Temario Aeróbic y Step - Técnico FEDA Nivel II A

MANUAL AERÓBIC Y STEP AVANZADO FEDA - Nivel II -

Válido: Técnico FEDA FEDA Nivel II A. Aeróbicos. / C. de Especialidad.

MANUAL DE: AERÓBIC y STEP AVANZADO VÁLIDO:

Técnico FEDA Nivel II Área de Aeróbicos. Cursos de Especialidad Aeróbic y Step.

Autores: José Nuño y Asier Habans. © Fed. Española de Aeróbic. Dic. 2003.

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INTRODUCION. Por fin, después de muchas horas de trabajo, hemos terminado el manual de STEP Y AEROBIC AVANZADO que nos propusimos escribir hace unos meses. En principio puede parecer absurdo, ya que después de tantos años de vida de esto del aeróbic debería haber en el mercado miles de publicaciones de este tipo. Sin embargo, hay dos factores que hacen que esto no se cumpla. Por un lado, es un mundo que evoluciona a una velocidad vertiginosa: si hubiéramos escrito este manual hace 4 años, hoy en día hubiera quedado totalmente obsoleto; por otro lado, desde un punto de vista económico, a los “grandes” instructores de renombre internacional no les conviene enseñar todos sus conocimientos de una sola vez, sino que les interesa más ir mostrándolos con cuentagotas, y de esta manera trabajar en cursos y convenciones durante todo el año. El caso es que, por una razón u otra, resultaba realmente complicado encontrar una visión general y completa del Aeróbic y Step actual, con todos los últimos avances. Por otro lado, dicen que la coreografía ha muerto, porque hablar una vez más de AEROBIC y STEP en los tiempos del SPINNING, AEROBOX, PILATES, GAP, POWER DUMBELL, etc. Es cierto que va perdiendo terreno poco a poco, pero nosotros creemos que un instructor que domine todas las facetas de una clase de AEROBIC y STEP no va a tener ningún problema a la hora de adaptarse a cualquier nueva tendencia que exista o pueda existir en un futuro próximo. Para terminar, pediros disculpas por los múltiples errores que, sin duda, podréis encontrar y desearos que este manual, con el que tanto hemos aprendido nosotros durante su elaboración, sea de vuestro agrado y, de esta manera, contéis con una herramienta más en vuestro trabajo diario. Agradeceros de antemano el interés con el que sin duda vais a afrontar su lectura, e invitaros a que os pongáis en contacto con nosotros a través de la FEDA, para cualquier duda o cuestión que pueda surgir.

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INTRODUCION. Por fin, después de muchas horas de trabajo, hemos terminado el manual de STEP Y AEROBIC AVANZADO que nos propusimos escribir hace unos meses. En principio puede parecer absurdo, ya que después de tantos años de vida de esto del aeróbic debería haber en el mercado miles de publicaciones de este tipo. Sin embargo, hay dos factores que hacen que esto no se cumpla. Por un lado, es un mundo que evoluciona a una velocidad vertiginosa: si hubiéramos escrito este manual hace 4 años, hoy en día hubiera quedado totalmente obsoleto; por otro lado, desde un punto de vista económico, a los “grandes” instructores de renombre internacional no les conviene enseñar todos sus conocimientos de una sola vez, sino que les interesa más ir mostrándolos con cuentagotas, y de esta manera trabajar en cursos y convenciones durante todo el año. El caso es que, por una razón u otra, resultaba realmente complicado encontrar una visión general y completa del Aeróbic y Step actual, con todos los últimos avances. Por otro lado, dicen que la coreografía ha muerto, porque hablar una vez más de AEROBIC y STEP en los tiempos del SPINNING, AEROBOX, PILATES, GAP, POWER DUMBELL, etc. Es cierto que va perdiendo terreno poco a poco, pero nosotros creemos que un instructor que domine todas las facetas de una clase de AEROBIC y STEP no va a tener ningún problema a la hora de adaptarse a cualquier nueva tendencia que exista o pueda existir en un futuro próximo. Para terminar, pediros disculpas por los múltiples errores que, sin duda, podréis encontrar y desearos que este manual, con el que tanto hemos aprendido nosotros durante su elaboración, sea de vuestro agrado y, de esta manera, contéis con una herramienta más en vuestro trabajo diario. Agradeceros de antemano el interés con el que sin duda vais a afrontar su lectura, e invitaros a que os pongáis en contacto con nosotros a través de la FEDA, para cualquier duda o cuestión que pueda surgir.

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TEMA 1. LAS PROGRESIONES 1.1. METODO DE LAS PROGRESIONES. ¿Por qué? ¿qué es?

1.2. ESTRUCTURA BÁSICA. 1.3. TRANSICION. 1.4. PRODUCTO FINAL. 1.5. ORDEN EN LA PROGRESION. 1.6. LEYES FUNDAMENTALES. 1.6.1 Fluidez: 1.6.1.1. Progresión 1.6.1.2. Coreografía 1.6.2 Equilibrio: 1.6.2.1 Fisiológico 1.6.2.2 Muscular. 1.6.2.3 Psicológico 1.6.3 Seguridad.

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1.1. METODO DE LAS PROGRESIONES: ¿Cómo conseguir enseñar un bloque coreográfico complejo, para alumnos avanzados, sin que por ello descienda la intensidad del entrenamiento? El objetivo en una clase de aeróbic es siempre el trabajo cardiovascular, y éste se realiza durante 30-50 minutos en una clase de una hora, mientras se enseña la coreografía, en tanto que el trabajo que proviene de la coreografía final dura 3-4 minutos. No se puede sacrificar todo el entrenamiento de una clase para motivar al 20% de nuestros alumnos, ya que al final conseguimos una especie de entrenamiento interválico en el que se combinan momentos de gran actividad cardiaca (que no llegan a lo ideal en un entrenamiento interválico 80-90%) con momentos de descanso, todo lo contrario al objetivo que debemos buscar, que es el trabajar durante un largo y continuo periodo de tiempo a un porcentaje moderado del ritmo cardíaco máximo. Para evitar todo esto y conseguir enseñar coreografías avanzadas sin perdida de intensidad en el trabajo y adaptables a todos los niveles, desde el principiante al avanzado, se utiliza el que es denominado como METODO DE LAS PROGRESIONES Lo primero que hay que recalcar es que puede haber diferencias terminológicas con otros instructores y/ o técnicos, escuelas o autores, es decir, podemos oír hablar de todo esto y que lo llamen de otra manera (método Layer), pero lo importante es el concepto, indiferentemente del nombre que se le dé y que vosotros como técnicos FEDA os expreséis en los mismo términos. El METODO DE LAS PROGRESIONES consiste en lo siguiente: ESTRUCTURA BASICA

TRANSICION

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PRODUCTO FINAL



1.2. ESTRUCTURA BÁSICA. Primero se enseña una estructura inicial cuyo volumen musical es el mismo que la combinación final que queremos enseñar, 8, 16 o 32 tiempos, o, en el aeróbic avanzado de hoy en día, 9, 21, etc... y formado por pasos básicos que, en el caso del aeróbic, serán la marcha, step touch, viñas, hops o rodillas. A esta primera estructura inicial le llamaremos ESTRUCTURA BÁSICA, es muy sencilla y todos los alumnos van a ser capaces de aprenderla rápidamente. Si a la segunda o tercera repetición no han conseguido memorizarla, es que hemos elegido una estructura básica demasiado complicada y quizás deberíamos haber hecho una preestructura básica (esto ocurre mucho cuando se trabaja con frases cruzadas en las que la música no nos ayuda a seguir la coreografía. El proceso de aprendizaje se producirá al ir repitiendo la estructura básica, e ir cambiando el instructor paulatinamente los pasos básicos iniciales por otros más complicados, los cuales podrán posteriormente sufrir cambios de plano, o a los que se les podrán añadir movimientos de brazos, hasta alcanzar el PRODUCTO FINAL deseado por el técnico. Todo el proceso es como una especie de escalera en la que vamos subiendo peldaños poco a poco. Para hacerlo correctamente, el instructor realiza un cambio, pero el alumno no lo intenta hasta que ve y comprende el nuevo paso, y mientras tanto continúa repitiendo el paso anterior. De este modo el entrenamiento no cesa ni un momento. Si llega un punto en el que el grupo de alumnos en general no es capaz de ejecutar el nuevo cambio, no seguirá avanzando hacia el producto final que tenía pensado en un principio, sino que se quedará en ese punto. De esta manera la clase se convierte en algo flexible, en función del alumno, que debe ser el verdadero protagonista de la clase. Con este método, cada alumno puede quedarse en su propio nivel, siendo ideal para clases multinivel, ya sea por el dominio que tiene del aeróbic o por otro tipo de circunstancias, como pueden ser lesiones, etc. Las ventajas de este método son las siguientes: 1. Mantener al alumno ubicado durante el desarrollo de la clase, ya que la estructura básica acotará el principio y final de la combinación, moviéndose todos a la vez. -5-


Válido: Técnico FEDA Nivel II A. Aeróbicos. / C. de Especialidad.

2. Continuidad de movimiento, como fruto de esta ubicación del alumno, lo que permite moverse de una forma continua, eliminando paradas innecesarias que romperían la fluidez de la sesión. 3. Ofrecer diferentes niveles de complejidad para una misma combinación o coreografía, marcados por el mismo proceso de enseñanza, partiendo de lo más sencillo como producto inicial a lo más complejo como producto final, dentro de la estructura básica. 4. Aumento de la diversión del alumno, ya que el proceso guarda una lógica que entiende y le permite disfrutar más de la clase. En resumen, lo importante es elegir una buena estructura básica que nos permita llegar al producto final sin problemas y de una manera segura, lógica y fluida. Podemos decir que el producto final que intentamos enseñar se puede comparar a la cima de la montaña que queremos alcanzar; para conseguirlo tenemos multitud de caminos largos y difíciles, hay caminos divertidos, pero también hay rutas imposibles de seguir. Estos caminos son los diferentes pasos que podemos seguir en la progresión. Si vemos que el camino es demasiado complicado, lo mejor es cambiar nuestro objetivo por otro más accesible. Debemos recordar que hay que intentar hacer fácil lo difícil, y no lo contrario.

1.3. TRANSICIÓN. Tenemos dos métodos para evolucionar patrones básicos, la VARIACION y la SUSTITUCION. El método de VARIACION supone cambiar un paso(en principio básico) por otro. En él la secuencia que realizan los pies es la misma, obteniendo una versión diferente del mismo paso con los mismos tiempos musicales y la misma pierna de ataque. El siguiente ejemplo es válido para el step y el aeróbic. Ejemplo: marcha(4b).

1V 1 caja 1A

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Ejemplo:

1 patada 1 step tap 1 abducción

½ P rodilla (2b )

El método de SUSTITUCION supone cambiar un paso por otro cuya secuencia de pies no tiene nada que ver, pero en el que los tiempos musicales coinciden y la pierna de ataque y salida también. El siguiente ejemplo es válido para el step y el aeróbic. Ejemplo: P rodilla (4b)

1 mambo, cha-cha-cha

En general, para un alumno es más sencillo coger un paso al que se ha llegado por el método de VARIACION que otro al que se ha llegado por el método de SUSTITUCIÓN, pero el método de sustitución nos permite realizar cambios que no tienen prácticamente nada que ver con el paso básico y, por tanto, la variedad y originalidad de las combinaciones que podemos obtener es mucho mayor.

1.4. PRODUCTO FINAL. Normalmente, primero se enseña una ESTRUCTURA BASICA, luego, de una forma lógica, fluida y sencilla se van haciendo cambios, primero SUSTITUYENDO, VARIANDO... hasta llegar al producto final deseado. En éste puede haber combinaciones de brazos, giros, cambios de plano. A la hora de crear nuestra coreografía se puede hacer de dos maneras diferentes: Estructura básica Producto final

 

Producto final Estructura básica

Lo más sencillo es crear una estructura básica con desplazamientos, tanto laterales como antero-posteriores, para luego ir cambiándola de la forma anteriormente comentada. Esto nos garantiza una progresión fluida y perfecta. Otra posibilidad es crear un producto final concreto y, a partir de él, “sacar” la estructura básica que le corresponde y volver a realizar el proceso del primer caso. Esto nos garantiza un producto final muy bueno, pero quizás la progresión pierda calidad. Y además, no nos asegura que lo cojan. -7-



Aconsejamos que se utilicen los dos métodos simultáneamente, sobre todo en combinaciones largas (32 tiempos), es decir, me invento un producto final “bonito” de 12, 16, 20 tiempos y lo completo con una estructura básica hasta completar el bloque musical. Esto me garantiza una buena progresión y un buen producto final. También decir que el modo de preparación de las clases es muy personal, las referencias que ponemos anteriormente son unos consejos que a unos ayudara y a otros no. Al utilizar este método tenemos diferentes niveles de dificultad, en función de la estructura básica y del producto final: -

Estructura básica simétrica  Producto final simétrico. Estructura básica simétrica  Producto final asimétrico. Estructura básica asimétrica  Producto final asimétrico. Estructura básica simétrica  Frase cruzada. Estructura básica asimétrica  Frase cruzada.

1.5. ORDEN DE LA ISERCIÓN. No hay un orden fijo a la hora de ir ejecutando los cambios para llegar desde la estructura básica al producto final deseado. Este orden nos lo dará la lógica. En general se puede dar un orden orientativo, que puede valer para la mayoría de los casos. Este orden tipo es el siguiente: 1. 2. 3. 4. 5.

Movimientos de pies en el plano frontal Movimientos de brazos en el plano frontal Giros Cambios de plano. Estilo (fuerza, expresividad...)

Existirán muchas ocasiones en las que será mejor alterar este orden y, por ejemplo, enseñar los brazos al final, ya que por su dificultad podría suponer una bajada de la intensidad. En otras ocasiones quizás sea mejor enseñar un giro que una combinación de pies, ya que el primero nos puede dar la inercia necesaria para realizar el segundo. Aquí interviene la creatividad de cada técnico para valorar si un cambio se hace antes que otro, si un giro lo enseño antes que un cambio de plano.

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Todo esto lo tenemos que ver desde el prisma del alumno y así sabremos si es más fácil que cojan o no un cambio u otro. Durante todo el proceso realizado para enseñar una coreografía, hay que seguir una serie de leyes fundamentales que se deben respetar en todo momento y en cualquier caso en el que haya una enseñanza y un aprendizaje, ya sea una clase de aeróbic, step, salsa, cardio Kick boxing, etc.

1.6. LEYES FUNDAMENTALES. Las leyes fundamentales son tres: 1.6.1. FLUIDEZ: Se puede hablar de dos tipos. La primera se trata de la fluidez de la progresión; en este aspecto hay que respetar en todo momento la “ley del NO TAP”. En otros lugares a este mismo concepto se le llama Principio de la Pierna Lista; la pierna lista es siempre la mejor preparada para iniciar el siguiente movimiento, el ejemplo más claro nos lo da la marcha, todo el mundo sabe caminar y es el paso más básico de que disponemos en el aeróbic, precisamente gracias a la ausencia de taps. D --- I

--- D

--- I

--- D

--- I

--- D

--- I

Si metiéramos taps durante la marcha sería mucho más difícil: D

--- D

--- I

--- D

--- I

--- I

--- I

--- D

Siguiendo este mismo ejemplo, hay que evitar hacer taps durante la progresión. De hacerlos, debe ser en la estructura básica, ya que la sencillez viene dada por los pasos empleados, viñas, step touch... Más tarde, durante la progresión, deberán desaparecer los taps y se convertirán en pasos más fluidos. El segundo tipo se refiere a la fluidez coreográfica, es decir, a la del producto final, y tiene mucho que ver con la inercia del movimiento, la ley de la gravedad y el reparto del peso entre ambas piernas. Estos aspectos hay que cuidarlos mucho en las combinaciones.

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Que creemos; además, hay que tener en cuenta los enlaces entre diferentes combinaciones, bloques e, incluso, entre el final del último bloque y el principio del primero. Todo esto nos obligará a meter unos giros y no otros; asimismo, cuando haya un cambio en la inercia habrá que suavizarlo con una serie de pasos que amortigüen este efecto: mambos, femorales, rodillas, uves... 1.6.2. EQUILIBRIO: Dentro del equilibrio podemos hablar de tres tipos 1.6.2.1. Equilibrio Fisiológico. 1.6.2.2. Equilibrio Muscular. 1.6.2.3. Equilibrio Psicológico. 1.6.2.1 Equilibrio Fisiológico: Durante una clase de aeróbic o step el objetivo físico principal es el entrenamiento aeróbico y este se produce de una manera optima al trabajar durante un largo periodo de tiempo (1 hora) a un porcentaje moderado del ritmo cardiaco máximo, sin periodos de descanso. El equilibrio fisiológico viene dado precisamente por esto. A continuación tenemos dos graficas en las que se mide el ritmo cardiaco durante una clase: En la primera observaremos un buen equilibrio fisiológico durante toda la sesión y por tanto, un buen entrenamiento aeróbico; en la segunda, en cambio, lo que estamos haciendo es un entrenamiento interválico. Grafica 1 Estado Estable

Pulsaciones Df

Deuda Tiempo

Grafica 2 Pulsaciones Tiempo - 10 -



La manera de conseguir un buen equilibrio fisiológico durante una sesión esta directamente relacionada con la utilización correcta del método de las progresiones explicado al principio de este tema. 1.6.2.2. Equilibrio muscular: El equilibrio muscular viene dado por la compensación muscular, es decir, que ambas piernas y brazos trabajen por igual durante toda la clase. En lo que se refiere a este aspecto tenemos diferentes tipos de coreografía: -Simétricas. -Asimétricas. -Mixtas. Cada una de ellas tiene sus ventajas y sus inconvenientes de los cuales vamos a pasar a hablar. . Para conseguir el equilibrio muscular es, lo mejor es trabajar con coreografías simétricas. Sin embargo las coreografías asimétricas o mixtas si durante la construcción son compensadas pueden ser “bastante” equilibradas... 1.6.2.3. Equilibrio psicológico: El equilibrio psicológico viene dado por la alternancia entre información y descanso, no podemos atiborrar de información a los alumnos, hay que darles descanso Psicológico, que no físico, para que asimilen la información que han recibido. Asimismo, el descanso no debe ser tan amplio que los alumnos se aburran. 1.6.3. SEGURIDAD: La tercera ley fundamental. Hay que cuidarla tanto para el alumno como para el instructor. Es muy importante tenerla en cuenta en un programa de salud que debe perseguir seguridad, efectividad y diversión... en ese orden. Para ello han que tenerse en cuenta una serie de puntos:

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- Hay que respetar las dos leyes anteriores. - La técnica debe ser correcta en todo momento, ya que el alumno

imita lo que ve y como se automatice un error será difícil corregirlo

- La ropa utilizada tiene gran importancia, sobre todo en lo que se

refiere al calzado, que debe tener una gran estabilidad y amortiguación.

- El suelo deberá tener cierto grado de amortiguación. - La velocidad de la música debe ser la correcta, en el aeróbic entre

140 BPM y 150 BPM, pero siempre dependiendo de la coreografía.

- El número de alumnos debe adaptarse al espacio físico de que

disponemos.

- Hay que respetar las fases de calentamiento, parte principal y

vuelta a la calma.

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No hay que perder de vista el objetivo de una sesión de aeróbicos. Para ello, las pulsaciones a las que trabaja el alumno deben indicarnos un trabajo aeróbico. Educa a tus alumnos enseñándoles a conocer los umbrales de trabajo y a tomarse el pulso y/o recomendándoles la utilización del pulsómetro.

- Es interesante que el monitor tenga micrófono, así como trabajar

con contrato, seguro, etc.

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TEMA 2. LAS HABILIDADES DEL TÉCNICO. 2.1. ADECUADA TÉCNICA DE EJECUCIÓN. 2.2. DOMINIO DE LA MÚSICA. 2.3. COMUNICACIÓN. 2.3.1. Comunicación verbal. 2.3.2. Comunicación visual.

2.4. ANTICIPACIÓN 2.5. ENSEÑAR DE FRENTE Y DE ESPALDAS A LOS ALUMNOS. 2.6. TRANSFERIR LA TEORÍA A LA PRÁCTICA. 2.7. OTRAS CUALIDADES. 2.7.1. Carisma. 2.7.2. Creatividad. 2.7.3. Disfrutar con el trabajo. 2.7.4. Aspecto físico. 2.7.5. Relación profesor-alumno.

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Hay ocasiones en las que hemos asistido a diferentes clases, en las cuales se enseñaba la misma coreografía y además se siguen prácticamente los mismos pasos durante la progresión, bien sea porque los técnicos han copiado una clase que han visto en vídeos o convenciones, o bien porque ése es el sistema que se utiliza en ese centro deportivo, en el que uno o varios técnicos preparan una clase y ésta se convierte en la clase “oficial” para todos durante un determinado período de tiempo. Sin embargo todos sabemos que la misma clase, según quién sea el instructor, puede ser muy buena o un auténtico desastre. Esto se debe a que existen un montón de habilidades o cualidades muy importantes, más importantes sí cabe que el producto final. Muchos instructores con experiencia manejan todos estos elementos de forma automática y natural, gracias a los años de práctica y actualización permanente. Conjugar todos estos elementos es un logro personal de altísimo valor y garantiza una parte considerable del éxito en nuestras clases. La calidad de la instrucción recibida mientras nos formamos será determinante para que seamos buenos instructores, pero las ganas de seguir aprendiendo y la capacidad de superación será más importante aún. A continuación vamos a hablar de cada una de estas habilidades que nos debemos esforzar en adquirir y mejorar.

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2.1. ADECUADA TÉCNICA DE EJECUCIÓN. Durante una clase de STEP o AEROBIC en la que enseñamos una coreografía, la base de todo el proceso de enseñanza es la DEMOSTRACION-IMITACION (instrucción directa). El alumno imita lo que ve, y en ese sentido la técnica de ejecución tiene que ser impecable. Si estamos preocupados por transmitir consignas para que los alumnos adquieran una adecuada técnica de ejecución, debemos acompañar todo lo que sugerimos con lo que “mostramos”. Cuando automatizamos errores en los ejercicios o adquirimos vicios posturales, es muy difícil volver atrás. Además hay que tener en cuenta que un error aparentemente insignificante adquiere una dimensión extraordinaria al repetirlo miles y miles de veces durante un año. Hay que tener en cuenta que un alumno medio puede recibir unas 200 clases al año; en un instructor profesional esta cifra puede llegar a las 1.000 clases al año. Un “pequeño” error a la hora de realizar un paso puede causar a través de los años una lesión muy seria, desde tendinitis hasta descompensaciones musculares que deforman notablemente nuestra posición natural.

2.2. DOMINIO DE LA MÚSICA. La música es el elemento fundamental en una clase de STEP o AEROBIC, no sólo actúa como elemento motivador sino que además nos permite enseñar un producto final siguiendo pautas lógicas y matemáticas. Básicamente diremos que la música se divide en estructuras de 32 tiempos (bloques), dividido cada uno de ellos en 4 grupos de 8 tiempos (frases). Debemos saber en cada momento en qué tiempo musical nos encontramos, diferenciando perfectamente los cuatro “unos” del bloque. El dominar la música requiere muchas horas de práctica para el nuevo instructor y a veces sólo unos minutos cuando se trata de personas que han sido muy estimuladas a través de la educación rítmica y musical.

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Cuando aprendemos a utilizar la música podemos identificarla o contarla en: - Tiempos musicales. - Golpes o acentos. - Ciclos.

En un bloque hay 32 tiempos musicales. Los golpes o acentos se identifican siempre cada dos tiempos musicales, es decir, en un bloque musical hay 16 golpes o acentos. Por otro lado, en determinados patrones básicos se utilizan ciclos que equivalen a 4 tiempos musicales y que es el volumen necesario para realizar un paso básico en el STEP (1 básico, 1 Paso rodilla, etc...) En cualquier caso es muy importante dominar la cuenta regresiva en cualquiera de las posibilidades que existen (tiempos, golpes o ciclos), y de esta manera avisar al alumno en cual es el momento en el que queremos que empiece. Una vez que contamos perfectamente la música, podemos centrarnos en otras características relacionadas con ella. Durante un tema musical existen momentos de más o menos intensidad (“subidones”. Debemos identificarlos y aprovecharlos como elemento motivador, haciendo coincidir el comienzo de la coreografía con una mayor intensidad musical. Otro punto a tener en cuenta es el hacer coincidir el tipo de coreografía con el tipo de música. Esto se ve claramente en el caso del FUNK o la SALSA. Para finalizar, hablaremos del tipo de música en función del tipo de alumno. Alumnos de más edad o principiantes prefieren temas con más letra y sonido más clásico; alumnos avanzados o monitores prefieren sonido house o progresive.

2.3. COMUNICACIÓN. Cuando enseñamos, necesitamos transmitir información en el transcurso de toda la clase; la comunicación se convierte, por tanto, en un apartado fundamental para el instructor de STEP o AEROBIC.

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Gran parte de las consignas, recomendaciones y avisos los expresamos verbalmente, y otras con el lenguaje corporal, que es el que los alumnos ven. Necesitamos encontrar un equilibrio permanente para que nuestra comunicación sea efectiva y así lograr mayor nivel de atención, concentración y motivación en el grupo. 2.3.1. COMUNICACIÓN VERBAL: Tenemos que pensar que puede haber alumnos que por su situación en la clase no nos vean bien, y por tanto debemos darles mucha información mediante la voz; para ello y si no queremos dejarnos el habla en el intento, es importante contar con micrófono, ya que de lo contrario el volumen de la música hará que tengamos que desgañitarnos para que todo el mundo nos oiga. Cuanta más información seamos capaces de transmitir, más referencias tendrá el alumno para ejecutar correctamente la sesión. Sin embargo, el técnico no debe hablar y gritar sin pausa, ya que esto puede llegar a aturdir a los alumnos y bajar el nivel de atención. Las frases deben ser cortas y precisas, la voz debe ser agradable y motivante y debemos esforzarnos en vocalizar bien. Daremos recomendaciones de tipo técnico, utilizaremos el nombre específico de los ejercicios, referencias de orientación espacial (adelante, atrás, derecha, izquierda, sube, baja, etc.), cuenta numérica regresiva (tiempos, golpes o ciclos) y animaremos la clase con silbidos, gritos, palmadas, pero sin llegar a agobiar al alumno. 2.3.2. COMUNICACIÓN VISUAL. Hace referencia a la información que el alumno recibe visualmente. Puede ser a través de gestos que realiza el instructor con los brazos y manos o bien a través de la expresión facial del instructor con la que dé más importancia a una información u otra. La comunicación gestual cobra gran importancia cuando no disponemos de micrófono y por tanto el volumen de la música impide que el alumno nos oiga bien. La señalización gestual presenta una simbología convencional, aunque no un código universal. De hecho, cada instructor puede crear sus propias señas, siempre y cuando el alumno identifique éstas con un movimiento. Estas señas deben ser lo más lógicas posibles. - 17 -



La comunicación visual se maneja por lo general con la mano por encima de la cabeza y haciendo los gestos claramente. Los ejemplos más habituales de comunicación gestual son los siguientes: -

Cuenta regresiva de tiempos, golpes o ciclos con los dedos. Señalización de direcciones con los brazos. Señas específicas de pasos concretos. Señas de sumar, partir, insertar, etc.

2.4. ANTICIPACIÓN. Estrechamente relacionada con el tema de la comunicación se encuentra esta habilidad. Para que las señas verbales y visuales brinden un buen resultado, es decir, que la información llegue al alumno en el momento adecuado, el instructor necesita anticiparse a los cambios como una forma de alerta para los alumnos. Cuando las señas se realizan encima de los cambios, justo en el momento en el que se produce el cambio, no tienen efecto ya que perdemos la posibilidad de anticiparnos y preparar a los participantes. Esto produce por lo general sorpresa y desorientación, con la consiguiente interrupción en el entrenamiento. Anticiparse permite avisar algunos segundos antes lo que está por suceder. Si esta acción coordinada funciona, la clase tiene mayor fluidez y continuidad. Por supuesto que la capacidad de anticipación mejora cuando también han mejorado de forma paralela las otras habilidades de la instrucción. Es imposible anticiparse cuando estamos concentrados en la cuenta musical, dudamos para ejecutar un movimiento o perdemos el control de la progresión metodológica. El mensaje que damos debe ser lo más claro posible, combinando comunicación verbal y visual y con una anticipación de entre 2 y 4 tiempos musicales.

2.5. ENSEÑAR DE FRENTE Y DE ESPALDAS A LOS ALUMNOS. Es muy importante que el instructor aprenda a enseñar de frente y de espaldas a los alumnos, ya que cada una de estas posibilidades son necesarias para diferentes situaciones durante una clase. - 18 -



Enseñando de frente, logramos establecer una comunicación más directa con el grupo y da muy buenos resultados porque podemos mirar a cada uno de ellos a los ojos y personalizar el contacto. Además puede haber ocasiones en las que no tengamos espejo para ver si los alumnos van cogiendo la coreografía, como pueden ser gimnasios nuevos, aerobithones, convenciones, etc. Para poder enseñar de frente tenemos que entrenar el manejo de la lateralidad al revés, ya que por ejemplo moveremos nuestra pierna izquierda, pero estaremos indicando “derecha”. Este juego es, en verdad, un gran desafío para nuestro sistema nervioso central, que necesita acomodarse a un nuevo estereotipo. La conducción de espaldas es mucho más simple, porque el instructor trabaja con la misma orientación que los alumnos, y da muy buenos resultados para enseñar giros, cambios de plano, dirección, etc. Existen unas fórmulas concretas para realizar el cambio de frente a espaldas y viceversa, sin que se interrumpa la fluidez de la clase. Hay que aprenderlas, entrenarlas y realizarlas automáticamente durante una clase. El instructor experimentado sabe utilizar las dos orientaciones en el momento justo y esto le permite resolver las necesidades que surgen durante la clase. Esta habilidad se mejora con el entrenamiento y los instructores que llevan muchos años enseñando exclusivamente de espaldas tienen que hacer un doble esfuerzo para aprender a enseñar de frente, sobre todo si trabajan habitualmente con coreografías asimétricas.

2.6. TRANSFERIR LA TEORÍA A LA PRÁCTICA. Mientras nos preparamos para ser instructores aprendemos conceptos teóricos fundamentales para aplicar en la práctica. Una buena base teórica nos permite no sólo planificar nuestro trabajo con mayor eficacia y rapidez, sino también sacar mayor partido en la observación de trabajos prácticos, vídeos, clases de otros instructores, etc.

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Queda claro, por tanto, la importancia de un continuo reciclaje en un mundo en constante y cambios. El problema suele ser que vamos a convenciones sólo a grabar clases que luego copiamos, en vez de preocuparnos en aprender los nuevos conceptos teóricos en constante evolución. Nos preocupamos más del “qué ha hecho” que del “cómo lo ha hecho”, cuando debería ser al revés, y más teniendo en cuenta que por razones económicas no podemos ir a una convención todos los meses, o sea que más nos vale aprovechar íntegramente los cursos a los que podemos asistir.

2.7. OTRAS CUALIDADES. Las habilidades hasta ahora expuestas se pueden mejorar y aprender a base de ganas y tenacidad, todo es “entrenable”, pero aun así, una vez que dominemos todas ellas, todavía descubriremos diferencias entre instructores que dominen todas estas habilidades. Esto se debe a que existen otra serie de cualidades que tienen mucho que ver con la personalidad o manera de ser de cada instructor; éstas son dificeles de aprender. Se trata más bien de sacar partido a aquellas cualidades que poseemos como innatas y de disimular algo más aquellos apartados en los que no somos tan especiales. Estas cualidades son las siguientes: 2.7.1. CARISMA. Una de nuestras funciones más importantes es la de animadores; debemos entender que muchos alumnos vienen prácticamente obligados, no les gusta, con lo cual cobra muchísima importancia él animarles. Esto se hace, entre otras muchas formas, mediante gritos, palmadas, silbidos, si bien todas las demás cualidades también influyen. También es muy importante que el instructor mantenga una actitud positiva, confiando siempre en las posibilidades del alumno y dejando aparcado el cansancio en el vestuario, mostrando siempre nuestra mejor sonrisa. 2.7.2. CREATIVIDAD. Hoy en día está todo inventado. Incluso los mejores instructores internacionales se copian unos a otros diferentes pasos y combinaciones. La creatividad viene dada por la recombinación de pasos ya inventados. Sí que se puede inventar alguna cosa nueva, pero, desde luego, no como para hacer una coreografía nueva todas las semanas. - 20 -



Lo que sí se puede conseguir es aportar nuestro granito de arena y hacer cosas un poco originales y divertidas, con nuestro estilo y sello personal. 2.7.3. DISFRUTA CON TU TRABAJO. Esta es la mejor manera de motivar a la gente. Si lo que estás haciendo te gusta, se nota. Por el contrario, es muy difícil intentar aparentar una cosa que no sientes, si en realidad estás deseando que llegue el final de la clase para irte a casa, y además sabes que mañana tienes que dar otras cuatro clases. 2.7.4. ASPECTO FÍSICO. Por suerte o por desgracia, vivimos en la era de la imagen, y los medios de comunicación no hacen más que potenciar esta circunstancia. Por otro lado la “industria del fitness” trabaja sobre la fuerza, la resistencia, la flexibilidad pero también sobre la composición corporal... Lo deseable sería que nuestros alumnos vinieran a clase para mejorar su salud, pero lo cierto es que la inmensa mayoría viene a clase buscando unos objetivos más relacionados con el aspecto físico que con otra cosa. Por tanto como profesionales tenemos que actuar como agentes de salud y educarles... Pero también somos un referente, una imagen que ven y que representa lo que hacemos. Y sin lugar a dudas un técnico cuyo aspecto físico se corresponda con el ideal va a motivar mucho más a la gente. 2.7.5. RELACION PROFESOR-ALUMNO. Hoy en día los gimnasios se han convertido en centros socioculturales, la gente vive en un continuo estrés, sobre todo en ciudades grandes, y los gimnasios se han convertido en un lugar de desahogo en el que muchas veces la ejercitación física pasa a un segundo plano frente a las relaciones personales. Los técnicos tienen que ser también un poco psicólogos; para ello, es importante que todos los alumnos se sientan un poco protagonistas del gimnasio, intentando que haya un pequeño contacto personal con cada cliente, preguntándole por sus objetivos y circunstancias. Además es importante el ambiente general del gimnasio sea bueno y que la gente se relacione entre sí, organizando cenas y actividades fuera del gimnasio.

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Cuantas más habilidades domine un instructor, mejor, pero no es imprescindible dominar todas a la perfección, eso no existe; lo que es importante es conocerse a uno mismo y saber cuáles son las habilidades que dominamos y las cualidades que poseemos, para sacarles el máximo partido posible. Asimismo hay que conocer las carencias que tenemos para disimularlas e intentar mejorar en ese aspecto. Haciendo esto, con tenacidad y ganas de mejorar, nos convertiremos en buenos profesionales.

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TEMA 3. CONCEPTOS BÁSICOS PARA LA CONSTRUCCIÓN COREOGRÁFICA. 3.1. ¿QUÉ ES UNA ESTRUCTURA MUSICAL? 3.2. DENOMINACIÓN DE LOS TIEMPOS MUSICALES 3.3. ¿QUÉ ES LA SIMETRÍA Y LA ASIMETRÍA EN EL AERÓBIC Y STEP?. 3.4. ¿QUÉ ES LA INSERCIÓN Y LA PARTICIÓN?. 3.5. CLASIFICACIÓN DE LAS ESTRUCTURAS COREOGRÁFICAS. 3.5.1. Simétrico bilateral. 3.5.2. Asimétrico bilateral. 3.5.3. Simétrico unilateral. 3.5.4. Asimétrico unilateral.

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3.1. ¿QUÉ ES UNA ESTRUCTURA MUSICAL? 64t.

Es un volumen musical indeterminado que puede ser desde 2 t hasta

Hay volúmenes musicales que tienen denominación propia como veremos en el siguiente punto

3.2. DENOMINACIÓN DE LOS TIEMPOS MUSICALES. Esta denominación nos servirá para unificar los nombres de los diferentes volúmenes musicales, como ya vimos en el tema nº 2. • • • • • • •

1t = 1t 2t = 1 golpe o acento 4t = 1 ciclo 8t =1 frase 16t = 1 secuencia 32t = 1 bloque 64t = 1 segmento

3.3. ¿QUÉ ES LA SIMETRÍA Y LA ASIMETRÍA EN EL AERÓBIC Y STEP? Hoy en día realizamos coreografías a las que llamamos simétricas, y pese a que no lo son desde el punto de vista matemático, si son, en cambio, compensadas biomecánicamente. Nos referimos a la simetría o asimetría desde el punto de vista del equilibrio biomecánico y coreográfico, es decir, será simétrica en el caso de que ambas literalidades trabajen por igual durante toda la clase el aspecto biomecánico y coreográfico y será asimétrico si no lo hace así. Si durante el proceso de enseñanza no realizamos este equilibrio biomecánico y coreográfico no habremos realizado una clase simétrica pese a que el producto final puede parecerlo.

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3.4. CLASIFICACIÓN DE LAS ESTRUCTURAS COREOGRÁFICAS. IMPORTANTE: En este punto vamos a escoger estructuras de 32 t musicales porque creemos que es un volumen musical idóneo para enseñar esta clasificación.

Las estructuras de 32 tiempos musicales tienen diversas características. La clasificación surge de comparar si el bloque cambia de pierna líder D-I entre los primeros 16 tiempos y los segundos 16 tiempos. BILATERAL-UNILATERAL: Aquí vemos si hay o no hay cambio de pierna líder entre los primeros 16 tiempos y los segundos 16 tiempos. •

SIMETRIA-ASIMETRIA: Aquí vemos si la secuencia es igual o diferente entre los 16 tiempos primeros y los segundos 16 tiempos. •

CLASIFICACIÓN DE LAS ESTRUCTURAS: 3.5.1 ESTRUCTURA SIMETRICA BILATERAL. 3.5.2 ESTRUCTRA ASIMETRICA BILATERAL. 3.5.3 ESTRUCTURA ASIMETRICA UNILATERAL. 3.5.4 ESTRUCTURA ASIMETRICA UNILATERAL. IMPORTANTE: Toda la teoría explicada en este tercer tema esta elaborada con ejemplos de step los diferentes ejemplos de estructuras se trasladan fácilmente al aeróbic.

3.5.1. ESTRUCTURA SIMÉTRICA BILATERAL: Los primeros 16 tiempos tienen la misma coreografía que los segundos 16 y cambiando la pierna líder. Gráfico: 16=16 D

I

Ejemplo Step: - 25 -



Tres ciclos de básico D Un ciclo de P (rodilla) D(i) Tres ciclos de básico I Un ciclo de P (rodilla) I(d) NOTA: En este ejemplo el cambio de pierna líder se hace con la rodilla en el cuarto ciclo. Ejemplo Step:

Dos rodillas alternas D-I P 3 (rodillas) D(i) 2 P rodillas alternas I-D P 3 (rodillas) I(d) NOTA: En este ejemplo el cambio de pierna líder se hacen con las tres rodillas. 3.5.2. ESTRUCTURA ASIMÉTRICA BILATERAL: Los primeros 16 tiempos son diferentes a los segundos 16 tiempos y cambiando de pierna líder. Gráfico: 16=16 D I Ejemplo Step: Tres básicos D Paso (rodilla) D(i) 3 P rodilla alternos I-D-I VD Nota: Los cambios de pierna son naturales, si realizamos varias veces este bloque notaríamos un sobre esfuerzo sobre la pierna derecha. Ejemplo Step: Una L D Dos “across” alternos I-D Una L I Tres mambos cha- cha- cha I-D-I Una V D

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Nota: El cambio de pierna para los segundos 16 tiempos se hace con el segundo traslado en L. La derecha se recupera al final al hacer los tres mambos en el suelo. 3.5.3 BLOQUE SIMÉTRICO UNILATERAL: Los primeros 16 tiempos son iguales a los segundos 16 tiempos y siempre la misma pierna líder. Gráfico: 16=16 D D Ejemplo Step. Cuatro Paso rodillas alternas D-I NOTA: Repetir los mismos 16 tiempos. 3.5.4. BLOQUE ASIMÉTRICO UNILATERAL: Los primeros 16 tiempos son diferentes a los segundos 16 tiempos pero se mantiene la pierna líder. Gráfico: 16 = 16 D D Ejemplo Step: Tres rodillas D Tres rodillas I Cuatro rodillas alternas D-I Nota: Los primeros 16 tiempos están diferenciados de los segundos 16 tiempos y siempre lidera la pierna derecha para comenzar cada secuencia. ¿POR QUÉ ES IMPORTANTE ESTE TIPO DE CLASIFICACIÓN? La clasificación anteriormente mencionada es muy útil para entender la construcción de grupos coreográficos, ya que la mayoría surge de la relación de dos o más estructuras.

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Conociendo las características de cada una es mucho más fácil el seleccionar el método de construcción adecuado y así enseñarlo correctamente durante la clase. Si podemos leer lo que sucede cada 16 tiempos en un bloque es mucho más fácil llegar a estructuras de 64 tiempos eligiendo el método más conveniente y eficiente. Así, por ejemplo, podemos entender porque dos bloques bilaterales no son compatibles para crear un bloque por partición pero sí por inserción como veremos más adelante...

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TEMA 4. RECURSOS PEDAGÓGICOS. 4.1 EL METODO DE LA SUMA 4.2 FRASES CRUZADAS. 4.3 LA INSERCIÓN Y LA PARTICIÓN 4.3.1Clasificación de las inserciones. 4.3.2 Clasificación de las particiones.

4.4. INCREMENTO DE ESTRUCTURAS. 4.4.1. Añadido 4.4.2. Insertado 4.4.3. Aumento de repeticiones

4.5. REDUCCIÓN DE ESTRUCTURAS. 4.6. MODIFICACIONES NUMÉRICAS. 4.7. RETROSPECTIVA.

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4.1. MÉTODO DE LA SUMA.

Es el más sencillo y se trata de dividir la coreografía final en unidades independientes que iremos enlazando por el método del eslabón, es decir, enseño una primera combinación (A), enseño una segunda combinación (B), las enlazo y obtengo A+B; a continuación enseño una tercera combinación (C) y la enlazo con lo anterior, obteniendo A+B+C, y así sucesivamente hasta completar toda la coreografía. Las combinaciones independientes se enseñan creando una estructura básica para, más tarde variar o sustituir y obtener la combinación final deseada. A la hora de enlazar la última combinación con lo que tenemos hasta el momento, se puede sumar todo desde el principio directamente, A+B+C+D+E, o, en el caso de que haya transcurrido mucho tiempo o las combinaciones sean muy complejas, se puede hacer la suma progresivamente, es decir, primero C+D+E (para recordar) y luego A+B+C+D+E. Hay dos posibilidades dentro del método de la suma: 4.1.1. Por bloques: Las combinaciones que voy enseñando tienen 32 tiempos musicales. 4.1.2. Por estructuras: Las combinaciones que voy enseñando tienen 8 ó 16 tiempos musicales. El montaje por bloques tiene la ventaja de que le da mucha fluidez y continuidad a la clase, ya que en una coreografía final de 96 tiempos musicales reducimos a 3 las veces que enseñamos algo diferente, que serán las 3 estructuras básicas y por tanto el momento crítico (no tanto si lo hacemos bien) en el que la gente se puede parar es mínimo en una clase de una hora. El defecto de este sistema es que cuando se trabaja con coreografías complicadas en las que puedes estar cerca de 15 minutos para enseñar un bloque de 32 tiempos, corres el riesgo de que los alumnos se olviden de los primeros bloques. Por ello, el método ideal sería un sistema mixto entre los grandes y largos bloques de 32 tiempos y las cortas combinaciones de 8 tiempos. Lo ideal es que los primeros bloques se hagan largos, para irse acortando a medida que enseñamos más combinaciones y los alumnos tienen más datos que memorizar.

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Ejemplo: -

Primera combinación A = 32 tiempos Segunda combinación B = 32 tiempos Recordar todo desde el principio A+B = 64 tiempos Tercera combinación C = 16 tiempos Recordar todo desde el 2º bloque, B+C = 48 tiempos Recordar todo desde el principio, A+B+C = 80 tiempos Cuarta combinación D = 8 tiempos Recordar todo desde el principio, A+B+C+D = 88 tiempos Quinta combinación E = 8 tiempos Recordar todo desde el principio, A+B+C+D+E = 96 tiempos

Como se puede apreciar, según voy avanzando en el proceso las combinaciones se van haciendo más cortas y en el caso de que el enlace entre combinaciones sea muy complejo, o hayamos dedicado mucho tiempo a enseñar la última combinación, podemos recordar todo progresivamente, sin ir directamente al principio. El método de la suma tiene la ventaja, además, de que podemos variar sobre la marcha la coreografía final en cuanto a su volumen, añadiendo o no más combinaciones, en función del desarrollo de la clase .

4.2 LAS FRASES CRUZADAS La evolución de las coreografías de aeróbic y step en los últimos años ha sido la siguiente: primero las coreografías eran muy sencillas y con alto impacto, poco después fue desapareciendo el alto impacto (afortunadamente) y las combinaciones de pies fueron enriqueciéndose poco a poco, mas tarde se fueron introduciendo combinaciones de brazos cada vez más complejos, influenciados por el aeróbic de competición, posteriormente la tendencia fue hacer desaparecer los movimientos complicados de brazos para complicar cada vez mas las combinaciones de pies, hasta llegar a un pasado aun reciente con coreografías llenas de chasses, giros, saltos, mas giros, etc. Nos encontramos con que ya no se puede complicar mas sin poner en peligro la seguridad, y además tenemos grupos de alumnos avanzados que cogen rápidamente cualquier coreografía por complicada que sea y exigen cada día un nuevo retoque los motive. Es en ese momento en el que alguna cabeza pensante se le ocurre trabajar con frases cruzadas, que no es otra cosa que crear unidades o bloques coreográficos cuyos pasos no respetan los tiempos musicales supuestamente normales.

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Ejemplos: STEP: Subir al sep en los tiempos 1-2 o 5-6. Bajar del step en los tiempos 3-4 o 7-8. Una frase cruzada en el step supone subir al step en los tiempos 3 y 4 y bajar en los tiempos 1 y 2. AERÓBIC: Viña en los tiempos 1-2-3-4 Una frase cruzada en el aeróbic, al realizar un paso como la viña, seria realizarla por ejemplo en los tiempos 7-8-1-2Por tanto, como definición, diríamos que las frases cruzadas es un método de montaje de coreografías que nos permite dar un grado mayor de dificultad sin tener por ello que complicar mas los pasos con mas giros, contratiempos, saltos, y por tanto sin poner en peligro la seguridad. El aumento de la dificultad viene dado por la falta de apoyo musical del alumno, ya que la música viene montada en estructuras de 32 tiempos, que a la vez se dividen en cuatro frases de 8 tiempos, marcándonos la propia música el inicio de estas frases, es decir, los tiempos 1, 9, 17, 25 del bloque. Creando combinaciones múltiples de 8 tiempos, la propia música nos ayuda a ejecutar la coreografía; sin embargo, si creamos combinaciones de diferente numero de tiempos 6, 10, 9,17 la música es un estorbo que tiende a confundirnos, pese a que al final las combinaciones sumen 32 tiempos. Ejemplo: 8 + 8+ 8+ 8 = 32 6+ 6+ 3+ 12+ 5 =32 A su vez nos abre un abanico de posibilidades con respecto a la creación de pasos, que antes estaban limitados por los 8 convencionales.

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CUADRO EXPLICATIVO DE LAS FRASES CRUZADAS

1ª frase musical 8 tiempos


3 rodillas D 2 básicos I 8 tiempos 8 tiempos

BLOQUE MUSICAL 32 TIEMPOS



3 rodillas I 8 tiempos

2 básicos D 8 tiempos

BLOQUE COREOGRAFICO ESTÁNDAR 32 TIEMPOS

6 marchas D 6 tiempos

BLOQUE COREOGRAFICO FRASE CRUZADA 32 TIEMPOS Combinaciones pares

2 rodillas D 10 marchas I 4 rodillas I 6 tiempos 10 tiempos 10 tiempos

BLOQUE COREOGRAFICO FRASE CRUZADA 32 TIEMPOS Combinaciones impares sin cambio de pierna líder

Piso mambo marchas D Repetir la lateral, piso combinación Rodilla, caja En el step 7 tiempos 4 mambos D 4 mambos I 3 rodillas D 2 rodillas I 9 tiempos 9 tiempos 8 tiempos 6 tiempos

BLOQUE COREOGRAFICO FRASE CRUZADA 32 TIEMPOS combinación impar cambio de pierna líder

4.3 LA INSERCIÓN Y LA PARTICIÓN 

PARTICIÓN

Es el método por el cual se intercalan las estructuras sumadas previamente. 

INSERCIÓN

Es el método por el cual metemos una estructura en la mitad de la otra y así sucesivamente.

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ESTRUCTURA

8A = 8B 4A =4B PARTICIÓN

INSERCIÓN

8A +4B + 8B +4A

8A + 4B +4A + 8B

4.2.1 Clasificación de las inserciones. Las inserciones las podemos clasificar en función de multitud de aspectos, debe quedar claro que una inserción en concreto no pertenece solo a un grupo de clasificación sino que pertenece a todos ellos al mismo tiempo. Cada apartado nos da una posibilidad sencilla y otra más compleja. La inserción será más compleja cuantas más subclasificaciones difíciles comprenda. A Los diferentes aspectos en función de los cuales se clasifican las inserciones son los siguientes: 4.3.1.a. En función del número de estructuras que intervienen en la inserción. 4.3.1.b En función del lugar coreográfico en el que insertamos la segunda estructura. 4.3.1.c. En función del lugar musical en el que insertamos la segunda estructura. 4.3.1.d. En función del plano en que se efectúa la inserción. 4.3.1.e. En función del orden en el que se realiza estructura insertada.

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4.3.1.a. En función del número de estructuras: 4.3.1.a.1. Simples: Son aquellas en las que intervienen dos estructuras. Una se inserta dentro de la otra Ejemplo: A16t+ B8t

inserción

A8t + B8t +A8t

4.3.1.a.2. Múltiples: Son aquellas en las que intervienen mas de dos estructuras. Una vez insertada dentro de otra que a su vez se inserta dentro de una tercera Ejemplo: A la estructura del ejemplo anterior le insertamos una tercera C32t. C32t

inserción

A8t + B4t + C32t + B4t + A8t

Evidentemente la segunda posibilidad es mas complicada que la primera 4.3.1.b. En función del lugar coreográfico: 4.3.1.b.1. Concéntrica: Son aquellas en las que la segunda estructura la insertamos justo en el centro de la primera combinación. Ejemplo: A32 + B16

inserción

A16 + B16+ A16

4.3.1.b.2. Excéntrica: Son aquellas en las que la segunda estructura no la insertamos en el centro sino desplazado de este. - 35 -



Ejemplo: A32+B16

inserción

A8 + B16+ A24

4.3.1.c. En función del lugar musical: 4.3.1.c.1. Frase estándar: Son aquellas en las que la inserción se produce entre dos frases musicales coincidiendo de este modo la inserción perfectamente con la estructura marcada por la música. Ejemplo: A16 +B16

inserción

A8 + B16 + A8

4.3.1.c.2. Frase cruzada: Son aquellas en la que la inserción se produce sin respetar las frases musicales aumentando la complejidad al producirse un desfase en el tiempo entre las frases musicales y las frases coreográficas. Ejemplo: A16 + B16

inserción

A10 + B16 + A6

4.3.1.d. En función del plano: 4.3.1.d.1. Mismo plano: Son aquellas inserciones en las que al insertar la nueva estructura esta se sigue realizando en el mismo plano en el que fue enseñada. Ejemplo: A16 (4 marchas al frente + 1v derecha + 4 marchas atrás + 1 a derecha) B16(4 viñas en cuadrado)

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Inserción = A4 +16B + A12 - 4t marchas al frente - 16t cuadrado de viñas - 4t v derecha - 4t marchas atrás - 4t a derecha 4.3.1.d.2. Cambio de plano: Son aquellas en la que al insertar la nueva combinación esta ya no se realiza en el mismo plano en el que fue enseñado sino que cambia de plano Ejemplo: A16 (cuadrado de vinas) B16 (4 V derecha)

inserción

A8 + B16 + A8

½ cuadrado de viñas (8t) 4 v (16t) ½ cuadrado de viñas (8t) 4.3.1.e. En función del orden: Este caso solo se da cuando jugamos con estructuras bilaterales, es decir, aquellas en las que tiene una fase en la que domina una u otra lateralidad. 4.3.1.e.1. Sin cambio de orden: Son aquellas en las que se mantiene el orden en el que fueron enseñadas. Ejemplo: A32 + B16( 8D 8I)

inserción

A20+ 8D 8I +A12

4.3.1.e.2. Con cambio de plano: Son aquellas en la que la combinación bilateral insertada cambia de orden.

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Ejemplo: A32(16D 16I) + B16(8D 8I)

inserción

A16D +B8I+B8D +A16I

Haciendo un resuman esquemático de todo este cuadro podemos ir dando puntos a las diferentes opciones y de este modo convertir en algo cuantitativo, en numero algo tan cualitativo como la dificultad de una inserción. Daremos un punto a la opción simple y dos a la opción compleja. Si sumamos estos puntos nos dará una puntuación entre 5 y 10 que nos indicara la dificultad de la inserción desde el 5 que será la inserción más simple (ya implica bastante dificultad) hasta el 10 que seria la inserción más compleja. Nº DE COMBINACIONES

LUGAR COREOGRAFICO

SIMPLES 1 MULTIPLES 2

CONCÉNTRICA 1 EXCÉNTRICA 2

CLASIFICACION INSERCIONES

LUGAR MUSICAL

SEGÚN EL PLANO

SEGÚN EL ORDEN

FRASE ESTANDAR 1 FRASE CRUZADA 2

SIN CAMBIO DE PLANO 1 CON CAMBIO DE PLANO 2

SIN CAMBIO DE ORDEN 1 CON CAMBIO DE ORDEN 2 - 38 -



Tipos de particiones. 4.3.2.1 Partición simple. Es el método por el que partimos dos estructuras. 4.3.2.2 Partición triple Es el método de construcción coreográfica por el cual, sumamos y partimos 3 estructuras . La regla básica para las particiones es que las estructuras sumadas tienen que ser siempre impares entonces como mínimo tendremos que tener tres estructuras. El gráfico que presenta un bloque por partición triple es el siguiente: 16D = 16I A A 8D = 8I B1 B1 8D = 8I B2 B2 16D + 8I + 8D + 16I + 8D + 8I = 64: A B1 B2 A B1 B2 La partición triple es un método muy didáctico ya que se aprenden las tres propuestas coreográficas durante la suma antes de partirlas entre sí. Con este método mantenemos en toda la clase la bilateralidad y la compensación muscular. Ejemplo de partición triple desde la estructura por suma. Estructura por suma: -Estructura a Tres patadas alternas D-I-D Un básico I Tres patadas alternas I-D-I Un básico D

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-Estructura b Tres rodillas D Tres rodillas I -Estructura c Dos ciclos de cruce lateral D-I Dos ciclos de cruce lateral I-D Estructura por partición triple: Primera mitad del bloque: Tres patadas alternas D-I-D Un básico I Tres rodillas I Dos ciclos de cruce lateral D-I Segunda mitad del bloque: Tres patadas alternas I-D-I Un básico D Tres rodillas D Dos ciclos de cruce lateral I-D 4.3.2.3 Las particiones cruzadas. Es un método desafiante de construcción coreográfica, basado en partir otra vez el mismo bloque por partición. No lo clasificaremos dentro de los métodos globales ya que representa una segunda partición para el bloque de 64 tiempos. Habitualmente se refiere a partir lo partido porque en realidad segmentamos en partes más pequeñas la estructura que la habíamos partido previamente. Este tipo de partición puede surgir de un bloque que haya sido construido por cualquiera de los métodos anteriormente citados. Para el alumno implica reordenar las partes en una nueva combinación utilizando la misma coreografía y manteniendo el volumen musical de la estructura. Este método se puede aplicar con alumnos avanzados por su complejidad. Si en una clase enseñamos tres bloques o cuatro, es suficiente con transformar solo 1 en partición cruzada.

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El siguiente gráfico muestra una partición cruzada, habiendo partido ya los bloques sumados. 16 + 16 + 16 + 16 = 64 a b a b 8 + 8 + 8 + 8 + 8 + 8 + 8 + 8=64 a b a b a b a b Si la partición cruzada se realiza de un bloque determinado previamente con una partición triple los gráficos son los siguientes: 16 + 8 + 8+ 16 + 8 + 8 = 64 a b c a b c 8+ 8 + 8 + 8 + 8 + 8 + 8 + 8 = 64 a b a c a b a c No todos los bloques son compatibles para realizar una partición cruzada. En muchos casos, al cruzar la coreografía también cambia el lugar físico original de los ejercicios (ataque, dirección etc.), y esos cambios, no siempre nos aseguran correctas transiciones en la nueva ubicación de los pasos. vez.

Por eso hay que analizar bien las coreografías antes de cruzarlas otra

Es importante diferenciar también las particiones cruzadas de las frases cruzadas para evitar confusiones. La partición cruzada siempre parte las combinaciones coreográficas de un bloque por partición en partes más pequeñas, pero sin alterarlos. La frase cruzada deforma los ocho convencionales de la música en varios ejercicios al mismo tiempo quitando o agregando ciclos para compensar. Los bloques por partición cruzada pueden ser 2: Regulares o irregulares:

Regulares: Son todas las particiones cruzadas que implican intercalar ochos regulares dentro del bloque. 

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La nueva estructura coreográfica será diferente pero el volumen musical será el mismo que antes de partirlo. Irregulare s: Son todas las particiones cruzadas que implican intercalar fragmentos irregulares de música, en función de los ejercicios que lo compongan. 

Por ejemplo, cualquier bloque determinado con el método de modificación numérica cruzada, en general deforma los ochos convencionales como los mencionamos anteriormente. Por lo tanto, si realizamos una partición cruzada volviendo a partir ese bloque, el nuevo producto será cruzado e irregular. Ejemplo de partición cruzada irregular: Bloque inicial (con la inserción inicial ya realizada) Dos patadas alternas D-HI 16 tiempos da a Tres rodillas D Dos lunges desde arriba I-D 16 tiempos de b Dos cha-cha-cha D-I Todo igual liderando la pierna I

Inserción cruzada regular: Dos patadas alternas D-I Dos lunges desde arriba D-I Tres rodillas D Dos cha-cha-cha I-D

8 tiempos de a 8 tiempos de b 8 tiempos de a 8 tiempos de b

Todo igual liderando con la izquierda. Ejemplo partición cruzada irregular: Bloque inicial (ya determinado por inserción numérica) Cuatro rodillas D 10 tiempos Marcha en el suelo I 6 tiempos - 42 -

16 tiempos de a



Dos rodillas talón alternas I-D 8 tiempos Dos básicos I 8 tiempos

16 tiempos de b

Lo mismo liderando con la izquierda. Inserción cruzada irregular. Cuatro rodillas D Dos rodillas talón I-D Marcha en el suelo I Dos básicos I

10 tiempos de a 8 tiempos de b 6 tiempos de a 8 tiempos de b

Lo mismo liderando con la pierna izquierda Se pueden describir innumerables ejemplos de inserciones cruzadas irregulares que combinen segmentos musicales dispares. Lo importante es que respeten la estructura del sitio de inserción anterior, sin deformar los ejercicios que lo componen ni la naturaleza de sus transiciones.

4.4. INCREMENTO DE ESTRUCTURAS. Cuando rebajamos con coreografías muy complejas en las que vamos pasando por muchos pasos, desde la sencilla estructura básica inicial hasta el complejo producto final, nos encontramos con el problema de que si la combinación es muy larga (mayor de 16 tiempos) el proceso se hace interminable, ya que deberemos pasar por los 32 tiempos que dura la estructura básica tantas veces como haga falta para que los alumnos memoricen cada uno de los innumerables cambios que vayamos a realizando. Durante todo este proceso se corre el riesgo de que el alumno se aburra y descentre, bajando la intensidad del trabajo. Cuando nos ocurra esto, y para evitarlo, podemos utilizar el incremento de estructuras. Lo que hacemos es crear una estructura básica inicial más corta que la combinación final que queremos enseñar, va progresando esta estructura básica hasta que se nos queda corta, con lo cual el proceso se hace mas fluido desde el punto de vista didáctico; Cuando ya no podemos continuar porque no contamos con mas estructura básica, insertamos mas estructura básica, obteniendo, por tanto, mas materia prima para seguir construyendo coreografía. Es necesario destacar la importancia que adquiere la comunicación al incrementar esa nueva estructura básica. - 43 -



Este incremento de estructura no tiene porque detenerse en 32 tiempos, sino que se pueden crear combinaciones mas largas, pero corremos el peligro de aburrir al alumno, No por el hecho de repetir muchas veces la estructura básica, que era lo que pretendíamos evitar, sino por el hecho de repetir muchas veces el producto final ya enseñado. En este caso las progresiones que efectuamos en esta ultima estructura básica incrementada, deben llegar al producto final de un modo mucho más directo y por tanto reservado para alumnos de nivel mas avanzado. Para ello contamos con tres opciones de incrementar la estructura: -Añadido. -Insertado. -Aumento de repeticiones. 4.4.1. AÑADIDO: Es el método por el cual incrementamos la estructura básica a base de sumarla al final de la combinación ya enseñada, posteriormente seguiremos progresando empezando desde el principio de la combinación 4.4.2. INSERTADO: Es el método por el cual incrementamos la estructura básica insertándola en la combinación ya progresada acto seguido continuaremos progresando empezando desde el principio de la combinación. Lo que insertamos repentinamente es una paso base, como, por ejemplo, básicos, toques alternos, rodillas, marcha etc., que luego se van variando o sustituyendo hasta llegar al producto final. Ejemplo step: Tres rodillas alternas D-I-D Un paso básico I Tres rodillas alternas I-D-I Un paso básico D

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Ejemplo step: Tres rodillas D Dos V-I Tres rodillas I Dos V-D Ejemplo step: Un básico en L-D (frente-final) Dos across I-D Un paso básico en L-I (final-frente) Un paso básico en L-I (frente-final) Dos across D-I Un paso básico en L-D (final-frente) La inserción directa, nos permite en algunos casos solucionar problemas de balance muscular que serian muy notorios con un proceso de sumar y partir. De hecho, muchos ejemplos de suma presentan este inconveniente, que se supera solo después de haber intercalado los ejercicios. Ejemplo: Tres repeticiones de paso toco D Tres repeticiones de paso toco izquierda + cuatro ciclos de paso básico D Este es un caso de suma con un marcado desbalance, ya que la izquierda no participa en la ejecución de los básicos. Solo al partir, colocaremos dos ciclos de paso básico entre medio de los repetidores logrando finalmente el balance muscular. Para evitar el desbalance muscular por el proceso de suma es preferible trabajar con los repetidores y luego insertar los pasos básicos de forma repentina, tanto con la I como con la D. Aquí nos pasaría igual que el apartado anterior, una vez progresado el bloque insertaríamos mas estructura básica de repente y así tendremos mas estructura para crear coreografía. 

Progresiones parciales:

Esta progresión implica insertar el segmento unilateral de cuatro ciclos y continuar con toda la repetición del bloque, haciendo un cambio cada vez que pasamos por los cuatro ciclos que insertamos. La progresión parcial permite repetir toda la estructura del bloque. - 45 -



Este caso es muy útil cuando la parte unilateral es sencilla o tiene pocos cambios para llegar al producto final. De esa forma evitamos un proceso demasiado largo. 

Progresiones completas:

En este caso implica insertar los cuatro ciclos de la propuesta unilateral, pero manteniendo esta parte del bloque, hasta que se hayan realizado todos los cambios previstos. Luego se retoma la secuencia bilateral y al iniciar la propuesta unilateral con la otra pierna, se repite nuevamente el proceso y con los mismos cambios. En este caso es muy útil cuando la propuesta unilateral es muy compleja tiene progresiones muy largas. 4.4.3. AUMENTO DE REPETICIONES: Es el método por el cual incrementamos la estructura básica a base de aumentar las repeticiones de un determinado paso (mambos, rodillas, básicos, lunges, etc.)

4.5. REDUCCIÓN DE ESTRUCTURA. En la reducción de estructura básicamente diremos que en ciertas combinaciones nos apoyamos es una estructura básica complementaria para enseñarla mucho más fácil, y una vez terminado el proceso de enseñanza quitarla y sumarla al final de la combinación para seguir progresándola. Esa estructura básica que reducimos y añadimos al final no tiene que ser necesariamente la misma estructura básica de antes de reducirla si no que la podemos transformar en otra estructura diferente.

4.6. MODIFICACIÓN NUMÉRICA. En la modificación numérica cambiamos el volumen numérico de diferentes pasos sin alterar el volumen musical total .

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Estos cambios pueden ser por ejemplo cambiar rodillas por mambos o viceversa. En la construcción coreográfica simétrica veremos otro tipo de modificación numérica. Hasta ahora hemos visto como crear coreografía con ciertos recursos aunque al final es la imaginación del profesor la que da forma a todo el proceso pedagógico. 4.6.1 MODIFICACIÓN SIMPLE: La modificación numérica simple es un método que permite variar la coreografía sin alterar el volumen musical de la frase, es un paso previo para crear frases cruzadas pero es muy valido para empezar con los principiantes a jugar con los tiempos musicales. Ejemplo: Tres rodillas D-8t Tres rodillas I-8t Modificación: Dos rodillas D 6t Marcha I 2t Dos rodillas I 6t Marcha I 2t El instructor tiene que manejar bien la música en todos los casos, pero especialmente en este método, ya que se requiere mucha concentración y seguridad para utilizarlo. 4.6.2 MODIFICACIÓN FRASE CRUZADA: La modificación cruzada nos permite hacer combinaciones alterando la cantidad de repeticiones de los ejercicios base. Las modificaciones cruzadas implican ciertos desordenes en las frases de 8t pero siempre se compensan al cerrar 32t. Se requiere una buena capacidad de anticipación cuando lo usamos, ya que estas modificaciones se avisan son señas visuales, que afectan a dos o más ejercicios al mismo tiempo. Ejemplo: Tres repeticiones de paso toco D. Tres repeticiones de paso toco I. - 47 -



Cuatro rodillas alternas DI. Modificación numérica: Dos repeticiones de paso toco D Dos repeticiones de paso toco I Dos repeticiones de paso toco D Dos repeticiones de paso toco I Dos rodillas alternas D-I Análisis: La base es asimétrica unilateral. Cuando realizamos la modificación, cambiamos las tres rodillas por dos, realizando 4 ejecuciones con cada pierna Las dos rodillas tienen 6 tiempos musicales, por lo cual tenemos que reducir las rodillas a dos alternas. De esa forma cerramos la estructura en 32 tiempos. Ejemplo: Tres rodillas D 8 tiempos de marcha en el suelo Tres rodillas I 8 tiempos de marcha en el suelo Modificación numérica: Cuatro rodillas D 6 marchas en el suelo I Cuatro rodillas I 6 marchas en el suelo D Análisis: La base es simétrica bilateral. Cuando realizamos la modificación, cambiamos tres rodillas por cuatro. Las cuatro rodillas tienen 10 tiempos musicales, por lo tanto se compensa con las 6 marchas en el suelo Ejemplo: Dos V D Dos básicos en L (frente-final / final-frente ) D I Dos V I Dos básicos en L (frente-final / final-frente) I D

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Modificación numérica: Una V D Dos básicos en L (frente –final / final- frente) D I Un paso básico I Una V I Dos básicos en L ( frente –final / final –frente) I D Un básico D Análisis:

La base es una secuencia simétrica bilateral. Cuando realizamos a la modificación, afectamos únicamente la cantidad de ciclos que realizamos, eliminando un paso V. Para compensar el paso V que eliminamos, insertamos sorpresivamente un nuevo ciclo de paso básico. Esta es una dinámica completamente distinta a las anteriores, ya que la modificación numérica va directamente ligada a la inserción de un nuevo ejercicio. El nuevo producto coreográfico es una secuencia simétrica bilateral igual que la estructura de base. En este caso la propuesta nº 2 (secundaria) la insertamos en la propuesta nº1 (primaria. Así podemos insertar todas las propuestas que queramos.

4.7. RETROSPECTIVA: Los alumnos se adaptan fácilmente a estos métodos. Lo importante es que los conozcas y sepas manejarlos. Se puede trabajar con alumnos principiantes y avanzados, la complejidad al final se lo da la coreografía o producto final. Después de ver como se puede complicar las coreografías el buen Técnico no es el que controla todos los métodos si no el que adapta estos métodos a los alumnos que tiene en cada clase. Esperamos que toda esta teoría la apliquéis a vuestras clases y os facilite vuestro trabajo.

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Temario Aeróbic y Step - Técnico FEDA Nivel II A

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