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Tema 55: Teoría y función del arte. Análisis e interpretación de la obra de arte.

Tema 55

Teoría y función del arte. Análisis e interpretación de la obra de arte. Rafael Montes Gutiérrez

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Copyright © RAFAEL MONTES GUTIÉRREZ 2015 I.S.B.N. – 13 -978-84-616-5907-4


TEMA 55: Teoría y función del arte. Análisis e interpretación de la obra de arte Resumen. No existe una definición convincente de Arte que ofrezca una validez universal y que pueda ser aplicable al conjunto de las manifestaciones artísticas de todos los tiempos. Esta inexactitud en el concepto de Arte ha dado como resultado una profunda Teoría sobre el Arte, donde se analiza la función que cumple el Arte en las sociedades. Algo inequívoco es que la sociedad se expresa a través de sus manifestaciones artísticas —la obra de arte se convierte en el producto más elaborado de la sociedad que lo crea—. Analizar e interpretar la obra de arte nos adentra en el mundo de la Historia del Arte y en la necesidad de establecer una división entre forma y contenido en cada obra. El desarrollo de este tema seguirá el siguiente esquema: 1. Teoría del Arte Concepto de Arte Origen del Arte La Historia del Arte 2. La función del Arte En la Antigüedad y Edad Media En el Renacimiento En el siglo XVIII y siglo XIX En el siglo XX y siglo XXI 3. Análisis e interpretación de la obra de arte El conocimiento de la obra de arte La percepción del arte Los métodos de interpretación Aspectos de valoración de una obra de arte El estudio de la forma de la obra de arte El estudio del contenido de la obra de arte A nivel curricular los contenidos de este tema pueden ser trabajados en el curso escolar 2015/16 en el nivel de 2º de Bachillerato (Historia del Arte), tal y como establece el siguiente currículo autonómico: (en este apartado cada opositor menciona la legislación de la comunidad autónoma por la que se examina, pongo de ejemplo Madrid) - DECRETO 67/2008, de 19 de junio.

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1. TEORIA DEL ARTE CONCEPTO DE ARTE No resulta nada fácil acertar con una definición válida sobre el arte, pues puede decirse que existen tantas definiciones de arte como etapas y corrientes, opciones individuales y colectivas, géneros y especialidades se han producido a lo largo de la Historia. Cada época —y dentro de ésta, en función de las orientaciones estéticas y planteamientos de las diversas tendencias y especialidades— se han producido definiciones diferentes. Para los escritores del siglo XVIII la idea de arte era un concepto completamente distinto del que había supuesto para los humanistas y tratadistas del Renacimiento, los pensadores de la Edad Media o los artistas de nuestro siglo. A lo largo de la historia, las distintas definiciones que se han planteado en relación con el arte han sido pronunciamientos de artistas o teóricos surgidos en sintonía con los planteamientos y orientaciones de las distintas tendencias que representaban —es decir, eran definiciones históricas que se correspondían con las propuestas plásticas de cada momento—. Las ideas sobre el Arte de artistas del Renacimiento como Leon BattistaAlberti, Leonardo da Vinci y Alberto Durero resultan completamente distintas de las que tuvieron escritores como Johann Joachim Winckelmann o Gotthold Ephraim Lessing en el siglo XVIII, debido a que sus definiciones se ajustaban a los códigos formales en los que se inscribía la realización de las obras del sistema plástico de cada momento. Todas ellas presentan, en cambio, un elemento común en torno al cual se ha ido configurando durante siglos el núcleo de estudio de lo que entendemos como Historia del Arte: el estudio, análisis, definición de los objetos artísticos... Para empezar, nos puede valer la siguiente definición un tanto académica e imprecisa, que considera como artística a toda obra humana que tenga como finalidad, la de producir una emoción de tipo estético, es decir, el arte se concibe como la facultad de producir emociones estéticas. No obstante, existen muchas otras definiciones, valga por ejemplo una definición tradicional que considera el arte como la expresión de lo bello, lo cual conduce al estudio de las ideas estéticas a lo largo de la historia —porque el concepto de belleza constituye una apreciación subjetiva y mutable a lo largo de la historia—, por lo que se puede decir que esta definición alcanza su culminación con las teorías del "arte por el arte"; pero no es menos válida otra definición que considera al arte como el producto de una sociedad tecnológica, pues precisamente esta definición alcanza su culminación con la integración del arte en el proceso productivo industrial que llevó a vanguardias como el futurismo y el

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constructivismo, y finalmente condujo a la propia negación del arte también por las vanguardias —es el caso del dadaísmo—. De cualquier forma, todas las definiciones coinciden en introducir tres elementos de manera constante en la definición de arte, que son: el hombre, la civilización y la naturaleza. Todas ellas consideran al hombre como un elemento del arte. El hombre aparece como sujeto activo (creador) y como sujeto pasivo, ya que es el receptor de la obra artística. De entre los seres de la naturaleza, el único creador de arte es el hombre —hasta el punto de que muchos autores han considerado al arte como manifestación innata del ser humano, como algo casi instintivo—. De esto la famosa expresión: No hay arte sin hombre, pero quizá tampoco hombre sin arte. El otro elemento es la civilización, entendemos por civilización un conjunto de caracteres propios que presenta la vida colectiva de un grupo, y cuyos elementos son: el espacio geográfico, la sociedad, las formas económicas, las formas políticas, y la cultura, en tanto que entendemos el arte como parte de la vida cultural de un grupo podemos decir que una civilización se caracteriza por desarrollar unas formas artísticas determinadas. Y es que el Arte es el resultado más elaborado de la sociedad que lo crea; Platón lo definía como el idioma que todas las naciones pueden comprender. El último elemento es la naturaleza, el hombre no se limita a copiar y reproducir la naturaleza en sus obras artísticas, por el contrario, el hombre crea. El arte se entiende como la plasmación de un diseño mental en el que se produce una transformación intencionada de la naturaleza. Finalmente, añadir que el ámbito del arte se extiende por igual a la realización de obras encaminadas a la satisfacción de necesidades humanas, por ejemplo un bastón de mando del Magdaleniense, o a la satisfacción de las necesidades del espíritu, por ejemplo El beso de Klimt. Es en este último caso cuando se puede hablar de Arte con mayúsculas, y de artistas al referirnos a sus protagonistas. ORIGEN DEL ARTE La aparición del arte (a comienzos del Paleolítico Superior) no implica que la humanidad en sus orígenes fuese incapaz de crear arte, sino que necesitó un largo camino hasta adquirir "conciencia creadora". Esto explicaría que su obra, representaciones pictóricas de gran naturalismo en las zonas más profundas de las cuevas, con un carácter de santuario, tuviese una finalidad mágica relacionada con la caza. No obstante, el origen del Arte es ampliamente discutido y está actualmente en

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revisión; la mayor parte de los investigadores adjudican la aparición de cáscaras de huevo de avestruz pintadas en la Cueva de Bomblos (Sudáfrica) como la manifestación artística más antigua de la Humanidad. Así pues, el arte es casi tan antiguo como el hombre, en la medida en que es una particular forma de trabajo, y el trabajo es tan antiguo como la humanidad. Y es que el hombre trata de transformar la naturaleza mediante el trabajo, lo que nos conduce a la definición anterior: el arte se entiende como la plasmación de un diseño mental en el que se produce una transformación intencionada de la naturaleza. LA HISTORIA DEL ARTE Es Johann Joachim Winckelmann (1717-1768), célebre anticuario, arqueólogo e historiador alemán, el creador de la Historia de Arte como disciplina científica con su obra Historia del arte en la Antigüedad, publicada en Dresde en 1764. Winckelmann resucitó la utopía de una sociedad helénica fundada en la estética a partir del viejo ideal griego de la kalokagathia, esto es, la educación de la belleza y de la virtud con referencia al espíritu neoclásico, siendo así uno de los grandes teóricos del movimiento. Hoy en día se comprende por Historia del arte la ciencia que trata de analizar e interpretar las obras artísticas desde el punto de vista de sus relaciones con las épocas anteriores y sucesivas, de esta manera, la Historia del arte estudia la evolución de las sociedades humanas a través de la obra de arte. Puesto que el objeto formal de la Historia del Arte son las obras artísticas, conviene precisar que en toda obra se distinguen dos aspectos: la forma y su significado. 2. LA FUNCIÓN DEL ARTE Los objetos artísticos no siempre han desempeñado las mismas funciones, e incluso en muchas ocasiones y períodos de la Historia no han llegado a desempeñar una función artística. Es indudable que las pinturas de Altamira son una obra de arte, pero no debemos olvidar que su función original no fue esa, sino la expresión de un rito mágico y religioso. Las esculturas de las catedrales, los retablos barrocos, por ejemplo, son obras de arte que nacieron para desempeñar unas funciones completamente distintas de las que, por ejemplo, cumplen estas mismas obras si pasan a ser instaladas en un museo o una colección. Aunque el objeto es el mismo, la función cambia. Al trasladar a una colección o un museo una tabla gótica, una máscara negra, una vasija prehispánica o una pintura mitológica del Renacimiento o del Barroco, se produce una descontextualización que altera el significado y la

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función de las obras. Puede decirse que abandonan la función para la que fueron creadas para asumir otra muy distinta que se inscribe en las categorías creadas y establecidas por los historiadores del arte. En definitiva, el conocimiento que tenemos del Arte es la consecuencia de la Historia del Arte y de las formas particulares por las que ha discurrido el análisis de los objetos artísticos. De manera muy resumida podemos decir que el Arte cumple dos grandes funciones: • Estudiar la evolución de las sociedades humanas. Sacando a la luz aspectos económicos, sociales e incluso políticos. En no pocas ocasiones los únicos vestigios que han quedado de civilizaciones del pasado han sido los objetos artísticos, y del estudio de dichas obras se ha podido reconstruir la vida de los pueblos que han creado esa manifestación artística. • Formar estéticamente al contemplador de la obra de arte. Es pues un instrumento de la educación. Veamos ahora las diferentes interpretaciones de la función y del significado del Arte a lo largo de la Historia. EN LA ANTIGÜEDAD Y EDAD MEDIA Los sofistas y Sócrates concebían el arte como la plasmación de la perfección. El concepto de Platón era diferente, pues según él el alma humana, antes de encarnarse en el cuerpo (el soma es sema del alma) ha conocido el mundo de las ideas y conserva un recuerdo de ellas (conocer es recordar), siendo entre todas las ideas la del Bien la suprema, la cual la identifica con Dios. Según esto, la belleza es una idea metafísica que conduce a la del Bien; este filósofo distinguía diversos grados de belleza: en el primero se encontraría la belleza física o corporal, a la que seguiría la belleza del alma o belleza espiritual, en otro grado situaba la belleza moral, y finalmente, la belleza de las ciencias. Como la belleza conducía a la idea de Bien, Platón convertía el arte en instrumento de la educación de los ciudadanos, que era a su juicio la verdadera finalidad del arte. Con ello justificaba alguna forma de censura artística, al tiempo que abría el camino a un arte sometido a normas estéticas, lo que se denomina academicismo. Aristóteles no identifica a Dios con el Bien sino con la Inteligencia, con lo que se convertía en el precedente en la Antigüedad del método científico moderno. Si bien aceptaba los criterios platónicos de lo bello, no buscaba la belleza en el ideal inmóvil de Platón, sino en el poder creador del alma humana.

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Tomás de Aquino, siguiendo a Aristóteles y a diferencia de Platón, no creía en que pudiese existir un arte moralmente bueno o malo, ya que la moral se encuentra en el contemplador de la obra, e incluso en el artista —aunque la obra artística disfruta de una cierta independencia del artista con respecto al que la crea—. EN EL RENACIMIENTO Durante el Renacimiento tuvo lugar una importante valoración de la Antigüedad. Si bien es cierto que durante la Edad Media se había continuado bebiendo de las fuentes de la tradición clásica, sobre todo de la latina, el mundo clásico proporcionó los modelos a seguir; pero no se trataba de imitar sino de superar, por lo que esto llevaba a la búsqueda de un naturalismo idealizado: la aparición de la temática mitológica y un amor a la belleza como producto de la filosofía neoplatónica. Según el neoplatonismo de Marsilio Ficino, la belleza física es un reflejo de la belleza espiritual, paso hacia la unión con la idea de Bien (Dios). Proporción, belleza y armonía eran tres términos íntimamente ligados, pues la belleza se conseguía con la correcta proporción matemática de las figuras, lo que conducía a la armonía. EN EL SIGLO XVIII Y SIGLO XIX Immanuel Kant (1724-1804), el gran filósofo alemán, distinguía entre el gusto, que es la "facultad de juzgar lo bello" y el genio, que es la "facultad de crear". Frente a la finalidad de las cosas útiles, las cosas bellas tienen como finalidad su propia forma —he aquí una primera justificación del arte por el arte—. Las consecuencias más estrictamente pedagógicas de esta filosofía las realizará un discípulo de Kant: Schiller. Friedrich Schiller (1759–1805), aceptó la concepción kantiana de arte, pero propuso su propia concepción de hombre; mientras que para Kant la naturaleza humana estaba dominada por imperativos categóricos —era estática—, para Schiller la naturaleza humana era dinámica gracias a la influencia del arte como el mejor educador del hombre y factor de su liberación. Georg Wilhelm Friedrich Hegel (1770–1831) distinguía dos formas de belleza: la natural caracterizada por ser un producto inconsciente y la belleza artística valorada como superior por ser producto consciente.

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EN EL SIGLO XX Y SIGLO XXI Si nos damos cuenta, todas las teorías expuestas hasta ahora no explican la función que desempeña el arte en la sociedad, más bien dan una idea de Arte como expresión de lo bello. Fue Ernst Fischer (1899-1972) filósofo, político, escritor y periodista bohemio-checo de expresión alemana quien teorizó cobre cuestiones de la estética en su trascendental obra De la necesidad del arte (Von der Notwendigkeit der Kunst) publicada en 1959, quien realiza la primera aportación importante que explicaba la función del arte en la sociedad. Para Fisher el arte desempeña una función de primer orden, en parte porque el arte puede elevar al hombre desde el estado de fragmentación en el que vive al de ser integrado que aspira a ser, en parte porque el arte le permite comprender la realidad y el mundo que le rodea. Las nuevas tecnologías (electrónica, informática y telecomunicaciones) han tenido un alto impacto en la creación, difusión y función del arte en los últimos treinta años, dando lugar a lo que se está denominando Arte Digital. El Arte Digital ha asumido con una insultante naturalidad la herencia de los valores que han predominado en el arte de las últimas vanguardias, como son, entre otros, la fragmentación, la multiplicidad, la disolución de la autoría, la ubicuidad de la información, la ausencia de fuentes originales, etc. Un creador hoy, para ser y estar en armonía con su contemporaneidad, necesita de la tecnología, precisa utilizar tecnología como herramienta, como medio. Se ha convertido en una cuestión de supervivencia. Así nos lo comenta Jordi Claramonte Arrufat en La Republica de los Fines (2010) del CENDEAC (Centro de Documentación y Estudios Avanzados de Arte Contemporáneo). De este modo la expansión del Arte Digital en el siglo XXI no hace sino subrayar lo que Ernt Fisher vaticinara en 1959: el arte no sólo ha sido necesario en el pasado, sino que lo será siempre. 3. ANÁLISIS E INTERPRETACIÓN DE LA OBRA DE ARTE EL CONOCIMIENTO DE LA OBRA DE ARTE Podemos decir que el Arte es la suma de objetos artísticos que, con la diversidad de géneros, formas, materiales y estilos, se ha ido produciendo a lo largo de la Historia. A este respecto se puede también afirmar que cada período, cada género, cada artista y cada obra exigen una definición puntual, y que no es posible someter el arte a unas solas leyes y una definición única. Si el Arte es esta suma de objetos artísticos producidos a lo largo de la Historia, la Historia del Arte podría interpretarse como la ciencia o disciplina que estudia estos objetos artísticos.

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Ahora bien, aunque es cierto que el objeto de la Historia del Arte es el estudio de las obras de Arte, no lo es menos que otras disciplinas, que desde planteamientos muy distintos también se ocupan de estudiar y analizar las obras de arte. Un arqueólogo, un profesional de la estética o de la filosofía del arte estudian las obras de arte. Algunos sectores de la psicología han analizado las obras de arte al igual que la sociología se ha ocupado del fenómeno artístico desde supuestos diferentes. Sin embargo, ninguna de estas disciplinas tiene por objeto exclusivo el estudio de las obras de arte, sino solamente unos aspectos concretos de la Historia del Arte que les suministra apoyo para desarrollar el objetivo específico de sus disciplinas. Así la Historia del Arte, desde sus supuestos metodológicos, se plantea el análisis exclusivo de los objetos y fenómenos artísticos desde sus orígenes hasta el momento presente. LA PERCEPCIÓN DEL ARTE Si se compara, por ejemplo, el campo de estudio de la Historia del Arte del siglo XIX con el que presenta el momento actual, se comprobará que éste se ha ampliado sensiblemente; incluso con respecto a los "usos" de la Historia del Arte se ha producido una transformación radical que ha invertido por completo sus aplicaciones y planteamientos. En el siglo XVIII Winckelmann planteaba la Historia del Arte como el estudio de las obras de la Antigüedad para ser ofrecidas como un modelo inmutable, eterno y válido para los artistas del presente. Es evidente que en el siglo XX ningún estilo o arte del pasado se ha convertido en el modelo y el ejemplo de las normas, principios y leyes del arte. Las vanguardias, por el contrario, se han sucedido durante casi un siglo como todo lo contrario: como una suma de intentos planteados desde una supuesta negación del pasado. Es más, lo que se ha producido ha sido un efecto de signo y orientación completamente distintos. Ha sido el arte del siglo XX el que, debido a su complejidad y su sentido contrario a las imitaciones del arte del pasado, ha planteado una serie de acepciones que ha hecho que los historiadores del arte hayan valorado formas de expresión, estilos y concepciones plásticas que habían permanecido olvidadas durante siglos o que ni siquiera habían sido percibidas. El Museo o la colección descontextualizan las obras de las funciones para las que fueron creadas y les asigna otras completamente distintas. La tabla central de un tríptico flamenco que se había pintado para la capilla de una iglesia, cuando, separada de sus portezuelas, se instala en la galería o sala de un museo, pierde toda relación con su función original. No sólo el espacio, la colocación y la iluminación resultan completamente distintos, sino que su función original ha desaparecido para asumir otra completamente distinta: su exhibición para ser contemplada como obra de arte, catalogada, estudiada y contemplada por numerosos visitantes. Este fenómeno ha alcanzado en los últimos años una aceleración insospechada que ha

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transformado por completo la visión y funciones del arte. Las exposiciones, escasas y reservadas antaño para grandes conmemoraciones, se han multiplicado y convertido en un sistema habitual tan frecuente como la de los artistas contemporáneos que periódicamente exponen sus obras, produciendo amplias consecuencias y repercusiones de carácter sociológico. La exposición y el Museo, las ciudades artísticas y los Monumentos, las grandes exposiciones que son visitadas por miles de personas, incluso las publicaciones y reproducciones de arte, han convertido el arte en una expresión cultural de masas que introduce una nueva caracterización del fenómeno frente al espíritu puramente minoritario que había venido sustentando. LOS MÉTODOS DE INTERPRETACIÓN El catedrático de Estética y Teoría de las Artes de la UNED Simón Marchan Fiz en su obra Introducción a la Teoría del Arte (2010), considera que a diferencia del objeto de otras disciplinas, las obras de arte constituyen un fenómeno complejo, de significados múltiples y cambiantes. Se trata de analizar las formas y colores de la pintura, el volumen de una escultura, los componentes arquitectónicos, o la idea espacial de un edificio con palabras. Es decir, a diferencia de lo que sucede al analizar un texto literario o poético, en el que las palabras son analizadas a través de palabras, en la Historia del Arte los objetos artísticos son analizados con palabras, a través de un metalenguaje. Por ello una gran mayoría de los historiadores del arte actuales como Joaquín Yarza Luaces y Francisco Calvo Serraller se declaran abiertamente eclécticos, convencidos de que cada obra requiere un tratamiento diferente, de que ninguna metodología tiene la hegemonía para el estudio de los objetos artísticos y de que el historiador debe acudir, según lo que la obra de arte imponga, a los apoyos teóricos y metodológicos que se han venido elaborando, así como al estableciendo una aplicación funcional de los mismos que renuncie a los sistemas de análisis parcial. ASPECTOS DE VALORACIÓN DE UNA OBRA DE ARTE A la hora de hacer el análisis e interpretación de una obra de arte son tres los aspectos que se valoran: la técnica, la belleza, y el hecho de ser representativa de un momento histórico. Imaginemos que estamos delante de una obra de arte, esta puede ser digna de nuestra atención en la medida en que se acerque o se aleje de unos patrones académicos establecidos, lo cual no significa que sea "bella" (como dijimos el

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concepto de belleza constituye una apreciación subjetiva y mutable a lo largo de la historia), esta obra puede ser bella, y, sin embargo, también puede ser técnicamente muy superable —pero no por ello dejaremos de prestarle nuestra atención—. También puede ocurrir que esta obra tenga una valoración estética y técnica bastante escasa, pero presente un gran valor como documento histórico que permita reconstruir la vida de los pueblos que han creado esa manifestación artística —sólo por ello también reclamará nuestra atención como obra de arte—. No obstante, quisiera introducir aquí un comentario de Lessing en el siglo XVIII que demuestra que esta consideración no siempre ha sido así, el autor alemán decía que las obras de arte eran aquellas en las que la belleza ha sido para el artista su primera y última intención, y por ello negaba el valor artístico de una Iglesia románica, porque esta no había sido creada, sino un mero auxilio de la religión. En toda obra de arte se distinguen dos elementos: una forma y un contenido. La forma artística hace referencia a su apariencia externa, en ella se plasma no sólo la genialidad del artista, sino también toda la sabiduría y las experiencias acumuladas por los artistas precedentes. El contenido de una obra de arte hace referencia al "fondo" o la esencia de dicha obra artística. EL ESTUDIO DE LA FORMA DE LA OBRA DE ARTE En opinión de Úrsula Hatje en Historia de los estilos artísticos (1999), el estudio de la forma de la obra de arte nos adentra en el estudio evolutivo de los estilos artísticos. El término estilo —del griego stylos (punzón, estilete para escribir)— viene a significar etimológicamente la "letra" o el modo especial de escribir de un artista, de un grupo, de una región o de todo un periodo. El punto de partida del concepto de estilo arranca de los estudios de Winckelmann sobre el arte griego —más tarde Herder haría lo propio con el gótico—; estos estudios constituyen la base del proceso de recuperación y mitificación del arte clásico iniciado en el siglo XVIII, y fue precisamente esta sobrevaloración del arte de la antigüedad grecorromana lo que posibilitó que se considerara al clásico como el estilo por excelencia de la Ilustración del siglo XVIII. Los demás estilos se estudiaban en función de este, hasta el punto de que su seriación —clásico, postclásico, románico, gótico, renacentista, manierista, barroco, rococó y neoclásico— respondía más a la valoración comparativa de estos estilos con relación al arte clásico (en la medida en que sus formas se acercaran o alejaran de este) que a sus valores intrínsecos. Baste recordar el carácter peyorativo que está en la raíz etimológica de muchas de estas denominaciones, como gótico (de los godos) o barroco (que viene del portugués y que significa perla defectuosa)

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Fue en el siglo XIX —con el positivismo— cuando se acuñó el término "estilo de época"; el positivismo defendía a ultranza la objetividad del hecho artístico, de ahí la importancia del dato, por lo que estamos hablando de una Historia del Arte historizante. Sin embargo, la aportación fundamental al estudio de los estilos artísticos la debemos a Heinrich Wölfflin, en cuya obra Conceptos fundamentales de la historia del Arte (1915), centró su preocupación en evolución de los estilos artísticos, en su nacimiento, madurez y decadencia. Para el gran historiador suizo, los estilos eran entes dotados de autonomía, desligados del contexto socioeconómico, político y cultural, este enfoque conducía "hacia una historia del arte sin nombres" y se oponía directamente al positivismo erudito imperante hasta entonces. Estilo es por lo tanto un concepto fundamental en la historia del arte, pues sin él tendríamos sólo una historia de los artistas con su catálogo de obras. En el fondo, la Historia del Arte tal y como la concebimos y la estudiamos es en realidad la historia formal de los estilos artísticos, lo cual ofrece una considerable ventaja a la concepción de la Historia del Arte como el estudio formal de las obras artísticas. Estas son esas ventajas: enunciar las características principales que definen dicho estilo artístico, distinguir los rasgos comunes de un grupo, región o periodo —al mismo tiempo que permite estudiar la evolución "estilística" de un artista concreto—, situar la obra de arte y los artistas en una cronología precisa —e incluso en un ámbito geográfico (nacional, regional etc.) concreto—, y reconocer y diferenciar al genio del artista de segunda fila. Los tratadistas del siglo XIX establecieron una muy discutible división —en apariencia muy simplista— de los estilos. Entendían que cada estilo evolucionaba como si de un ser vivo se tratara, es decir, a través de distintas fases de gestación y nacimiento, formas juveniles y maduras, hasta llegar hasta una fase de vejez y decadencia. Dichas fases son las siguientes: • Arcaica. Fase en la que los artistas luchan por el dominio de la técnica (todavía incipiente) y la creación de la forma artística. Tomando por ejemplo la antigüedad clásica, la fase arcaica correspondería con el período del arte griego anterior al siglo V a.C. y que convencionalmente así se denomina. En el Renacimiento italiano esta fase arcaica podría corresponder con las experiencias de Giotto di Bondone en el gótico final, y las experiencias de los artistas en ese gran "laboratorio" que fue la Florencia del Quattrocento. • Clásica. Fase donde la forma artística alcanza el equilibrio y la perfección, que se convierte en modelo ideal a imitar por las generaciones venideras.

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Siguiendo con nuestros ejemplos, se correspondería con la Atenas del siglo V a.C. y con el Clasicismo renacentista. • Manierista. Fase de inicio de la decadencia y ruptura de la forma equilibrada y perfecta del clasicismo. Estas son sus características: la forma abandona el equilibrio y adopta una tensión dramática y gana fuerza expresiva, y se abandona el lenguaje sencillo por temas y composiciones complejas de muy difícil entendimiento —es un estilo intelectual y elitista—. En la antigua Grecia se corresponde con la crisis del siglo IV a.C. En el Renacimiento coincide precisamente con el Manierismo, de donde toma el nombre, bajo la consideración que el artista se limita a copiar a los genios "alla maniera", de donde se deriva su etimología. Hoy felizmente está superada esta visión simplista, por el contrario, valoramos a las fases manieristas como el fruto de la crisis del lenguaje clásico. • Barroca. Fase de ruptura total con el lenguaje clásico. Estas son sus características: expresión de los sentimientos sobre la razón, tendencia a lo artificioso y complicado para sorprender y causar admiración, tendencia al dinamismo, a plasmar el movimiento —lo que se traduce en composiciones complejas—, tendencia al realismo —que llega a mostrar los aspectos más dolorosos de la vida—, tendencia a juegos de luces, sombras y colores, y tendencia a la representación de los volúmenes desde varios puntos de vista. Según nuestros ejemplos corresponde con el período helenístico (siglo III a.C.) y el estilo Barroco del siglo XVII. A pesar de lo simplista que pudiera parecer este planteamiento y del hecho de que esté superado en buena medida, aun hoy en día son muchos los libros de Historia del Arte que lo siguen utilizando, bien sea por comodidad o simplemente por inercia. No obstante, este esquema presenta un indudable valor pedagógico y puede ser utilizado como punto de partida para acometer el estudio de un estilo. El ESTUDIO DEL CONTENIDO DE LA OBRA DE ARTE Cuando se analiza el contenido de una obra de arte, es decir, el "fondo" o la esencia de dicha obra artística, nos adentramos en la interpretación del significado de la misma. Siempre que estudiemos el contenido de una obra debemos realizar el estudio a cuatro niveles, un nivel sociológico, psicológico, iconográfico e iconológico.

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NIVEL SOCIOLÓGICO A este nivel estudiamos la sociedad en la que surge la obra y en la que vive el artista, el grado de valoración social del mismo, la clase social que patrocina la obra de arte, etc. Los primeros estudios en este sentido se deben a la obra Historia social de la Literatura y el Arte (1951) del historiador húngaro Arnold Hauser, quién investigó el origen de los estilos artísticos a partir de las transformaciones sociales. NIVEL PSICOLÓGICO A nivel psicológico centraremos nuestra atención en los aspectos de la personalidad del artista, así como la actitud del mismo hacia su propia obra, hacia el mundo que le rodea, hacia su vida y hacia la vida en general. Dicha actitud puede ser muy variada: • Impasibilidad: cuando el artista se desentiende de su obra y pretende plasmar la realidad objetiva, como el caso de Diego Velázquez. • Expresionista: el artista influye en la obra de tal manera que incluso llega a la deformación intencionada de la realidad; en no pocas ocasiones ello es el reflejo de un espíritu atormentado, tal y como se aprecia en Francisco de Goya, Vincent Van Gogh, los maestros expresionistas alemanes del siglo XX, o los artistas del Barroco español. • Surrealista: esta actitud es propia de la pintura. El artista manifiesta un rechazo a lo racional, un interés por el mundo de lo onírico (sueño), el subconsciente y lo fantástico, y además afirma todo lo negado por la moral convencional. Es siempre un arte individualista, ello es patente en El Bosco, William Blake, Goya, Salvador Dalí, etc. NIVEL ICONOGRAFICO Y ICONOLÓGICO Erwin Panofsky, en su obra Estudios sobre iconología (1939), considera la iconografía como una ciencia fundamental a la hora de comprender el significado de la obra de arte. El estudio iconográfico supone la explicación de las representaciones figuradas en el objeto artístico —que pueden referirse a un personaje histórico, a una entidad, a una idea, o bien ser imágenes relativas de una época, una civilización o una religión—. Finalmente es estudio iconológico aquel que se encarga de la interpretación de las representaciones gráficas que gozan de carácter simbólico, es decir, imágenes que quieren decir mucho más de lo que aparentan.

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CONCLUSIÓN (recomiendo personalizarla) En este tema nos hemos acercado a una definición de Arte, tarea harto complicada como acabamos de demostrar. Lo más curioso de todo es que, a pesar de esas dificultades, el ser humano goza de la capacidad de apreciar el arte, crearlo y diferenciarlo; para algunos autores esta facultad es algo innato, pero para otros requiere una formación estética. En cualquier caso, el Arte ha estado presente en nuestras sociedades desde la más temprana formación de estas, constituyendo el vehículo de expresión más elaborado de las mismas en su conjunto. Probablemente sea esta la más importante función del arte, servir de mecanismo de expresión del comportamiento simbólico del ser humano y de las sociedades que los hombres constituyen. BIBLIOGRAFÍA (recomiendo comentarla tal y como indico en mis "consejos de estudio") • ALCINA FRANCH, J., BARANDIARÁN, I., BENDALA GALÁN, M., ELVIRA, M. A., GARCÍA ORMAECHEA, C., JIMÉNEZ, J., HARTT, F. (1989): Historia de la pintura, escultura y arquitectura. Editorial Akal, Madrid. • HONOUR, H. y FLEMING, J. (1986): Historia del Arte, Editorial Reverte, Barcelona. • HATJE, Úrsula (1999): Historia de los estilos artísticos. Editorial Istmo, Madrid. • VV.AA. (1990): Summa Artis. Historia general del Arte. Espasa Calpe, Madrid. • VV.AA. (1994): Colección cuadernos de Historia del Arte. Editorial Historia 16, Madrid. • VV.AA. (2011): Mil obras para descubrir el Arte, Ediciones Larousse, Barcelona. • YARZA, J.; CALVO SERRALLER, F. (1997): Fuentes de la historia del arte. Editorial Historia 16, Madrid. • MARCHÁN FIZ, Simón (2010): Introducción a la Teoría del Arte. Editorial UNED. Madrid • CLARAMONTE ARRUFAT, Jordi (2010): La Republica de los Fines. Editorial CENDEAC, Murcia.

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ANEXO BASTÓN DE MANDO MAGDALENIENSE

EL BESO DE KLIMT

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