Teoria Harmonia e Improvisacao Vol.1 - Metodo

Método de Guitarra Tocando Guitarra com Maestria Teoria, Harmonia e Improvisação - Volume 1 -

Tocando Guitarra com Maestria Método de Guitarra sobre Teoria, Harmonia e Improvisação Vol. 1 Neste método vocês terão um primeiro contato com diversos assuntos importantes para o desenvolvimento musical de vocês, desde dicas até tópicos abordando a anatomia do instrumento, pedais, amplificadores, ligações, acordes, intervalos, exercícios, sistema 5 (CAGED), escalas, improvisação, iniciação ao Blues, dicas de como construir seus solos, campo harmônico, arpejos, como ler partituras/tablaturas e muito mais, tudo de forma bem explicada e ilustrada.

Tópicos Capítulo 1

Introdução ............................................................................ Anatomia da Guitarra ............................................................ Equipamentos e Ligações ......................................................

Dicas .....................................................................................

Capítulo 2

Iniciação à Guitarra Base ......................................................

Afinando o instrumento ......................................................... Exercícios para o fortalecimento dos dedos ........................... Acordes ................................................................................. Intervalos ............................................................................. Sistema 5 (CAGED) ...............................................................

Capítulo 3

Iniciação à Guitarra Solo ......................................................

Escalas .................................................................................. Escalas Relativas ...................................................................

Capítulo 4

Improvisação ........................................................................

Blues ..................................................................................... Construção de solos ..............................................................

Capítulo 5

Campo Harmônico .................................................................

Capítulo 6

Arpejos .................................................................................

Capítulo 7

Notação Musical – Tablatura e Partitura ................................ Tablatura .............................................................................. Partitura ...............................................................................

Capítulo 8

Notação de técnicas .............................................................. Dicionário .............................................................................

Capítulo 1 Introdução Um pouco de história: A guitarra, um prático e simpático instrumento de corda, pode ser encontrada em quase todos os países dos cinco continentes. Extremamente versátil, pode ser tocada em acompanhamento ou solo. Com uma diversidade inigualável, está presente em vários ritmos, desde rock, heavy metal, blues, jazz, música barroca e flamenco até música étnica. Nas mãos de talentosos guitarristas, como Eddie Van Halen, Joe Satriani, Steve Vai, Eric Clapton, Jimy Hendrix, Pat Metheney, Joe Pass e tantos outros, faz verdadeiros milagres.  A verdadeira origem

Essa Jovem senhora nascida em 1930 chega aos seus 70 anos mentindo a idade. Basta uma olhadinha para trás pra ver que ela é muito mais velha. A origem da guitarra é incerta e ainda se busca o elo perdido que a fez se tornar o que é hoje. A teoria mais aceita é que ela tenha evoluído de um instrumento espanhol chamado vihuela, que já é uma evolução do ‘ud árabe e da cozba romana. O ‘ud é o mais velho dos três. Trata-se de um instrumento de 5 cordas muito popular no Oriente Médio no século 3. Provavelmente, foi dele que evolui a espanhola vihuela, que já aparece com 6 cordas, apontando o caminho a ser seguido pela guitarra moderna. Uma dificuldade peculiar encontrada ao se tentar traças a história da guitarra é a confusão que se faz entre ela e o violão. O português é uma das únicas línguas que tem nome diferente para cada um dos instrumentos. Sabe-se que o violão convencional de 6 cordas teve origem na Itália, por volta de 1780. A guitarra elétrica, filha desse violão, foi criada em 1930. Muito diferente do que é hoje, seu som era suave e baixo. Para tentar resolver esse problema, captadores eletrônicos foram adaptados ao instrumento. O que parecia ser uma solução, na verdade, criou outro problema: esses captadores faziam o bojo da guitarra vibrar, criando o conhecido – e famigerado – feedback. Foi o brilhante Les Paul que, para resolver esse impasse, inventou o corpo maciço da guitarra. Esse é o ponto em que chegamos ao

instrumento tal como ele é hoje. Em 1931, a empresa Rickenbacker começou a construir a guitarra, o primeiro instrumento eletrônico de cordas comercialmente disponível, que foi simpaticamente nomeado de Pedals Steel Portátil  “Frigideira”. No ano seguinte, a mesma empresa introduzia no mercado a primeira guitarra elétrica propriamente dita, a Electro Spanish.  Assim se Fez História

Outro nome importante para a historia da guitarra, que não poderia ficar de fora, é o de Leo Fender, responsável pela mais tradicional empresa de guitarra do mundo, a pioneira em produção em massa do instrumento. Foi ele também o responsável pela criação da lendária e venerada Fender Stratocaster. Muitos outros ficaram famosos por dar à guitarra designs diferentes e ousados, que se tornaram verdadeiros ícones. Mas a guitarra começou a se tornar mais popular depois da Segunda Guerra Mundial e foi consagrada definitivamente nos braços da contracultura, nos anos 50 e 60. Depois disso, virou moda e fincou-se definitivamente como um dos instrumentos mais tocados e cultuados da atualidade. Vamos, agora, conhecer e aprender a lidar com nosso instrumento. instrumento. Aqui vai uma descrição dos principais componentes da guitarra: Mão ou Paleta (Headstock): (Headstock):  extremidade superior do braço,

onde se encontram fixadas as tarraxas, os postes e em algumas guitarras, os abaixadores de cordas. Pode ter diversos graus de inclinação para trás. Isso irá, primariamente, determinar o quanto o headstock vai afetar o timbre de sua guitarra. Quanto mais reto for o headstock mais ele vai se tornar essencialmente uma continuação do braço, tornando o som mais “vivo”, pois a pressão no nut será mínima, essa pressão é responsável pelo tipo de vibração que a corda terá nesse ponto, fazendo assim com que certas freqüências sejam destacadas, e outras, atenuadas. Em headstocks mais inclinados a pressão sobre o nut é bem maior contribuindo para um maior sustain, já que ao invés de dissipar a vibração das cordas para o headstock, essa é transferida para o corpo da guitarra.

Tarraxas ou cravelhas (Tuning Machines): Machines) :  mecanismo

giratório que serve para afinar as cordas, tencionando-as (sentido anti-horário) ou distendendo-as distendendo-as (sentido horário). O fato de serem mais leves ou pesadas pode mudar a massa do headstock, mudando a ressonância das freqüências sobre o braço e modificando assim o timbre, mesmo que seja de uma maneira muito sutil. Desde que as tarraxas são responsáveis responsáveis por fixar as cordas ao headstock, sua integridade física é muito importante. Tarraxas enferrujadas, soltas ou com folgas irão contribuir para ruídos indesejados, além de, obviamente, prejudicar a afinação. Pestana ou Capotraste (Nut): (Nut) : peça alongada que possui

pequenos veios por onde passam as cordas. Geralmente confeccionada de plástico, osso, latão e fibra de carbono, além do nut comum, existem ainda o roller nut e o locking nut. No passado, muitos guitarristas substituíram seus nuts de plástico ou osso por outros de metal, achando que isso poderia aumentar o sustain da guitarra. Hoje, sabemos que o nut só pode influenciar o som da corda solta do instrumento, porque o traste virtualmente se torna o nut quando a corda é pressionada contra a escala. Mas um nut mal instalado pode afetar o timbre de sua guitarra. Este precisa ser firme contra o braço, pois caso contrário, isso influenciará negativamente na vibração das cordas, resultando em perdas de freqüências. Os “dutos” (lugar onde a corda passa por dentro do nut) precisam estar devidamente cortados, pois se a corda estiver se movendo de forma indesejável dentro destes dutos, o resultado será barulho e perda de sonoridade. Por outro lado, se as cordas estiverem muito presas dentro dos dutos, isto resultará em má afinação ao usarmos a alavanca. Outra consideração é com o locking nut (capotraste com trava) que terá uma resposta sobre as cordas soltas sensivelmente diferente de um nut comum, pois você estará prensando a corda entre duas peças de metal, fazendo com que a mesma altere sua característica natural de vibração. Alguns consideram esse som mais comprimido e com menos respostas de harmônicos, mas esta é uma observação que deve ser feita pessoalmente, assim como qualquer aqui expressa por mim. Trastes (frets): (frets):  série de filetes metálicos perfilados ao longo

da escala que servem para delimitar semitons (as notas de cada casa) do “sistema temperado” (sistema que divide a escala em

doze sons sucessivos dispostos em igualdade de distância entre si). Geralmente confeccionados em níquel, devido a sua grande resistência. Os trastes são divididos em: fino, médio, jumbo e extra jumbo. Existem muitas opiniões diferentes a respeito de como o traste pode afetar o timbre de uma guitarra. Muitos dizem que diferentes trastes afetam muito mais o “feeling” (como você sente a guitarra) do que propriamente o seu timbre. Quando o ponto de contato da corda com o traste for muito grande, irá resultar numa nota com menos clareza. Muitos músicos acreditam que trastes jumbo aumentam o sustain do instrumento porque este, com sua maior massa metálica, irá transferir mais a vibração das cordas para guitarra, enquanto que trastes pequenos resultariam num som mais agudo e limpo, devido ao ponto de contato mais acurado da corda com o traste. Casa:: espaço delimitado por dois trastes, onde os dedos Casa

 “martelam” para produzir produzir o som das notas.

Braço (Neck): (Neck): É uma peça fundamental na construção do

timbre da guitarra, sendo, junto com o corpo, a ponte, a escala e as cordas, um componente timbral primário. Diferentes densidades e cortes alteram sensivelmente a maneira como o braço transmite o som das cordas ao corpo. O timbre pode variar bastante, mesmo com braços construídos do mesmo material. Na maioria dos casos, materiais mais duros – como o maple – produzem um som claro e brilhante, enquanto mahogany e outras madeiras macias produzem um som mais encorpado. Hoje, podemos encontrar várias alternativas às madeiras mais tradicionais, como pau-ferro, rosewood, fibras artificiais (como o grafite), entre outras. Segundo os especialistas, especialistas, é importante observar as fibras da madeira que no braço devem ser longas e sem interrupções, afim de melhor transportarem o som para o corpo. Escala (Finger Boards): Boards) : são lâminas de madeira fixadas sobre

o braço do instrumento nas quais os trastes são colocados, é também onde se encontram as marcações (inlay). É outro elemento fundamental para o timbre final do instrumento. Diferentes materiais filtram de maneiras distintas, a vibração das cordas para o braço e para o corpo da guitarra. Basicamente, os materiais para fazer a escala estão em duas categorias: madeira e sintético. As madeiras mais comuns são o

rosewood, o ébano e o maple. O ébano é mais duro e pesado que as outras madeiras, e irá adicionar mais ataque e um decay (declínio da nota) rápido, dando ás notas mais clareza. O maple irá produzir menos ataque que o ébano, mas com mais balanço a relação ataque-decay, produzindo um som mais brilhante, com um pouco mais de sustain. Algumas guitarras possuem uma peça única (one piece) para a escala e o braço. Isto vai alterar a maneira como a escala vai transferir as vibrações das cordas ao resto do instrumento. Escalas em rosewood terão um som mais encorpado e com ataque menos definido que o ébano ou o maple. É uma madeira menos densa que contém uma grande quantidade de óleo proporcionando muito médio e cortando as freqüências mais agudas. Escalas sintéticas são extremamente duras, o que irá resultar numa maior resposta de agudos e uma grande consistência sonora, pois o material não se altera com o tempo. Quando você troca uma escala de madeira por uma de grafite, a impressão é que a guitarra adquiriu um som mais “hi-fi” (de alta fidelidade). Tensor ou Tirante: Tirante: barra metálica que atravessa o braço onde

por dentro e por toda a sua extensão, funcionando para ajustar o mesmo no caso de um empeno.

Captadores (pickups): (pickups): são enrolamentos (bobinas), que

envolvem uma barra magnética (imã) que é a responsável pela  “captação” do som emitido pelas cordas e pela sua transformação em sinais elétricos que serão enviados para um amplificador de som. Como você pode imaginar, os captadores são os “superstars” em nossa equação sonora. Com exceção das cordas, os captadores são a mais fácil, e efetiva maneira de alterar a característica sonora de uma guitarra. Eles são, basicamente, divididos em: Single coils - captadores de uma única bobina que possuem como uma de suas principais qualidades, som bem definido, embora proporcionem o “Hum”, ruído característico nesse tipo de captador; Humbuckers - captadores de duas bobinas que, em razão disso, cancelam o “Hum”. Mas que não possuem um timbre tão definido e claro como o single coil. No entanto, podem proporcionar maior volume e timbres com mais ataque e sustentação, é ainda possível a instalação de um push pull na guitarra, fazendo assim com que ao acionar este sistema, ocorra

a “transformação” do captador humbucker em single coil. Podemos encontrar também um humbucker em formato de single coil (stack) que é um captador de duas bobinas, geralmente sobrepostas em vez de paralelas, pode possuir as características dos tradicionais dos humbuckers. Mas com formato de single, muitas vezes seus timbres se assemelham bastante, entretanto com um diferencial: o stack não apresenta o “Hum”. Além de dividir os captadores entre single coil e humbucker, podemos classificá-los em outras duas categorias: ativos ou passivos. Captadores ativos possuem um pequeno préamplificador e necessitam de uma bateria para o seu funcionamento. Estes são muito silenciosos, e possuem uma variedade incrível de níveis de saída, alem de uma tessitura muito grande. Alguns acham os captadores ativos muito fiéis, preferindo os passivos pela sua grande capacidade de realçar só algumas freqüências, atenuando outras. Muitos guitarristas mudam de captadores na busca de mais sustain; mas pode um captador com mais volume aumentar o sustain da guitarra? Cuidado! Quando a corda pára de vibrar, tudo está acabado, e o captador não tem mais o que reproduzir. O que pode acontecer é você aumentar o nível de saturação de seu amplificador – por estar mandando um sinal mais forte – mas isto não vai, necessariamente, aumentar a duração da nota. É importante observar a posição dos captadores em relação às cordas, ao braço e à ponte, e experimentar a maior variedade de modelos e marcas, até chegar a uma conclusão do que seria melhor e mais adequado ao seu estilo de tocar. Ponte (Bridge) e Cavalete: Cavalete: Peça de madeira ou de zamack,

antimônio, aço, níquel, latão, ferro, zinco, alumínio, e fibra de carbono, ela determina a altura das cordas e o distanciamento entre os apoios, carrinho e capotraste (saddle e nut), que atuam diretamente na afinação. A ponte é responsável pelo ajuste das oitavas e pelo ângulo de que as cordas partirão, além de estabelecer, assim como o capotraste, a relação entre as cordas quanto á altura entre elas. É um ponto crítico dentro da nossa equação sonora. É o principal ponto de fixação da corda à guitarra, e vai determinar a quantidade de vibração transferida ao corpo da mesma. Pontes fixas (sem alavanca) oferecem oferecem mais área de contato com o corpo do que pontes com alavanca, permitindo assim enviar mais vibrações das cordas diretamente ao corpo do instrumento. Uma guitarra com ponte fixa

geralmente irá soar com mais massa do que uma similar com ponte móvel (alavanca). Estas são usualmente fixadas na guitarra por dois pequenos pivôs atarraxados ao corpo, e estes vão ser o único ponto direto de transmissão de vibração entre o corpo e a ponte – os outros pontos de transmissão seriam as molas e a barra de sustain. Por isso, se você trocar uma ponte fixa por uma móvel, ou vice-versa, fique ciente que isto estará alterando a característica sonora do seu instrumento. O material da ponte também irá influenciar diretamente a resposta sonora da mesma. Uma ponte de liga de vários materiais diferentes, fundidos dentro de um mesmo molde, irá soar muito diferente de outra feita com um único bloco de metal sólido. Potenciômetros e Knobs (Control Pots/Knobs): Pots/Knobs) : controle de

volume e de tonalidade dos captadores.

Chave Comutadora de Captadores (Pickup Switch): Switch) : esta é

uma chave (de três ou cinco posições) que seleciona o captador que estará em uso, seja ele o da ponte, o do meio, ou o do braço, há chaves que possibilitam o uso de dois ou mais captadores.

 Jack :  orifício onde se conecta o plug do cabo (fio), que é

responsável pelo envio do sinal elétrico do captador ao amplificador, geralmente encontrado ou na lateral traseira da guitarra ou próximo aos knobs e potenciômetros. Escudo ou Placa (Pick-Guard): (Pick-Guard) : placa de plástico, metal ou

madeira que tem como objetivo adornar, proteger ou tampar determinadas áreas do instrumento.

 Alavanca ou Tremolo (Whammy (Whammy bar) bar): sistema mecânico que

quando acionado faz com que a nota que está soando suba ou dessa sua altura, ou seja, o que ocorre é na verdade um bend. Podemos usá-la também para gerar um vibrato. Roldanas:: serve para se fixar a correia. Roldanas

Compartimento de Molas (tremolo string cavity): cavity) :  local

onde se alojam as molas, estas são responsáveis pela tensão que se será dada às cordas.

Corpo (Body): (Body): nele estão fixados os captadores, o escudo, a

ponte e as demais outras peças. Numa guitarra elétrica, o corpo funciona como uma “prancha sonora”, seu material é fundamental para a resolução final do timbre do instrumento, pois diferentes madeiras vão determinar diferentes formas do corpo ‘ouvir’ a vibração das cordas. Corpos de guitarras podem ser encontrados em grande variedade de madeiras, cada uma com sua própria característica sonora, sendo que diferentes cortes podem dotar a mesma madeira com sonoridades diversas, por variações na sua densidade e peso. Mesmo assim, podemos fazer algumas considerações gerais... a) Maple – tem grande resposta de ataque e rápido declínio da nota (decay); gera uma forte resposta ao som fundamental, sem muita projeção de harmônicos, muito utilizada para guitarras semi-acústicas. semi-acústicas. b) Mahogany (mogno) – tem ataque macio, rico em sustain e massa; é uma madeira consideravelmente pesada. c) Basswood –  geralmente usada em guitarras de rock feitas para tocarem em alto volume; possui ataque moderado, com sustain constante; é uma madeira leve, mas com boa massa sonora final. d) Ash – madeira com timbre bem característico; funciona bem com single coils, proporciona excelente corpo sonoro e boa resposta de agudos. Estas são apenas algumas opções que podem ser usadas na construção de um corpo. Também é comum a combinação de madeiras, como por exemplo, um corpo de mahogany e o top (parte superior do corpo) de maple, ganhando assim o ‘melhor dos dois mundos’, um peso tolerável e uma excelente resposta de agudos. Atualmente, existe um grande numero de guitarras de baixo custo feitas com corpos de compensado e aglomerado. É sempre bom ficar atento a este tipo de madeira, que nunca poderá responder sonoramente como uma madeira nobre, deixando muito a desejar quando necessitamos de um timbre de guitarra realmente bom. Guia de Cordas (String Retainers): Retainers) : abaixador de cordas. Marcação da Escala (Inlay): (Inlay) :  geralmente confeccionada de

plástico, madrepérola, tinta e etc.

Placa do Tróculo (neck plate): plate): placa de aço que prende braço

ao corpo da guitarra.

Suporte de Jack (jack plate): plate) :  placa de aço em forma de

canoa, que prende o Jack de saída.

Truss Rod : compartimento onde se aloja o tensor.

 Anatomia da guitarra guitar ra  Modelo Stratocaster

 Modelo Les Paul

Outro modelo

 Violão

Equipamentos e Ligações O som da guitarra é um elemento fundamental para que você possa, literalmente, falar por intermédio desse instrumento. A força com que você consegue expressar está em grande parte apoiada na qualidade do timbre da guitarra. Conseguir o som ideal para transmitir o que você sente é uma equação com muitas variáveis. Nesta matéria, tentarei, na medida do possível, discutir algumas das principais variáveis desse infinito universo, e abrir novos horizontes para que você melhore seu conhecimento a respeito de como trabalhar com equipamentos relacionados à guitarra. Primeiro é fundamental tomar consciência da importância do timbre do instrumento. É a qualidade sonora desse som que vai identificar sua voz junto aos ouvidos da audiência, E uma voz defeituosa, sem qualidade, rouca, hesitante, não pode ser identificada com precisão e não agrada aos ouvidos. Dessa forma, todos os cuidados com a ‘sua voz’ ou seja, o seu timbre, não é exagero, e sim uma necessidade – para is profissionais, uma obrigação! Você também tem que entender que existem muitos tipos de timbre e cada um se adapta a uma forma de tocar e a um estilo diferente. Isso é muito, mas muito importante de entender, pois por mais obvio que possa parecer tal afirmação, é comum um jovem guitarrista perguntar sobre qual é o melhor equipamento... Tal pergunta só pode ser bem respondida se outra anterior tiver uma resposta: “qual o tipo de musica que você faz?”. Para tocar blues, você não deve utilizar timbres com níveis de saturação muito altos, chegando até o efeito de distorção, pois há uma necessidade de maior dinâmica, assim como para tocar metal você não pode tocar com timbres totalmente limpos. É bom ter e mente que cada um tem uma necessidade diferente e que o equipamento vai funcional sempre de forma individual. O que vamos trabalhar nesta matéria são algumas regras e conceitos gerais daquilo que poderemos chamar de  “bom senso timbrístico”. Essas dicas devem servir de forma geral, independente do gênero/estilo que você tocar. Procuramos assim auxiliar o maior número de guitarristas possível.

Vamos começar por entender os três principais elementos de nossa equação: guitarra, efeitos e amplificadores. A guitarra deve atender à sua forma de tocar. O que acontece é que muitos ainda não decidiram de que forma querem tocar, o que me leva à conclusão que o desenvolvimento do timbre e o equipamento utilizado para gerá-lo estão diretamente relacionado ao desenvolvimento do musico como artista. Assim, chegamos a duas regras de “bom senso timbrístico”: 1) Sempre relacione sua forma de tocar e o estilo ao equipamento que esta utilizando; 2) É sempre saudável comparar e ter referencias em relação ao que você pretende tocar e como deve soar. Esse segundo conceito é importante e revelador, pois vai ajudar – e muito! – tudo o que você fizer. É por comparação que você pode perceber tudo que o cerca. Algo só é bom ou ruim, feio ou bonito, grande ou pequeno porque está em relação comparativa. De outra forma não seria nada. Assim, compare seu estilo e seu timbre ao daqueles músicos que você tem como referência. Exemplo: se você gostar do timbre do Zakk Wylde, é melhor não comprar ema guitarra modelo Stratocaster. E mesmo que não tenha dinheiro para comprar um Gibson Les Paul original, não tem problema. Adquira um instrumento que tenha o formato e que mais se aproxime da construção de uma. Da mesma forma deve agir aquele que deseja tocar jazz ou musica brasileira: evite uma guitarra modelo Flying V ou uma Gibson SG – é melhor a aquisição de uma semi-acústica, ao estilo George Benson. O mesmo modelo de guitarra pode ter tipos diferentes de trate, captadores, madeiras, pontes, tarraxas, etc. Cada elemento vai modificar não somente a forma como a guitarra irá funcionar, mas também como ela ira soar. Nesse caso, aconselho outra regra clássica: pesquise sempre, experimente muito. A pesquisa e a experimentação são elementos básicos para que você tenha real conhecimento sobre o que quer que seja. É por essa razão que sempre estamos às voltas com compras, trocas e ‘rolos’ com equipamentos. É necessário ter diferentes tipos de guitarras e experimentá-las por um tempo para que você realmente saiba como elas funcionam. E o mais

importante: se funcionam bem para você. Só se conhece verdadeiramente um equipamento quando você fica com ele tempo suficiente para que o experimente em todas as situações em que ele deve servir. Somente depois que um equipamento foi para ensaios, shows e estúdios é que você saberá se ele serve às suas necessidades ou não. O que vulgarmente é chamado de “amplificador de guitarra” ou  “combo” (erroneamente (erroneamente conhecido em grande parte do Brasil como  “cubo”) é na realidade dividido em três partes. O  power   amplificador, responsável por amplificar, aumentar, dar mais potencia ao sinal da guitarra, aparece posteriormente ao pré-amplificador (estágio de entrada do sinal, que regula freqüências como, agudo, médio e grave) na corrente percorrida pelo sinal, enquanto os alto-falantes recebem o sinal no final da corrente e o colocam, no ambiente físico de forma a se tornar perceptível aos sentidos. O combo (foto 1)  tem esses três elementos reunidos em um só aparelho. O que chamamos de “cabeçote” “cabeçote” e “caixa” (foto 2) divide esses elementos em duas partes: a ‘cabeça’ (contendo a seção de pré e de amplificação) e a caixa com os falantes. O chamado “sistema de amplificação de rack ” (foto 3)  possui esses três elementos de forma separada. Não se pode afirmar que um sistema é melhor que o outro. Eles são apenas diferentes e utilizados para diferentes aplicações. O importante é perceber que existe uma diferença entre a seção de pré-amplificação e de  power , porque quando você conectar efeitos entre a guitarra e o amplificador, terá que compreender isso muito bem.

Novamente, utilize a regra da referencia quando tiver que escolher seu sistema de amplificação. Nem sempre um modelo de rack   de 200 watts RMS, que custa muitos milhares de dólares, é melhor que um pequeno combo de 15w. Tudo depende do tipo de som que você necessita. Não faz sentido para quem toca em pequenos ambientes ter um amplificador de muita potência. A relação entre potência e qualidade do som não é proporcional, ou seja, ter mais potência não significa obter mais qualidade, e sim mais volume. É melhor utilizar seu amplificador entre 50% e 70% da potência que ele pode oferecer, porque se ele estiver muito baixo não vai render o que poderia e deveria. Se toda vez que você tocar seu volume estiver entre “1” e “3”, pode ter certeza de que está utilizando a potência errada! É mais ou menos como um carro esporte: de nada adianta um motor V8para andar no transito em primeira e segunda marcha – um carro automático e econômico seria a melhor opção. Outra questão muito oportuna é o significado da sigla RMS x PMPO. A primeira é utilizada como padrão mundial de medida da potência de um sinal amplificado, mas talvez porque o Brasil é o país das mentiras – querem que acreditemos que o nosso Presidente é honesto, que nossa seleção é a melhor, que a banda Calypso faz música -, somente em nosso país existe o famoso PMPO, que transformou aquilo que era 100w RMS em 1000w PMPO. Essa sigla foi criada para afetar o subconsciente do consumidor menos informado, que forma a grande maioria do povo brasileiro. O PMPO permite que o vendedor fale que aquele sonzinho contrabandeado de países duvidosos e que é vendido nas Casas Bahia da vida tenha “900w”, quando na verdade aquilo é PMPO – com um sinal amplificado em 900w

RMS você consegue tranquilamente tocar guitarra no estádio do Morumbi lotado! Microfonando é claro. Tome cuidado com esse tipo de medida. Não se iluda com potência! Mesmo sendo RMS. O que importa é o timbre. Os sistemas de amplificação de rack,  que migraram dos estúdios para os palcos, oferecem mais recursos. Em contrapartida, são mais caros, mais complexos e pesados e – novamente – não necessariamente melhores de os combos ou  ‘cabeças’. A grande diferença é que você pode combinar diferentes tipos de pré,  powers e caixas entre entre si. Combo já vem montado e esses elementos foram combinados e balanceados na fabrica, trazendo ao guitarrista mais praticidade e melhor custo. As ‘cabeças’ e caixas são os sistemas preferidos por bandas de rock e por quem faz trabalhos com necessidade de altos índices de volume, pó oferecer a praticidade de um combo, mas com muito mais potência. Outra coisa que você tem que observar com cuidado ao escolher um sistema para amplificar sua guitarra é a opção entre um sistema valvulado, um simulador e um sistema que não é nem valvulado nem um simulador, vulgarmente chamado de trasistorizado. A válvula é o sistema preferido de oito entre dez guitarristas, especialmente quando estes utilizam timbres saturados. É ela que traz ao som da guitarra uma compressão natural e uma sensação especial muito diferente dos outros sistemas. Isso sem falar, naquilo que chamamos de “calor”. Um bom amplificador valvulado deixa o timbre ‘quente’ e também com muita dinâmica, ou seja, é muito sensível ao toque da palheta. Esses são elementos fundamentais para a interpretação do instrumento. Os simuladores têm melhorado sua qualidade a cada dia e tentam por meio da tecnologia digital imitar os timbres de outros amplificadores. A evolução foi de tal proporção que há quem diga que já é impossível distinguir o som tirado de um simulador daquele extraído de um amplificador real em uma gravação. Pode ser que a maioria dos ouvintes realmente não consiga distinguir uma coisa da outra, mas o músico com certeza consegue. É diferente tocar com um som proveniente de um simulador daquele advindo de um sistema valvulado, mas não necessariamente pior. Novamente, tudo vai depender daquilo que você quer. O simulador trouxe versatilidade e praticidade, barateou os custos e facilitou a produção de música, mas segundo este que vos escreve nada como um bom microfone na boca de um amplificador valvulado para trazer o

melhor que a guitarra pode oferecer. Mas esta é apenas uma opinião pessoal. Muitos podem preferir os simuladores ou os amplificadores transistorizados. O importante é que o equipamento equipamento sirva para a necessidade de cada um, Geralmente, os músicos que tocam com o som limpo de guitarra preferem sistemas do tipo transistorizado – um bom exemplo é o amplificador Roland Jazz Chorus, que ficou famoso nas mãos de Pat Metheny. Depois, você tem que considerar os efeitos, que são a verdadeira ‘perfumaria1 dos guitarristas. E o mesmo conceito se aplica a eles na hora da escolha do tipo a ser usado. Pedaleiras digitais, racks de efeitos ou pedais separados? Como não sou de ficar em cima do muro, afirmo que pedais separados são muito melhores no que se refere ao timbre. Mas novamente isso é uma opinião pessoal. Talvez as pedaleiras digitais tenham feito tanto sucesso justamente pela facilidade e praticidade de ter tudo em uma única caixa, com um custo baixo quando comparado à montagem de uma pedaleira tradicional. Os bons racks de efeitos são os mais caros, sensíveis para se colocar ‘na estrada’, mas contam com muitos recursos e um qualidade sonora de estúdio. Como conectar seu equipamento

Basicamente, existem duas formas de conectar efeitos: 1) Entre a guitarra e o pré-amplificador pré-amplificador (foto 4);

2) Entre o pré e o  power (foto  power (foto 5).

A primeira opção é, tradicionalmente, predominante para pedais de efeito. Especialmente para timbres de rock, um pedal de overdrive  ligado em linha entre a guitarra e o amplificador eleva o ganho do sinal de saída do instrumento, com este chegando ao pré-amplificador de modo muito mais forte. Deste  jeito ele chega com um, certo nível de saturação, deixando o som, como se costuma dizer, mais “nervoso”. Também é comum conectar pedais como wah wah, chorus, flanger, phaser, whammy   e outros tipos de modulação antes do préamplificador. A forma tradicional de conectá-los é chamada de  “corrente”, plugando o output (saída) de um no input (entrada) do seguinte dando seqüência a esse procedimento até o fim de sua corrente (foto 6).

O problema é que esses pequenos ‘brinquedos’ possuem um ruído inerente ao seu funcionamento, que vai se amplificando á medida que a corrente aumenta. Isso leva a mais uma regra da equação sonora: posicione os pedais de maior ganho de sinal no inicio da sua corrente. Um pedal de distorção vai amplificar o ruído inerente de sua corrente em maior intensidade que um wah wah, chorus ou  phaser , o que significa que esse mesmo pedal de distorção vai causar um prejuízo muito maior no final da corrente. De qualquer forma, o ruído de uma pedaleira sempre vai existir e ainda será amplificado ao chegar ao pré-amplificador. Assim, verifique sempre cabos e plugs, procurando utilizar sempre o melhor equipamento de conexão possível. De nada adianta um alto investimento em pedais, guitarras e amplificadores se esses acessórios são de baixa qualidade. Nos últimos tempos tenho optado por cabos e plugs que não necessitam de soldas, o que tende a melhorar substancialmente a qualidade do sinal. Lembre-se também que o tamanho dos cabos deve ser sempre do comprimento exato entre os equipamentos. Evite cabos enrolados. Primeiro defina o set de equipamentos e depois monte os cabos sob medida.

Existe uma outra forma de encarar os pedais: como famílias. Reúna os pedais em famílias de “saturações, drivers e

(foto 7), distorções”  “modulações e repetições” (delay, reverb, chorus, flanger, e  phaser   etc) (foto 8)  “expressão” (volume, whammy , wah wah etc) (foto 9). O segundo motivo pelo qual não se deve colocar um pedal da família das saturações no final da corrente é porque ele faz com que o efeito proveniente dos pedais da família das modulações perca sua definição. Experimente ligar um overdrive depois de um delay : a saturação do primeiro acaba embolando a repetição do segundo e o som se torna incompreensível. incompreensível. A ordem da corrente deve ser muito bem observada. Alem dos ganhos, você deve considerar o tipo de efeito e a relação que irá produzir com seus companheiros de mesma família e com aqueles de famílias diferentes. Comece pela ordem mais convencional:

 Afinador – wah wah – “família dos overdrives” – “família das modulações” – (tendo sempre o delay e/ou reverb como o ultimo pedal) (foto 10).

Como organizar a ordem dos pedais entre as “famílias” é outra questão muito importante. Sempre experimente primeiro os drives de menor saturação antes dos pedais de maior ganho. Quando um pedal for do tipo booster  (que  (que serve para aumentar o volume geral), ele deve ser colocado no fim da “família das saturações”, pois assim ele vai aumentar o timbre geral conseguido até aquele momento, interagindo com os pedais individualmente ou quando estes estiverem ligados em conjunto. Nas modulações, o delay  e o reverb  devem ser sempre os últimos da fila, porque tratam de repetir e ambientar o som. Eles devem fazer isso com o timbre já processado, no final da corrente, ou você perderá muito em definição. Entre o final dos pedais de saturação e o delay  e o reverb, coloque o chorus, o phaser  e  e o flanger , entre outros (foto 11).

As perguntas naturais seriam “mas qual depois de qual?”,  “no final da corrente, o ultimo a ser colocado deve ser o delay  ou o reverb?”, “e no começo, primeiro o pedal de volume ou o wah wah?”... Abordarei especificamente o pedal de volume mais adiante, mas a melhor resposta é: pesquise! Já tive pedaleiras com o chorus  por último e para o que estava buscando, funcionava bem. É preciso paciência e muitos testes para definir se é, melhor, o flanger  antes   antes do  phaser  ou   ou vice-versa. Isso vai depender do tipo de pedal, da regulagem que você gosta de usar em cada um, e do tipo de som que está buscando.

Agora anote aí: como o pré-amplificador também é uma fonte de efeitos – afinal é nele que você pode equalizar, saturar e mexer de várias formas em seu som -, é preciso pensar nele também como parte de sua corrente de pedais. Por exemplo: se utilizar a saturação de seu amplificador, ou seja, de seu pré, você tem então que colocar os efeitos da “família de modulações e repetições” depois dele. É por essa razão que combos e cabeças têm uma conexão muito importante, geralmente situada em sua parte posterior, chamada effects loop (foto 12) ou send/return (foto 13).

O effect loop é responsável por dividir a seção de  power  e pré-amplificação que já vêm juntas no combo ou na ‘cabeça’. Quando utilizar a saturação do pré e seu equipamento não for um sistema de amplificação de rack , utiliza a conexão do effect loop  para ligar os pedais de modulação. Assim, sua corrente ficará: guitarra – wah wah  – pré-amplificador, ou seja, saturação – e modulações, mais delay  (foto 14). Também é possível ligar outros pedais que não sejam da  “família das modulações e repetições” no effect loop. De fato, você pode ligar todos eles se assim desejar, mas tanto a relação de ganho como de impedância vão mudar e também o timbre será afetado pelo tipo de send/return ou effect loop que seu equipamento possui. Equilibrar os ganhos é uma regra básica de uma conexão que usa o effect loop ou qualquer outro tipo de situação. Você deve verificar se o volume saído do pré-amplificador via send/return casa com o volume que sua unidade de efeitos está preparada para receber. Novamente, a opção de ligar efeitos

antes ou depois do pré-amplificador depende da sua necessidade, do tipo de equipamento e do resultado que deseja. Pedais antes de pré-amplificadores pré-amplificadores não apenas soam muito bem (porque estão em sua posição natural) como também abaixam a impedância do sinal que sai da guitarra. Altas impedâncias tendem a produzir mais capacitance  (acúmulo de elétrons dentro dos cabos de guitarra), que sugam agudos de seu timbre. Esse fenômeno é chamado loading  (cargo, carregamento). Usualmente, a impedância que sai da guitarra é alta, a não ser em casos de captadores ativos (como os modelos EMG). Captadores ativos têm um pequeno pré-amplificador dentro da guitarra, o que toma a impedância próxima de seu pré. Então, posso citar mais uma regra de “bom senso timbrístico”: equilibre e verifique sempre o ganho, volume e a impedância. È fundamental que esses parâmetros estejam sempre bem equilibrados entre si.  Volume

Existem três tipos básicos de volume, medidos em decibéis (db): de -40 a -20db (que é o volume de uma guitarra), 0db (o chamado “volume de linha” para tecladistas) e + 4db, que é o  para o resto r esto do mundo. line level  para A maioria dos racks de efeitos e pedaleiras podem ser calibradas por intermédio de um botão na parte traseira do aparelho. Se o seu multi-efeitos não tiver esse botão, procure o valor nominal no manual de instruções. Observe que sem esses valores equilibrados você não obtém um resultado sonoro desejável. Lembre-se, porém, que todos esses números são apenas alvos de orientação. Um músico tocando uma Stratocaster nunca estará utilizando o mesmo volume ( line level ) de um outro que esteja com uma Les Paul mesmo que os dois tenham antecipadamente regulado, seus line levels em 10dbs. Aí está a razão porque o equilíbrio de ganhos, requerer uma precisão detalhista. A maioria dos racks  de efeitos e pedaleiras digitais possuem um botão que controla o input level   (volume de entrada), geralmente localizado na parte anterior do aparelho, que funciona em combinação com um conjunto de leds  (luzes indicativas). É preciso trabalhar em conjunto com o input level  do seu efeito (seja ele pedal ou rack ) e o output level   de seu pré-amlpificador. A tarefa é aproximar o máximo possível esses volumes, ou seja, com a corrente de efeitos desligada, o volume

tem que ser o mesmo do momento em que ela estiver ligada. Faça o seguinte teste: ligue e desligue todos os efeitos (desplugue até mesmo os cabos) e verifique se não há perda de sinal e de timbre, e se os volumes estão realmente equilibrados. É comum ver músicos iniciantes aumentarem em demasia a saída dos efeitos para compensar a perda de sinal quando os mesmos estão ligados. Isso acaba gerando resultados indesejáveis, como perda de sinal, saturação e falta de equilíbrio. Os efeitos de racks  e pedaleiras digitais também possuem um controle de output level . Use-o para verificar se um aparelho está mandando sinal suficiente para o outro e assim por diante. Os pedais são como costumamos dizer, mais “toscos”, têm menos recursos, mas em música existe uma máxima oportuna:  “menos é sempre mais”. Acredito que esse é um dos pontos positivos dos pedais, o que cativa minha atenção. Afinal, menos controles não significam timbres piores. Lembre-se: o que vale é o timbre, a qualidade do som. Use sempre seu ouvido como prova de comparação. Mesmo assim, você tem que acertar os volumes também com esses ‘pequenos amigos’. Verifique quais os controles que fazem o papel de regular a função do volume, veja se esse volume é apenas do efeito ou se mexe com o volume geral de saída do pedal. Teste se o pedal, mesmo desligado, rouba algo do seu som, algo que acontece com freqüência. Você tem que compensar isso em algum ponto. Mesmo pedais que às vezes roubam um pouco de som ainda são bons, pois o efeito que ele gera é aquele que você gosta, quer e/ou necessita. De tempos em tempos, é aconselhável verificar cada peça de sua equação e como aquilo está afetando seu timbre final. Ouça somente a guitarra ligada direto no amplificador. Depois, vá colocando cada elemento, um de cada vez, e novamente compare com a guitarra ligada direto no amplificador. Repita a operação até que consiga perceber se há ou não mudança de som. Pedal de volume

Esse pedal pertence à “família de pedais de expressão” Ele pode ser colocado antes ou depois do pré-amplificador e/ou pedais de saturação. Dependendo do tipo de efeito e sonoridade que o músico necessita. Se colocado antes da saturação ou pré, significa que você pode controlar o nível de entrada no pedal ou

pré, ocasionando uma sensível diferença no timbre (foto 15). Se a opção for manter sempre o mesmo timbre e apenas mexer com a dinâmica – torna-lo mais alto ou mais baixo, sem alterar o timbre -, a posição ideal é colocá-lo depois do pré ou dos pedais de saturação (foto 16). Coloque os pedais de modulação e repetição (como o delay ) depois do pedal de volume e você terá um efeito bem interessante. Quando cortar totalmente o som original, ainda haverá a sobra do delay   soando e dando  ‘corpo’ ao seu som.

Controles e comandos

Dependendo do equipamento que está sendo usado, um tipo diferente de controle será requerido para mandar os comandos das mudanças de timbres. Se estiver usando uma guitarra ligada a um combo ou ‘cabeça’, um pedal que geralmente acompanha o equipamento, chamado footswitch (“mudança com o pé”) (foto 17) será suficiente para comandar

todas as mudanças necessárias. Esses pedais geralmente saem de fábrica junto com combos, ‘cabeças’ e sistemas de rack  (pré   (pré e  power   separados) e comandam todas as suas funções. Tomando-se peças muito importantes para o trabalho de um guitarrista.

Em sua maioria, esses pedais são analógicos, ou seja, mudam as funções e os timbres de seu equipamento de forma mecânica, assim como você liga e desliga as luzes do quarto por meio do interruptor. Se você acrescentar a isso um ou mais pedais de efeito, significa que mais de um comando com o pé terá que ser acionado para se atingir o timbre desejado. Isso é algo perigoso, pois muitas vezes não há tempo suficiente para vários comandos. comandos. A solução é adquirir um equipamento que vai se tornar o cérebro de seu set, controlando as mudanças do préamplificador, dos pedais e dos multi-efeitos, tudo simultaneamente. Dessa forma, você pode enviar um único comando para o ‘cérebro’ e ele acionará todos os equipamentos. Esse ‘cérebro’ nada mais é que um sistema de vários effect loop – assim como aquele em seu pré-amplificador-, mas que por intermédio de um único comando faz com que tudo que estiver conectado aos effect loop  desse ‘cérebro’ seja acionado ou desligado de uma vez. Você pode criar isso em sua pedaleira com o auxilio de pedais que apresentam a função de criar esses loops  e fazer com que ela tenha correntes diferentes por onde passa o som. Essas correntes trabalham de forma independente e/ou em conjunto, de acordo com a ligação que você faz.

Sistemas de controle de correntes de equipamentos são famosos e fazem parte dessa equação. Em série e paralelo

Toda vez que um sinal analógico como o da sua guitarra é transformado em digital, para depois ser convertido novamente em analógico pelo processo inverso, existe uma sensível perda de freqüência pelo caminho. Quanto mais vezes esses processos ocorrerem, maior essa perda. Isso também ocorre por conta do número excessivo de elementos colocados em sua corrente e também na passagem por muitos circuitos, cabos,  plugs,  jacks etc. Uma possível solução é conectá-los em paralelo, em vez de ligá-los em série. Ligar sua corrente “em série” significa, na prática, ter o sinal da guitarra passando pelos pedais em direção ao pré, depois ao  power -amplificador -amplificador e, finalmente, aos alto falantes. Para a conexão “em paralelo” é necessário acrescenta um mixer   ou algo que divida seu sinal ( spliter ). ). Isso significa que você estará misturando o som puro de sua guitarra, enviado por um canal do mixer , com o som dos efeitos que estará sendo enviado por um outro canal, em um ponto que pode ser chamado de ‘fim de linha’, ou seja, momentos antes desse sinal ser mandado para o  power -amplificador. -amplificador. Esse sistema também conta com suas vantagens e desvantagens, devendo ser utilizado por aqueles que possuem muitos efeitos entre a guitarra e o pré-amplificador. pré-amplificador. Palhetas

Pequena chapa feita geralmente de plástico no formato (quase sempre) triangular com as bordas arredondadas. Usa-se na mão direita (para os destros) para tocar as cordas. O nome em português “palheta” e, em inglês “pick”, ou ainda “plec” tem origem na palavra “plectrum”, que é um pequeno pedaço de madeira, metal ou marfim utilizado para tocar as cordas de uma lira ou bandolim. Sobre as palhetas, há cinco detalhes interessantes a serem observados: cores, formatos, impressões, marcas, espessura. Quanto à espessura, cada um adota medidas particulares para definir a espessura de suas palhetas. Porém, de uma forma genérica, as palhetas são classificadas de acordo com esta característica da seguinte forma:

Thin  - de formato fino, geralmente,

bastante flexível; Medium - são as mais utilizadas e posicionam-se num padrão intermediário de espessura e consequentemente de flexibilidade; Heavy   - que é uma palheta bem mais grossa e dura com pouca flexibilidade; Extra Heavy   - mais grossa ainda e realmente quase não flexível. Dica: nem sempre a espessura aparece especificada numa

palheta, porém, quando aparece, é comum constar medidas (1.0, 1.5, 2.0, etc.) ou as letras indicativas de suas espessuras, como: “T” para as finas, “M” para as médias, “H” para as mais grossas e “XH” para as extra heavy. É muito importante segurar a palheta corretamente, pois assim, você terá agilidade e fluidez dos movimentos. Para isso, segure-a entre o polegar e o indicador da mão direita e toque a corda com a parte profunda. O braço deve permanecer imóvel e move-se somente a mão (ou em alguns casos, apenas os dedos). Evite que a palheta atinja o escudo ou a madeira da guitarra. Que calibre de cordas devo usar?

Essa é uma pergunta crucial, que vai determinar muita coisa ao longo de nossa busca por um melhor som de guitarra. E muitos, de nós, sequer pensam a esse respeito! Um grande número, de excelentes, guitarristas perceberam algo muito interessante ao longo do tempo: guitarras e amplificadores parecem responder melhor às cordas mais pesadas. Vamos considerar a guitarra e os captadores, e conferir se essa afirmação é correta... Cordas mais pesadas mantêm melhor a afinação. Sua maior massa sonora “movimenta” mais o corpo da guitarra, aumentando o sustain. Segundo os especialistas, captadores realmente gostam de cordas mais pesadas porque estas dão aos seus elementos magnéticos muito mais com o que trabalhar. A diferença entre cordas .009 e .010 pode parecer pequena para um guitarrista, mas é grande para um captador que é um equipamento acurado como um microfone – uma corda mais pesada é como uma voz com mais volume e corpo. Uma corda mais pesada também pode receber uma palhetada

mais agressiva e produzir um nível de volume mais alto antes do limite em que a corda se chocaria com o traste, produzindo assim um ruído e matando a nota original. Cordas mais leves têm esse limite de dinâmica ‘forte’ reduzido, e como é possível tocar os dois tipos de corda igualmente suaves, a extensão de dinâmica da corda pesada se torna maior. Um dado que observei ao longo dos anos é que músicos que gostam de cordas mais leves tendem a usar captadores com alto ganho de saída e ajustam esses captadores bem perto das cordas, da mesma forma que um cantor de voz baixa iria compensar aproximando mais um microfone de sua boca. O problema para guitarristas é que, quando trabalhamos com altos níveis de volume, essa regulagem cria uma situação delicada, onde cada toque indesejado ou ruído é amplificado. Com cordas mais pesadas, essa situação muda, pois os captadores não precisam estar tão próximos das cordas e você ganha milímetros que podem ser cruciais na hora de uma gravação. Alguns guitarristas acreditam que para se ter uma ação de cordas baixa, é necessário calibres de cordas mais leves. Na realidade, podemos conseguir ações baixas com cordas pesadas, pois essas vibram sobre uma área menor que as cordas mais leves, podendo, assim, eliminar o indesejado “trastejar” do seu som de guitarra. É por isso que muitos músicos preferem jogos de cordas híbridos, ou seja, por exemplo .009 nas primas (as três cordas inferiores) e .010 nos bordões (as três cordas superiores). superiores). Qual a relação entre calibre de cordas e  meu amplificador?

Se você considerar que uma das melhores coisas sobre a maioria dos amplificadores valvulados – e um crescente número de amplificadores transistorizados e simuladores – é o fato dos mesmos, possuírem uma ótima resposta às dinâmicas vindas da guitarra, um bom amplificador pode nos dar mais ou menos overdrive, ou até mesmo variar esse overdrive para som limpo apenas respondendo ao ataque da palheta. Se observarmos que a relação de dinâmica, leve-pesado ao palhetar possui uma extensão muito maior quando usamos cordas mais pesadas, você vai conseguir um maior controle do seu timbre e maior habilidade em enfatizar detalhes e sutilezas que talvez o amplificador não possa captar com o uso de cordas muito leves. Muito dos amplificadores construídos construídos atualmente possuem muito ganho na seção de pré-amplificação; sendo assim, o mais leve

toque vai gerar uma quantidade maciça de overdrive, independente do calibre de cordas que estivermos usando. Se você possui esse tipo de amplificador é possível conseguir mais controle sobre a dinâmica que está sendo tocada movendo-se o captador para longe das cordas, assim como um cantor com muito volume na voz irá afastar o microfone de sua boca. Lembrem-se que não existe distâncias científicas para este tipo de regulagem, e que devemos considerar fatores como pegada, tipo de amplificador, timbre desejado e calibre de cordas, além de outros fatores pessoais que só você pode designar. Por exemplo: se você é o tipo de guitarrista que deixa todos os controles no “10”, automaticamente estreitam-se os limites de controle do seu timbre.A maioria dos amplificadores modernos não precisam funcionar dessa maneira para se conseguir um bom sustain e overdrive. Na maioria dos casos, existe um lugar entre ½ e ¾ da potência onde podemos conseguir esses elementos com boa dinâmica, sem nos preocuparmos com ruídos em demasia e um feedback incontrolável. incontrolável.  Metrônomo

É um acessório de grande importância para quem está iniciando o estudo de guitarra ou até mesmo para quem já tem alguma experiência. Ele ajuda a manter o tempo da música. Isso é muito importante, pois ninguém é perfeito e pode acontecer de você atrasar ou adiantar o andamento de uma música ou um trecho musical. Para estudar, o uso da bateria eletrônica é ainda mais aconselhável, pois pode-se programar o ritmo (patern) desejado: funk, rock, blues, bossa nova, swing, salsa, reggae, etc. Assim, você pode praticar encaixando seu som na “levada da bateria” e, caso você não disponha de uma bateria eletrônica, hoje temos softwares que fazem isto também. Outra saída é pedir para um amigo que possua um teclado com o recurso de ritmo eletrônico para que grave os ritmos para você.

Dicas 1 – Cuidado com constantes variações climáticas, pois isto pode

provocar problemas na regulagem de sua guitarra, como por exemplo, empenar o braço do instrumento. 2 – Procure não limpar seu instrumento com produtos que não

sejam próprios para este fim, pois isso pode acarretar desde manchas leves até manchas maiores (manchas que não poderão ser retiradas com facilidade, apenas com uma nova pintura) em seu instrumento. Informe-se com seu luthier de confiança quais seriam os melhores produtos para efetuar a limpeza de seu instrumento. 3  – Tente não deixar seu instrumento em repouso por muito

tempo sem algum encosto para o braço, pois isso também poderá acarretar uma leve torção no braço. Sempre que seu instrumento não estiver em uso guarde-o no case ou em sua bag, preferencialmente, depois de guardado na bag, encoste-o de frente para a parede. 4 – Esta é uma dica referente á afinação, aprenda corretamente

a enrolar as cordas nos postes das tarraxas, pois isso diminuirá a desafinação, é claro que sua guitarra deverá estar devidamente regulada (se não estiver você deverá, manda-la a um luthier de confiança, para que este avalie os problemas de sua guitarra e assim a regule da forma correta), pois só assim esta dica lhe virá a ser útil. O primeiro passo para a troca de cordas é o de retirarmos a corda velha (aconselho que se retire uma corda por vez e assim a substitua pela corda nova, isso ajuda a diminuir as chances de pequenas torções no braço ou desequilíbrio da ponte do instrumento, comece pela corda D, em seguida troque a de G, depois a de A, B, E, e por último a E mais fina), logo em seguida coloque a corda nova e a enrole ao redor do poste. 5  –

Se possível leve seu instrumento periodicamente (geralmente em intervalos de três em três meses) a um luthier de confiança, para que este possa efetuar reparos que julguemse necessários e assim estar mantendo sua guitarra sempre em ordem e regulada, como por exemplo, deixando o tensor sempre

bem ajustado, assim como a altura das cordas, os trastes bem nivelados, etc. 6  – Agora esta dica não vai para que cuidemos de nosso

instrumento, mas para que cuidemos de nós mesmos. Tente sempre melhorar e superar seus limites, mas lembre-se de não forçar demais, para não acarretar problemas em suas mãos. Pratique sempre devagar, se possível com a ajuda de um metrônomo e vá aumentando a velocidade gradativamente. 7  – Outra dica é a de não “estralar” os dedos, pois isso pode

acarretar uma pequena perda dos movimentos e consequentemente também da velocidade. Isto pode ser quase que imperceptível agora, mas com o passar dos anos você poderá vir a sentir esta pequena perda. 8  – Lembre-se também que para evoluir no seu instrumento,

além de treinar diariamente (gaste o maior tempo que conseguir) conseguir) você deverá não somente tocar por tocar, ou mesmo, tocar somente coisas que você já decorou, mas deverá executar exercícios para sanar suas dificuldades no instrumento. 9 – Escolher um guitarrista como alvo também ajuda, e muito,

pois assim você irá aprender novas técnicas e também terá bagagem o suficiente para escolher e definir o seu estilo seja ele rock, blues, jazz ou qualquer outro. 10 – Esta é a última dica, mas uma das mais importantes: tente

sempre treinar seu ouvido e seu senso melódico, além de aumentar seu conhecimento sobre o instrumento, não somente o conhecimento técnico, mas também o conhecimento teórico, ler revistas e assistir a vídeo aulas ajuda bastante, lembre-se também de não somente copiar frases, mas aprenda com estas, para que assim você consiga criar frases próprias. O aconselho a além de escolher um guitarrista como alvo, escolher também um estilo, pois são poucos os que conseguem tocar todos os estilos com maestria, e mesmo que consigam, correm o risco de não possuírem o que eu chamo de personalidade musical, muitas vezes não sendo reconhecidos em nenhum deles.

Capítulo 2 Iniciação à Guitarra Base Como se posicionar com a guitarra? Postura é algo de grande importância para o guitarrista ter um bom desempenho

O que parece óbvio nem sempre é. Então, preste atenção. Você tem. Basicamente, duas posições para tocar: em pé e sentado. Vejamos como se portar em cada uma: quando você estiver tocando sentado procure sempre um lugar onde você possa estar bem posicionado com as pernas em 90 graus e com a coluna reta.

Sentado:

Em pé:  ajuste a alça ou correia da

guitarra numa posição que você possa tocar bem à vontade.

As Mãos: Mão Direita: Direita: mão usada para fazer a batida (ritmo), dedilhado e toques

na corda da guitarra. Posicione-a onde ficam os captadores (indicado entre o 1º e 2º captador), com o alto e o seu braço direito apoiado no corpo da guitarra. Nesta mão, você pode usar os dedos; polegar (p), indicador (i), anular (a), médio (m), ou a palheta, que é mais usada pela facilidade de fazer solos e toques. Mas você pode utilizar os dois: palheta e dedos. Agora, faça o seguinte exercício com a mão direita: toque a palheta 4 vezes em cada corda, começando de cima (6ª corda=mi) e usando a técnica básica da palhetada alternada (fazendo movimentos para baixo e para cima), descendo e subindo. Mão Esquerda: é a mão que monta os acordes, escalas, solos, arpejos... Os dedo polegar da mão esquerda é o dedo de apoio, ficando atrás do

braço da guitarra sem deixá-lo aparecer, em cima ou em baixo, e a mão fica em forma de concha, não deixando a palma da mão encostar no braço da guitarra. Os dedos: indicador (dedo 1), médio (dedo 2), anelar (dedo 3) e mínimo

(dedo 4) devem ficar sempre curvos, pois é com eles que você vai montar os acordes, escalas, etc. Os números indicados em cada dedo são os que você vai encontrar no carimbos, tablatura, indicando aonde colocar os dedos. É muito importante você posicionar a mão de uma forma correta no braço da guitarra, como citado na explicação da mão esquerda (veja a figura ao lado como exemplo). Isso influencia muita em seu bom desempenho no instrumento. Não toque de qualquer maneira, procure a melhor posição.

Introdução ao estudo do braço da guitarra Tom e semitom antes de mais nada

Antes de começar o estudo do braço da guitarra, precisamos conhecer e aprender alguns movimentos, entre uma nota e a outra, que acontecem quando movemos os dedos no braço entre as casas. Estes movimentos de denominam: 1 tom ou 1 tom inteiro e ½ tom (0,5 tom) ou semitom. Qualquer um dos nomes pode se usado, mas o importante é você saber que quando está em qualquer nota e pula 1 casa, indo para outra, você andou (movimentou) 1 tom ou 1 tom inteiro. E quando você anda de 1 casa para outra, uma ao lado da outra, o movimento é: ½ tom (0,5 tom) ou semitom. Para exemplificar melhor, quando você pula 3 casas da nota que você está (exemplo: da casa 1 para casa 5 na 1ª corda), você anda 2 tons. Outro exemplo: da casa 1 para casa 4, você andou 1 tom e 1/2. Então, é só somar as casas que você pulou para saber quantos tons andou. Abaixo, demonstraremos as 7 notas musicais, com a distância entre elas:

Estudo do braço da guitarra  As casas, as notas, sustenido, sustenido, bemol e muito mais mais

Este estudo ajudará você a conhecer as notas individuais em cada lugar do braço da guitarra. É muito fácil, mas é importante você entender os princípios da matéria anterior (introdução): quando temos 1 tom e meio-tom e quais são as distâncias entre as notas musicais.

Com o quadro acima como exemplo, vamos começar a encontrar as notas no braço da guitarra. Com a guitarra em mãos, vamos achar as notas da 6ª corda (Mi). Bom, começando do zero com a corda solta, vamos imaginar que tem uma casa antes da primeira casa do braço da guitarra, como já sabemos, o nome desta corda é Mi. Na seqüência, temos a nota Fá, e da nota Mi para o Fá, são quantos tons? Resposta: ½ tom (meiotom). Então, andamos meio-tom a partir da nossa casa imaginária, e teremos a nota Fá, que será localizada na 1ª casa da 6ª corda. Seguindo, a próxima nota será o Sol. Pegando a nota anterior, do Fá para o Sol, a distância é de 1 tom, pois pulamos 1 casa a partir da 1ª casa, e fomos para a 3ª casa, a nota Sol, e assim por diante até o final do braço. Vamos para mais um exemplo na 5ª corda, cujo nome é Lá. Seguindo como na corda anterior, vamos ter a nota Si após a nota Lá, e a distância entre a nota Lá e Si é de 1 tom, andando 1 tom a partir da casa 0 (casa imaginária), vamos para casa 2 na 5ª corda e teremos a nota Si. Da nota Si para o Dó, é meiotom. Então, teremos a nota Dó na 3ª casa na 5ª corda. Para continuar, é só usar o mesmo processo. Mas, para você não ficar com dúvidas, segue abaixo o quadro representa r epresentando ndo o braço da guitarra, com todas as notas, em suas respectivas casas e indo da 1ª até a 12ª casa e lembrando que, após a 12ª casa do braço em relação às notas, começa tudo de novo, as notas se repetem como se as cordas soltas começassem a ser tocadas daí em diante.

Notas Naturais:

Sustenido (#) e Bemol (b)

Os nomes sustenido e bemol são representados por figuras: o sustenido, pela figura igual ao jogo da velha; e o bemol, pela letra b minúscula. Eles são figuras de alterações (acidentes musicais) das notas naturais (Dó, Ré, Mi, Fá, Sol, Lá, Si). O sustenido (#), acrescenta a uma nota natural, faz elevar (subir) a nota meio tom. Exemplo: a nota Fá na 1ª casa na 6ª corda, ao subir ou andar meio-tom, vamos ter o Fá# (sustenido); na 2ª casa na 6ª corda, usando o mesmo processo com as outras notas, assim preenchendo as lacunas, entre as notas naturais do braço. Sustenidos (#):

Agora, a figura bemol (b) faz baixar (descer ou voltar) meiotom. Exemplo: com a nota Sol na 3ª casa na 6ª corda, voltando para a 2ª casa na mesa corda, vamos ter Solb (bemol). Aí, pode surgir uma dúvida: então, nota Fá# e Solb são as mesmas notas? Sim, é o mesmo som, mas com nomes diferentes: subindo é sustenido, descendo é bemol. Na prática, isto não muda nada, mas, para entender a teoria, é bom saber o que está fazendo. Afinal, nada mais prático do que uma boa teoria...

Bemol (b):

Resumindo  As Notas Musica Musicais is são sete: Dó, Ré, Mi, Fá, Sol, Lá, Si. Cifra:: Linguagem Musical Universal, onde letras indicam o Cifra

nome das notas e dos acordes.

Tom::  Unidade de Medida Musical. Mede a distância entre as Tom

notas.

½ tom (semitom): (semitom): distância de uma casa para a outra, como

por exemplo, da casa 1 para casa 2.

1 tom (tom inteiro): inteiro): distância entre duas notas que estão

separadas por uma casa, como por exemplo, da casa 1 à casa 3.

 Acidentes Musicai Musicais s:  são sinais colocados depois das cifras,

alterando a posição das mesmas em termos de altura. Veremos então dois deles muito utilizados: Sustenido (#):  aumenta a posição da nota (entonação) em um semitom. Ex: C#, D#, F#, G#, A#. Bemol (b): diminui a posição da nota (entonação) em um semitom. Ex: Db, Eb, Gb, Ab, Bb. •

•

 As notas musica musicais is de ½ em ½ tom tom::

Obs.: Reparem que a distância do E (mi) para o F (fá) e do B

(si) para o C (dó) é de ½ tom, não sendo usual assim na prática E#, B#, Fb e Cb. Enarmonia:: sons iguais com nomes diferentes. Enarmonia

Ex: C# = Db, D# = Eb, Bb = A#, Gb = F# etc.

Cordas soltas: soltas: se afinarmos as cordas na afinação padrão (Mi),

as cordas irão se “chamar” (ordem debaixo para cima):

notas progridem em semitons, C, C#, D, D#, E, F, F#, G, G#, A, A#, B, C. Sequência

das

Notas

(Escala

Cromática) :  as Cromática):

 Afinando o Instrumento Instrume nto Afinação O princípio de tudo. Afinal, de que adianta um trabalho bem feito num instrumento mal afinado?

Para realizar a afinação, é necessário algum tempo de estudo para educar o seu ouvido. Existem vários processos para afinar a guitarra ou violão. Vamos ver alguns exemplos: •

•

•

•

Através de um diapasão (instrumento que dá o som da nota a ser afinada. Geralmente, existe um diapasão para violão e guitarra, que tem todas as notas do instrumento). Afinar por outro instrumento, tocando as notas com o som respectivo da corda a ser afinada, como outra guitarra, violão, teclado, etc. Hoje, a tecnologia nos dá muitas opções, como os afinadores eletrônicos ou softwares com afinadores virtuais encontrados na internet ou lojas especializadas. Esses afinadores são muito bons para algumas situações, como shows e ensaios, em que você tem que chegar e arrumar tudo com muita agilidade. No entanto, o uso freqüente destes afinadores pode ser prejudicial, pois tende a acomodar nossos ouvidos, deixando-os mais preguiçosos. Aqui, vamos demonstrar um dos métodos mais tradicionais e aconselháveis para iniciantes. Primeiro, afine a 5ª corda Lá por um ponto de referência. Hoje, temos a nota Lá até no tom do telefone. Depois, continue na 5ª corda Lá e pegue o dedo até a casa 5. Aperte o dedo na casa, toque a 5ª corda e em seguida, toque a 4ª corda Ré (corda que está sendo afinada) e mova a tarracha referente à corda na direção em que você sentir necessidade, subir ou abaixar o tom, até igualar o som, com a 5ª corda apertada na casa 5 (corda afinada). Depois, faça o mesmo com as outras cordas. Importante: ao chegar na 3ª corda Sol, mude para casa 4 e faça o mesmo processo. E, para afinar a ultima 6ª corda (Mizona), coloque o dedo na casa 7, toque e afine a última, como na figura representada abaixo.

1º Passo

Pegue um diapasão ou ponto de referência e, com este tom, vamos afinar a quinta corda de baixo para cima para afinar as outras.

2º Passo

Pressione, agora, com o dedo indicador a quinta corda na quinta casa. O som obtido é o RÉ, que corresponde a quarta corda.

3º Passo

Pressione, agora, com o dedo indicador a quarta corda na quinta casa. O som obtido é o SOL, que corresponde à terceira corda.

4º Passo

Pressione, agora, com o dedo indicador a terceira corda na quarta casa. O som obtido é o SI, que corresponde à segunda corda.

5º Passo

Pressione, agora, com o dedo indicador a segunda corda na quinta casa. O som obtido é o MI, que corresponde à primeira corda.

6º Passo

Desloque o dedo indicador até a quinta corda na sétima casa. O som obtido é o MI, que corresponde à sexta corda. Bom, chega de conversa pessoal, vamos arregaçar as mangas e começar a estudar os formatos dos acordes no braço do nosso instrumento, por isso mãos a obra.

Exercícios Para o Fortalecimento dos Dedos

consiste em alternar os movimentos da palheta, para baixo e para cima ao palhetar. Palhetada

Alternada

(Alterned

Picking) :

 Acordes  Acordes::  são nada mais nada menos do que um conjunto de  Acordes

notas musicais tocadas juntas, harmonizando-se umas com as outras. Qual a diferença entre nota e acorde? Nota é apenas um som tocado, uma nota sozinha, enquanto o acorde é um agrupamento de notas. Tônica ou Fundamental : é ela que da o nome ao acorde ou á

escala.

Baixo:: nota mais grave. Baixo

Como Ler Acordes

Até o guitarrista conseguir memorizar a formação dos acordes básicos, ele terá o auxilio de “bracinhos” como o que está abaixo, simbolizando o braço da guitarra com símbolos e números que o ajudarão a entender e tocar de forma correta o acorde.

Bom, chega de conversa pessoal, vamos arregaçar as mangas e começar a estudar os formatos dos acordes no braço do nosso instrumento, por isso mãos a obra. Na próxima página, seguem os acordes maiores, maiores com sétima menor (acordes dominantes) e os acordes menores.

Pestana

É denominada pestana o artifício de prender duas ou mais notas com o mesmo dedo. Sua vantagem é que os acordes passam a ser móveis, a mesma posição pode ser tocada em diferentes casas pelo braço do instrumento, fornecendo-lhe 12 acordes diferentes nas 12 primeiras casas. Existem quatro posições básicas de pestana, derivadas dos acordes de E, A, C e G, sendo que as de E e A, são as mais fáceis de adaptar para acordes menores, e com sétima. O primeiro passo para tocarmos um acorde com pestana é trocar a posição dos dedos, rearranjado-os de acordo com a figura 1.

Acordes com Pestana

Logo abaixo encontraremos os acordes com pestana derivados dos desenhos de E e de A.

Os acordes de pestana por serem acordes “móveis” serão os desenhos utilizados para tocarmos os acordes sustenidos e bemóis. Basta colocarmos a tônica do desenho (que neste caso é a nota mais grave, marcada pelo círculo) sobre a nota que desejamos, Caso queiramos tocar um F#, basta pegarmos o desenho de E ou mesmo o de A, e colocarmos a tônica do desenho sobre a nota F#. Por exemplo:

Intervalos Descubra o que são e para que servem

Intervalos são a forma de reconhecermos e classificarmos as notas de uma seqüência de notas musicais, ou melodia, ou escalas (vamos aprender em breve as escalas) ou até dentro dos acordes. Isso é muito importante para criar solos, composições, grooves... Como classificar os intervalos nas notas ou escalas

Dentro da escala Dó Ré Mi Fá Sol Lá Si, a nota Dó é a primeira da escala, a nota tônica, a tonalidade, o centro tonal da escala ou música. Mas o que é tonalidade, tom, tônica? A nota Tônica, a nossa primeira nota, funciona como o ponto de referência para classificar as outras notas. No exemplo com a nota Dó, contando na escala, a nota Mi será a 3ª nota (terça). Da mesma forma, a nota Sol será a 5ª nota (quinta) dentro da escala com tônica em Dó. Isto pode acontecer com qualquer nota como tônica. Por exemplo: vamos colocar a nota Lá como tônica da nossa escala, ficando assim: Lá, Si, Dó, Ré, Mi, Fá, Sol. Agora, o mesmo Mi, que era a terça quando o Dó era a

tônica, será a 5ª nota (quinta), pois contamos Lá (1), Si (2), Dó (3), Ré (4), Mi (5). Mas você pode estar se perguntando: Para que vou aprender isto? A resposta é: aprendendo intervalos, você aprende a formar os acordes e entende como eles são formados. Você não tocará no escuro, pois vai saber o que está fazendo. Por exemplo: monte o acorde A = Lá maior, agora, seguindo o exemplo. Tire o dedo 2 e você terá o acorde A7 = Lá com sétima. Como? É só pensar qual o nome da corda que ficou solta, quando você tirou o dedo. Foi a 3ª corda com o nome Sol. É só fazer as contas: Lá (1), Si (2), Dó (3), Ré (4), Mi (5), Fá (6), Sol (7). Acorde A = Lá maior figura abaixo. Tirando o dedo 2, temos acorde A7 = Lá com sétima – figura 2.

Por isto, o acorde é chamado de A7 (Lá maior com sétima), pois a nota acrescentada foi a 7ª (Sol). Outro exemplo é o acorde que todo mundo chama de acorde rock, bicorde ou power chord. Parece um acorde “super-herói” ou um acorde energético, pois ele dá um som forte, muito usado no rock, heavy e hard, quase sempre acompanhado de efeito de overdrive ou distortion. Sua formação é feita somente por 2 notas, por isso bicorde. Mas a melhor forma de anotação e leitura não é acorde rock, bicorde ou power chord. É sua distância intervalar. Exemplo: vamos montar um acorde rock com o tom G = Sol. O dedo 1 na 6ª corda na casa 3 e o dedo 3 na 5ª corda na casa

5. Com este acorde, vamos ter o dedo 1 na nota Sol (tônica), e o dedo 3 na nota Ré (quinta). O resultado disso vai ser G5 (Sol com Quinta). Então, todo acorde rock vai ser anotado com sua tônica e seu intervalo de 5ª nota (quinta). Power Chords

Os Power Chords também são acordes “móveis”, por isso para tocarmos um C#5, por exemplo, basta tocarmos o mesmo formato do C5 só que uma casa à frente.

Sistema 5

(CAGED)

O sistema cinco possibilita tocarmos acordes, arpejos e escalas em cinco regiões diferentes, sendo que cada shape (formato) é baseado em um acorde: C, A, G, E ou D. Fazendo assim com que aproveitemos todo o braço do instrumento. Obs.: “escalas” e “arpejos” serão estudados nos capítulos 3 e 6,

respectivamente.

Nas páginas seguintes encontraremos os shapes dos acordes maiores (M), menores (m), power chords, maiores com sétima maior (M7+), maiores com sétima menor (M7), menores com sétima menor (m7) e menores com sétima menor e quinta diminuta (m7/b5 ou - pois são conhecidos também como acordes meio dimintos). Todos representados através do Sistema 5 (CAGED). Como nos acordes de pestana, para aplicarmos estes acordes temos que encaixar a tônica (T) sobre a nota desejada. Os números encontrados no canto esquerdo são referentes às casas da guitarra, o número 3, por exemplo, indica que a tônica do acorde se encontra na terceira casa.

Obs.: (T) igual a opcional.

Capítulo 3 Iniciação à Guitarra Solo Vamos agora começar a falar um pouco a respeito de um assunto muito amplo e amado pelos guitarristas: o solo. Quem nunca fez poses em frente ao espelho ou já não se imaginou tocando para milhares de pessoas um solo animal? Mas antes de mais nada o que é solo? Solo é um conjunto de melodias e idéias usadas em muitas músicas, onde a guitarra se destaca de toda banda ou grupo. Os dicionários oferecem a seguinte definição: trecho musical executado por uma só voz ou um só instrumento, com acompanhamento ou sem ele, num conjunto.

Escalas Escala é uma palavra original do grego, com o significado de escada, pois ela é formada por uma seqüência de notas, por uma sucessão de tons e semitons, em que cada nota tem o seu grau (número), como aprendemos na parte dos intervalos. E a analogia entre a escala e a escada é que, dentro da escala, você pode subir e descer em relação ao som, pular de um degrau para o outro. Bom, agora que já conhecemos o significado das palavras solo e escala, vamos aprender algumas das escalas mais utilizadas entre os guitarristas para efetuarem seus solos. Como nos últimos acordes estudados, também utilizaremos o sistema 5 (CAGED) para tocarmos estas escalas. Pentatônica Maior

A escala pentatônica tem sua origem, em tese, na música oriental, por volta do ano 2000 a.C. é considerada protótipo dentre as escalas, predominando também na música africana, celta e também em músicas populares e folclóricas, devido a sua praticidade de aplicação e pela sua entonação melódica marcante, aparecendo muito também em estilos como o Blues e o Rock. Pentatônica é a denominação denominação atribuída a esta escala por possuir 5 graus, prefixo penta = cinco.

Escala Maior

A escala maior nada mais é do que a escala pentatônica acrescida de mais duas notas. Se tocássemos esta escala na tonalidade de Dó Maior, teríamos as notas de Dó/Ré/Mi/Fá  /Sol/Lá/Si. Sendo que as duas notas notas novas seriam as notas Fá e Si.

Para aplicarmos estas escalas no braço do instrumento devemos fazer como com os acordes de pestana, basta colocarmos as tônicas (notas vermelhas) em cima da nota desejada. Por exemplo: se quisermos tocar essas escalas na tonalidade de Sol maior, devemos colocar as notas vermelhas sempre sobre a nota Sol.

Escalas Relativas Agora que aprendemos os cinco desenhos das pentatônicas e das escalas maiores, e também como aplica-las, vamos falar a respeito da relatividade entre escalas. Vocês devem estar se perguntando o que é isso certo? Relatividade em escalas nada mais é do que quando determinadas escalas possuem as mesmas notas. E pra que será que essa tal de relatividade serve? Bom, já sabemos como tocar usando as escalas nas tonalidades maiores, mas e nas menores? E se alguém pedir para tocarmos na tonalidade de Lá menor? O que faremos? É ai que entra o lance da relatividade pessoal. Para tocarmos na tonalidade de Lá menor, basta usarmos a escala de Dó maior, já que a escala de Dó maior tem as mesmas notas da de Lá menor. Exemplo:

Se repararmos bem, veremos que as escalas possuem as mesmas notas, mesmo estas estando dispostas em ordens diferentes. Logo abaixo encontraremos o quadro das escalas relativas.

Nota-se que algumas escalas não foram escritas aqui por não haver necessidade, já que, por exemplo: a relativa de F# não é mais Dm, mas sim D#m agora, e a relativa de Ab passa a ser Fm ao invés de F#m, devemos apenas ficar atentos a isto.

Capítulo 4 Improvisação Como o próprio nome já diz é improviso. Muitas vezes, ouvimos alguém falar: “Fiz tal coisa de improviso”. Muito tem se falado de improviso dentro da música nestes últimos tempos, mas, em vários casos, ele não tem sido de improviso mesmo, pois, geralmente, acabamos usando coisas que já sabemos, e não pensamos fora da caixa para criar novas possibilidades. A improvisação envolve elementos e idéias desconhecidas, nunca usadas antes. No dicionário, a definição de improvisar, improviso, improvisação é fazer, arranjar, inventar ou preparar alguma coisa de repente. Mas, até para inventar, é preciso treinar. Por isso vamos aprender agora a estrutura do blues e logo em seguida começar a treinar nossos improvisos através dos dois CDs que acompanham o método.

Blues Vamos abordar agora um assunto muito legal para o treino da improvisação, principalmente com o uso de pentas: o Blues. Aqui vai então o exemplo de uma harmonia tradicional dentro deste estilo, o famoso Blues de 12 compassos ou 12 Bar Blues. Slow Change (Troca Lenta)  – é quando a troca, mudança

para o próximo acorde demora a acontecer. Ex de Blues 12 compassos com troca lenta: ||: A7 | % | % | % | D7 | % | A7 | % | E7 | D7 | A7 | E7 :||

Fast Change (Troca Rápida)   – é quando a troca, mudança

para o próximo acorde ocorre rapidamente, logo no segundo compasso. Ex de Blues 12 compassos com troca rápida: ||: A7 | D7 | A7 | % | D7 | % | A7 | % | E7 | D7 | A7 | E7 :||

– passagem curta (geralmente de dois compassos) no final de uma progressão de Blues, encarregada de conduzi-lo ao V7 (quinto grau), que por sua vez resolve no I7 (primeiro grau) do compasso primeiro. Nos exemplos acima o turnaround é encontrado nos dois últimos compassos: A7, E7 respectivamente. Os turnarounds são versáteis, pode-se trabalhar com eles acompanhando (acordes) ou solando, também é possível adaptá-los para outros estilos como folk, country e jazz. Uma das coisas básicas em licks de turnaround é que eles sempre começam e terminam com as notas que formam o acorde I da progressão blues (neste caso A7), cromaticamente. cromaticamente. Turnaround

(Retorno

Harmônico)

Pentatônicas para improvisação no blues

Para improvisarmos sobre as progressões acima, um Blues em Lá maior, devemos utilizar as pentatônicas de A maior e A menor (relativa de Dó maior), esta que por sua vez vai dar o  “som Blues de verdade”. Esta técnica é muito comum ao Blues, o uso de uma escala menor sobre um acorde maior com sétima menor. Na página seguinte vocês encontrarão em que tonalidade está cada uma das faixas que compõe os dois CDs que acompanham o método. Cada CD possui como primeira faixa a afinação, para que você confira, antes de começar a tocar, se sua guitarra esta afinada, além disso os dois CDs apresentam diversas faixas com várias tonalidades diferentes, para que assim você possa ter o melhor rendimento possível no momento de treinar e criar seus improvisos. No CD 1 (Maior/Menor) podemos utilizar tanto as pentatônicas como as escalas maiores/menores no momento de improvisarmos. Já no CD 2 (Blues), vamos nos restringir apenas ao uso das pentatônicas. Sobre um blues maior poderemos utilizar tanto as pentatônicas maiores quanto as menores, enquanto que sobre um blues menor utilizaremos apenas as pentatônicas menores.

CDs de aplicação de escalas

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CD 1

Maior

Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa

 /Menor 

1 – Afinação 2 – G/Em (tonalidade) 3 – G/Em 4 – G/Em 5 – G/Em 6 – C/Am 7 – C/Am 8 – C/Am 9 – F/Dm 10 – F/Dm 11 – Bb/Gm 12 – Bb/Gm 13 – E/C#m 14 – E/C#m 15 – E/C#m 16 – E/C#m 17 – A/F#m 18 – D/Bm 19 – D/Bm 20 – D/Bm 21 – D/Bm 22 – Eb/Cm 23 - D/Bm

Eb/Cm – E/C#m – F/Dm

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CD

2

Blues

Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa Faixa

1 – Afinação 2 – Blues em C 3 – Blues em C 4 – Blues em C 5 – Blues em G 6 – Blues em G 7 – Blues em G 8 – Blues em D 9 – Blues em A 10 – Blues em A 11 – Blues em A 12 – Blues em A 13 – Blues em A 14 – Blues em E 15 – Blues em E 16 – Blues em E 17 – Blues em Ab 18 – Blues em Ab 19 – Blues em Am 20 – Blues em Bm 21 – Blues em C#m

Construção de solos Construir solos? Muitas vezes você se encontra nesta situação. Pode ser sua banda pedindo para fazer um solo/arranjo ou em um estúdio de gravação. Aí, você está lá e não sai nada, ou mais, quer compor um solo/arranjo de uma música própria. São várias as situações, mas seja qual for, você não sabe por onde começar. Aqui vão algumas dicas de como organizar tudo isso. Construindo solos, frases, grooves, arranjos... Fazendo música!

Em primeiro lugar, você deve conhecer os ingredientes básicos para se fazer música, tendo em mãos as ferramentas necessárias para você construir. E quais são as ferramentas ou ingredientes básicos? Escalas, acordes, intervalos, rítmica, etc. Com essas ferramentas desenvolvidas no seu instrumento, na mão e na cabeça, você já deu o primeiro passo, pois sua imaginação flui melhor quando você se sente seguro. Os ouvidos e a mente são outros itens importantes. O desenvolvimento da audição está ligado às nossas idéias, imaginação. Então, ouça o seu som, entenda o que você está fazendo. Registre o seu som gravando-o de alguma forma. Grave seus solos, estudos, exercícios... Escute e pergunte a você mesmo: estou gostando do resultado? Guarde estas gravações e, depois de algum tempo, escute-as. É importante também ter referências. Ouça outros músicos, abuse de CDs, tire músicas, solos, arranjos dos outros, mas atenção: quando fizer sua música, seja você mesmo. Afinal, ter influências é uma coisa e copiar o estilo de uma banda ou músico é outra, completamente diferente. Idéias e Dicas •

Mais uma vez, é bom lembrar que o ouvido é de grande importância. Antes de fazer um solo, escute a música, entenda o seu objetivo, coloque-se no seu lugar. Depois, pense na melodia principal ou tema da música. Ficam interessantes idéias usando a melodia ou tema da música. Se a música é cantada, cante a melodia no seu instrumento, e desenvolva o seu solo/arranjo a partir deste ponto.

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Veja se as pessoas (seu público) podem cantar o seu solo/arranjo. Se elas estiverem cantando o seu solo/arranjo é porque eles estão entendendo sua música. Exercícios também podem ser música. Exercícios, padrões, licks, escalas, acordes, geralmente, servem para chegar em um determinado fim. Repetição. Usar repetição é como olhar as placas de sinalização de uma estrada. Ela ajuda a manter a atenção do ouvinte, guiando-o para a próxima frase ou evento musical. A falta de contraste de dinâmica dá um efeito monótono sobre o ouvinte e o solista. Não toque tudo o que você sabe em cada música. Não dê todas as cartas logo de cara. Faça um surpresa a cada música, surpreenda, improvise. Escreva (registre) seu solo/arranjo. É sua idéia. Tire, tenha um vocabulário de frases, licks e clichês debaixo da manga. Primeiro, em que parte, região, do instrumento, vou começar o solo/arranjo? É preciso decidir em que região começar (grave, médio ou agudo). Devemos pensar também em qual idéia usar, começar rápido ou lento, com ou sem efeito, etc. Qual técnica usar? Lembre-se: não use tudo que você sabe a cada solo, surpreenda!

Aqui deixamos algumas dicas, mas as dificuldades e facilidades são reais e somente tocando, aplicando escalas, frases é que você vai moldando seu som e chegando ao objetivo desejado.

Capítulo 5 Campo Harmônico Os times de todos os tons

O Campo Harmônico é uma seqüência de acordes disponíveis para harmonizar ou trabalhar uma música ou seqüência harmônica, dentro de um mesmo tom com a mesma formação da escala (maior ou menor). Comparando o Campo Harmônico com um time de futebol. Com todas as funções, formações, passagens, regras, criatividade, jogadas, esquemas, estratégias, o Campo Harmônico é formado por 7 jogadores (notas/acordes/graus) e, como em todo time, cada jogador tem o seu número para identificação. No Campo Harmônico, a numeração dos acordes é feita com números romanos (I, II, IV). E cada um destes acordes tem sua função e posição. Como em todo time, existem também o substitutos, que são os acordes substitutos, que podem entrar também como acordes modulantes ou modulação (mudança de tom). Veja no quadro abaixo todos os times (tonalidades/campos harmônicos) com suas posições, funções, numerações, etc. É importante levar a sério todos os estudos de escalas, acordes e campo harmônico, pois este é um jogo vivo. Até agora, falamos só das notas, escalas, acordes. Aí, você pode perguntar: Onde eu, guitarrista/aluno, vou entrar? As execuções e estratégias dependem de você e o juiz desta jogada são seus ouvidos e os bandeirinhas, seu público.

Conhecendo o campo harmônico agora analise algumas músicas. Para fazer isso, o primeiro passo é você saber qual é o tom (tônica), geralmente o primeiro acorde da música, reconhecendo a tônica (I, o primeiro acorde). Veja na tabela acima a linha do campo harmônico representado a partir do acorde I (tônica). Vendo isso, você vai verificar que a música foi construída em cima de uma estrutura de acordes e tonalidades (campo harmônico). Lembre-se: como já colocamos, pode haver substituições (modulações) para melhorar a seqüência harmônica da música. Costuma-se dizer que o campo harmônico é uma escala de acordes, pois é formado com as mesmas notas da escala. E, como na escala, podemos trabalhar andando pelos acordes. Para quem deseja trabalhar com composição, o inicio está aqui: entender o campo harmônico. As músicas com tonalidade menor, você analisa-as como explicado acima, mas o primeiro acorde (tônica) vai ser a partir do VIm (sexto grau/acorde menor) do campo harmônico maior. Sendo assim, o campo harmônico menor começa a partir do VIm (sexto grau/acorde menor). Exemplo: Se na música que você estiver aprendendo, o primeiro acorde (tom/tônica) for Am (LÁ menor), poderemos observar que o acorde Am está presente no VIm (sexto grau menor) do campo harmônico do tom C (DÓ maior).

Capítulo 6  Arpejos O uso de arpejos é uma ferramenta importantíssima no vocabulário de um guitarrista, pois somente o uso de escalas pode acabar soando repetitivo e ás vezes até mesmo previsível demais. Arpejos ou arpegios, nada mais são do que a execução rápida de um determinado acorde é quando executamos um acorde nota por nota, em intervalos melódicos e não harmônicos. Maiores

Menores

Diminutos

 Aplicação Prática

Agora que já conhecemos os desenhos dos arpejos, como faremos para aplicá-los pessoal? É fácil, basta encaixarmos a tônica do arpejo (nota circulada em vermelho) sobre a nota desejada e pensarmos no campo harmônico da tonalidade em que estamos improvisando. Se estivermos, por exemplo, tocando sobre a tonalidade de Dó maior, podemos utilizar qualquer um dos graus da tonalidade em forma de arpejos. Por exemplo: O Campo harmônico de Dó maior é formado pelos acordes: C, Dm, Em, F, G7, Am, Bm7/b5. Podemos então utilizar os arpejos de C, Dm, Em, F, G, Am, Bdim em qualquer região do braço do instrumento e sobre qualquer harmonia/acorde pertencente à tonalidade. Não precisamos necessariamente acompanhar a harmonia (base) da música. Mesmo que o acorde que esteja soando seja, por exemplo, um C maior, podemos utilizar qualquer um dos sete arpejos sobre ele e não necessariamente apenas o arpejo de C maior. A idéia de tocar diferentes tipos de arpejos sobre um mesmo acorde gera uma sonoridade muito bela e sofisticada. Uma dica para a aplicação dos arpejos é a de tentar enxergar e decorar os formatos dos arpejos dentro do desenho das escalas. Esta idéia nos possibilita de “esquecer”, de nos desligarmos da harmonia que está soando e nos concentrarmos apenas nas melodias que iremos tocar. Uma outra dica é a de começar utilizando o arpejo do primeiro grau (Dó maior) e do sexto grau (Lá menor, relativo de Dó maior), com o tempo vá adicionando os demais. Procure praticar os arpejos tanto com palhetada alternada como também com palhetada sweep. A palhetada Sweep (Sweep Picking) consiste em aproveitar/economizar movimentos de palheta. O Sweep, também conhecido como economic picking, deixa o som mais fluente. “Sweep” significa literalmente  “varrer”. É mais ou menos esse o movimento realizado pela palheta com o sweep. O princípio é manter a direção da palhetada quando você muda de corda.

Capítulo 7  Notação Musical Tablatura T ablatura e Partitura Tablatura  –

A tablatura tem origem na Idade Média e no Renascimento e era usada, inicialmente, para o instrumento alaúde, como um sistema de notação  que utilizava letras, números e outros sinais, não para representarem os sons, mas para indicarem ao executante as diversas posições dos dedos da mão esquerda (para os destros) sobre o braço do instrumento. Assim, a seqüência de leitura de solos, riffs e

grooves foi extremamente facilitada. É muito importante não confundir partitura com tablatura, pois a primeira representa as notas musicais em figuras e a segunda mostra as posições dos dedos e casas através de números no braço do instrumento de cordas escolhido. A tablatura para guitarra  é representada por seis linhas que representam as cordas da guitarra.

As cordas estão posicionadas como se você estivesse vendo o braço da guitarra ao contrário. Como Ler e Usar a Tablatura

A tablatura é muito encontrada na Internet, em revistas de música, em livros, etc. Na tablatura teremos números sobre as linhas (cordas da guitarra). Estes números representam os números das casas onde você irá colocar o dedo. Mas preste atenção: eles não indicam os números dos dedos a serem colocados. Agora, vamos para um exemplo:

Como explicado e demonstrado no exemplo acima, posicionaremos os dedos da seguinte maneira: o primeiro número é o 1 na 6ª linha, assim devemos colocar o dedo da mão esquerda – para os destros – (sugestão dedo 1) na casa 1 na sexta corda (“Mizão”), o segundo é o 3 (3ª casa) na 6ª corda também, outro número é o 2 (2ª casa) na 5ª linha (5ª corda Lá) e assim por diante. Quando encontrarmos o numero 0 (zero), ele representará que devemos tocar a corda solta   onde o numero 0 (zero) se localiza. Vamos para outro exemplo. Quando você encontrar dois números juntos na mesma direção em cordas diferentes, você deve tocar todos juntos, todas as notas ao mesmo tempo, como um acorde.

No exemplo acima, temos notas tocadas juntas. O primeiro é o acorde de A = Lá maior; o segundo é o acorde “rock” G5; e o terceiro, um exemplo aplicando a idéia de intervalos. Aparentemente é muito simples a leitura da tablatura e pode ser acrescentados a ela símbolos normalmente encontrados na guitarra, como bend, slide, hammer on e pull-off . Este sistema, porém, apresenta uma limitação, que é o fato de não podermos determinar o tempo que cada nota deverá ser tocada e onde estão as pausas de cada música. Por isso, normalmente, é encontrada junto à tablatura a sua respectiva partitura. Exemplo:

– essa foi a melhor maneira encontrada para se escrever música, pois através de uma séria de símbolos podemos identificar as notas e seus tempos de duração. Desta forma, podemos tocar qualquer música, mesmo que nunca a tenhamos ouvido. Veremos agora um pouco mais sobre a escrita musical. Partitura

Pauta, Pausas e Figuras Musicais

O som musical é representado na escrita por uma série de figuras necessárias para identificar-mos as notas musicas e variam de acordo com a duração do som. As figuras musicais são:

Além das figuras que servem para indicar a duração do som, temos também suas respectivas figuras que indicam o tempo de silêncio, a que damos o nome de pausa. Abaixo segue uma tabela com as figuras, seus nomes e as respectivas pausas:

O valor exato de cada figura musical varia de acordo com especificações relacionadas ao compasso, por isso serão passados a seguir os valores de cada figura comparando-as umas as outras. A semibreve é a figura de maior duração e as seguintes, seguindo a ordem da tabela acima, terão a metade do seu valor, uma após a outra. Exemplo 1: uma semibreve tem o mesmo valor que duas mínimas, quatro semínimas, oito colcheias, dezesseis semicolcheias, trinta e duas fusas ou sessenta e quatro semifusas. Exemplo 2: uma mínima vale o mesmo que duas semínimas, quatro colcheias, oito semicolcheias, dezesseis fusas ou trinta e duas semifusas e assim por diante, pensando da mesma forma com relação às pausas. Pauta ou pentagrama musical

Pauta ou pentagrama musical é um conjunto de cinco linhas e quatro espaços onde serão colocadas essas figuras que passarão a ser notas musicais assim que forem acrescidos alguns detalhes.

Como o número de notas é maior do que as que podem ser colocadas na pauta que está exemplificada acima, é comum o uso do que chamamos de linhas suplementares, que são colocadas tanto abaixo para as notas graves como acima, para as notas mais agudas.

Claves

De acordo com a localização das notas nas linhas ou espaços da pauta é que serão dados os seus nomes. Mas para que isso aconteça é necessário a utilização das claves. Existem três tipos de claves que são dispostas de várias maneiras na pauta e a mesma clave pode variar de posição. Veja no exemplo a seguir:

Antigamente também eram utilizadas as claves de Sol na primeira linha, a de Dó na primeira, segunda e quarta linhas e a de Fá nas terceira e quarta linhas, o que não acontece com freqüência nos dias atuais. Por este livro estar direcionado ao estudo da guitarra, utilizaremos apenas a clave de Sol na segunda linha. Compasso

O compasso é uma forma de divisão da música em partes iguais ou variáveis. Na pauta, o compasso é representado por linhas verticais que as cruzam e entre estas barras são escritas as notas musicais.

O número de notas que se pode colocar dentro dos compassos pode variar bastante e para sabermos isso com precisão é

colocado logo ao lado da clave dois números em forma de fração. Os compassos podem ser binário, ternários, quaternários simples ou compostos e tudo isso é indicado com esses números fracionados. Nessas frações, o numerador determina o número de tempos do compasso. Os algarismos que servem para numerador dos compassos simples são: 2 (binário); 3 (ternário) e 4 (quaternário). O Denominador indica a figura que representa a unidade de tempo e os números que servem como tal são os seguintes:

Vejamos então um compasso que virá indicado da seguinte forma: 2/4 Na fração acima (dois por quatro) o numerador (2) indica o número de tempos, ou seja, é um compasso de dois tempos (binário). O denominador (4) determina para unidade de tempo a figura que representa a quarta parte da semibreve (semínima). Veja o exemplo a seguir:

Obs.: Este foi um pequeno exemplo, pois as combinações de

valores das notas musicais podem ser feitas de muitas outras formas. É bom lembrar que estamos apenas na introdução de nossos estudos, que serão feitos de uma forma mais aprofundada mais adiante. Em determinados casos na escrita musical, temos a possibilidade de escolher mais de uma forma de digitação destas mesmas notas no braço do instrumento. Veja o exemplo abaixo:

Por um lado, se isso amplia as possibilidades de execução, por outro lado, em função dos avanços técnicos, da criatividade e do surgimento de verdadeiros guitar heroes, torna-se um pouco mais complicado para descobrirmos a digitação utilizada por estes músicos, tendo em vista as várias maneiras de se tocar a mesma coisa. Dessa maneira chegamos a conclusão que é conveniente a mistura das duas escritas, tablatura com divisão rítmica. Na tablatura temos a exata localização l ocalização das notas a serem tocadas e com o apoio das figuras rítmicas, temos com precisão o seu tempo de duração. Exemplo:

Capítulo 8  Notação de Técnicas Vibrato  - Consiste na oscilação da corda para baixo e para

cima, resultando na vibração da nota.

Ligado: Hammer On  – Consiste em primeiro palhetar a nota

mais grave. A segunda (mais aguda) deve ser “martelada” com o outro dedo, sem palhetar.

Ligados: Pull Off   – É o contrário do Hammer On. Primeiro

ataca-se a nota mais aguda e posteriormente puxa-se a corda, obtendo-se obtendo-se assim a nota mais grave.

Slide – Consiste em atacar a primeira nota e escorregar o dedo

até atingir a segunda nota. O movimento pode ser de uma nota mais grave para a mais aguda (como ilustrado) ou vice versa. Há dois tipos de slide, aquele em que depois do slide não se toca a próxima nota (figura 1), e aquele em que se toca (figura 2).

Trinado ou Trilo  – Consiste na oscilação entre duas notas

através do uso de múltiplos ligados.

Tapping – Consiste em usar o dedo da mão direita para atacar

a nota indicada pelo T.

Bend com Tapping  – Consiste em atacar o bend, e sem

desfazê-lo, atacar posteriormente a nota indicada com o dedo da mão direita.

Pick Scrash  – Consiste em raspar a borda da palheta

paralelamente à corda.

Glissando  – Consiste em utilizar a técnica do slide (para o

grave ou agudo) fazendo a nota subir ou descer a um ponto determinado pelo intérprete. i ntérprete.

Sinal de Acentuação  – Consiste em acentuar, ou seja,

destacar, tocar mais forte a nota indicada.

Staccato  – Consiste em resumir a duração da nota ao seu

ataque. Alguns livros explicam que o staccato deve diminuir a nota à metade de seu valor natural, mas na prática o que ocorre é o que está descrito acima.

 Alavanca – Consiste em utilizar a alavanca para fazer vibratos

ou para alterar a altura da nota. O número indica quantidade de tons que deve ser feita a alteração.

Nota Percussiva – Consiste em fazer com que a altura da nota

não seja emitida, fazendo com que apenas seu valor rítmico seja preservado. Geralmente esta nota é abafada na guitarra com a mão esquerda ao mesmo tempo em que a nota é atacada com a palheta.

Palm Mute – Consiste em abafar as notas com a mão direita

próxima à ponte da guitarra.

Sinalização de Palhetadas   – As notas indicadas devem ser

atacadas para cima ou para baixo, conforme a legenda l egenda.. Palhetar para baixo  -

Palhetar para cima -

Tremolo – A nota é tocada sucessiva e continuamente o mais

rápida possível.

Harmônico Natural   – Consiste em atacar a nota com o dedo

sobre o traste da casa indicada pela tablatura.

Harmônico Artificial   – Consiste em atacar a nota com a

palheta junto com o polegar da mão direita, produzindo harmônicos sobre qualquer nota.

Bend  – Consiste em estivar a corda até alcançar a nota

indicada. O número indica a quantidade de tons que o bend deve alcançar.

Pré-Bend   – Consiste em primeiro “armar” o bend e só então

atacar a nota.

Consiste em atacar o bend e posteriormente voltar para a posição de repouso (sem o bend), ou para a quantidade de tons indicada. Bend

and

Release  –

Bend Intercalado à Outras Notas – Consiste em fazer o bend

e mantê-lo enquanto toca-se outras notas.

Bend em Uníssono  – Esse é um tipo de bend muito usado.

Consiste em dar o bend junto com outra nota em uma corda diferente e afinar o bend de acordo com a nota mais aguda, até chegar à igualdade i gualdade dos sons, uníssono.

Bend Duplo – O bend duplo dá uma temperada em qualquer

solo, fazendo com que o mesmo fique com uma pegada "animal". Consiste em esticar duas cordas ao mesmo tempo.

Swing

Feel/Shuffle  – intenção rítmica tercinada. Muito

presente em estilos como o Blues (aparecendo mais com o nome de shuffle) e no Jazz (aparecendo mais com o nome de swing feel). Abaixo segue o exemplo com colcheias tocadas sem swing feel, e logo em seguida essas mesmas colcheias só que dessa vez aplicada à técnica do swing feel / shuffle.

Obs.: os dois exemplos com swing feel / shuffle querem dizer a

mesma coisa, só se diferem na escrita.

Dicionário Encontraremos logo abaixo um pequeno dicionário de  palavras ou símbolos muito utilizados no universo da guitarra, qualquer dúvida com palavras é só verificar aqui: %: sinal de repetição. Indica que se deve manter o acorde que

esta sendo tocado. Abaulamento: curvatura encontrada no braço do instrumento no sentido paralelo ao traste. tr aste. Ação Alta de Cordas: cordas longe dos trastes. Ação Baixa de Cordas : cordas próximas aos trastes. Ação do Tensor: operação efetuada pelo tensor que ajusta a concavidade ou convexidade do braço. Acústica: leis da física que estudam o som. Afinação Padrão dos Instrumentos : afinação em E (standard), com a nota Lá afinada em 440 Hertz, as afinações se dividem em duas categorias básicas: afinações abertas (aquelas baseadas em acordes), e afinações modais (aquelas que sugerem as notas dos modos). Afinador: aparelho que “afina” as notas. Existem também aqueles em forma de pedais, que cortam o som enquanto este estiver em uso. Os mais comuns são os analógicos (de ponteiros), os de luz e os digitais. Alnico: tipo de imã feito da liga de alumínio, níquel e cobalto. Altura: é a propriedade do som ser grave (baixo), médio ou agudo (alto). Amp Model: efeito geralmente encontrado em pedaleiras que copia o som, o timbre de determinado amplificador. Amplificador Stereo: aquele que apresenta dois falantes, ou que está ligado em um outro amplificador ou em outra caixa (caixa de falantes). Uma descrição mais correta de ligação em stereo seria ligarmos um amplificador ou mais, e posicionarmos uma caixa em um lado do local e outra em outra parte, ou ligar um amplificador em uma parte do local e outro conectado ao primeiro em outra parte. Amplificador : aparelho que capta as ondas sonoras emitidas pela guitarra e a reproduzem mais altas. Os amplificados sem dividem em cubos (aqueles que já possuem o(s) falante(s) embutido(s) ao cabeçote), e stacks (aqueles que possuem o cabeçote separado do(s) falante(s)), também se dividem em

amplificadores valvulados (no pré e na potência, ou só no préamplificador, conhecidos também como amplificadores híbridos) transistorizados e digitais. Anacruse: é uma situação rítmica quando o início do tema ou frase antecipa o tempo forte. Andamento: tempo em que a música prossegue. Apojatura: enfeite. Aproximação Cromática : na tonalidade de Dó maior, usando a nota D como nota alvo, as únicas aproximações cromáticas possíveis seriam: tocarmos a nota C# e em seguida a nota D ou tocarmos a nota Eb e em seguida a nota D, se tocar-mos a nota F# e em seguida a nota D, isto não seria uma aproximação cromática, é claro que a nota F# é uma nota não diatônica á tonalidade de C maior, e utilizada como nota cromática, mas para termos uma aproximação cromática para a nota de D (na tonalidade de C maior) teríamos que fazer o que foi explicado logo acima. Aproximação Diatônica : na tonalidade de C maior, usando a própria nota C como nota alvo, as únicas aproximações diatônicas possíveis seriam: tocarmos a nota B e em seguida a nota C ou tocarmos a nota D e em seguida a nota C, se tocarmos a nota E, e em seguida a nota C, isto não seria uma aproximação diatônica, é claro que a nota E é diatônica á C maior, mas para termos uma aproximação diatônica para a nota de C (na tonalidade de C maior) teríamos que fazer o que foi explicado logo acima. Arpejo: execução rápida de um acorde, ou seja, é quando tocamos as notas de um determinado acorde em forma de melodia (sucessivamente) e não de forma harmônica (simultaneamente). Arqueamento: palavra que se refere ao aspecto de arco que alguns braços de instrumentos adquirem. Ataque: impacto do som da guitarra. Back Ground (B.G.) : indica que se deve ficar repetindo determinados compassos, e geralmente acaba-se com um fade out. Bag ou Case : utilizados para guardar os instrumentos. Bag – espécie de estojo, Case – caixa geralmente forrada. Banda: conjunto de músicos. Base: os acordes da música. Bobina Dupla: nome genérico dado a um captador humbucker, que possui duas bobinas.

Bobina: agrupamento de espiras de um condutor elétrico,

envoltas em um imã, que funciona como um captador simples (single coil). Cabo: objeto que passa as ondas de som emitidas pela guitarra até o amplificador. CESH: Contrapuntal Elaboration Over a Static Harmony, Elaboração Contrapontística Sobre uma Harmonia Estática. Muito comum o uso de sétimas e quintas. Ex: ||: C7M C7M(#5) C7M | Am7 Am7M Am7 :|| Chord Melody (Harmonia em Bloco):   harmonia e melodia tocadas juntas. Chorus: termo relacionado a um determinando tipo de efeito, ou a um conjunto de compassos, ao refrão da música. Clichês: termo atribuído a uma frase musical que não exprime individualidade, individualidade, algo tradicional. Compasso: Chama-se de compasso cada trecho delimitado por barras verticais. Ao lado da clave encontra-se a fórmula de compasso. O número superior indica a quantidade de tempos do compasso (compassos com dois tempos são classificados como binários; com três tempos como ternários, etc) o número inferior indica a unidade de tempo, isto é, a figura de nota que valerá um tempo no compasso (4 – semínima, 8 – colcheia, e etc) os compassos podem ser simples (2/4, 3/4, 4/4, etc), mistos (5/4, 7/4, etc) e compostos (6/8, 9/8, 12/8, etc). Compressor: efeito que gera um maior sustain para as notas, maior volume, e também um maior ganho ao som, ou seja, ele encorpa o som. Condução de vozes:   condução das vozes dos instrumentos é como as vozes de um acorde caminham para outro, ou como uma nota caminha para outra. Cordas de Aço: fios de metal destinados ao uso em guitarras e violões. Cordas de Náilon : fios de náilon destinados ao uso em guitarras e violões. Corrosão: desgaste de um material provocado pela ação de agentes externos como a oxidação, por exemplo. Cover: é quanto tocamos músicas de outros artistas. Deslocamento Melódico: consiste em deslocar toda a frase ou parte dela geralmente meio tom acima ou abaixo. Delay: efeito que gera uma espécie de eco, ou seja, ele faz com que a nota tocada soe mais de uma vez (dependendo do número de repetição).

Dispersão Rítmica: é simplesmente pegarmos frases prontas e

modificarmos as suas figuras rítmicas. Distortion: efeito utilizado em guitarras que proporciona uma elevada saturação. Double Stops: duas notas tocadas simultaneamente, muito comum no blues, country etc. Técnica muito utilizada em acompanhamentos. Dupla Aproximação Cromática : na tonalidade de C maior, usando a nota D como nota alvo, as únicas duplas aproximações cromáticas possíveis seriam: tocarmos a nota C#, depois a nota Eb e por fim a nota D, ou vice-versa, tocarmos a nota Eb, depois a nota C# e por fim a nota D. Dupla Aproximação Diatônica : na tonalidade de C maior, usando a própria nota C como nota alvo, as únicas duplas aproximações diatônicas possíveis seriam: tocarmos a nota B, depois a nota D e por fim a nota C, ou vice-versa, tocarmos a nota D, depois a nota B e por fim a nota C. Duração: tempo de prolongamento do som. Efeito Violino: deixe o botão de volume da sua guitarra baixo, após tocar a nota indicada suba o volume da guitarra através de seu botão de volume. Efeitos: podemos considerar como efeitos tudo aquilo que modifica o timbre original do instrumento. Elementos Diatônicos:   os elementos diatônicos são notas de uma mesma escala combinadas de maneiras diferentes. Podemos obter cinco elementos diatônicos distintos, os acordes diatônicos (campo harmônico), modos diatônicos (modos gregorianos ou eclesiásticos), arpejos diatônicos, tríades diatônicas, e as pentatônicas diatônicas. Empenamento: concavidade ou convexidade excessiva apresentada no braço do instrumento. Enrolamento : expressão que se refere à quantidade e ao objetivo das espiras enroladas no imã do captador. Equalizador : encontrado em amplificadores e também em pedais com esta finalidade, a equalização serve para se controlar as freqüências de graves, médias e agudas. Fade In: abrir volume, o som vai crescendo. Fade Out: fechar volume, o som vai diminuindo. Técnica muito utilizada em gravações para se finalizar uma música, ao invés da música acabar de repente, “seca”, ela vai acabando lentamente, e seu volume vai diminuindo até zerar, e por fim finalizar a música. Feedback: microfonia, também conhecida como realimentação.

Fill: pequena frase, improviso, solo. Fingerstyle : consiste na utilização dos dedos ao invés da

palheta para tocar. Floyd Rose : Marca de ponte tremolo. Hoje, a expressão Floyd Rose é usada até para designar um modelo de ponte tremolo. Formação dos sons : o som é o efeito audível produzido por movimentos de corpos vibratórios. Para se produzir som musical, precisa-se de uma fonte sonora (corpo que produz sons ao vibrar). Os corpos vibrantes nos instrumentos musicais são corda esticada (violão, violino, piano etc.), coluna de ar (flauta, trompete etc.) ou membrana (tamborim, cuíca etc.). Por exemplo, ao tocar uma corda do violão, observe que ela se movimenta de um lado para outro um determinado número de vezes por segundo, emitindo um som. A esse movimento é dado o nome de vibração, medida em Hertz – Hz (ciclos por segundo). Quanto maior ou menor o número de vibrações por segundo, mais agudo ou grave será o som. E quanto maior a amplitude do movimento vibratório, maior será a intensidade do som produzido. O ouvido humano é capaz de perceber sons que vão aproximadamente de 20 Hertz a 18 mil Hertz. Os sons fundamentais fundamentais se localizam numa faixa aproximada de 32 a 4 mil Hertz. Por exemplo, o Lá do diapasão tem 440 Hertz. Acima de 4 mil Hertz encontram-se os harmônicos agudos que enriquecem o timbre o timbre do instrumento, dando mais brilho. Sem esses harmônicos os sons seriam opacos. Sem os harmônicos não se têm os timbres característicos de cada instrumento. Ganho (Gain): gera um maior volume, uma maior sustentação das notas, e também encorpa o som, quando usado em excesso pode gerar até mesmo uma leve saturação. Groove: É a levada da música, o ritmo que acompanha a batida. Graus Conjuntos (Notas Imediatas, próximas, vizinhas):

C, D (tom) e B, C (semitom).

Graus Disjuntos (Notas Intercaladas, distantes): C , D, E. Half Feel: baixo em dois. Hallentado ou Ritardando (Hall ou Rit) : indica que se deve

diminuir o andamento da música aos poucos (geralmente o Hall aparece no final de uma música). Hand Made: expressão em inglês que significa “feito à mão”. Hardware: palavra proveniente do inglês que, em se tratando de instrumentos, significa qualquer parte de metal, como tarraxas e pontes.

Harmonia em Looping: harmonia que fica se repetindo. Harmonia: é a combinação dos sons simultâneos. A harmonia

estuda a estrutura dos acordes (suas notas componentes e posição) assim como seu emprego em posições. Referente á acordes, base. Hertz: vocábulo que teve origem no nome do físico alemão Heinrich Hertz. Trata-se de uma unidade de medida de vibração sonora que indica ciclos vibratórios por segundo, exemplo: 440 hertz = 440 ciclos vibratórios por segundo. (Símbolo: HZ.) Hum: expressão norte-americana (onomatopéica) que se refere ao ruído encontrado em captadores single coils. I========I: significa que se deve esperar um número de compassos (o número que indica quantos compassos de espera vem acima do símbolo), pois nestes compassos pode estar havendo um solo, um improviso ou etc de um outro instrumento. Improviso : é tocar algo que não tenha sido planejado. Na improvisação, escalas, arpejos, etc., são utilizados sobre uma determinada harmonia. A improvisação se divide basicamente em improvisação por centro tonal (na qual se utiliza uma mesma escala para vários acordes) e em improvisação por acorde (na qual cada acorde poderá receber uma ou mais opções de escala). Intensidade : é a propriedade do som ser fraco ou forte. Caracteriza-se pela amplitude da vibração. Por exemplo, quando tocamos uma corda com mais força, a amplitude da vibração é maior e consequentemente o volume do som também será maior. Jump Bass: baixo tocando a qualquer momento, sem seguir nenhuma ordem. Leitura Relativa: ler uma determinada música, intervalo, exercício etc, em diferentes tipos de clave. Lick: frase. Line Out: encontrado geralmente na parte traseira do amplificador, serve para se ligar um amplificador à mesa de som ou a outro amplificador. Lines: licks sobre vários acordes. Loop de Efeitos: encontrado geralmente na parte traseira do amplificador, utilizado para se ligar desde pedais, e até mesmo pedaleiras. Luthier: profissional que repara defeitos (conserta), que efetua modificações e constrói instrumentos musicais.

Melodia de Contraponto: ocorre quando duas (contraponto a

duas vozes) ou mais melodias estão sendo tocadas simultaneamente. Esta técnica está muito presente na música clássica. Melodia de Ponta:   melodia criada pela nota mais aguda dos acordes. Melodia: é uma sucessão de sons musicais combinados. Referente a notas consecutivas, consecutivas, solo. Memória Auditiva: saber qual a próxima nota que devemos tocar. Memória Visual: enxergar as notas no instrumento. Metrônomo: aparelho que mede o tempo, muito utilizado em gravações e para estudo. Modulação: mudança de tom/tonalidade. Monofônico:  presença de apenas um som. Música: é a arte dos sons. É constituída de melodia, ritmo e harmonia. N.C. (No Chord) : significa que esta determinada parte da música não possui acordes. Noise Gate ou Noise Reduction : efeito que serve para reduzir ou até mesmo eliminar chiados indesejáveis no som. Quando utilizado exageradamente pode acabar alterando o timbre. Nota Alvo: notas que são enfatizadas durante a música (geralmente uma nota final, que concretiza uma determinada idéia melódica) uma mesma música pode possuir diversas notas alvos, ou seja, as notas alvos podem mudar, por exemplo, na tonalidade de C maior podemos utilizar a própria nota C como nota alvo, e depois de concretizarmos uma idéia podemos escolher uma nova nota para ser a nota alvo. al vo. Nota Diatônica:  É a nota que procede conforme a sucessão natural dos tons e semitons de determinada tonalidade, ou seja, é uma nota pertencente ao tom. Nota Pivô: termo utilizado em modulações, utilização de uma nota pertencente ás duas tonalidades, ou seja, pertencente á tonalidade em que estamos e também pertencente á tonalidade que está por vir. Nota: na música a palavra nota tem dois significados, quanto ao seu nome e quanto a sua altura, as notas musicais possuem três tipos de ordem (ou sequência), a primeira é a ordem acústica, determinada por princípios da física, as notas dispostas em graus conjuntos formam a ordem melódica, representada na escala diatônica, já as notas ordenadas por terças formam a ordem harmônica, com a qual construímos os acordes.

Notas Musicais : são palavras que representam sons. Notas Naturais : são aquelas que não apresentam acidentes (#

e b).

Oitava (8ª): o termo oitava além de significar um intervalo de

oitava entre uma nota e outra, significa também altura (uma oitava acima; mais agudo o som, uma abaixo, mais grave o som etc). Outside: é quando tocamos fora da tonalidade indicada, ou com muitas notas de tensão. Overdrive: efeito utilizado em guitarra, que proporciona uma saturação de leve a moderada. P, I, M, A, Mi : abreviação dos dedos polegar, indicador, médio, anular e mínimo. Palheta: objeto geralmente confeccionado em plástico, usado para atacar as notas. Dividida em thin, médium e heavy, ou em medidas como 1.0, 1.5, 2.0, etc. Palhetada Alternada (Alterned Picking) : consiste em alternar os movimentos da palheta, para baixo e para cima. Palhetada Circular (Circular Picking) : consiste em utilizar mais os dedos que seguram a palheta ao invés do pulso ou do antebraço (as outras duas formas existentes de palhetada) para palhetar. Este movimento com os dedos acaba formando pequenos círculos, daí o nome palhetada circular. Palhetada Híbrida (Hrybrid Picking) : conhecida também como Chicken Picking, consiste na utilização da palheta e dos dedos para tocar. Palhetada Sweep (Sweep Picking): consiste em aproveitar/economizar movimentos de palheta. O Sweep, também conhecido como economic picking, deixa o som mais fluente. “Sweep” significa literalmente “varrer”. É mais ou menos esse o movimento realizado pela palheta com o sweep. O princípio é manter a direção da palhetada quando você muda de corda. Partitura : em uma partitura para guitarra usa-se a clave de Sol, e a armadura de clave (# e b) encontrada logo ao lado da clave, indica a tonalidade da música, encontramos também ao lado da clave a fórmula de compasso (2/4, 4/4, etc). Uma partitura apresenta cinco linhas (pentagrama (pentagrama ou pauta musical), onde se é escrito notas com a sua oitava condizente, e sua divisão rítmica (semibreve 4/4, mínima 1/2, semínima 1/4, colcheia 1/8, semicolcheia 1/16, fusa 1/32 e semifusa 1/64), que pode vir em forma de unidade de tempo, unidade de compasso, e unidade de subdivisão. Podemos encontrar também

em uma partitura números dentro de um círculo (geralmente com um c ao lado do número), e números fora dos círculos (encontrados embaixo das notas), os números dentro dos círculos indicam a casa que o dedo 1 deve estar, e os números embaixo das notas indicam quais os dedos devemos usar para tocar aquela determinada nota. Patterns: padrões usados nas escalas (forma de se descer ou subir uma escala, etc). Pedais: utilizados para se enriquecer o som, cada pedal gera o efeito que está programado em seu chip. Pedal Point: uma nota é alternada entre várias outras, ou seja, uma nota ou mais se repetem enquanto outras são tocadas. Pedaleira : inventada para simplificar as coisas, é como se você possui-se o som de vários pedais em apenas um pedal. Pegada: forma que o músico ataca as notas. Polifônico : presença de mais de um som. Polirritmia : Variação rítmica e/ou da acentuação. Um exemplo de polirritmia seria a dispersão rítmica e a mudança da acentuação em diferentes notas de uma frase. Pré Amplificador e Potência : é no pré-amplificador que a maior parte do timbre, do tipo de som do amplificador é moldado, quando valvulado gera um som mais “cremoso” e menos áspero. E é na potência que a outra parte do som do amplificador é moldado, se esta também for valvulada dará ao amplificador um som ainda mais “cremoso”. Progressão Harmônica : sequência de acordes. Propriedades Físicas do Som : são três: altura, intensidade e timbre. Repertório : músicas que você possui (tanto suas como covers) para apresentar. Respiração : momentos na música em que se para de tocar para “respirar”, para pensar em novas idéias e/ou também dar um novo clima á música, fazendo assim com que quando voltemos a tocar geremos uma sensação de surpresa ao ouvinte. Retífica (Fret Work): expressão inglesa cujo significado é trabalho efetuado nos trastes do instrumento para alinhá-los, nivelá-los e retirar os amassados. amassados. Reverb: gera uma espécie de acústica ao som, se usado em exagero pode gerar até mesmo uma espécie de eco. Riff : progressão de acordes, intervalos ou notas musicais que são repetidas no contexto de uma música, formando a base ou acompanhamento.

Ritmo (Andamento, Batida, Balanço) : é a duração e

acentuação dos sons e das pausas. Conseguir Conseguir interpretar interpretar e assim acompanhar o tempo da música. Ritornelo (:): indica que se deve repetir o que acabou de ser tocado, ou seja, que se deve voltar ao compasso que possua o símbolo do ritornelo. Ex: ||: C | % | F | G7 :||. Saturação: torna o som mais agressivo, e gera uma maior sustentação sustentação das notas. Série Harmônica: é uma série de subvibrações geradas de um som principal. Por exemplo, ao tocar uma corda do violão, primeiramente ela vibra em toda sua extensão, emitindo uma freqüência denominada fundamental ou primeiro componente harmônico. Este mesmo corpo vibra, também, em duas metades, um terço, um quarto do comprimento e assim por diante, dando origem a série harmônica. Teoricamente a série harmônica é infinita, mas os primeiros sons são suficientes para sua compreensão e aplicação prática. No violão para se produzir os harmônicos isoladamente, faz-se necessário que ao pulsar a corda um dedo encoste num determinado ponto de sua extensão. Por exemplo, no meio (sobre o 12º traste). Neste caso a sua freqüência será duas vezes mais alta que o som fundamental, ou seja, produzirá um som uma oitava acima. Fazendo o mesmo na terça parte (sobre o 7º traste), obtém-se um som cuja freqüência será três vezes mais alta que a fundamental (correspondente ao intervalo de uma oitava e uma quinta) e assim por diante. O timbre (qualidade do som) dos instrumentos musicais ou voz humana é definido pela maior ou menor presença de cada um dos componentes (ou essência) da série harmônica. Shape: formato. Single Notes: técnica muito utilizada em acompanhamentos, ao invés de se tocar um acorde inteiro (intervalos harmônicos) toca-se intervalos melódicos. Solid State: distorção típica de amplificadores transistorizados (distorção que não é gerada através de válvulas), embora haja pedaleiras que também simulem este tipo de distorção. Solo: parte melódica da música. Som: é um efeito audível, medido em Hertz. Standard: em instrumentos musicais, significa um instrumento tradicional, simples. Já em termos musicais, seriam músicas que foram muitas vezes gravadas, e por diversos artistas, essas músicas geralmente apresentam 32 compassos. O termo

standard também está ligado à pentatônica m7, e à afinação tradicional da guitarra e do violão, a afinação em E. Sustain: tempo de duração da nota. Tensão das Cordas : medida das cordas (08, 09, 010, 011, etc). Tessitura: é o termo que serve para designar a extensão que a voz humana ou um instrumento qualquer abrange, do limite inferior mais grave até a nota mais aguda que o instrumento ou a voz pode emitir. No caso de uma guitarra de seis cordas, a nota mais grave seria a sexta corda tocada solta, e para obtermos a nota mais aguda deveríamos tocar a nota da última casa na primeira corda. Timbre: característica do som. É a qualidade do som que nos permite reconhecer sua origem. É através dele que diferenciamos o som dos vários instrumentos. O timbre está relacionado com a série harmônica, produzida produzida pelo som emitido. Time: saber a hora de tocar, ter uma boa rítmica. Transposição : termo que significa transpor (mudar) algum determinado acorde, acorde, frase, etc de uma tonalidade para outra. Tom: unidade de medida ou altura em que se realiza a tonalidade. Tonalidade: sistema de sons baseado nas escalas maior, menor natural, menor harmônica e menor melódica. Turnaround (Retorno Harmônico):  muito comum no blues e no jazz, são geralmente os acordes do último ou dos dois últimos compassos de uma música, que irão preparar a volta ao começo da música. Vibe: impressão ou sensação que algo nos transmite, pelo visual ou feeling, e que nos faz lembrar de algo já conhecido. A palavra vibe tem o mesmo sentido de “jeito de”. Por exemplo:  “o braço da guitarra tem uma vibe vintage”, poderia ser traduzido como “o braço da guitarra tem um jeito vintage”, que pode ser caracterizado por uma pegada grossa e com trastes finos. Wah/Wah: pedal de efeito que faz com que a nota tocada gere um som que lembra a palavra ‘wah’. Walking bass: baixo caminhando (em quatro).