Transición Del Renacimiento Al Barroco1

2013 TRABAJO FINAL HISTORIA VI

VALERIA PEÑARANDA VALDA CONSERVATORIO PLURINACIONAL DE MÚSICA 03/12/2013

FICHAS DESDE EL BARROCO HASTA EL CLASICISMO HISTORIA VI TRANSICIÓN DEL RENACIMIENTO AL BARROCO: B ARROCO: ESCUELA VENECIANA CONTEXTO: La Escuela Veneciana duró desde aproximadamente los años 1550 hasta 1610, siendo ella el puente entre la la música renacentista renacentista y el barroco barroco temprano. Algunas características características que propiciaron a Venecia como ciudad importante-centro musical en la época fueron entre ellas la muerte del Papa X, lo que conllevo a los músicos abandonar Roma y migrar, haciendo de esta ya no el centro musical de Italia. La invención de la imprenta, cuya tecnología trajo consigo a mucha gente de toda Europa que quiso aprovechar esta. La arquitectura de la Basílica de San Marcos, trajo consigo a muchos músicos interesados en sus espaciosos ambientes para estudiar música.

ASPECTOS TÉCNICOS: 

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Policoralidad:El estilo policoral veneciano fue un tipo de música de fines del Renacimiento y principios del Barroco del Barroco que involucraba coros o conjuntos de instrumentos separados espacialmente, tocando en forma alternada. Representó un cambio importante sobre l amúsica polifónica imperante que se componía a mediados del período renacentista, constituyendo uno de los desarrollos estilísticos que llevaron directamente directamente a lo que hoy conocemos como estilo barroco. La música va a pintar al texto, y no al revés: Se busca hacer comprensibles los textos (sobre todo la música eclesiástica) y expresar las imágenes y sentimientos contenidos. Se busca la plasmación sensorial del texto (sobre todo en la forma Madrigal). La mesura con que se pone música a las palabras, se sitúa sitúa lejos del sistema afectivo afectivo del Barroco. Madrigal y Cromatismo: El predominio de los compositores renacentistas fue por la forma diatónica que representa una vuelta al sistema modal medieval, pero el aumento del cromatismo, principalmente principalmente en el Madrigal de finales del Renacimiento, forma musical musical más característica de este periodo, será uno uno de los cauces por los que se irá imponiendo imponiendo la escala cromática. cromática. El Madrigal con la utilización de la escala cromática (división de la escala en semitonos) y la consideración de las terceras y sextas como consonancias es el elemento de ruptura de la música profana con dependencia dependencia de la Iglesia Iglesia que identificaba identificaba cromatismo cromatismo con paganismo. Transición del sistema modal al sistema tonal Cada acorde era una unidad separada, no se entendía el concepto de inversión. Adornos armónicos a las triadas acompañados de extensión de sonoridades y muchas suspensiones. No hay funciones armónicas. Uso de elementos profanos en lo religioso: Parodia. Percepción Homofónica, una línea melódica de voz cantada y otras voces en el acompañamiento: Más comúnmente llamada hoy melodía hoy melodía acompañada, en acompañada, en esta excepción, se creó en Florencia, donde Florencia, donde hubo un intento de revivir el drama y el estilo musical de la antigua Grecia mediante la monodia. la monodia. Estos músicos fueron conocidos como la Camerata Florentina.

COMPOSITORES: Giovanni Gabrieli (1563 - †12 de agosto de 1612) de 1612) fue fue un compositor un compositor y organista italiano, organista italiano, nacido nacido y muerto en Venecia. en Venecia. Uno Uno de los más influyentes músicos de su época, representa la culminación de la escuela veneciana.

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FICHAS DESDE EL BARROCO HASTA EL CLASICISMO HISTORIA VI Al igual que otros compositores de la escuela veneciana, su estilo se vio notablemente influenciado por las particulares características de la iglesia de San Marcos, con sus galerías separadas, por lo que los órganos y los coros se ubicaban en lados opuestos, además de la excelente acústica del lugar.

Carlo Gesualdo, príncipe de Venosa y conde de Conza (Venosa, 8 de marzo de 1566 - Avellino, 8 de septiembre de 1613) fue un compositoritaliano, una de las figuras más significativas del Renacimiento. Recibió a muy temprana edad clases de laúd y composición, probablemente su maestro fue PomponioNenna. En 1586 se casó con su hermosa prima María de Ávalos, hija del duque de Pescara, pero fue sorprendida cometiendo adulterio y Gesualdo la asesinó junto a su amante en octubre de 1590. Consideró la muerte de sus hijos como castigo de la justicia divina y vivió atormentado hasta el día de su muerte. Sus obras fueron:     

5 Libros de Madrigales a capella (1594-1611). Un libro de madrigales a seis voces, póstumo (1626). 2 Libros de Sacraecantiones, cinco a siete voces (1603). Responso de la Oscuridad para Semana Santa 4 Motetes a María.

Sus composiciones se salen de los cánones de la época: Gesualdo no tenía que agradar a nadie, escribía para sí mismo, el resultado fue una obra original, extraña y sorprendente en el Renacimiento. Fue así de extraña por su uso constante de la disonancia y del cromatismo, algo impensable para la época que veía en su seno el inicio de una protoarmonía tonal que en el barroco se desarrollará.

Claudio Giovanni Antonio Monteverdi (Cremona, 15 de mayo de 1567-Venecia, 29 de noviembre de 1643) fue un compositor, gambista ycantante italiano. Marcó la transición entre la tradición polifónica y madrigalista del siglo XVI y el nacimiento del drama lírico y de la ópera en elsiglo XVII. Combina las escrituras homofónica y contrapuntística, donde utiliza libremente armonías y disonancias. En 1613 fue maestro de coro y director de la catedral de San Marcos de Venecia, ciudad en la que compuso la mayoría de su obra sacra. En su música religiosa utilizó gran variedad de estilos, que iban desde la polifonía de su Misa de 1610 a la música vocal operística de gran virtuosismo.

EJEMPLO MUSICAL: Giovanni Gabrieli. Hacia 1597 publica su propia colección Sacraesymphoniae. Destaca la Sonata pian e forte en la que, posiblemente por primera vez, se dan indicaciones de dinámica (piano, forte) Monteverdi: En 1599 se estrenó Orfeo, favola in musica, su primer drama musical, considerado la primera ópera de la historia. Su siguiente ópera Arianna (1608), cuya música se ha perdido, excepto el famoso "Lamento", consolidó su fama.

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FICHAS DESDE EL BARROCO HASTA EL CLASICISMO HISTORIA VI COMIENZOS DEL BARROCO CONTEXTO: La música barroca abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a 1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750. Estilo surgido en plena lucha entre la Reforma luterana y la Contrarreforma católica, la música fue utilizada en el Barroco como medio de propaganda por las iglesias en competencia y por la alta nobleza. Producto de estos fines es, como en otras artes de la época, una profusión en el uso de la ornamentación, dramatismo, uso de recursos para la pompa y esplendor en los espectáculos públicos, fuertes contrastes sonoros. La transmisión de emociones se organizaba a través de la teoría de los afectos y la retórica, que transfiere conceptos de la oratoria tradicional a la composición del discurso musical. Ahora bien explicaremos y desarrollaremos un poco más que nada de los inicios del barroco temprano que abarcará desde 1580 hasta 1630 aproximadamente.

ASPECTOS TÉCNICOS: 

Aparece la tonalidad y las funciones armónicas: El sistema tonal bimodal utiliza dos escalas diatónicas, mayor y menor. La escala mayor por su constitución simétrica se considera la base de nuestro sistema musical. La escala menor tiene otra fisonomía, también formada por dos tetracordos, no son simétricos, el segundo puede estar sujeto a variaciones, distinguiéndose menor natural, menor armónica y menor melódica. El desarrollo de la armonía tonal, en la que el movimiento melódico de las voces queda supeditado a la progresión de acordes funcionales, armados desde el bajo continuo. El ritmo armónico es rápido (cambio frecuente de acorde).

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La policoralidad, típica de la música religiosa de la escuela veneciana propone Una evolución natural de la policoralidad fue el estilo concertante. Ahora bien, el estilo concertante Es una técnica que nacerá sobretodo para la música orquestal, aunque también aplicable a la música vocal. Se basa en contraponer distintos planos sonoros y timbres de un grupo de instrumentos (tutti, concertino, soli). Es un recurso para dar mayor expresividad a la música. El barroco busca el contraste. La monodia acompañada, en la que una sola voz aguda concentra todo el interés musical. Su acompañamiento instrumental se escribía de forma taquigráfica como bajo continuo. La polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave). Esta textura suele llamarse bipolar o de monodia acompañada. Predominio de la música vocal sobre la instrumental. Se intensifica la fuerza emocional de las palabras dentro de la música vocal. Creando tres maneras de cantar el texto: recitativo, arioso y aria. Diversificación de estilos: Un primera diferenciación se daba entre el stileantico (stylusgravis), de la vieja polifonía renacentista, contra el stile moderno (stylusluxurians), ya plenamente barroco y generalizado en la música teatral y de cámara. La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el oratorio y la cantata entre las primeras, y el concierto, la sonata y la suite entre las segundas. La ópera: En ese contexto artístico aparece la figura del cremonés Claudio Monteverdi uno de los mayores representantes de este estilo musical de carácter narrativo con representación escénica. Suele tener una obertura (parte instrumental que la precede) e interludios (partes instrumentales que se intercalan durante la opera en sí). Hay dos clases de ópera: la Opera seria, estructurada en arias y

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FICHAS DESDE EL BARROCO HASTA EL CLASICISMO HISTORIA VI recitativos, en la que el coro carece de importancia, que es de carácter aristocrático; la Ópera bufa, en cambio, es de carácter popular y usa elementos del folclore, frases cortas y frecuentes repeticiones. 

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En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica. El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en las ya escritas, en forma de ornamentación.

COMPOSITORES: Giovanni Gabrieli (1555-1612) es el principal exponente del Barroco temprano: su música contiene ya los estilos esenciales de la nueva época estética. Claudio Monteverdi (1567-1643) es el primer gran compositor del Barroco; inauguró el nuevo género operístico en Italia y Europa. GirolamoFrescobaldi (1578-1643) tuvo gran importancia en el desarrollo de la música para teclado, en particular por sus toccate para clave y sus canzone para órgano. El nuevo estilo barroco fue aprendido en Venecia por un joven alemán Heinrich Schütz (1585-1672), el más influyente músico en la primera mitad del siglo XVII.

EJEMPLOS MUSICALES: -Orfeo (1607-ópera) de Claudio Monteverdi -Fiorimusicali (1635-Fiori Musicali) de GirolamoFrescobaldi

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FICHAS DESDE EL BARROCO HASTA EL CLASICISMO HISTORIA VI EL BARROCO MEDIO Y TARDÍO CONTEXTO: El barroco como tal, implicará histórica, social y económicamente una época de crisis. Un arte fantasioso y ostentoso, que denota la riqueza de los Estados y próspera situación del catolicismo. Existirá un avance del sistema económico capitalista y de la sociedad burguesa. Y una consolidación de las monarquías absolutas. En la filosofía, se estará rodeado de Racionalismo puro.

ESCUELAS: El Barroco medio (1630-1680) y sus características: 

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El éxito internacional de la música italiana en general y de la ópera en particular expandió por toda Europa (Alemania, Austria, Inglaterra, España), se intenta suavizar la dureza del estilo monódico original para desarrollar la ópera belcantista, en la que se separaban ya claramente recitativos y arias. La nueva ópera pasó de ser un espectáculo aristocrático a entretenimiento de las capas altas de la clase media, gracias a la libre compra de entradas en los teatros napolitanos y venecianos. La ópera francesa (bajo diversos nombres) comenzó su despegue en la corte de Luis XIV, en el mismo tiempo y lugar en que se desarrollaba los nuevos instrumentos de madera barrocos (oboe, fagot, flautas travesera y de pico) y en que se fijaba la suite instrumental francesa. Las danzas antiguas se estilizan en suites instrumentales, y se desarrolla el bel canto. En esta época la ópera adquiere nuevas características, surge una división en dos tendencias: la ópera bufa y la ópera seria. En el norte de Italia (Módena, Venecia y, sobre todo, la escuela boloñesa) la música instrumental sienta las bases de la tonalidad y de las formas del Barroco tardío. Autores como Legrenzi,Cazzati, AlessandroStradella o Vitali convierten la vieja canzona en la nueva sonata en trío, de acusado carácter virtuoso y contrapuntístico. La música instrumental se pone al nivel de la vocal. Con esto se crea una tonalidad rudimentaria que limitaba el uso libre de las disonancias y las formas musicales adquieren grandes dimensiones tras la completa separación de la música instrumental y vocal

El Barroco tardío (1680-1730) y sus características: El Barroco tardío se sitúa aproximadamente entre 1680 y 1730. Una vez más es Italia el país que marcó las tendencias innovadoras, entre cuyos rasgos más notables están: 

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La plena adopción de las fórmulas tonales, a partir de la escuela boloñesa (Torelli) y más tarde Corelli: cadencias frecuentes y muy claras como marco formal, progresiones con movimiento de quintas, cadenas de retardos, acordes paralelos de sexta. La extensión del estilo de concierto, aplicado a la ópera y a la música instrumental: uso de ritornelos, contrastes entre tutti y solo, bajos de gran empuje rítmico, pasajes en unísono, homofonía gobernada por el bajo continuo.

Dos estilos nacionales completamente diferenciados dominaron claramente la música europea del Barroco medio y tardío: 

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El estilo francés. es un estilo fuertemente conservador basado en formas de danza: piezas breves (unidas en la suite) de forma fija bipartita, estructuradas en frases cerradas y simétricas, con armonías muy restringidas y una compleja ornamentación, estandarizada en figuras escritas. El estilo italiano. El estilo italiano, ejemplificado e nVivaldi, se caracterizaba por una tonalidad fuertemente marcada mediante escalas, cadencias y progresiones, la melodía al servicio de la armonía, las frecuentes modulaciones, el rápido ritmo armónico, sus formas abiertas (de frases asimétricas) y el uso libre de la improvisación.

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FICHAS DESDE EL BARROCO HASTA EL CLASICISMO HISTORIA VI COMPOSITORES: La enorme influencia de Corelli llevó el estilo italiano a toda Europa. En Francia desplazó incluso a la fortísima tradición musical local originada en Lully, y en Inglaterra fueron directamente sus discípulos, como Francesco Geminiani, los autores más influyentes. Autores alemanes de primer nivel como Bach, Telemann y Händel estudiaron e imitaron el estilo italiano. Los compositores barrocos cuya música está actualmente más difundida pertenecen a la generación nacida en torno a 1685: Antonio Vivaldi en Italia, Georg Friedrich Händel en Inglaterra,JohannSebastian Bach y Georg PhilippTelemann en Alemania, Jean PhilippeRameau en Francia y DomenicoScarlatti, español de adopción.

EJEMPLOS MUSICALES DE TODO EL BARROCO:

Año

Obra

Compositor

1607

Orfeo (ópera)

Claudio Monteverdi

1635

Fiorimusicali

GirolamoFrescobaldi

1640

Selva morale e spirituale

Claudio Monteverdi

1676

Atys (ópera)

Jean-BaptisteLully

1689

Dido y Eneas

Henry Purcell

1700

Sonatas para violín y bajo continuo op. 5

ArcangeloCorelli

1717

Música acuática

Georg Friedrich Händel

1722

Conciertos de Brandenburgo

Johann Sebastian Bach

1722-44

El clave bien temperado


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FICHAS DESDE EL BARROCO HASTA EL CLASICISMO HISTORIA VI

1724

Giulio Cesare


1725

Las cuatro estaciones

Antonio Vivaldi

1727

Pasión según San Mateo


1713-30

4 libros de órdenes

François Couperin

1733

Tafelmusik

Georg PhilippTelemann

1738

Ejercicios para clavicémbalo

DomenicoScarlatti

1742

El Mesías


1749-50

El arte de la fuga


1728-1750

Misa en si menor


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FICHAS DESDE EL BARROCO HASTA EL CLASICISMO HISTORIA VI ESTILOS ITALIANO Y FRANCÉS ESCUELA Y SUS CARACTERÍSTICAS: ESTILO ITALIANO.Desde la prolongación del Renacimiento italiano se llega al Barroco también de la mano italiana. Nápoles y Roma pueden considerarse la cuna. Se puede argumentar de igual manera que gracias a la constante innovación estilística generada en las ciudades italianas (Venecia, Nápoles, Roma y, sobre todo, Bolonia), las invenciones de la música italiana fueron imitadas en todos los centros musicales europeos, incluidos los franceses, hasta el punto de que el estilo italiano se impuso en el siglo XVIII en todo el continente. Se caracterizará por: 

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Tonalidad fuertemente marcada mediante escalas, cadencias y progresiones, usando la mínima armonización. la melodía al servicio de la armonía, las frecuentes modulaciones, el rápido ritmo armónico, sus formas abiertas (de frases asimétricas) uso libre de la improvisación. El bel canto estaba muy presente Los textos fueron banalizados.

GÉNEROS.LA ÓPERA:La ópera se convirtió en una especie de cantata escenificada. La producción creció sin límites y con cada representación se renovó el interés porque los teatros insistían con montar novedades. MÚSICA DE CÁMARA: El centro italiano de música de cámara por excelencia era Bolonia, donde se destacó la labor creativa de MaurizioCazzati, autor de primitivas sonatas para violín y continuo. Allí también surgió ArcangeloCorelli. Corelli se destacó sobre todo como autor de sonatas en trío y para solista. COMPOSITORES.Giovanni Gabrieli (1555-1612) es el principal exponente del Barroco temprano: su música contiene ya los estilos esenciales de la nueva época estética. Claudio Monteverdi (1567-1643) es el primer gran compositor del Barroco; inauguró el nuevo género operístico en Italia y Europa. GirolamoFrescobaldi (1578-1643) tuvo gran importancia en el desarrollo de la música para teclado, en particular por sus toccata para clave y su canción para órgano. A mediados de siglo sobresale ArcangeloCorelli (1653-1713), es un compositor imprescindible para conocer la base de la técnica de violín de los siglos 18 y 19, y cuyas composiciones son música de cámara de gran alcance en su influencia en resto de compositores de la época y en el futuro. AlessandroScarlatti (1660-1725) Muchos lo consideran como el padre de la música barroca. Compuso óperas, cantatas, sonatas y fue solicitado por la nobleza de distintos países europeos para componer “a medida”.

Antonio Vivaldi (1678 1741). De Vivaldi hay que destacar el concierto, el concerto grosso y el solista. Vivaldi ha pasado a la historia de la música como uno de los grandes del periodo barroco siendo emulado y seguido por muchos compositores posteriores y un precursor del poema sinfónico. DomenicoScarlatti (1685-1757) y Giuseppe Tartini (1692-1770) representan la cumbre y el ocaso barroco en su país.

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FICHAS DESDE EL BARROCO HASTA EL CLASICISMO HISTORIA VI ESCUELA Y SUS CARACTERÍSTICAS: ESTILO FRANCÉS.Esta primera época se da durante el reinado de Luis XIV. Se caracteriza por lo siguiente: - Se da ya un gusto por lo clasicista. - La música es majestuosa (téngase en cuenta que la mayoría era para divertimento de la corte) - Versalles es el centro musical y artístico. - La música se convierte en algo decorativo.

Se da durante la regencia y reinado de Luis XV. A esta época también se le llama ROCOCÓ. Entendemos por Rococó el estilo que trata de buscar una especie de decoración externa en la música. Es una época de transición entre el Barroco y el Clasicismo. Sus características principales son: - Cada acorde tendrá un tiempo de expresión, el ritmo armónico va a ser lento. - Las melodías y los temas musicales son repetitivos (por ejemplo en las danzas), la métrica igualmente será marcada y fácil de recordar. Se tenían Minuetos, bourrèes y toda suerte de bailes con variados ritmos. - Hay abundancia de adornos armónicos, floreos de todo tipo, apoyaturas expresivas, muchas notas de paso y refuerzos. -Separaciones muy claras entre frases, contraste de ideas. -Su objetivo era puro entretenimiento, nada metafísico. -Brisse, estilo de hacer partituras con puntitos. Partituras con acordes y los instrumentistas debían añadir el estilo brisse, adornos armónicos, arpegios con notas de paso, etc. -Corrente movimiento completo con variación completa (Double) -Doble puntillo

Se da durante el reinado de Luis XVI. El músico más destacado es Rousseau, también filósofo. Un hecho destacado de este momento es la Querella de los Bufos de Bufón, lo que da lugar a un estilo artí stico cómico y alegre. Gluck es un compositor que, aunque es alemán, estrena la mayor parte de su obra en París. Gluck aporta un nuevo esplendor a la opera francesa después de su decadencia tras la muerte de Rameau. Gluck cultivó el género de la ópera Bufa, que los italianos intercalaban como entreacto en las operas serias, a modo de farsa música.

GÉNEROS.ÓPERA: En Francia, entre Lully yRameau, apareció una serie de compositores que cultivaron un arte operístico de tinte italiano. Por otro lado, los maestros de capilla seguían componiendo obras religiosas.

ÓPERA CÓMICA: Es uno de los principales aportes franceses al género operístico. Proviene de la ópera bufa italiana y fue estimulada por ella. Frente al éxito de obras como La sierva patrona d ePergolesi, Philidor desorienta a los seguidores con una ópera cómica (Blas el remendón) a la que siguieron otros aciertos. Monsigny, autor de El Rey y el granjero y El desertor fue uno de sus contemporáneos. Otro destacado del género fue André ModesteGrétry, autor de un extenso catálogo de óperas cómicas, entre las que destacamos El Hurón y Ricardo Corazón de León.

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FICHAS DESDE EL BARROCO HASTA EL CLASICISMO HISTORIA VI MÚSICA RELIGIOSA: También la música religiosa fue influenciada por el estilo concertante, que contaba con el recelo de los maestros de capilla conservadores, quienes mantuvieron el género del motete. Charpentier fue su exponente máximo.

COMPOSITORES. 

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La figura fundacional del período quizás sea Jean BaptisteLully. ArcangeloCorelli es el que definió la sonata da chiesa y el concerto grosso italiano, y Lully la suite francesa, los géneros que dominaron los finales y la primera mitad del siglo XVIII. El canto francés había sido definido por el suegro de Lully, Michel Lambert. A diferencia del canto de la ópera y la cantata italiana, de líneas claras y melódicas, el francés abunda en todo tipo de adornos, trinos y melismas complejos Marc AntoineCharpentier, y es uno de los compositores más originales y olvidados del barroco François Couperin. Los Couperin eran una dinastía de grandes músicos comparables con los Bach o los Scarlatti. El más genial retoño de la familia nació en 1668, y fue una leyenda del teclado canonizada en vida. Esperó a 1713 para dar a luz su primer libro de piezas para clavecín (clavicémbalo) Couperin no llama “Suites” a cada una de sus veintisiete agrupamientos de danzas y piezas

individuales, los llama Ordres (órdenes), el nombre sigue siendo un misterio Los ordres para clave de Copuerin están organizados en el grupo de danzas clásico de la suite francesa: Allemandes, Courantes, Sarabandes, Minuetos, Gavottes, Gigues. Luego le siguen piezas programáticas, o de carácter, piezas basadas en una idea o imagen poética (es decir, esto no fue un invento de los pianistas del siglo XIX), algo que ya existía en la música francesa 

Jean PhilippeRameau. un importante organista e intérprete de clave, dotado de increíbles facultades para la fuga, el motete y las cantatas. Entre sus óperas más destacadas figuran Hipólito y Árida, la ópera-ballet Las Indias galantes y, en especial, la tragedia musicada de Castor y Pólux. Rameau era un maestro del color y los timbres orquestrales en una época en que no existía la orquesta como la entendemos hoy

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FICHAS DESDE EL BARROCO HASTA EL CLASICISMO HISTORIA VI ¿POR QUÉ BACH ES POPULAR? CONTEXTO.J.S. Bach fue y es considerado como uno de los más grandes genios de la música, por quién fue, por sus aportes musicales, por su extensa familia de músicos y por su adaptación de técnicas por muchísimos músicos de diferentes estilos y distintas épocas que abarcaron, desde que las obras de Bach se vieron a la luz, hasta nuestros tiempos. J.S. Bach nace en Eisenach, actual Alemania, 1685-Leipzig, 1750, en el seno de una dinastía de músicos e intérpretes que desempeñó un papel determinante en la música alemana. Hijo de Johann Ambrosius. A la muerte de su padre en 1695, posterior a la de su madre, se hizo cargo de él su hermano mayor, organista de la iglesia de San Miguel de Ohrdruf. Bach se familiarizó rápidamente con los instrumentos de teclado, el órgano y el clave. Su formación culminó en el convento de San Miguel de Lüneburg, donde estudió a los grandes maestros del pasado. A partir de estos años, los primeros del siglo XVIII, Bach estaba ya preparado para iniciar su carrera como compositor e intérprete. Una carrera que puede dividirse en varias etapas, según las ciudades en las que el músico ejerció: Arnstadt (1703-1707), Mühlhausen (1707-1708), Weimar (1708-1717), Köthen (1717-1723) y Leipzig (1723-1750). En los últimos años de su existencia su producción musical descendió considerablemente debido a unas cataratas que lo dejaron prácticamente ciego. Casado en dos ocasiones, con su prima MariaBarbara Bach la primera y con Anna Magdalena Wilcken la segunda, Bach tuvo veinte hijos, entre los cuales descollaron como compositores Wilhelm Friedemann, Carl Philipp Emanuel, Johann Christoph Friedrich y Johann Christian. Pese a que tras la muerte del maestro su música, considerada en exceso intelectual, cayó en un relativo olvido. Sin embargo, fue recuperada por la generación romántica, desde entonces la obra de Johann Sebastian Bach ocupa un puesto de privilegio en el repertorio.

¿POR QUÉ BACH ES POPULAR? -Bach fue popular por ser quien era, y pertenecer a su propia vida.Bach es un ejemplo de persona, siendo un personaje que quedo huérfano a los 10 años y pese a esto, su capacidad, genialidad y talento inconmensurable lo llevaron a estudiar, aprender y ganar tanta experiencia, sin contar su nivel de análisis superior y arduo trabajo que lo llevo a tener una obra, en cantidad y calidad maravillosa. -Bach es popular porque desarrolló las técnicas de sus predecesores hasta darles su propio estilo y convirtiéndose en el padre de muchas de esas técnicas por su extrema y perfecta utilización y posteriormente siendo plenamente inventivo. -Bach es popular porque fue uno de los pocos músicos, hasta hoy en día, que tuvo la capacidad de crear un repertorio de más de 1000 piezas musicales, todas exquisitas, en calidad y cantidad. -Bach es popular, porque fue un genio y vio más allá. Se ha descubierto una relación muy estrecha con su estilo compositivo y utilización de técnicas contrapuntísticas y las matemáticas (Gematría: Asignación de números o letras a notas musicales) En la música de Bach, existe el fenómeno fractal hoy investigado por ciencias y la matemática. En Bach, se encuentran sucesiones, inversiones, copias en espejo, disminuciones retrógradas o aumentos de los temas o

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FICHAS DESDE EL BARROCO HASTA EL CLASICISMO HISTORIA VI motivos musicales. Es una especie de secuencias que percibimos emocionalmente desde la partitura genial polifónica bachiana pero que se ilustran mejor con el fenómeno matemático de los fractales. -Bach es popular, porque transmite e influye. La influencia de Bach ha ido desde sus contemporáneos hasta los nuestros. En el periodo romántico fueron varios los autores que compusieron obras relativas a Bach como Robert Schumann, quien desde 1845 se dedica al estudio de las obras de aquél (el Clave bien temperado era su pan cotidiano).

Franz Liszt compuso las Variaciones sobre la Cantata BWV 12, cuyo tema principal proviene del primer coro de la mencionada Cantata. Otra de sus grandes obras es la Fantasía y Fuga sobre el nombre de B.A.C.H Rimski-Korsakov,compositor ruso del siglo XIX, compuso varias fugas y 6 variaciones sobre B.A.C.H. Op. 10, escritas en 1878. Ya en el siglo XX tenemos al compositor ruso Dimitri Shostakovich , quien en 1951 compuso un ciclo de 24 Preludios y Fugas Op. 87 en homenaje a Bach.

BélaBártok , compositor húngaro, compuso a los cuarenta años los 6 cuadernos del Mikrokosmos : 153 piezas de un valor pedagógico sin rival desde las Invenciones y Preludios y Fugas de Bach. ArnoldSchönberg, compositor vienés, fue el fundador de la segunda Escuela de Viena junto con AlbanBerg y Webern. Dentro de sus Piezas Op. 23, la primera, titulada Sehrlangsam, es una auténtica invención a tres voces en la que la voz intermedia traspone la notación de las letras B. A. C. H. Bach fue el primer improvisador de renombre en la música culta. Las Variaciones Goldberg las ha trasformado en jazz por el pianista canadiense Glenn Gould porque le ha inspirado la primera página que dice: "treinta improvisaciones sobre un tema", recargándolas con más ornamentos, añadiendo un bajo y una batería, cambiando las manos, variando el tempo, en definitiva, hermanando barroco y jazz -estilos de los siglos XVIII y XX- sobre un escenario. El pianista ciego LenieTristano, que había recibido una formación clásica, creyó encontrar una relación de consanguinidad entre Bach y el jazz que procedía de su fascinación por la linealidad y los contrapuntos rítmicos. Su tema G MinorComplex, constituye la prueba definitiva del modo en que Tristano revisó productivamente la herencia de El clave bien temperado. Más o menos por la misma época, otro pianista formidable, Bud Powell, plasmó en su disco Bud! una referencia al barroco de la escuela bachiana en el tema Bud on Bach. Muchos grupos y artistas de rock progresivo admiraron, admiran y admirarán su trabajo musical, rindiendo por ello culto en sus propias obras que buscan, entre otras cosas, la inmortalidad. Algunos ejemplos son: JethroTull, Ekseption, RovesciodellaMedaglia. -Bach es popular, porque transmitió un lenguaje. Bach no solamente tenía el virtuosismo y la inventiva a su lado. Sino Bach transmitía diálogos, su música era lenguaje. Los diálogos tienen aquella explicación, no solamente acústica sino también gráfica en su obra, mientras un motivo preguntaba, otro respondía y afirmaba, así era su música, llena de expresividad, llena de sentido, genialidad, sentimiento y pasión. Así Bach se convierte en uno de los máximos genios en toda la historia, no solo de la música sino del mundo entero.

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FICHAS DESDE EL BARROCO HASTA EL CLASICISMO HISTORIA VI LA OBRA DE BACH Y SUS TÉCNICAS CONTEXTO.Como habíamos visto antes, Bach fue un hombre capaz de llevar al barroco musical a los límites de su belleza, expresividad, técnica, intelecto y genialidad. Ahora bien, veremos a detalle sus técnicas utilizadas, más que nada en función a una de sus obras póstumas La Misa Grande o Misa en Si menor, no sin mencionar antes algunas de sus máximas obras y su influencia.

CARACTERÍSTICAS.En la música de Johann Sebastian Bach se resume toda la tradición de la música clásica europea precedente: la polifonía que iniciaron Perotín y Léonin, el Ars nova, la música renacentista de Palestrina y Frescobaldi, la música barroca de DietrichBuxtehude. Dominó a la perfección el estilo, técnica y géneros autóctonos alemanes del órgano (tocatas, preludios, fugas, corales), franceses del clave (suites, oberturas) y los italianos del violín (conciertos, sonatas, sinfonías). Ahora bien, en su música Bach va a desarrollar varios conceptos, que no se quedarán en el ámbito teórico sino los llevará a sus obras.

BAJO FIGURADO: El bajo figurado es un método de notación musical donde la nota del bajo es dada y el estudiante tiene que averiguar las partes superiores. El objetivo de Bach era que cada voz separada se usara para ser una melodía completa como tal. El bajo continuo es ejecutado por uno o varios instrumentos, típicamente un instrumento armónico como los instrumentos de teclado u otros como el arpa y el laúd, con la voz de bajo simultáneamente a cargo de un instrumento de tesitura grave como el violoncello, la viola da gamba u otros. ORNAMENTACIÓN: Tan ampliamente desarrollada en la música instrumental de Bach a través de notas de adorno como son los grupetos, trinos, apoyaturas, etc., fueron totalmente utilizados, sobretodo, por Mozart, Haydn y Beethoven. A medida que avanza el Barroco los adornos van adquiriendo un sentido diferente. Una ejecución de algunos ornamentos barrocos comunes se establece en la siguiente tabla del Pequeño libro de Wilhelm Friedemann Bach escrito por Johann Sebastian Bach.

DESARROLLO DEL MOTIVO: Una idea musical sencilla y breve se explora a través de todo un movimiento. Es una técnica utilizada a lo largo de todas sus obras, muy característico de Bach, plantear un pequeño motivo del cual se utilizará una larga sucesión de técnicas también contrapuntísticas y canónicas.

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LA VARIACIÓN: Bach fue el primer minimalista de la historia; el desarrollo de pequeños motivos en sus obras concuerda con esa afirmación. Tal es así que con solo cuatro notas puede construir diversas tipos de variaciones o diferencias. Todo esto llevaría al establecimiento del Tema con Variaciones. Un ejemplo bastante claro es su obra Treinta Variaciones sobre un tema en sol (Variaciones de Goldberg). Además, en el Coral Variado da muestra de la ampliación de un tema; esta es la más antigua prueba de que Bach fue el pionero en desarrollar con eficacia la variación de un tema

CONTRAPUNTO: El contrapunto es una técnica de composición musical que evalúa la relación existente entre dos o más voces independientes (polifonía) con la finalidad de obtener cierto equilibrio armónico. El contrapunto de Bach, a menudo considerado como la más profunda síntesis de las dos dimensiones jamás lograda, es extremadamente rico armónicamente y siempre clara direccionalidad tonal, mientras que las líneas individuales siguen siendo fascinantes.

ENTRE ARMONÍA Y MODULACIÓN: En la mayor parte de los compositores de su época se encontraban una modulación y una armonía que progresaba lentamente, pero en la modulación de las piezas instrumentales de Bach cada progresión era una idea nueva. La manera en que trataba la armonía y la modulación le era propia.

LA FUGA: La fuga es la manifestación técnica y artística más madura y libre de la escritura contrapuntística. Es imposible encasillar todas las fugas escritas bajo un solo patrón uniforme. Las fugas generalmente tienen tres o cuatro partes, es decir, voces melódicas; pero existen composiciones orquestales de hasta ocho o diez voces. Son raras las fugas de dos partes, donde el tema sólo puede ir de la voz superior a la inferior. Un ejemplo de fuga a dos partes es la Fuga en Mi menor del primer libro de El clave bien temperado de Johann Sebastian Bach. Desde el punto de vista de la estructura, las fugas tienen varias partes, más parecido a un A-B-A. Los grandes eruditos de la época sólo la estudiaban; después será retomada por algunos compositores destacados como Beethoven, Mozart, Schumann y otros. Al componer, dentro del estilo que fuere, Bach infringía las reglas tradicionales establecidas: -Hacía octavas y quintas consecutivas. -Duplicaba muy a menudo no sólo las notas casualmente aumentadas de la escala sino también las notas sensibles sin hacer octavas consecutivas. -En la modulación de las piezas instrumentales de Bach cada progresión era una idea nueva. -En sus piezas Bach retiene de una armonía la mayor parte pero mezcla en cada progresión algo emparentado progresando tan paulatinamente que no se siente ninguna transición dura o salto y, sin embargo, ningún compás se parece a otro, desconociendo aquellos efectos bruscos con los que los otros compositores pretendían asombrar a sus oyentes.

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FICHAS DESDE EL BARROCO HASTA EL CLASICISMO HISTORIA VI -En aquella época era regla que un conjunto de voces debía formar un todo y contener todas las notas necesarias para la completa indicación del contenido de modo que en ninguna parte se sintiera cierta pobreza que permitiera añadir otra voz, regla que se aplicaba sólo para la escritura a dos, tres y cuatro voces. Bach extendió esta regla a la composición de una sola voz, algo muy novedoso. Supo concentrar en una sola voz todas las notas necesarias para una perfecta modulación de modo que una segunda voz no fuera necesaria.

LAS OBRAS DE BACH.PARA TECLADO:                                

15 invenciones, BWV 772 a 786 15 sinfonías, BWV 787 a 801 4 duetos para teclado, BWV 802 a 805 6 suites inglesas BWV 806 a 811 6 suites francesas BWV 812 a 817 7 suites BWV 818 a 824 6 partitas BWV 825 a 830 Obertura francesa BWV 831 Partita BWV 832 Preludio y partita BWV 833 5 allemandes BWV 834 a 838 Sarabanda BWV 839 Courante BWV 841 3 minuetos BWV 841 a 843 2 scherzos BWV 844 y 844a Giga BWV 845 El clave bien temperado, libro I, BWV 846 a 869 El clave bien temperado, libro II, BWV 870 a 893 9 preludios y fugas BWV 894 a 902 6 fantasías y fugas BWV 904 a 909 7 tocatas BWV 910 a 916 7 fantasías y preludios BWV 917 a 923 9 pequeños preludios para Wilhelm Friedemann Bach, BWV 924 a 932 Seis pequeños preludios BWV 933 a 938 Cinco pequeños preludios BWV 939 a 943 19 fugas BWV 944 a 962 8 sonatas BWV 963 a 970 Movimientos sueltos BWV 968 a 970 Concierto italiano BWV 971 16 conciertos para teclado solo BWV 972 a 987 Variaciones Goldberg BWV 988 Cuaderno de piano para Wilhelm Friedemann Bach

PARA ÓRGANO:   

Fuga en sol menor BWV 131a Seis sonatas, BWV 525 a 530 29 preludios y fugas, BWV 531 a 551, con subentradas

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8 preludios y fugas breves BWV 553 a 560 2 fantasías y fugas, BWV 561 y 562 Fantasía en si menor, BWV 563 Tocata en Do mayor, BWV 564 Tocata y fuga en re menor, BWV 565 Tocata y fuga en Mi/Do mayor, BWV 566 3 preludios, BWV 567 a 569 4 fantasías, BWV 570 a 573 Piezas varias, BWV 561 a 591 Tocata y fuga en re menor, BWV 565 Pequeña fuga en sol menor, BWV 578 6 conciertos, BWV 592 a 597 Cuaderno para órgano (Orgelbüchlein), BWV 599 a 644 Corales Schübler, BWV 645 a 650 Las 18 corales de Leipzig, BWV 651 a 668 Corales "Kirnberger", BWV 690 a 713 Corales "Neumeister", BWV 1090 a 1120 El Arte de la Fuga, BWV 1080, probablemente una obra para órgano o clave

PARA CUERDA:   

Sonatas para violín solo, BWV 1001, 1003 y 1005 Partitas para violín solo, BWV 1002, 1004 y 1006 Seis suites para violoncello solo, BWV 1007 a 1012

PARA MÚSICA DE CÁMARA Y ORQUESTAL:            

Sonatas para violín y clave BWV 1014 a 1023 Sonatas para viola de gamba y clave BWV 1027 a 1029 Sonatas para flauta y clave BWV 1030 a 1035 Sonatas para 2 instrumentos y clave BWV 1036 a 1040 Conciertos para violín y orquesta BWV 1041 a 1043 Concierto para flauta, violín, clave, cuerdas y continuo BWV 1044 Sinfonía en Re mayor BWV 0145 Conciertos de Brandenburgo, BWV 0146 a 1051 Cánones BWV 1042 a 1078 y BWV 1086 Suites para orquesta BWV 1066 a 1069 Ofrenda musical BWV 1079 14 cánones BWV 1087

CANTATAS Y OTRAS OBRAS VOCALES:      

Cantatas religiosas, BWV 1 a 200 Cantatas profanas, BWV 201 a 244 y 249 Seis motetes, BWV 225 a 231 Misa en si menor, BWV 232 Misas breves y Sanctus (misas luteranas) BWV 233 a 242 Magnificat en Re mayor BWV 243

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Magnificat en Mi bemol mayor BWV 243a Pasión según San Mateo BWV 244 Pasión según San Juan BWV 245 Pasión según San Lucas BWV 246 Pasión según San Marcos BWV 247 Oratorio de Navidad BWV 248 Oratorio de Resurrección BWV 249 Corales BWV 250 a 438 Lieder religiosos BWV 439 a 507 Cuaderno de notas para Ana Magdalena Bach BWV 503-523 Quodlibet BWV 524 Credo in unum Deum BWV 1081 Suscepti Israel Puerumsuum BWV 1082 Salmo 51 BWV 1083

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FICHAS DESDE EL BARROCO HASTA EL CLASICISMO HISTORIA VI ESTILO GALANTE, SENSITIVO O ROCOCÓ CONTEXTO. Nos encontramos a finales del periodo Barroco, cuando J.S. Bach escribía La Pasión según San Mateo, con el objetivo de buscar música funcional, perteneciente ya a un estilo antiguo, del cual sus hijos se desprenderían y empezarían a innovar sus composiciones. Los orígenes de este nuevo estilo se encuentran en el ambiente aristocrático particularmente en Francia. La mayor parte de esta música se componía para diversión de la corte y la nobleza y tenían como formas favoritas el divertimento y la serenata. El instrumento que mejor representa el rococó es el clave. Entre los máximos exponentes de esta corriente se puede citar a Jean PhilippeRameau y Carl Philipp Emanuel Bach, Johann Christian Bach y George PhilippTelemann, sin embargo no va a durar más de 15 años, entre 1730 y 1745. El rococó es considerado la culminación del barroco, sin embargo surge como reacción al barroco clásico.

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Se difunde en otros países como: Alemania Australia

PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS: Algunas características del estilo Rococó que serán tomadas por compositores como Haydn y Mozart en el clasicismo son las siguientes: -Ritmo armónico lento -Figuración de cuatro notas iguales, acentuando siempre la primera nota. -Apoyaturas expresivas y adornos armónicos. -Procesos arpegiados. -Contraste de ideas y frases. -Principio de doble exposición de una idea -Acento agógico, apoyando una estructura armónica. -Muchísima figuración. -Articulación separada entre arpegios. -Utilización de muchas escalas. -Notas rápidas y repetidas. -Los instrumentos para continuo fueron perdiendo importancia: sólo el clave se mantuvo como soporte de los recitativos secco. -El contrapunto escolástico cayó en descrédito. La gente había oído ya más que suficientes fugas, cánones y otros artificios polifónicos. -Los motivos serán constituidos en una idea y esta puede ser repetida y variada, moviéndose por regiones. -Su modulación era por acorde común. -El color y la textura era trabajado apoyado en sus grados formales.

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COMPOSITORES: En Francia François Couperin, Jean PhilippeRameau, Louis Claude Daquin, Johan Schobert, en Alemania Georg PhilippTelemann, Johann Matheson, Carl Philipp Emanuel Bach, en Austria Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart y en Italia con DomenicoScarlatti, DomenicoParadies, DomenicoCimarosa o Rutini, entre otros.

ANEXOS: ESCUELA DE MANHEIM.El arte musical no se configura de un día para otro, sino en una larga cadena de avances y retrocesos. Y visto desde la musicología, el mayor acontecimiento en el siglo XVIII es la germana Escuela de Mannheim fundada por el virtuoso del violín Johann Stamitz. Lo que ha dado a la Escuela sello inconfundible y particular, tarea ciertamente importante, es el estilo intermedio entre la música italiana y germana, las subjetivas expresiones musicales, composiciones tendenciosamente románticas, rapsodias emocionantes, la uniformidad en el cuidado del empleo uniforme del arco, la primacía del violín sobre demás instrumentos, los detalles del fraseo, y el alto grado de exactitud en la dirección orquestal. No es de extrañar que tal matización estilística y técnica condujera a músicos de Mannheim a experimentaciones en efectos sonoros de las violas, flautas, trompetas, los violoncelos, contrabajos, oboes y clarinetes, así como al dinamismo constante, progresivo y uniforme de la orquesta. Otras de las innovaciones de los artistas de Mannhein son el tratamiento de instrumentos de madera independientemente de los demás, el trío en conciertos y sonatas, y los cuatro movimientos en la sinfonía; características absolutamente separadas de las habituales corrientes musicales de la época. Los miembros de la Escuela, no conformes con la delicada belleza melódica italiana, especialmente napolitana, menos aún con el estilo galante francés, buscaban ideas musicales libres y variadas de sonidos, además de henchidas de elocuentes formas artísticas. No concebían a la música alemana en armonías y melodías lógicamente estructuradas sino adecuadas al oído y a conductas y hábitos sociales; por eso mismo, la reducía a una estética tan pronto „lisonjera‟,„triste‟, „delicada‟ ,‟graciosa‟ y „jocunda‟ como „fresca‟, „seria‟ y „sublime‟. Para ellos el centro de gravedad consistía en poner de relieve no el motivo ni la técnica de la composición sino pensamientos y sentimientos gobernados por la armonía, la melodía y el ritmo. Pero el maestro cumbre de la Escuela de Mannhein, y quien la entroncó con el clasicismo musical, fue el vienés Georg ChristophWagenseil. Su paso„revolucionario‟, así conceptuado por la crítica de la época tanto

en Alemania como en toda Europa, es haber transformado la escritura dearmonías y melodías en ideal musical y también haber conferido a la polifonía barroca con variedad de motivos y temas un lugar destacado en la sinfonía. De entre los fieles a ese estilo musical, además de mimados en la Escuela, destacan a Christian Ferdinand Abel, Franz Xavier Richter, y hasta el mismo Franz Joseph Haydn. Pero aguardaba al siglo las tempranas sonatas melancólicas para piano de Wolfgang Amadeus Mozart, maduramente influidas por el estilo de Mannheim.

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FICHAS DESDE EL BARROCO HASTA EL CLASICISMO HISTORIA VI JOSEPH HAYDN CONTEXTO.Franz Joseph Haydn (Rohrau, cerca de Viena, Austria, 31 de marzo de 1732 – Viena, 31 de mayo de 1809) fue un compositor austriaco. Es uno de los máximos representantes del periodo clasicista, además de ser conocido como el «padre de la sinfonía» y el «Padre del cuarteto de cuerda» gracias a sus importantes contribuciones a ambos géneros. También contribuyó en el desarrollo instrumental del trío con piano y en la evolución de la forma sonata. Vivió durante toda su vida en Austria y desarrolló gran parte de su carrera como músico de corte para la rica y aristocrática familia Esterházy de Hungría. Aislado de otros compositores y tendencias musicales hasta el último tramo de su vida, estuvo, según dijo, «forzado a ser original». Tuvo una estrecha amistad con Wolfgang Amadeus Mozart, del que incluso se cree que llegó a ser mentor, y fue profesor de Ludwig van Beethoven.

CARACTERÍSTICAS MUSICALES.Una característica fundamental en la música de Haydn es el desarrollo de estructuras más grandes en lugar de motivos muy cortos y simples. La obra de Haydn fue fundamental en el desarrollo de lo que se denominó forma sonata. Sin embargo, su práctica difiere en algunos puntos de las de Mozart y Beethoven. Haydn fue particularmente aficionado a la llamada «exposición monotemática». La inventiva formal de Haydn también lo llevó a integrar la fuga en el estilo clásico y a enriquecer la forma rondó con más cohesión tonal lógica. Haydn fue también el principal exponente de la forma doble variación (variaciones alternas sobre dos temas, que a menudo son los principales y en menor medida versiones el uno del otro).

EVOLUCIÓN MUSICAL.Las primeras obras de Haydn datan del periodo en el que el estilo de composición del Barroco tardío había pasado de moda. Esa era una época de exploración e incertidumbre y Haydn, nacido 18 años antes de la muerte de Bach, fue uno de los exploradores musicales de su época. Un viejo contemporáneo de Haydn cuyas obras éste entendió como una importante influencia fue Carl Philipp Emanuel Bach. El resto de la obra de Haydn fue producido a lo largo de seis décadas (aproximadamente desde 1749 hasta 1802) y se aprecia un incremento gradual pero constante de la complejidad y sofisticación musical. A finales de la década de 1760 y comienzos de la década de 1770 Haydn entró en un periodo estilístico conocido como Sturmund Drang(tempestad e ímpetu). El lenguaje musical del periodo es desplegado en las obras con una mayor intensidad expresiva, especialmente en las obras en tonalidades menores. Algunas de sus composiciones más famosas de esta época son la Sinfonía de los adioses, la sonata para piano en do menor (Hob. XVI/20, L. 33) y los Seis cuartetos de cuerda Op. 20 (los cuartetos «Sol»). Cuando el Sturmund Drang llegó a su culmen, Haydn volvió a su estilo más claramente entretenido y encendido. En 1779 tuvo lugar un importante cambio en el contrato de Haydn que le permitió publicar composiciones sin la autorización previa de su mecenas. El cambio se hizo más espectacular en 1781, cuando Haydn publicó los seis cuartetos de cuerda Opus 33, anunciando (en una carta a los potenciales compradores) que habían sido escritos de «una forma completamente nueva y especial». Entre ellos se incluye una forma fluida de fraseo, la práctica de permitir que el material de acompañamiento se convirtiera en material melódico y un tipo de

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FICHAS DESDE EL BARROCO HASTA EL CLASICISMO HISTORIA VI «contrapunto clásico» en el que cada parte instrumental mantiene su propia integridad. Estos rasgos continúan en muchos de los cuartetos que Haydn escribió después de los Opus 33. En la década de 1790, estimulado por sus viajes a Inglaterra, Haydn desarrolló lo que Rosen denomina como su «estilo popular». Un elemento importante del estilo popular fue el uso frecuente de música tradicional o un material similar. Haydn tuvo cuidado de desplegar este material en los lugares apropiados, tales como al final de las exposiciones de las sonatas o en los temas de apertura y finales. El estilo popular de Haydn se puede escuchar virtualmente en todas sus obras posteriores, incluyendo las doce Sinfonías de Londres, los últimos cuartetos y tríos para piano y los dos últimos oratorios. La vuelta a Viena en 1795 marcó el último punto de inflexión en la carrera del compositor. Esto se refleja en el tema de La creación (1798) y Las estaciones (1801), que abordan temas de peso como el significado de la vida y el objetivo de la humanidad y representa un intento de hacer lo sublime en la música.

PRINCIPALES OBRAS.1760 1772 1783 1787 1788 1791 1798 1801

Sinfonía Nº 31 en re menor (Con la llamada de la trompa). Sinfonía Nº 45 en fa sostenido menor (Los adioses); Concierto en re mayor para clave y orquesta Op. 21; Sinfonía Nº 88 en sol mayor. Sinfonía de los juguetes. Sinfonía Nº 92 en sol mayor (Oxford). Cuarteto en do mayor (Emperador); La creación (oratorio). Las estaciones (oratorio)

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FICHAS DESDE EL BARROCO HASTA EL CLASICISMO HISTORIA VI WOLFANG AMADEUS MOZART CONTEXTO.Wolfgang Amadeus Mozart, (Salzburgo, 27 de enero de 1756 - Viena, 5 de diciembre de 1791), fue un compositor y pianista austriaco, maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia. La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época y alcanza más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para piano, operística y coral, logrando una popularidad y difusión universales. En su niñez más temprana Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida. Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años».

CARACTERÍSTICAS MUSICALES.Mozart epitomiza el clasicismo del siglo XVIII, sencillo, claro y equilibrado, pero sin huir de la intensidad emocional. -En la época en la que comenzó a componer, el estilo dominante en la música europea era el estilo galante, una reacción contra la complejidad sumamente desarrollada de la música del Barroco. Cuyas características en Mozart en sus primeras épocas, iban desde los cambios modales de mayor a menor, repetición de notas rápidas y constantes, articulación separada de arpegios, entre otras. -También desarrolló y popularizó el concierto para piano clásico. Compuso numerosas obras de música religiosa, incluyendo una gran cantidad de misas; pero también muchas danzas, divertimentos, serenatas y otras formas musicales ligeras de entretenimiento. -Mozart siempre tuvo un don para absorber y adaptar los rasgos más valiosos de la música de otros compositores. Sus viajes seguramente le ayudaron a forjarse un lenguaje compositivo único. En Londres siendo niño, tuvo lugar un encuentro con Johann Christian Bach y escuchó su música. En París, Mannheim y Viena encontró muchas otras influencias compositivas, así como las capacidades de vanguardia de la orquesta de Mannheim. En Italia conoció la obertura italiana y la opera buffa, las cuales afectaron profundamente en la evolución de su propia práctica.

PRODUCCIÓN MUSICAL.La producción sinfónica e instrumental de Mozart consta de: 41 sinfonías, entre las que destacan la n.º 35, Haffner (1782); la n.º 36, Linz (1783); la n.º 38, Praga (1786); y las tres últimas (la n.º 39, en mi ♭; la n.º 40, en sol menor, KV 550; y la n.º 41, en do mayor, KV 551 Júpiter compuestas en 1788); varios conciertos (27 para piano, 5 para violín y varios para otros instrumentos);sonatas para piano, para piano y violín y para otros instrumentos, que constituyen piezas clave de la música mozartiana; música de cámara (dúos, tríos, cuartetos y quintetos); adagios, 61divertimentos, serenatas, marchas y 22 óperas. Con respecto a su producción operística, llegaron sus grandes títulos a partir de 1781: Idomeneo rey de Creta (1781); El rapto en el serrallo (1782), la primera gran ópera cómica alemana; Las bodas de Fígaro (1786), Don Giovanni (1787) y Così fan tutte (Así hacen todas, 1790), escritas las tres

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FICHAS DESDE EL BARROCO HASTA EL CLASICISMO HISTORIA VI en italiano con libretos de Lorenzo da Ponte; La flauta mágica (1791), en la que se reflejan los ritos e ideales masónicos, y La clemencia de Tito (1791).

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FICHAS DESDE EL BARROCO HASTA EL CLASICISMO HISTORIA VI LUDWIG VAN BEETHOVEN CONTEXTO.Ludwig van Beethoven (Bonn, 16 de diciembre de 1770 – Viena, 26 de marzo de 1827) fue un compositor, director de orquesta ypianista alemán. Su legado musical abarca, desde el período clásico hasta inicios del romanticismo musical. Considerado el último gran representante del clasicismo vienés, Beethoven consiguió hacer trascender la música del romanticismo, influyendo en diversidad de obras musicales del siglo XIX.

SUS TRES PERIODOS Y CARACTERÍSTICAS.Obra De Juventud (hasta 1802) En sus primeras piezas Beethoven parte del lenguaje clásico de su tiempo, pero introduciendo ya trazos estilísticos y formales totalmente personales e innovadores. En los años de formación en Viena, Beethoven compone y publica su música de cámara, con los tres Tríos para piano, violín y violoncelo Op.1. Lógicamente, estas no son las primeras obras del músico, pero son las primeras que considera con suficiente identidad como para llevar el primer número de Opus de toda su obra. En 1800 estrena en Viena la primera de sus nueve sinfonías, con un notable éxito. La Primera sinfonía en Do menor, Op.21, tiene muchos elementos clásicos, y en ella se evidencian las influencias de Haydn y de Mozart, aunque ya muestra audacias en el uso de las tonalidades que auguran un lenguaje muy personal. En estos años hace también la primera colección de seis cuartetos de cuerda, para dos violines, viola y violoncelo, que constituyen el Opus 18. Estos cuartetos destacan por el complejo trabajo contrapuntístico, por su clásica estructuración formal y por la riqueza melódico-rítmica. En estos momentos, Beethoven era considerado un excelente intérprete para teclado, y para estos instrumentos compuso un gran número de piezas. Su belleza y perfección técnica es tal que, el conjunto formado por sus 32 sonatas es conocido comúnmente como el Nuevo Testamento de la Música. Las enmarcadas en la primera época son grandes deudoras del estilo característico de Haydn y Mozart. Entre todas ellas destaca el Opus 13, llamada Patética, que es considerada como la primera sonata moderna. El músico consigue la unión de todos sus movimientos a través de una célula cíclica de gran expresividad. Cuando se edita, en 179 9, lleva el título de “Gran sonata patética para clavecín o para pianoforte”, con lo que se muestre que podía ser tocada en cualquiera de estos dos instrumentos. La misma deuda con autores clásicos está presente en sus dos conciertos para piano y orquesta. El concierto nº 1 en Do mayor, fue estrenado por el propio Beethoven como intérprete, junto con obras de Mozart y Haydn y, según las fuentes, el músico improvisó en el piano durante el concierto.

La Segunda Etapa (1803-1814) El compositor siente la necesidad de experimentar nuevas sonidos y, en la misma medida, de alejarse de las obras del período precedente. Durante el año de 1803 trabaja en su tercera sinfonía, que termina un año más tarde y lleva el título de Sinfonía Grande Heroica, inspirada por la idea de un Napoleón fraternal. Nada más acabar esta sinfonía, el compositor realiza los apuntes de lo que será la quinta, aunque los interrumpe para hacer en el medio la cuarta, considerada como una de las “clásicas” (junto con la 1ª, 2ª, 7ª y 8ª). Esta sinf onía vuelve a reflejar la estética de la primera época. La principal característica de la cuarta es su equilibrada orquestación. Por su parte, la Sinfonía nº 5, llamada habitualmente “del destino”, fue escrita entre 1804 y 1808 y gozó de un gran

éxito desde el momento de su estreno. Por el tratamiento que el autor les da a las melodías del primero y del último movimiento, la sinfonía se considera un canto de dignidad del ser humano condenado a la soledad.

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FICHAS DESDE EL BARROCO HASTA EL CLASICISMO HISTORIA VI La Sinfonía nº 6, Pastoral, datada en 1808, constituye una obra descriptiva en la que Beethoven refleja su gran amor por la naturaleza, con una perfecta translación de estos sentimientos a la composición sinfónica o, dicho en palabras del músico, “la sinfonía es la expresión de un sentimiento más que la pintura de la naturaleza”.

Los cuartetos de la segunda época fueron dedicados al conde Razumovsky, y son conocidos desde entonces por este apelativo. Dos de los seis cuartetos Razumvsky contienen elementos propios del folclore ruso, país de procedencia del aristócrata. Por otro lado dentro de las sonatas, solamente la Op.53, Waldstein, finalizada en el mismo año que la Heroica, está dedicada a su protector, el archiduque Rodolfo de Austria y se escribió en la misma época que su ópera Fidelio. En esta sonata, el músico expresa toda la profundidad expresiva del Romanticismo, al hacer uso de la tonalidad del teclado. La Op.57, de 1805, llamada Appassionata, es una pieza de gran virtuosismo, con una gran interpretación imposible para aficionados, por lo que no fue la mejor acogida. De este período data la creación de su única ópera, Fidelio, un canto al amor conyugal. A pesar del interés que mostró Beethoven por el drama musical, esta ópera nunca obtuvo éxito, ni tan siquiera gozó del interés del público. El argumento transcurre en Sevilla, y trata de una mujer, Leonora, que se disfraza de hombre, Fidelio, para rescatar a tu amado, Florestán, encarcelado por Pizarro por motivos políticos. Por último, en el terreno de los conciertos, en 1811 compone el Concierto Para Piano y Orquesta, conocido después como Emperador, y considerado como la culminación del género, que Beethoven no pudo estrenar ya como intérprete. El concierto sigue la forma tripartita de la sonata clásica.

La Tercera Etapa (1814-1827) En los últimos años, Beethoven apenas compone, urgido por sus problemas económicos, su sensación de soledad, los pleitos por la custodia de Karl, su mala salud y, sobre todo, por su sordera total. En este período lleva hasta las últimas consecuencias la técnica del desenvolvimiento motívico, componiendo obras profundamente complejas, en las que explota sonidos hasta entonces desconocidos. De toda su producción, la obra que sobresale, es la Sinfonía nº9, Coral, Op. 125, que fue un encargo de la Royal Philarmonic Society de Londres del año 1817. La sinfonía se terminó en 1824, once años más tarde de la composición de la Octava. Rompía así la tradición de la sinfonía como género puramente instrumental, al introducir el coro y los solistas en esta forma musical. En el ámbito de la música de cámara, tienen que pasar 14 años hasta que Beethoven vuelva a componer cuartetos. La última serie de ellos, los 5 cuartetos de la última época, considerados como el culmen del género, es fruto de un encargo del Príncipe Galitzin. Por lo que respecta a la composición para instrumento solista, las últimas sonatas para piano se caracterizan por el concepto polifónico de las texturas y por la explotación diferenciada de los registros graves y agudos, a los que les añade una dimensión de gran sonoridad. La Op.106, Hammerklavier, es una sonata de grandes dimensiones y presenta una enorme dificultad en la interpretación, tanto técnica como estilística. Beethoven compone la Misa Solemnis en 1823. El compositor tiene mucho cuidado en unificar las distintas secciones a través del énfasis en la palabra, en el texto, más que en el propio ritmo musical, donde destacan especialmente partes fugadas.

PRODUCCIÓN MUSICAL.En su prolífica trayectoria musical, Beethoven dejó para la posteridad un importante legado: nueve sinfonías, una ópera, dos misas, tres cantatas, treinta y dos sonatas para piano, cinco conciertos para piano, un concierto para violín, un triple concierto para violín, violonchelo, piano y orquesta, dieciséis cuartetos de cuerda, una gran fuga para cuarteto de cuerda, diez sonatas para violín y piano, cinco sonatas para violonchelo y

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FICHAS DESDE EL BARROCO HASTA EL CLASICISMO HISTORIA VI piano e innumerables oberturas, obras populares y bagatelas para piano.

de

cámara, series

de variaciones, arreglos de canciones

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Transición Del Renacimiento Al Barroco1

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