el ballet que se hacía en Francia en aquella época. Se convirtió en la compañía de ballet más influyente del siglo XX. Sergéi Diághilev empresario fundador de la compañía Ballets Russes junto con Vaslav Vaslav Nijinsky, Nijinsky, uno de los más más dotados bailarines en la historia . Tras obtener el título de abogado en 1896, Sergei Diághilev decidió d ecidió dedicarse a la música aunque poco después el fracaso estrepitoso de su primera obra interpretada en público le disuadió de su carrera como compositor. No fue pues ni bailarín ni ni coreógrafo ni nada que se le pareciera, fue un empresario empresario con gran sensibilidad para las artes y que propició la promoción en Europa de los artistas rusos. Para ayudar a esos fines fundó la revista Mir Isskoustva (El mundo del Arte). En 1906 se marchó de Rusia y fue a París. Actuando Actuando como contacto cultural entre ambos países, organizó exposiciones de arte ruso y conciertos de música rusa. En 1909, el gran duque Vladimir le encargó que estableciera los Ballets Rusos en París. Desde el primer momento, los Ballets Ball ets Rusos fueron un centro de experimentación artística. Coreógrafos como Michel Fokine y Léonide Massine, compositores como Claude Debussy, Maurice Ravel e Igor Stravinsky, y diseñadores como los viejos amigos de Diaghilev de su época de estudiante, Bakst y Benois, ejercieron y recibieron su influencia mutuamente, en una impresionante síntesis creativa. Entre los bailarines legendarios de los Ballets Rusos, procedentes de las filas de los teatros rusos Mariinsky y Bolshoi, figuran Anna Pavlova, Fokine y un joven extraordinario, de diecinueve años, llamado Vaslav Nijinski. Leon Bakst. Ilustración del programa del ballet de Tras graduarse en la Escuela Imperial en 1907, Nijinski se incorporó al Teatro Nijinsky La siesta del fauno, 1912.

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Mariinsky como solista y fue muy bien recibido en toda Rusia; en 1909, Diaghilev le invitó a incorporarse a los Ballets Rusos, en los que interpretó papeles que desde entonces han alimentado su leyenda: Petrushka, Le Spectre de la rose, Sylphides, Daphnis et Chloë.

Les

Anna Pavlova

Aunque Anna Pavlova se había dado a conocer en Europa con Diaghilev, pronto romperían relaciones por las concepciones opuestas que tenían sobre el enfoque de la danza, él más agresivo, ella con menos tendencia a la innovación. Pero no cabe duda que esta bailarina, rigurosamente clásica, casi perfecta. Destaca la pieza creada para ella por Fokine en 1905 con música de SaintSaens, La muerte del cisne

A partir de 1912, Nijinski se dedicó a la coreografía, además de la danza, y creó ballets tan memorables y controvertidos como el explosivo Le Sacre du Printemps, cuya primera representación llegó a provocar un tumulto en L’Après-midi midi d’un faune. el teatro, y L’AprèsEntre los dos, Diághilev y Nijinski Diseño de vestuario de Picasso para Le prácticamente inventaron al bailarín Tricorne (1919-1920) moderno. Antes Antes de los Ballets Rusos, el bailarín sólo desempeñaba un papel de apoyo a la bailarina: se limitaba a alzarla, más que a bailar. Pero Diaghilev modificó la situación y el vehículo del cambio fue Nijinski. Su éxito proviene de la apuesta por la renovación del lenguaje visual, tanto en la coreografía como en la escenografía, y del lenguaje musical. La característica esencial fue la reducción de la danza al cuerpo humano para ex Anna Pávlova en La muerte del cisne presar historias y emociones, emociones, ello ex plica el desarrollo del virtuosismo de sus bailarines. Artistas visuales de vanguardia de la talla de Matisse, Picasso, Braque, Derain, Goncharova, Laurencien Laurencien o Chanel participaron en el diseño de vestuarios y escenografías; músicos renovadores como Ravel, Satie, Falla, Stravinsky Stravinsky,, Prokófiev,, Rimski-Kórsakov; bailarines como Fokine, Nijinsky, Pávlova, Karsavina fiev o Massine, y escritores como Jean Cocteau trabajaron conjuntamente en esta obstinación, animados por Diaghilev Diaghilev.. Ballet Ruso en España: después de la primera guerra mundial Barcelona resultó ser un punto de partida idóneo durante la década de 1920 para iniciar las giras después de cerrar las temporadas invernales en Montecarlo. Los artistas españoles fueron cobrando importancia, siguiendo la estela de Josep Maria Sert, el primer no ruso ru so en diseñar di señar un u n ballet bal let para Diaghilev. Di aghilev. Destacan nombres como Juan Gris, Joan Miró, Pedro Pruna y, sobre todo, Pablo Picasso. Todos Todos ellos diseñaron decorados y vestuario y, además, ilustraron la compañía y participaron en programas especiales producidos por los ballets rusos. Compositores (el más Diseño de vestuario de Pablo Picasso para los destacado fue Manuel de Falla), directores de orquesta y bailarines españoles Ballets de Serge Diaghilev en el Théâtre du se incorporaron a la compañía de Diaghilev, y en 1921 una troupe de bailarines Châtelet de París el 18 de mayo de 1917. españoles presentó Cuadro Flamenco en París y Londres.

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El surrealismo

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