Apostila - Design de Interiores

PROGRAMA DE EDUCAÇÃO CONTINUADA A DISTÂNCIA Portal Educação

CURSO DE

DESIGN DE INTERIORES

Aluno: EaD - Educação a Distância Portal Educação

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CURSO DE

DESIGN DE INTERIORES

MÓDULO I

Atenção: O material deste módulo está disponível apenas como parâmetro de estudos para este Programa de Educação Continuada. É proibida qualquer forma de comercialização ou distribuição do mesmo sem a autorização expressa do Portal Educação. Os créditos do conteúdo aqui contido são dados aos seus respectivos autores descritos nas Referências Bibliográficas.

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SUMÁRIO

MÓDULO I INTRODUÇÃO 1 HISTÓRIA DO DESING DE INTERIORES 2 DESIGN DE INTERIORES E ESTÉTICA 2.1 CONCEITO DE BELO: PERCEPÇÃO, PROPORÇÃO E HARMONIA 2.2 AS CORES E A PSICOLOGIA 2.2.1 Harmonia para ambientes internos, sensações que as cores proporcionam (calor x frio) 2.2.1.1 Teoria das Cores Aplicada ao Design de Interiores

MÓDULO II 3 DESIGN DE INTERIORES PARA RESIDÊNCIAS E COMÉRCIOS 3.1 DESIGN DE INTERIORES RESIDENCIAL 3.2 DESIGN DE INTERIORES COMERCIAL 4 CARACTERES DO DESIGN DE INTERIORES: COMO PERSONALIZAR E PLANEJAR A DECORAÇÃO 4.1 QUESTÕES IMPORTANTES PARA SE INICIAR O PROJETO 4.1.1 Estilos e Tendências 4.1.2 Estudo do Espaço e Princípios Ergométricos 4.1.2.1 Circulação e Medidas: Relação Homem / Objetos E Mobiliário 4.1.2.2 Regras de ergonomia para projetar ambientes 4.1.2.3 Medição de ambientes e cálculo de área 4.1.3 Iluminação Artificial e Natural 4.1.4 Conforto Ambiental 5 INTRODUÇÃO AO DESENHO TÉCNICO 5.1 LEITURA E INTERPRETAÇÃO DE PROJETOS 5.2 ESTUDO DE ESCALAS E COTAS (MEDIDAS) 5.3 MATERIAIS PARA DESENHO 5.4 PADRONIZAÇÃO DAS PRANCHAS

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5.4.1 Caligradia técnica 5.4.2 Margens, Selos e Carimbos 6 REPRESENTAÇÃO GRÁFICA 6.1 TIPOS DE LINHAS E CONVENÇÕES APLICADAS EM PLANTAS BAIXAS 6.2 REPRESENTAÇÃO GRÁFICA DE ELEMENTOS CONSTRUÍDOS 6.2.1 Paredes 6.2.2 Portas e janelas 6.2.3 Escadas 6.2.4 Representação e Simbologia de Diversos Elementos de Projetos (pergolados, lareira, desníveis, louças sanitárias, móveis) 6.2.5 Representação de Paginação de Piso 6.2.6 Decoração de plantas baixas

MÓDULO III 7 TECNOLOGIA DAS CONSTRUÇÕES APLICADAS AO PROJETO DE DESIGN DE INTERIORES 7.1 TECNOLOGIA E SUSTENTABILIDADE 7.2 MATERIAIS DE REVESTIMENTO PARA PISO, TETO E PAREDE 7.3 APLICAÇÕES E RESTRIÇÕES: MATERIAIS MAIS ADEQUADOS A CADA TIPO DE AMBIENTE E CLIMA 7.3.1 Áreas Molhadas e Áreas Secas 7.4 COMPOSIÇÃO DE AMBIENTES COM MISTURA DE MATERIAIS E DEMAIS REVESTIMENTOS NA DECORAÇÃO 8 DISPOSIÇÃO NOS AMBIENTES: A ORGANIZAÇÃO DOS OBJETOS E MOBILIÁRIO 8.1 BREVE HISTÓRICO DO MOBILIÁRIO 8.2 DESIGN DE INTERIORES E PROJETOS DE MARCENARIA 8.3 ESTUDO DA DISPOSIÇÃO DOS MÓVEIS E CIRCULAÇÃO NOS AMBIENTES 8.4 ALTERNATIVAS DE DISTRIBUIÇÃO DE MOBILIÁRIO PARA AMBIENTES 8.5 ARTIGOS DE DECORAÇÃO 8.5.1 Tecidos, Cortinas e Tapetes

MÓDULO IV

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9 PLANEJANDO ESPAÇOS PARA PESSOAS 9.1 COMO CAPTAR O PERFIL DO CLIENTE 10 TECNOLOGIA PARA DESIGN DE INTERIORES 10.1 SOFTWARES MAIS UTILIZADOS 11 FLEXIBILIDADE PROJETUAL: A BASE DE UM BOM PROJETO DE INTERIORES 11.1 AMBIENTES INTEGRADOS 11.2 PANOS DE VIDRO 11.3 VARANDAS 11.4 PAISAGISMO 12 ELABORAÇÃO, ACABAMENTO E APRESENTAÇÃO DO PROJETO 12.1 TIPOS DE SERVIÇOS E HONORÁRIOS 12.2 COMO CONQUISTAR E FIDELIZAR CLIENTES 12.3 COMO SER UM PROFISSIONAL DE SUCESSO REFERÊNCIAS BIBLIOGRÁFICAS

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MÓDULO I

INTRODUÇÃO

O Design de Interiores é uma arte! Arte de planejar ambientes de acordo com padrões estéticos e funcionais; de harmonização dos espaços, móveis, objetos e acessórios. É uma busca constante pela conciliação do conforto, da praticidade e da beleza. Falar sobre Design é uma tarefa árdua, posto ser uma área muito abrangente e em franco desenvolvimento. A cada dia nascem novas ideias, novas tendências, novos materiais e novos rumos para a área de Design de Interiores. Trazer todos os assuntos pertinentes a ele nesse curso não passaria de uma grande e limitada pretensão, pois a forma como o Design se expressa é tão ampla e complexa que vai muito além do bom gosto ou de ideias esboçadas em um papel. O verdadeiro sentido do Design promove não apenas o mero ato de se planejar ambientes, mas também compete a organização, intervenção, revitalização e reestruturação dos espaços internos. O principal objetivo desse curso é que você adquira conhecimentos sobre projetos de interiores de forma ampla e específica, para todos os tipos de ambientes que projetar. Desejamos que construa um olhar crítico sobre harmonização, equilíbrio, estética e, sobretudo, criatividade, característica indispensável a um bom Designer de Interiores. Espera-se que você, aluno, desenvolva uma visão bifocal. Como? Que ela seja suficientemente ampla, pois só assim será capaz de projetar ambientes como um todo! -, e que essa visão também seja específica, a ponto de fazê-lo (a) pensar nos pormenores que enriquecem o projeto de interiores (tais como detalhes dos ambientes, paginação de piso, iluminação, etc.).

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Vamos iniciar o nosso curso falando sobre a História Mundial do Design de Interiores. Você está pronto (a) para “embarcar” nessa aventura? Acredito que sim! Desejamos muito sucesso no seu aprendizado. Bons Estudos!

1 HISTÓRIA DO DESING DE INTERIORES

Não se sabe ao certo quando realmente a história do Design de Interiores iniciou. Sabe-se somente que essa é uma arte tão antiga quanto a Arquitetura e que remonta aos tempos mais antigos, em que já era notável a preocupação com a organização dos espaços internos. A decoração de interiores, os móveis e os acessórios fizeram-se notáveis nas civilizações em todo o mundo, desde os tempos mais antigos até os nossos dias. O crédito para o nascimento do design de interiores é frequentemente atribuído aos antigos egípcios, que decoravam suas humildes cabanas com mobiliário simples, tais como cadeiras e mesas reforçadas por peles de animais ou tecidos. Já havia a presença de pinturas, murais, esculturas e vasos decorativos.

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FIGURA 1 – PAINEL DECORATIVO EGÍPCIO

FONTE: Disponível em: . Acesso em: 22 nov.2012.

Esse estilo rudimentar decorativo contrastava com os ricos ornamentos de ouro, belíssimas relíquias encontradas em sarcófagos como o do rei Tutankhamon. Toda a riqueza e luxo desses ornamentos demonstravam ostentação, domínio e poder das camadas mais elevadas do antigo Império Egípcio. Séculos mais tarde, a civilização Grega fundamentou toda a sua expressão sobre a arte egípcia da decoração de interiores, e houve um notável aprimoramento nessa área. Os móveis outrora rústicos e feitos ao acaso passaram a ocupar grande parte da preocupação de seus feitores: sua elaboração passou a ser feita com mais esmero, e alguns móveis mais finos já traziam detalhes em metais nobres, tais como o marfim e a prata.

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Os romanos deram um passo a mais no desenvolvimento do design de interiores, pois foram os pioneiros em se preocupar com o conforto dos espaços. Pela primeira vez, deu-se grande ênfase na combinação da estética com o conforto dos ambientes. Com o tempo, a decoração dos espaços internos tornou-se imprescindível, sinônimo de riqueza e status social. Pode-se dizer que o mobiliário romano foi inovador, pois o móvel começa a ser percebido não apenas como um utilitário, mas como adereço ornamental. Eram feitos de pedra, madeira ou bronze.

Nesse período é que se popularizou o uso de almofadas,

cortinas

e

tapeçarias

diversas.

Interessante à ressalva de que tanto romanos quanto gregos utilizavam vasos decorativos, pisos de mosaico e pinturas murais ou afrescos para embelezar os espaços interiores.

FIGURA 2 – ESTILO DECORATIVO GRECO-ROMANO

FONTE: Disponível em: Acesso em: 22 nov.2012.

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FIGURA 3 – ESTILO DECORATIVO GRECO-ROMANO CLÁSSICO

FONTE: Disponível em: . Acesso em: 22 nov. 2012.

Após esse período de esplendor e riqueza ornamental, houve um movimento brusco com a austeridade provocada por guerras constantes na Europa Medieval e a ascensão da Igreja. A "Idade das Trevas" foi um tempo de retaliação e estagnação da expressão, e isso se refletiu diretamente no mundo das Artes, da Música, das Letras, da Arquitetura e, consequentemente, do Design de Interiores. As casas, outrora tão ricamente ornamentadas, agora traziam painéis de madeira sombrios, mobília mínima e nada mais que pudesse ostentar algum tipo de capricho ou requinte. Os ditames impostos sobre essa mobília inexpressiva atingiu até mesmo as classes mais elevadas da época, que se limitou a utilizar pouco ou nenhum toque decorativo. Os tecidos floridos, as tapeçarias, a estamparia dos papéis de parede e demais pinturas - tão comuns no estilo decorativo greco-romano, praticamente desapareceram, e só havia cores suaves e tecidos simples à disposição.

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FIGURA 4 – AMBIENTES ESCUROS E MOBILIÁRIO INEXPRESSIVO DA IDADE DAS TREVAS


Apenas no século XII, com o fim da Idade das Trevas, é que a Europa voltou a introduzir cores e ornamentação em suas casas com a chegada do Estilo Gótico. Esse estilo foi criativo e inovador, ao trazer o uso da captação da luz natural por feixes, “rasgos” na alvenaria, abóbadas vitrificadas e pátios abertos.

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FIGURA 5 – USO DA ILUMINAÇÃO NATURAL PRESENTE NO PERÍODO GÓTICO. CATEDRAL DE VALÊNCIA – ESPANHA

FONTE: Disponível em: Acesso em: 22 nov. 2012.

Nos séculos 15 e 16, o Renascimento propôs um foco renovado sobre o design de interiores. Houve uma otimização e notáveis avanços nessa área, em que arquitetos criaram espaços com elaborados elementos decorativos. Pisos e painéis em mármore, recortes, paginação complexas de piso, nichos de madeira embutidos, AN02FREV001/REV 4.0

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pinturas perspectivadas e móveis sofisticados confeccionados dos melhores materiais podiam ser encontrados nos palácios reais, vilas e capelas da Europa. Esse estilo decorativo das Vilas Italianas prolongou-se ainda após o Renascimento, e as contribuições do estilo italiano barroco logo se tornou popular em toda a Europa. O Barroco utilizou-se generosamente do mármore colorido, vitrais, tetos e cúpulas pintados e colunas retorcidas. No século 18 houve o favorecimento do estilo Rococó, demonstrando particular apreço para as porcelanas asiáticas, desenhos florais, móveis confeccionados em materiais elegantes, como madrepérola e casca de tartaruga. Até o final do século 18, o estilo Neoclássico predominava, ou seja, um desdobramento do desenho clássico da antiga Roma, fazendo uso generoso do bronze, seda, veludo e cetim. Assim, o Design de Interiores volta a ganhar toda a monumentalidade e riqueza ornamental como nos períodos iniciais de sua história. O estilo Neoclássico predominou até o início dos anos 1800, quando na Europa e América uma nova tendência surgiu, trazendo mais liberdade e ecletismo ao design de interiores. O Estilo Vitoriano (1835 – 1903) marcou uma era muito importante para a cultura europeia. A Rainha Vitória da Grã Bretanha presenciou em seu reinado o apogeu das artes, das ciências e da tecnologia, quebrando definitivamente o elo entre as tradições do passado e as inovações da modernidade. O estilo vitoriano influenciou diretamente os objetos, móveis, roupas, tecidos, grafismo, artes, arquitetura, paisagismo e design de interiores. Sua influência chegou a muitos outros continentes e durou mais de um século.

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FIGURA 6 – ESTILO VITORIANO (1835 – 1903)


John Ruskin, A.W. Pugin e o renomado arquiteto e designer William Morris foram os precursores do design vitoriano, proclamando a importância da relação entre arquitetura e design que existia na cultura clássica greco-romana e medieval. Este saudosismo de tempos passados era parte da cultura romântica pertinentes ao período vitoriano, período esse cheio de contrastes com o período posterior a ele: o período da Revolução Industrial. A sociedade industrial orgulhava-se do progresso material trazido pela revolução, pois se acreditava que assim estariam anuladas as preocupações espirituais, considerada uma ameaça ao tecido social da época. Esses mesmos pensadores (Ruskin, Pugin e William Morris) não concebiam os novos ideais impostos pela Era Industrial, que exaltavam a beleza da produção em larga escala e das máquinas. Para eles, a arte deveria ser uma imitação da natureza, e, além disso, deveria ser um “retorno à vida em contato com a natureza”, AN02FREV001/REV 4.0

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pois essa era a única saída para a alienação das metrópoles, da fria e artificiosa beleza do ferro, da produção industrial em série e da miséria causada pela exploração

e

pelo

trabalho

mecanizado

das

fábricas

(http://www.estagiodeartista.pro.br/artedu/histodesign/2_design_secxix.htm). Por mais que a Era Industrial incentivasse a racionalização do design e a produção em massa, o gosto vitoriano ainda crescia no coração da burguesia britânica do século XIX. Na arquitetura, na decoração, no paisagismo, nas artes gráficas e nos objetos predominavam as formas orgânicas estilizadas de linhas marcadas e os arabescos com decoração austera e volumes geométricos. Essas ideias iniciaram o movimento conhecido como Arts and Crafts (Artes e Ofícios), no qual 1861 os arquitetos William Morris, Philiph Webb e outros associados estabeleceram um grande estúdio de design. Eles sustentavam o propósito de restabelecer os laços entre o trabalho belo e o trabalhador, e voltar à honestidade do design que a produção em massa negava. O estúdio de Morris e Webb ficou conhecido pela ideia da casa como uma obra de arte total, com todos os objetos desenhados pelos arquitetos e realizados por artesãos experientes, usando métodos tradicionais e inspirados na natureza. A missão social do movimento Arts and Crafts era: 

Dar solução aos males da Revolução Industrial;



Melhorar a qualidade de vida dos trabalhadores;



Levar a cultura a todos;



Restabelecer a união das artes e os ofícios perdidos desde o

Renascimento. O movimento Arts and Crafts teve adesão não apenas da monarquia vitoriana, mas também fez grande sucesso entre as classes mais elevadas. Infelizmente, o sonho de oferecer peças de design único a todos não era financeiramente viável, já que apenas os mais abastados poderiam ter esse luxo. Ainda assim, o gosto pelos objetos Arts and Crafts cresceu e se estendeu na Alemanha e Estados Unidos, onde se publicaram revistas especialistas no assunto, atingindo um grande público feminino.

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FIGURA 7 - DESIGN DE INTERIORES PARA A REVISTA ARTS AND CRAFTS DE MUNICH, ALEMANHA (1844)


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FIGURA 8 - CATÁLOGO DE CADEIRAS THONET (ARTS AND CRAFTS)


As ideias do movimento Arts and Crafts, os ventos românticos e a veloz modernização da Europa no final do século XIX inspiraram na França um movimento ainda maior e mais abrangente. O movimento do Art Nouveau (1890 – 1918) iniciouse na França e se expandiu por toda a Europa convertendo-se em um estilo internacional. Esse movimento está estreitamente ligado às correntes artísticas de fim de século que promoveram a imaginação, a expressão e o simbolismo na arte, mas também à produção industrial em série e ao uso de materiais modernos como o ferro, vidro e cimento. Diferente do movimento Arts and Crafts, o movimento Art Nouveau estabeleceu uma articulação estreita entre arte e indústria, resultando em uma alta qualidade estética dos objetos. AN02FREV001/REV 4.0

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FIGURA 9 E 10 - CARTAZES: TOULOUSE LAUTREC PARA JANE AVRIL E ALPHONSE MUCHA PARA CIGARROS JOB


As linhas curvas, os arabescos, as formas orgânicas e geométricas e os motivos florais que caracterizaram o estilo do movimento Arts and Crafts se fizeram mais atrevidas e sensuais no Art Nouveau. Arquitetura, móveis, objetos, joias, roupa, máquinas, móveis urbanos, tudo se vestiu de linhas onduladas. Era uma geração que aceitava a máquina, mas a vestia de adornos floridos para naturalizá-la. Todas essas características influenciaram diretamente a maneira de se planejar os ambientes internos: estampas florais e sinuosas poderiam ser vistas em cortinas, estofados e papéis de parede. A originalidade oriunda da sinuosidade das composições orgânicas marcou presença no desenho dos móveis e objetos decorativos. Grandes nomes destacaram-se no movimento Art Noveau, tais como o arquiteto espanhol Gaudi, o artista francês Henry Tolouse Lautrec e o designer gráfico e artista inglês Aubrey Beardslay, dentre outros. AN02FREV001/REV 4.0

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FIGURA 11 E 12 - Á ESQUERDA: GUSTAVE KLIMT, "HYGIEIA" (1907). À DIREITA: AUBREY BEARDSLEY "O MANDO DO PAVÃO" (1894)

FONTE: Disponível em:. Acesso em 22 nov. 2012. ano

Assim como o estilo Vitoriano, o Art Nouveau foi um sucesso exclusivo para os nobres e ao consumo da burguesia ascendente. Apenas na virada do século XX, com a iminência da Primeira Guerra Mundial, foi que esse movimento diminuiu a sua força. Após a guerra, o Art Noveau centrou-se nos Estados Unidos, e na década de 20 derivou no estilo decorativo chamado Art Deco. No Brasil, o estilo Art Nouveau, e posteriormente o estilo Moderno, chegou ao país no começo do século XX com muitas novidades. O design Moderno culminou até o início da década de 30 por meio da Bauhaus, a instituição de design mais importante do século XX. Essa escola foi responsável por um enorme desenvolvimento do movimento moderno por meio de melhores métodos de produção e de materiais de melhor qualidade, como o metal tubular, o uso do aço e do vidro. A eficiência funcional da Bauhaus tornou-se sinônimo de modernismo.

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Por volta de 1927, emergiu um Estilo Internacional do modernismo que se distinguia pelo Essencialismo (ou “Minimalismo”), baseado no conceito moderno de se obter o máximo pelo mínimo. Ligado ao design ambiental tentava encontrar soluções inovadoras de design, usando o mínimo possível de energia e materiais.

FIGURA 13 – ESCOLA BAUHAUS

FONTE: Disponível em:. Acesso em: 23 nov. 2012.

As indústrias estavam em busca de uma estética muito peculiar ao Modernismo, em que sua representação orgânica projetou-se desde a arquitetura até o desenho de livros. Desde o mobiliário até o design sofisticado das joias, dos objetos de uso cotidiano às esculturas decorativas. Isso proporcionou uma resposta plástica coerente à exata necessidade de popularização do design. Séculos mais tarde, somos testemunhas em nossos dias da total popularização do design. As inovações tecnológicas possibilitaram o barateamento do custo de materiais e a automatização da produção moveleira, reduzindo AN02FREV001/REV 4.0

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diretamente o custo final para a classe consumista. Lojas populares investem na qualidade de seus produtos, e hoje já é possível se adquirir peças nobres e até mobiliário planejado com valores acessíveis, e formas inúmeras de aquisição. Conforme podemos ver, ao longo dos séculos e até os nossos dias uma série de inovadores estilos surgiram e se foram, provando que o Design não está reservado somente para casas ou pessoas nobres: pode-se dizer que hoje o design de interiores atingiu as massas, e está cada vez mais acessível a todos.

2 DESIGN DE INTERIORES E ESTÉTICA

Desde os tempos mais remotos, é notável o interesse e preocupação do ser humano em relação àquilo que efetivamente o agrada. Vislumbrando a história do Design, é possível afirmar que sempre houve essa disposição ao questionamento do belo, essa busca incessante pela compreensão e delimitação do conceito de beleza. A estética movimentou a transposição da vida humana em todas as eras, como mera criação, como um ideal ou como uma ruptura com padrões e conceitos preconcebidos. Entender o conceito de beleza, da criação do belo foi e ainda é tarefa para os mais brilhantes pensadores, que tentam em palavras demonstrar o tão vasto e imensurável universo da estética. Para Platão, o belo é o bem, a verdade, a perfeição; a estética existe em si mesma, apartada do mundo sensível, residindo, portanto, no mundo das ideias. A ideia suprema da beleza pode determinar o que seja mais ou menos belo. Já para Aristóteles, o belo é algo inerente ao homem, posto que a arte é uma criação particularmente humana e, como tal, não pode estar em um mundo apartado daquilo que é sensível ao homem. Assim, a beleza atribuída a algo estaria sujeita a critérios como a percepção, proporção e harmonia, tudo em sua justa medida. É interessante notar que tudo o que é relacionado aos termos percepção, proporção e harmonia deve ser compreendido como um conjunto inerente e indispensável para a formação e desenvolvimento do olhar crítico de um Designer

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de Interiores, ou seja, essa seria a base de todos os conceitos aplicados a um profissional. Sem esses três pilares, desenvolver, planejar ou mesmo enxergar o Design de Interiores tornara-se obsoleto. Dessa maneira, há a necessidade de se desenvolver no profissional em Design de Interiores a capacidade perceptiva e criadora apuradas, posto que as mesmas permitam aos indivíduos progredirem por si mesmos de modo consciente. Essa conscientização dá-se a partir do despertar do desenvolvimento criativo e perceptivo do ser humano, posto que o Design deva ser pensado de forma planejada e sentida, não ao mero acaso da disposição de objetos, mas considerando toda a problemática da percepção, proporção e harmonia e suas relações com o meio.

2.1 CONCEITO DE BELO: PERCEPÇÃO, PROPORÇÃO E HARMONIA

A base de todo e qualquer processo criativo inicia-se primeiramente pela percepção. Sem a percepção, é impossível que haja qualquer processo criativo, incluindo a criação de projetos de interiores. Mas, como desenvolver o olhar crítico e a percepção? O desenvolvimento da percepção é inerente ao ser humano: é uma busca individual, pois cada pessoa vê o mundo do seu próprio jeito, e transcreve o que vê a partir de suas compreensões e experiências. Na medida em que se coloca junto ao mundo, de forma favorável ou não, cada pessoa experimenta novas sensações e desafios, e assim terá condições para o seu desenvolvimento perceptivo. Logo, a expressividade

do

Designer

de

Interiores

deve

ser

a

manifestação

da

intencionalidade daquilo que sente e pensa. É a expressão das suas sensibilidades estéticas, sentimentais e emocionais colhidas nas experiências e interações com o mundo. Para o Designer de Interiores, esse perceber, memorizar e imaginar as coisas naturais é imprescindível, pois ele apreende as possibilidades sobre a forma, ordenação e composição com objetos. Assim, podemos dizer que quanto mais perceptivo o designer for relacionado ao mundo, mais criativo ele será.

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O Designer de Interiores deve perceber os ambientes e transformar estas percepções em algo novo, com novas cores, novas texturas e formas visuais, elaborando projetos com competência inovadora e criativa. É interessante a ressalva de que a cada nova experiência artística o designer aprimora sua capacidade e aptidão para processos criativos. Com isso, seu intelecto passa a armazenar e associar elementos por meio de múltiplas etapas consecutivas, as quais produzirão novas ideias e combinações infinitas. Por isso é tão importante à busca constante por novidades, posto que a capacidade de captação e interpretação de informações do cérebro é inteiramente visual. Revistas, visitas a eventos e até pesquisas por materiais e ideias relacionadas ao design de interiores enriquecem a mente e – acredite! – criam um arquivo vasto e indelével em sua mente. Assim, em pouco tempo será possível criar ambientes com muita criatividade e diversidade, tornando cada criação única, e o melhor: a cada nova criação, novas ideias e conceitos já estarão para sempre gravados em seu “arquivo” mental. A conjugação certa de elementos comuns ao design de interiores tais como: móveis, objetos, tapetes e quadros, é a chave para a composição de um ambiente verdadeiramente harmonioso e equilibrado. O equilíbrio e a harmonia são o segundo grande passo para a produção de um ambiente ideal, e vem logo após o profissional em design haver treinado seu olhar e percepção, como acabamos de mencionar. É necessário enfatizar que esses conceitos ficarão vívidos e claros à medida que você for trabalhando sua criatividade, conhecendo materiais e texturas, e sabendo identificar e diferenciar o estilo do excesso. Só com a prática em projetos é que você poderá ousar sem medo, misturando diferentes materiais, fazendo um jogo de cores e formas e assim, conseguirá com facilidade fugir de composições óbvias e monótonas. Para ter excelência na arte de projetar e planejar ambientes, primeiramente é fundamental que você conheça o espaço que você possui para decorar. Será um ambiente de trabalho ou residencial? Para alguém mais clássico ou ousado, moderno? E o tamanho do espaço? Grande ou pequeno? Essas perguntas básicas poderão auxiliá-lo na concepção de suas primeiras ideias, pois a partir delas é que você saberá evitar os excessos ou faltas em seu projeto.

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Nas fases iniciais da vida de um projetista, é comum que seus primeiros projetos possuam muitos excessos, como móveis, objetos, cores e texturas desnecessárias, ou até mesmo pode ser que o projeto fique vazio e desinteressante, com poucos móveis e não muitos apelos decorativos. O equilíbrio na escolha de cada detalhe de um projeto é indispensável no sucesso de sua composição. Lembre que um ambiente com excessos demais passa uma ideia de “poluição” e confusão, e até pode comprometer a circulação de pessoas e tornar-se um espaço cansativo. Por outro lado, um ambiente amplo com poucos móveis corre o risco de tornar-se um espaço frio e monótono.

O que vale lembrar é: treine muito, muito mesmo o seu olhar! Pesquise imagens na internet, busque em revistas... Invista tempo em olhar projetos de profissionais que esteja há mais tempo no mercado, pois isso enriquecerá (e muito) seu acervo de ideias. Observe com atenção cada projeto: Que tipo de textura e revestimento foi utilizado? E as cores e tons? Combinam ou contrastam? Objetos modernos podem ser usados com objetos antigos e repaginados? E as peças exclusivas, planejadas? Como se portam nesse ambiente? Esses tipos de observações amadurecem a pessoa como profissional, pois ideias vistas poderão ser reformuladas e reaproveitadas em projetos posteriores. É como diz o velho ditado: “Nada se cria, tudo se transforma...”! E isso é muito válido em relação ao Design de Interiores! Além de ser um atento observador, há alguns princípios que são a base de composição para todo projeto em Design de Interiores, a saber: a) Ritmo - É a repetição de uma forma ou elemento, como cores que se repetem, linhas, curvas, enfim, elementos que sugerem que há um “movimento” na composição de um ambiente.

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b) Harmonia – Seria um equilíbrio ideal entre o estilo sem excessos. As formas, texturas, cores, iluminação, a distribuição dos móveis e objetos, os materiais usados, devem atuar como um conjunto homogêneo e equilibrado. Nada deve faltar ou sobrar no ambiente.

FIGURA 14 – RITMO NAS FORMAS CIRCULARES QUE SE REPETEM EM DIVERSOS ITENS E HARMONIA ENTRE OS ELEMENTOS


c) Equilíbrio – A distribuição de móveis e objetos é basicamente parecida de todos os ângulos. Observe o ambiente abaixo: um sofá em tom mais escuro torna-se a peça principal nessa sala, enquanto os dois outros lances de sofás distribuem-se a uma distância inversamente proporcional. Apesar de não serem peças idênticas, os AN02FREV001/REV 4.0

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sofás possuem o mesmo tom, e isso cria uma sensação de continuidade e equilíbrio no espaço. O mesmo vale para os adereços: Observe que o espelho do lado direito, sendo uma peça de realce evidente, equilibra-se com a luminária alaranjada em seu lado oposto. Peças totalmente diferentes, mas de igual valor de destaque, que terminam por se equilibrar entre si. Por último, dois quadros idênticos ao fundo, que concluem o equilíbrio do conjunto.

FIGURA 15 – ITENS EM HARMONIA E EQUILÍBRIO ENTRE OS ELEMENTOS


d) Unidade- Todo espaço planejado deve ser coerente, fazendo com que todos os itens utilizados, desde texturas, cores, acabamentos, móveis, objetos e complementos “conversem” entre si, como se cada item fosse parte de um todo. e) Contraste – É interessante, desde que utilizado corretamente, pois elementos contrastantes quando juntos são enriquecidos. Paredes escuras com

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molduras claras, tons lisos somados a estampas e texturas e cores contrastantes são exemplos do uso de contraste na composição. f) Centros de interesse – Alguns, senão apenas um objeto na composição deve ser o centro das atenções. É interessante que não haja competição entre os elementos de um projeto, por isso evite os exageros. g) Variedade – Procure sempre trazer o máximo de variedade para o seu projeto, mas com o mínimo de exageros. Como? Utilizando o seu bom gosto. Vale sim a misturas de formas, texturas, cores e estampas, pois isso foge à monotonia. Mas tudo isso com equilíbrio, sem que algo destoe demais do conjunto. Observe com atenção o ambiente abaixo. Note como foram utilizados todos os últimos três princípios aqui mencionados: contraste, centro de interesse e variedade. A parede em tom azul escuro realça as molduras claras na parede, e ainda destaca o sofá amarelo, centro de interesse desse projeto. O tom amarelo do estofado “chama” o painel florido em tom de amarelo queimado do lado direito da composição. Chão aparentemente de carpet estampado somado a parede escura faz com que todos os objetos dessa sala, por singelos que sejam, tornem-se destaque por serem de cor clara, como os vasos e a cortina.

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FIGURA 16 – AMBIENTE TRAZENDO OS PRINCÍPIOS DE CONTRASTE, CENTRO DE INTERESSE E VARIEDADE


h) Escala – Imprescindível para a composição de um projeto! Observe sempre o tamanho do espaço a ser feito o projeto, pois disso dependerá a escolha correta e a quantidade dos móveis, objetos decorativos, cores, texturas e tudo o mais que for utilizar na composição. i) Proporção – Esse conceito “anda de mãos dadas” com a escala. Digamos, por exemplo, que você irá projetar uma sala, mas ela possui altura bem elevada, ou seja, o “pé-direito” alto. Você deve diminuir visualmente essa altura utilizando cor escura no teto. Outro exemplo: ambiente pequeno demais. Não pense duas vezes: use cores claras, pois elas criam a ideia de que o espaço é maior. Da mesma maneira, as cores escuras “estreitam” os ambientes, modificando a percepção da proporção entre largura e comprimento.

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2.2 AS CORES E A PSICOLOGIA

No último tópico, salientamos que o uso das cores é um fator de grande importância na composição de projetos de interiores. Com o uso adequado delas é possível tornar um ambiente visualmente maior ou menor, mais ou menos ameno, mais aconchegante ou menos high tech, por exemplo. Cada cor transmite sensações diferentes, e podem ser utilizadas para acalmar, alegrar ou estimular, trazendo equilíbrio e harmonia aos ambientes. De fato, é impossível não perceber o quanto as cores causam um impacto em nossas vidas, muito maior do que imaginamos. E é por isso mesmo que a Teoria das Cores anda tão atrelada à Psicologia, que tenta explicar os fenômenos sensitivos relacionados a elas. Nesse curso não iremos focar especificamente as atribuições psicológicas das cores e nem abordaremos sua fenomenologia. Nossa intenção aqui é demonstrar, de forma bastante didática, como podemos utilizar as cores em nossos projetos de forma a propiciar reações psicológicas positivas nos indivíduos. Por sua expressividade, as cores têm a capacidade de, mais que qualquer outro elemento, liberar as reservas criativas das pessoas. Utilizando-se disso e reconhecendo que cada cor possui seu potencial de desencadear reações psicológicas nas pessoas, você irá projetar ambientes muito melhores e mais específicos para seus futuros clientes. É importante lembrar que cada um de nós responde à cor de uma forma particular. As pessoas tendem também a ser atraídas por certas cores em virtude de alguns fatores determinantes, tais como seu tipo de personalidade, condições circunstanciais de sua vida ou em seus desejos e processos mentais mais íntimos, profundos e até inconscientes. Dessa maneira, pode-se afirmar que as cores têm influências em nossos componentes físico, mental e emocional. A importância das cores em interiores e sua influência em nossas vidas tornam-se evidente também quando lembramos que, em média, passamos cerca de dois terços do nosso tempo em ambientes internos. Pensando exatamente que

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passamos mais tempo no interior dos edifícios do que fora deles é que a questão do conforto torna-se indispensável em matéria de Design de Interiores! E por isso mesmo o cuidado ao escolher as cores de seu projeto deve ser redobrado, dependendo da sensação que você deseja criar e do ambiente que irá projetar. É comum vermos erros terríveis na escolha de cores, como por exemplo, todas as paredes em tons muito fortes e vibrantes, o que inevitavelmente causará sensação de desconforto. Combinações de cores que não se harmonizam também causam o mesmo efeito negativo nos ambientes internos. Uma boa saída para evitar essas situações é conhecer a teoria das cores aplicada ao Design de Interiores, e as formas mais eficazes de se obter harmonia por meio de uma paleta crômica. Vamos ver tudo isso nos próximos tópicos!

2.2.1 Harmonia para ambientes internos: sensações que as cores proporcionam (calor x frio)

Você já observou com atenção uma Paleta Crômica, ou Paleta de Cores? O “Ciclo Crômico” ou Paleta Cromática surgiu no século 18, e é uma ferramenta bastante útil hoje. Isaac Newton, cientista inglês, descobriu que a luz branca é composta por um espectro de cores: vermelho, laranja, amarelo, verde, azul, índigo e violeta. Newton organizou as cores em matizes crescentes (mais escuras) ou decrescentes (mais claras), e fez com que a Paleta Crômica servisse de instrumento para estabelecer combinações seguramente equilibradas.

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FIGURA 17 – PALETA CRÔMICA

. FONTE: Disponível em: . Acesso em: 23 nov. 2012.

Para utilizar a paleta de cores, é muito simples: 1) Caso deseje compor uma ambiente usando o efeito tom sobre tom, basta escolher um jogo de cores do disco (tons de vermelho, por exemplo). Selecione uma das tonalidades de vermelho, e então, escolha o jogo de cores vizinho (as chamadas “cores análogas”) para compor a harmonia.

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Nesse caso, as paletas vizinhas seriam as das cores alaranjada (à esquerda) ou vermelho escuro (à direita). Essas cores são facilmente equilibradas na composição, uma vez que suas matrizes são próximas umas das outras.

FIGURA 18 – CORES ANÁLOGAS


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FIGURA 19 – HARMONIA UTILIZANDO CORES ANÁLOGAS DA PALETA CRÔMICA


FIGURA 20 – CORES ANÁLOGAS


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2) Agora, caso deseje compor um ambiente mais ousado e contrastante, escolha as nuances do lado oposto do ciclo, ou seja, as cores complementares. Por exemplo: Caso escolha a paleta de tons roxos, o tom complementar (ou oposto) seria o tom laranja claro. Esse tipo de harmonia trata-se de um fenômeno físico surpreendente: exposto a uma cor, o olho busca automaticamente sua cor complementar.

FIGURA 21 – HARMONIA COM CORES COMPLEMENTARES


Outro detalhe importante em relação à paleta crômica é a divisão das cores em QUENTES ou FRIAS. As cores quentes lembram a luz do sol e o fogo. São mais AN02FREV001/REV 4.0

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estimulantes, excitantes e transmitem dinamismo, vitalidade e alegria. Já as cores frias são mais ligadas à natureza, ao céu, às árvores e proporcionam sensação de frescor, calma e tranquilidade.

CORES QUENTES

FIGURA 22 – CORES QUENTES E FRIAS


CORES FRIAS

FIGURA 23 – CORES QUENTES E FRIAS


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FIGURA 24 – PALETA DE CORES QUENTES E FRIAS


Apenas para fins de conhecimento, as cores estão divididas em três grupos: Cores Primárias (cores naturais que não podemos obter por meio de misturas, como o vermelho, azul e amarelo), Cores Secundárias (mistura de duas cores primárias, como o verde, o violeta e o laranja) e as Cores Terciárias (cores obtidas pela mistura de uma cor secundária com uma primária). As cores ainda podem sofrer alterações que diferenciam suas propriedades em relação a algumas características específicas, a saber: 

Matiz: é a cor pura, sem adição de branco ou preto.



Intensidade: quanto mais intensa uma cor, mais “viva” ela é. AN02FREV001/REV 4.0

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

Escurecimento: variação de matiz obtida pela adição de preto.



Clareamento: variação de matiz obtida pela adição de branco.



Saturação: Quanto mais cinza adiciona-se a cor mais neutra ela se torna.

FIGURA 25 – PROPRIEDADES GERAIS DAS CORES


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Agora que já conhecemos um pouco sobre o universo das cores, vamos nos aprofundar ainda mais no conhecimento sobre o significado e as sensações proporcionadas por cada cor, e sua aplicação em Design de Interiores!

2.2.1.1 Teoria das Cores Aplicada ao Design de Interiores

Já vimos que a cor é capaz de alterar todo o contexto de um ambiente. Cada cor possui a capacidade única de com a sua mera presença desencadear sensações, as mais diversas possíveis, e cabe ao Designer de Interiores saber aplicar essas cores adequadamente aos seus projetos. Para ter sucesso na composição de um ambiente não basta apenas gostar de uma cor do catálogo e logo aplicá-la ao ambiente desejado. É comum apaixonarse por uma cor quando se vê no mostruário, e em seguida frustrar-se pelo resultado obtido na aplicação. Como fazer para não errar? Uma dica interessante que pode ajudar na escolha das cores certas em um ambiente é “experimentar” cada tom na parede. Esse velho truque dá certo, e vale observar a área pintada durante o dia e à noite, com iluminação artificial. Isso elimina qualquer dúvida que haja, pois se deve considerar que o efeito na parede quase sempre é muito diferente que a cor apresentada no catálogo de cores. Gostaria de concluir esse módulo apresentando um vislumbre sobre as cores e as sensações que elas transmitem, quando usadas nos ambientes. Conhecer o potencial e as características de cada cor irá prepará-lo (a) para a próxima etapa de seu conhecimento: o Projeto de Design de Interiores.

BRANCO O branco reflete paz, pureza, calma, inocência e dignidade. É uma cor suave, e tem o poder de tornar um ambiente pequeno visualmente maior. Por ser composto por todas as cores o branco reflete a luz, e é uma alternativa excelente para ambientes com pouca luminosidade. Em Design de Interiores, a cor branca

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compõe ambientes sofisticados, iluminados e vivos. O branco possui ainda a grande vantagem de realçar todas as outras cores associadas a ela. Uma grande tendência hoje para quem deseja inovar, mas sem ousar tanto são os tons off-white, ou seja, o branco com um leve toque de outros pigmentos. Uma vantagem observada em relação ao off-white é que esse tipo de tonalidade branca controla significativamente a claridade dos ambientes. Por exemplo, caso alguém não abra mão do branco, mas esteja enfrentando um problema de ofuscamento (ou claridade em excesso), os off-white podem ser a solução para esse problema.

FIGURA 26 – DECORAÇÃO EM TONS DE BRANCO


PRETO

Essa cor, se utilizada de forma coerente, é ideal para compor ambientes nobres, luxuosos e clássicos. A cor preta pode até tornar-se alegre e expressiva, e quando combinada corretamente com outras cores pode até realçá-las. Não há AN02FREV001/REV 4.0

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muito tempo que os Designers “descobriram” que a cor preta responde muito bem aos ambientes de trabalho, comerciais e até mesmo residenciais, quando modernos e sofisticados. Não é a toa que o preto em Design de Interiores remete a poder, responsabilidade e imponência.

FIGURA 27 – DECORAÇÃO PREDOMINANTE EM PRETO GANHA AR MODERNO E JOVIAL COM DETALHES EM AZUL TURQUESA


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FIGURA 28 – O PRETO COM BRANCO É UM CLÁSSICO NA DECORAÇÃO, E REMETE A AMBIENTES SOFISTICADOS E ELEGANTES


CINZA

Por ser uma cor neutra, o cinza quando usado sozinho remete a tristeza, angústia e desânimo. Porém, o cinza possui o poder de realçar com perfeição as outras cores. Responde muito bem quando combinado com cores fortes e vibrantes, como o roxo, o verde e o amarelo limão. Essas combinações e tantas outras harmonias com o cinza remetem a sabedoria, requinte e sensatez.

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FIGURA 29 – AMBIENTE HIGH TECH OBTIDO COM ESCALA DE CINZAS


VERMELHO

O vermelho é uma das cores mais ecléticas e vibrantes em harmonia de interiores. Força, vitalidade, sensualidade, paixão e calor são o que o vermelho representa. Em móveis e objetos, o vermelho possui o poder de realçar formas, e isso se deve ao fato de ser uma cor com muita força e peso visual. O “queridinho” de ambientes ousados, o vermelho faz sucesso em ambientes comerciais como bares e restaurantes, pois é capaz de estimular o apetite e criar ambientes extremamente aconchegantes.

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Em ambientes residenciais o vermelho também faz sucesso. Usado nos quartos certamente vai torná-los mais estimulantes. Em salas, pode ser combinado com outros tons neutros, como os brancos, beges e cinzas.

FIGURA 30 – MODERNIDADE E ENERGIA PODEM SER CONSEGUIDAS COM A BOA UTILIZAÇÃO DO VERMELHO


Alguns aspectos favoráveis que o vermelho sugere são a motivação e o estímulo, posto que essa cor estimula a vitalidade e energia e é um convite à atividade, atenuando a inércia, a melancolia e a tristeza. Quer um ambiente alegre e moderno? Aposte no vermelho! Mas cuidado ao escolher o tom do vermelho. Há vermelhos nobres e intensos, enquanto outras tonalidades mais “abertas” podem aludir à indecência, vulgaridade e falta de polidez em certas ocasiões. O vermelho provoca reações físicas nas pessoas, e por isso mesmo deve ser utilizado com cuidado. Raiva, AN02FREV001/REV 4.0

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brutalidade, crueldade, rancor, revolta e desconforto intenso podem ser algumas possíveis reações.

LARANJA

Quase tão vibrante quanto o vermelho, os tons laranja exalam prazer, êxtase, luminosidade, e lembram o próprio flamejar do fogo. Representa o calor, luz, festa e euforia. Por esse motivo é uma cor excelente para ambientes comerciais, tais como lojas despojadas, lanchonetes e restaurantes. O laranja promove a criatividade, conforto, alegria e expressividade. Comunicação, movimento e iniciativa geralmente são elementos dessa cor, posto que o laranja energiza o corpo e ajuda nos processos de assimilação e distribuição. Por promover toda essa energia, o laranja não é adequado para pessoas facilmente irritáveis ou estressadas.

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FIGURA 31 – BANHEIRO EXALA VITALIDADE E ALEGRIA COM DETALHES LARANJA


AMARELO

Associada à própria luz solar, o amarelo representa a energia, alegria, verão, é a cor da luz, a cor mais luminosa do circulo cromático. Assim como o vermelho, o amarelo possui a capacidade de realçar as formas de objetos e móveis em um ambiente, devido à sua grande capacidade de expansão. O uso dessa cor em halls, corredores e lugares com pouca iluminação é interessante, pois além de iluminar, o amarelo também propicia a sensação de expansão do espaço. Essa cor é associada ao intelecto, às ideias e à inquirição mental, e não é a toa que muitos adotam o amarelo para “fazer as vezes” em seu escritório particular.

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Apesar de vibrante, o amarelo é capaz de transmitir sensações variadas de bem-estar, esperança e o sentimento de que tudo correrá bem. Outras sensações obtidas pelo amarelo estão relacionadas ao brilho, jovialidade e alegria.

FIGURA 32 – SALA EXALA ALEGRIA E CONFORTO COM TONS DE AMARELO

FONTE: Disponível em: . Acesso em 30 nov. 2012.

VERDE

O verde é uma cor muito bem-vinda a ambientes e regiões quentes. Essa cor reflete frescor, calma, serenidade, estabilidade, saúde e bem estar. Com facilidade os ambientes em tons verdes promovem o equilíbrio mental, a harmonia, e sensação de repouso e relaxamento. Essa cor atenua as emoções, facilita o raciocínio correto e amplia a consciência e compreensão. O verde é a própria AN02FREV001/REV 4.0

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imagem da segurança, proteção e aconchego que muitos almejam criar em um ambiente.

FIGURA 33 – SALA DE ESTAR COM ARES DE FRESCOR, CONSEGUIDA COM TONALIDADE VERDE CÍTRICA


AZUL

O azul remete ao frio, ao mar, ao céu, e produz sentimentos como a paz, a serenidade e harmonia. Assim como o verde, o azul transmite frescor e serenidade, porém com um dinamismo maior que o verde. O azul transmite confiança, respeito, tranquilidade e sofisticação e por fazer parte do espectro frio, por sua quietude e

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confiança, promove a devoção e a fé. O azul é uma cor popular associada ao dever, à beleza e à habilidade.

FIGURA 34 – O AZUL PRODUZ AMBIENTES CALMOS, SERENOS E DE UMA BELEZA PECULIAR

FONTE: Disponível em: Acesso em 30 nov.2012.

ROXO/VIOLETA:

Tonalidades roxas, violetas e lilases são a figura clara de fantasia, mistério, espiritualidade, sonho, misticismo e ao mesmo tempo, delicadeza. Dependendo da

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tonalidade, pode criar também ambientes calmos e serenos. Dons artísticos, tolerância e consideração estão associados às cores, roxa e violeta.

FIGURA 35 – BANHEIRO AMPLO E SOFISTICADO ABUSA DAS TONALIDADES ROXAS, VIOLETAS E LILASES NOS REVESTIMENTOS DE ARDÓSIA, MÁRMORE, CERÂMICA E PASTILHAS


BEGE

Os tons beges (ou pastéis) são o grande coringa dos projetos de Design de Interiores. Usado para equilibrar e também compor com maestria, os tons neutros como beges e crus sempre são bem-vindos em composições sóbrias e clássicas, e jamais saem de moda.

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Uma grande vantagem dos tons neutros também é que dificilmente alguém irá “enjoar” de um projeto com esses tons. Beleza, nobreza, sofisticação e tradição são algumas sensações transmitidas por essa cor admirável.

FIGURA 36 – DORMITÓRIO CLÁSSICO EM TONS NEUTROS ALUDE A CONFORTO, ACONCHEGO E SOFISTICAÇÃO


MARROM

Assim como as matizes beges, o marrom proporciona a sensação de que tudo é permanente, sólido e seguro. É a cor da estabilidade, principalmente quando usada nos móveis e adereços. A cor marrom também aceita combinações com cores

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opostas e contrastantes, tais como esse verde pistache utilizado na composição da sala de estar abaixo:

FIGURA 37 – COMPOSIÇÃO CLÁSSICA COM MOBILIÁRIO, ESTOFADOS E PAINEL AMADEIRADO EM TONS DE MARROM CAFÉ FAZEM CONTRASTE COM DETALHES E ILUMINAÇÃO EM VERDE PISTACHE


ROSA / PINK / MAGENTA

Tons rosa, desde os mais claros aos mais intensos, jamais passam despercebidos em uma composição de design. Há muito tempo rotulada como uma cor estritamente feminina e delicada, os tons rosa, pink e magenta ganharam forças

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no mundo do design, graças a descobertas de novas combinações e usos. Independente do tom, os rosados expressam delicadeza, afetividade, calor e energia. Rosas amarelados (conhecidos como “rosa antigo”) entram na categoria de tons pastéis, e figuram muito bem ao lado de tons escuros e pesados, como o azul marinho ou marrom café. Rosas derivados da simples mistura de branco com vermelho são clássicos na decoração de quartos de meninas. Se misturado a outras cores, como o verde cítrico, por exemplo, traz um ar de alegria e frescor, e ainda sai da linha do monótono e previsível.

FIGURA 38 – COMPOSIÇÃO CLÁSSICA COM ROSA EM QUARTOS FEMININOS

FONTE: Disponível em: Acesso em 30 nov. 2012.

Já os tons pink e magenta são dramáticos, modernos e estimulam as pessoas, e em empreendimentos comercias, eleva as vibrações. O pink e o magenta também são bem-vindos em ambientes residenciais e, quando combinado com móveis mais modernos, deixam o ambiente com ar ousado e sofisticado. Adapta-se muito bem com toques de preto, que traz muito glamour à composição.

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FIGURA 39 – TONS PINK E MAGENTA FOGEM DA DELICADEZA HABITUAL DO ROSA

. FONTE: Disponível em: Acesso em: 30 nov. 2012.

FIM DO MÓDULO I

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Apostila - Design de Interiores

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